Początki sztuki krajów arabskich są złożone. W Arabii Południowej sięgają one do kultur państw Sabaean, Minean i Himyarite (I tysiąclecie p.n.e. - VI w. n.e.), związanych z Morzem Śródziemnym i Wschodem. Afryka. Starożytne tradycje można odnaleźć w architekturze domów Hadhramawta w kształcie wieży i wielopiętrowych budynków w Jemenie, których fasady ozdobiono kolorowym reliefowym wzorem. W Syrii, Mezopotamii, Egipcie i Maghrebie style średniowiecznej sztuki arabskiej również kształtowały się lokalnie, doświadczając pewnych wpływów kultur irańskich, bizantyjskich i innych.
Architektura. Główną budowlą religijną islamu był meczet, w którym na modlitwę gromadzili się wyznawcy proroka. Meczety składające się z ogrodzonego dziedzińca i kolumnady (co zapoczątkowało meczet typu „dziedziniec” lub „kolumna”) w I połowie VII wieku. powstały w Basrze (635), Kufie (638) i Fustat (lata 40. VII w.). Typ kolumny przez długi czas pozostawał głównym w monumentalnej architekturze sakralnej krajów arabskich (meczety: Ibn Tulun w Kair, IX wiek; Mutawakkil w Samarze, IX wiek; Hassan w Rabacie i Koutoubia w Marakeszu, oba XII w.; Wielki Meczet w Algierze, XI w. itd.) i wpłynęły na muzułmańską architekturę Iranu, Kaukazu, śr. Azja, Indie. W architekturze rozwinęły się również konstrukcje kopułowe, czego wczesnym przykładem jest ośmiokątny meczet Kubbat As-Sahra w Jerozolimie (687-691). W przyszłości różne budowle sakralne i pamięciowe uzupełniane są kopułami, najczęściej zwieńczone są mauzoleami nad grobami sławnych ludzi.
Od XIII wieku do początku XVI wieku. Architektura Egiptu i Syrii była ściśle ze sobą powiązana. Przeprowadzono duże fortyfikacje: cytadele w Kairze, Aleppo (Aleppo) itp. W ówczesnej monumentalnej architekturze zasada przestrzenna, która dominowała w poprzednim etapie (meczet na dziedzińcu) ustąpiła miejsca majestatycznym bryłom architektonicznym: nad gładką powierzchnią potężnych ścian i dużych portali z głębokimi niszami wznoszą się wysokie bębny niosące kopuły. Powstają majestatyczne budynki cztero-aivana (zob. Iwan) typu (wcześniej znanego w Iranie): maristan (szpital) w Kalaunie (XIII w.) i meczet Hasana (XIV w.) w Kairze, meczety i medresy (szkoły duchowe) w Damaszku i innych miastach Syrii. Powstają liczne kopulaste mauzolea, niekiedy tworzące malowniczy zespół (cmentarz mamelucki w Kairze, XV-16 w.). Do dekoracji ścian na zewnątrz i wewnątrz, wraz z rzeźbieniem, szeroko stosuje się intarsję z wielobarwnego kamienia. W Iraku w XV-XVI wieku. w wystroju zastosowano kolorową glazurę i złocenia (meczety: Musa al-Kadima w Bagdadzie, Hussein w Karbali, Imam Ali w Nadżafie).
Rozkwitał w X-XV wieku. Arabska architektura Maghrebu i Hiszpanii. W dużych miastach (Rabat, Marrakesz, Fes itp.) budowano kasby – cytadele, ufortyfikowane potężnymi murami z bramami i wieżami oraz mediny – kwatery handlowe i rzemieślnicze. Wielkie, kolumnowe meczety Maghrebu z wielopoziomowymi, kwadratowymi minaretami wyróżniają się obfitością przecinających się naw, bogactwem rzeźbionych ornamentów (meczety w Tlemcen, Taza itp.) i są wspaniale ozdobione rzeźbionym drewnem, marmurem i mozaikami kamienie wielobarwne, jak liczne medresy 13-14 wieków w Maroku. W Hiszpanii obok meczetu w Kordobie zachowały się inne wybitne zabytki architektury arabskiej: minaret La Giralda, wzniesiony w Sewilli przez architekta Jebera w latach 1184-96, brama do Toledo, pałac Alhambra w Granadzie - arcydzieło arabskiej architektury i sztuki zdobniczej XIII-XV wieku. Architektura arabska wpłynęła na architekturę romańską i gotycką Hiszpanii ("styl mudejar"), Sycylii i innych krajów śródziemnomorskich.
Sztuki dekoracyjne i plastyczne. W sztuce arabskiej żywo urzeczywistniała się zasada dekoracyjności, charakterystyczna dla myśli artystycznej średniowiecza, dając początek najbogatszemu ornamentowi, szczególnemu w każdym z regionów świata arabskiego, ale połączonemu ogólnymi prawami rozwoju. Arabeska, sięgająca motywów antycznych, jest tworzona przez Arabów nowy typ wzór, w którym matematyczny rygor konstrukcji łączy się ze swobodną wyobraźnią artystyczną. Opracowano także ornament epigraficzny - wykonane kaligraficznie inskrypcje wchodzące w skład dekoracyjnego wzoru.
Ornament i kaligrafia, które były szeroko stosowane w dekoracji architektonicznej (rzeźba w kamieniu, drewnie, pukanie), są również charakterystyczne dla sztuki użytkowej, która osiągnęła wysoki rozkwit i szczególnie w pełni wyrażała zdobniczą specyfikę sztuki arabskiej. Ceramikę ozdobiono kolorowym wzorem: glazurowane sprzęty domowe w Mezopotamii (środki - Rakka, Samarra); naczynia malowane złotymi żyrandolami w różnych odcieniach, wykonane w Egipcie Fatymidów; Hiszpańsko-mauretańska ceramika połyskująca z XIV-XV wieku, która wywarła wielki wpływ na europejską sztukę użytkową. Światową sławę cieszyły się również jedwabne tkaniny arabskie - syryjskie, egipskie, mauretańskie; Arabowie robili również dywany z runami. Do ozdabiania artystycznych przedmiotów z brązu (misek, dzbanów, kadzideł i innych przyborów) używa się najdoskonalszych grawerów i inkrustacji ze srebra i złota; wyroby z XII-XIV wieku wyróżniają się szczególnym kunsztem. Mosul w Iraku i kilka centrów rękodzielniczych w Syrii. Słynne było syryjskie szkło pokryte najwspanialszą emalią oraz egipskie wyroby z kryształu górskiego, kości słoniowej i drogiego drewna ozdobionego wykwintnymi rzeźbionymi wzorami.
Rozwinęła się sztuka w krajach islamu, wchodząca w złożone interakcje z religią. Meczety, a także święta księga Koranu ozdobione były wzorami geometrycznymi, roślinnymi i epigraficznymi. Jednak islam, w przeciwieństwie do chrześcijaństwa i buddyzmu, odmówił szerokiego wykorzystania sztuk pięknych do promowania idei religijnych. Ponadto w tzw. autentyczne hadisy, zalegalizowane w IX wieku, zawierają zakaz przedstawiania żywych istot, a zwłaszcza ludzi. Teologowie XI-XIII wieku (Ghazali i inni) te obrazy zostały uznane za najcięższy grzech. Jednak artyści przez całe średniowiecze przedstawiali ludzi i zwierzęta, sceny prawdziwe i mitologiczne. W pierwszych wiekach islamu, gdy teologia nie wypracowała jeszcze swoich kanonów estetycznych, obfitość realistycznych obrazów i rzeźb w interpretacji obrazów i rzeźb w pałacach Umajjadów świadczyła o sile przedislamskich tradycji artystycznych. W przyszłości przedstawienie w sztuce arabskiej tłumaczy się obecnością zasadniczo antyklerykalnych poglądów estetycznych. Na przykład w „Przesłaniach Braci Czystości” (X w.) sztukę artystów określa się „jako naśladowanie obrazów istniejących przedmiotów, zarówno sztucznych, jak i naturalnych, zarówno ludzi, jak i zwierząt”.
Meczet w Damaszku. VIII w. Wnętrze. Republika Syryjsko-Arabska.
Mauzolea na cmentarzu mameluckim pod Kairem. 15 - błagam. XVI wieki Zjednoczona Republika Arabska.
Malarstwo W Egipcie w X-XII wieku rozkwitło dzieła sztuki: wizerunki ludzi i sceny rodzajowe zdobiły ściany budynków w mieście Fustat, naczynia ceramiczne i wazony (mistrz Saad i inni), wplecione we wzór kości i drewna rzeźba (panel XI w. z pałacu Fatymidów w Kairze itp.), a także tkaniny lniane i jedwabne; Naczynia z brązu zostały wykonane w postaci figurek zwierząt i ptaków. Podobne zjawiska miały miejsce w sztuce Syrii i Mezopotamii w X-XIV wieku: sceny dworskie i inne zawarte są w przepięknej gonionej ornamencie przedmiotów z brązu z intarsją, we wzór malowideł na szkle i ceramice.
Wspaniały początek był mniej rozwinięty w sztuce arabskiego Zachodu. Jednak powstały tu także rzeźby dekoracyjne w postaci zwierząt, wzory z motywami żywych stworzeń, a także miniatury (rękopis „Historia Bajady i Rijadu”, XIII w., Biblioteka Watykańska). Sztuka arabska jako całość była jasnym, oryginalnym zjawiskiem w historii światowej kultury artystycznej średniowiecza. Jego wpływ rozciągał się na cały świat muzułmański i wykraczał daleko poza jego granice.
4. Architektura jako forma sztuki
Architektura jest jednym z najstarszych rodzajów sztuki, wyrażającym w budynkach sakralnych i użyteczności publicznej światopogląd ludzi w określonej epoce historycznej, pewien styl artystyczny ARCHITEKTURA (łac. artystycznie zorganizowane środowisko życia ludzkiego. Również sztuka kształtowanie tego przestrzennego otoczenia, kreowanie nowej rzeczywistości, która ma znaczenie funkcjonalne, przynosi korzyści człowiekowi i dostarcza przyjemności estetycznej. Termin obejmuje projekt wyglądu konstrukcji; organizacja przestrzeni wewnętrznej; dobór materiałów do zastosowań zewnętrznych i wewnętrznych, projektowanie systemów oświetlenia naturalnego i sztucznego oraz systemów wsparcia inżynierskiego; zaopatrzenie w energię elektryczną i wodę; projekt dekoracyjny Każdy z budynków ma określony cel: do życia lub pracy, wypoczynku lub nauki, handlu lub transportu. Wszystkie są trwałe, wygodne i niezbędne ludziom – to ich obowiązkowe właściwości.
Rodzaje architektury
Istnieją trzy główne typy architektury:
Architektura struktur trójwymiarowych, w tym budowle sakralne i fortyfikacje, budynki mieszkalne, budynki użyteczności publicznej (szkoły, teatry, stadiony, sklepy itp.), budynki przemysłowe (fabryki, fabryki itp.);
Architektura krajobrazu związana z organizacją przestrzeni ogrodnictwa krajobrazowego (skwery, bulwary i parki z „małą” architekturą – altany, fontanny, mostki, schody)
Urbanistyka obejmująca budowę nowych miast i miasteczek oraz odbudowę starych obszarów miejskich.
Style architektury
Architektura jest ściśle związana z życiem społeczeństwa, jego poglądami i ideologią.Architektura starożytnej Grecji opiera się na idei osoby doskonałej, rozwiniętej fizycznie i duchowo. Starożytni architekci budowali wszystkie swoje budynki zgodnie z proporcjami ludzkiego ciała, uosabiając harmonię, sprzeciw wobec żywiołów natury, majestatyczną przejrzystość i człowieczeństwo.„Styl epoki” (romański, gotycki itp.) wyrasta głównie w tych historycznych okresy, w których postrzeganie dzieła sztuki charakteryzuje się inną nieelastycznością porównawczą, kiedy wciąż łatwo dostosowuje się do zmiany stylu.
Wielkie style - romański, gotyk, renesans, barok, klasycyzm, empir / odmiana późnego klasycyzmu / - są zwykle uznawane za równorzędne i równorzędne.Rozwój stylów jest asymetryczny, co zewnętrznie wyraża się w tym, że każdy styl stopniowo się zmienia od prostych do złożonych; jednak od złożonego do prostego, powraca tylko w wyniku skoku. Dlatego zmiany stylistyczne następują w różny sposób: powoli - od prostego do złożonego, skokowo - od złożonego do prostego.Styl romański zostaje zastąpiony przez gotyk na ponad sto lat - z połowy XII wieku. do połowy XIII wieku. proste formy architektury romańskiej stopniowo przeradzają się w skomplikowany styl gotycki, w obrębie gotyku dojrzewa renesans, a wraz z nadejściem renesansu ponownie rozpoczął się okres poszukiwań ideologicznych, wyłaniania się integralnego systemu światopoglądowego. A jednocześnie zaczyna się od nowa proces stopniowego komplikowania i rozpadu prostego: renesans się komplikuje, a po nim przychodzi barok. Barok z kolei staje się bardziej złożony, w niektórych rodzajach sztuki (architektura, malarstwo, sztuka użytkowa) przechodzi w rokoko. Potem znowu następuje powrót do prostoty, aw wyniku tego skoku barok zostaje zastąpiony klasycyzmem, którego rozwój w niektórych krajach został zastąpiony przez imperium.
Powody zmiany par stylów są następujące: rzeczywistość nie wybiera stylu spośród istniejących, ale tworzy nowy styl i przekształca stary. Utworzony styl jest stylem podstawowym, a styl przekształcony jest stylem drugorzędnym.
Architektura ojczyzny
Architektura regionu grodzieńskiego
Kościół Borisoglebskaya (Kolozhskaya), zabytek starożytnej architektury rosyjskiej drugiej połowy XII wieku.
Zamek w Mirze, wpisany na Listę UNESCO, Zamek Lidzki (XIV-XV w.)
Architektura obwodu mińskiego
Kościół Archikatedralny Najświętszej Marii Panny (druga połowa XVII – początek XVIII w.)
Kościół św. Szymona i Heleny (Czerwony Kościół) - zabytek architektury neogotyckiej o cechach secesyjnych (1908 - 1910)
Zespół pałacowo-parkowy w Nieświeżu (XVII–XVIII w.)
Kościół Bernardynów we wsi Budsław, powiat Miadel, zabytek architektury barokowej (XVIII w.)
Architektura obwodu witebskiego
Sobór Zofii, zabytek architektury z XI-XVIII wieku.
Kościół Zbawiciela Eufrozyny, zabytek starożytnej architektury rosyjskiej (1152 - 1161). Na ścianach i kolumnach zachowały się unikatowe freski.
Literatura:
1. Gerchuk J.L. Podstawy piśmienności artystycznej. –M., 1998
2. Daniłow V.N. Metody nauczania sztuk plastycznych i pracy artystycznej. Mn., 2004
3. Kasterin N.P. rysunek edukacyjny. –M.: Oświecenie, 1996
4. Lazuka B. Sloўnіk terminaў pa arhіtektury, vyyaўlenchamu dekaratyўna-prykladnomu mastatstvu. - pon., 2001 r.
5. Niemenski B.M. Pedagogika sztuki. –M.: Oświecenie, 2007
Architektura, design, sztuka i rzemiosło należą do użytkowych form twórczości artystycznej. To znaczy rozwiązują problemy użytkowe - ruch, organizacja życia codziennego, miasta, mieszkania, różne typy życia ludzkiego i społeczeństwa. w odróżnieniu kreatywność artystyczna(sztuki piękne, literatura, teatr, kino, poezja, rzeźba), które tworzą tylko wartości duchowe, kulturowe i estetyczne, które nie mają wartości użytkowej.
Projekt różni się od dekoracyjnego sztuka użytkowa technologiczna produkcja masowa, w przeciwieństwie do rękodzieła w grudniu Sztuka użytkowa. Architektura i design, będące pojęciami pokrewnymi, różnią się jedynie skalą przestrzenną; miasto, osiedle, kompleks, budynek w architekturze i otoczeniu wnętrza ulicy, wzornictwo przemysłowe, sztuka. projektowanie w „designie”, ale na przykład wnętrze i architektura krajobrazu jest przedmiotem zarówno architektury, jak i designu.
Design i architektura to działania użytkowe i artystyczne mające na celu stworzenie środowiska przedmiotowo-przestrzennego. Architektura to starsza koncepcja, design jest bardziej nowoczesny, ale różnica między nimi jest minimalna, często nie do odróżnienia.
Projektant form - pejzaż, plac, element środowiska miejskiego - kiosk, fontanna, przystanek, lampa zegarowa, wiatrołap /, pokój, meble, gabinet, wnętrze.
Przestrzenie wewnętrzne kształtuje architekt, a nasycenia projektanta często dokonuje jeden lub drugi, co praktycznie świadczy o bliskości, a często nie do odróżnienia zawodu architekta. i projektant.
Architektura i design należą do sztuka ekspresyjna, które nie odzwierciedlają bezpośrednio rzeczywistości, ale ją tworzą. w odróżnieniu sztuki piękne(malarstwo, grafika, literatura, teatr, rzeźba) w artystyczny sposób odzwierciedlające rzeczywistość materialną i duchową.
Wykład 1. Metodologia projektowania
1. Związek między społecznym i ideologicznym stanem społeczeństwa a designem.
Współczesna praktyka „nowego eklektyzmu”
2. Metoda kreatywna - metoda profesjonalna - "indywidualny sposób".
Interakcja metod na różnych etapach twórczości.
Interakcja metody i etapów działalność zawodowa
Przykłady są różne
3. Subiektywny i obiektywny w procesie twórczym.
- Każda działalność, a w większym stopniu twórcza jak projektowanie, jest powiązana i odzwierciedla społeczną organizację społeczeństwa za jej pomocą, rozwój kulturowy, estetyczne ideały……. Egipt odzwierciedla całkowite ubóstwienie obiektywnego świata i architektury, średniowiecze, sprzeciw, klasycyzm, konstruktywizm. W XX wieku doświadczyliśmy upadku historyzmu, narodzin modernizmu i konstruktywizmu w sztuce architektury i designu. Odrzucenie tradycyjnych form komponowania detali, zasada swobodnego planowania była postrzegana jako rewolucja i jakby odzwierciedlająca rewolucję społeczną, ale rewolucji nie było na Zachodzie i narodził się pokrewny ruch zwany tam nowoczesnym ruchem między nimi było prawdziwym połączeniem (Grupa Style Holland i lider konstruktywizmu w Rosji). Rewolucję tę przygotowały jednak zarówno nowe technologie i materiały (ż.b) wiązarów belkowych, jak i nowe trendy artystyczne - kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, ale także przewroty społeczne (rewolucje, 1 Wojna światowa), nowe nurty filozoficzne (socjalizm. komunizm, narodowy socjalizm-faszyzm)…………., kryzys moralności burżuazyjnej. Dużo mówiło się o prawdomówności w przeciwieństwie do burżuazyjnego dekorowania i dekoratywizmu. Zmiany podmiotowe i przestrzenne przygotowywane były zarówno przez rozwój myśli filozoficzno-naukowej i nowych abstrakcyjnych prądów artystycznych oraz rozwój techniki, ale także przez przewroty społeczne, które nadały pewien patos ideologiczny oraz ukształtowały i rozwinęły zasadę życiową - który powiedział, że rzeczywistość można zmieniać w oparciu o artystyczne i przestrzenne idee i koncepcje. Pomysły już ukształtowane nowoczesny ruch i konstruktywizm
Art Nouveau jako modny nurt nowej burżuazji i kupców (dwór Morozowa).
W przeciwieństwie do Domu Komuny, idea socjalna. miasta, socjalizacja życia codziennego jako przejaw w obiektywnym świecie idei socjalizmu. Utopijna idea, że zmieniając otoczenie można zmienić samego człowieka.
Oczywiście obiektywny świat środowiska i architektury odzwierciedla za jego pomocą system gospodarczy i poziom rozwoju zarówno społeczeństwa, jak i panującą w społeczeństwie ideologię i system wartości, ale ta zależność nie jest bezpośrednia, lecz złożona, często idee sztuki dla dla sztuki są dostosowywane i przemyślane na nowo do obiektywnych rzeczywistości.
Architektura i inżynieria lądowa, dekoracja wnętrz i architektura krajobrazu zajęły kultura renesansu widoczne miejsce. Zmieniają się metody budowy, układ i wystrój mieszkań.
W prostych domach, ze względu na wewnętrzne przegrody, zwiększa się ilość pokoi. W miastach i posiadłościach rodzinnych budowane są całe pałace w stylu renesansowym. Rozwój reżimu absolutystycznego był nierozerwalnie związany z budową zamków-siedzib króla i jednocześnie fortyfikacji. Rozprzestrzenianie się idei renesansu w architekturze doprowadziło do opracowania projektów „idealnych” budynków i całych osiedli. Są importowane, tłumaczone, lokalne traktaty o architekturze i budownictwie. Z zagranicy, głównie z Holandii sprowadzani są wybitni mistrzowie różnych specjalności: Adrian de Fries, Hans van Steenwinkel Starszy (ok. 1550-1601) oraz jego synowie - Lawrence, Hans, Mortens, a także Hans van Oberberk i inni Skandynawowie zapożyczone przykłady stylu architektonicznego z Niemiec, Holandii, Włoch, Francji. Duńska architektura renesansowa, z kolorystyką czerwonej cegły, masywnymi prostokątnymi budynkami i dyskretnym wystrojem, była zwykle zorientowana na architekturę północnoniemiecką.
Budownictwo w Danii osiągnęło największy rozkwit podczas 60-letniego panowania Chrystiana IV, zwłaszcza do 1617 roku. Poszło jednocześnie w różnych kierunkach. Całe miasta zostały zbudowane z nowym układem i regularnym, geometrycznym lub promienistym kształtem budowli. W sumie z inicjatywy króla pojawiło się 14 nowych miast - w Skanii, Zelandii, Jutlandii Południowej, Norwegii.
347
Wzniesiono potężne twierdze: Frederiksborg w Hillered (1602-1625), Kronborg w Helsingorze i inne, w skład których wchodził zamek, budynki biurowe, magazyny i koszary, otoczone były wałami, rowami i bastionami. Sam król był dobrze zorientowany w architekturze i nadzorował wznoszenie budowli. Planowany budynek w XVII wieku. całkowicie zmienił oblicze Kopenhagi i znacznie rozszerzył jej rozmiar. Za czasów Chrystiana IV wybudowano lub założono pałac, port wojskowy, renesansową giełdę (1619-1625). Architekci L. i X. van Steenwinkel otrzymali zadanie zbudowania go jako „świątyni nowej polityki gospodarczej”. W wyniku entuzjazmu budowlanego Kopenhaga przekształciła się w XVII-wieczne miasto. w jednej z najpiękniejszych stolic Europy. Współistnieją tu różne linie stylistyczne: gotyk, manieryzm, rodzący się barok.
W Szwecji okres ten naznaczony jest również przebudową starych budynków i wznoszeniem nowych. W stylu renesansowym budowane są zamki Gripsholm, Vadstena i Uppsala, pałace, ratusze i domy prywatne w miastach. Z drugiej strony podupada budownictwo kościelne.
Budowle tamtych czasów odpowiadały bogatej dekoracji wnętrz, wspanialszej w Szwecji, bardziej powściągliwej w Danii: skrzynie, ławki, sekretarki, szafy. Drewniane meble i panele pokryte były najbardziej skomplikowanymi malarstwem fabularnym lub rzeźbami o tematyce biblijnej i świeckiej, wyłożonymi wyrobami wykonanymi z drogich kamieni i metali, fajansu i drewna. Na ścianach wisiały oryginalne, świeckie arrasy, masa portretów i obrazów. W salach, dziedzińcach i ogrodach pojawiają się rzeźby, często całe grupy, zazwyczaj w duchu antyczno-mitologicznym. Panowała szczególna moda na kafle piecowe malowane i figurowe, a także piece żelazne i żeliwne, z odlewanymi rzeźbami.
Innowacje inżynieryjno-budowlane tamtych czasów obejmują instalacje wodno-kanalizacyjne: w zamkach i pałacach pojawiły się rury z kranami i skomplikowane fontanny. Pałace i zamki dekorowali zarówno indywidualni mistrzowie, jak i całe warsztaty. Połączenie wpływów zachodnioeuropejskich, zwłaszcza holenderskich i niemieckich, z lokalnymi tradycjami stworzyło niepowtarzalne w stylu przykłady.
W tym okresie sztuka była stosowana przede wszystkim w przyrodzie. Jako ważna część wnętrza służyła do wyrażenia i utrwalenia prestiżu. Stąd na przykład nietypowe w tym czasie rozmieszczenie wspaniałych epitafiów, portretów obrzędowych (rzeźbiarskich i obrazowych), obrazów alegorycznych.
Najbardziej imponującą i prestiżową formą sztuki była rzeźba, która rozkwitła później, wraz z nastaniem baroku. Większość rzeźbiarzy stanowili cudzoziemcy, którzy wykonywali głównie rozkazy króla. „Królewski budowniczy” Hans Steenwinkel kierował stworzeniem szeregu sal rzeźbiarskich
348
stanowiska dla fontann. Na zlecenie Christiana IV w Amsterdamie Hendrik de Keyser wykonał rzeźby. Słynna Fontanna Neptuna we Frederiksborgu została wykonana przez Holendra Adriana de Fries (1546-1626).
Powszechnie stosowano płaskorzeźby, głównie nagrobne, ale także dekoracyjne.
Zainteresowanie przedstawieniem osoby, w szczególności portretami rodzinnymi, stało się jedną z cech malarstwa tego okresu. Często portrety wykonywano jeszcze według starych wzorców: statycznych, warunkowych, bez cech psychologicznych. Modne stały się uroczyste wizerunki władców i członków ich rodzin - uroczyste, z symbolami władzy - od XVII wieku. utrzymywane były najczęściej w manierze klasycyzmu. Okres ten charakteryzuje się również obfitością portretów miejskich patrycjuszy i uczonych; wszyscy pokazują czarne szaty i znaki swoich zawodów. Być może najwcześniejszym portretem mieszczanina jest portret humanisty Wedla (1578). Wyrazisty jest portret rodziny Rodmana z Flensborg (1591), gdzie on sam, jego dwie żony i 14 dzieci stoją wokół krucyfiksu. Sam Rodman, jedna z jego żon i czwórka dzieci, jako już nieżyjący, są oznaczeni krzyżem nad głowami. W ten sam sposób wykonano kilka innych portretów rodzinnych – epitafia mieszczan. Połączenie umarłych i żywych niewątpliwie odzwierciedla ówczesne idee o jedności życia i śmierci, o nierozerwalnym związku między dwoma światami. Autorzy tych portretów są nieznani, na ogół większość portretów mieszczan i szlachty prowincjonalnej wykonywano anonimowo, przeciwnie, rodzina królewska i szlachta korzystały z usług sławnych mistrzów. Około 200 portretów osób królewskich i szlacheckich zostało namalowanych przez Holendra Jacoba van Doordta, wiele z nich przez Holendra Joosta Verheidena.
Stopniowo pojawia się w Danii nowy typ artysty - osoba wykształcona i kulturalna, dość bogata i bliska naukowcom humanistycznym, często artysta dziedziczny i kolekcjoner. Taki był w szczególności płodny portrecista Holender Karel van Mander, którego autoportret z żoną i teściową jest rzadkim jak na tamte czasy wizerunkiem artysty-intelektualisty. Mniej więcej taka sama była rodzina artystyczna Isaakz, która wniosła znaczący wkład w kulturę duńskiego renesansu; jej założycielem jest potomek emigranta z Amsterdamu, handlarza dziełami sztuki, a jednym z wnuków jest humanista i historyk Johann Pontanus. Wśród artystów byli wyjątkowi specjaliści od płócien historycznych, malarstwa kościelnego itp., ale większość miała szeroką specjalizację.
Ważnym rodzajem sztuki zdobniczej były wówczas arrasy, zarówno importowane, jak i lokalne, do których szkice wykonywali wybitni
349
artystów, a produkcja odbywała się w zagranicznych lub duńskich warsztatach pałacowych.
W ówczesnym wystroju, jak już wspomniano, poczesne miejsce zajmowała snycerka, tradycyjna i rozwinięta w Skandynawii. W kościołach ołtarze ozdobiono rzeźbami przedstawiającymi sceny biblijne, a także scenami autorów klasycznych charakterystycznymi dla duńskiego renesansu. Rzeźby z gotyckimi i renesansowymi ornamentami o tematyce świeckiej były używane do ozdabiania mebli w mieszkaniach. W Norwegii i Finlandii wielki sukces odniosła ludowa rzeźba w drewnie, która zdobiła prowincjonalne budynki i przedmioty gospodarstwa domowego.
Różnorodność form sztuki pozwala nam na estetyczne poznawanie świata w całej jego złożoności i bogactwie. Nie ma sztuk większych ani mniejszych, ale każda sztuka ma swoje mocne i słabe strony w porównaniu z innymi sztukami.
Architektura. Kiedy człowiek nauczył się robić narzędzia, jego mieszkanie nie było już dziurą lub gniazdem, ale celowym budynkiem, który stopniowo nabierał estetycznego wyglądu. Budownictwo stało się architekturą.
Architektura to kształtowanie rzeczywistości zgodnie z prawami piękna przy tworzeniu budynków i budowli, które mają służyć ludzkim potrzebom w mieszkalnictwie i przestrzeniach publicznych. Architektura tworzy zamknięty, utylitarno-artystyczny, rozwinięty świat, oddzielony od natury, opierający się środowisku naturalnemu i pozwalający ludziom na korzystanie z humanizowanej przestrzeni zgodnie z ich materialnymi i duchowymi potrzebami. Obraz architektoniczny wyraża cel budynku i artystyczną koncepcję świata i osobowości, wyobrażenie człowieka o sobie i istotę jego epoki.
Architektura to sztuka, a budynki mają określony styl. Łomonosow, określając cechy architektury, napisał, że sztuka architektoniczna „wzniesie budynki wygodne do zamieszkania, piękne dla wzroku, solidne dla długowieczności”. Dzięki architekturze powstaje integralna część „drugiej natury” – materialnego środowiska, które tworzy praca człowieka i w którym toczy się jego życie i działalność.
Formy architektoniczne wyznaczane są: 1) naturalnie (w zależności od warunków geograficzno-klimatycznych, charakteru krajobrazu, natężenia nasłonecznienia, bezpieczeństwa sejsmicznego); 2) społecznie (w zależności od charakteru ustroju społecznego, ideałów estetycznych, potrzeb użytkowych i artystycznych społeczeństwa; architektura jest ściślej związana z rozwojem sił wytwórczych, z rozwojem techniki niż inne sztuki).
Sztuka użytkowa. Jednym z najstarszych i wciąż rozwijających się rodzajów twórczości artystycznej jest sztuka użytkowa. Przeprowadza się go w przedmiotach gospodarstwa domowego stworzonych zgodnie z prawami piękna. Sztuka użytkowa to rzeczy, które nas otaczają i służą, tworzą nasze życie i komfort, rzeczy wykonane nie tylko jako użyteczne, ale także tak piękne, mające styl i wizerunek artystyczny, które wyrażają ich cel i niosą uogólnione informacje o rodzaju życia, o era o światopoglądzie ludzi. Oddziaływanie estetyczne sztuki użytkowej następuje codziennie, co godzinę, co minutę. Dzieła sztuki użytkowej mogą wznieść się na wyżyny sztuki.
Sztuka użytkowa jest ze swej natury narodowa, wyrasta z obyczajów, przyzwyczajeń, wierzeń ludzi i jest bezpośrednio związana z ich działalnością produkcyjną i życiem codziennym. Szczytem sztuki użytkowej jest biżuteria, która zachowuje swoje samodzielne znaczenie i rozwija się do dziś.
Sztuka dekoracyjna. Sztuka dekoracyjna - estetyczne zagospodarowanie otoczenia otaczającego człowieka, projektowanie artystyczne „drugiej natury” stworzone przez człowieka: budynki, budowle, lokale, place, ulice, drogi. Ta sztuka wkracza w życie codzienne, tworząc piękno i komfort w przestrzeni mieszkalnej i publicznej oraz wokół niej. Dziełami sztuki dekoracyjnej mogą być klamka i płot, witraż i lampa, które wchodzą w syntezę z architekturą.
Sztuka zdobnicza łączy w sobie osiągnięcia innych sztuk, zwłaszcza malarstwa i rzeźby. Malarstwo początkowo istniało w formie sztuki naskalnej i ściennej, a dopiero potem ukształtowało się jako malarstwo sztalugowe. Monumentalne malowidło na ścianie - fresk (nazwa pochodzi od jego techniki: "al fresco" - malowanie farbami na mokrym tynku) - gatunek sztuki zdobniczej.
Architektura . Architektura Rzymu zasadniczo różni się od greckiej. Grecy rzeźbili z litych marmurowych bloków, a Rzymianie wznosili ściany z cegły i betonu, a następnie za pomocą wsporników zawieszali marmurową okładzinę, przytwierdzone kolumny i profile. Zabytki architektury podbijają swoją potęgą. Przeznaczony dla ogromnej liczby ludzi: bazyliki, łaźnie, teatry, amfiteatry, cyrki, biblioteki, targi oraz miejsca kultu: świątynie, ołtarze, grobowce. Rzymianie wprowadzili konstrukcje inżynierskie (akwedukty, mosty, drogi, porty, twierdze, kanały). Centrum ideowym była świątynia, usytuowana pośrodku wąskiego boku prostokątnego placu na jego głównej osi. Placy miejskie zostały udekorowane łuki triumfalne na cześć zwycięstw wojskowych, posągów cesarzy i prominentnych osób publicznych państwa. Formy łukowe i sklepione stały się powszechne na mostach i akweduktach. Koloseum (75-80 ne) to największy amfiteatr w Rzymie, przeznaczony do walk gladiatorów i innych zawodów.
Rzeźba . W dziedzinie rzeźby monumentalnej Rzymianie pozostali w tyle za Grekami. Najlepszy był portret rzeźbiarski. Rozwija się od początku I wieku. pne mi. Rzymianie uważnie przyglądali się twarzy osoby o jej wyjątkowych cechach. Grecy starali się przedstawić ideał, Rzymianie - aby dokładnie oddać cechy oryginału.Oczy wielu posągów są wykonane z kolorowej emalii.Rzymianie jako pierwsi wykorzystali monumentalną rzeźbę do celów propagandowych: zainstalowali posągi konne i stóp na forach (placach) - pomniki wybitnych osobistości.
Obraz . Niewiele przetrwało. Pałace i budynki użyteczności publicznej ozdobiono malowidłami ściennymi i malowidłami, opowieściami mitologicznymi, szkicami pejzażowymi. Ściany pomalowano tak, by wyglądały jak kolorowy marmur i jaspis. Powszechnym typem była mozaika i obróbka, metale szlachetne i brązy.Artyści przedstawiali sceny z życia codziennego i martwe natury. Freski pokrywające ściany domów szlacheckich. Ozdobne malowanie wnętrz (I w. p.n.e.). Rzymianie malowali meble i sprzęty domowe. W III wieku Sztuka chrześcijańska pojawia się w postaci malowideł ściennych w katakumbach w Rzymie. Według fabuły obrazy są związane z religią chrześcijańską - sceny biblijne, wizerunki Chrystusa i Matki Bożej, ale forma sztuki są na poziomie malowideł antycznych.W trakcie budowy kościołów chrześcijańskich rozwój trwał nadal malarstwo monumentalne. Freski i mozaiki zdobiły apsydy, kopuły, ściany czołowe nawy głównej bazylik, sztuka mozaiki była szeroko rozwinięta, wykorzystywano ją do zdobienia ścian i podłóg w domach zamożnych Rzymian, a później w kościołach chrześcijańskich. Sztalugowy portret malarski był bardzo powszechny, ale wiemy o tym tylko ze źródeł literackich, ponieważ nie zachowały się prace artystów z okresu republikańskiego Majów, Sapolis i Dionysiades oraz dzieła innych. Portrety wpasowały się w okrągłą ramę i wyglądały jak medaliony
Jeśli nakreślimy główne etapy historii starożytnej sztuki rzymskiej, to ogólnie można je przedstawić w następujący sposób. Najstarsze (VII - V wiek pne) i republikańskie (V wiek pne, I wiek pne) - okres formowania się sztuki rzymskiej.
Rozkwit sztuki rzymskiej przypada na I-II wiek. OGŁOSZENIE Od końca panowania Septymiusza Sewera zaczyna się kryzys sztuki rzymskiej.
Sztuka romańska
W X wieku, na przełomie tysiącleci, w sztuce po raz pierwszy pojawił się jeden paneuropejski styl, romański. Pozostał dominujący w średniowiecznej Europie Zachodniej przez cały XI i XII wiek. Termin „styl romański” pojawił się w XIX wieku. (przez analogię do pojęcia „języków romańskich”) i oznaczało „rzymski”. Styl romański w sztuce odziedziczył wiele po architekturze bizantyjskiej. architektonicznyówczesne budowle były w większości kamienne, ze sklepionymi stropami, a w średniowieczu tego typu konstrukcje uważano za romańskie (budowane metodą rzymską), w przeciwieństwie do budownictwa drewnianego. Najbardziej klasycznie rozprowadzany był w sztuce Niemiec i Francji. Najazdy i bitwy były elementami ówczesnego życia. Ta surowa epoka wywoływała nastroje bojowej ekstazy i ciągłą potrzebę samoobrony. Jest to zamek-twierdza lub świątynia-twierdza. Koncepcja artystyczna jest prosta i surowa. Trzy duże kościoły nad Renem są uważane za przykłady późnej i doskonałej architektury romańskiej: katedry miejskie w Wormacji, Speyer i Moguncji. Wystrój architektoniczny jest bardzo powściągliwy, plastik jest dość ciężki. Ale po wejściu do świątyni otwiera się cały świat ekscytujących obrazów, chwytających duszę średniowiecza. Sztuka w średniowieczna Europa stał się dziełem ludzi z niższej klasy. Wprowadzili do swoich wytworów uczucia religijne, ale nie było to to samo dla „wyższych” i „niższych”. Niewiele zrozumiemy w sztuce średniowiecznej, jeśli nie odczujemy jej związku z całym systemem życia „klas niższych”. Współczuli Chrystusowi, bo cierpiał, Matkę Bożą kochano, bo widzieli w Niej orędowniczkę za ludźmi, w straszliwym sądzie widzieli ideał ziemskiego sądu nad ciemiężycielami i oszustami.
Straszny wyrok. Tympanon katedry św. Łazarza w Autun (1130-1140);
Przeddzień. Fragment płaskorzeźby drzwi z brązu kościoła św. Michał w Gildesheim (1008-1015)
Królewski portal katedry w Chartres (około 1135-1155)
Zabytki architektury stylu romańskiego są rozsiane po całej Europie Zachodniej, ale większość z nich znajduje się we Francji. Są to kościół św. Marcina w Tours, kościół Notre Dame w Clermont, arcydzieło architektury romańskiej – kościół Notre Dame la Grande w Poitiers. We francuskim romansie rozwinęło się kilka lokalnych szkół. Tak więc szkoła burgundzka wyróżniała się monumentalnością kompozycji, szkoła Poitou była bogata w dekorację rzeźbiarską, a szkoła normańska wyróżniała się ścisłą dekoracją.
Rzeźby świętych w kościołach romańskich są pozbawione wszelkich kanonów, często niepozornych i przysadzistych, mają proste i wyraziste twarze. Tym różni się rzeźba romańska od rzeźby bizantyjskiej, która tworzyła obrazy bardziej wyrafinowane i uduchowione. Wraz z obrazami ewangelicznymi i scenami w rzeźbie romańskiej, scenami ze starożytności i średniowieczna historia, były wizerunki prawdziwych ludzi. Jednocześnie kompozycje rzeźbiarskie bywały nasycone owocami fantazji ludowej - zawierały wówczas wizerunki różnych fantastycznych stworzeń i sił zła (np. boleni).
Zachowały się piękne przykłady sztuki użytkowej z epoki romańskiej. Wśród nich honorowe miejsce zajmuje słynny 70-metrowy dywan z Bayeux, który kojarzy się z imieniem angielskiej królowej Matyldy. Wyhaftowane na nim sceny opowiadają o podboju Anglii przez Normanów w 1066 roku.
Obraz Styl romański był wyłącznie kościelny w treści i płaski, zaprzeczając trójwymiarowości przestrzeni i postaci. Ona, podobnie jak rzeźba, została podporządkowana architekturze. Najpopularniejszym rodzajem techniki malarskiej był fresk, zaczęły się też upowszechniać witraże (malowanie z kolorowych kawałków szkła).
9. Gotyk -Gotyk zastąpił styl romański, stopniowo go zastępując. Gotyk powstał w połowie XII wieku w północnej Francji, w XIII wieku rozprzestrzenił się na tereny współczesnych Niemiec, Austrii, Czech, Hiszpanii i Anglii. Gotyk przedostał się później do Włoch, z wielkim trudem i silną przemianą, co doprowadziło do powstania „gotyku włoskiego”. Pod koniec XIV wieku Europę ogarnął tak zwany gotyk międzynarodowy. Gotyk przedostał się później do krajów Europy Wschodniej i pozostał tam nieco dłużej - aż do XVI wieku.
Architektura. Wiodącym typem architektonicznym stała się katedra miejska: system ramowy architektury gotyckiej (łuki ostrołukowe wsparte na filarach; pchnięcie poprzeczne sklepień krzyżowych ułożonych na żebrach przenoszone jest przez latające przypory na przypory) umożliwiło stworzenie niespotykanych dotąd wnętrz katedr wysokości i rozległości, aby przebić się przez ściany ogromnymi oknami z wielobarwnymi witrażami. Dążenie katedry ku górze wyrażają gigantyczne ażurowe wieże, ostrołukowe okna i portale, zakrzywione posągi i złożone ornamenty. Portale i barierki ołtarzowe zostały całkowicie ozdobione posągami, grupami rzeźbiarskimi i ornamentami. W portalach dominowały trzy tematy dekoracji rzeźbiarskiej: Sąd Ostateczny, cykl poświęcony Maryi oraz cykl związany z patronem świątyni lub najbardziej czczonym miejscowym świętym. Na fasadach i dachu umieszczono rzeźby fantastycznych zwierząt (chimer, gargulców). Wszystko to wywarło silny emocjonalny wpływ na wierzących: liryzm i tragedia, wysublimowana duchowość i satyra społeczna, fantastyczna groteska i trafne obserwacje życia były organicznie splecione w sztuce gotyckiej. Wybitnymi dziełami architektury gotyckiej są: we Francji - katedra Notre Dame w Paryżu, katedry w Reims, Amiens, Chartres; w Niemczech - katedra w Kolonii; w Anglii - Opactwo Westminsterskie (Londyn) itp.
Rzeźba. Główne cechy charakteryzujące rzeźbę gotycką można podsumować następująco: po pierwsze, dominację artystycznych koncepcji abstrakcyjnego początku zastępuje zainteresowanie zjawiskami świata rzeczywistego, motywy religijne zachowują swoją dominującą pozycję, ale zmieniają się jej wizerunki, obdarzone cechy głębokiego człowieczeństwa.
Jednocześnie wzrasta rola fabuł świeckich, a fabuła zaczyna zajmować ważne miejsce, choć nie od razu.Po drugie, pojawia się okrągły plastik i odgrywa dominującą rolę, choć istnieje też relief.
Sąd Ostateczny pozostał jednym z najczęstszych tematów gotyku, ale program ikonograficzny się rozszerza. Zainteresowanie człowiekiem i pociąg do anegdoty tej opowieści znalazły wyraz w przedstawieniu scen z życia świętych. Wybitnym przykładem przedstawienia legend o świętych jest tympanon „Historia św. Szczepana” z ostatniej ćwierci XIII wieku na portalu katedry Notre Dame.
Włączenie prawdziwych motywów jest również charakterystyczne dla wielu małych płaskorzeźb. Podobnie jak w kościołach romańskich, w gotyckich katedrach duże miejsce zajmują wizerunki potworów i fantastycznych stworzeń, tzw. chimery.
Obraz. Malarstwo stało się w średniowieczu jedną z najważniejszych form sztuki. Zmiany w życiu społecznym i nowe techniki dały artystom możliwość tworzenia realistycznych dzieł nasyconych głębokim humanizmem, które miały dokonać prawdziwej rewolucji w sztuce zachodnioeuropejskiej. Pogodny i pełen wdzięku styl w sztukach plastycznych najdobitniej przejawiał się w portrecie (malarstwo i ołówek) tak wybitnych mistrzów, jak J. Fouquet (znany też jako wybitny mistrz miniatury), J. i F. Clouetowie, Cornel de Lyon.
ARCHITEKTURA, RZEŹBA I MALARSTWO
Duchowa atmosfera życia klasycznej Grecji z jej obywatelską świadomością i harmonią została najpełniej odzwierciedlona architektura. Polityczna i społeczna struktura greckiego polis epoki klasycznej wymagała odpowiedniej organizacji ośrodka całego życia społeczeństwa obywatelskiego. Architekt Hippodames z Miletu (V wiek p.n.e.) zaproponował porzucenie chaotycznego rozwoju miast i wprowadzenie ich regularne planowanie. Polegała ona na rozbiciu przestrzeni miejskiej na prostokątne bloki z ulicami przecinającymi się pod kątem prostym oraz przydzieleniu kilku centrów funkcjonalnych. Zgodnie z teorią Hippodama zabudowano Olyntus, po perskim ożywieniu ożywiono Milet, odbudowano ateński port w Pireusie.
Najważniejszą częścią polityki były miejsca sakralne, w centrum których wzniesiono majestatyczne świątynie dla bogów patronów. Najważniejszymi budowlami powstałymi w porządku doryckim były świątynia Posejdona w Paestum oraz świątynia Ateny Aphaia na wyspie Egina. W sanktuarium Zeusa w Olimpii, w świętym miejscu (Altis), znajdowało się wiele świątyń, z których najbardziej majestatyczna była poświęcona bogu piorunów. Fronton świątyni, zbudowany przez architekta Libona, został ozdobiony grupą rzeźbiarską przedstawiającą centauromachia - bitwa centaurów z labitami. A w środku było słynna rzeźba Zeus Fidiasza. Wykonany z drewna inkrustowanego złotem i kością słoniową, został uznany za jeden z siedmiu cudów świata.
Plan Miletu: 1, 2 - rynki; 3 - stadion; 4 - teatr; 5 - Świątynia Ateny 6 - Świątynia Serapisa
Paestum. Świątynia Posejdona (V wiek pne). Zdjęcie
Fidiasz. Zeus Olimpijczyk. Rekonstrukcja
Najlepszym kompleksem architektonicznym epoki klasycznej jest ateński Akropol – religijne centrum polityki, w którym znajdowały się miejskie świątynie. Zniszczony podczas inwazji Kserksesa w 480 p.n.e. mi. Z inicjatywy Perikli Akropol zaczęto odbudowywać według jednego planu. Prace prowadzono pod przewodnictwem wielkiego Fidiasza. Pomyślany jako pomnik zwycięstwa Greków nad państwem perskim, zespół Akropolu najpełniej wyrażał wielkość i triumf cywilizacji greckiej i jej przywódcy Aten. Mówiąc słowami Plutarcha, w Atenach „w tym czasie powstały dzieła nadzwyczajne w swej wielkości i niepowtarzalne w prostocie i wdzięku”.
Olimpia. Święta okolica. Rekonstrukcja
Wróżbita i sługa. Rzeźba z frontonu Świątyni Zeusa w Olimpii(5 wpne)
Przejście na Akropolu prowadziło przez Propyleje – główne wejście, ozdobione doryckim portykiem. Z jednej strony do Propylei przylegała pełna wdzięku świątynia bogini zwycięstwa Nike, az drugiej Pinakoteka (galeria sztuki). Centrum zespołu stanowił Partenon, zbudowany przez Iktina i Kallikratesa z pentelianskiego marmuru. Świątynia, poświęcony Atenie Partenos (czyli Dziewica Atena) otoczony był dorycką kolumnadą, ale architektom udało się stworzyć wrażenie lekkości i powagi budowli.
Apollo. Fragment rzeźby z frontonu świątyni Zeusa w Olimpii(5 wpne)
Dekoracja rzeźbiarska Fidiasza gloryfikowała boginię Atenę i jej miasto. W świątyni stała drewniana rzeźba Ateny inkrustowana złotem i kością słoniową. Frontony świątyni ozdobiono rzeźbami na temat dwóch mitów - o sporze między Ateną i Posejdonem o posiadanie Attyki oraz o narodzinach Ateny z głowy Zeusa. Płaskorzeźby na metopach (fryzy) przedstawiały walki Greków z Amazonkami i centaurami, które symbolizowały walkę dobra i postępu ze złem i zacofaniem. Ściany ozdobiono rzeźbiarskim wizerunkiem majestatycznej procesji na Wielką Panathenaic. Fryz Partenonu jest uważany za szczyt sztuki greckiej epoki klasycznej. Zadziwia plastycznością i dynamizmem obrazu ponad 500 postaci, z których żadna się nie powtarza. Fidiasz stworzył również brązową rzeźbę Ateny Wojownika, która została zainstalowana na placu przed Partenonem.
Propyleje na ateńskim Akropolu (V wiek p.n.e.). Zdjęcie
Propyleje na ateńskim Akropolu Zdjęcie
Ateny. Partenon (V wiek pne). Zdjęcie
W skład zespołu Akropolu wchodzi również Erechtein, niewielka świątynia o asymetrycznym układzie i trzech różnych portykach, z których jeden podtrzymywany jest przez kariatydy. Został zbudowany w miejscu, gdzie według legendy toczył się spór między Ateną a Posejdonem i jest poświęcony Atenie, Posejdonowi i legendarnemu królowi Erechteuszowi. W pobliżu ściany świątyni rosło święte drzewo oliwne, ofiarowane przez Atenę, aw skale znajdowała się wnęka, podobno pozostawiona przez trójząb Posendon. Zespół architektoniczny Akropol ateński stał się na wieki wzorcem piękna i harmonii.
Wybitni rzeźbiarze epoki klasycznej gloryfikowali swoimi dziełami idealnych obywateli i wielkość świata helleńskiego. Przełamali konwenanse archaicznej rzeźby i stworzyli obraz harmonijnego, doskonałego fizycznie człowieka z bogatym światem duchowym. Oprócz genialnego Fidiasza w Atenach w V wieku. PNE. Myron pracował. Jego najsłynniejszym posągiem jest Disco Thrower. Rzeźbiarz po mistrzowsku oddał złożoną dynamikę ciała sportowca w momencie rzutu.
Wnętrze Partenonu, Rekonstrukcja
Ateny. Erechtejon (5 wpne) Zdjęcie
Rzeźbiarz Polykleitos z Argos nie tylko przedstawił idealne fizycznie ciała sportowców, ale także obliczył idealne proporcje męskiego ciała, które stało się kanonem dla greckich rzeźbiarzy. Jego figury „Dorifor” (włócznik) i „Diadumen” (sportowiec zakładający opaskę zwycięzcy) zyskały światową sławę. Greccy rzeźbiarze z V wieku. pne mi. kojarzył rozkwit cywilizacji polis z obrazami człowieka pełnego harmonijnej wielkości i wyraźnego spokoju.
Sztuka starożytnej Grecji IV wiek. pne e. z jednej strony odznaczył się szeregiem ważnych osiągnięć (w szczególności w tym okresie powstał porządek koryncki), a z drugiej strony zmniejszeniem patosu heroizmu i obywatelstwa, apelem do indywidualny świat człowieka, co wiązało się z ogólnym kryzysem polityki. Prace Skopasa odzwierciedlały silne, namiętne ludzkie uczucia, rozlane w energicznym ruchu („Maenad”).
Ateny. Portyk kariatyd Erechtejon Zdjęcie
Ateny. Świątynia Nike Apteros (V wiek p.n.e.) Zdjęcie
Subtelne przeniesienie wewnętrznego świata człowieka, piękno ciała odpoczywającego jest charakterystyczne dla twórczości Praksytelesa („Satyr odpoczywający”, „Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem”). Był pierwszym, który pokazał wzniosłe piękno nagości kobiece ciało: jego „Afrodyta z Knidos” była uważana już w starożytności ” najlepsza praca istnienia we wszechświecie”.
Chęć uchwycenia ulotnego ruchu w rzeźbie („Apokspomen”) naznaczyła dzieło Lizypa. Był nadwornym rzeźbiarzem Aleksandra Wielkiego i stworzył szereg wyrazistych portretów wielkiego wodza. Rzeźbiarze z IV wieku BC, po zakończeniu rozwoju sztuki klasycznej, otworzył drogę dla nowego rodzaju sztuki, nieklasycznej.
Mirona. Miotacz dyskiem (V wiek p.n.e.)
Polikleto. Doryfor (5 wpne)
Skopas. Maenad lub Bachantka (IV wiek p.n.e.)
Praksytel. Afrodyta z Knidos (IV wiek pne)
Praksyteles. Hermes z małym Dionizosem (IV wiek p.n.e.)
Lysippos. Odpoczynek Hermes (IV wiek p.n.e.)
Jeden z najbardziej sławnych Artyści V w. PNE. był Polignotus, którego twórczość związana jest z Atenami. Tworzył obrazy w technice enkaustycznej - pracował z płynnymi farbami woskowymi. Posługując się tylko czterema kolorami, Polygnot był pierwszym malarzem, który nauczył się odtwarzać objętość przestrzeni i postaci, ekspresję gestów. Jego współczesny Apollodorus jako pierwszy zastosował w malarstwie efekt światłocienia i próbował oddać perspektywę.
Choć dzieła starożytnych malarzy greckich nie zachowały się, wyobrażenie o dokonaniach artystów daje malowanie wazonów, gdzie w tym czasie dominował styl czerwonofigurowy, co pozwoliło dość realistycznie przekazać objętość ciał i stworzyć wielofigurowe kompozycje, w centrum których stała osoba.
Stamnos czerwonofigurowy (V wiek p.n.e.)
Ten tekst ma charakter wprowadzający. Z książki Historia Rosji. XIX wiek. 8 klasa autor Kisielew Aleksander Fedotowicz§ 36. ARCHITEKTURA, MALARSTWO, RZEŹBA Architektura. Styl rosyjsko-bizantyjski, którego wygląd kojarzy się z nazwiskiem K. A. Tona, był krytycznie oceniany przez wielu współczesnych. Rosyjscy architekci starali się ożywić tradycje narodowe w architekturze. Te idee zostały urzeczywistnione przez A.M.
Z książki Cesarska Rosja autor Anisimov Jewgienij WiktorowiczMalarstwo i Rzeźba Akademia Sztuk Pięknych pod kierunkiem Katarzyny stała się najważniejszym ośrodkiem rozwoju sztuki na świecie Rosja XVIII stulecie. Dobrze zaaranżowana według przemyślanego planu, pod uważnym i życzliwym nadzorem kuratora I. I. Szuwałowa, Akademia Sztuk Pięknych była „szklarnią”, w której
Z książki Historia Rosji od czasów starożytnych do początku XX wieku autor Frojanow Igor JakowlewiczObraz. Rzeźba Realistyczne tradycje w malarstwie kontynuowało Stowarzyszenie Podróżników wystawy sztuki. Tacy główni przedstawiciele Wędrowców, jak WM Vasnetsov, PE Repin, VI Surikov, VD Polenov i inni, nadal pracowali.
autor Woerman Karl Z książki Historia sztuki wszechczasów i narodów. Głośność 2 [ sztuka europejskaśredniowiecze] autor Woerman Karl Z książki Starożytna Grecja autor Lyapustin Boris SiergiejewiczARCHITEKTURA, RZEŹBA I MALARSTWO Architektura najpełniej odzwierciedla duchową atmosferę życia klasycznej Grecji z jej obywatelstwem i harmonią. Polityczna i społeczna struktura greckiego polis epoki klasycznej wymagała odpowiedniej organizacji
Z książki Historia miasta Rzymu w średniowieczu autor Gregorovius Ferdynand4. Sztuki piękne. - Rzeźba. - Posąg Karola Anjou na Kapitolu. - Pomnik ku czci Bonifacego VIII. - Obraz. - Malowanie ścian. - Giotto pracuje w Rzymie. - Rozwój malarstwa mozaikowego. - Trybuny autorstwa Jacoba de Turrita. - Navicella Giotta
Z książki Wielkość Starożytny Egipt autor Murray Margaret Z książki Historia Korei: od starożytności do początku XXI wieku. autor Kurbanov Siergiej Olegovich§ 5. Rzeźba, malarstwo, rękodzieło Powszechnie przyjmuje się, że historia rzeźby rozpoczęła się w Korei wraz z przeniknięciem i rozpowszechnieniem się rzeźby buddyjskiej, gdyż niczego wcześniej nie można było znaleźć. Z drugiej strony płaskorzeźby na ścianach grobowców i
autor Kumanecki KazimierzMALARSTWO I RZEŹBA Rozpoczynając podbój świata, Rzymianie zapoznali się z nowymi sposobami zdobienia domów i świątyń, w tym z malowaniem fresków. Pierwszy rzymski styl malarski, tzw. pompejański, jest ściśle związany z tradycjami fresków hellenistycznych.
Z książki Historia kultury starożytna Grecja i Rzymie autor Kumanecki KazimierzARCHITEKTURA, RZEŹBA, MALARSTWO Republikański Rzym z wąskimi uliczkami (od 4 do 7 m szerokości), ceglany wieżowiec kamienice a ciasnego starego Forum nie można oczywiście porównać ze współczesnymi hellenistycznymi miastami Wschodu: Aleksandrią w Egipcie
Z książki Historia świata. Tom 3 Wiek żelaza autor Badak Aleksander NikołajewiczArchitektura i rzeźba VII-VI wieku. pne mi. w historii archaicznej Grecji kojarzone są z rozkwitem architektury kamiennej. Budowa budynków mieszkalnych i obiektów portowych wiązała się z ożywieniem życia gospodarczego, kolonizacją i rozwojem handlu. Budynki publiczne od
Z książki Historia świat starożytny[Wschód, Grecja, Rzym] autor Niemirowski Aleksander ArkadiewiczArchitektura i rzeźba Rozwój architektury i rzeźby rzymskiej odbywał się pod silnymi wpływami greckimi i etruskimi. W szczególności praktyczni Rzymianie zapożyczyli niektóre techniki budowlane od Etrusków. Osiągnięcia zawodowe rzemieślników etruskich
autor Konstantinowa, S V4. Malarstwo, architektura i rzeźba Rosyjskie malarstwo i rzeźba znajdują się dziś w trudnych warunkach. Oficjalny portrecista Prezydenta Federacji Rosyjskiej W.W. Putina, Nikas Safronow, wykonał wiele portretów Prezydenta, a także postaci światowej kultury
Z książki Historia świata i Kultura narodowa: notatki z wykładów autor Konstantinowa, S V5. Architektura i rzeźba 5. B kultura artystyczna Revival jedno z czołowych miejsc zajmuje architektura. Charakterystyczne cechy architektury tego okresu to: 1) wzrost skali budownictwa cywilnego, świeckiego, 2) zmiana charakteru
Z książki Historia kultury światowej i narodowej: notatki do wykładów autor Konstantinowa, S V5. Malarstwo, architektura i rzeźba W sztukach wizualnych szerzą się idee romantyzmu i realizmu krytycznego. W ciężkiej atmosferze Hiszpanii przełomu XVIII-XIX wieku. powstało dzieło Francisco Goya (1746-1828). Zainteresowanie wewnętrznym światem osoby, jego
Dwa tygodnie temu w Nowym Jorku odwiedziłem wystawę poświęconą włoskiemu futuryzmowi. Moją szczególną miłością są ruchy awangardowe początku XX wieku. Świat szybko się zmieniał, ludzie starali się nadążyć za czasem, czasem naprzód, czasem nie nadążając za postępem, a cały ten chaos zrodził wiele ciekawych decyzji artystycznych i kierunków. Aby zrozumieć futuryzm, trzeba poznać historię jego powstania, a także pamiętać kontekst historyczny krajów, w których ruch ten był szczególnie rozwijany: Włoch i Rosji tamtych lat.
Zniszcz stare, zmyj muzea, stare doświadczenia i autorytety, aby otworzyć świat na nowe: samochody, prędkość, agresję. Aby od razu przedstawić główne postulaty tego nowego ruchu, oto kilka cytatów z Manifestu Marinettiego, opublikowanego w Le Figaro, 20 lutego 1909:
Mówimy nasze piękny świat stał się jeszcze piękniejszy - teraz ma prędkość. Pod bagażnikiem samochodu wyścigowego rury wydechowe wiją się i plują ogniem. Jego ryk jest jak seria z karabinu maszynowego i żadna Nika z Samotraki nie może się z nim równać pięknie.
- Chcemy zaśpiewać człowieka za sterami samochodu, który rzuca włócznią swego ducha nad Ziemią, po jej orbicie.
Zniszczymy muzea, biblioteki, placówki edukacyjne wszelkiego rodzaju będziemy walczyć z moralizmem, feminizmem, z wszelkim oportunistycznym lub utylitarnym tchórzostwem.
Być futurystą to być nowoczesnym, młodym i buntowniczym. Przemysłowa metropolia, samochody i prędkość – zwolennicy futuryzmu świętują zniszczenie i gloryfikują wojnę. Starają się oddychać nowe życie w starą, statyczną kulturę.
W 1912 roku Rosja miała też swój manifest, towarzyszący pierwszemu zbiorowi poezji Slap in the Face of Public Taste, który towarzyszył rosyjskiemu Manifestowi o tej samej nazwie. Porównaj postulaty:
- Przeszłość jest napięta. Akademia i Puszkin są bardziej niezrozumiałe niż hieroglify. Rzuć Puszkina, Dostojewskiego, Tołstoja i tak dalej. i tak dalej. ze statku Nowoczesność.
- Umyj ręce, które dotknęły brudnego śluzu książek napisanych przez niezliczonych Leonida Andreevsa. Do tych wszystkich Maxim Gorki, Kuprin, Blok, Sologub, Averchenko, Cherny, Kuzmin, Bunin i tak dalej. i tak dalej. - Wystarczy domek nad rzeką. Takie wyróżnienie przyznaje krawcom los. Z wysokości drapaczy chmur patrzymy na ich nieistotność!
Moim zdaniem manifest rosyjski niesie ze sobą bardziej destrukcyjny ładunek niż włoski i nic dziwnego – takie były nastroje w kraju przed rewolucją.
Futuryzm wywodzi się z literatury, ale bardzo szybko przybiera inne formy: malarstwa, polityki, a nawet reklamy. Energia młodości i szybkości przepełnia się tymi młodymi rewolucjonistami, nie sposób pozostać obojętnym na ładunek energii, który niosą. Jeśli wydaje ci się, że myślisz progresywnie, zrelaksuj się - futuryści już myśleli o wszystkim przed tobą.
I z tą wiedzą przychodzę na wystawę włoskiego futuryzmu w Guggenheim, 1909-1944.
Łącznie wystawa prezentuje siedem tematów, z każdego z nich zaprezentowane na wystawie pokażę najbardziej zapadające w pamięć fragmenty.
Temat pierwszy: Heroiczny futuryzm. Ta faza trwała do 1916 roku. Początek ruchu futurystycznego wyróżnia atmosfera optymizmu, dynamizmu i rytmu. Futuryści starali się przekazać dynamikę na różne sposoby. Na przykład Giacomo Balla szczegółowo studiował i próbował zobrazować uniwersalną dynamikę poprzez rozwarstwienie ruchu, na przykład poprzez obraz rozproszenia światła (zdjęcie nie jest pokazywane na wystawie):
Giacommo Balla, Opalizująca przenikanie się nr 7, 1912
Wizualne słownictwo Giacomo Balla polegało na połączeniu zasad dynamiki i synchroniczności z próbą oddania atmosfery światła, dźwięku i zapachów.
Dwaj inni futuryści, Umberto Boccioni i Gino Severini, starali się zobrazować efekt ruchu przez obiekt. Boccioni przekazywał ruch poprzez sportowe ciało, łącząc sylwetkę człowieka z otaczającym go krajobrazem. Odsuń się od ekranu, a zobaczysz, jak poniższy obrazek zamieni się w obraz rowerzysty lecącego z dużą prędkością (zdjęcie nie jest pokazywane na wystawie):
Umberto Boccioni, Dinamismo di un ciclista” 1913
Severini, mój ulubiony włoski futurysta, tworzy swoją koncepcję obrazowania dynamiki poprzez przesuwanie przestrzeni w obrazie, poprzez fragmentację, łączenie przemieszczonej i nieproporcjonalnej przestrzeni, dodawanie efektu pokruszonej mozaiki do przedmiotów codziennego użytku (zapożyczył ten pomysł od kubistów).
Mogę godzinami podziwiać ten obraz, patrząc na dziwaczne przeplatanie się krajobrazu, pędzący pociąg i wioskę. Nawet jeśli magia fragmentów nie uchwyci cię za pierwszym razem, zastanów się, jak przedstawiłbyś ruch szybkiego pociągu (nie pociąg ekspresowy, czyli jego ruch) i porównaj z tym, co zrobił Severini:
G. Severini „Pociąg ambulansowy pędzi przez miasto”, 1915
Chciałbym również wspomnieć o zdjęciu Carra, pogrzebie anarchisty Galli. Tematem zdjęcia była potyczka na pogrzebie Angelo Galli, który został zabity przez policję podczas strajku. Rząd obawiał się, że anarchiści zrobią polityczną demonstrację z pogrzebu i zabronił im wstępu na cmentarz. Potyczek nie dało się uniknąć, anarchiści zaczęli stawiać opór, a policja brutalnie się z nimi rozprawiła. Artysta był obecny na tej scenie; a jego prace pełne są żywych wspomnień okrutnej sceny i chaosu: ruchu ciał, starcia anarchistów i policji, czarnych flag powiewających w powietrzu. Artysta pisał później w swoich wspomnieniach: „Widziałem przed sobą trumnę pokrytą czerwonymi goździkami, kołyszącą się niebezpiecznie na ramionach niosących trumnę. Widziałem niespokojne konie, maczugi i włócznie, starcia i wydawało mi się, że lada chwila trup spadnie na ziemię i zostanie podeptany przez konie”…
Carlo Carrà, Pogrzeb anarchisty Galli (Funerali dell'anarchico Galli), 1910-11
Temat drugi. Słowa-w-wolności, czyli, jak w rosyjskim manifeście, „słowa-innowacja”. Jak już pisałem, futuryzm zaczął się od poezji, a jego kluczowym wynalazkiem jest wolna forma poezji. Idąc śladem Marinettiego, futuryści uwalniają słowa od ich zwykłej formy, niszczą składnię, anulują interpunkcję, eliminują przymiotniki i przysłówki, używają czasowników w nieokreślonej formie, wstawiają do poezji symbole muzyczne i matematyczne, używają onomatopei (onomatopei). Takie wiersze czyta się jako literaturę, odbiera jako sztukę wizualną i wykonuje jako dzieła dramatyczne. Futuryści publikują je w różnych formatach i recytują podczas specjalnych wieczorów (serat futurystyczny). Marinetti wprowadził ideę poezji bezforemnej, wielu futurystów wymyślało własne interpretacje. „Drabina” Majakowskiego jest nam najbardziej znana jako ta część pracy futurystów, ale były też inne: Balla z konstrukcjami fonowizualnymi, Fortunato Depero i abstrakcyjnym językiem dźwięków (onomalingua), kołowa struktura Carlo Carra z wichrem głosów i odgłosy.
Francesco Cangiullo, Piedigrotta. Książka (Mediolan: Edizioni futuriste di Poesia, 1916)
Temat trzeci. Architektura. Futuryzm, z jego odrzuceniem tradycji i skandalu, mógł istnieć tylko w mieście, a futuryści upajali się nowoczesnym miastem. Wielu architektów zaproponowało swoje projekty dla obszarów metropolitalnych, wykorzystując nowe materiały i metody przemysłowe. Futurystyczne projekty mają strzelisty wygląd, lekkość, nowoczesność, z naciskiem na szybkość i płynne działanie systemów transportowych (transport lotniczy i kolejowy powinien bezproblemowo wpisywać się w architekturę miejską). Ich projekty nie miały się urzeczywistnić, z wyjątkiem kilku futurystycznych konstrukcji wzniesionych na czasowe targi według szkiców Enrico Prampoliniego. Porównaj szkic i rzeczywistość:
Enrico Prampolini, Projekt hali, dekoracje i wyposażenie dla firmy Aeronautica: Plan instalacji Triennale w Mediolanie, ca. 1932-33
Pawilon Futurystów na wystawie w Parco Valentino w Turynie (1928) zaprojektował Enrico Prampolini.
Wtedy ich pomysły nie miały się spełnić, ale teraz spójrz na nowoczesne miasta - czy to nie jest marzenie futurystów?
Temat czwarty. Rekonstrukcja wszechświata. Poezja, literatura, malarstwo - to nie wystarczyło. Aby przenieść stare ideały i żyć w nowym czasie, trzeba było zmienić każdy szczegół codziennego świata. W 1915 Balla i Depero, już nam znajomi, piszą kolejny manifest, który szczególnie kocham za tytuł: „Rekonstrukcja Wszechświata”. Używając nałogowo agresywnego języka, nawołują do rekonstrukcji każdego przedmiotu w otaczającym ich świecie, domagając się nawet futurystycznych zabawek. Futurystę powinno otaczać futurystyczne otoczenie, nowe ubrania, nowy projekt pomieszczeń, nowe meble, naczynia i ubrania. Balla i Depero stworzyli w swoim życiu takie przestrzenie: jedna przebudowała dom w Rzymie, druga pracownię w rodzinnym Roverto. Na wystawie znalazło się wiele obiektów w futurystycznym designie: ceramika, usługi, kamizelki i garnitury. Teraz to wszystko wygląda całkiem zabawnie i na pewno nie odpowiada futurystycznej wizji designu, do której jesteśmy przyzwyczajeni. Dla mnie futurystyczny design to holenderski i skandynawski. Ale gdyby futuryści nie zwrócili się wtedy ku takim drobiazgom, kto wie, czy mielibyśmy nowoczesny design (podobnie jak architekturę) w takiej formie, w jakiej jest teraz?
Najbardziej zaskakuje mnie tu skala: od prędkości i samolotów po zestawy do herbaty. Jak tak wiele i tak mało może współistnieć w jednej idei? Myślę, że tutaj bardzo ważne ma narodową tożsamość, estetyka codzienności jest ważna dla Włochów, ale w rosyjskim futuryzmie wszystko skończyło się na poziomie globalnych idei, bez zastawek do herbaty.
Gerardo Dottori, zestaw do domowej jadalni Cimino, początek lat 30.
Temat piąty. Arte meccanica, czyli estetyka maszyn. Po I wojnie światowej do futuryzmu doszli nowi artyści, wnosząc nowe jakości, a jedną z nich była estetyka przedmiotów mechanicznych. Nie mogę powiedzieć, że jest to coś fundamentalnie nowego w futuryzmie, ponieważ początkowo ruch opierał się na gloryfikacji postępu i szybkości. Nowi członkowie ruchu podkreślali trwałe zainteresowanie futurystów przedmiotami mechanicznymi. Potężny pociąg przedstawiony na obrazie Ivo Panadji toczy się w Twoją stronę ukośnie, co potęguje efekt obecności (witajcie fani 3D!), słychać ogłuszający gwizd pociągu, głośną pracę silnika. Panaji nie maluje obrazu, przekazuje doznania zmysłowe. Zastosowane tu techniki artystyczne oddają ruch, szybkość i siłę. Spójrz na to zdjęcie, przedstawia trajektorię pociągu we fragmentach (jak Severini) lub prościej, jak w animacji, w częściach:
Ivo Pannaggi, Pędzący pociąg (Treno in corsa), 1922
Temat szósty. Aeropittura czyli obraz inspirowany lotem. Szybujące lub nurkujące, czasem po prostu abstrakcyjne, malarstwo lotnicze pojawiło się w 1930 roku, na późnym etapie futuryzmu. Samoloty doskonale wpisują się w ideę kultu samochodów w futuryzmie, zarówno jako symbol postępu, jak i ucieleśnienie prędkości, dlatego natychmiast przenoszą uwagę na siebie, zostawiając w tyle samochody i pociągi. Ponadto samoloty otwierają nowe perspektywy na znane obiekty dzięki nowym, wcześniej niewidzianym kątom widzenia. Malowanie lotnicze zaczyna się od prostego dokumentowania lotów, a następnie przechodzi do przedstawiania szybowania w przestrzeni. Reprezentuje nowe podejście do świata, które łączy w sobie szybkość, technologię, wojnę i dumę narodową. Na początku lat trzydziestych we Włoszech widać wyraźnie, że nastroje nacjonalistyczne były bardzo silne, a siła i wyposażenie techniczne włoskiej armii pobudzały futurystów do zwiększania dumy narodowej. Wydawałoby się, że futuryści mieli wszystko, aby stać się oficjalną sztuką w faszystowskich Włoszech - jest to gloryfikacja postępu, kult agresji i wojny, negacja starego świata i zniszczenie. Wtrącił się jeden niuans: Hitler nie mógł znieść „sztuki zdegenerowanej” (żadnej sztuki nieklasycznej) i ostatecznie zmusił Mussoliniego do pozbycia się faworyzowania futurystów.
Gerardo Dottori, Bitwa powietrzna nad Zatoką Neapolitańską lub Piekielna Bitwa nad Rajem Zatoki, 1942
Temat siódmy. Zdjęcie. Futuryści nie mogli zignorować zdjęcia, które zaczęli adaptować od 1911 roku. Bracia Bragaglia starali się ożywić obraz i opracowali całą metodę uchwycenia ruchu: fotodynamikę. Ruch postaci na ich zdjęciach zwykle przebiega od prawej do lewej, z rozmytymi fazami początku ruchu. Po tych eksperymentach futuryści opuścili fotografię do lat 30., aż Marinetti we współpracy z Tato w swoim kolejnym manifeście (nikt nie miał tylu manifestów!) ogłosił fotografię jako doskonałe narzędzie niwelowania barier między sztuką a życiem za pomocą aparatu możesz zarówno tworzyć sztukę, jak i ją odkrywać funkcja społeczna(jednak Tato używał aparatu do diametralnie przeciwstawnych celów, jego prace wyrażały ideologiczne poparcie dla faszystowskiego reżimu).
Anton Giulio Bragaglia, Machać (Salutando), 1911
W 1944 umiera założyciel i ideologiczny inspirator futuryzmu Marinetti. Wraz z jego śmiercią przestaje istnieć także futuryzm. Rosyjski futuryzm zaczął zanikać jeszcze wcześniej, pod koniec lat 20., wraz z powstaniem władzy sowieckiej w Rosji, a ostatecznie przeżył śmierć Majakowskiego i emigrację głównych autorów (jednak futuryzm w Rosji był bardziej kierunek literacki niż malownicze). Autorzy, którzy zaczynali od futuryzmu, dołączyli do innych trendów.
Co przyniósł ludzkości futuryzm? Oburzający i agresywny sposób, charakterystyczny dla futuryzmu, przyczynił się do spopularyzowania i gloryfikacji postępu. Nowoczesny rozwój sztuka wiele zawdzięcza futuryzmowi: ich zasługą jest wyzwolenie poezji z utartej formy, poetyckie spektakle, nowe spojrzenie na obraz ruchu, fragmentacja szybkości. Odmowa autorytetu jest zawsze poszukiwaniem czegoś nowego, zawsze rozszerzeniem znanego poglądu świat. Poszukiwanie nowych ideałów i tworzenie nowych norm pomaga ludzkości nie stać w miejscu, pomaga się rozwijać. I oczywiście - skandowanie „pięknej daleka”, postępu, potęgi ludzkiej myśli, za to pragnienie idealnego świata, szczególne podziękowania dla nich.
Od 2800 pne mi. do 2300 pne mi. na Cykladach, trzydziestu maleńkich wyspach na Morzu Egejskim w Grecji, narodził się styl określany jako „sztuka cykladzka”. Charakterystycznymi cechami tego stylu były głównie postacie kobiece z lekko ugiętymi kolanami, rękami złożonymi pod klatką piersiową, z płaskimi głowami. Wymiary sztuki cykladzkiej wahały się od posągów wielkości człowieka do małych figurek, nie większych niż kilka centymetrów wysokości. Można przypuszczać, że bałwochwalstwo było bardzo powszechne.
Cykladowe rzeźby w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach
cykladzki idol
„Flecista”, Narodowe Muzeum Archeologiczne. Ateny
"Skrzypce", 2800 pne, Brytyjskie Muzeum, Londyn
Sztuka cykladzka stała się dla wielu źródłem inspiracji współcześni artyści którzy docenili powściągliwość i wyrafinowanie prostych linii i geometrii, minimalizm. Wpływy sztuki cykladzkiej widać w twórczości Modiglianiego, zwłaszcza w jego rzeźbie „Kobieca głowa”, a także w twórczości innych artystów, m.in. Picassa.
Amedeo Modigliani, kierownik, 1910, Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton
Figurka Cyklad i Modigliani
Pablo Picasso, Kobieta, 1907, Muzeum Picassa, Paryż
Giorgio de Chirico, Hector i Andromacha
Henry Moore
Constantin Brancusi, muza, 1912
.
Hans Arp
Barbara Hepworth
Alberto Giacometti