Największe dziedzictwo kulturowe i archeologiczne Wiecznego Miasta, utkane z różnych epok historycznych, czyni Rzym wyjątkowym. W stolicy Włoch zgromadzono niesamowitą ilość dzieł sztuki - prawdziwych arcydzieł znanych na całym świecie, za którymi stoją nazwiska wielkich talentów. W tym artykule chcemy opowiedzieć o najsłynniejszych rzeźbach w Rzymie, które zdecydowanie warto zobaczyć.

Rzym od wieków był centrum sztuki światowej. Od czasów starożytnych do stolicy Imperium sprowadzano arcydzieła dzieł ludzkich rąk. W okresie renesansu papieże, kardynałowie i przedstawiciele szlachty budowali pałace i kościoły, ozdabiając je pięknymi freskami, obrazami i rzeźbami. Wiele nowo wzniesionych budowli z tego okresu tchnęło nowe życie w elementy architektoniczne i dekoracyjne starożytności – antyczne kolumny, kapitele, marmurowe fryzy i rzeźby zostały przejęte z budowli z czasów cesarstwa, odrestaurowane i zainstalowane w nowym miejscu. Ponadto renesans dał Rzymowi nieskończoną liczbę nowych genialnych dzieł, w tym dzieła Michała Anioła, Canovy, Berniniego i wielu innych utalentowanych rzeźbiarzy. Na stronie możesz przeczytać o najwybitniejszych dziełach sztuki i ich twórcach

Śpiąca hermafrodyta

wilczyca kapitolińska

Najważniejszym dla Rzymian jest „ wilczyca kapitolińska”, obecnie w Muzeach Kapitolińskich. Według legendy mówiącej o założeniu Rzymu została wychowana przez wilczycę na Kapitolu.

wilczyca kapitolińska

Powszechnie przyjmuje się, że posąg z brązu został wykonany przez Etrusków w V wieku p.n.e. Jednak współcześni badacze są skłonni przypuszczać, że Wilczyca powstała znacznie później - w średniowieczu, a figury bliźniaków zostały dodane w drugiej połowie XV wieku. Ich autorstwo nie zostało ustalone na pewno. Najprawdopodobniej stworzył je Antonio del Pollaiolo.

Laokoona i synów

Słynna grupa rzeźbiarska przedstawiająca scenę zmagań Laokoona i jego synów z wężami, podobno zdobiła prywatną willę cesarza Tytusa. Datowany ok. Ic. pne to marmurowa kopia rzymska wykonana przez nieznanych rzemieślników ze starożytnego greckiego oryginału z brązu, który niestety nie zachował się. Jedna z najsłynniejszych rzeźb w Rzymie znajduje się w Muzeum Pio Clementine, którego częścią jest.

Posąg został odkryty na początku XVI wieku na terenie winnic położonych na wzgórzu Oppio, które należały do ​​niejakiego Felice de Fredis. W bazylice Santa Maria in Aracoeli na nagrobku Felicji widnieje napis mówiący o tym fakcie. Na wykopaliska zostali zaproszeni Michelangelo Buonarroti i Giuliano da Sangallo, którzy mieli ocenić znalezisko.

Przypadkowo znaleziona rzeźba wywołała wówczas silny rezonans, wpływając na rozwój sztuki w całych Włoszech w okresie renesansu. Niesamowita dynamika i plastyczność form antycznego dzieła zainspirowała wielu ówczesnych mistrzów, takich jak Michał Anioł, Tycjan, El Greco, Andrea del Sarto i innych.

Rzeźby Michała Anioła

Uznano słynnego rzeźbiarza, architekta, malarza i poetę największy mistrz jeszcze żywy. Tylko kilka rzeźb Michała Anioła Buonarrotiego można zobaczyć w Rzymie, ponieważ większość jego dzieł znajduje się we Florencji i Bolonii. W Watykanie jest przechowywany. Michał Anioł wyrzeźbił arcydzieło, gdy miał zaledwie 24 lata. Ponadto Pieta jest jedynym ręcznie podpisanym dziełem mistrza.

Kolejne słynne dzieło Michała Anioła Buonarrotiego można podziwiać w katedrze San Pietro in Vincoli. Znajduje się tam monumentalny nagrobek papieża Juliusza II, którego powstanie trwało ponad cztery dekady. Pomimo tego, że pierwotny projekt pomnika nagrobnego nigdy nie został w pełni zrealizowany, jego główna postać, zdobiąca pomnik, robi silne wrażenie i wygląda tak realistycznie, że w pełni oddaje charakter i nastrój postaci biblijnej.

Rzeźby Lorenza Berniniego

Berniniego. Fontanna Czterech Rzek na Piazza Navona. Fragment

Zmysłowe marmurowe figury z wdziękiem miękkie formy i szczególne wyrafinowanie, zachwycają wirtuozowskim wykonaniem: zimny kamień wygląda na ciepły i miękki, a postacie kompozycje rzeźbiarskie- żywy.

Wśród najbardziej znane prace Koniecznie trzeba zobaczyć Berniniego, na szczycie naszej listy znajdują się Gwałt Prozerpiny oraz Apollo i Daphne, które składają się na kolekcję Galerii Borghese. .

Apollo i Daphne

Na szczególną uwagę zasługuje kolejne arcydzieło Berniniego, Ekstaza błogosławionej Ludwiki Albertoni. słynna rzeźba, stworzony jako pomnik nagrobny na zlecenie kardynała Paluzziego, przedstawia scenę religijnej ekstazy Ludovicy Albertoni, żyjącej na przełomie XV i XVI wieku. Grupa rzeźbiarska zdobi kaplicę Altieri, znajdującą się w bazylice San Francesco a Ripa w rejonie Trastevere.

Sztuka Rzymu zaczyna się od portretu, podobnie jak Rzymianie etruscy wykonywali woskowe lub gipsowe odlewy twarzy zmarłego. Wszystkie szczegóły twarzy zamieniły się w środek charakteryzujący obraz, w którym nie ma miejsca na ideał, każdy jest tym, kim jest.

Biorąc za wzór sztukę grecką (po 146 pne w epoce Augusta), Rzymianie zaczęli przedstawiać cesarzy w niezliczonych wyidealizowanych posągach patrycjuszy, Atlantów i bogów, chociaż model jest oczywiście heroizowany, a głowa jest portret cesarza.

Posąg Augusta z Primaporte.

Sierpnia jako Zeus.

Ale częściej rzeźbą portretową Rzymian jest popiersie.

Początek Ic. PNE. - charakteryzuje się celową prostotą i powściągliwością.

Portret Nerona

W połowie I wieku OGŁOSZENIE - nasila się dążenie do dekoracyjności, mocnych efektów świetlnych. (To jest era Flawiuszów)

Portrety przypominają obrazy hellenistyczne, jest zainteresowanie ludzką osobowością, subtelna charakterystyka uczuć jest przekazywana bez zmian w idealizacji, ale bardzo wyraźnie. Artystka stosuje skomplikowaną technikę obróbki marmuru, zwłaszcza w kobiecych, plisowanych fryzurach.

Portret kobiety.

Portret Witeliusza.

W II wieku. OGŁOSZENIE (epoka Adriana, Antoninowa) - portrety wyróżniają się miękkością modelowania, wyrafinowaniem, pochłoniętym sobą spojrzeniem, mgiełką smutku i dystansu.

Portret Sirpanki.

Orientację, animację spojrzenia podkreśla teraz wyrzeźbiona źrenica (wcześniej była malowana, malowana).

Około 170 roku odlano konny posąg cesarza Marka Aureliusza (obecnie stoi na Placu Kapitolu w Rzymie). Rzekomy heroizm obrazu nie pokrywa się z pojawieniem się cesarza - filozofa.

III wiek naznaczone cechami zbliżającego się końca starożytnej cywilizacji. Fuzja tradycji lokalnych i starożytnych, która rozwinęła się w sztuce rzymskiej, była niszczona przez mordercze wojny i dezintegrację niewolniczego systemu gospodarczego.

Rzeźbiarski portret pełen jest okrutnych i niegrzecznych obrazów inspirowanych samym życiem. Obrazy są prawdziwe i bezlitośnie - odkrywcze, niosą ze sobą strach i niepewność, bolesną niekonsekwencję. III wiek OGŁOSZENIE zwany erą cesarzy-żołnierzy lub erą weryzmu.

Portret Caraccany.

Portret Filipa Araba.

Rzymianie byli twórcami tzw. reliefu historycznego.

Ściana Ołtarza Pokoju (13-9 pne) – cesarz August wraz z rodziną i współpracownikami maszeruje w uroczystej procesji składania ofiar Bogini Pokoju.

Kolumna Trajana (113 n.e.) - trzydziestometrowa kolumna wznosi się na Forum Trajana (Rzym) wzniesionym na cześć zwycięstwa nad Dakami. Płaskorzeźba niczym wstęga o szerokości około jednego metra i długości 200 metrów owija się spiralnie wokół całego pnia kolumny. Sekwencja historyczna przedstawia główne wydarzenia kampanii Trajana: budowę mostu na Dunaju, przeprawę, samą bitwę, oblężenie twierdzy Daków, procesję więźniów, triumfalny powrót. Trajan stojący na czele armii, wszystko jest przedstawione głęboko realistycznie i przesiąknięte patosem gloryfikacji zwycięzcy.

Malarstwo starożytnego Rzymu

W połowie I w. PNE. Starożytny Rzym staje się bogatym państwem. Wzniesiono pałace i wille, które ozdobiono freskami. Podłogi i patia ozdobiono mozaikami - intarsjowanymi malowidłami wykonanymi z naturalnych kamyków, a także z kolorowej pasty szklanej (smalt). Szczególnie wiele fresków i mozaik zachowało się w willach Pompejów (które zostały zniszczone w wyniku erupcji Wezuwiusza w 74 roku n.e.)

W domu Fauna w Pompejach (nazwa pochodzi od znalezionej w domu figury fauna z brązu) odsłonięto mozaikę o powierzchni 15 metrów kwadratowych, przedstawiającą bitwę A. Macedona z królem perskim Dariuszem. Podniecenie bitwy jest doskonale oddane, portretowe cechy generałów podkreśla piękno koloru.

W v. PNE. fresk imitował barwny marmur, tzw. intarsję.

W IV.BC. rozwija się styl architektoniczny (perspektywiczny). Przykładem są malowidła ścienne Willi Tajemnic: na czerwonym tle ściany, prawie na całej jej wysokości, znajdują się duże wielofigurowe kompozycje, w tym postacie Dionizosa i jego towarzyszy - tancerzy, zachwycają malowniczymi rzeźbami , plastyczność ruchów.

W okresie cesarstwa IV. OGŁOSZENIE powstaje trzeci styl, zwany ozdobnym lub kandelabrowym, z motywami egipskimi nawiązującymi do kandelabrów (dom Lukrecjusza Frontinusa).

W drugiej połowie IV. OGŁOSZENIE malowidła są wypełnione obrazem architektury ogrodów i parków, iluzorycznie przesuwając przestrzeń pomieszczeń, pośrodku ściany, jako osobny obraz w kadrze, pisane są mitologiczne wątki (dom Vettii).

Z malowideł ściennych willi rzymskich możemy wydobyć wyobrażenie o malarstwie antycznym, którego wpływ będzie odczuwalny jeszcze przez wiele stuleci.

Według legendy miasto Rzym zostało założone przez bliźniaków Roma i Remusa na siedmiu wzgórzach już w VIII wieku. Pne Zawiera dużą liczbę zabytków z okresu późnej republiki i epoki cesarskiej. Nic dziwnego, że stare powiedzenie mówi, że „wszystkie drogi prowadzą do Rzymu”. Nazwa miasta symbolizowała jego wielkość i chwałę, potęgę i splendor, bogactwo kultury. Początkowo rzymscy rzeźbiarze całkowicie naśladowali Greków, ale w przeciwieństwie do nich, którzy przedstawiali bogów i mitologicznych bohaterów, Rzymianie stopniowo zaczynają pracować nad rzeźbiarskimi portretami konkretnych osób. Uważa się, że rzymski portret rzeźbiarski jest wyróżniające się osiągnięcie rzeźby starożytnego Rzymu. Ale czas mija, a starożytny portret rzeźbiarski zaczyna się zmieniać. Od czasów Hadriana (II wne) rzymscy rzeźbiarze nie malowali już marmuru. Wraz z rozwojem architektury Rzymu rozwija się także portret rzeźbiarski. Jeśli porównamy go z portretami greckich rzeźbiarzy, dostrzeżemy pewne różnice. w rzeźbie starożytna Grecja Przedstawiając wizerunek wielkich dowódców, pisarzy, polityków, mistrzowie greccy starali się stworzyć obraz idealnej, pięknej, harmonijnie rozwiniętej osobowości, która byłaby wzorem dla wszystkich obywateli. A w rzeźbie starożytnego Rzymu, tworząc portret rzeźbiarski, mistrzowie skupili się na indywidualnym wizerunku osoby. Przeanalizujmy jedną rzeźbę starożytnego Rzymu, to słynny portret słynny dowódca Pompejusz, stworzony w I wieku p.n.e. Znajduje się w Kopenhadze w dzielnicy New Carlsberg Glyptothek. To wizerunek mężczyzny w średnim wieku o niestandardowej twarzy. W nim rzeźbiarz starał się pokazać indywidualność wyglądu dowódcy i odsłonić różne strony jego charakter, a mianowicie człowieka z duszą kłamliwą i uczciwego w słowach. Z reguły portrety z tamtych czasów przedstawiają tylko bardzo starszych mężczyzn. A portrety kobiet, młodzieży czy dzieci można było znaleźć tylko na nagrobkach. Funkcja rzeźby starożytnego Rzymu są wyraźnie widoczne na kobiecym wizerunku. Nie jest wyidealizowana, ale dokładnie oddaje przedstawiony typ. W samej rzeźbie Rzymu powstają warunki do dokładnego przedstawienia osoby. Widać to wyraźnie na brązowym posągu mówcy, wykonanym na cześć Aulusa Metellusa. Został przedstawiony w normalnej i naturalnej pozie. Przedstawieni na rzeźbach cesarze rzymscy byli często idealizowani. Starożytna marmurowa rzeźba Oktawiana Augusta, który był pierwszym cesarzem rzymskim, gloryfikuje go jako dowódcę i władcę państwa (Watykan, Rzym). Jego wizerunek symbolizuje siłę i potęgę państwa, które, jak wierzyli, miało przewodzić innym narodom. Dlatego rzeźbiarze przedstawiający cesarzy nie do końca starali się zachować podobieństwo portretowe, lecz stosowali świadomą idealizację. Do tworzenia rzeźb antycznych Rzymianie jako wzór wykorzystywali rzeźby starożytnej Grecji z V-IV wieku pne, w których podobała im się prostota, krzywe linii i piękno proporcji. Majestatyczna poza cesarza, wyraziste dłonie i nieruchome spojrzenie nadają antycznej rzeźbie monumentalny charakter. Jego szata jest efektownie narzucona na rękę, kij jest symbolem potęgi dowódcy. Męska postać o muskularnym ciele i naga piękne nogi przypomina rzeźby bogów i bohaterów starożytnej Grecji. U stóp Augusta stoi Kupidyn, syn bogini Wenus, od którego według legendy wywodzi się rodzina Augusta. Jego twarz jest oddana z dużą dokładnością, ale jego wygląd wyraża męskość, bezpośredniość i uczciwość, podkreśla się w niej ideał człowieka, choć według historyków August był politykiem schludnym i twardym. starożytna rzeźba Cesarz Wespazjan uderza swoim realizmem. Rzeźbiarze rzymscy przejęli ten styl od greckich. Tak się złożyło, że chęć indywidualizacji portretu sięgnęła groteski, jak np. w portrecie przedstawiciela mieszczaństwa, bogatego, przebiegłego lombardu z Pompejów, Lucjusza Cecyliusza Jucundusa. Później w rzeźbach starożytnego Rzymu, zwłaszcza w portretach z drugiej połowy II wieku, wyraźniej zaznacza się indywidualizm. Obraz staje się bardziej uduchowiony i wyrafinowany, oczy zdają się kontemplować widza. Rzeźbiarz osiągnął to, podkreślając oczy ostro zaznaczonymi źrenicami. Wśród rzeźb starożytnego Rzymu za jedno z najlepszych dzieł tej epoki uznawany jest słynny pomnik konny Marka Aureliusza. Został odlany z brązu około 170 roku. W XVI wieku wielki Michał Anioł umieścił swoje dzieło na Kapitolu w starożytnym Rzymie. Służył jako wzór do tworzenia różnych pomników jeździeckich w wielu krajach Europy. Twórca przedstawił Marka Aureliusza w prostym stroju, w płaszczu, bez znaku cesarskiej wielkości. Marek Aureliusz był cesarzem, całe życie spędził na kampaniach, a został przedstawiony przez Michała Anioła w stroju prostego Rzymianina. Cesarz był wzorem ideału i człowieczeństwa. Patrząc na tę antyczną rzeźbę, każdy może zauważyć, że cesarz ma wysoką kulturę intelektualną. Przedstawiając Marka Aureliusza, rzeźbiarz oddał nastrój człowieka, odczuwa spory i zmagania w otaczającej rzeczywistości i stara się od nich oddalić w świat marzeń i osobistych emocji. Ta antyczna rzeźba podsumowuje cechy światopoglądowe charakterystyczne dla całej epoki, kiedy rozczarowanie wartościami życiowymi panowało w umysłach mieszkańców Rzymu. Jego arcydzieła odzwierciedlają rodzaj konfliktu między jednostką a społeczeństwem, który został wywołany głębokim kryzysem społeczno-politycznym, który prześladował Cesarstwo Rzymskie w tym epoka historyczna. Siła państwa była nieustannie podważana częstymi zmianami cesarzy. Połowa III wieku była dla Cesarstwa Rzymskiego bardzo trudna okres kryzysowy, była prawie na granicy upadku i śmierci. Wszystkie te trudne wydarzenia znajdują odzwierciedlenie w płaskorzeźbach zdobiących rzymskie sarkofagi w III wieku. Na nich możemy zobaczyć zdjęcia z bitwy między Rzymianami a barbarzyńcami. W tej historycznej epoce ważną rolę w Rzymie odgrywa wojsko, które jest najbardziej główne wsparcie moc cesarza. W wyniku tych wydarzeń rzeźby starożytnego Rzymu ulegają modyfikacji, władcom nadaje się bardziej szorstkie i okrutne kształty twarzy, zanika idealizacja osoby. Starożytna marmurowa rzeźba cesarza Karakalli pozbawiona jest powściągliwości. Jego brwi zamykają się w złości, przeszywające, podejrzliwe spojrzenie spod brwi, nerwowo ściśnięte usta przywodzą na myśl bezlitosne okrucieństwo, nerwowość i drażliwość cesarza Karakalli. Starożytna rzeźba przedstawia ponurego tyrana. Ulga osiąga wielką popularność w II wieku. Zdobyli forum Trajana i słynną kolumnę pamiątkową. Kolumna spoczywa na cokole z jońską podstawą ozdobioną wieńcem laurowym. Na szczycie kolumny znajdował się posąg z pozłacanego brązu. U podstawy kolumny jego prochy zostały umieszczone w urnie wykonanej ze złota. Reliefy na kolumnie tworzą dwadzieścia trzy zakręty i osiągają długość dwustu metrów. Rzeźba antyczna należy do jednego mistrza, ale miał wielu pomocników, którzy studiowali Sztuka hellenistyczna różne kierunki. Ta odmienność znajduje odzwierciedlenie w przedstawieniu ciał i głów Daków. Wielofigurowa kompozycja, składająca się z ponad dwustu figur, podporządkowana jest jednej idei. Pokazywał potęgę, organizację, wytrzymałość i dyscyplinę armii rzymskiej – zwycięzcy. Trajan został przedstawiony dziewięćdziesiąt razy. Dakowie jawią się nam jako odważni, odważni, ale niezorganizowani barbarzyńcy. Ich obrazy były bardzo wyraziste. Dackie emocje otwarcie wychodzą. Ta rzeźba starożytnego Rzymu w formie płaskorzeźby została pomalowana na jaskrawe kolory, ze złoconymi detalami. Abstrahując, można by założyć, że to wszystko jest jasną tkaniną. Pod koniec wieku wyraźnie widać cechy zmiany stylu. Proces ten rozwijał się intensywnie w III-IV wieku. Rzeźby antyczne powstałe w III wieku wchłaniały idee i myśli ówczesnych ludzi. Sztuka rzymska zakończyła ogromny okres kultury antycznej. W 395 Cesarstwo Rzymskie zostało podzielone na Zachodnie i Wschodnie. Ale to wszystko nie podważyło potęgi i istnienia sztuki rzymskiej, jej tradycje nadal żyły. Artystyczne wizerunki rzeźb starożytnego Rzymu zainspirowały twórców epoki renesansu. Bardzo sławni mistrzowie Wiek XVII-19 wziął przykład z heroicznej i surowej sztuki Rzymu.

POCHODZENIE RZEŹBY RZYMSKIEJ

1.1 Rzeźba kursywa

„W starożytnym Rzymie rzeźba ograniczała się głównie do reliefu historycznego i portretu. Plastyczne formy greckich sportowców są zawsze prezentowane otwarcie. Obrazy, jak modlący się Rzymianin, rzucający na głowę rąbek szaty, są w większości zamknięte w sobie, skoncentrowane. O ile mistrzowie greccy świadomie zerwali ze specyficzną wyjątkowością cech, aby przekazać szeroko rozumianą istotę portretowanej osoby – poety, mówcy czy dowódcy, to mistrzowie rzymscy w portretach rzeźbiarskich koncentrowali się na osobistych, indywidualnych cechach osoby .

Rzymianie przywiązywali mniejszą wagę do sztuki plastycznej niż ówcześni Grecy. Podobnie jak inne plemiona italskie z Półwyspu Apenińskiego, ich własna monumentalna rzeźba (przywieźli wiele greckich posągów) była wśród nich rzadkością; dominują małe brązowe statuetki bogów, geniuszy, kapłanów i kapłanek, przechowywane w domowych sanktuariach i przynoszone do świątyń; ale portret stał się głównym rodzajem sztuki plastycznej.

1.2 Rzeźba etruska

Plastik odgrywał znaczącą rolę w codziennym i religijnym życiu Etrusków: świątynie ozdobiono posągami, w grobowcach zainstalowano rzeźbiarskie i reliefowe rzeźby, wzrosło zainteresowanie portretem, charakterystyczny jest również wystrój. Zawód rzeźbiarza w Etrurii nie był jednak wysoko ceniony. Nazwiska rzeźbiarzy prawie nie zachowały się do dziś; znany jest tylko ten wspomniany przez Pliniusza, który pracował pod koniec VI-V wieku. Mistrzu Vulce.

FORMACJA RZEŹBY RZYMSKIEJ (VIII - I wpne)

„W latach dojrzałej i późnej republiki powstały różnego rodzaju portrety: posągi Rzymian owiniętych w togę i składających ofiarę (najlepszy przykład znajduje się w Muzeum Watykańskim), generałowie w heroicznej postaci z przedstawieniem liczba zbroi wojskowych (pomnik z Tivoli w Rzymie) Muzeum Narodowe), szlachta demonstrująca starożytność z rodzajem popiersi przodków, które trzymają w dłoniach (powtórka I wne w Palazzo Conservatorium), przemawiający do ludu oratorzy (brązowa statua Aulusa Metellusa, wykonana przez mistrza etruskiego) . W rzeźbiarskiej plastyczności portretowej nadal silne były wpływy nierzymskie, ale w nagrobnych rzeźbach portretowych, gdzie oczywiście wszystko obce było mniej dozwolone, było ich niewiele. I choć trzeba sądzić, że nagrobki zostały najpierw wykonane pod kierunkiem mistrzów helleńskich i etruskich, to najwyraźniej klienci silniej dyktowali im swoje pragnienia i upodobania. Niezwykle proste są nagrobki Rzeczypospolitej, które były poziomymi płytami z niszami, w których umieszczono posągi portretowe. W wyraźnej kolejności przedstawiono dwie, trzy, a czasem pięć osób. Tylko na pierwszy rzut oka wydają się - ze względu na jednolitość postaw, położenie fałd, ruchy rąk - podobne do siebie. Nie ma jednej osoby podobnej do drugiej, a łączy je zniewalająca powściągliwość uczuć charakterystyczna dla wszystkich, wzniosły stan stoicki w obliczu śmierci. Mistrzowie jednak nie tylko przekazali indywidualne cechy w rzeźbiarskich obrazach, ale pozwolili poczuć napięcie ostrej epoki wojen podbojowych, niepokojów społecznych, nieprzerwanych niepokojów i niepokojów. W portretach uwagę rzeźbiarza zwraca przede wszystkim piękno tomów, siła ramy, kręgosłup plastycznego obrazu.

KWIAT RZEŹBY RZYMSKIEJ (I - II w.)

3.1 Czas pryncypatu Augusta

W latach sierpniowych portreciści przywiązywali mniejszą wagę do niepowtarzalnych rysów twarzy, wygładzali indywidualną oryginalność, podkreślali w niej to, co wspólne, wspólne dla wszystkich, porównując jeden temat z drugim, zgodnie z typem przyjemnym dla cesarza. Jakby powstały typowe standardy. „Ten wpływ jest szczególnie wyraźny w heroizowanych posągach Augusta. Najbardziej znanym jest jego marmurowy posąg z Prima Porta. Cesarz przedstawiony jest jako spokojny, majestatyczny, z ręką uniesioną w zachęcającym geście; ubrany jak rzymski generał, wydawał się pojawiać przed swoimi legionami. Jego muszlę zdobią alegoryczne płaskorzeźby, płaszcz narzucony jest na rękę trzymającą włócznię lub różdżkę. Augustus jest przedstawiony z gołą głową i gołymi nogami, co, jak wiadomo, jest tradycją sztuki greckiej, konwencjonalnie przedstawiającym bogów i bohaterów nagich lub półnagich. W inscenizacji postaci wykorzystano motywy hellenistycznych postaci męskich ze szkoły słynnego greckiego mistrza Lizypa. Twarz Augusta nosi rysy portretowe, ale jest nieco wyidealizowana, co znów wywodzi się z greckiej rzeźby portretowej. Takie portrety cesarzy, przeznaczone do zdobienia forów, bazylik, teatrów i łaźni, miały uosabiać ideę wielkości i potęgi Cesarstwa Rzymskiego oraz nienaruszalności władzy cesarskiej. Era sierpnia otwiera nową kartę w historii portretu rzymskiego. W rzeźbie portretowej rzeźbiarze lubili teraz operować dużymi, słabo wymodelowanymi płaszczyznami policzków, czoła i podbródka. Jest to preferencja dla płaskości i odrzucenie objętości, co jest szczególnie wyraźne w malarstwo dekoracyjne, wpływały w tym czasie na portrety rzeźbiarskie. W czasach Augusta, bardziej niż wcześniej, powstały portrety kobiet i dzieci, które wcześniej były bardzo rzadkie. Najczęściej były to wizerunki żony i córki princepsa, popiersia z marmuru i brązu oraz posągi chłopców przedstawiały następców tronu. Oficjalny charakter takich dzieł uznali wszyscy: wielu zamożnych Rzymian zainstalowało takie posągi w swoich domach, aby podkreślić ich usposobienie do panującej rodziny.

3.2 Czas Julii - Klaudiusz i Flawiusz

Istota sztuki w ogóle, a rzeźby w szczególności Cesarstwa Rzymskiego zaczęła w pełni wyrażać się w dziełach tego czasu. monumentalna rzeźba przybrały formy inne niż helleńskie. Pragnienie konkretności doprowadziło do tego, że mistrzowie przywiązywali nawet do bóstw indywidualne cechy cesarza. Rzym zdobiły liczne posągi bogów: Jowisza, Romów, Minerwy, Wiktorii, Marsa. Doceniający arcydzieła rzeźby helleńskiej Rzymianie traktowali je niekiedy z fetyszyzmem. „W czasach rozkwitu Imperium na cześć zwycięstw powstawały pomniki-trofea. Balustradę Placu Kapitolu w Rzymie do dziś zdobią dwa ogromne marmurowe trofea Domicjanów. Majestatyczne są także ogromne posągi Dioscuri w Rzymie, na Kwirynale. Wychowujące się konie, potężni młodzieńcy trzymający wodze ukazani są w zdecydowanym, burzliwym ruchu. Rzeźbiarze tamtych lat starali się przede wszystkim zaimponować człowiekowi. W pierwszym okresie rozkwitu sztuki cesarstwa rozpowszechniła się jednak także rzeźba kameralna – zdobiące wnętrza marmurowe figurki, dość często spotykane podczas wykopalisk w Pompejach, Herkulanum i Stabii. Portret rzeźbiarski tego okresu rozwijał się w kilku kierunkach artystycznych. W latach Tyberiusza rzeźbiarze trzymali się maniery klasycystycznej, która panowała za Augusta i została zachowana wraz z nowymi technikami. Za Kaliguli, Klaudiusza, a zwłaszcza Flawiusza, idealizującą interpretację wyglądu zaczęto zastępować dokładniejszym przenoszeniem rysów twarzy i charakteru osoby. Sprzyjała temu maniera republikańska, która wcale nie zniknęła, ale została wyciszona w latach Augusta, z ostrą wyrazistością. „W pomnikach należących do tych różnych nurtów można zauważyć rozwój przestrzennego rozumienia brył i wzrost ekscentrycznej interpretacji kompozycji. Porównanie trzech posągów siedzących cesarzy: Augusta z Kum (Petersburg, Ermitaż), Tyberiusza z Privernusa (Rzym Watykan) i Nerwy (Rzym Watykan), przekonuje, że już w posągu Tyberiusza zachowano klasyczną interpretację twarzy plastyczne rozumienie form uległo zmianie. Powściągliwość i formalność postawy Kumana Augusta została zastąpiona swobodną, ​​zrelaksowaną pozycją ciała, miękką interpretacją tomów, które nie są przeciwne przestrzeni, ale już się z nią scalają. Dalszy rozwój kompozycję plastyczno-przestrzenną postaci siedzącej widać w posągu Nerwy z odchylonym do tyłu, wysoko uniesionym torsem prawa ręka z zdecydowanym obrotem głowy. Zmiany zaszły również w plastiku pionowych posągów. Posągi Klaudiusza mają wiele wspólnego z Augustem z Prima Porta, ale tu też dają o sobie znać ekscentryczne tendencje. Warto zauważyć, że niektórzy rzeźbiarze próbowali przeciwstawić się tym efektownym plastycznym kompozycjom posągami portretowymi, rozwiązywanymi w duchu powściągliwej republikańskiej maniery: oprawa postaci w ogromnym portrecie Tytusa z Watykanu jest dobitnie prosta, nogi spoczywają na pełnych obrotach stopy, ramiona są przyciśnięte do ciała, tylko prawe lekko odsłonięte. „O ile w klasycyzującej sztuce portretowej czasów Augusta dominowała zasada graficzna, o tyle teraz rzeźbiarze odtwarzali indywidualny wygląd i charakter natury poprzez obszerne formowanie form. Skóra stała się gęstsza, bardziej wytłoczona i ukryła wyraźną strukturę głowy na portretach republikańskich. Plastyczność rzeźbiarskich obrazów okazała się bogatsza i bardziej wyrazista. Przejawiało się to nawet w portretach władców rzymskich, które pojawiały się na dalekich peryferiach. Styl portretów cesarskich naśladowały także portrety prywatne. Generałowie, bogaci wyzwoleńcy, lichwiarze próbowali wszystkiego - z postawami, ruchami, zachowaniem przypominającym władców; rzeźbiarze dawali dumę lądowaniu głów, a zdecydowaniu zwrotom, nie łagodząc jednak ostrych, nie zawsze atrakcyjnych cech indywidualnego wyglądu; po surowych normach sierpniowego klasycyzmu w sztuce zaczęli doceniać wyjątkowość i złożoność fizjonomicznej ekspresji. Zauważalne odejście od norm greckich, jakie panowały w latach sierpniowych, tłumaczy się nie tylko ogólną ewolucją, ale także chęcią uwolnienia się mistrzów od obcych zasad i metod, ujawnienia ich rzymskich cech. Na marmurowych portretach, jak poprzednio, źrenice, usta i być może włosy były pomalowane farbą. W tamtych latach częściej niż wcześniej powstawały kobiece portrety rzeźbiarskie. W obrazach żon i córek cesarzy, a także szlachetnych rzymskich kobiet, mistrzowie początkowo kierowali się klasycznymi zasadami panującymi za Augusta. Następnie w portrety kobiet skomplikowane fryzury zaczęły odgrywać coraz większą rolę, a znaczenie dekoracji plastycznych przejawiało się silniej niż u mężczyzn. Portretowcy Domicji Longiny, stosując wysokie fryzury, w interpretacji twarzy trzymali się jednak często maniery klasycystycznej, idealizując rysy, wygładzając powierzchnię marmuru, łagodząc w miarę możliwości ostrość indywidualnego wyglądu . „Wspaniałym pomnikiem czasów późnych Flawiuszów jest popiersie młodej Rzymianki z Muzeum Kapitolińskiego. W przedstawieniu jej kręconych loków rzeźbiarka odeszła od płaskości widocznej na portretach Domicji Longiny. W portretach starszych rzymskich kobiet sprzeciw wobec klasycyzmu był silniejszy. Kobieta na portrecie watykańskim jest przedstawiana przez rzeźbiarza Flawiusza z całą bezstronnością. Modelowanie opuchniętej twarzy z workami pod oczami, głębokie zmarszczki na zapadniętych policzkach, mrużenie jak łzawiące oczy, przerzedzone włosy – wszystko to zdradza przerażające oznaki starości.

3.3 Czas Trojana i Hadriana

W latach drugiego rozkwitu sztuki rzymskiej - w czasach wczesnych Antoninów - Trajana (98-117) i Hadriana (117-138) - imperium pozostawało silne militarnie i kwitło gospodarczo. „Rzeźba okrągła w latach klasycyzmu Adriana pod wieloma względami naśladowała tę helleńską. Możliwe, że ogromne posągi Dioscuri, pochodzące z greckich oryginałów, flankujące wejście do rzymskiego Kapitolu, powstały w pierwszej połowie II wieku. Brakuje im dynamizmu Dioscuri Kwirynału; są spokojne, powściągliwe i pewnie prowadzą potulne i posłuszne konie za wodze. Niektóre monotonne, ociężałe formy każą nam sądzić, że są dziełem klasycyzmu Adriana. Wielkość rzeźb (5,50 m - 5,80 m) jest również charakterystyczna dla ówczesnej sztuki dążącej do monumentalizacji. W portretach z tego okresu można wyróżnić dwa etapy: Trayana, charakteryzującego się skłonnością do zasad republikańskich, oraz Adriana, w którego plastyczności jest więcej przywiązania do wzorców greckich. Cesarze działali w przebraniu generałów przykutych w zbroi, w pozie kapłanów ofiarnych, w postaci nagich bogów, bohaterów lub wojowników. „W popiersiach Trajana, którego można rozpoznać po równoległych kosmykach włosów opadających na czoło i zdecydowanym fałdzie warg, zawsze przeważają spokojne płaszczyzny policzków i pewna ostrość rysów, szczególnie zauważalna zarówno w Moskwa i zabytki Watykanu. Energię skoncentrowaną w człowieku wyraźnie wyrażają petersburskie popiersia: Rzymianin z haczykowatym nosem Salusta, młodzieniec o zdecydowanym spojrzeniu i liktor. Powierzchnia twarzy na marmurowych portretach z czasów Trajana oddaje spokój i nieugiętość ludzi; wydają się być odlane z metalu, a nie wyrzeźbione w kamieniu. Subtelnie dostrzegając fizjonomiczne odcienie, portreciści rzymscy tworzyli dalekie od jednoznacznych obrazów. Biurokratyzacja całego systemu Cesarstwa Rzymskiego pozostawiła również ślad na twarzach. Zmęczone, obojętne oczy i suche, mocno zaciśnięte usta mężczyzny na portrecie z Muzeum Narodowego w Neapolu charakteryzują człowieka trudnej epoki, który swoje emocje podporządkował okrutnej woli cesarza. Obrazy kobiet wypełnione tym samym poczuciem powściągliwości, wolicjonalnego napięcia, tylko sporadycznie złagodzone lekka ironia, zamyślenie lub koncentracja. Nawrócenie za Hadriana na grecki system estetyczny jest ważnym zjawiskiem, ale w istocie ta druga fala klasycyzmu po fali sierpniowej była jeszcze bardziej zewnętrzna niż pierwsza. Klasycyzm, nawet za Hadriana, był tylko maską, pod którą nie umierał, ale wykształcił właściwą rzymską postawę do formowania. Oryginalność rozwoju sztuki rzymskiej, z jej pulsującymi przejawami bądź klasycyzmu, a właściwie romańskiej istoty, z jej przestrzennością form i autentycznością, zwaną weryzmem, świadczy o bardzo sprzecznym charakterze myśli artystycznej późnego antyku.

3.4 Czas ostatnich Antoninów

Późny rozkwit sztuki rzymskiej, który rozpoczął się w ostatnie lata panowanie Hadriana i Antoninusa Piusa i trwające do końca II wieku, charakteryzowało się wygaśnięciem patosu i pompatyczności w formy sztuki . Okres ten naznaczony jest wysiłkiem w sferze kultury o tendencjach indywidualistycznych. „Portret rzeźbiarski przeszedł w tym czasie wielkie zmiany. Monumentalna okrągła plastyka późnych Antoninów, zachowując tradycje Hadriana, wciąż jednak świadczyła o łączeniu idealnych heroicznych obrazów z konkretnymi postaciami, najczęściej cesarza lub jego świty, z gloryfikacją lub ubóstwieniem jednostki. Twarzom bóstw w ogromnych posągach nadano rysy cesarzy, odlano monumentalne posągi konne, których wzorem jest posąg Marka Aureliusza, wspaniałość pomnika konnego podkreślało złocenie. Jednak nawet w monumentalnych wizerunkach portretowych samego cesarza dało się wyczuć zmęczenie i filozoficzną refleksję. Sztuka portretowania, która w latach wczesnego Hadriana przeżyła swego rodzaju kryzys w związku z silnymi ówczesnymi nurtami klasycystycznymi, weszła za późnych Antoninów w okres prosperity, której nie znała nawet w latach Republika i Flawianie. W portretach rzeźbiarskich nadal powstawały heroiczne wyidealizowane obrazy, które determinowały sztukę czasów Trajana i Hadriana. „Z lat trzydziestych III wieku. n. mi. w sztuce portretowej powstają nowe formy artystyczne. Głębia cech psychologicznych osiąga się nie przez uszczegółowienie formy plastycznej, ale przeciwnie, przez zwięzłość, skąpstwo w doborze najważniejszych definiujących cech osobowości. Taki jest na przykład portret Filipa Araba (Petersburg, Pustelnia). Szorstka powierzchnia kamienia dobrze oddaje zwietrzałą skórę „żołnierzy” cesarzy: uogólniony len, ostre, asymetrycznie rozmieszczone fałdy na czole i policzkach, obróbka włosów i krótka broda tylko z małymi ostrymi karbami skupia uwagę widza oczy, na wyrazistej linii ust. „Portretowcy zaczęli interpretować oczy w nowy sposób: źrenice, które zostały przedstawione plastycznie, wpadając w marmur, nadały teraz spojrzeniu żywości i naturalności. Lekko przykryte szerokimi górnymi powiekami, wyglądały na melancholijne i smutne. Spojrzenie wydawało się roztargnione i rozmarzone, dominowało posłuszne poddanie się wyższym, nie do końca świadomym tajemniczym siłom. Ślady głębokiej duchowości marmurowej masy odbijały się echem na powierzchni w zamyślonych spojrzeniach, ruchliwości kosmyków włosów, drganiu lekkich załamań brody i wąsów. Malarze portretowi, robiąc kręcone włosy, mocno przycinali wiertłem w marmur, a czasem wiercili głębokie wewnętrzne wnęki. Oświetlone promieniami słońca takie fryzury wydawały się masą żywych włosów. Wizerunek artystyczny zasymilowani z rzeczywistością, rzeźbiarze zbliżali się coraz bardziej do tego, co szczególnie chcieli przedstawić - do nieuchwytnych ruchów ludzkich uczuć i nastrojów. Mistrzowie tej epoki wykorzystywali do portretów różne, często drogie materiały: złoto i srebro, kryształ górski, a także szeroko rozpowszechnione szkło. Rzeźbiarze docenili ten materiał – delikatny, transparentny, tworzący piękne refleksy. Nawet marmur pod wodzą mistrzów tracił czasem siłę kamienia, a jego powierzchnia przypominała ludzką skórę. Zniuansowane poczucie rzeczywistości w takich portretach sprawiało, że włosy były bujne i poruszające się, skóra jedwabista, a tkaniny ubrań miękkie. Wypolerowali marmur twarzy kobiety dokładniej niż twarz mężczyzny; młodość wyróżniała faktura od starczej.

KRYZYS RZEŹBY RZYMSKIEJ (III-IV WIEKI)

4.1 Koniec ery pryncypacyjnej

W rozwoju sztuki późnorzymskiej można mniej lub bardziej wyraźnie wyróżnić dwa etapy. Pierwsza to sztuka końca pryncypatu (III wiek), druga to sztuka epoki dominatu (od początku panowania Dioklecjana do upadku Cesarstwa Rzymskiego). „W zabytkach artystycznych, zwłaszcza z drugiego okresu, zauważalne jest zanikanie starożytnych idei pogańskich i wzrastająca ekspresja nowych, chrześcijańskich”. Portret rzeźbiarski w III wieku. Przeszedł znaczące zmiany. W posągach i popiersiach zachowały się jeszcze techniki późnych Antoninów, ale znaczenie obrazów było już inne. Czujność i podejrzliwość zastąpiły filozoficzną zamyślenie bohaterów drugiej połowy II wieku. Napięcie dało się odczuć nawet w twarze kobiet ten czas. W portretach w drugiej ćwierci III wieku. Tomy stały się gęstsze, mistrzowie porzucili świder, wykonali włosy z nacięciami, osiągnęli szczególnie wyrazistą ekspresję szeroko otwartych oczu. Chęć nowatorskich rzeźbiarzy, aby w ten sposób zwiększyć oddziaływanie artystyczne swoich dzieł, wywołała w latach Gallienusa (połowa III w.) reakcję i powrót do dawnych metod. Przez dwie dekady portreciści ponownie portretowali Rzymian z kręconymi włosami i kręconymi brodami, starając się przynajmniej w artystycznych formach ożywić dawne obyczaje i tym samym przypomnieć dawną wielkość plastyczności. Jednak po tym krótkotrwałym i sztucznym powrocie do form Antoninowa już pod koniec trzeciej ćwierci III wieku. Po raz kolejny ujawniło się pragnienie rzeźbiarzy, aby za pomocą niezwykle zwięzłych środków przekazać napięcie emocjonalne. wewnętrzny świat osoba. W latach krwawych konfliktów domowych i częstych zmian cesarzy walczących o tron ​​portreciści ucieleśniali odcienie złożonych doświadczeń duchowych w nowych formach, które wówczas się narodziły. Stopniowo coraz bardziej interesowały ich nie indywidualne cechy, ale te czasami nieuchwytne nastroje, które już i tak trudno było wyrazić w kamieniu, marmurze i brązie.

4.2 Era dominacji

W dziełach rzeźbiarskich z IV wieku. współistniały spiski pogańskie i chrześcijańskie; artyści zwrócili się do wizerunku i śpiewu nie tylko mitologicznych, ale także chrześcijańskich bohaterów; kontynuując to, co rozpoczęło się w III wieku. wychwalając cesarzy i członków ich rodzin, przygotowali atmosferę nieokiełznanego panegiryku i kultu kultu, charakterystyczną dla bizantyjskiego ceremoniału dworskiego. Modelowanie twarzy stopniowo przestało zajmować portrecistów. Siły duchowe człowieka, szczególnie dotkliwie odczuwane w epoce, w której chrześcijaństwo podbijało serca pogan, wydawały się stłoczone w twardych formach z marmuru i brązu. Świadomość tego głębokiego konfliktu epoki, niemożność wyrażenia uczuć w tworzywach sztucznych dały pomniki artystyczne IV wieku. coś tragicznego. Szeroko otwarte w portretach z IV wieku. oczy, które teraz wyglądały smutno i władczo, teraz pytająco i z niepokojem, ogrzewały ludzkimi uczuciami zimne, skostniałe masy kamienia i brązu. Materiał portrecistów stawał się coraz mniej ciepły i prześwitujący od powierzchni marmuru, coraz częściej decydowali się przedstawiać twarze mniej zbliżone do cech Ludzkie ciało bazalt lub porfir.

WNIOSEK

Z tego wszystkiego, co zostało przemyślane, widać, że rzeźba powstała w ramach swojego czasu, tj. bardzo mocno polegała na swoich poprzednikach, a także na języku greckim. W okresie rozkwitu Cesarstwa Rzymskiego każdy cesarz wniósł do sztuki coś nowego, coś własnego, a wraz ze sztuką zmieniała się odpowiednio rzeźba. Rzeźba antyczna zostaje zastąpiona rzeźbą chrześcijańską; aby zastąpić mniej lub bardziej zunifikowaną rzeźbę grecko-rzymską, rozpowszechnioną w Cesarstwie Rzymskim, rzeźby prowincjonalne, z odrodzonymi tradycjami lokalnymi, są już bliskie tym „barbarzyńskim”, które je zastępują. Zaczyna się Nowa era historia kultury światowej, w której rzeźba rzymska i grecko-rzymska zawarta jest tylko jako jeden ze składników. W sztuka europejska starożytne rzymskie dzieła często służyły jako swego rodzaju sztandary, które naśladowali architekci, rzeźbiarze, dmuchacze szkła i ceramicy. Bezcenne dziedzictwo artystyczne starożytnego Rzymu nadal żyje jako szkoła klasycznego rzemiosła dla dzisiejszej sztuki.

Główną zaletą starożytnej rzeźby rzymskiej jest realizm i autentyczność obrazów. Przede wszystkim wynika to z faktu, że Rzymianie mieli silny kult przodków, a od samego początku wczesny okres W historii Rzymu istniał zwyczaj usuwania pośmiertnych masek woskowych, które później zostały wzięte przez rzeźbiarzy za podstawę rzeźbiarskich portretów.

Samo pojęcie „starożytnej sztuki rzymskiej” ma bardzo arbitralne znaczenie. Wszyscy rzeźbiarze rzymscy byli pochodzenia greckiego. W sensie estetycznym cała starożytna rzeźba rzymska jest repliką greckiej. Innowacją było połączenie greckiego pragnienia harmonii i rzymskiej sztywności oraz kultu siły.

Historia starożytnej rzeźby rzymskiej podzielona jest na trzy części - sztukę Etrusków, plastykę epoki Republiki i sztukę cesarską.

Sztuka etruska

Rzeźba etruska przeznaczona była do ozdabiania urn pogrzebowych. Same urny zostały stworzone w formie ludzkiego ciała. Realizm obrazu uznano za niezbędny do utrzymania porządku w świecie duchów i ludzi. Dzieła starożytnych mistrzów etruskich, mimo prymitywności i szkicowości obrazów, zaskakują indywidualnością każdego obrazu, charakterem i energią.

Rzeźba Republiki Rzymskiej

Rzeźba czasów Rzeczypospolitej charakteryzuje się emocjonalną skąpstwem, dystansem i chłodem. Odnosiło się wrażenie całkowitej izolacji obrazu. Wynika to z dokładnego odwzorowania maski pośmiertnej podczas tworzenia rzeźby. Sytuację nieco naprawiła grecka estetyka, kanony, według których obliczano proporcje ludzkiego ciała.

Liczne płaskorzeźby kolumn triumfalnych, świątyń, które należą do tego okresu, zachwycają elegancją linii i realizmem. Na szczególną uwagę zasługuje rzeźba z brązu „Wilczyca rzymska”. Podstawowa legenda Rzymu, materialne ucieleśnienie rzymskiej ideologii - takie jest znaczenie tego posągu w kulturze. Prymitywizacja fabuły, nieprawidłowe proporcje, fantastyka nie przeszkadzają w najmniejszym podziwianiu dynamiki tego dzieła, jego szczególnej ostrości i temperamentu.

Ale głównym osiągnięciem rzeźby tej epoki jest realistyczny portret rzeźbiarski. W przeciwieństwie do Grecji, gdzie tworząc portret, mistrz w jakiś sposób podporządkował prawom harmonii i pięknu wszystkie indywidualne cechy modelu, rzymscy mistrzowie starannie skopiowali wszystkie subtelności wyglądu modeli. Z drugiej strony prowadziło to często do uproszczenia obrazów, szorstkości linii i odejścia od realizmu.

Rzeźba Cesarstwa Rzymskiego

Zadaniem sztuki każdego imperium jest wywyższenie cesarza i państwa. - nie jest wyjątkiem. Rzymianie epoki cesarstwa nie wyobrażali sobie swojego domu bez rzeźb przodków, bogów i samego cesarza. Dlatego do dziś zachowało się wiele przykładów imperialnej sztuki plastycznej.

Przede wszystkim na uwagę zasługują triumfalne kolumny Trajana i Marka Aureliusza. Kolumny zdobią płaskorzeźby opowiadające o kampaniach wojennych, wyczynach i trofeach. Takie płaskorzeźby to nie tylko dzieła sztuki, które zachwycają dokładnością obrazu, wielofigurową kompozycją, harmonią linii i subtelnością pracy, to także bezcenne źródło historyczne, który pozwala na odtworzenie detali domowych i wojskowych z epoki imperium.

Posągi cesarzy na forach Rzymu są wykonane w surowy, niegrzeczny sposób. Nie ma już śladu greckiej harmonii i piękna charakterystycznego dla wczesnej sztuki rzymskiej. Mistrzowie musieli przede wszystkim przedstawiać silnych i twardych władców. Nastąpiło też odejście od realizmu. Cesarze rzymscy przedstawiani byli jako wysportowani, wysocy, mimo że rzadko który z nich miał harmonijną sylwetkę.

Niemal zawsze w czasach Imperium Rzymskiego rzeźby bogów przedstawiano z twarzami panujących cesarzy, więc historycy niezawodnie wiedzą, jak wyglądali cesarze największego starożytnego państwa.

Pomimo tego, że sztuka rzymska bez wątpienia weszła do światowego skarbca wielu arcydzieł, w swej istocie jest jedynie kontynuacją starożytnej greki. Rzymianie rozwinęli się sztuka antyczna, uczynił go wspanialszym, majestatycznym, jaśniejszym. Z drugiej strony to Rzymianie stracili poczucie proporcji, głębi i ideowej treści sztuki wczesnostarożytnej.