Rzeźba starożytnej Grecji jest wiodącym standardem w świecie sztuki rzeźbiarskiej, która nadal inspiruje współczesnych rzeźbiarzy do tworzenia artystycznych arcydzieł. Częste motywy rzeźb i kompozycji sztukatorskich starożytni greccy rzeźbiarze były bitwy wielkich bohaterów, mitologii i legend, władców i starożytnych greckich bogów.

Rzeźba grecka zyskała szczególny rozwój w okresie od 800 do 300 pne. mi. Ten obszar rzeźby czerpał wczesną inspirację z monumentalnej sztuki Egiptu i Bliskiego Wschodu i ewoluował na przestrzeni wieków w unikalną grecką wizję formy i dynamiki. Ludzkie ciało.

Greccy malarze i rzeźbiarze osiągnęli szczyt artystycznej doskonałości, która uchwyciła nieuchwytne cechy osoby i pokazała je w sposób, którego nikt inny nie był w stanie pokazać. Greccy rzeźbiarze byli szczególnie zainteresowani proporcjami, równowagą i wyidealizowaną doskonałością ludzkiego ciała, a ich kamienne i brązowe figury stały się jednymi z najbardziej rozpoznawalnych dzieł sztuki kiedykolwiek stworzonych przez jakąkolwiek cywilizację.

Pochodzenie rzeźby w starożytnej Grecji

Od VIII wieku pne archaiczna Grecja była świadkiem wzrostu produkcji małych figurek z gliny, kości słoniowej i brązu. Niewątpliwie drewno było również materiałem szeroko stosowanym, jednak jego podatność na erozję nie pozwalała na masową produkcję wyrobów z drewna, gdyż nie wykazywały one niezbędnej trwałości. Figurki z brązu, głowy ludzkie, mityczne potwory, a w szczególności gryfy, służyły jako ozdoby i uchwyty do naczyń z brązu, kotłów i mis.

W stylu greckie postacie ludzkie mają wyraziste linie geometryczne, które często można znaleźć na ceramice z tamtych czasów. Ciała wojowników i bogów są przedstawione z wydłużonymi kończynami i trójkątnym torsem. Również często starożytne greckie kreacje są ozdobione postaciami zwierząt. Wiele z nich znaleziono w całej Grecji w miejscach schronienia, takich jak Olimpia i Delfy, co wskazuje na ich wspólną funkcję jako amuletów i obiektów kultu.

Zdjęcie:

Najstarsze greckie rzeźby kamienne wykonane z wapienia pochodzą z połowy VII wieku pne i zostały znalezione w Therze. W tym okresie coraz częściej pojawiają się też figury z brązu. Z punktu widzenia intencji autora, wątki kompozycji rzeźbiarskich stawały się coraz bardziej złożone i ambitne i mogły już przedstawiać wojowników, sceny batalistyczne, atletów, rydwany, a nawet muzyków z instrumentami tamtego okresu.

Marmurowa rzeźba pojawia się na początku VI wieku p.n.e. Pierwsze monumentalne marmurowe posągi naturalnej wielkości służyły jako pomniki poświęcone bohaterom i osobom szlachetnym lub znajdowały się w sanktuariach, w których sprawowano symboliczną służbę bogom.

Najwcześniejsze duże kamienne figury znalezione w Grecji przedstawiały młodych mężczyzn ubranych w kobiece stroje, którym towarzyszyła krowa. Rzeźby były statyczne i surowe, jak w egipskich posągach monumentalnych, ręce były ustawione prosto po bokach, nogi były prawie razem, a oczy patrzyły prosto przed siebie bez szczególnego wyrazu twarzy. Te raczej statyczne postacie powoli ewoluowały poprzez szczegółowość obrazu. Utalentowani mistrzowie skupili się na najdrobniejszych szczegółach obrazu, takich jak włosy i mięśnie, dzięki którym postacie zaczęły ożywać.

Charakterystyczną pozą dla greckich posągów była pozycja, w której ramiona są lekko zgięte, co daje im napięcie w mięśniach i żyłach, a jedna noga (zazwyczaj prawa) jest lekko wysunięta do przodu, dając poczucie dynamicznego ruchu statua. Tak powstały pierwsze realistyczne obrazy dynamicznego ciała ludzkiego.

Zdjęcie:

Malowanie i kolorowanie starożytnej greckiej rzeźby

Na początku XIX wieku systematyczne wykopaliska w starożytnych miejscach greckich odkryły wiele rzeźb ze śladami wielobarwnych powierzchni, z których niektóre były nadal widoczne. Mimo to wpływowi historycy sztuki, tacy jak Johann Joachim Winckelmann, tak mocno sprzeciwiali się idei malowanej rzeźby greckiej, że zwolenników malowanych posągów nazywano ekscentrykami, a ich poglądy były w dużej mierze tłumione przez ponad wiek.

Dopiero w opublikowanych pracach naukowych niemieckiego archeologa Vindzenika Brinkmana na przełomie XX i XXI wieku odkryto szereg znanych starożytne greckie rzeźby. Używając lamp o dużej intensywności, światła ultrafioletowego, specjalnie zaprojektowanych komór, odlewów gipsowych i niektórych sproszkowanych minerałów, Brinkmann udowodnił, że cały Partenon, łącznie z jego głównym korpusem, a także posągami, pomalowano na różne kolory. Następnie przeanalizował chemicznie i fizycznie pigmenty oryginalnej farby, aby określić jej skład.

Brinkmann stworzył kilka kolorowych replik greckich posągów, które podróżowały po całym świecie. W kolekcji znajdowały się kopie wielu dzieł rzeźby greckiej i rzymskiej, co dowodzi, że praktyka malowania rzeźby była normą, a nie wyjątkiem w sztuce greckiej i rzymskiej.

Muzea, w których eksponowano eksponaty, odnotowały wielki sukces wystawy wśród zwiedzających, co wynika z pewnej rozbieżności między zwykłymi śnieżnobiałymi greckimi sportowcami a tymi jasnymi posągami, którymi naprawdę byli. Miejsce to obejmuje Muzeum Glyptotek w Monachium, Muzeum Watykańskie i Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach. Kolekcja zadebiutowała w Ameryce na Uniwersytecie Harvarda jesienią 2007 roku.

Zdjęcie:

Etapy powstawania rzeźby greckiej

Rozwój sztuki rzeźbiarskiej w Grecji przeszedł kilka znaczących etapów. Każdy z nich znalazł odzwierciedlenie w rzeźbie z charakterystycznymi cechami, zauważalnymi nawet dla laików.

scena geometryczna

Uważa się, że najwcześniejsze wcielenie greckiej rzeźby miało formę drewnianych posągów kultowych, po raz pierwszy opisanych przez Pauzaniasza. Nie zachowały się na to żadne dowody, a ich opisy są niejasne, mimo że prawdopodobnie przez setki lat były przedmiotem kultu.

Pierwszy prawdziwy dowód greckiej rzeźby został znaleziony na wyspie Eubea i datowany na 920 rpne. Był to posąg centaura Lefkandi z ręki nieznanej rzeźby z terakoty. Posąg został poskładany, ponieważ został celowo rozbity i pochowany w dwóch oddzielnych grobach. Centaur ma wyraźną ranę na kolanie. To pozwoliło badaczom zasugerować, że posąg może przedstawiać Chirona, zranionego strzałą Herkulesa. Jeśli to prawda, można by to uznać za najwcześniejszy znany opis mitu w historii rzeźby greckiej.

Rzeźby z okresu geometrycznego (około 900 do 700 pne) były małymi figurkami wykonanymi z terakoty, brązu i kości słoniowej. Typowe dzieła rzeźbiarskie tej epoki reprezentowane są na wielu przykładach. posąg jeździecki. Jednak repertuar fabuły nie ogranicza się tylko do ludzi i koni, ponieważ niektóre znalezione tam rzeźby i sztukaterie przedstawiają wizerunki jeleni, ptaków, chrząszczy, zające, gryfy i lwy.

O rzeźbie geometrycznej wczesny okres nie ma żadnych inskrypcji do początku VII wieku p.n.e. posąg Manticlosa „Apollo” znaleziony w Tebach. Rzeźba jest postacią stojącego mężczyzny z napisem u jego stóp. Napis ten jest rodzajem instrukcji, aby pomagać sobie nawzajem i odwzajemniać życzliwością za życzliwość.

okres archaiczny

Zainspirowani monumentalną kamienną rzeźbą Egiptu i Mezopotamii, Grecy ponownie zaczęli rzeźbić w kamieniu. Poszczególne postacie łączy charakterystyczna dla modeli orientalnych twardość i frontalna postawa, ale ich formy są bardziej dynamiczne niż w rzeźbie egipskiej. Przykładem rzeźb z tego okresu są posągi Lady Auxerre i tors Hery (wczesny okres archaiczny - 660-580 p.n.e., eksponowany w paryskim Luwrze).

Zdjęcie:

Takie postacie miały jeden istotna funkcja w wyrazie twarzy - archaiczny uśmiech. To wyrażenie, które nie ma szczególnego związku z przedstawianą osobą lub sytuacją, mogło być narzędziem artysty do ożywienia i „żywości” postaci.

W tym okresie w rzeźbie dominowały trzy typy postaci: stojąca naga młodzież, stojąca dziewczyna, ubrana w tradycyjny grecki strój i siedząca kobieta. Podkreślają i uogólniają główne cechy postaci ludzkiej oraz wykazują coraz dokładniejsze zrozumienie i znajomość anatomii człowieka.

Starożytne greckie posągi nagich młodzieńców, w szczególności słynnego Apolla, często były prezentowane w ogromnych rozmiarach, co miało pokazać siłę i męską siłę. W tych posągach szczegóły budowy muskulatury i szkieletu są znacznie bardziej widoczne niż we wczesnych pracach geometrycznych. Ubrane dziewczyny mają szeroką gamę mimiki i postawy, jak w rzeźbach. Akropol ateński. Ich draperia jest rzeźbiona i malowana z delikatnością i skrupulatnością charakterystyczną dla detali rzeźby tego okresu.

Grecy bardzo wcześnie uznali, że najważniejszym przedmiotem artystycznych działań jest postać ludzka. Wystarczy przypomnieć, że ich bogowie mają wygląd ludzki, co oznacza, że ​​w sztuce nie było różnicy między sacrum a świeckim – ludzkie ciało było jednocześnie świeckie i święte. Męska naga postać, bez odniesienia do postaci, mogłaby równie dobrze stać się Apollem lub Herkulesem, albo przedstawiać potężnego olimpijczyka.

Podobnie jak w przypadku ceramiki, Grecy nie produkowali rzeźby tylko na pokaz artystyczny. Posągi były wykonywane na zamówienie albo przez arystokratów i szlachtę, albo przez państwo i były używane do publicznych pomników, do dekoracji świątyń, wyroczni i sanktuariów (co często dowodzą starożytne inskrypcje na posągach). Grecy używali również rzeźb jako pomników na groby. Posągi w okresie archaicznym nie miały przedstawiać konkretnych osób. Były to obrazy idealnego piękna, pobożności, honoru lub poświęcenia. Dlatego rzeźbiarze zawsze tworzyli rzeźby młodych ludzi, począwszy od adolescencja do wczesnej dojrzałości, nawet gdy zostały złożone na grobach (przypuszczalnie) starszych obywateli.

okres klasyczny

Okres klasyczny dokonał rewolucji w rzeźbie greckiej, kojarzonej niekiedy przez historyków z radykalnymi zmianami w życiu społecznym i politycznym – wprowadzeniem demokracji i końcem ery arystokratycznej. Okres klasyczny przyniósł zmiany w stylu i funkcji rzeźby, a także dramatyczny wzrost umiejętności technicznych greckich rzeźbiarzy w przedstawianiu realistycznych postaci ludzkich.

Zdjęcie:

Pozy stały się również bardziej naturalne i dynamiczne, zwłaszcza na początku okresu. W tym czasie greckie posągi zaczęły coraz częściej przedstawiać prawdziwych ludzi, zamiast niejasnych interpretacji mitów lub całkowicie fikcyjnych postaci. Choć styl, w jakim zostały przedstawione, nie wykształcił się jeszcze w realistyczną formę portretu. Powstałe w Atenach posągi Harmodiusa i Arystogeitona symbolizują obalenie arystokratycznej tyranii i według historyków stają się pierwszymi publicznymi pomnikami przedstawiającymi postacie prawdziwych ludzi.

Okres klasyczny to także rozkwit sztuki stiukowej i wykorzystanie rzeźb jako dekoracji budynków. Charakterystyczne świątynie epoki klasycznej, takie jak Partenon w Atenach i Świątynia Zeusa w Olimpii, wykorzystywały płaskorzeźby do dekoracyjnych fryzów, dekoracji ścian i sufitów. Złożone wyzwanie estetyczne i techniczne stojące przed rzeźbiarzami tego okresu przyczyniło się do powstania innowacji rzeźbiarskich. Większość dzieł z tego okresu zachowała się jedynie w postaci oddzielnych fragmentów, np. sztukateryjna dekoracja Partenonu znajduje się dziś częściowo w British Museum.

Rzeźba żałobna dokonała ogromnego skoku w tym okresie, od sztywnych i bezosobowych posągów z okresu archaicznego do bardzo osobistych grup rodzinnych epoki klasycznej. Zabytki te znajdują się zwykle na przedmieściach Aten, które w starożytności były cmentarzami na obrzeżach miasta. Choć niektóre z nich przedstawiają „idealne” typy ludzi (tęskniąca matka, posłuszny syn), coraz częściej stają się uosobieniem prawdziwych ludzi i z reguły pokazują, że zmarły z godnością opuszcza ten świat, opuszczając swoją rodzinę. To zauważalny wzrost poziomu emocji w stosunku do epoki archaicznej i geometrycznej.

Kolejną godną uwagi zmianą jest rozkwit twórczości utalentowanych rzeźbiarzy, których nazwiska przeszły do ​​historii. Wszystkie znane informacje o rzeźbach w epoce archaicznej i geometrycznej skupiają się na samych pracach, przy czym niewiele uwagi poświęca się ich twórcom.

Okres hellenistyczny

Przejście od okresu klasycznego do okresu hellenistycznego (lub greckiego) nastąpiło w IV wieku p.n.e. Sztuka grecka stawała się coraz bardziej różnorodna pod wpływem kultur ludów zaangażowanych w orbitę grecką, podbojów Aleksandra Wielkiego (336-332 pne). Zdaniem niektórych historyków sztuki doprowadziło to do spadku jakości i oryginalności rzeźby, jednak ówcześni ludzie mogli nie podzielać tej opinii.

Wiadomo, że wiele rzeźb, wcześniej uważanych za geniuszy epoki klasycznej, faktycznie powstało w okresie hellenistycznym. Umiejętności techniczne i talent rzeźbiarzy hellenistycznych są widoczne w tak ważnych dziełach, jak Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki i Ołtarz Pergamoński. Nowe ośrodki kultury greckiej, zwłaszcza rzeźbiarskiej, rozwinęły się w Aleksandrii, Antiochii, Pergamonie i innych miastach. Do II wieku p.n.e. rosnąca potęga Rzymu pochłonęła również znaczną część tradycji greckiej.

Zdjęcie:

W tym okresie rzeźba ponownie przeszła w kierunku naturalizmu. Bohaterami tworzenia rzeźb stali się teraz zwykli ludzie - mężczyźni, kobiety z dziećmi, zwierzęta i sceny domowe. Wiele dzieł z tamtego okresu zostało zleconych przez zamożne rodziny do dekoracji swoich domów i ogrodów. Powstały realistyczne postacie mężczyzn i kobiet w każdym wieku, a rzeźbiarze nie czuli się już zobowiązani do przedstawiania ludzi jako ideałów piękna lub fizycznej doskonałości.

W tym samym czasie nowe hellenistyczne miasta, które powstały w Egipcie, Syrii i Anatolii, potrzebowały posągów przedstawiających bogów i bohaterów Grecji do swoich świątyń i przestrzeni publicznych. Doprowadziło to do tego, że rzeźba, podobnie jak produkcja ceramiki, stała się przemysłem z późniejszą standaryzacją i pewnym spadkiem jakości. Dlatego do dziś przetrwało znacznie więcej dzieł hellenistycznych niż epoki okresu klasycznego.

Wraz z naturalnym przejściem w stronę naturalizmu nastąpiła również zmiana ekspresji i emocjonalnego ucieleśnienia rzeźb. Bohaterowie posągów zaczęli wyrażać więcej energii, odwagi i siły. Prostym sposobem docenienia tej zmiany wyrazu jest porównanie najbardziej znanych dzieł z okresu hellenistycznego z tymi z okresu klasycznego. Jednym z najbardziej znanych arcydzieł okresu klasycznego jest rzeźba Delphi Carrier, która wyraża pokorę i pokorę. Jednocześnie rzeźby okresu hellenistycznego odzwierciedlają siłę i energię, co jest szczególnie widoczne w pracy „Dżokej Artemizji”.

Najsłynniejszymi rzeźbami hellenistycznymi na świecie są Skrzydlate Zwycięstwo z Samotraki (I wiek p.n.e.) oraz posąg Afrodyty z wyspy Melos, lepiej znanej jako Wenus z Milo (połowa II w. p.n.e.). Posągi te przedstawiają klasyczne przedmioty i motywy, ale ich wykonanie jest znacznie bardziej zmysłowe i emocjonalne niż surowy duch epoki klasycznej i jej techniczne umiejętności.

Zdjęcie:

Rzeźba hellenistyczna również uległa zwiększeniu, czego kulminacją był Kolos z Rodos (koniec III wieku), który według historyków był porównywalny rozmiarami do Statuy Wolności. Seria trzęsień ziemi i rabunków zniszczyła to dziedzictwo starożytnej Grecji, podobnie jak wiele innych ważnych dzieł tego okresu, których istnienie opisano w dzieła literackie współcześni.

Po podbojach Aleksandra Wielkiego kultura grecka rozprzestrzeniła się do Indii, o czym świadczą wykopaliska Ai-Khanoum we wschodnim Afganistanie. Sztuka grecko-buddyjska stanowiła etap pośredni między sztuką grecką a wizualną ekspresją buddyzmu. Odkrycia dokonane od końca XIX wieku w starożytnym egipskim mieście Herakles doprowadziły do ​​odkrycia szczątków posągu Izydy z IV wieku p.n.e.

Posąg w niezwykle zmysłowy i subtelny sposób przedstawia egipską boginię. Nie jest to typowe dla rzeźbiarzy z tego obszaru, ponieważ wizerunek jest szczegółowy i kobiecy, co symbolizuje połączenie form egipskich i hellenistycznych podczas podboju Egiptu przez Aleksandra Wielkiego.

Starożytna grecka rzeźba jest protoplastą całej światowej sztuki! Do tej pory arcydzieła starożytnej Grecji przyciągają miliony turystów i miłośników sztuki, którzy starają się dotknąć piękna i talentu, który nie podlega czasowi.

Rzeźba archaiczna: o Kouros - nadzy sportowcy. o Zainstalowany w pobliżu świątyń; o Ucieleśniał ideał męskiej urody; o Wyglądają podobnie: młody, smukły, wysoki. Kouros. VI wiek p.n.e. mi.

Rzeźba archaiczna: o Kore – dziewczyny w chitonach. o Ucieleśnienie ideału kobiece piękno; o Podobni do siebie: kręcone włosy, enigmatyczny uśmiech, uosobienie wyrafinowania. Szczekać. VI wiek p.n.e. mi.

GRECKA RZEŹBA KLASYCZNA o Koniec V-IV wieku. pne mi. - okres burzliwego życia duchowego Grecji, kształtowanie się w filozofii idealistycznych idei Sokratesa i Platona, które rozwinęły się w walce z materialistyczną filozofią Demokratów, czas dodawania i nowych form języka greckiego Dzieła wizualne. W rzeźbie męskość i surowość obrazów surowej klasyki zastępuje zainteresowanie duchowym światem człowieka, a jego bardziej złożona i mniej jednoznaczna charakterystyka znajduje odzwierciedlenie w sztuce plastycznej.

Greccy rzeźbiarze okresu klasycznego: o. Polikletos o. Mirona o. Skopas o. Praksyteles Lysippos o. Leohar

Polykleitos Dzieła Polikleita stały się prawdziwym hymnem o wielkości i duchowej mocy Człowieka. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej sylwetce. Nie ma w tym nic zbędnego, „nic ponad miarę”, duchowy i fizyczny wygląd jest harmonijny. Polikleto. Doryfor (włócznik). 450 -440 p.n.e. mi. Kopia rzymska. Muzeum Narodowe. Neapol

Doryphorus ma złożoną postawę, inną niż postawa statyczna starożytny kuros. Polikleitos jako pierwszy pomyślał o nadaniu figurom takiej oprawy, aby spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. Ponadto figura wydaje się być ruchliwa i żywa, ponieważ osie poziome nie są równoległe (tzw. chiasm). „Dorifor” (gr. δορυφόρος – „Włócznik”) – jeden z najsłynniejszych posągów starożytności, uosabia tzw. Kanon Polikleita.

Kanon Polykleitosa o Doryphorosa nie jest przedstawieniem konkretnego zwycięskiego sportowca, ale ilustracją kanonów postaci męskiej. o Poliklet postanowił dokładnie określić proporcje postaci ludzkiej, zgodnie z jego wyobrażeniami o idealnym pięknie. Proporcje te są ze sobą powiązane liczbowo. o „Zapewniali nawet, że Poliklet wykonał go celowo, aby inni artyści wykorzystali go jako model” – napisał współczesny. o Samo pisanie „Kanonu” miało wielki wpływ na kultura europejska, mimo że z pracy teoretycznej zachowały się tylko dwa fragmenty.

Kanon Polikleta Jeśli przeliczymy proporcje tego Idealnego Człowieka dla wzrostu 178 cm, to parametry posągu będą następujące: 1. objętość szyi - 44 cm, 2. klatka piersiowa - 119, 3. biceps - 38, 4. talia - 93, 5. przedramiona - 33 , 6. nadgarstki - 19, 7. pośladki - 108, 8. uda - 60, 9. kolana - 40, 10. goleń - 42, 11. kostki - 25, 12. stopy - 30 cm.

Myron o Myron - grecki rzeźbiarz z połowy V wieku. pne mi. Rzeźbiarz epoki bezpośrednio poprzedzającej najwyższy rozkwit sztuki greckiej (do. VI - początek V w.) o Ucieleśniał ideały siły i piękna człowieka. • Był pierwszym mistrzem złożonych odlewów z brązu. Mirona. Miotacz dyskietek. 450 pne mi. Kopia rzymska. Muzeum Narodowe, Rzym

Mirona. „Discobolus” Starożytni charakteryzują Myrona jako największego realistę i znawcę anatomii, który jednak nie potrafił nadać twarzy życia i wyrazu. Portretował bogów, bohaterów i zwierzęta, a ze szczególną miłością reprodukował trudne, ulotne pozy. o Jego najsłynniejsze dzieło „Discobolus”, sportowiec zamierzający uruchomić płytę, to posąg, który przetrwał do naszych czasów w kilku egzemplarzach, z których najlepszy jest wykonany z marmuru i znajduje się w Pałacu Massami w Rzymie.

kreacje rzeźbiarskie Skopas o Skopas (420 - ok. 355 pne), pochodzący z wyspy Paros, bogaty w marmur. W przeciwieństwie do Praksytelesa Skopas kontynuował tradycje wysokiej klasyki, tworząc monumentalno-heroiczne obrazy. Ale z obrazów z V wieku. wyróżnia je dramatyczne napięcie wszystkich sił duchowych. o Pasja, patos, mocny ruch to główne cechy sztuki Skopasa. o Znany również jako architekt, brał udział w tworzeniu fryzu reliefowego dla Mauzoleum w Halikarnasie.

Rzeźbiarskie kreacje Skopas W stanie ekstazy, w gwałtownym wybuchu namiętności, Skopas przedstawia Maenadę. Towarzyszka boga Dionizosa ukazana jest w szybkim tańcu, głowa odrzucona do tyłu, włosy opadają na ramiona, ciało wygięte, przedstawione w złożonej perspektywie, fałdy krótkiej tuniki podkreślają gwałtowny ruch. W przeciwieństwie do rzeźby z V wieku. Maenad Scopas jest już zaprojektowany do oglądania ze wszystkich stron. Skopas. Bachantka

Rzeźbiarskie kreacje Skopasa Znany również jako architekt, brał udział w tworzeniu płaskorzeźby mauzoleum w Halikarnasie. Skopas. Bitwa z Amazonkami

Praksyteles o Urodzony w Atenach (ok. 390 - 330 pne) o Inspirująca piosenkarka kobiecej urody.

Rzeźby Praksytelesa o Posąg Afrodyty z Knidos jest pierwszym przedstawieniem nagiej postaci kobiecej w sztuce greckiej. Posąg stał na wybrzeżu półwyspu Knidos, a współcześni pisali tu o prawdziwych pielgrzymkach, by podziwiać piękno bogini, przygotowującej się do wejścia do wody i zrzucającej swoje ubrania na pobliski wazon. o Oryginalny posąg nie zachował się. Praksyteles. Afrodyta z Knidos

Rzeźbiarskie twory Praksytelesa W jedynym marmurowym posągu Hermesa (patrona handlu i podróżników, a także posłańca, „kuriera” bogów), który sprowadzony został do nas w oryginale rzeźbiarza Praksytelesa, przedstawiony mistrz piękny młody człowiek, w stanie spokoju i pogody ducha. W zamyśleniu spogląda na małego Dionizosa, którego trzyma w ramionach. Męską urodę sportowca zastępuje nieco kobieca, pełna wdzięku, ale też bardziej duchowa uroda. Na posągu Hermesa zachowały się ślady starożytnej rasy: rudobrązowe włosy, srebrny bandaż. Praksyteles. Hermesa. Około 330 p.n.e. mi.

Lysippus o Wielki rzeźbiarz IV wieku. pne mi. o (370-300 pne). Pracował w brązie, ponieważ starał się uchwycić obrazy w ulotnym impulsie. Pozostawił po sobie 1500 posągów z brązu, w tym kolosalne figury bogów, bohaterów i sportowców. Cechuje je patos, inspiracja, emocjonalność.Oryginał do nas nie dotarł. Nadworny rzeźbiarz Marmurowa kopia głowy A. Macedońskiego

Rzeźbiarskie twory Lysippusa W tej rzeźbie z niezwykłą wprawą została oddana namiętna intensywność pojedynku Herkulesa z lwem. Lysippos. Herkules walczący z lwem. IV wiek p.n.e. mi. Kopia rzymska Ermitaż, Petersburg

Rzeźbiarskie twory Lysippus o Lysippus starały się jak najbardziej zbliżyć jego obrazy do rzeczywistości. o Tak więc pokazał sportowcom nie w momencie największego napięcia, ale z reguły w momencie ich upadku, po zawodach. Tak przedstawia się jego Apoxyomenos, czyszczący piasek po sportowej walce. Ma zmęczoną twarz, włosy zlepione od potu. Lysippos. Apoksyomenos. Kopia rzymska, 330 pne mi.

Rzeźbiarskie twory Lysippusa o Zniewalający Hermes, zawsze szybkiego i żywego, jest również reprezentowany przez Lysippusa, jakby w stanie skrajnego zmęczenia, krótko przykucnięty na kamieniu i gotowy biec dalej w swoich skrzydlatych sandałach w następnej sekundzie. Lysippos. „Odpoczywający Hermes”

Rzeźbiarskie twory Lysippusa o Lysippus stworzyły własny kanon proporcji ludzkiego ciała, zgodnie z którym jego figury są wyższe i smuklejsze niż Polykleitosa (wielkość głowy to 1/9 figury). Lysippos. „Herkules z Farnese”

Leohar Jego praca jest doskonałą próbą uchwycenia klasycznego ideału ludzkiego piękna. W jego pracach nie tylko perfekcja obrazów, ale także umiejętność i technika wykonania. Apollo jest uważany za jedno z najlepszych dzieł starożytności. Leohar. Apollo Belvedere. IV wiek p.n.e. mi. Kopia rzymska. Muzea Watykańskie

Rzeźba grecka Tak więc w rzeźbie greckiej ekspresja obrazu dotyczyła całego ciała człowieka, jego ruchów, a nie tylko twarzy. Pomimo tego, że wiele greckich posągów nie zachowało swojej górnej części (jak np. Nike z Samotraki czy Nike Untying Sandals przyszły do ​​nas bez głowy, zapominamy o tym, patrząc na integralne plastikowe rozwiązanie obrazu. dusza i ciało uważane były przez Greków za nierozerwalną jedność, wtedy ciała greckich posągów są niezwykle uduchowione.

Nike z Samotraki Posąg został wzniesiony z okazji zwycięstwa floty macedońskiej nad Egipcjanami w 306 rpne. mi. Bogini została przedstawiona niejako na dziobie statku, ogłaszając zwycięstwo dźwiękiem trąby. Patos zwycięstwa wyraża się w szybkim ruchu bogini, w szerokim trzepotaniu jej skrzydeł. Nike z Samotraki II wpne mi. Luwr, Paryż Marmur

Nike rozwiązuje sandały Bogini rozwiązuje sandały przed wejściem do Świątyni Marmuru. Ateny

Wenus z Milo Dnia 8 kwietnia 1820 roku grecki chłop z wyspy Melos o imieniu Iorgos, kopiąc ziemię, poczuł, że jego łopata, głucho brzęcząc, natrafia na coś twardego. Iorgos kopał w pobliżu - ten sam wynik. Cofnął się o krok, ale nawet tutaj łopata nie chciała wbić się w ziemię. Najpierw Iorgos zobaczył kamienną niszę. Miał około czterech lub pięciu metrów szerokości. W kamiennej krypcie, ku swojemu zdziwieniu, znalazł marmurowy posąg. To była Wenus. Agesander. Wenus z Milo. Żaluzja. 120 pne mi.

Laokoona i jego synowie Laokoona, nikogo nie uratowałeś! Ani miasto, ani świat nie są zbawicielem. Bezsilny umysł. Dumny Trzy usta to przesądzony wniosek; krąg fatalnych wydarzeń zamknął się w duszącej koronie wężowych pierścieni. Przerażenie na twarzy, błaganie i jęki twojego dziecka; drugi syn został uciszony przez truciznę. Twoje omdlenia. Twój świszczący oddech: „Pozwól mi być…” (…Jak beczenie baranków ofiarnych Przez mgłę i przeszywająco i subtelnie!..) I znowu – rzeczywistość. I trucizna. Są silniejsze! W paszczy węża potężnie płonie wściekłość. . . Laokoona, kto cię słyszał? ! Oto twoi chłopcy. . . Oni są. . . nie oddychaj. Ale w każdej Troi czekają na swoje konie.

Zeus był królem bogów, bogiem nieba i pogody, prawa, porządku i losu. Przedstawiany był jako mężczyzna królewski, dojrzały, o mocnej sylwetce i ciemnej brodzie. Jego zwykłymi atrybutami były błyskawice, berło królewskie i orzeł. Ojciec Herkulesa, organizator wojny trojańskiej, wojownik ze stugłowym potworem. Zalał świat, aby ludzkość mogła zacząć żyć na nowo.

Posejdon był wielkim olimpijskim bogiem mórz, rzek, powodzi i susz, trzęsień ziemi, a także patronem koni. Przedstawiany był jako dojrzały mężczyzna o mocnej budowie, z ciemną brodą i trójzębem. Kiedy świat został podzielony przez Chrona między swoich synów, otrzymał władzę nad morzem.

Demeter była wielką olimpijską boginią płodności, rolnictwa, zboża i chleba. Przewodniczyła także jednemu z mistycznych kultów, które obiecały swoim wtajemniczonym ścieżkę do błogosławionego życia pozagrobowego. Demeter była przedstawiana jako dojrzała kobieta, często w koronie, trzymająca w ręku pszenne kłosy i pochodnię. Przyniosła głód na Ziemię, ale też wysłała bohatera Triptolemosa, aby uczył ludzi, jak uprawiać ziemię.

Hera była królową bogów olimpijskich oraz boginią kobiet i małżeństwa. Była też boginią gwiaździste niebo. Ona jest zwykle przedstawiana jako śliczna kobieta noszący koronę, trzymający laskę królewską zakończoną lotosem. Czasami towarzyszy jej królewski lew, kukułka lub jastrząb. Była żoną Zeusa. Urodziła kalekiego Hefajstosa, którego zrzuciła z Nieba samym spojrzeniem. On sam był bogiem ognia i wykwalifikowanym kowalem oraz patronem kowalstwa. Hera pomogła Grekom w wojnie trojańskiej.

Apollo był wielkim bogiem proroctw i wyroczni olimpijskich, uzdrawiania, zarazy i chorób, muzyki, pieśni i poezji, łucznictwa i ochrony młodzieży. Przedstawiano go jako przystojnego młodzieńca bez brody z długie włosy oraz różne atrybuty, takie jak wieniec i gałąź laurowa, łuk i kołczan, wrona i lira. Apollo miał świątynię w Delfach.

Artemida była wielką boginią polowań, dzikiej przyrody i dzikie zwierzęta. Była także boginią porodu i patronką młodych dziewcząt. Jej bliźniak, brat Apolla, był także patronem nastoletnich chłopców. Razem ci dwaj bogowie byli również arbitrami nagłej śmierci i choroby – Artemida brał na cel kobiety i dziewczęta, a Apollo brał na cel mężczyzn i chłopców.

W sztuce starożytnej Artemida jest zwykle przedstawiana jako dziewczyna ubrana w krótką tunikę do kolan, wyposażoną w łuk myśliwski i kołczan ze strzałami.

Po urodzeniu natychmiast pomogła matce urodzić brata bliźniaka Apollo. Zamieniła myśliwego Acteona w jelenia, gdy zobaczył, jak się kąpie.

Hefajstos był wielkim olimpijskim bogiem ognia, obróbki metali, kamieniarstwa i sztuki rzeźbiarskiej. Zazwyczaj przedstawiano go jako brodatego mężczyznę z młotkiem i szczypcami – narzędziami kowalskimi – i jadącego na osiołku.

Atena była wielką olimpijską boginią mądrych rad, wojny, obrony miasta, bohaterskich wysiłków, tkactwa, garncarstwa i innych rzemiosł. Przedstawiono ją w hełmie, uzbrojoną w tarczę i włócznię oraz w płaszczu obszytym wężem owiniętym wokół piersi i ramion, ozdobionym głową Gorgona.

Ares był wielkim olimpijskim bogiem wojny, porządku publicznego i odwagi. W sztuce greckiej przedstawiano go albo jako dojrzałego, brodatego wojownika odzianego w zbroję bojową, albo jako nagiego młodzieńca bez brody w hełmie i włóczni. Ze względu na brak wyróżników często trudno je zidentyfikować w sztuce klasycznej.

Sztuka starożytnej Grecji stała się podporą i fundamentem, na którym całość cywilizacja europejska. Rzeźba starożytnej Grecji to temat szczególny. Bez rzeźba antyczna nie byłoby genialnych arcydzieł renesansu, a dalszy rozwój tej sztuki trudno sobie wyobrazić. W historii rozwoju greckiej rzeźby antycznej można wyróżnić trzy główne etapy: archaiczny, klasyczny i hellenistyczny. Każdy ma w sobie coś ważnego i wyjątkowego. Rozważmy każdy z nich.

Archaiczny

Do tego okresu należą rzeźby powstałe między VII wiekiem p.n.e. a początkiem V w. p.n.e. Epoka dała nam postacie nagich młodych wojowników (kouros), a także wiele postaci kobiecych w ubraniach (koros). Rzeźby archaiczne charakteryzują się pewną szkicowością i dysproporcją. Z drugiej strony każde dzieło rzeźbiarza jest atrakcyjne ze względu na swoją prostotę i powściągliwą emocjonalność. Postacie z tej epoki charakteryzują się półuśmiechem, co nadaje pracom tajemniczości i głębi.

„Bogini z granatem”, przechowywana w berlińskim Muzeum Państwowym, jest jedną z najlepiej zachowanych archaicznych rzeźb. Z zewnętrzną chropowatością i „niewłaściwymi” proporcjami uwagę widza przykuwają genialnie wykonane przez autora ręce rzeźby. Wyrazisty gest rzeźby czyni ją dynamiczną i szczególnie wyrazistą.

„Kouros z Pireusu”, który zdobi kolekcję Muzeum Ateńskiego, to późniejsze, a przez to doskonalsze dzieło starożytnego rzeźbiarza. Przed widzem stoi potężny młody wojownik. Lekkie pochylenie głowy i gesty rąk mówią o spokojnej rozmowie, jaką prowadzi bohater. Zaburzone proporcje nie są już tak rzucające się w oczy. A rysy twarzy nie są tak uogólnione, jak w przypadku wczesnych rzeźb okresu archaicznego.

Klasyczny

Większość rzeźb z tej epoki kojarzy się ze starożytną sztuką plastyczną.

W dobie klasyki takie słynne rzeźby jak Atena Partenos, Zeus Olimpijski, Dyskobolus, Doryfor i wielu innych. Historia zachowała dla potomnych nazwiska wybitnych rzeźbiarzy epoki: Polilecta, Fidiasza, Myrona, Skopasa, Praksytelesa i wielu innych.

Arcydzieła klasycznej Grecji wyróżniają się harmonią, idealnymi proporcjami (co świadczy o doskonałej znajomości anatomii człowieka), a także treścią wewnętrzną i dynamiką.

Jest to okres klasyczny, charakteryzujący się pojawieniem się pierwszych nagich postaci kobiecych (Zraniona Amazonka, Afrodyta z Knidos), które dają wyobrażenie o ideale kobiecego piękna w okresie rozkwitu starożytności.

hellenizm

Późna starożytność grecka charakteryzuje się silnymi wpływami orientalnymi na całą sztukę w ogóle, aw szczególności na rzeźbę. Pojawiają się skomplikowane skróty perspektywiczne, wykwintne draperie, liczne detale.

Orientalna emocjonalność i temperament przenikają do spokoju i majestatu klasyki.

Afrodyta z Cyreny, która zdobi rzymskie muzeum Thermae, jest pełna zmysłowości, a nawet kokieterii.

Najsławniejszy kompozycja rzeźbiarska Epoka hellenistyczna - Laokoon i jego synowie Agesander z Rodos (w jednym z nich przechowywane jest arcydzieło). Kompozycja jest pełna dramatyzmu, sama fabuła sugeruje silne emocje. Desperacko opierając się wężom wysłanym przez Atenę, sam bohater i jego synowie zdają się rozumieć, że ich los jest straszny. Rzeźba wykonana z niezwykłą precyzją. Postacie są plastikowe i prawdziwe. Twarze bohaterów robią na widzu silne wrażenie. Ponieważ niedługo będę musiał prowadzić wykłady na temat Historia świata sztuki, przygotowuję i powtarzam materiał. Postanowiłem opublikować niektóre z nich i moje przemyślenia na ten temat. To nie jest sam wykład, ale przemyślenia na wąski, konkretny temat.

Trudno przecenić miejsce rzeźby w sztuce antyku. Jednak dwa z jego najważniejszych narodowych przejawów to rzeźba starożytnej Grecji i rzeźba starożytny Rzym- to dwa zupełnie różne, pod wieloma względami przeciwstawne zjawiska. Z czego się składają?

Rzeźba Grecji jest naprawdę słynna i właściwie powinna być stawiana na pierwszym miejscu w porównaniu z architekturą grecką. Faktem jest, że Grecy postrzegali samą architekturę jako rzeźbę. Każdy budynek dla Greka to przede wszystkim plastikowa bryła, pomnik doskonały w swych formach, ale przeznaczony przede wszystkim do kontemplacji z zewnątrz. Ale o architekturze napiszę osobno.

Nazwiska greckich rzeźbiarzy są dobrze znane i słyszane przez wszystkich, którzy uczyli się w szkole. Równie sławni i gloryfikowani byli greccy malarze sztalugowi, jednak jak to bywa w historii sztuki, z ich dzieł nie zachowało się absolutnie nic, no może rzekome kopie na ścianach domów zamożnych Rzymian (co może zobaczyć w Pompejach). Jednak, jak zobaczymy, sytuacja nie jest już tak dobra z oryginalnymi greckimi posągami, gdyż większość z nich znana jest ponownie z rzymskich replik pozbawionych greckiej doskonałości.

Jednak przy tak uważnym podejściu do nazwisk twórców sztuki Grecy pozostali całkowicie obojętni na indywidualność, na to, co teraz nazwano by osobowością człowieka. Uczyniwszy z człowieka centrum swojej sztuki, Grecy widzieli w nim wzniosły ideał, przejaw doskonałości, harmonijne połączenie duszy i ciała, ale bynajmniej nie byli zainteresowani szczególnymi cechami przedstawianej osoby. Grecy nie znali portretu w naszym znaczeniu tego słowa (może z wyjątkiem późniejszego okresu hellenistycznego). Wznosząc posągi antropoidalnych bogów, bohaterów, sławnych obywateli swojego polis, stworzyli uogólniony, typowy obraz, który uosabia pozytywne cechy dusza, bohaterstwo, cnota i piękno.

Światopogląd Greków zaczął się zmieniać dopiero wraz z końcem ery klasyków w IV wieku p.n.e. Kres dawnego świata położył Aleksander Wielki, który swoją bezprecedensową działalnością dał początek kulturowemu fenomenowi mieszania greckiego i bliskowschodniego, który nazwano hellenizmem. Ale dopiero po ponad 2 wiekach Rzym, już wtedy potężny, wkroczył na arenę historii sztuki.

Co dziwne, ale przez dobrą połowę (jeśli nie większość) swojej historii Rzym prawie nie zamanifestował się z artystycznego punktu widzenia. Tak minął prawie cały okres republikański, który pozostał w pamięci ludu jako czas męstwa rzymskiego i czystości obyczajów. Ale w końcu, w I wieku p.n.e. powstał rzymski portret rzeźbiarski. Trudno powiedzieć, jak wielką rolę odegrali w tym Grecy, którzy teraz pracowali dla Rzymian, którzy ich podbili. Należy założyć, że bez nich Rzym nie stworzyłby tak błyskotliwej sztuki. Jednak ktokolwiek tworzył rzymskie dzieła sztuki, był właśnie rzymskim.

Paradoksalnie, choć to Rzym stworzył być może najbardziej zindywidualizowaną sztukę portretową na świecie, nie ma wzmianki o rzeźbiarzach, którzy tę sztukę tworzyli. Rzeźba rzymska, a przede wszystkim portret rzeźbiarski, jest więc przeciwieństwem klasycznej rzeźby Grecji.

Należy od razu zauważyć, że inna, tym razem lokalna, włoska tradycja, a mianowicie sztuka Etrusków, odegrała ważną rolę w jej kształtowaniu. Cóż, spójrzmy na zabytki i wykorzystajmy je do scharakteryzowania głównych zjawisk w rzeźbie antycznej.

Już w tej marmurowej głowie z Cyklad 3 tys. p.n.e. mi. to poczucie plastycznego uczucia, które stanie się głównym atutem sztuki greckiej. Nie szkodzi temu w żaden sposób minimalizm detali, który oczywiście dopełniało malarstwo, gdyż aż do renesansu rzeźba nigdy nie była bezbarwna.

Znana (cóż, można to powiedzieć o prawie każdym posągu greckiego rzeźbiarza) grupa przedstawiająca tyronicznych zabójców Harmodiusa i Aristogeitona, wyrzeźbiona przez Kritiasa i Nezjote. Nie rozpraszając się formowaniem sztuki greckiej w epoce archaicznej, zwróciliśmy się już do dzieła klasyków V wieku. PNE. Reprezentujący dwóch bohaterów, bojowników o demokratyczne ideały Aten, rzeźbiarze przedstawiają dwie postacie warunkowe, tylko w ogólnym zarysie podobne do samych pierwowzorów. Ich głównym zadaniem jest połączenie w jedną całość dwóch pięknych, idealnych ciał, ujętych jednym heroicznym impulsem. Doskonałość cielesna oznacza tutaj wewnętrzną słuszność i godność przedstawionych.

W niektórych swoich pracach Grecy starali się przekazać harmonię zawartą w pokoju, w statyce. Poliklet osiągnął to zarówno dzięki proporcji sylwetki, jak i dzięki dynamice zawartej w ustawieniu sylwetki. T. rz. chiasm lub inaczej contrappost - przeciwnie skierowany ruch różnych części postaci - jeden z podbojów tego czasu, na zawsze wszedł w ciało sztuka europejska. Oryginały Polikleta zaginęły. Wbrew przyzwyczajeniu współczesnego widza, Grecy często pracowali, odlewając posągi z brązu, co pozwalało uniknąć niepokojących trybun, które powstały w marmurowych powtórkach z czasów rzymskich. (Po prawej znajduje się brązowa kopia rekonstrukcyjna z Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, o ileż lepiej!)

Miron zasłynął z przekazywania bardzo złożonych stanów, w których spokój ma ustąpić miejsca aktywnemu ruchowi.Po raz kolejny podaję dwie wersje jego dysku (obie późne): marmurową i brązową.

„Rublew” starożytnej Grecji, wielki twórca rzeźby Akropolu Ateńskiego Fidiasza, wręcz przeciwnie, osiągnął piękno i równowagę nawet w najbardziej intensywnych i poruszających kompozycjach. Tutaj mamy okazję zobaczyć oryginały z V wieku. BC, tym razem wykonany z marmuru jako połączony z ciałem architektury Partenonu. Nawet w złamanej formie, bez rąk, nóg i głów, w postaci nędznych ruin, grecka klasyka jest zdumiewająco doskonała. Żadna inna sztuka nie mogła tego zrobić.

Ale co z portretem? Oto słynny obraz wielkiego Peryklesa. Ale czego możemy się z tego nauczyć o tej osobie? Tyle tylko, że był wielkim obywatelem swojej polityki, wybitną postacią i dzielnym dowódcą. I nic więcej.

Inaczej rozwiązany jest „portret” Platona, reprezentowany przez niemłodego już mędrca z bujną brodą i intelektualną, intensywną psychicznie twarzą. Utrata malarstwa oczu oczywiście w dużej mierze pozbawia obraz ekspresji.

Obraz był inaczej postrzegany już pod koniec IV wieku. Zachowane repliki portretów Aleksandra Wielkiego, stworzone przez Lizypa, ukazują nam osobowość, która sama w sobie nie jest już tak integralna, pewna siebie i jednoznaczna, jak właśnie widzieliśmy w klasycznym okresie Grecji.

Teraz wreszcie nadszedł czas, aby przenieść się do Rzymu, a raczej na razie do Etrusków, którzy stworzyli pogrzebowe wizerunki zmarłych. Baldachim - urny na prochy - Etruskowie wykonane z wizerunkami głów i rąk, porównujące, dotychczas warunkowo, do osoby zmarłej. Baldachim z terakoty, VI wiek p.n.e. mi.

Bardziej złożonymi dziełami były takie nagrobki z postaciami leżącymi jak na uczcie, często małżeństw.

Urocze uśmiechy, podobne do uśmiechów archaicznych greckich posągów... Ale ważne jest tu coś jeszcze - to konkretni ludzie tutaj pochowani.

Tradycje etruskie stworzyły swego rodzaju podwaliny pod właściwy portret rzymski. Pojawiający się dopiero w I wieku pne portret rzymski znacznie różnił się od wszystkich innych. Autentyczność w przekazywaniu prawdy życia, nieozdabiony wygląd osoby, jej wizerunek takim, jakim jest, stały się w nim najważniejsze. I w tym niewątpliwie widzieli Rzymianie godność. Termin verismo możemy najlepiej odnieść do rzymskiego portretu końca epoki republikańskiej. Przeraża nawet swoją odrażającą szczerością, która nie zatrzymuje się na żadnych cechach brzydoty i starości.

Dla zilustrowania poniższej tezy podam przykład encyklopedyczny - wizerunki Rzymianina w todze z portretami ich przodków. W tym obowiązującym rzymskim zwyczaju istniało nie tylko ludzkie pragnienie zachowania pamięci o minionych pokoleniach, ale także składnik religijny, tak typowy dla tak rodzimej religii jak rzymska.

Idąc za Etruskami, Rzymianie przedstawiali na nagrobkach pary małżeńskie. Ogólnie rzecz biorąc, plastikowa rzeźba była dla mieszkańca Rzymu tak naturalna, jak dla nas fotografia.

Ale teraz nadszedł nowy czas. Na przełomie tysiącleci (i epok) Rzym stał się imperium. Od teraz naszą galerię reprezentować będą przede wszystkim portrety cesarzy. Jednak ta oficjalna sztuka nie tylko zachowała, ale także zwielokrotniła niezwykły realizm, jaki pierwotnie pojawił się w rzymskim portrecie. Jednak najpierw w epoce Augusta (27 pne - 14 ne) sztuka rzymska przeżyła pierwszą poważną interakcję z idealnym pięknem tkwiącym w całej grece. Ale nawet tutaj, dopracowawszy się w formie, pozostał wierny portretowym rysom cesarza. Dopuszczając konwencję w doskonałym, idealnie poprawnym i zdrowym ciele, odzianym w zbroję i pozostającą w ceremonialnej pozie, sztuka rzymska umieszcza na tym ciele prawdziwą głowę Augusta, taką jaką był.

Od Grecji do Rzymian przeszło zadziwiające posiadanie obróbki kamienia, ale tutaj ta sztuka nie mogła przesłonić tego, co z natury było rzymskie.

Kolejna wersja oficjalnego wizerunku Augusta jako Wielkiego Papieża w zasłonie narzuconej na głowę.

A teraz, już w portrecie Wespazjana (69-79 r.), znów widzimy nieskrywany weryzm. Ten obraz z dzieciństwa zapadł mi w pamięć, urzekając osobistymi rysami przedstawionego cesarza. Inteligentna, szlachetna, a jednocześnie przebiegła i rozważna twarz! (Jak mu pasuje złamany nos))

Równolegle doskonalone są również nowe techniki obróbki marmuru. Użycie wiertarki pozwala na stworzenie bardziej złożonej gry objętości, światła i cienia, wprowadzenie kontrastu różnych faktur: szorstkich włosów, polerowanej skóry. Na przykład wizerunek kobiety, poza tym do tej pory prezentowano tylko mężczyzn.

Trojan (98 - 117)

Antoninus Pius był drugim po Hadrianie cesarzem, który zapuścił brodę po grecku. I to nie tylko gra. Wraz z „greckim” wyglądem na obrazie osoby pojawia się coś filozoficznego. Spojrzenie idzie w bok, w górę, pozbawiając człowieka stanu równowagi i zadowolenia z ciała. (Teraz źrenice oczu są zarysowane przez samego rzeźbiarza, który zachowuje wygląd, nawet jeśli poprzednie zabarwienie zostanie utracone.)

Z całą oczywistością widać to w portretach filozofa na tronie - Marka Aureliusza (161 - 180).

Przyciąga mnie tutaj ten interesujący odłamek. Spróbuj narysować rysy twarzy, a otrzymasz ikonę! Spójrz na kształty oka, powieki, źrenicy i porównaj je z ikonami bizantyńskimi.

Ale nie tylko dzielni i sprawiedliwi powinni być przedmiotem rzymskiego portretu! Heliogabal (poprawnie - Elagabal), wyznawca wschodniego kultu słońca, zaskoczył Rzymian zwyczajami całkowicie im sprzecznymi i nie lśniącymi czystością życia. Ale wyraźnie pokazuje nam to jego portret.

Wreszcie złoty wiek Rzymu jest daleko w tyle. Jeden po drugim tak zwani cesarze-żołnierze są wynoszeni na tron. Tubylcy wszelkich stanów, krajów i narodów mogą nagle stać się władcami Rzymu, ogłoszeni ich żołnierzami. Portret Filipa Araba (244 - 249), nie najgorszy z nich. I znowu jakaś tęsknota lub niepokój w jego oczach...

Cóż, to jest śmieszne: Gall treboński (251 - 253).

Nadszedł czas, aby zwrócić uwagę na to, co od czasu do czasu ukazywało się na rzymskim portrecie. Teraz forma zaczyna nieubłaganie schematyzować, plastikowa forma ustępuje miejsca warunkowej grafice. Samo ciało stopniowo odchodzi, ustępując miejsca czysto duchowemu, wyłącznie wewnętrznemu obrazowi. Cesarz Probus (276 - 282).

I tak zbliżyliśmy się do końca III - początku IV wieku. Dioklecjan tworzy nowy system administracji Imperium – tetrarchię. W jego czterech częściach panują dwaj Augustowie i dwaj Cezarowie. Stare miasto Rzymu, które już dawno straciło rolę stolicy, nie jest już ważne. Zabawna grupa czterech niemal identycznych postaci, utożsamianych z tetrarchami, zachowała się w Wenecji, zaczerpniętej z Konstantynopola. Często przedstawiana jest jako zakończenie rzymskiego portretu. Ale nie jest! W rzeczywistości jest to, powiedzmy, specjalny eksperyment, awangarda tamtych czasów. Ponadto, według niektórych moich nauczycieli, jest to praca egipska, co jest szczególnie widoczne przy użyciu twardego porfiru. Metropolitalna szkoła rzymska oczywiście pozostała inna i nie umarła przez co najmniej kolejny wiek.

Na poparcie tego, co zostało powiedziane, innym obrazem z Egiptu jest cesarz Maximin Daza (305 - 313). Pełna stylizacja, schematyzacja i abstrakcja jak kto woli.

A oto, co działo się w Rzymie. Konstantyn Wielki (306-337) zostaje suwerennym władcą Imperium. W jego kolosalnym portrecie (jest to w istocie głowa Kolosa - gigantycznego posągu zainstalowanego w rzymskiej bazylice Konstantyna Maksencjusza) zarówno idealne, perfekcyjne opracowanie formy, jak i ostatecznie uformowany nowy obraz, oderwany od wszystkiego tymczasowe, są w pełni obecne. W wielkich, pięknych, patrzących gdzieś obok nas oczach, zdecydowanych brwiach, mocnym nosie, zamkniętych ustach jest teraz nie tylko wizerunek ziemskiego władcy, ale także coś, co już przekroczyło granice tego odbicia, które zjadło Marcusa. Aureliusz i inni mu współcześni, znużeni tą cielesną skorupą, w której dusza była zamknięta.

Jeśli słynny edykt mediolański z 313 roku jedynie zatrzymał prześladowania chrześcijaństwa, pozwalając chrześcijanom na legalne istnienie w Imperium (sam Konstantyn został ochrzczony dopiero po śmierci), to pod koniec IV wieku po naszej ery chrześcijaństwo stało się już dominujące. I w tym czasie chrześcijańskiej starożytności nadal powstawały portrety rzeźbiarskie. Portret cesarza Arkadiusza (383-408) uderza nie tylko swoim pięknem, ale także nieziemską abstrakcją.

Tu trafił rzymski portret, taki obraz zrodził, będąc już sam w sobie sztuką chrześcijańską. Rzeźba ustępuje teraz malarstwu. Ale wielkie dziedzictwo dawnej kultury nie zostaje odrzucone, żyjąc dalej, służąc nowym celom i zamierzeniom. Chrześcijański obraz (ikona) z jednej strony zrodził się ze słów: „Boga nikt nigdy nie widział; Jednorodzony Syn, który jest w łonie Ojca, objawił” (J 1, 18) . Z drugiej strony chłonął całe doświadczenie sztuki, która ją poprzedzała, jak widzieliśmy, która dawno temu boleśnie szukała prawdy iw końcu ją znalazła.

Ale to zupełnie inna historia dla tej historii...