अरब देशों की कला अपने मूल में जटिल है। दक्षिण अरब में, वे भूमध्यसागरीय और पूर्व से जुड़े सबियन, मिनियन और हिमायराइट राज्यों (पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व - 6 वीं शताब्दी ईस्वी) की संस्कृतियों की तारीख हैं। अफ्रीका। यमन में हधरामावत और बहुमंजिला इमारतों के टॉवर के आकार के घरों की वास्तुकला में प्राचीन परंपराओं का पता लगाया जा सकता है, जिसके अग्रभाग को रंगीन राहत पैटर्न से सजाया गया है। सीरिया, मेसोपोटामिया, मिस्र और माघरेब में, मध्ययुगीन अरबी कला की शैली भी स्थानीय आधार पर बनाई गई थी, जो ईरानी, बीजान्टिन और अन्य संस्कृतियों से कुछ प्रभाव का अनुभव कर रही थी।
आर्किटेक्चर। इस्लाम की मुख्य धार्मिक इमारत मस्जिद थी, जहाँ नबी के अनुयायी प्रार्थना के लिए एकत्रित होते थे। 7वीं शताब्दी के पहले भाग में एक बाड़ वाले आंगन और एक उपनिवेश (जो "यार्ड" या "स्तंभ" प्रकार की मस्जिद की शुरुआत को चिह्नित करता है) से युक्त मस्जिदें। बसरा (635), कूफ़ा (638) और फुस्तत (7वीं शताब्दी के 40 के दशक) में बनाए गए थे। स्तंभ प्रकार लंबे समय तक अरब देशों के स्मारकीय धार्मिक वास्तुकला में मुख्य बना रहा (मस्जिद: इब्न तुलुन में काहिरा, 9वीं शताब्दी; समारा में मुतवक्किल, 9वीं शताब्दी; रबात में हसन और मराकेश में कौतौबिया, दोनों 12वीं सदी; अल्जीयर्स में महान मस्जिद, 11 वीं शताब्दी, आदि) और ईरान, काकेशस, बुध के मुस्लिम वास्तुकला को प्रभावित किया। एशिया, भारत। वास्तुकला में, गुंबददार संरचनाएं भी विकसित की गईं, जिसका एक प्रारंभिक उदाहरण यरुशलम में अष्टकोणीय मस्जिद कुब्बत अस-सहरा (687-691) है। भविष्य में, विभिन्न धार्मिक और स्मारक भवनों को गुंबदों के साथ पूरा किया गया था, अक्सर उन्हें प्रसिद्ध लोगों की कब्रों पर मकबरे के साथ ताज पहनाया जाता था।
13वीं शताब्दी से 16 वीं शताब्दी की शुरुआत तक। मिस्र और सीरिया की वास्तुकला आपस में घनिष्ठ रूप से जुड़ी हुई थी। एक बड़े किलेबंदी को अंजाम दिया गया: काहिरा, अलेप्पो (अलेप्पो) आदि में गढ़। इस समय की स्मारकीय वास्तुकला में, पिछले चरण (आंगन मस्जिद) पर हावी होने वाले स्थानिक सिद्धांत ने भव्य वास्तुशिल्प खंडों को रास्ता दिया: चिकनी सतह पर शक्तिशाली दीवारों और गहरे निचे वाले बड़े पोर्टलों में गुंबदों को ढोते हुए ऊंचे ढोल उठते हैं। चार-ऐवन के राजसी भवन बन रहे हैं (देखें। इवान) प्रकार का (पहले ईरान में जाना जाता था): कलौना (13 वीं शताब्दी) का मरिस्तान (अस्पताल) और काहिरा में हसन (14 वीं शताब्दी) की मस्जिद, दमिश्क और सीरिया के अन्य शहरों में मस्जिद और मदरसे (आध्यात्मिक विद्यालय)। कई गुंबददार मकबरे बनाए जा रहे हैं, कभी-कभी एक सुरम्य पहनावा (काहिरा में मामलुक कब्रिस्तान, 15-16 शताब्दी) बनाते हैं। बाहर और अंदर की दीवारों को सजाने के लिए, नक्काशी के साथ-साथ बहुरंगी पत्थर से जड़ना का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। 15वीं-16वीं सदी में इराक में। सजावट रंगीन शीशे का आवरण और गिल्डिंग (मस्जिदों: बगदाद में मूसा अल-कदीमा, कर्बला में हुसैन, नजफ में इमाम अली) का उपयोग करती है।
यह 10वीं-15वीं शताब्दी में फला-फूला। माघरेब और स्पेन की अरबी वास्तुकला। बड़े शहरों (रबात, मराकेश, फ़ेज़, आदि) में, क़स्बा बनाए गए थे - गेट और टावरों के साथ शक्तिशाली दीवारों के साथ गढ़वाले किले, और मदीना - व्यापार और शिल्प क्वार्टर। बहु-स्तरीय, वर्गाकार मीनारों के साथ माघरेब की बड़ी स्तंभों वाली मस्जिदें एक दूसरे को काटती हुई गुफाओं की प्रचुरता, नक्काशीदार अलंकरण (त्लेमसेन, ताज़ा, आदि में मस्जिदों) की समृद्धि से प्रतिष्ठित हैं और नक्काशीदार लकड़ी, संगमरमर और मोज़ाइक से शानदार ढंग से सजाए गए हैं। बहुरंगी पत्थर, कई मदरसों की तरह 13-14 सदियों मैरोको में। स्पेन में, कॉर्डोबा में मस्जिद के साथ, अरब वास्तुकला के अन्य उत्कृष्ट स्मारकों को संरक्षित किया गया है: ला गिराल्डा मीनार, 1184-96 में वास्तुकार जेबर द्वारा सेविले में बनवाया गया, टोलेडो का द्वार, महल Alhambraग्रेनाडा में - 13 वीं -15 वीं शताब्दी की अरबी वास्तुकला और सजावटी कला की उत्कृष्ट कृति। अरब वास्तुकला ने स्पेन के रोमनस्क्यू और गोथिक वास्तुकला ("मुडेजर शैली"), सिसिली और अन्य भूमध्यसागरीय देशों को प्रभावित किया।
सजावटी-लागू और ललित कला। अरबी कला में, मध्य युग की कलात्मक सोच की विशेषता, अलंकरण का सिद्धांत, विशद रूप से सन्निहित था, जिसने सबसे अमीर आभूषण को जन्म दिया, जो अरब दुनिया के प्रत्येक क्षेत्र में विशेष था, लेकिन विकास के सामान्य कानूनों से जुड़ा था। अरबी, प्राचीन रूपांकनों पर वापस डेटिंग, अरबों द्वारा बनाई गई है नया प्रकारएक पैटर्न जिसमें निर्माण की गणितीय कठोरता को मुक्त कलात्मक कल्पना के साथ जोड़ा जाता है। एपिग्राफिक आभूषण भी विकसित किया गया था - सजावटी पैटर्न में शामिल सुलेख रूप से निष्पादित शिलालेख।
आभूषण और सुलेख, जो व्यापक रूप से स्थापत्य सजावट (पत्थर, लकड़ी पर नक्काशी, दस्तक) में उपयोग किए जाते थे, वे भी लागू कला की विशेषता है, जो एक उच्च फूल तक पहुंच गया है और विशेष रूप से पूरी तरह से अरब कला की सजावटी बारीकियों को व्यक्त करता है। मिट्टी के बर्तनों को रंगीन पैटर्न से सजाया गया था: मेसोपोटामिया में चमकता हुआ घरेलू बर्तन (केंद्र - रक्का, समारा); फातिमिद मिस्र में बने विभिन्न रंगों के सुनहरे झूमरों से चित्रित बर्तन; 14 वीं -15 वीं शताब्दी के स्पेनिश-मुरीश चमक वाले सिरेमिक, जिसका यूरोपीय लागू कला पर बहुत प्रभाव था। अरब पैटर्न वाले रेशमी कपड़े - सीरियाई, मिस्र, मूरिश - ने भी विश्व प्रसिद्धि का आनंद लिया; अरबों ने ढेर कालीन भी बनाए। कलात्मक कांस्य वस्तुओं (कटोरे, जग, धूप बर्नर और अन्य बर्तन) को सजाने के लिए चांदी और सोने के बेहतरीन पीछा, उत्कीर्णन और जड़ना का उपयोग किया जाता है; 12वीं-14वीं सदी के उत्पादों को विशेष शिल्प कौशल द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है। इराक में मोसुल और सीरिया में कुछ हस्तशिल्प केंद्र। बेहतरीन तामचीनी पेंटिंग से ढका सीरियाई कांच और रॉक क्रिस्टल, हाथीदांत और महंगी लकड़ी से बने मिस्र के उत्पाद उत्कृष्ट नक्काशीदार पैटर्न से सजाए गए थे।
इस्लाम के देशों में कला विकसित हुई, धर्म के साथ एक जटिल तरीके से बातचीत हुई। मस्जिदों, साथ ही कुरान की पवित्र पुस्तक को ज्यामितीय, पुष्प और अभिलेखीय पैटर्न से सजाया गया था। हालांकि, ईसाई धर्म और बौद्ध धर्म के विपरीत इस्लाम ने धार्मिक विचारों को बढ़ावा देने के लिए ललित कलाओं का व्यापक उपयोग करने से इनकार कर दिया। इसके अलावा, तथाकथित में। प्रामाणिक हदीस, 9वीं शताब्दी में वैध, जीवित प्राणियों और विशेष रूप से मनुष्यों को चित्रित करने के लिए निषेध है। 11वीं-13वीं शताब्दी के धर्मशास्त्री (ग़ज़ाली और अन्य) इन छवियों को सबसे बड़ा पाप घोषित किया गया था। हालांकि, पूरे मध्य युग के कलाकारों ने लोगों और जानवरों, वास्तविक और पौराणिक दृश्यों को चित्रित किया। इस्लाम की पहली शताब्दियों में, जबकि धर्मशास्त्र ने अभी तक अपने सौंदर्य संबंधी सिद्धांतों को विकसित नहीं किया था, उमय्यद के महलों में चित्रों और मूर्तियों की व्याख्या में यथार्थवादी चित्रों और मूर्तियों की प्रचुरता ने पूर्व-इस्लामी कलात्मक परंपराओं की ताकत की गवाही दी। भविष्य में, अरबी कला में चित्रण को अनिवार्य रूप से विरोधी लिपिक सौंदर्यवादी विचारों की उपस्थिति से समझाया गया है। उदाहरण के लिए, "पवित्रता के भाइयों के संदेश" (10 वीं शताब्दी) में, कलाकारों की कला को "मौजूदा वस्तुओं की छवियों की नकल के रूप में परिभाषित किया गया है, दोनों कृत्रिम और प्राकृतिक, दोनों लोग और जानवर।"
दमिश्क में मस्जिद। 8वीं सी. आंतरिक भाग। सीरियाई अरब गणराज्य।
काहिरा के पास मामलुक कब्रिस्तान में समाधि। 15 - भीख माँगना। 16वीं शताब्दी संयुक्त अरब गणराज्य।
पेंटिंग. 10वीं-12वीं सदी में मिस्र में ललित कला का विकास हुआ: लोगों और शैली के दृश्यों की छवियां फ़ुस्टैट शहर की इमारतों की दीवारों से सजी हुई हैं, चीनी मिट्टी के व्यंजन और फूलदान (मास्टर साद और अन्य), हड्डी और लकड़ी के पैटर्न में बुने हुए हैं नक्काशी (पैनल 11वीं सदी काहिरा में फातिमिद महल से, आदि), साथ ही लिनन और रेशमी कपड़े; काँसे के पात्र जानवरों और पक्षियों की आकृतियों के रूप में बनाए जाते थे। 10 वीं -14 वीं शताब्दी में सीरिया और मेसोपोटामिया की कला में इसी तरह की घटनाएं हुईं: कांच और मिट्टी के पात्र पर चित्रों के पैटर्न में, जड़ना के साथ कांस्य वस्तुओं के उत्कृष्ट पीछा किए गए आभूषण में अदालत और अन्य दृश्य शामिल हैं।
अरब पश्चिम की कला में अच्छी शुरुआत कम विकसित हुई थी। हालांकि, जानवरों के रूप में सजावटी मूर्तिकला, जीवित प्राणियों के रूपांकनों के साथ पैटर्न, साथ ही लघुचित्र भी यहां बनाए गए थे (पांडुलिपि "बयाद और रियाद का इतिहास", 13 वीं शताब्दी, वेटिकन लाइब्रेरी)। मध्य युग की विश्व कलात्मक संस्कृति के इतिहास में समग्र रूप से अरब कला एक उज्ज्वल, मूल घटना थी। उसका प्रभाव पूरे मुस्लिम जगत में फैल गया और उसकी सीमाओं से बहुत आगे निकल गया।
4. एक कला के रूप में वास्तुकला
वास्तुकला कला के सबसे पुराने प्रकारों में से एक है, जो धार्मिक और सार्वजनिक भवनों में एक विशेष ऐतिहासिक युग, एक निश्चित कलात्मक शैली में लोगों की विश्वदृष्टि को व्यक्त करता है। वास्तुकला (अव्य।, मानव जीवन का एक कलात्मक रूप से संगठित वातावरण। इसके अलावा, कला इस स्थानिक वातावरण का निर्माण, एक नई वास्तविकता का निर्माण करना जिसका एक कार्यात्मक अर्थ है, एक व्यक्ति को लाभ पहुंचाता है और सौंदर्य सुख प्रदान करता है। शब्द संरचना की उपस्थिति के डिजाइन को शामिल करता है; आंतरिक स्थान का संगठन; बाहरी और आंतरिक उपयोग के लिए सामग्री का चयन, प्राकृतिक और कृत्रिम प्रकाश व्यवस्था के डिजाइन, साथ ही साथ इंजीनियरिंग समर्थन प्रणाली; बिजली और पानी की आपूर्ति; सजावटी डिजाइन प्रत्येक भवन का एक विशिष्ट उद्देश्य होता है: जीवन या कार्य, मनोरंजन या अध्ययन, व्यापार या परिवहन के लिए। वे सभी टिकाऊ, आरामदायक और लोगों के लिए आवश्यक हैं - ये उनके अनिवार्य गुण हैं।
वास्तुकला के प्रकार
वास्तुकला के तीन मुख्य प्रकार हैं:
त्रि-आयामी संरचनाओं की वास्तुकला। इसमें धार्मिक और गढ़वाले भवन, आवासीय भवन, सार्वजनिक भवन (स्कूल, थिएटर, स्टेडियम, दुकानें, आदि), औद्योगिक भवन (कारखाने, कारखाने, आदि) शामिल हैं;
लैंडस्केप गार्डनिंग स्पेस के संगठन से जुड़े लैंडस्केप आर्किटेक्चर ("छोटे" आर्किटेक्चर वाले वर्ग, बुलेवार्ड और पार्क - गज़ेबोस, फव्वारे, पुल, सीढ़ियाँ)
शहरी नियोजन, नए शहरों और कस्बों के निर्माण और पुराने शहरी क्षेत्रों के पुनर्निर्माण को कवर करना।
वास्तुकला की शैलियाँ
वास्तुकला समाज के जीवन, उसके विचारों और विचारधारा के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है।प्राचीन यूनानी वास्तुकला एक परिपूर्ण, शारीरिक और आध्यात्मिक रूप से विकसित व्यक्ति के विचार पर आधारित है। प्राचीन वास्तुकारों ने मानव शरीर के अनुपात के अनुसार अपने सभी भवनों का निर्माण किया, सद्भाव का प्रतीक, प्रकृति के तत्वों का विरोध, राजसी स्पष्टता और मानवता। "युग की शैली" (रोमनस्क्यू, गोथिक, आदि) मुख्य रूप से उन ऐतिहासिक में उत्पन्न होती है अवधि जब कला के कार्यों की धारणा अलग तुलनात्मक अनम्यता होती है, जब यह अभी भी आसानी से शैली में बदलाव के अनुकूल होती है।
महान शैलियों - रोमनस्क्यू, गॉथिक, पुनर्जागरण, बारोक, क्लासिकवाद, साम्राज्य / देर से क्लासिकवाद की भिन्नता / - को आमतौर पर समान और समकक्ष माना जाता है। शैलियों का विकास विषम है, जो बाहरी रूप से इस तथ्य में व्यक्त किया जाता है कि प्रत्येक शैली धीरे-धीरे बदलती है सरल से जटिल तक; हालाँकि, जटिल से सरल की ओर, यह केवल एक छलांग के परिणामस्वरूप वापस आता है। इसलिए, शैली में परिवर्तन अलग-अलग तरीकों से होते हैं: धीरे-धीरे - सरल से जटिल तक, और अचानक - जटिल से सरल तक। रोमनस्क्यू शैली को गॉथिक द्वारा सौ से अधिक वर्षों के लिए बदल दिया गया है - 12 वीं शताब्दी के मध्य से। तेरहवीं शताब्दी के मध्य तक। रोमनस्क्यू वास्तुकला के सरल रूप धीरे-धीरे एक जटिल गॉथिक शैली में बदल जाते हैं। गॉथिक के भीतर, फिर पुनर्जागरण परिपक्व होता है। पुनर्जागरण के आगमन के साथ, वैचारिक खोज की अवधि फिर से शुरू हुई, विश्वदृष्टि की एक अभिन्न प्रणाली का उदय। और साथ ही, सरल की क्रमिक जटिलता और विघटन की प्रक्रिया फिर से शुरू होती है: पुनर्जागरण अधिक जटिल हो जाता है, और इसके बाद बारोक आता है। बारोक, बदले में, अधिक जटिल होता जा रहा है, कुछ प्रकार की कला (वास्तुकला, पेंटिंग, अनुप्रयुक्त कला) में रोकोको में बदल जाता है। फिर फिर से सरल की वापसी होती है, और कूद के परिणामस्वरूप, बारोक को क्लासिकवाद द्वारा बदल दिया जाता है, जिसके विकास को कुछ देशों में साम्राज्य द्वारा बदल दिया गया था।
शैलियों के जोड़े बदलने के कारण इस प्रकार हैं: वास्तविकता मौजूदा लोगों में से एक शैली का चयन नहीं करती है, बल्कि एक नई शैली बनाती है और पुरानी को बदल देती है। निर्मित शैली प्राथमिक शैली है, और रूपांतरित शैली द्वितीयक शैली है।
जन्मभूमि की वास्तुकला
ग्रोड्नो क्षेत्र की वास्तुकला
बोरिसोग्लबस्काया (कोलोज़स्काया) चर्च, 12 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की प्राचीन रूसी वास्तुकला का एक स्मारक।
मीर कैसल, यूनेस्को की सूची में शामिल, लिडा कैसल (XIV-XV सदियों)
मिन्स्क क्षेत्र की वास्तुकला
धन्य वर्जिन मैरी का आर्ककैथेड्रल चर्च (17 वीं की दूसरी छमाही - 18 वीं शताब्दी की शुरुआत)
चर्च ऑफ सेंट्स शिमोन और हेलेना (रेड चर्च) - आर्ट नोव्यू सुविधाओं के साथ नव-गॉथिक वास्तुकला का एक स्मारक (1908 - 1910)
नेस्विज़ पैलेस और पार्क कॉम्प्लेक्स (XVII-XVIII सदियों)
बुडस्लाव, मायडेल जिले के गांव में बर्नार्डिन्स चर्च, बारोक वास्तुकला का एक स्मारक (XVIII सदी)
विटेबस्क क्षेत्र की वास्तुकला
सोफिया कैथेड्रल, XI-XVIII सदियों का एक स्थापत्य स्मारक।
चर्च ऑफ द सेवियर यूफ्रोसिन, प्राचीन रूसी वास्तुकला का एक स्मारक (1152 - 1161)। इसकी दीवारों और स्तंभों पर अद्वितीय भित्तिचित्रों को संरक्षित किया गया है।
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वास्तुकला, डिजाइन, कला और शिल्प रचनात्मकता के उपयोगितावादी कला रूपों से संबंधित हैं। यही है, वे उपयोगितावादी समस्याओं को हल करते हैं - आंदोलन, रोजमर्रा की जिंदगी का संगठन, शहर, आवास, विभिन्न प्रकार के मानव जीवन और समाज। भिन्न कलात्मक सृजनात्मकता(ललित कला, साहित्य, रंगमंच, सिनेमा, कविता, मूर्तिकला) जो उपयोगितावादी मूल्य के बिना केवल आध्यात्मिक, सांस्कृतिक और सौंदर्य मूल्यों का निर्माण करते हैं।
डिजाइन सजावटी से अलग है एप्लाइड आर्ट्सदिसंबर में हस्तशिल्प के विपरीत तकनीकी बड़े पैमाने पर उत्पादन। एप्लाइड आर्ट। वास्तुकला और डिजाइन, संबंधित अवधारणाएं होने के कारण, केवल स्थानिक पैमाने में भिन्न हैं; शहर, माइक्रोडिस्ट्रिक्ट, कॉम्प्लेक्स, स्ट्रीट इंटीरियर की वास्तुकला और पर्यावरण में भवन, औद्योगिक डिजाइन, कला। "डिजाइन" में डिजाइन, लेकिन उदाहरण के लिए आंतरिक और भूनिर्माण वास्तुकला और डिजाइन दोनों का विषय है।
डिजाइन और वास्तुकला एक विषय-स्थानिक वातावरण बनाने के उद्देश्य से उपयोगितावादी और कलात्मक गतिविधियां हैं। वास्तुकला एक पुरानी अवधारणा है, डिजाइन अधिक आधुनिक है, लेकिन उनके बीच का अंतर न्यूनतम है, अक्सर अप्रभेद्य है।
डिजाइनर रूपों - एक परिदृश्य, एक वर्ग, शहरी पर्यावरण का एक तत्व - एक कियोस्क, एक फव्वारा, एक स्टॉप, एक घड़ी दीपक, एक वेस्टिबुल /, एक कमरा, फर्नीचर, एक कार्यालय, एक इंटीरियर।
आंतरिक रिक्त स्थान वास्तुकार द्वारा बनाए जाते हैं, और डिजाइनर की संतृप्ति अक्सर एक या दूसरे द्वारा की जाती है, यह व्यावहारिक रूप से वास्तुकार के पेशे की निकटता और अक्सर अप्रभेद्यता को प्रकट करता है। और डिजाइनर।
वास्तुकला और डिजाइन संबंधित हैं अभिव्यंजक कला,जो सीधे तौर पर वास्तविकता को प्रतिबिंबित नहीं करते, बल्कि उसका निर्माण करते हैं। भिन्न ललित कला(पेंटिंग, ग्राफिक्स, साहित्य, रंगमंच, मूर्तिकला) कलात्मक तरीके सेभौतिक और आध्यात्मिक वास्तविकता को दर्शाता है।
व्याख्यान 1. डिजाइन पद्धति
1. समाज और डिजाइन की सामाजिक और वैचारिक स्थिति के बीच संबंध।
"नई उदारवाद" का आधुनिक अभ्यास
2. रचनात्मक विधि - पेशेवर विधि - "व्यक्तिगत तरीके"।
रचनात्मकता के विभिन्न चरणों में विधियों की सहभागिता।
विधि और चरणों की बातचीत व्यावसायिक गतिविधि
उदाहरण अलग हैं
3. रचनात्मक प्रक्रिया में व्यक्तिपरक और उद्देश्य।
- कोई भी गतिविधि, और काफी हद तक डिजाइन के रूप में रचनात्मक, जुड़ा हुआ है और समाज के सामाजिक संगठन को इसके माध्यम से दर्शाता है, सांस्कृतिक विकास, सौंदर्य आदर्श……. मिस्र उद्देश्य दुनिया और वास्तुकला, मध्य युग, आपत्ति, क्लासिकवाद, रचनावाद के पूर्ण विचलन को दर्शाता है। 20वीं शताब्दी में, हमने वास्तुकला और डिजाइन की कला में ऐतिहासिकता के पतन, आधुनिकतावाद और रचनावाद के जन्म का अनुभव किया। विवरण की संरचना के पारंपरिक रूपों की अस्वीकृति, स्वतंत्र योजना के सिद्धांत को एक क्रांति के रूप में माना जाता था और मानो एक सामाजिक क्रांति को दर्शाता था, लेकिन पश्चिम में कोई क्रांति नहीं हुई थी, और एक संबंधित आंदोलन का जन्म हुआ था, जिसे उनके बीच आधुनिक आंदोलन कहा जाता था। एक वास्तविक संबंध था (ग्रुप स्टाइल हॉलैंड और रूस में रचनावाद के नेता)। हालाँकि, इस क्रांति को बीम ट्रस की नई तकनीकों और सामग्रियों (zh.b) और नए कलात्मक रुझानों - क्यूबिज़्म, भविष्यवाद, अभिव्यक्तिवाद द्वारा तैयार किया गया था, लेकिन सामाजिक उथल-पुथल (क्रांति, 1) द्वारा भी तैयार किया गया था। विश्व युध्द), नई दार्शनिक धाराएँ (समाजवाद। साम्यवाद, राष्ट्रीय समाजवाद-फासीवाद)…………।, बुर्जुआ नैतिकता का संकट। बुर्जुआ साज-सज्जा और सज्जावाद के विरोध में सच्चाई के बारे में बहुत सारी बातें थीं। विषय और स्थानिक वातावरण में परिवर्तन दार्शनिक और वैज्ञानिक विचारों के विकास और नई कलात्मक अमूर्त धाराओं और प्रौद्योगिकी के विकास दोनों द्वारा तैयार किए गए थे, लेकिन सामाजिक उथल-पुथल द्वारा भी, जिन्होंने एक निश्चित वैचारिक मार्ग दिया और एक जीवन-निर्माण सिद्धांत का गठन और विकास किया - जिसमें कहा गया था कि कलात्मक और स्थानिक विचारों और अवधारणाओं के आधार पर वास्तविकता को बदला जा सकता है आधुनिक आंदोलनऔर रचनावाद
नए पूंजीपति वर्ग और व्यापारियों (मोरोज़ोव की हवेली) की फैशनेबल प्रवृत्ति के रूप में आर्ट नोव्यू।
हाउस ऑफ द कम्यून के सामने, सामाजिक का विचार। शहर, समाजवाद के विचारों की वस्तुगत दुनिया में एक अभिव्यक्ति के रूप में रोजमर्रा की जिंदगी का समाजीकरण। यूटोपियन विचार है कि परिवेश को बदलकर आप स्वयं व्यक्ति को बदल सकते हैं।
बेशक, पर्यावरण और वास्तुकला की वस्तुगत दुनिया इसके माध्यम से आर्थिक प्रणाली और समाज के विकास के स्तर और समाज में प्रचलित विचारधारा और मूल्य प्रणाली को दर्शाती है, लेकिन यह निर्भरता प्रत्यक्ष नहीं बल्कि जटिल है, अक्सर कला के लिए कला के विचार खातिर अनुकूलित और वस्तुनिष्ठ वास्तविकताओं के लिए पुनर्विचार किया जाता है।
वास्तुकला और सिविल इंजीनियरिंग, आंतरिक सजावट और भूनिर्माण ने कब्जा कर लिया है पुनर्जागरण संस्कृतिदृश्य स्थान। घरों के निर्माण के तरीके, लेआउट और सजावट बदल रहे हैं।
साधारण घरों में आंतरिक विभाजन के कारण कमरों की संख्या बढ़ जाती है। नगरों तथा पारिवारिक सम्पदाओं में पुनर्जागरण शैली में सम्पूर्ण महलों का निर्माण किया जा रहा है। निरंकुश शासन का विकास राजा के महल-आवासों के निर्माण और साथ ही, किलेबंदी के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ था। वास्तुकला में पुनर्जागरण के विचारों के प्रसार ने "आदर्श" इमारतों और संपूर्ण बस्तियों के लिए परियोजनाओं का विकास किया। वास्तुकला और निर्माण पर आयातित, अनुवादित, स्थानीय ग्रंथ हैं। विभिन्न विशिष्टताओं के उत्कृष्ट स्वामी विदेशों से मुख्य रूप से नीदरलैंड से छुट्टी दे दी जाती है: एड्रियन डी फ्राइज़, हंस वैन स्टीनविंकेल द एल्डर (सी। 1550-1601) और उनके बेटे - लॉरेंस, हंस, मोर्टेंस, साथ ही हंस वैन ओबेरबर्क और अन्य स्कैंडिनेवियाई जर्मनी, नीदरलैंड, इटली, फ्रांस से स्थापत्य शैली के उधार उदाहरण। डेनिश पुनर्जागरण वास्तुकला, इसकी लाल-ईंट रंग, विशाल आयताकार इमारतों और विनीत सजावट के साथ, आमतौर पर उत्तरी जर्मन वास्तुकला की ओर उन्मुख थी।
डेनमार्क में निर्माण ईसाई IV के 60 साल के शासनकाल के दौरान विशेष रूप से 1617 तक अपने उच्चतम टेक-ऑफ पर पहुंच गया। यह अलग-अलग दिशाओं में एक साथ चला गया। पूरे शहर एक नए लेआउट और नियमित भवन-ज्यामितीय या रेडियल आकार के साथ बनाए गए थे। कुल मिलाकर, राजा की पहल पर, 14 नए शहर सामने आए - स्केन, ज़ीलैंड, साउथ जूटलैंड, नॉर्वे में।
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शक्तिशाली किले बनाए गए थे: हिलरेड में फ्रेडरिकसबोर्ग (1602-1625), हेलसिंगोर में क्रोनबोर्ग और अन्य, जिसमें एक महल, कार्यालय भवन, गोदाम और बैरक शामिल थे, प्राचीर, खाई और गढ़ों से घिरे थे। राजा स्वयं वास्तुकला में पारंगत थे और संरचनाओं के निर्माण की देखरेख करते थे। XVII सदी में नियोजित इमारत। कोपेनहेगन का चेहरा पूरी तरह से बदल दिया और इसके आकार का काफी विस्तार किया। एक महल, एक सैन्य बंदरगाह, एक पुनर्जागरण स्टॉक एक्सचेंज (1619-1625) ईसाई IV के तहत बनाया या रखा गया था। आर्किटेक्ट्स एल और एक्स वैन स्टीनविंकेल को इसे "नई आर्थिक नीति के मंदिर" के रूप में बनाने का काम दिया गया था। इमारत के उत्साह के परिणामस्वरूप, कोपेनहेगन 17वीं शताब्दी के शहर में बदल गया। यूरोप की सबसे खूबसूरत राजधानियों में से एक में। विभिन्न शैलीगत रेखाएँ यहाँ सह-अस्तित्व में हैं: गोथिक, मनेरवाद, उभरता हुआ बारोक।
स्वीडन में, इस अवधि को पुरानी इमारतों के परिवर्तन और नए लोगों के निर्माण से भी चिह्नित किया जाता है। पुनर्जागरण शैली में, ग्रिप्सहोम, वाडस्टेना और उप्साला के महल, महलों, टाउन हॉल और शहरों में निजी घर बनाए जा रहे हैं। दूसरी ओर, चर्च की इमारत गिर रही है।
उस समय की इमारतें समृद्ध आंतरिक सजावट के अनुरूप थीं, स्वीडन में अधिक शानदार, डेनमार्क में अधिक संयमित: चेस्ट, बेंच, सचिव, अलमारियाँ। लकड़ी के फर्नीचर और पैनल बाइबिल और धर्मनिरपेक्ष विषयों पर सबसे जटिल प्लॉट पेंटिंग या नक्काशी के साथ कवर किए गए थे, जो महंगे पत्थरों और धातुओं, फ़ाइनेस और लकड़ी से बने उत्पादों के साथ पंक्तिबद्ध थे। दीवारों को मूल धर्मनिरपेक्ष टेपेस्ट्री, चित्रों और चित्रों का एक समूह के साथ लटका दिया गया था। मूर्तियां हॉल, आंगनों और बगीचों में दिखाई देती हैं, अक्सर पूरे समूह, आमतौर पर प्राचीन-पौराणिक भावना में। पेंट और फिगर वाली स्टोव टाइलों के साथ-साथ लोहे और कास्ट आयरन से बने स्टोव, कास्ट नक्काशियों के लिए एक विशेष फैशन था।
उस समय के इंजीनियरिंग और निर्माण नवाचारों में नलसाजी शामिल हैं: महलों और महलों में नल और जटिल फव्वारे के साथ पाइप दिखाई दिए। महलों और महलों को व्यक्तिगत स्वामी और संपूर्ण कार्यशालाओं दोनों द्वारा सजाया गया था। पश्चिमी यूरोपीय प्रभाव के संयोजन, विशेष रूप से नीदरलैंड और जर्मनी से, और स्थानीय परंपराओं ने ऐसे उदाहरण बनाए हैं जो शैली में अद्वितीय हैं।
इस अवधि के दौरान, कला को मुख्य रूप से प्रकृति में लागू किया गया था। इंटीरियर के एक महत्वपूर्ण हिस्से के रूप में, इसने प्रतिष्ठा को व्यक्त करने और मजबूत करने का काम किया। इसलिए, उदाहरण के लिए, उस समय के शानदार एपिटाफ, औपचारिक चित्र (मूर्तिकला और सचित्र), अलंकारिक छवियों का असामान्य वितरण।
कला का सबसे प्रभावशाली और प्रतिष्ठित रूप मूर्तिकला था, जो बाद में बारोक की स्थापना के साथ फला-फूला। अधिकांश मूर्तिकार विदेशी थे जो मुख्य रूप से राजा के आदेशों का पालन करते थे। "रॉयल बिल्डर" हंस स्टीनविंकेल ने कई मूर्तिकला कक्षों के निर्माण का नेतृत्व किया
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फव्वारे के लिए स्थान। एम्स्टर्डम में क्रिश्चियन IV द्वारा कमीशन, हेंड्रिक डी कीसर ने मूर्तियां बनाईं। फ्रेडरिकसबोर्ग में प्रसिद्ध नेपच्यून फाउंटेन डचमैन एड्रियन डी फ्राइज़ (1546-1626) द्वारा बनाया गया था।
बेस-रिलीफ, ज्यादातर मकबरे, लेकिन सजावटी भी, व्यापक रूप से उपयोग किए जाते थे।
किसी व्यक्ति के चित्रण में रुचि, विशेष रूप से पारिवारिक चित्रों में, इस अवधि की पेंटिंग की विशेषताओं में से एक बन गई। अक्सर पुराने मॉडल के अनुसार चित्र बनाए जाते थे: स्थिर, सशर्त, मनोवैज्ञानिक विशेषताओं के बिना। संप्रभु और उनके परिवारों के सदस्यों की औपचारिक छवियां जो फैशन में आईं - गंभीर, शक्ति के प्रतीकों के साथ - 17 वीं शताब्दी से। क्लासिकिज्म के तरीके से सबसे अधिक बार बनाए रखा गया था। इस अवधि की विशेषता शहरी देशभक्तों और विद्वानों के चित्रों की प्रचुरता से भी है; वे सभी काले वस्त्र और अपने व्यवसाय के चिन्ह प्रदर्शित करते हैं। शायद एक बर्गर विद्वान का सबसे पहला चित्र मानवतावादी वेडेल (1578) का है। फ्लेंसबोर्ग (1591) से रोडमैन के परिवार का चित्र अभिव्यंजक है, जहां वह स्वयं, उसकी दो पत्नियां और 14 बच्चे क्रूस के चारों ओर खड़े हैं। रॉडमैन खुद, उनकी पत्नियों में से एक और चार बच्चे, जो पहले ही मर चुके हैं, उनके सिर के ऊपर एक क्रॉस के साथ चिह्नित हैं। कुछ अन्य पारिवारिक चित्र-बर्गर के उपमा भी इसी तरह से बनाए गए थे। मृतकों और जीवितों का संयोजन निस्संदेह उस समय के जीवन और मृत्यु की एकता के बारे में, दो दुनियाओं के बीच अविभाज्य संबंध के बारे में विचारों को दर्शाता है। इन चित्रों के लेखक अज्ञात हैं; सामान्य तौर पर, बर्गर और प्रांतीय बड़प्पन के अधिकांश चित्र गुमनाम रूप से बनाए गए थे। इसके विपरीत, शाही परिवार और कुलीनों ने प्रसिद्ध स्वामी की सेवाओं का सहारा लिया। डचमैन जैकब वैन डोर्ड्ट द्वारा शाही और महान व्यक्तियों के लगभग 200 चित्रों को चित्रित किया गया था, जिनमें से कई डचमैन जोस्ट वेरिडेन द्वारा चित्रित किए गए थे।
धीरे-धीरे, डेनमार्क में एक नए प्रकार का कलाकार उभर रहा है - एक शिक्षित और सुसंस्कृत व्यक्ति, काफी समृद्ध और मानवतावादी वैज्ञानिकों के करीब, अक्सर एक वंशानुगत कलाकार और कलेक्टर। ऐसा था, विशेष रूप से, विपुल चित्र चित्रकार, डचमैन कारेल वैन मंदर, जिसका अपनी पत्नी और सास के साथ स्व-चित्र उस समय के एक बौद्धिक कलाकार की दुर्लभ छवि है। लगभग वही इसाक्ज़ का कलात्मक परिवार था, जिसने डेनिश पुनर्जागरण की संस्कृति में महत्वपूर्ण योगदान दिया; इसके संस्थापक एम्सटर्डम के एक प्रवासी के वंशज हैं, जो एक कला व्यापारी हैं, और उनके पोते एक मानवतावादी और इतिहासकार, जोहान पोंटानस हैं। कलाकारों में ऐतिहासिक कैनवस, चर्च पेंटिंग आदि के विशेष विशेषज्ञ थे, लेकिन अधिकांश के पास व्यापक विशेषज्ञता थी।
एक महत्वपूर्ण प्रकार की सजावटी कला तब टेपेस्ट्री थी, दोनों आयातित और स्थानीय, रेखाचित्र जिसके लिए प्रमुख द्वारा बनाए गए थे
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कलाकारों, और उत्पादन विदेशी या डेनिश महल कार्यशालाओं में किया गया था।
तत्कालीन सजावट में, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, स्कैंडिनेविया में पारंपरिक और विकसित लकड़ी की नक्काशी द्वारा एक प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया गया था। चर्चों में, वेदियों को नक्काशियों से सजाया गया था जिसमें बाइबिल के दृश्यों को दर्शाया गया था, साथ ही साथ डेनिश पुनर्जागरण की विशेषता वाले शास्त्रीय लेखकों के दृश्य भी थे। घरों में फर्नीचर को सजाने के लिए धर्मनिरपेक्ष विषयों के साथ गॉथिक और पुनर्जागरण आभूषणों के साथ नक्काशी का उपयोग किया गया था। नॉर्वे और फ़िनलैंड में, लोक लकड़ी की नक्काशी, जो प्रांतीय इमारतों और घरेलू सामानों को सजाती थी, ने बड़ी सफलता हासिल की।
कला रूपों की विविधता हमें दुनिया को उसकी सभी जटिलताओं और समृद्धि में सौंदर्यपूर्ण रूप से तलाशने की अनुमति देती है। कोई बड़ी या छोटी कला नहीं है, लेकिन अन्य कलाओं की तुलना में प्रत्येक कला की अपनी ताकत और कमजोरियां होती हैं।
आर्किटेक्चर। जब एक व्यक्ति ने उपकरण बनाना सीखा, तो उसका आवास अब एक छेद या घोंसला नहीं था, बल्कि एक उपयुक्त इमारत थी, जिसने धीरे-धीरे एक सौंदर्य उपस्थिति प्राप्त की। निर्माण वास्तुकला बन गया है।
आवास और सार्वजनिक स्थानों में मानवीय जरूरतों को पूरा करने के लिए डिज़ाइन की गई इमारतों और संरचनाओं का निर्माण करते समय वास्तुकला सुंदरता के नियमों के अनुसार वास्तविकता का निर्माण है। वास्तुकला एक बंद उपयोगितावादी-कलात्मक विकसित दुनिया बनाता है, प्रकृति से सीमांकित, प्राकृतिक पर्यावरण का विरोध करता है और लोगों को उनकी भौतिक और आध्यात्मिक आवश्यकताओं के अनुसार मानवकृत स्थान का उपयोग करने की इजाजत देता है। स्थापत्य छवि इमारत के उद्देश्य और दुनिया और व्यक्तित्व की कलात्मक अवधारणा, एक व्यक्ति के स्वयं के विचार और उसके युग के सार को व्यक्त करती है।
वास्तुकला कला है और इमारतों की एक निश्चित शैली होती है। लोमोनोसोव ने वास्तुकला की विशेषताओं को परिभाषित करते हुए लिखा है कि स्थापत्य कला "ऐसी इमारतों का निर्माण करेगी जो निवास के लिए आरामदायक हों, देखने के लिए सुंदर हों, दीर्घायु के लिए ठोस हों।" वास्तुकला के लिए धन्यवाद, "दूसरी प्रकृति" का एक अभिन्न अंग उत्पन्न होता है - भौतिक वातावरण, जो किसी व्यक्ति के श्रम द्वारा बनाया जाता है और जिसमें उसका जीवन और गतिविधि होती है।
वास्तुकला के रूप निर्धारित होते हैं: 1) स्वाभाविक रूप से (भौगोलिक और जलवायु परिस्थितियों पर निर्भर करता है, परिदृश्य की प्रकृति पर, सूर्य के प्रकाश की तीव्रता, भूकंपीय सुरक्षा); 2) सामाजिक रूप से (सामाजिक व्यवस्था की प्रकृति, सौंदर्य आदर्शों, समाज की उपयोगितावादी और कलात्मक आवश्यकताओं के आधार पर; वास्तुकला अन्य कलाओं की तुलना में प्रौद्योगिकी के विकास के साथ उत्पादक शक्तियों के विकास के साथ अधिक निकटता से जुड़ी हुई है)।
एप्लाइड आर्ट। कलात्मक रचनात्मकता के सबसे पुराने और अभी भी विकासशील प्रकारों में से एक है लागू कला। यह सौंदर्य के नियमों के अनुसार बनाई गई घरेलू वस्तुओं में किया जाता है। एप्लाइड आर्ट ऐसी चीजें हैं जो हमें घेरती हैं और हमारी सेवा करती हैं, हमारे जीवन और आराम का निर्माण करती हैं, चीजें न केवल उपयोगी होती हैं, बल्कि सुंदर भी होती हैं, एक शैली और कलात्मक छवि होती है जो उनके उद्देश्य को व्यक्त करती है और जीवन के प्रकार के बारे में सामान्यीकृत जानकारी रखती है। लोगों की विश्वदृष्टि के बारे में युग। लागू कला का सौंदर्य प्रभाव दैनिक, प्रति घंटा, हर मिनट है। अनुप्रयुक्त कला के कार्य कला की ऊंचाइयों तक पहुंच सकते हैं।
अनुप्रयुक्त कला अपने स्वभाव से राष्ट्रीय है, यह लोगों के रीति-रिवाजों, आदतों, विश्वासों से पैदा हुई है और सीधे उनकी उत्पादन गतिविधियों और रोजमर्रा की जिंदगी के करीब है। लागू कला का शिखर आभूषण है, जो अपने स्वतंत्र महत्व को बरकरार रखता है और आज विकसित हो रहा है।
सजावटी कला। सजावटी कला - एक व्यक्ति के आसपास के वातावरण का सौंदर्य विकास, एक व्यक्ति द्वारा बनाई गई "दूसरी प्रकृति" का कलात्मक डिजाइन: भवन, संरचनाएं, परिसर, वर्ग, सड़कें, सड़कें। यह कला आवासीय और सार्वजनिक स्थानों में और उसके आसपास सुंदरता और आराम पैदा करते हुए, रोजमर्रा की जिंदगी पर आक्रमण करती है। सजावटी कला का काम एक डोरकनॉब और एक बाड़, एक सना हुआ ग्लास खिड़की और एक दीपक हो सकता है जो वास्तुकला के साथ संश्लेषण में प्रवेश करता है।
सजावटी कला में अन्य कलाओं, विशेष रूप से चित्रकला और मूर्तिकला की उपलब्धियों को शामिल किया जाता है। पेंटिंग पहले रॉक और वॉल आर्ट के रूप में मौजूद थी, और उसके बाद ही इसे चित्रफलक पेंटिंग के रूप में बनाया गया था। दीवार पर स्मारक पेंटिंग - फ्रेस्को (नाम इसकी तकनीक से आता है: "अल फ्रेस्को" - गीले प्लास्टर पर पेंट के साथ पेंटिंग) - सजावटी कला की एक शैली।
आर्किटेक्चर . रोम की वास्तुकला मूल रूप से ग्रीक से अलग है। यूनानियों ने ठोस संगमरमर के ब्लॉकों से नक्काशी की, और रोमनों ने ईंट और कंक्रीट की दीवारें खड़ी कीं, और फिर कोष्ठक की मदद से उन्होंने संगमरमर के आवरण, संलग्न स्तंभ और प्रोफाइल लटकाए। स्थापत्य स्मारक अपनी शक्ति से जीतते हैं। बड़ी संख्या में लोगों के लिए डिज़ाइन किया गया: बेसिलिका, स्नानघर, थिएटर, एम्फीथिएटर, सर्कस, पुस्तकालय, बाजार और पूजा स्थल: मंदिर, वेदियां, कब्रें। रोमनों ने इंजीनियरिंग संरचनाओं (एक्वाडक्ट्स, पुलों, सड़कों, बंदरगाहों, किले, नहरों) की शुरुआत की। वैचारिक केंद्र मंदिर था, जो अपनी मुख्य धुरी पर एक आयताकार वर्ग के संकरे हिस्से के बीच में स्थित था। शहर के चौराहों को सजाया गया विजयी मेहराबसैन्य जीत, सम्राटों की मूर्तियों और राज्य के प्रमुख सार्वजनिक लोगों के सम्मान में। पुलों और एक्वाडक्ट्स में धनुषाकार और मेहराबदार रूप आम हो गए हैं। कोलोसियम (75-80 ईस्वी) रोम का सबसे बड़ा एम्फीथिएटर है, जिसका उद्देश्य ग्लैडीएटर लड़ाई और अन्य प्रतियोगिताओं के लिए है।
प्रतिमा . स्मारकीय मूर्तिकला के क्षेत्र में रोमन यूनानियों से पीछे रह गए। सबसे अच्छा मूर्तिकला चित्र था। यह पहली शताब्दी की शुरुआत से विकसित हुआ है। ईसा पूर्व इ। रोमनों ने अपनी अनूठी विशेषताओं वाले व्यक्ति के चेहरे का बारीकी से अध्ययन किया। यूनानियों ने आदर्श, रोमनों को चित्रित करने की मांग की - मूल की विशेषताओं को सटीक रूप से व्यक्त करने के लिए। कई मूर्तियों की आंखें रंगीन तामचीनी से बनी होती हैं। प्रचार उद्देश्यों के लिए रोमनों ने सबसे पहले स्मारकीय मूर्तिकला का उपयोग किया था: उन्होंने घुड़सवारी और पैर की मूर्तियों को स्थापित किया था मंचों (वर्गों) में - उत्कृष्ट व्यक्तित्वों के स्मारक।
चित्र . थोड़ा बच गया है। महलों और सार्वजनिक भवनों को दीवार चित्रों और चित्रों, पौराणिक कथाओं की कहानियों, परिदृश्य रेखाचित्रों से सजाया गया था। दीवारों को रंगीन संगमरमर और जैस्पर की तरह दिखने के लिए चित्रित किया गया था। एक सामान्य प्रकार मोज़ाइक और प्रसंस्करण, कीमती धातु और कांस्य था। कलाकारों ने रोजमर्रा की जिंदगी और अभी भी जीवन के दृश्यों को चित्रित किया। फ्रेस्को जो कुलीनता के घरों की दीवारों को कवर करते हैं, अंदरूनी की सजावटी पेंटिंग (पहली शताब्दी ईसा पूर्व)। रोमनों ने घरेलू फर्नीचर और बर्तनों को चित्रित किया। तीसरी शताब्दी में ईसाई कला रोम में प्रलय में भित्ति चित्रों के रूप में प्रकट होती है। कथानक के अनुसार, चित्र ईसाई धर्म से जुड़े हुए हैं - बाइबिल के दृश्य, मसीह की छवियां और भगवान की माँ, लेकिन कला आकृतिवे प्राचीन चित्रों के स्तर पर हैं। ईसाई चर्चों के निर्माण के दौरान, विकास जारी रहा स्मारकीय पेंटिंग. फ़्रेस्को और मोज़ाइक बेसिलिका की मुख्य गुफा की ऊपरी दीवारों, गुंबदों, अंत की दीवारों को सुशोभित करते हैं। मोज़ाइक की कला व्यापक रूप से विकसित हुई थी; इसका उपयोग अमीर रोमनों और बाद में ईसाई चर्चों के घरों में दीवारों और फर्श को सजाने के लिए किया गया था। चित्रफलक चित्रमय चित्र बहुत आम था, लेकिन हम इसे केवल साहित्यिक स्रोतों से जानते हैं, क्योंकि गणतंत्र काल के कलाकारों माया, सपोलिस और डायोनिसियड्स और अन्य के कार्यों को संरक्षित नहीं किया गया है। पोर्ट्रेट एक गोल फ्रेम में फिट होते हैं और पदकों की तरह दिखते हैं
यदि हम प्राचीन रोमन कला के इतिहास में मुख्य चरणों की रूपरेखा तैयार करते हैं, तो सामान्य शब्दों में उनका प्रतिनिधित्व इस प्रकार किया जा सकता है। सबसे प्राचीन (सातवीं - वी शताब्दी ईसा पूर्व) और गणतंत्र युग (वी शताब्दी ईसा पूर्व, मैं शताब्दी ईसा पूर्व) - रोमन कला के गठन की अवधि।
रोमन कला का उदय I-II सदियों में आता है। विज्ञापन सेप्टिमियस सेवेरस के शासनकाल के अंत से, रोमन कला का संकट शुरू होता है।
रोमनस्क्यू कला
10 वीं शताब्दी में, सहस्राब्दी के मोड़ पर, एक एकल पैन-यूरोपीय शैली, रोमनस्क्यू, पहली बार कला में दिखाई दी। यह मध्यकालीन पश्चिमी यूरोप में 11वीं और 12वीं शताब्दी के दौरान प्रभावी रहा। "रोमनस्क्यू शैली" शब्द 19 वीं शताब्दी में दिखाई दिया। ("रोमांस भाषाओं" की अवधारणा के अनुरूप) और इसका अर्थ "रोमन" था। कला में रोमनस्क्यू शैली को बीजान्टिन वास्तुकला से बहुत कुछ विरासत में मिला है। वास्तुइस समय की इमारतें ज्यादातर पत्थर की थीं, जिनमें गुंबददार छतें थीं, और मध्य युग में लकड़ी की इमारतों के विपरीत ऐसी संरचनाओं को रोमनस्क्यू (रोमन पद्धति के अनुसार निर्मित) माना जाता था। यह जर्मनी और फ्रांस की कला में सबसे अधिक शास्त्रीय रूप से वितरित किया गया था। छापे और लड़ाई उस समय जीवन के तत्व थे। इस कठोर युग ने उग्रवादी उत्साह और आत्मरक्षा की निरंतर आवश्यकता के मूड को जन्म दिया। यह महल-किला या मंदिर-किला है। कलात्मक अवधारणा सरल और सख्त है। राइन पर तीन बड़े चर्च देर से और सही रोमनस्क्यू वास्तुकला के उदाहरण माने जाते हैं: वर्म्स, स्पीयर और मेनज़ में शहर के कैथेड्रल। स्थापत्य सजावट बहुत संयमित है, प्लास्टिक बल्कि भारी है। लेकिन, मंदिर में प्रवेश करने के बाद, मध्य युग की आत्मा को कैद करते हुए, रोमांचक छवियों की एक पूरी दुनिया खुल जाती है। कला में मध्ययुगीन यूरोपनिम्न वर्ग के लोगों का काम बन गया। उन्होंने अपनी रचनाओं में एक धार्मिक भावना का परिचय दिया, लेकिन यह "उच्च" और "निम्न" के लिए समान नहीं था। हम मध्यकालीन कला में बहुत कम समझ पाएंगे यदि हम "निम्न वर्गों" की पूरी जीवन प्रणाली के साथ इसके संबंध को महसूस नहीं करते हैं। उन्होंने मसीह के प्रति सहानुभूति व्यक्त की क्योंकि वह पीड़ित था, भगवान की माँ को प्यार किया गया था क्योंकि उन्होंने उसे लोगों के लिए एक मध्यस्थ के रूप में देखा था, भयानक निर्णय में उन्होंने उत्पीड़कों और धोखेबाजों पर एक सांसारिक निर्णय के आदर्श को देखा था।
भयानक फैसला। ऑटुन में सेंट लज़ारे कैथेड्रल का टाइम्पेनम (1130-1140);
पूर्व संध्या। सेंट के चर्च के कांस्य दरवाजे की राहत का टुकड़ा। गिल्ड्सहेम में माइकल (1008-1015)
चार्टर्स के कैथेड्रल का रॉयल पोर्टल (लगभग 1135-1155)
रोमनस्क्यू शैली के स्थापत्य स्मारक पूरे पश्चिमी यूरोप में बिखरे हुए हैं, लेकिन उनमें से अधिकांश फ्रांस में हैं। ये टूर्स में सेंट मार्टिन का चर्च हैं, क्लेरमोंट में नोट्रे डेम का चर्च, रोमनस्क्यू वास्तुकला की उत्कृष्ट कृति - पोइटियर्स में नोट्रे डेम ला ग्रांडे का चर्च। फ्रेंच रोमांस में, कई स्थानीय स्कूल विकसित हुए हैं। इस प्रकार, बरगंडियन स्कूल रचना की स्मारकीयता से प्रतिष्ठित था, पोइटौ स्कूल मूर्तिकला सजावट में समृद्ध था, और नॉर्मन स्कूल सख्त सजावट से प्रतिष्ठित था।
रोमनस्क्यू चर्चों में संतों की मूर्तियां से रहित हैंकिसी भी सिद्धांत के, अक्सर बेदाग और स्क्वाट, सरल और अभिव्यंजक चेहरे होते हैं। इसमें, रोमनस्क्यू मूर्तिकला बीजान्टिन मूर्तिकला से अलग है, जिसने अधिक परिष्कृत और आध्यात्मिक चित्र बनाए। रोमनस्क्यू मूर्तिकला में सुसमाचार छवियों और दृश्यों के साथ, प्राचीन और के दृश्य मध्यकालीन इतिहास, वास्तविक लोगों की छवियां थीं। उसी समय, मूर्तिकला रचनाओं को कभी-कभी लोक कल्पना के फल से संतृप्त किया जाता था - फिर उनमें विभिन्न शानदार प्राणियों और बुराई की ताकतों (उदाहरण के लिए, एस्प) की छवियां होती थीं।
रोमनस्क्यू युग से लागू कला के बेहतरीन उदाहरण संरक्षित किए गए हैं। उनके बीच सम्मान की जगह पर बेय्यूक्स के प्रसिद्ध 70-मीटर कालीन का कब्जा है, जो अंग्रेजी रानी मटिल्डा के नाम से जुड़ा है। इस पर कशीदाकारी वाले दृश्य 1066 में नॉर्मन्स द्वारा इंग्लैंड की विजय के बारे में बताते हैं।
चित्ररोमनस्क्यू शैली विशेष रूप से सामग्री और फ्लैट में उपशास्त्रीय थी, जो अंतरिक्ष और आंकड़ों की त्रि-आयामीता को नकारती थी। वह, मूर्तिकला की तरह, वास्तुकला के अधीन थी। पेंटिंग तकनीक का सबसे आम प्रकार फ्रेस्को था, और सना हुआ ग्लास (कांच के रंगीन टुकड़ों से पेंटिंग) भी फैलने लगा।
9. गोथिक -गोथिक ने रोमनस्क्यू शैली को बदल दिया, धीरे-धीरे इसे बदल दिया। गोथिक की उत्पत्ति 12वीं शताब्दी के मध्य में उत्तरी फ्रांस में हुई थी, 13वीं शताब्दी में यह आधुनिक जर्मनी, ऑस्ट्रिया, चेक गणराज्य, स्पेन और इंग्लैंड के क्षेत्र में फैल गया। गॉथिक ने बाद में बड़ी कठिनाई और एक मजबूत परिवर्तन के साथ इटली में प्रवेश किया, जिसके कारण "इतालवी गोथिक" का उदय हुआ। 14वीं शताब्दी के अंत में, यूरोप तथाकथित अंतरराष्ट्रीय गोथिक से घिरा हुआ था। गॉथिक ने बाद में पूर्वी यूरोप के देशों में प्रवेश किया और वहां थोड़ी देर रुके - 16 वीं शताब्दी तक।
आर्किटेक्चर।शहर का गिरजाघर प्रमुख वास्तुशिल्प प्रकार बन गया: गॉथिक वास्तुकला की फ्रेम प्रणाली (स्तंभों पर लैंसेट मेहराब आराम; पसलियों पर बिछाए गए क्रॉस वाल्टों का पार्श्व जोर उड़ने वाले बट्रेस द्वारा बट्रेस तक प्रेषित होता है) ने कैथेड्रल के अंदरूनी हिस्सों को अभूतपूर्व बनाना संभव बना दिया ऊंचाई और विशालता में, बहुरंगी सना हुआ ग्लास खिड़कियों वाली विशाल खिड़कियों वाली दीवारों को काटने के लिए। ऊपर की ओर गिरजाघर की आकांक्षा विशाल ओपनवर्क टावरों, लैंसेट खिड़कियों और पोर्टलों, घुमावदार मूर्तियों और जटिल अलंकरण द्वारा व्यक्त की जाती है। पोर्टलों और वेदी की बाधाओं को पूरी तरह से मूर्तियों, मूर्तिकला समूहों और गहनों से सजाया गया था। मूर्तिकला सजावट के तीन विषयों पर पोर्टलों का प्रभुत्व था: अंतिम निर्णय, मैरी को समर्पित चक्र, और मंदिर के संरक्षक या सबसे सम्मानित स्थानीय संत से जुड़ा चक्र। शानदार जानवरों (चिमेरस, गार्गॉयल्स) की मूर्तियों को अग्रभाग और छत पर रखा गया था। यह सब विश्वासियों पर एक मजबूत भावनात्मक प्रभाव पड़ा। गोथिक की कला में गीतवाद और त्रासदी, उदात्त आध्यात्मिकता और सामाजिक व्यंग्य, शानदार विचित्र और सटीक जीवन अवलोकन व्यवस्थित रूप से जुड़े हुए थे। गॉथिक वास्तुकला के उत्कृष्ट कार्य हैं: फ्रांस में - गिरजाघर पेरिस के नोट्रे डेम, रिम्स, अमीन्स, चार्टर्स में कैथेड्रल; जर्मनी में - कोलोन में गिरजाघर; इंग्लैंड में - वेस्टमिंस्टर एब्बे (लंदन), आदि।
प्रतिमा।गॉथिक मूर्तिकला की विशेषता वाली मुख्य विशेषताओं को संक्षेप में प्रस्तुत किया जा सकता है: सबसे पहले, अमूर्त शुरुआत की कलात्मक अवधारणाओं में प्रभुत्व को वास्तविक दुनिया की घटनाओं में रुचि से बदल दिया जाता है, धार्मिक विषय अपनी प्रमुख स्थिति बनाए रखते हैं, लेकिन इसकी छवियां बदलती हैं, इसके साथ संपन्न गहरी मानवता की विशेषताएं।
उसी समय, धर्मनिरपेक्ष भूखंडों की भूमिका बढ़ जाती है, और भूखंड एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा करना शुरू कर देता है, हालांकि तुरंत नहीं। दूसरे, गोल प्लास्टिक दिखाई देता है और एक प्रमुख भूमिका निभाता है, हालांकि राहत भी मौजूद है।
द लास्ट जजमेंट गॉथिक में सबसे आम विषयों में से एक रहा, लेकिन आइकोनोग्राफिक कार्यक्रम का विस्तार हो रहा है। मनुष्य में रुचि और कहानी के उपाख्यान के प्रति आकर्षण संतों के जीवन के दृश्यों के चित्रण में अभिव्यक्ति मिली। संतों के बारे में किंवदंतियों को चित्रित करने का एक उत्कृष्ट उदाहरण 13 वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही से नोट्रे डेम कैथेड्रल के पोर्टल पर "द हिस्ट्री ऑफ सेंट स्टीफन" है।
वास्तविक रूपांकनों का समावेश भी कई छोटी राहतों की विशेषता है। रोमनस्क्यू चर्चों की तरह, राक्षसों और शानदार जीवों की छवियां, तथाकथित चिमेरस, गोथिक कैथेड्रल में एक बड़े स्थान पर कब्जा कर लेते हैं।
चित्र. मध्य युग में, पेंटिंग कला के सबसे महत्वपूर्ण रूपों में से एक बन गई। समाज के जीवन में परिवर्तन और नई तकनीकों ने कलाकारों को गहरी मानवतावाद से प्रभावित यथार्थवादी कार्यों को बनाने का अवसर दिया, जो पश्चिमी यूरोपीय कला में एक वास्तविक क्रांति करने के लिए नियत थे। दृश्य कलाओं में हंसमुख और सुंदर शैली सबसे स्पष्ट रूप से जे। फाउक्वेट (लघु के उत्कृष्ट मास्टर के रूप में भी जाना जाता है), जे और एफ क्लॉएट, कॉर्नेल डी लियोन जैसे उल्लेखनीय स्वामी के चित्र (पेंटिंग और पेंसिल) में प्रकट हुई थी। .
वास्तुकला, मूर्तिकला और पेंटिंग
अपनी नागरिक चेतना और सद्भाव के साथ शास्त्रीय ग्रीस के जीवन का आध्यात्मिक वातावरण पूरी तरह से परिलक्षित होता था वास्तुकला। शास्त्रीय युग के ग्रीक पोलिस की राजनीतिक और सामाजिक संरचना को नागरिक समुदाय के पूरे जीवन के केंद्र के पर्याप्त संगठन की आवश्यकता थी। मिलेटस (5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व) के वास्तुकार हिप्पोडेम्स ने शहरों के अराजक विकास को त्यागने और उन्हें पेश करने का प्रस्ताव रखा नियमित योजना।यह शहरी क्षेत्र को आयताकार ब्लॉकों में विभाजित करने पर आधारित था जिसमें सड़कों को समकोण पर काट दिया गया था और कई कार्यात्मक केंद्रों का आवंटन किया गया था। हिप्पोडामस के सिद्धांत के अनुसार, ओलिन्थस का निर्माण किया गया था, फारसी विनाश के बाद मिलेटस को पुनर्जीवित किया गया था, और पीरियस के एथेनियन बंदरगाह का पुनर्निर्माण किया गया था।
नीति का सबसे महत्वपूर्ण हिस्सा पवित्र स्थल थे, जिसके केंद्र में संरक्षक देवताओं के लिए राजसी मंदिर बनाए गए थे। डोरिक क्रम में बनाई गई सबसे महत्वपूर्ण इमारतों में पेस्तम में पोसीडॉन का मंदिर और एजिना द्वीप पर एथेना अपैया का मंदिर था। ओलंपिया में ज़ीउस के अभयारण्य में, पवित्र स्थल (Altis) पर, कई मंदिर थे, जिनमें से सबसे राजसी गड़गड़ाहट के देवता को समर्पित थे। वास्तुकार लिबोन द्वारा निर्मित मंदिर के पेडिमेंट को एक मूर्तिकला समूह के साथ चित्रित किया गया था सेंटोरोमाचिया -लैपिथ के साथ सेंटोरस की लड़ाई। और अंदर था प्रसिद्ध मूर्तिफिडियास द्वारा ज़ीउस। सोने और हाथीदांत से जड़े लकड़ी से बने, इसे दुनिया के सात अजूबों में से एक के रूप में मान्यता दी गई थी।
मिलेट की योजना: 1, 2 - बाजार; 3 - स्टेडियम; 4 - थिएटर; 5 - एथेना का मंदिर 6 - सेरापीस का मंदिर
पेस्टम। पोसीडॉन का मंदिर (वी शताब्दी ईसा पूर्व)। फोटो
फ़िडियास। ज़ीउस ओलंपियन। पुनर्निर्माण
शास्त्रीय युग का सबसे अच्छा वास्तुशिल्प परिसर एथेनियन एक्रोपोलिस है - नीति का धार्मिक केंद्र, जहां शहर के मंदिर स्थित थे। 480 ईसा पूर्व में ज़ेरक्स के आक्रमण के दौरान नष्ट हो गया। इ। पेरिकला की पहल पर, एक्रोपोलिस को एक योजना के अनुसार फिर से बनाया जाने लगा। काम महान फिदियास के नेतृत्व में किया गया था। फारसी राज्य पर यूनानियों की जीत के स्मारक के रूप में कल्पना की गई, एक्रोपोलिस के पहनावा ने ग्रीक सभ्यता और उसके नेता एथेंस की महानता और विजय को पूरी तरह से व्यक्त किया। प्लूटार्क के शब्दों में, एथेंस में "इस समय, ऐसे कार्यों का निर्माण किया गया जो उनकी भव्यता में असाधारण थे और सादगी और अनुग्रह में अद्वितीय थे।"
ओलंपिया। पवित्र क्षेत्र। पुनर्निर्माण
भविष्यवक्ता और सेवक। ओलंपिया में ज़ीउस के मंदिर के पेडिमेंट से मूर्तिकला(5वीं शताब्दी ईसा पूर्व)
एक्रोपोलिस का मार्ग प्रोपीलिया से होकर जाता है - मुख्य प्रवेश द्वार, जिसे डोरिक पोर्टिको से सजाया गया है। एक ओर, विजय की देवी, नाइके का सुंदर मंदिर, प्रोपीलिया से जुड़ा हुआ है, और दूसरी ओर, पिनाकोथेक (आर्ट गैलरी)। पहनावा का केंद्र पार्थेनन था, जिसे पेंटेलियन संगमरमर से इक्टिन और कल्लिक्रेट्स द्वारा बनाया गया था। मंदिर, एथेना को समर्पितपार्थेनोस (यानी, एथेना द वर्जिन) एक डोरिक उपनिवेश से घिरा हुआ था, लेकिन आर्किटेक्ट संरचना की हल्कापन और गंभीरता की भावना पैदा करने में कामयाब रहे।
अपोलो। ओलंपिया में ज़ीउस के मंदिर के पेडिमेंट से एक मूर्तिकला का टुकड़ा(5वीं शताब्दी ईसा पूर्व)
फिडियास द्वारा मूर्तिकला की सजावट ने देवी एथेना और उसके शहर को गौरवान्वित किया। मंदिर में सोने और हाथीदांत के साथ एथेना की लकड़ी की एक मूर्ति थी। मंदिर के पेडिमेंट्स को दो मिथकों के विषयों पर मूर्तियों से सजाया गया था - एटिका के कब्जे के लिए एथेना और पोसीडॉन के बीच विवाद और ज़ीउस के सिर से एथेना के जन्म के बारे में। मेटोप्स (फ्रीज़ प्लेट्स) पर राहत ने यूनानियों की अमेज़ॅन और सेंटॉर के साथ लड़ाई को दर्शाया, जो बुराई और पिछड़ेपन के खिलाफ अच्छाई और प्रगति के बीच संघर्ष का प्रतीक था। दीवारों को ग्रेट पैनाथेनिक पर राजसी जुलूस की एक मूर्तिकला छवि के साथ सजाया गया था। पार्थेनन के फ्रेज को उच्च शास्त्रीय युग की ग्रीक कला का शिखर माना जाता है। यह 500 से अधिक आंकड़ों की छवि की प्लास्टिसिटी और गतिशीलता से चकित करता है, जिनमें से कोई भी दोहराया नहीं जाता है। फ़िडियास ने एथेना द वारियर की एक कांस्य मूर्ति भी बनाई, जिसे पार्थेनन के सामने चौक पर स्थापित किया गया था।
एथेनियन एक्रोपोलिस (5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व) पर प्रोपीलिया। फोटो
एथेनियन एक्रोपोलिस पर प्रोपीलिया फोटो
एथेंस। पार्थेनन (5वीं शताब्दी ईसा पूर्व)। फोटो
एक्रोपोलिस पहनावा में एरेचटिन, एक असममित लेआउट वाला एक छोटा मंदिर और तीन अलग-अलग पोर्टिको शामिल हैं, जिनमें से एक कैरेटिड्स द्वारा समर्थित है। यह उस जगह पर बनाया गया था, जहां पौराणिक कथाओं के अनुसार, एथेना और पोसीडॉन के बीच एक विवाद था, और यह एथेना, पोसीडॉन और महान राजा एरेचथियस को समर्पित है। एथेना द्वारा दान किया गया एक पवित्र जैतून का पेड़, मंदिर की दीवार के पास उग आया, और चट्टान में एक अवकाश था, कथित तौर पर पॉसेनडन के त्रिशूल द्वारा छोड़ा गया था। स्थापत्य पहनावा एथेनियन एक्रोपोलिससदियों से सौन्दर्य और समरसता का मानक बन गया है।
शास्त्रीय युग के उत्कृष्ट मूर्तिकारों ने अपने कार्यों के साथ आदर्श नागरिकों और हेलेनिक दुनिया की महानता को गौरवान्वित किया। उन्होंने पुरातन मूर्तिकला के सम्मेलनों पर विजय प्राप्त की और एक समृद्ध आध्यात्मिक दुनिया के साथ एक सामंजस्यपूर्ण, शारीरिक रूप से परिपूर्ण व्यक्ति की छवि बनाई। 5 वीं शताब्दी में एथेंस में शानदार फिडियास के अलावा। ई.पू. मायरोन ने काम किया। उनकी सबसे प्रसिद्ध प्रतिमा डिस्को थ्रोअर है। मूर्तिकार ने थ्रो के समय एथलीट के शरीर की जटिल गतिशीलता को कुशलता से व्यक्त किया।
पार्थेनन इंटीरियर, पुनर्निर्माण
एथेंस। एरेचथियॉन (5वीं शताब्दी ईसा पूर्व) फोटो
Argos के मूर्तिकार Polykleitos ने न केवल एथलीटों के शारीरिक रूप से परिपूर्ण शरीर का चित्रण किया, बल्कि पुरुष शरीर के आदर्श अनुपात की भी गणना की, जो ग्रीक मूर्तिकारों के लिए कैनन बन गया। उनके आंकड़े "डोरिफोर" (भाला-वाहक) और "डायडुमेन" (विजेता की बांह पर लगाने वाला एथलीट) विश्व प्रसिद्ध हो गए। 5 वीं शताब्दी के ग्रीक मूर्तिकार। ईसा पूर्व इ। सामंजस्यपूर्ण भव्यता और स्पष्ट शांति से भरे व्यक्ति की छवियों के साथ पोलिस सभ्यता के उत्कर्ष को जोड़ा।
प्राचीन ग्रीस की कला IV सदी। ईसा पूर्व ई।, एक ओर, इसे कई महत्वपूर्ण उपलब्धियों द्वारा चिह्नित किया गया था (विशेष रूप से, इस अवधि के दौरान कोरिंथियन आदेश बनाया गया था), और दूसरी ओर, वीरता और नागरिकता के मार्ग में कमी, एक अपील मनुष्य की व्यक्तिगत दुनिया, जो नीति के सामान्य संकट से जुड़ी थी। स्कोपस के कार्यों में मजबूत, भावुक मानवीय भावनाओं को दर्शाया गया है, जो एक ऊर्जावान आंदोलन ("मेनाद") में बिखरा हुआ है।
एथेंस। Erechtheion के Caryatids का पोर्टिको फोटो
एथेंस। नाइके एप्टेरोस का मंदिर (5वीं शताब्दी ईसा पूर्व) फोटो
किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया का सूक्ष्म स्थानांतरण, एक आराम करने वाले शरीर की सुंदरता, प्रैक्सिटेल्स ("द रेस्टिंग सैटियर", "हेर्मिस विद द इन्फैंट डायोनिसस") के काम की विशेषता है। वह नग्न की उदात्त सुंदरता दिखाने वाले पहले व्यक्ति थे महिला शरीर: उनका "एफ़्रोडाइट ऑफ़ कनिडस" पहले से ही पुरातनता में माना जाता था " सबसे अच्छा कामब्रह्मांड में अस्तित्व का।"
मूर्तिकला ("एपोक्सपोमेन") में क्षणभंगुर आंदोलन को पकड़ने की इच्छा ने लिसिपस के काम को चिह्नित किया। वह सिकंदर महान के दरबारी मूर्तिकार थे और उन्होंने महान सेनापति के कई अभिव्यंजक चित्र बनाए। चौथी शताब्दी के मूर्तिकार ईसा पूर्व, शास्त्रीय कला के विकास को पूरा करने के बाद, एक नए प्रकार की कला, गैर-शास्त्रीय के लिए रास्ता खोल दिया।
मिरोन।डिस्कस थ्रोअर (5वीं शताब्दी ईसा पूर्व)
पॉलीक्लिटोस।डोरिफोरस (5वीं शताब्दी ईसा पूर्व)
स्कोपस।मेनाद, या बचनते (चौथी शताब्दी ईसा पूर्व)
प्रैक्सिटेल।निडोस का एफ़्रोडाइट (चौथी शताब्दी ईसा पूर्व)
प्रैक्सीटेल्स. बेबी डायोनिसस के साथ हेमीज़ (चौथी शताब्दी ईसा पूर्व)
लिसिपोस।रेस्टिंग हेमीज़ (चौथी शताब्दी ईसा पूर्व)
सबसे प्रसिद्ध कलाकार वी में। ई.पू. पॉलीग्नोटस था, जिसका काम एथेंस से जुड़ा है। उन्होंने मटमैला तकनीक में पेंटिंग बनाई - उन्होंने तरल मोम पेंट के साथ काम किया। केवल चार रंगों का उपयोग करते हुए, पॉलीग्नॉट पहले चित्रकार थे जिन्होंने अंतरिक्ष और आंकड़ों की मात्रा, इशारों की अभिव्यक्ति को फिर से बनाना सीखा। उनके समकालीन अपोलोडोरस ने पेंटिंग में कायरोस्कोरो के प्रभाव को लागू करने वाले पहले व्यक्ति थे और परिप्रेक्ष्य को व्यक्त करने की कोशिश की थी।
यद्यपि प्राचीन यूनानी चित्रकारों की कृतियाँ नहीं बची हैं, कलाकारों की उपलब्धियों का एक विचार देता है फूलदान पेंटिंग,जहां उस समय लाल-आकृति शैली हावी थी, जिसने निकायों की मात्रा को वास्तविक रूप से व्यक्त करना और बहु-आकृति रचनाएं बनाना संभव बना दिया, जिसके केंद्र में एक व्यक्ति खड़ा था।
रेड-फिगर स्टैमनोस (5वीं शताब्दी ईसा पूर्व)
यह पाठ एक परिचयात्मक अंश है।रूस का इतिहास पुस्तक से। XIX सदी। 8 वीं कक्षा लेखक किसेलेव अलेक्जेंडर फेडोटोविच§ 36. वास्तुकला, चित्रकला, मूर्तिकला वास्तुकला। रूसी-बीजान्टिन शैली, जिसकी उपस्थिति केए टन के नाम से जुड़ी हुई है, का कई समकालीनों द्वारा गंभीर रूप से मूल्यांकन किया गया था। रूसी वास्तुकारों ने पुनर्जीवित करने की मांग की राष्ट्रीय परंपराएंवास्तुकला में। इन विचारों को ए.एम.
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इतिहास पुस्तक से प्राचीन विश्व[पूर्व, ग्रीस, रोम] लेखक नेमिरोव्स्की अलेक्जेंडर अर्काडिविचवास्तुकला और मूर्तिकला रोमन वास्तुकला और मूर्तिकला का विकास मजबूत ग्रीक और एट्रस्केन प्रभाव के तहत हुआ। विशेष रूप से, व्यावहारिक रोमनों ने एट्रस्केन्स से कुछ निर्माण तकनीकों को उधार लिया था। Etruscan कारीगरों की व्यावसायिक उपलब्धियाँ
लेखक कॉन्स्टेंटिनोवा, एस वी4. पेंटिंग, वास्तुकला और मूर्तिकला रूसी चित्रकला और मूर्तिकला आज खुद को कठिन परिस्थितियों में पाते हैं। रूसी संघ के राष्ट्रपति वी.वी. पुतिन के आधिकारिक चित्रकार, निकस सफ्रोनोव ने बड़ी संख्या में राष्ट्रपति के चित्र, साथ ही विश्व संस्कृति के आंकड़े बनाए।
विश्व का इतिहास पुस्तक से और राष्ट्रीय संस्कृति: लेक्चर नोट्स लेखक कॉन्स्टेंटिनोवा, एस वी5. वास्तुकला और मूर्तिकला कलात्मक संस्कृतिपुनरुद्धार प्रमुख स्थानों में से एक पर वास्तुकला का कब्जा है। इस अवधि के दौरान वास्तुकला की विशिष्ट विशेषताएं हैं: 1) नागरिक, धर्मनिरपेक्ष निर्माण के पैमाने में वृद्धि; 2) प्रकृति में बदलाव
विश्व और राष्ट्रीय संस्कृति का इतिहास पुस्तक से: व्याख्यान नोट्स लेखक कॉन्स्टेंटिनोवा, एस वी5. चित्रकला, वास्तुकला और मूर्तिकला दृश्य कलाओं में रूमानियत और आलोचनात्मक यथार्थवाद के विचार फैल रहे हैं। XVIII-XIX सदियों के मोड़ पर स्पेन के भारी वातावरण में। फ्रांसिस्को गोया (1746-1828) के काम का गठन किया गया था। किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया में रुचि, उसका
दो हफ्ते पहले न्यूयॉर्क में, मैंने इतालवी भविष्यवाद को समर्पित एक प्रदर्शनी का दौरा किया। 20वीं सदी की शुरुआत के अवंत-गार्डे आंदोलन मेरे विशेष प्रेम हैं। दुनिया तेजी से बदल रही थी, लोगों ने समय के साथ चलने की कोशिश की, कभी आगे, कभी प्रगति के साथ नहीं, और इस सारी अराजकता ने कई दिलचस्प कलात्मक निर्णयों और दिशाओं को जन्म दिया। भविष्यवाद को समझने के लिए, आपको इसके निर्माण के इतिहास को जानना होगा, साथ ही उन देशों के ऐतिहासिक संदर्भ को याद रखना होगा जिनमें यह आंदोलन विशेष रूप से विकसित हुआ था: उन वर्षों के इटली और रूस।
दुनिया को नए के लिए खोलने के लिए पुराने को नष्ट करें, संग्रहालयों, पुराने अनुभव और अधिकारियों को धो लें: कार, गति, आक्रामकता। इस नए आंदोलन के मूल सिद्धांतों को तुरंत प्रस्तुत करने के लिए, मारिनेटी के घोषणापत्र से कुछ उद्धरण यहां दिए गए हैं, जो ले फिगारो, फरवरी 20, 1909 में प्रकाशित हुए हैं:
हम कहते हैं हमारा खूबसूरत संसारऔर भी सुंदर हो गया - अब इसमें गति है। एक रेसिंग कार की डिक्की के नीचे, निकास पाइप साँप और थूक आग। इसकी गर्जना मशीन-गन फटने की तरह है, और इसके साथ सुंदरता में समोथ्रेस के किसी भी नीका की तुलना नहीं की जा सकती है।
- हम एक कार के शीर्ष पर एक आदमी के बारे में गाना चाहते हैं जो अपनी आत्मा का भाला पृथ्वी पर, उसकी कक्षा में फेंकता है।
हम संग्रहालयों, पुस्तकालयों को नष्ट कर देंगे, शैक्षणिक संस्थानोंहम सभी प्रकार की नैतिकता, नारीवाद, किसी भी अवसरवादी या उपयोगितावादी कायरता के खिलाफ लड़ेंगे।
भविष्यवादी होना आधुनिक, युवा और विद्रोही होना है। एक औद्योगिक महानगर, कार और गति - भविष्यवाद के अनुयायी विनाश का जश्न मनाते हैं और युद्ध का महिमामंडन करते हैं। वे सांस लेना चाहते हैं नया जीवनएक पुरानी, स्थिर संस्कृति में।
रूस में, 1912 में, एक घोषणापत्र भी सामने आया, जिसमें पहला कविता संग्रह थप्पड़ इन द फेस ऑफ पब्लिक स्वाद था, जो उसी नाम के रूसी घोषणापत्र के साथ था। अभिधारणाओं की तुलना करें:
- अतीत तंग है। अकादमी और पुश्किन चित्रलिपि की तुलना में अधिक समझ से बाहर हैं। पुश्किन, दोस्तोवस्की, टॉल्स्टॉय आदि को फेंक दें। और इसी तरह। जहाज आधुनिकता से।
- उन असंख्य लियोनिद एंड्रीव्स द्वारा लिखी गई किताबों की गंदी कीचड़ को छूने वाले अपने हाथ धो लें। इन सभी मैक्सिम गोर्की, कुप्रिन, ब्लोक, सोलोगब, एवरचेंको, चेर्नी, कुज़मिन, बुनिन और इतने पर। और इसी तरह। - आपको बस नदी पर एक झोपड़ी चाहिए। ऐसा पुरस्कार भाग्य द्वारा दर्जी को दिया जाता है। गगनचुंबी इमारतों की ऊंचाई से हम उनकी तुच्छता को देखते हैं!
मेरी राय में, रूसी घोषणापत्र में इतालवी की तुलना में अधिक विनाशकारी आरोप हैं, और यह आश्चर्य की बात नहीं है - क्रांति से पहले देश में ऐसे मूड थे।
भविष्यवाद साहित्य में उत्पन्न होता है, लेकिन बहुत जल्द यह अन्य रूप लेता है: पेंटिंग, राजनीति, यहां तक कि विज्ञापन भी। इन युवा क्रांतिकारियों में यौवन की ऊर्जा और गति उमड़ती है, ऊर्जा के आवेश के प्रति उदासीन रहना असंभव है जो वे ले जाते हैं। यदि आपको ऐसा लगता है कि आप उत्तरोत्तर सोचते हैं, तो आराम करें - भविष्यवादियों ने आपके सामने सब कुछ सोच लिया है।
और इस ज्ञान के साथ मैं 1909-1944 में गुगेनहाइम में इतालवी भविष्यवाद की प्रदर्शनी में आया हूं।
कुल मिलाकर, प्रदर्शनी सात विषयों को प्रस्तुत करती है, मैं प्रदर्शनी में प्रस्तुत उनमें से प्रत्येक से सबसे यादगार अंश दिखाऊंगा।
थीम एक: वीर भविष्यवाद। यह चरण 1916 तक चला। भविष्यवादी आंदोलन की शुरुआत आशावाद, गतिशीलता और लय के माहौल से अलग है। भविष्यवादियों ने विभिन्न तरीकों से गतिशीलता को व्यक्त करने की मांग की। उदाहरण के लिए, जियाकोमो बल्ला ने विस्तार से अध्ययन किया और गति के स्तरीकरण के माध्यम से सार्वभौमिक गतिशीलता को चित्रित करने का प्रयास किया, उदाहरण के लिए, प्रकाश के फैलाव की छवि के माध्यम से (चित्र प्रदर्शनी में नहीं दिखाया गया है):
जियाकोमो बल्ला, इंद्रधनुषी इंटरपेनेट्रेशन नंबर 7, 1912
गियाकोमो बल्ला की दृश्य शब्दावली में प्रकाश, ध्वनि और गंध के वातावरण को व्यक्त करने के प्रयास के साथ, गतिशीलता और समकालिकता के सिद्धांतों का संयोजन शामिल था।
दो अन्य भविष्यवादियों, अम्बर्टो बोक्सीओनी और गीनो सेवरिनी ने एक वस्तु के माध्यम से आंदोलन के प्रभाव को चित्रित करने की मांग की। Boccioni ने एक खेल निकाय के माध्यम से आंदोलन को व्यक्त किया, एक व्यक्ति की आकृति और आसपास के परिदृश्य को मिलाकर। स्क्रीन से दूर हटो और आप देखेंगे कि नीचे दी गई तस्वीर कैसे तेज गति से उड़ते हुए साइकिल चालक की छवि में बदल जाएगी (चित्र प्रदर्शनी में नहीं दिखाया गया है):
Umberto Boccioni, Dinamismo di un ciclista" 1913
सेवेरिनी, मेरी पसंदीदा इतालवी भविष्यवादी, चित्र में अंतरिक्ष के स्थानांतरण के माध्यम से, विखंडन के माध्यम से, विस्थापित और अनुपातहीन स्थान को जोड़कर, कुचल मोज़ेक के प्रभाव को रोजमर्रा की वस्तुओं में जोड़कर गतिशीलता को चित्रित करने की अपनी अवधारणा बनाता है (उन्होंने इस विचार को क्यूबिस्ट से उधार लिया)।
मैं इस तस्वीर को घंटों तक निहार सकता हूं, परिदृश्य, भागती हुई ट्रेन और गांव की अजीबोगरीब बुनाई को देखकर। यहां तक कि अगर टुकड़ों का जादू आपको पहली बार नहीं पकड़ता है, तो विचार करें कि आप हाई-स्पीड ट्रेन की गति को कैसे चित्रित करेंगे (नहीं उच्च गति रेल, अर्थात् उनका आंदोलन) और सेवेरिनी ने जो किया उससे तुलना करें:
जी। सेवेरिनी "एम्बुलेंस ट्रेन शहर के माध्यम से दौड़ रही है", 1915
मैं अराजकतावादी गली के अंतिम संस्कार कैर की तस्वीर का भी उल्लेख करना चाहता हूं। तस्वीर का विषय एंजेलो गैली के अंतिम संस्कार में एक झड़प थी, जिसे पुलिस ने एक हड़ताल में मार दिया था। सरकार को डर था कि अराजकतावादी अंतिम संस्कार से बाहर एक राजनीतिक प्रदर्शन करेंगे और उन्हें कब्रिस्तान में प्रवेश करने से मना कर देंगे। झड़पों को टाला नहीं जा सकता था, अराजकतावादियों ने विरोध करना शुरू कर दिया और पुलिस ने उन पर बेरहमी से कार्रवाई की। इस दृश्य में कलाकार मौजूद था; और उसका काम एक क्रूर दृश्य और अराजकता की ज्वलंत यादों से भरा है: शरीर की आवाजाही, अराजकतावादियों और पुलिस की झड़प, हवा में उड़ते काले झंडे। कलाकार बाद में अपने संस्मरणों में लिखेंगे: “मैंने अपने सामने लाल कार्नेशन्स से ढका एक ताबूत देखा, जो ताबूत ले जाने वाले लोगों के कंधों पर खतरनाक रूप से लहरा रहा था। मैंने बेचैन घोड़े, क्लब और भाले, झड़पें देखीं, और मुझे ऐसा लगा कि किसी भी क्षण लाश जमीन पर गिर जाएगी और घोड़ों से रौंद जाएगी ”…
कार्लो कारा, अराजकतावादी गली का अंतिम संस्कार (अंतिम संस्कार डेल'अनार्चिको गैली), 1910-11
थीम दो। शब्द-स्वतंत्रता, या, जैसा कि रूसी घोषणापत्र में है, "शब्द-नवाचार"। जैसा कि मैंने पहले ही लिखा है, भविष्यवाद की शुरुआत कविता से हुई और इसका प्रमुख आविष्कार कविता का मुक्त रूप है। मारिनेटी के बाद, फ्यूचरिस्ट अपने सामान्य रूप से शब्दों को मुक्त करते हैं, वाक्य रचना को नष्ट करते हैं, विराम चिह्न को रद्द करते हैं, विशेषण और क्रियाविशेषणों को समाप्त करते हैं, अनिश्चित रूप में क्रियाओं का उपयोग करते हैं, कविता में संगीत और गणितीय प्रतीकों को सम्मिलित करते हैं, और ओनोमेटोपोइया (ओनोमेटोपोइया) का उपयोग करते हैं। ऐसी कविताओं को साहित्य की तरह पढ़ा जाता है, दृश्य कला की तरह अनुभव किया जाता है और नाटकीय कार्यों की तरह प्रदर्शन किया जाता है। फ्यूचरिस्ट उन्हें विभिन्न स्वरूपों में प्रकाशित करते हैं और विशेष शाम (फ्यूचरिस्ट सेरेट) में पढ़ते हैं। मारिनेटी ने रूप-मुक्त कविता का विचार पेश किया, कई भविष्यवादियों ने अपनी व्याख्याओं का आविष्कार किया। मायाकोवस्की की "सीढ़ी" भविष्यवादियों के काम के इस हिस्से के रूप में हमारे लिए सबसे अधिक परिचित है, लेकिन अन्य भी थे: फोनोविज़ुअल निर्माण के साथ बल्ला, फोर्टुनाटो डेपेरो और ध्वनियों की अमूर्त भाषा (ओनोलिंगुआ), कार्लो कैर की गोलाकार संरचना आवाजों के बवंडर के साथ और लगता है।
फ्रांसेस्को कांगियुल्लो, पिडिग्रोटा। किताब (मिलान: एडिज़ियोनी फ्यूचरिस्ट डी पोसिया, 1916)
थीम तीन। आर्किटेक्चर। भविष्यवाद, परंपरा और अपमान की अस्वीकृति के साथ, केवल शहर के भीतर ही मौजूद हो सकता है, और भविष्यवादियों ने आधुनिक शहर में आनंद लिया। कई वास्तुकारों ने नई सामग्री और औद्योगिक तरीकों का उपयोग करते हुए महानगरीय क्षेत्रों के लिए अपने डिजाइन का प्रस्ताव रखा। भविष्य की परियोजनाओं में गति और परिवहन प्रणालियों के सुचारू संचालन (हवाई और रेल परिवहन को शहरी वास्तुकला में मूल रूप से फिट होना चाहिए) पर जोर देने के साथ एक शानदार रूप, हल्कापन, आधुनिकता है। उनकी परियोजनाओं को वास्तविकता बनने के लिए नियत नहीं किया गया था, एनरिको प्राम्पोलिनी द्वारा स्केच के अनुसार अस्थायी मेलों के लिए बनाए गए कुछ भविष्यवादी संरचनाओं को छोड़कर। स्केच और वास्तविकता की तुलना करें:
एनरिको प्रैम्पोलिनी, एरोनॉटिका कंपनी के लिए हॉल, सजावट और साज-सामान के लिए डिज़ाइन: मिलान त्रैवार्षिक स्थापना के लिए योजना, सीए। 1932-33
ट्यूरिन (1928) में पार्को वैलेंटिनो में प्रदर्शनी में फ्यूचरिस्ट पैवेलियन को एनरिको प्रैम्पोलिनी द्वारा डिजाइन किया गया था।
तब उनके विचारों का सच होना तय नहीं था, लेकिन अब आधुनिक शहरों को देखें - क्या यह भविष्यवादियों का सपना नहीं है?
विषय चार। ब्रह्मांड का पुनर्निर्माण। कविता, साहित्य, चित्रकला - इतना ही काफी नहीं था। पुराने आदर्शों को स्थानांतरित करने और नए समय में जीने के लिए, रोजमर्रा की दुनिया के हर विवरण को बदलना आवश्यक था। 1915 में, बल्ला और डेपरो, जो पहले से ही हमारे परिचित हैं, एक और घोषणापत्र लिखते हैं, जिसे मैं विशेष रूप से इसके शीर्षक के लिए प्यार करता हूं: "ब्रह्मांड का पुनर्निर्माण।" आदतन आक्रामक भाषा का प्रयोग करते हुए, वे अपने आसपास की दुनिया में हर वस्तु के पुनर्निर्माण का आह्वान करते हैं, यहां तक कि भविष्य के खिलौनों की भी मांग करते हैं। एक भविष्यवादी को भविष्य के वातावरण, नए कपड़े, परिसर के नए डिजाइन, नए फर्नीचर, व्यंजन और कपड़े से घिरा होना चाहिए। बल्ला और डेपरो ने अपने जीवन में ऐसे स्थान बनाए: एक ने रोम में एक घर का पुनर्निर्माण किया, दूसरे ने अपने गृहनगर रोवर्टो में एक स्टूडियो बनाया। प्रदर्शनी में भविष्य के डिजाइन में कई वस्तुओं को दिखाया गया है: सिरेमिक, सेवाएं, निहित और सूट। अब यह सब बहुत मज़ेदार लग रहा है और निश्चित रूप से डिजाइन की भविष्य की दृष्टि के अनुरूप नहीं है जिसका हम उपयोग कर रहे हैं। मेरे लिए, फ्यूचरिस्टिक डिज़ाइन डच और स्कैंडिनेवियाई है। लेकिन अगर भविष्यवादियों ने इस तरह की बारीकियों की ओर रुख नहीं किया होता, तो कौन जानता कि क्या हमें आधुनिक डिजाइन (साथ ही वास्तुकला) उस रूप में मिलती, जिसमें वह अब है?
यहां जो चीज मुझे सबसे ज्यादा हैरान करती है, वह है पैमाना: गति और विमानों से लेकर चाय के सेट तक। एक विचार में इतना और इतना कम सह-अस्तित्व कैसे हो सकता है? मैं यहाँ सोचता हूँ बहुत महत्वएक राष्ट्रीय पहचान है, इटालियंस के लिए रोजमर्रा की जिंदगी का सौंदर्यशास्त्र महत्वपूर्ण है, लेकिन रूसी भविष्यवाद में सब कुछ चाय के सेट के बिना वैश्विक विचारों के स्तर पर समाप्त हो गया।
गेरार्डो डोटोरी, सिमिनो होम डाइनिंग रूम सेट, 1930 के दशक की शुरुआत में
थीम पांच। Arte meccanica, या मशीनों का सौंदर्यशास्त्र। प्रथम विश्व युद्ध के बाद, नए कलाकार भविष्यवाद में आए, नए गुण लाए, जिनमें से एक यांत्रिक वस्तुओं का सौंदर्यशास्त्र था। मैं यह नहीं कह सकता कि यह भविष्यवाद में मौलिक रूप से कुछ नया है, क्योंकि शुरू में आंदोलन प्रगति और गति के महिमामंडन पर आधारित था। आंदोलन के नए सदस्यों ने यांत्रिक वस्तुओं में भविष्यवादियों की स्थायी रुचि पर जोर दिया। इवो पनाडजी द्वारा पेंटिंग में चित्रित शक्तिशाली ट्रेन आप पर तिरछे लुढ़कती है, जो उपस्थिति के प्रभाव को बढ़ाती है (हैलो 3 डी प्रशंसक!), आप ट्रेन की बहरी सीटी, मोटर का तेज काम सुनते हैं। पणजी चित्र नहीं बनाते, वह एक संवेदी अनुभव बताते हैं। यहां उपयोग की जाने वाली कलात्मक तकनीकें गति, गति और शक्ति को व्यक्त करती हैं। इस तस्वीर को देखें, यह ट्रेन के प्रक्षेपवक्र को टुकड़ों में (जैसे सेवरिनी), या, अधिक सरलता से, एनीमेशन के रूप में, भागों में बताती है:
इवो पन्नागी, स्पीडिंग ट्रेन (कोर्सा में ट्रेनो), 1922
विषय छह। एरोपिट्टुरा या पेंटिंग जो उड़ान से प्रेरित है। उड़ान या गोताखोरी, कभी-कभी बस अमूर्त, हवाई पेंटिंग 1930 में भविष्यवाद के अंतिम चरण में दिखाई दी। हवाई जहाज भविष्य में कारों के पंथ के विचार में पूरी तरह से फिट होते हैं, दोनों प्रगति के प्रतीक के रूप में और गति के अवतार के रूप में, इसलिए वे कारों और ट्रेनों को पीछे छोड़ते हुए तुरंत ध्यान केंद्रित करते हैं। इसके अलावा, विमान नए, पहले अनदेखे व्यूइंग एंगल के कारण परिचित वस्तुओं पर नए दृष्टिकोण खोलते हैं। एयर पेंटिंग उड़ानों के एक साधारण दस्तावेजीकरण के साथ शुरू होती है, और अंतरिक्ष में उड़ने के चित्रण के लिए आगे बढ़ती है। यह दुनिया के लिए एक नए दृष्टिकोण का प्रतिनिधित्व करता है, जो गति, प्रौद्योगिकी, युद्ध और राष्ट्रीय गौरव को जोड़ता है। इटली में तीस के दशक की शुरुआत में, यह स्पष्ट है कि राष्ट्रवादी भावनाएँ बहुत मजबूत थीं, और इतालवी सेना की शक्ति और तकनीकी उपकरणों ने भविष्यवादियों को राष्ट्रीय गौरव बढ़ाने के लिए प्रेरित किया। ऐसा लगता है कि फासीवादी इटली में भविष्यवादियों के पास आधिकारिक कला बनने के लिए सब कुछ था - यह प्रगति का महिमामंडन है, और आक्रामकता और युद्ध की पूजा है, और पुरानी दुनिया का खंडन और विनाश है। एक बारीकियों ने हस्तक्षेप किया: हिटलर "पतित कला" (किसी भी गैर-शास्त्रीय कला) को बर्दाश्त नहीं कर सका, और अंततः मुसोलिनी को भविष्यवादियों के पक्षपात से छुटकारा पाने के लिए मजबूर कर दिया।
गेरार्डो डोटोरी, नेपल्स की खाड़ी पर हवाई लड़ाई या खाड़ी के स्वर्ग पर राक्षसी लड़ाई, 1942
विषय सात। फोटो। भविष्यवादी उस तस्वीर को नज़रअंदाज़ नहीं कर सकते थे, जिसे उन्होंने 1911 से अपनाना शुरू किया था। ब्रागाग्लिया बंधुओं ने पेंटिंग को जीवंत बनाने की कोशिश की और आंदोलन को पकड़ने की एक पूरी विधि विकसित की: फोटोडायनेमिज्म। आंदोलन की शुरुआत के धुंधले चरणों के साथ, उनकी तस्वीरों में आकृति की गति आमतौर पर दाएं से बाएं ओर जाती है। इन प्रयोगों के बाद, भविष्यवादियों ने 1930 के दशक तक फोटोग्राफी छोड़ दी, जब तक कि मारिनेटी ने अपने अगले घोषणापत्र में टैटो के सहयोग से (किसी और के पास इतने घोषणापत्र नहीं थे!) ने फोटोग्राफी को कला और जीवन के बीच की बाधाओं को दूर करने के लिए एक उत्कृष्ट उपकरण घोषित किया, क्योंकि इसका उपयोग करना था। एक कैमरा जिससे आप कला बना सकते हैं और उसे एक्सप्लोर कर सकते हैं सामाजिक सम्मेलन(हालांकि, टाटो ने कैमरे का इस्तेमाल पूरी तरह से विरोधी उद्देश्यों के लिए किया, उनके कार्यों ने फासीवादी शासन के लिए वैचारिक समर्थन व्यक्त किया)।
एंटोन गिउलिओ ब्रागाग्लिया, वेविंग (सलुटांडो), 1911
1944 में, भविष्यवाद के संस्थापक और वैचारिक प्रेरक, मारिनेटी का निधन हो गया। उनकी मृत्यु के साथ, भविष्यवाद का भी अस्तित्व समाप्त हो जाता है। रूस में सोवियत सत्ता की स्थापना के साथ, 1920 के दशक के उत्तरार्ध में रूसी भविष्यवाद पहले भी गायब होना शुरू हो गया था, और अंत में मायाकोवस्की की मृत्यु और मुख्य लेखकों के प्रवास के साथ खुद को समाप्त कर दिया (फिर भी, रूस में भविष्यवाद अधिक था साहित्यिक दिशासुरम्य की तुलना में)। भविष्यवाद के साथ शुरुआत करने वाले लेखक अन्य प्रवृत्तियों में शामिल हो गए।
भविष्यवाद मानवता के लिए क्या लाया? अपमानजनक और आक्रामक तरीके, भविष्यवाद की विशेषता, ने प्रगति को लोकप्रिय बनाने और महिमामंडित करने में मदद की। आधुनिक विकासकला भविष्यवाद के लिए बहुत कुछ देती है: उनकी खूबियों में सामान्य रूप से कविता की मुक्ति, काव्य प्रदर्शन, आंदोलन की छवि पर एक नया रूप, गति का विखंडन शामिल है। सत्ता से इनकार हमेशा कुछ नया करने की खोज है, हमेशा परिचित दृष्टिकोण का विस्तार है दुनिया. नए आदर्शों की खोज और नए मानदंडों के निर्माण से मानवता को स्थिर नहीं रहने में मदद मिलती है, यह विकसित होने में मदद करता है। और निश्चित रूप से - "सुंदर दूर", प्रगति, मानव विचार की शक्ति का जाप, एक आदर्श दुनिया की इस इच्छा के लिए, उनका विशेष धन्यवाद।
2800 ईसा पूर्व से इ। 2300 ईसा पूर्व तक इ। साइक्लेड्स में, ग्रीस में एजियन सागर में तीस छोटे द्वीपों में, "साइक्लेडिक कला" के रूप में परिभाषित एक शैली का जन्म हुआ। इस शैली की विशिष्ट विशेषताएं मुख्य रूप से महिला आकृतियाँ थीं जिनके घुटने थोड़े मुड़े हुए थे, हाथ छाती के नीचे मुड़े हुए थे, सपाट सिर थे। साइक्लेडिक कला के आयाम मानव-आकार की मूर्तियों से लेकर छोटी मूर्तियों तक हैं, जिनकी ऊंचाई कुछ सेंटीमीटर से अधिक नहीं है। यह मान लेना उचित है कि मूर्तिपूजा बहुत आम थी।
एथेंस के राष्ट्रीय पुरातत्व संग्रहालय में साइक्लेडिक मूर्तियां
चक्रीय मूर्ति
"बांसुरी वादक", राष्ट्रीय पुरातत्व संग्रहालय। एथेंस
"वायलिन", 2800 ईसा पूर्व, ब्रिटिश संग्रहालय, लंडन
साइक्लेडिक कला कई लोगों के लिए प्रेरणा का स्रोत बन गई है समकालीन कलाकारजिन्होंने सरल रेखाओं और ज्यामिति, अतिसूक्ष्मवाद के संयम और परिष्कार की सराहना की। साइक्लेडिक कला का प्रभाव मोदिग्लिआनी के कार्यों में देखा जा सकता है, विशेष रूप से उनकी मूर्तिकला "फीमेल हेड" में, साथ ही पिकासो सहित अन्य कलाकारों के काम में भी।
एमेडियो मोदिग्लिआनी, प्रमुख, 1910, नेशनल गैलरी ऑफ़ आर्ट, वाशिंगटन
साइक्लेडिक मूर्ति और मोदिग्लिआनी
पाब्लो पिकासो, महिला, 1907, पिकासो संग्रहालय, पेरिस
जियोर्जियो डी चिरिको, हेक्टर और एंड्रोमाचे
हेनरी मूर
कॉन्स्टेंटिन ब्रांकुसी, संग्रहालय, 1912
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हंस अर्पो
बारबरा हेपवर्थ
अल्बर्टो जियाओमेट्टी