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Littérature

Littérature : Nekipelov, AD : Nouvelle encyclopédie russe. Tome I. Russie. Maison d'édition "Emcyclopedia", Moscou 2004. Trésors de la Russie. Introduction à l'art russe. Maison d'édition d'art, Moscou 1995. Fozikoš, A., Reiterová, T. : Reálie rusky mluvících zemí. Nakladatelství Fraus, Plzeň, 1998. Lepilová, K. : Essai sur la culture russe. OU, Ostrava, 1996. Manková, N.: Čítanka z dějin ruské culture. Západočeská univerzita, Pedagogická Fakulta, Plzeň1998. Bibliothèque des beaux-arts : http://www.artlib.ru/ Peinture : http://jivopis.ru/gallery/ Golden Archive of Icons L'ancienne Rus' XIe - XVIe siècle : http://staratel.com/pictures/icona/main.htm Peinture russe : http://staratel.com/pictures/ruspaint/main.htm

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Présentation sur le thème "Art Contemporain" dans les beaux-arts au format powerpoint. Le but de cette présentation pour les écoliers est d'initier les étudiants aux tendances de l'art contemporain du XXe siècle en Russie, ainsi que d'explorer des moments de la biographie d'artistes - des représentants éminents de l'art contemporain. Auteur de la présentation : Yulia Petrova, élève de 10e année.

Fragments de la présentation

L'art contemporain est...

• Philosophie de la vie
• vision du monde
• L'association de symboles comme formule d'expression de soi

Directions de l'art contemporain

• Tendances modernistes
• Dans les années 10. 20ième siècle L'art abstrait se développe en Russie. Ses représentants sont considérés comme des artistes d'importance mondiale, les fondateurs de l'art moderne. L'art russe est fortement influencé par le cubisme, le futurisme et le constructivisme.

Kasimir Malevitch

Le travail de Malevitch a été fortement influencé par le cubisme, mais l'auteur a développé son propre système d'art abstrait, le soi-disant "suprématisme".L'artiste combine des formes géométriques simples dans des couleurs contrastées (composition suprématiste), essaie de simplifier ses peintures autant que possible . Malevich a peint le célèbre Carré noir. un carré sur fond blanc a plusieurs significations: le blanc est la somme de toutes les couleurs et le noir est l'absence de toute couleur, c'est-à-dire le contraste «quelque chose-rien», «l'existence -non-existence" est combiné dans l'image. Un carré noir est un "trou dans l'infini".

Vassily Kandinsky

Kandinsky est l'un des fondateurs de l'art abstrait. Après la révolution de 1917, il émigra en Allemagne. Il entre dans l'histoire de l'art avec ses Compositions, par exemple la Composition n° 7.

Marc Chagall

Chagall est né en Biélorussie, dans la ville de Vitebsk, dont l'image est devenue la base thématique de ses peintures (moi et le village). Il dessine des villageois ordinaires, des rabbins, des clowns, des musiciens. Des figures d'animaux (cheval, âne, coq) se répètent dans ses peintures.Chagall est proche de l'expressionnisme et de l'art populaire primitif, peint des tableaux dans un esprit grotesque-symbolique. Après la révolution, l'artiste continue à travailler à Paris et en Amérique, crée des vitraux et des mosaïques à Jérusalem et illustre les Âmes mortes de Gogol.

Léonid Kiparisov

Né en 1964. Il a commencé sa carrière professionnelle dans le domaine de l'art au lycée en tant que dessinateur pour le journal régional Priokskaya Pravda.Institut pédagogique, diplômé en 1989. Depuis 1987, je participe à des expositions d'art en Russie et à l'étranger.

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Histoire de l'art contemporain L'art contemporain s'est formé au tournant des années 1990. La recherche artistique de cette époque peut être caractérisée comme une recherche d'alternatives au modernisme. Cela s'est exprimé dans la recherche de nouvelles images, de nouveaux moyens et matériaux d'expression, jusqu'à la dématérialisation de l'objet (performances et happenings). De nombreux artistes ont suivi les philosophes français qui ont inventé le terme "postmodernisme". On peut dire qu'il y a eu un déplacement de l'objet vers le processus.

La performance est une forme d'art contemporain dans laquelle l'œuvre consiste en des actions d'un artiste ou d'un groupe dans un lieu et à un moment précis. Spectacle nu pour l'ouverture du Festival d'opéra de Munich Nus pour l'ouverture du Festival d'opéra de Munich

Toute situation qui comprend quatre éléments de base peut être qualifiée de performance : le temps, le lieu, le corps de l'artiste et la relation entre l'artiste et le spectateur. C'est la différence entre la performance et des formes d'art comme la peinture ou la sculpture, où l'œuvre est constituée par l'objet exposé.

Types d'installations certaine heure sous un certain nom. Il est important que le spectateur ne contemple pas l'installation de côté, comme un tableau, mais se retrouve à l'intérieur. Certaines installations se rapprochent de la sculpture, mais diffèrent de derniers sujets qu'ils ne sont pas sculptés, mais assemblés à partir de matériaux dissemblables, souvent d'origine industrielle.

Forêt de dentelle colorée. L'installation Pop-Up Paradises Kilos and miles de dentelle colorée suspendue au plafond du Faena Arts Center à Buenos Aires est un projet artistique original du designer argentin Manuel Ameztoy qui représente des paysages naturels et motifs végétaux, existant actuellement dans la province d'Entre Rios, où il est né et a passé son enfance. L'installation textile s'appelle Pop-Up Paradises, et ce nom montre clairement à quel point l'auteur est attaché à sa patrie et apprécie la beauté de la nature argentine.

Installation d'un Watershed Wall à Toronto dédié à l'énergie de l'eau Installation d'un Watershed Wall à Toronto dédié à l'énergie de l'eau De nombreuses grandes villes sont construites autour d'une source d'eau importante et stable. Certains, à côté de plusieurs à la fois. Ainsi, Toronto ne connaît aucune pénurie de liquide dans les robinets et les tuyaux. Cependant, de nombreuses sources d'eau utilisées par cette ville ne sont plus visibles, elles sont cachées. L'installation Watershed Wall est dédiée à la véritable carte des eaux de Toronto.

Caméra Fleurs installation. Parterres de fleurs où fleurissent les caméras Installation Camera Flowers. Parterres fleuris où fleurissent les appareils photo Le rêve d'un photographe est de venir dans une forêt, un jardin ou un parc urbain, un potager ou un champ, et d'y récolter une riche moisson d'objectifs, d'appareils photo et de flashs pour tous les goûts, couleurs et tailles. D'une certaine manière, l'artiste brésilien Andre Feliciano a donné vie à cette idée dans son installation colorée Camera Flowers, présentée dans la serre du village photo new-yorkais Photoville.

Maison-bibliothèque de Miler Lagos (Miler Lagos)-installation. Bien sûr, dans l'original, l'igloo est construit à partir de blocs de neige ou de glace - des briques, mais c'est quelque chose de riche, comme on dit. L'igloo de livres, soigneusement construit en briques sous forme de romans, de contes de fées, d'ouvrages de référence, d'encyclopédies, de manuels et de pièces de théâtre, fait partie de l'exposition à la galerie MagnanMetz et s'appelle Home (« Maison »)

Poisson en plastique - installation écologique au sommet du G20 Poisson en plastique - installation écologique au sommet du G20 Ce n'est un secret pour personne que la quantité de déchets dans les océans de notre planète augmente à un rythme tel que cette croissance est déjà le plus grand problème environnemental sur Terre. Et des artistes du monde entier tentent d'attirer l'attention sur cette honte. Par exemple, Angela Pozzi, qui a organisé toute une exposition de ses propres sculptures en plastique, qu'elle a trouvées sur l'océan près de chez elle.

Un art qui confine à la magie, une réalité qui peut facilement être confondue avec un mirage, une illusion, une illusion d'optique - un tel effet est produit sur un spectateur non préparé et inexpérimenté par les chefs-d'œuvre de l'artiste Cornelia Konradz (Cornelia Konrads). Ses installations ornent les parcs et les places des villes d'Allemagne et surprennent à chaque fois les passants, non seulement les visiteurs, mais aussi les habitants.

Sculpture en pierre suspendue 3D Sculpture en pierre suspendue 3D Le travail de Jaehyo Lee reflète la beauté des éléments originaux dans une nouvelle forme stylisée. Il fait flotter dans les airs des pierres ordinaires, ramassées sur le trottoir, se transformant en statues de pierre aérées, presque en apesanteur. L'auteur coréen possède probablement une magie spéciale qui peut contrôler la nature et forcer les matériaux organiques à jouer des rôles complètement différents, sans toutefois perdre la face. Ainsi, dans ses oeuvres, la pierre reste toujours pierre, bois - bois, sable - sable...

"Flottant" dans les installations aériennes de Bak Song Chi Suspendre dans les airs des figures et des images - un genre spécial sculpture contemporaine, que les critiques d'art appellent de temps en temps une installation, car ils ne peuvent pas décider comment ce sera juste.

Dîner créatif parmi les arbres et les oiseaux Installation artistique - happening. Lors d'un dîner pour VIP, organisé dans le cadre de foire d'artà Art Brussels, le designer belge Charles Kaisin a présenté une table en chêne de trois mètres "Fantaisies de Charles", à la surface de laquelle "poussaient" des arbres.

Happening est une représentation théâtrale avec des éléments d'improvisation, conçue pour impliquer le public dans la représentation elle-même et poursuivant des objectifs commerciaux. La tâche principale d'un tel événement est d'ajouter de la variété aux procédures ordinaires des relations publiques. Une présentation ou une conférence de presse acquiert les éléments d'un happening. De plus, ils peuvent être complètement transformés en happenings, ou des happenings peuvent en faire partie. L'utilisation du happening comme méthode peut être extrêmement large, mais l'objectif sera toujours le même de se démarquer pour que le public cible se souvienne de l'événement.

Collage réception technique en beaux-Arts, qui consiste à créer des œuvres d'art en collant sur un support des matériaux qui diffèrent du support par leur couleur et leur texture. Le collage a été introduit dans l'art comme une expérience formelle par les cubistes, les futuristes et les dadaïstes. À ce stade, des bouts de journaux, des photographies et du papier peint étaient utilisés à des fins picturales. Des morceaux de tissu, des copeaux, etc. ont été collés sur la toile par des futuristes cubistes et des dadaïstes

Chiens fabriqués à partir de déchets de papier. Collages originaux de Peter Clark (Peter Clark) Chiens fabriqués à partir de déchets de papier. Collages originaux de Peter Clark N'aboie pas, ne mord pas, ça s'appelle un chien. Non, ce n'est pas le même caractère qui est présent dans chaque adresse. Ce sont des collages de papier étonnants et originaux créés par le talentueux auteur Peter Clark à partir d'une variété de vieux papiers trouvés littéralement sous vos pieds.

Collages de devises par Rodrigo Torres Collages de devises par Rodrigo Torres Artistes variés différemment« se moquer » des billets de banque. Par exemple, Hans-Peter Feldmann en fait du papier peint, Scott Campbell les découpe et Craig Sonnenfeld plie des figures d'origami à partir de billets de banque. Mais Rodrigo Torres transforme les devises différents pays du monde en collages Hans-Peter Feldmann en fait des papiers peints Scott Campbell les découpe Craig Sonnenfeld plie des figures en origami à partir de billets de banque

Éveil. La peinture de café d'Arkady Kim, présentée dans le parc Gorky Dès que beaucoup de gens associent le café au matin et au besoin de se réveiller, c'est ainsi que l'artiste moscovite Arkady Kim a appelé son immense tableau de grains de café - Awakening - une œuvre monumentale de 30 m². M. a été présenté au public à Moscou.

Peinture moderne - art corporel. À partir des années 1960, la peinture corporelle a commencé à se développer en Occident dans le cadre d'un changement de la morale publique vers plus de libertés. Ressuscité en occident, le body painting est considéré à tort comme un art jeune. Artistes notables ont utilisé l'art corporel pour leurs expositions et performances. Peu à peu, l'art corporel a commencé à être utilisé à des fins commerciales - pour des promotions, de la publicité.

L'art corporel (eng. body art "body art") est l'une des formes d'art d'avant-garde, où l'objet principal de la créativité est le corps humain. salles d'exposition. La mise en scène est née à un stade précoce de l'avant-garde, mais a acquis une popularité particulière à l'époque du postmodernisme, qui y recourt comme élément d'installations et de performances.

Marques mondialement connues de tatouages ​​sur corps humains Marques mondialement connues de tatouages ​​​​sur le corps humain Le temps passe et, imperceptiblement, les marques préférées entrent si étroitement dans nos vies que nous ne pouvons plus les "changer" avec d'autres marques. En témoigne le travail de l'agence de publicité Saatchi & Saatchi Lovemarks, montrant des tatouages ​​​​de célèbres "lovemarks".

Caractéristiques de la culture artistique du XXe siècle. ont été déterminés par les nouvelles conditions de sa formation, parmi lesquelles les révolutions, les guerres (en particulier les deux guerres mondiales), les découvertes scientifiques et les réalisations techniques ont été les principaux facteurs. Les conditions préalables à la culture artistique de cette époque ont commencé à prendre forme dans fin XIX- début XXe siècles. Par conséquent, l'art de cette période est un tournant, un art de crise, exprimant la plus haute tension du moment et acquérant un nouveau terrain pour son développement. Au tournant du siècle, avec l'avènement de l'impressionnisme en Occident et les activités de l'association "Monde de l'art" en Russie, la culture artistique acquiert une nouvelle affectation fonctionnelle.

Si l'art antérieur réalisme critique a vu sa tâche dans l'exposition de la réalité, s'efforçant de la redessiner, alors l'art non réaliste (et par essence, c'est presque tout l'art nouveau du XXe siècle) s'efforce de devenir un moyen de compréhension intuitive ou, au contraire, intellectuelle de la réalité. Ne pas essayer de rivaliser avec de nouvelles façons émergentes de capturer la réalité comme la photographie et le cinéma, et refuser de dupliquer monde extérieur phénomènes, les artistes tentent de créer une nouvelle réalité, nouveau monde, enfermé dans le cadre de l'espace bidimensionnel de la toile.

Pour l'art du XXe siècle. caractéristique dans une plus large mesure n'est pas une approximation de la réalité et de sa critique (comme c'était le cas du réalisme critique), mais un détachement des événements vie publique, pas de sociologisme, mais de philosophie en couleurs, où les artistes reflétaient les idées du cosmisme (œuvres d'A. Filonov) et montraient la destruction de la matière par leurs propres moyens expressivité artistique(Suprématisme de K. Malevitch).

D'où l'impassibilité parfois manifestée, la froideur, la rationalité de cet art, qui porte non seulement une charge artistique, mais aussi philosophique. Ce sont précisément ses qualités, à savoir l'apolitisme, l'asocialité et l'absence d'orientation clairement exprimée vers l'imitation de la nature, c'est-à-dire la non-objectivité, qui ont permis de le désigner comme un élitiste, bourgeois, créé pour une minorité choisie. par un artiste dans une "tour d'ivoire". Les principes du nouvel art permettent la possibilité de déformer la réalité, en séparant les volumes en fragments-plans séparés, ce qui distingue notamment les œuvres des cubistes. Parfois, des artistes (comme, par exemple, le primitiviste A. Rousseau) créent leur propre monde naïf, qui, pour ainsi dire, rappelle à une personne l'âge d'or.

Dans le contexte de cette propre réalité non objective, les émotions sont évoquées par certaines combinaisons de couleurs, ainsi que par des constructions géométriques. Il est caractéristique que de nombreux artistes aient commencé à travailler dans le cadre de la réalité objective, mais ont progressivement abandonné les principes du réalisme, les considérant comme non pertinents pour l'époque (K. Malevich et V. Kandinsky ont fait ce chemin dans leur travail).

Le principe de rejet de la réalité et des méthodes traditionnelles de son incarnation dans une œuvre d'art devient également le principal en architecture, où la modernité du tournant du siècle cède bientôt la place au constructivisme en s'appuyant sur les réalisations techniques modernes, à une style international qui unifie les différences culturelles dans l'architecture, puis à l'architecture organique, pour ainsi dire "inscrite" dans le contexte naturel, vers la fin du siècle - déconstructivisme et postmodernisme.

Une autre caractéristique de l'art du XXe siècle. c'est l'absence d'un style commun unifié, qui permettrait de placer dans une seule série d'évolution stylistique tous les mouvements artistiques qui le composent. Beaucoup d'entre eux dans l'histoire de l'art du XXe siècle. coexistent en parallèle sans affecter significativement l'esthétique de l'autre. Ainsi, le fauvisme, ou le cubisme, n'est pas une conséquence du développement du réalisme au tournant du siècle, de la même manière, le néoréalisme de la fin des années 40. ne relève pas de l'abstractionnisme. La vie artistique de chacune de ces tendances est également différente : certaines d'entre elles, surgies soudainement, sans conditions préalables visibles, s'épuisent rapidement, comme par exemple le cubisme, tandis que d'autres n'ont cessé d'exister tout au long du siècle, ne subissant que des modifications insignifiantes dans diverses conditions historiques et sociales, comme néoclassique.

10.4. Les grandes orientations de l'art occidental contemporain

Modernisme (fr. modernisme, de moderne - le dernier, moderne) - la direction principale de l'art occidental des XIX-XX siècles. Le premier signe du début de la crise de la culture artistique de l'Occident est la reproduction - à la fois académique et de salon - des styles anciens et, surtout, de l'héritage de la Renaissance. Cependant, cet appel aux modèles classiques n'a pas été déterminé par une nécessité historique, mais a plutôt témoigné, au contraire, d'une certaine confusion et de l'absence d'une finalité clairement identifiable de l'art. Dans une telle situation, le seul point de référence, renforcé par le prestige de la tradition, était bien sûr l'art classique. Mais ce chemin n'a pas été assez productif, et bientôt le virage vers les classiques est remplacé par son refus aigu. Cette situation ressemble de loin à celle qui a contribué à la formation du style romantisme, qui était l'antithèse du classicisme des Lumières. Au début du XXe siècle. le modernisme devient un tel contrepoint à la tradition.

L'ancienne croyance aux "vérités éternelles" est remplacée par le relativisme, selon lequel il y a autant de vérités qu'il y a d'opinions, d'"expériences", de "situations existentielles", et en monde historique chaque époque et culture a sa propre "âme", une "vision" particulière, un "rêve collectif", son propre style fermé, non relié par aucun point commun développement artistique avec d'autres styles tout aussi précieux et tout simplement égaux. Le modernisme s'est historiquement développé sous le signe d'une révolte contre la haute estime des époques classiques, contre la beauté des formes et la réalité de l'image dans l'art.

Dans la théorie du modernisme, le reflet de la réalité est considéré comme un principe obsolète, laissant place à sa négation. Dans la pratique, cela se traduit par la disparition des traits picturaux de l'art, remplacés par un système de signes, aussi libre que possible d'associations visuelles et déterminé par l'artiste lui-même. En poésie, le mot perd son sens, acquiert une nouvelle valeur en tant que facteur d'impact physique - acoustique -, en musique, la spécificité du son est détruite, et les consonances atonales et divers bruits quotidiens sont dotés d'une valeur esthétique, de tels concepts de base de la musique l'esthétique car la mélodie, l'harmonie, le timbre, le rythme sont transformés, etc.

Ainsi, le modernisme du XXe siècle. devient en quelque sorte une révolution de la culture artistique. Cependant, très vite, la pratique des artistes d'avant-garde a commencé à être fermement maîtrisée par la vie culturelle de la société capitaliste, et l'émergence de nouvelles tendances a commencé à être déterminée non par la logique interne du développement de l'art, mais par des intérêts commerciaux ou autres. , en aucun cas des buts artistiques. Si le "Carré noir" de K. Malevich, que l'artiste lui-même appelait "l'embryon de toutes les possibilités", a été créé en 1910 comme une déclaration d'une nouvelle direction - le suprématisme (du latin supremus - parfait), incarnant un degré extrême de départ de la réalité tant dans le domaine de la couleur que de la forme, et était une œuvre novatrice, alors la masse d'œuvres similaires des années 1930-1940 perd sa valeur pionnière et continue d'utiliser déjà testé méthodes artistiques. Cet "art" est soutenu par la publicité qui crée l'illusion d'un besoin et d'une demande artificielle d'artefacts artistiques (par exemple, posséder une tranchée dans le désert du Nevada creusée par un artiste). Naturellement, ces objets, qui parfois ne représentent pas de valeur artistique, ont une autre valeur équivalente sous forme de prestige, agissant comme symboles de puissance financière et preuve de la richesse du propriétaire. Et même des mouvements vraiment rebelles du modernisme comme le mouvement de la « nouvelle gauche » des années 1960 ont été intégrés par l'art bourgeois et, selon G. Marcuse, transformés en marchandise.

L'abstractionnisme est une tendance dans l'art du XXe siècle, refusant de représenter des objets et des phénomènes réels, qui se manifestent dans la peinture, la sculpture et le graphisme. Le terme même "d'abstractionnisme" témoigne de l'aliénation de cet art de la réalité. L'abstractionnisme a formulé ses positions dans les années 1910. comme un défi anarchiste aux goûts du public, à la fin des années 1940 et au début des années 1960. cette direction faisait partie des phénomènes les plus répandus Culture occidentale. Les abstractionnistes considèrent les impressionnistes comme leurs mentors spirituels. Cependant, les œuvres de ce dernier, malgré quelques écarts par rapport aux principes du réalisme, n'étaient pas vaines. Ainsi, Van Gogh a écrit : "Si j'essayais de m'éloigner de la réalité et que je commençais à créer en couleur comme la musique... mais je me soucie à la fois de la vérité et de la recherche de la vérité. Eh bien, je préfère toujours être un cordonnier que musicien, travaillant la peinture".

Il existe deux tendances principales dans l'abstractionnisme.

La première est psychologique. Son fondateur est V. Kandinsky, qui a réussi à transmettre le lyrisme et la musicalité de ses intuitions dans ses œuvres. Ici, les principaux moyens d'expression ne sont pas la forme de l'objet et les caractéristiques de l'espace, mais les caractéristiques coloristiques de ce dernier. V. Kandinsky s'est fixé comme tâche l'expression dans l'art du spirituel et la compréhension des sentiments intuitifs supérieurs :

"La naissance d'une véritable œuvre d'art est un mystère. Si l'âme de l'artiste est vivante, elle n'a pas besoin des béquilles du raisonnement cérébral et des théories. Elle trouvera elle-même quoi dire, alors que l'artiste lui-même peut à ce moment-là ne pas être conscient de quoi exactement. La voix intérieure de l'âme lui dira, de quelle forme il a besoin et où la puiser (qu'elle soit de la "nature" externe ou interne). Chaque artiste, guidé par le soi-disant sentiment, sait comment soudain et de manière inattendue pour lui-même, il peut être dégoûté par la forme qu'il a inventée et comment "par lui-même" le premier, rejeté Becklin dit qu'une véritable œuvre d'art est une grande improvisation, c'est-à-dire que le raisonnement, la construction, la composition préliminaire ne doivent être que préparatoires étapes menant au but. Et même ce but peut apparaître devant lui à l'improviste pour lui-même".

Dans les formes naturelles, Kandinsky voyait un obstacle à l'art et considérait l'art réaliste comme peu fiable, incapable d'exprimer la plénitude et la diversité des expériences d'une personnalité unique - un artiste. À la suite de Platon, Kandinsky a représenté l'ensemble de la société sous la forme d'une pyramide, dont la base est constituée de personnes matérielles, le sommet est spirituellement riche, et l'artiste la couronne, dirigeant son regard non pas sur le monde, mais sur lui-même.

La deuxième ligne de développement de l'abstractionnisme est géométrique (ou intellectuelle, logique). Son ancêtre est peintre néerlandais P. Mondrian, qui a représenté dans sa peinture le rapport des plans peints de diverses manières.

Certains courants de l'art abstrait, suivant la ligne de développement de cette direction (Suprématisme, Néoplasticisme), faisant écho aux recherches de l'architecture et de l'industrie de l'art, ont créé des structures ordonnées à partir de lignes, formes géométriques et volumes, d'autres (tachisme), dans la lignée du courant psychologique, ont cherché à exprimer la spontanéité, l'inconscience de la créativité dans la dynamique des taches ou des volumes. Des représentants talentueux de l'art abstrait (V. Kandinsky, K. Malevich, P. Mondrian, V. Tatlin) ont enrichi la dynamique rythmique de la peinture et de sa palette, mais la solution des problèmes globaux et problèmes existentiels, toujours face à une personne, dans le cadre de l'abstractionnisme avéré impossible.

Surréalisme. Au début des années 1920. le modernisme d'avant-guerre s'est épuisé activité créative. Contrairement au modernisme des années d'avant-guerre, souffrant de sa douleur interne, les nouveaux mouvements irrationnels - surréalisme, dadaïsme, expressionnisme - ont eux-mêmes cherché à blesser les gens, leur inculquant l'idée que le monde entier est fatalement malheureux, incohérent et dénué de sens. Les tendances irrationnelles de l'art se sont concentrées dans le surréalisme, qui a émergé en tant que mouvement artistique en Peinture européenne 1925-1926

Les toiles surréalistes les plus typiques ont été réalisées par le Belge R. Magritte et le Catalan S. Dali. Ces images sont des combinaisons irrationnelles de fragments de réalité purement objectifs, perçus dans leur forme naturelle ou paradoxalement déformés. L'image d'une figure humaine avec des classeurs dans le ventre (S. Dali, "Cabinet anthropomorphe"), des chaussures aux doigts humains ou un chasseur aspiré par un mur de briques (R. Magritte, "Modèle Rouge") contiennent la programmatique de l'artiste attitude envers le monde et envers votre créativité. Le sentiment de bizarrerie, l'inattendu des phénomènes de ce monde fait naître dans un tel art l'idée de son inconnaissabilité, de l'absurdité de l'être, qui apparaît à l'artiste sous une forme effroyablement cauchemardesque ou amusantement fantasmagorique. Justification théorique du nouveau mouvement en culture artistique appartient au poète et psychiatre français André Breton. Son "Premier Manifeste" (1924) décrit les caractéristiques et les objectifs du surréalisme : "Le surréalisme est un pur automatisme psychologique, au moyen duquel - en mots, en dessin ou de toute autre manière - une tentative est faite pour exprimer le mouvement réel de la pensée. C'est un enregistrement de la pensée qui s'effectue en dehors de tout contrôle de l'esprit et au-delà de toute considération esthétique ou morale. -jeu délibéré de la pensée. Son but est la destruction finale de tous les autres mécanismes psychologiques afin de mettre à leur place la solution aux problèmes les plus importants de la vie.

Le développement du surréalisme a été grandement influencé par les travaux de Z. Freud et son concept de psychanalyse, où la psyché est interprétée comme subordonnée aux forces inconnaissables, irrationnelles et éternelles qui sont au-delà de la conscience. Le fondement profond de la psyché, influençant la vie réelle et consciente d'une personne, selon Z. Freud, devient l'inconscient. Et à son avis, l'inconscient apparaît avec la plus grande immédiateté dans les rêves et l'art, et c'est en eux que s'ouvre le véritable chemin de la connaissance de «l'essence naturelle» de l'homme.

Le développement du surréalisme se poursuit rapidement : au tournant des années 1920-1930. il pénètre la peinture des autres pays européens - Angleterre, Suède, Tchécoslovaquie. Dans les années 1930 atteint l'Amérique latine, l'Australie, le Japon, et se manifeste non seulement dans la peinture, mais aussi dans la sculpture.

Art pop-art. Le nom pop art (de l'art populaire anglais - art public) a été introduit par L. Eloway en 1965. La tendance elle-même est née dans les années 50. 20ième siècle aux USA et en Angleterre. Initialement, le rôle du pop art se limitait à remplacer l'abstractionnisme, qui n'a jamais été accepté par le grand public, par quelque chose de compréhensible par le grand public. les masses art. Le pop art s'est proclamé un nouveau réalisme, car il a largement utilisé de vrais objets ménagers et leurs copies, photographies, mannequins. Le pop art idéalise le monde des choses matérielles qui, par l'organisation d'un certain contexte de perception, est doté d'un statut artistique et esthétique. Mais une telle maîtrise du sujet n'a pas acquis la signification d'une découverte artistique. Passons aux comparaisons historiques du développement artistique du monde des choses.

Ce monde, représenté, par exemple, par la nature morte flamande, non seulement glorifie la générosité et la richesse de la nature, mais se combine également avec le langage des allégories traditionnelles des quatre éléments, des saisons et des cinq sens. Nature morte hollandaise, reflétant les propriétés uniques et l'individualité des choses liées les unes aux autres sens caché, proclame la fragilité de l'existence terrestre et l'immortalité de l'art. Le siècle des Lumières dans ses œuvres, en particulier dans le genre considéré, glorifie une personne et des objets actifs et actifs - en tant que produits de son travail créatif.

Dans le pop art, la chose est esthétisée comme un objet de consommation de masse, et l'œuvre devient le rêve matérialisé du consommateur. Et il semble que le désir de trouver l'épopée dans les objets et les vues du quotidien (comme l'artiste pop R. Hamilton a exprimé le but de son travail) devient en réalité la déclaration d'une personne-acquéreur, pour qui la beauté d'une chose est remplacée par son utilité utilitaire, son potentiel créatif - par des opportunités financières, et ses aspirations spirituelles - une soif de consommation matérielle.

Parmi les variétés de pop art, on distingue l'op art, caractérisé par l'utilisation généralisée d'effets optiques, de taches de couleur, d'e-art avec des structures en mouvement et d'ocr-art avec des objets entourant le spectateur. Cependant, les variétés de pop art ne diffèrent pas les unes des autres par leur sens. Ce style ressemble à style de conception marchandises exposées ou publicitaires. L'esthétique publicitaire du pop art est la fétichisation directe d'une chose ou la démonstration d'une chose ancienne, qui devrait être remplacée par une nouvelle. Le pop art est parfait pour le "crowd man", orienté consommateur, élevé à la publicité et aux médias communication de masse.

Questions de révision

1. Comment évalue-t-on la crise de la culture occidentale du XXe siècle ? dans les œuvres des penseurs occidentaux et russes ?
2. Quels sont les principes du scientisme et de l'anti-scientisme ?
3. Quels sont les principes de l'eurocentrisme et qu'est-ce qui explique la crise de l'eurocentrisme au XXe siècle ?
4. Comme l'ont évalué les philosophes des XIXe et XXe siècles. phénomène de masse ?
5. Quels sont les principes de base du cosmisme russe ?
6. Quel est le principe de la déshumanisation de l'art selon J. Ortega y Gasset ?
7. Quels sont les problèmes mondiaux de notre époque, quels sont les moyens de les surmonter ?
8. Décrivez les grandes tendances du modernisme : art abstrait, cubisme, surréalisme, expressionnisme, pop art, etc.