L'histoire de l'origine de la danse pour les enfants. L'origine de la danse

L'histoire de l'origine de la danse a commencé dans l'Antiquité. En confirmation de cela, on peut mentionner que les premières images de cette action sont contenues dans des peintures rupestres datées du 6-8ème siècle avant JC.

Danser dans l'art rupestre

Il convient de noter qu'au départ, la danse était loin d'être de nature divertissante et culturelle. C'était un moyen de communication, d'expression de soi, d'illumination et même un moyen de suggestion de masse. Dans les temps anciens, les gens exprimaient tous les événements les plus importants (amour, guerre, chasse, etc.) dans des danses rituelles, qui imitaient souvent les habitudes de divers animaux. Les intrigues de ces compositions chorégraphiques étaient principalement de nature domestique - avec leur aide, les gens se tournaient vers les dieux, exprimaient leurs sentiments et remontaient le moral avant toute bataille ou chasse. De telles danses rituelles contribuaient à l'organisation générale et à une cohésion maximale, ce qui était très important à l'époque.

Très souvent, les danses étaient utilisées comme un outil assez puissant pour la suggestion de masse et la forte manipulation des personnes. Parmi les exemples les plus frappants de ces danses figurent les pas rituels des chamans et les danses africaines. La combinaison du rythme des instruments de musique (principalement des percussions) et du tempo des mouvements de danse, qui se complexifiait et s'accélérait progressivement, avait un effet très fort sur les participants à ce rituel. Des compositions chorégraphiques similaires ont été utilisées pour mettre les gens dans des états de transe afin d'atteindre l'illumination et la relaxation de masse.

Danses africaines

Avec le développement de l'humanité, la danse s'est également développée, car elle faisait partie intégrante de la vie. Avec la maturation des concepts de société et de culture, l'ensemble des mouvements a pris une « forme », un concept, chargé de sens et d'harmonie.

Développement de la danse dans différentes cultures

Chaque culture avait sa propre conception de la danse, son but et son contenu. Par exemple, les compositions chorégraphiques des peuples japonais et chinois se distinguaient par une grâce et un rythme particulier. Chaque mouvement avait sa propre signification sémantique, et la danse en général peut être comparée à l'art d'écrire des hiéroglyphes. En Europe, les danses avaient un caractère compositionnel et incarnaient une combinaison holistique harmonieuse des mouvements du soliste et de l'ensemble. Contrairement à la chorégraphie indonésienne, qui est basée sur des étapes strictes fixes, l'art de la danse indienne est plein de mouvements fluides qui expriment l'humeur et divers sentiments. Il est à noter que les danses indiennes sont considérées comme les plus anciennes. Selon la légende de la croyance hindoue, la divinité Shiva, exécutant une belle danse, a transformé le chaos général en Univers.

Danse orientale

Des mouvements primitifs à la chorégraphie moderne

L'histoire de la danse moderne commence avec l'avènement du rock and roll dans les années 50. Ce type de danse a créé une véritable révolution dans la société. Avec son apparence, le style vestimentaire, le comportement et même les principes moraux de la jeunesse ont changé. Le rock and roll est une combinaison de musique, dans laquelle des motifs européens et africains sont entrelacés, et de mouvements de danse, où une sorte d'agressivité, un soutien complexe et une attitude négligente envers un partenaire peuvent être tracés.

Rock and roll moderne

Beaucoup de gens considéraient ce type de chorégraphie comme vicieux et inacceptable pour les honnêtes gens. Mais malgré cela, le rock and roll a donné une bonne impulsion à l'émergence et au développement d'un grand nombre de nouveaux types de danses, qui sont toujours très populaires.

L'histoire de la danse moderne plonge ses racines dans un passé lointain. Les premiers mouvements de danse étaient le reflet des impressions sensuelles des personnes reçues du monde extérieur.

L'art de la danse est la plus ancienne manifestation de la créativité originale des différents peuples du monde. La danse est née simultanément avec l'apparition de l'homme, car il s'agissait d'un besoin physiologique naturel de mouvements rythmiques.

Dans les temps anciens, la danse faisait partie intégrante de divers jours fériés et événements religieux. Par conséquent, le terme danse couvre une grande variété de mouvements qui diffèrent par leur style et leur mode d'exécution.

A reçu un développement actif au début du siècle dernier. Alors que célèbre ballerine Isadora Duncan et quelques-unes de ses personnes partageant les mêmes idées ont décidé de défier la chorégraphie traditionnelle. Ils ont ouvert leurs propres écoles, où ils ont enseigné les bases du ballet moderne. L'idée principale de cette direction de danse était une chorégraphie libre basée sur l'improvisation et l'expression de ses propres émotions.

La plupart des danses modernes n'ont pas de standards et de normes clairs. Tous sont fondés sur la démocratie et la liberté d'exécution. Presque chaque danseur apporte sa propre personnalité à la danse, en particulier ce fait se manifeste dans les soi-disant danses de rue.

Certains types de chorégraphies modernes ont déjà connu l'apogée de leur popularité, mais ils sont toujours appréciés des interprètes et recherchés par le public. Et des danses comme le breakdance, le hip-hop, le rhythm and blues ou la tectonique, au contraire, connaissent leur essor.

Hustle est l'une des danses les plus populaires chez les jeunes. C'est vrai orientation universelle apparu à la fin du siècle dernier. Ils le dansent presque partout : en soirée, en discothèque, au tanpolle ou dans la rue. De plus, cette danse peut être exécutée absolument sur n'importe quelle musique et avec n'importe quel partenaire.

Il y a un peu plus de deux décennies, une danse telle que le krump est apparue. Le sien trait distinctif est la puissance et la force de l'interprète, visant à libérer le danseur de l'énergie négative, en éclaboussant ses émotions de la scène.

Le XXe siècle a apporté avec lui une telle façon de démontrer les compétences chorégraphiques sous forme de batailles. Ces compétitions impromptues de danseurs à ce jour ne cessent de changer et d'intégrer les nouvelles tendances de la mode.

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Établissement d'enseignement supérieur budgétaire de l'État fédéral

UNIVERSITÉ D'ÉTAT DE LA CULTURE ET DES ARTS DE MOSCOU

Faculté des activités sociales et culturelles

Direction des Activités Culturelles et de Loisirs

COURS DE TRAVAIL

sur le thème : l'histoire de la danse

dans la discipline académique : « Histoire et théorie des activités socioculturelles »

Moscou 2013

Introduction

Section 1 L'origine de la danse : de l'Antiquité à la naissance du ballet

1.1 Raisons de l'apparition de la danse et de son origine

1.2 Égypte ancienne, Chine, Inde, Grèce, Rome

1.3 Danses folkloriques en Europe du Moyen Âge à la Renaissance

Section 2 L'ère du ballet à l'étranger et en Russie

2.1 Ballet en Occident

2.2 Ballet russe

Section 3 Directions de la danse moderne

3.1 Danse jazz

3.2 Danse moderne et jazz moderne

3.3 Classiques contemporains à l'étranger

3.4 Danse de salon

Conclusion

Sources et littérature

Introduction

Parlons de la danse. A notre époque, le temps de l'électronique, du rythme rapide, la majorité appellera danse ce qui se passe dans les boîtes de nuit, quand le mouvement est abaissé au primitif. Cependant, la danse ne consiste pas seulement en "deux pas, trois pas". Il a sa propre histoire, c'est une des formes d'art les plus anciennes avec la musique, peut-être même plus ancienne, la question est discutable. La danse a traversé un long chemin de changement, se divisant en plusieurs fourches de style. Dès lors, la question posée au tout début de notre parcours est d'autant plus pertinente : qu'est-ce que la danse ?

Danse- des mouvements corporels rythmiques et expressifs, généralement intégrés dans une composition spécifique et exécutés avec un accompagnement musical. La danse, comme mentionné ci-dessus, est peut-être le plus ancien des arts : elle reflète le besoin d'une personne remontant aux temps les plus reculés de transmettre aux autres sa joie ou sa peine à travers son corps. De plus, la danse est démocratique. Il invite le corps à parler, lui donne la possibilité de parler. La danse aide à développer le potentiel créatif et personnel, à se débarrasser de divers complexes, à faire disparaître la peur de parler en public, à se détendre.

La danse est née d'une variété de mouvements et de gestes associés aux processus de travail et aux impressions émotionnelles d'une personne du monde qui l'entoure. Les mouvements ont été progressivement soumis à une généralisation artistique, à la suite de laquelle la danse s'est formée, l'une des plus anciennes manifestations de l'art populaire. D'abord associée à la parole et au chant, la danse acquiert peu à peu un sens indépendant. Presque tous les événements importants de la vie d'un homme primitif étaient célébrés par des danses : naissance, mort, guerre, élection d'un nouveau chef, guérison d'un malade. La danse exprimait des prières pour la pluie, la lumière du soleil, la fertilité, la protection et le pardon, elle faisait partie intégrante de divers sacrements, mystères, des sociétés primitives à l'Egypte, la Chine, la Grèce. Quel a été le résultat de la danse ? Comment a-t-il été systématisé ? Formé "pa".

Les pas de danse (fr. Pas - "step") proviennent des formes de base du mouvement humain - marcher, courir, sauter, sauter, sauter, glisser, tourner et se balancer. Des combinaisons de tels mouvements se sont progressivement transformées en pas de danses traditionnelles.

Les principales caractéristiques de la danse sont :

Rythme - répétition et variation relativement rapides ou relativement lentes des mouvements de base;

Dessin - une combinaison de mouvements dans la composition; dynamique - varier la portée et l'intensité des mouvements;

La technique est le degré de maîtrise du corps et de maîtrise dans l'exécution des pas et des positions de base. Dans de nombreuses danses, les gestes sont également d'une grande importance, en particulier les mouvements des mains.

Actuellement, l'art chorégraphique couvre à la fois l'art folklorique traditionnel et l'art scénique professionnel. L'art de la danse est présent à divers degrés, formes dans la culture de chaque ethnie, ethnie. Et ce phénomène ne peut être un accident, il est de nature objective, car la chorégraphie folklorique traditionnelle occupe une place primordiale dans la vie sociale de la société comme étapes préliminaires développement de l'humanité, et maintenant, lorsqu'elle remplit l'une des fonctions de la culture, elle est l'une des institutions particulières de la socialisation des personnes et, en premier lieu, des enfants, des adolescents et des jeunes, et remplit également un certain nombre d'autres fonctions inhérentes dans la culture dans son ensemble.

histoire de la danse ballet folklorique

1. L'origine de la danse : de l'Antiquité à la naissance du ballet

1.1 Raisons de l'émergence de la danse et de son origine

Alors d'où vient la danse, comment une personne a-t-elle développé une envie de mouvement à un certain rythme ? Très article intéressant Chernikov Konstantin Petrovich à propos de ce qu'il y a une danse et, en fait, de son apparition, en parlera parfaitement.

En fait, la danse, en tant que phénomène social purement public, est une couche entière qui reflète, à travers ses méthodes et ses techniques, l'évolution historique, sociale et culturelle de la société humaine. Cette couche est très intéressante et pas assez profonde, à mon avis, "labourée" par la science moderne. Les historiens se sont davantage intéressés aux aspects de l'évolution économique et sociopolitique de la société, les critiques d'art accordent beaucoup plus d'attention à l'architecture ou à la peinture, et sur les scènes théâtrales modernes et surtout pop, la danse joue un rôle loin d'être le premier par rapport au chant ou à la musique. le même genre conversationnel. Pourquoi une telle disgrâce ? Après tout, l'art chorégraphique est peut-être le plus ancien du monde, il a survécu à des millénaires, prenant naissance dans l'environnement humain à une époque où il n'y avait pratiquement pas de société civilisée avec son économie et sa politique. Pourquoi la danse, qui à l'aube de l'histoire humaine, avec le culte et la magie, était le plus important de tous les types d'activités mentales et socioculturelles des gens, est-elle maintenant passée au second plan ? Quand et pourquoi est-ce arrivé ? Dans toute cette variété de questions, nous allons essayer de le comprendre.

Il est clair que la danse n'est pas quelque chose sans laquelle une personne ne peut pas vivre, comme sans eau ou sans nourriture. L'homme, en tant qu'espèce, a traversé un chemin d'évolution long et très difficile, sur lequel sa tâche principale était la survie.

Cela signifie que si un homme ancien passait une partie de son temps précieux non pas à se procurer de la nourriture ou à organiser sa vie, mais à pratiquer ces mouvements corporels très rythmés, alors c'était vraiment très important pour lui. Qu'est-ce qui aurait pu être si important pour nos lointains ancêtres ? Beaucoup ont tendance à croire qu'il s'agit de rites rituels. Oui, c'est logique. Les dieux et les démons ne doivent pas être pris à la légère. Ils doivent être constamment vénérés, apaisés, sacrifiés, mais, voyez-vous, pour honorer et sacrifier, il n'est pas du tout nécessaire de sauter, sauter, tourner et se tortiller à un certain rythme. Vous pouvez tout faire de manière beaucoup plus rationnelle et avec moins d'effort, ce qui sera toujours nécessaire lors d'une chasse ou d'une guerre avec des voisins. Très probablement, la cause de la danse est un peu plus profonde qu'on ne le croit généralement.

Si l'on en croit les dictionnaires explicatifs et les encyclopédies qui sont nombreux aujourd'hui, alors on peut généralement définir la danse comme une forme d'art qui affiche les manifestations extérieures de la vie sous une forme figurative et artistique, à travers les mouvements du corps humain, les expressions faciales et la pantomime. Danse. N'est-il pas ce que nous voyons ? Oui, c'est vrai, mais pas vraiment. Tout ne peut s'expliquer que par une simple réaction d'une personne au monde qui l'entoure. Qu'est-ce que l'apparence extérieure de la nature vivante, sinon une manifestation toujours changeante de l'intérieur ? La danse est basée sur l'action. Mais il ne peut y avoir d'action extérieure sans action intérieure. Toutes les actions extérieures, exprimées en mouvements, gestes, postures, pas de danse, naissent et se forment à l'intérieur - en pensées, sensations, sentiments, expériences. Nous voilà arrivés, me semble-t-il, à la source. La cause profonde de l'origine de la danse, ainsi que culte religieux est devenu la psyché, le monde intérieur et spirituel de l'homme.

Le psychisme est devenu l'initiateur de l'émergence de la danse, comme phénomène social. Bien sûr, au début, il était étroitement lié au culte et à la magie, il était impossible de les séparer les uns des autres. La séparation et la spécialisation plus étroite de ces phénomènes se sont produites beaucoup plus tard. Et le culte a peu à peu pris le dessus.

La suprématie du culte s'explique par le fait que les magiciens et les prêtres étaient des gens intelligents et créatifs à leur manière, il n'était donc pas difficile pour eux de comprendre comment «escroquer» et faire pression sur leurs proches, et le principal facteur de motivation dans cette affaire est la peur d'une force inconnue.

Dans ces conditions, la danse s'est estompée et a commencé à ne «servir» que les rituels, à les décorer et à renforcer le facteur d'impact psychologique et énergétique-émotionnel sur les participants aux rites et cérémonies religieux. Nous parlerons de l'impact de la danse sur le corps humain, mais revenons maintenant à la question des raisons de son origine.

Quand la danse a-t-elle commencé ? Selon la logique des choses, le plus probable, dans un sens chronologique, le moment de l'émergence des traditions de danse est la période de la Madeleine (il y a 15 - 10 mille ans).

C'est à cette époque que l'art primitif et surtout la peinture rupestre atteignent leur plus haut niveau de développement. Il est logique de supposer que c'est au cours de cette période, lorsque la psyché et la communication humaines de plus en plus complexes ont initié l'émergence d'un besoin pour les beaux-arts, qu'un besoin pour d'autres formes d'art pourrait également survenir - y compris la danse, les peintures rupestres dans les grottes de France et d'Espagne en sont la confirmation, où sur 1794 dessins - 512 représentent des personnes dans différentes poses et moments de mouvement, qui se répètent périodiquement, en outre, environ 100 dessins sont dédiés à une sorte de créatures ressemblant à des humains. Considérant que la peinture rupestre est très réaliste, voire photographique, l'artiste ne pouvait pas encore penser de manière abstraite, il n'a rien inventé et a peint ce qu'il a vu de ses propres yeux, alors vous pouvez demander - qu'a-t-il vu ? Si nous écartons la version des extraterrestres ou des mutants, il s'agit très probablement de personnes déguisées en animaux ou d'une sorte d'esprit qu'ils imitent.

L'homme antique a peint l'imitation des animaux et de l'esprit. Mais si les gens l'ont fait alors, qu'est-ce que c'est sinon une danse ? Dans le même temps, la naissance de la musique et des instruments de musique a lieu. Tous les types d'art étaient très étroitement liés, par conséquent, la musique était également liée à la danse. La réponse à la première question a été donnée. La danse ne laisse pas un « monument » aussi exact que la peinture ou l'architecture, mais la naissance de la danse n'aurait guère pu avoir lieu avant. La société n'était pas prête. Question suivante: comment est née la culture de la danse ?

Nous avons déjà dit que l'art de la danse est né dans les profondeurs de la psyché humaine de plus en plus complexe et est devenu une manifestation externe du besoin d'une personne pour un certain type de mouvements corporels. Avec de tels besoins, nous vous rencontrons tout le temps. En plus de l'instinct et des réflexes naturels, une personne a une mémoire biomécanique. L'homme ne peut pas vivre sans mouvement musculaire ! Si un organe, pour une raison ou une autre, est inactif pendant un certain temps, il s'atrophiera inévitablement. Nous avons besoin de mouvement pour vivre ! Tout dans ce monde est en mouvement constant, tout vibre et change. L'homme est un enfant de ce monde et ne peut exister en dehors de ses lois objectives. "Rien ne dure éternellement", "Tout coule, tout change" - dit la sagesse populaire. Par conséquent, une personne a été obligée, en plus des mouvements de production nécessaires, en écoutant la voix de la nature, de faire des mouvements supplémentaires pour maintenir sa vitalité. Il semblerait, pourquoi devrait-il faire cela, parce que la vie primitive était physiquement difficile et pleine de dangers, une personne recevait déjà beaucoup d'activité physique et ne souffrait évidemment pas d'hypodynamie. Mais non!

Nous sommes des êtres avec une psyché complexe et hautement organisée, nos sentiments et nos pensées affectent nos champs énergétiques et donc la charge mentale, spirituelle est encore plus importante pour nous que la charge physique, puisque c'est notre psyché qui contrôle tous les processus physiques de notre corps par des impulsions bioélectriques. Je suis convaincu que c'est ce besoin de recharge mentale périodique qui a initié le premier besoin humain de mouvements corporels rythmiques. Faites attention - pas dans des mouvements corporels simples, mais rythmés. Pourquoi donc? Oui, car tous nos organes internes, tout le corps et le système nerveux sont en constante vibration et pulsation, qui ont leur propre rythme : le cœur bat à un certain rythme, le cycle respiratoire s'effectue aussi strictement rythmiquement, etc. Par conséquent, la charge psycho-énergétique doit également être effectuée de manière rythmique, afin de ne pas tomber en dissonance avec les rythmes biologiques naturels du corps. À ce cas nous ne parlons pas de danses qui nous sont familières, mais de la culture des premières formes de mouvements corporels rythmiques accompagnés d'un accompagnement primitif, très probablement vocal et sonore, qui peut être classé comme le tout début de la culture de la danse.

Entre autres choses, écouter de la musique agréable et bouger pour le plaisir produit l'hormone du bonheur, qui est l'une des causes indirectes de la danse.

La psyché même de l'homme antique est devenue l'initiatrice de l'art de la danse. Le besoin de connaissance de soi, du monde, de l'expression de soi et du plaisir. Et les représentants du culte n'ont pas manqué l'occasion, utilisant la danse dans les rituels. Très probablement, ils étaient massifs, ce qui a renforcé l'effet grâce à «l'effet de troupeau». Dans la société primitive, il était presque impossible de ne pas obéir à cet effet, alors les prêtres et les dirigeants dictaient les règles.

Les premières danses de l'antiquité étaient loin de ce qu'on appelle ce mot aujourd'hui. Ils avaient une signification complètement différente. Avec divers mouvements et gestes, une personne transmettait ses impressions sur le monde qui l'entourait, y mettant son humeur, son état d'esprit. Les cris, le chant, le jeu de pantomime étaient interconnectés avec la danse. La danse elle-même a toujours, à tout moment, été étroitement liée à la vie et au mode de vie des gens. Ainsi, chaque danse correspond au caractère, à l'esprit du peuple dont elle est issue. Avec le changement de système social, les conditions de vie, la nature et les thèmes de l'art ont changé, et la danse a également changé. Ses racines sont profondément enracinées dans l'art populaire.

Les danses étaient très courantes chez les peuples du monde antique. Les danseurs se sont efforcés de faire en sorte que chaque mouvement, geste, expression faciale exprime une pensée, une action, un acte. Les danses expressives étaient d'une grande importance tant dans la vie quotidienne que dans la vie publique.

Pour un homme d'une société primitive, la danse est une façon de penser et de vivre. Dans les danses représentant des animaux, des techniques de chasse sont pratiquées; la danse exprime des prières pour la fertilité, la pluie et d'autres besoins urgents de la tribu. L'amour, le travail et le rituel s'incarnent dans des mouvements de danse. La danse dans ce cas est tellement liée à la vie que dans la langue des Indiens mexicains Tarahumara, les concepts de «travail» et de «danse» sont exprimés par le même mot. Percevant profondément les rythmes de la nature, les gens de la société primitive ne pouvaient que les imiter dans leurs danses.

Les danses primitives sont généralement exécutées en groupe. Les danses rondes ont un sens précis, des objectifs précis : expulser les mauvais esprits, guérir les malades, chasser le malheur de la tribu. Le mouvement le plus courant ici est le piétinement, peut-être parce qu'il fait trembler la terre et la soumettre à l'homme. Dans les sociétés primitives, les danses accroupies sont courantes ; les danseurs adorent tourner, se contracter et sauter. Les sauts et les tourbillons amènent les danseurs dans un état extatique, se terminant parfois par une perte de conscience. Les danseurs ne portent généralement pas de vêtements, mais portent des masques, des coiffes élaborées et peignent souvent leur corps. En accompagnement, on utilise des piétinements, des applaudissements, ainsi que toutes sortes de tambours et de tuyaux en matériaux naturels.

Les tribus primitives n'ont pas de technique de danse réglementée, mais une excellente préparation physique permet aux danseurs de s'abandonner complètement à la danse et de danser avec un dévouement absolu, jusqu'à la frénésie. Des danses de ce genre sont encore visibles dans les îles du Pacifique Sud, en Afrique et en Amérique centrale et du Sud.

1.2 Égypte ancienne, Chine, Inde, Grèce, Rome

Alors la danse a commencé à se développer. Dans différents pays, cultures, mais partout il avait sa place, de plus, il jouait un rôle important.

Culture l'Egypte ancienne, dans laquelle le niveau de la société était assez élevé, était saturé de musique et de danse. Les Égyptiens aimaient beaucoup s'amuser et pas une seule fête et pas un seul événement ne se passa sans danser sur un accompagnement musical. Dans l'Égypte ancienne, l'art de la danse était très apprécié. Et, partant du fait que cet État a longtemps été isolé en raison d'une certaine situation géographique, la culture de leur danse s'est développée de manière indépendante et sans l'intervention d'autres peuples et cultures. Par conséquent, les danses de l'Égypte ancienne étaient spéciales et ne ressemblaient à rien d'autre. Par de longues années Au cours du développement de la culture à l'époque des pharaons, un grand nombre de types de chorégraphies sont apparus: danses de divertissement, harem, danses rituelles, religieuses et même militaires.

Des informations visuelles importantes sur le développement de la danse dans l'Égypte ancienne peuvent être glanées à partir de documents hiéroglyphiques, de reliefs en bois, d'images sculptées dans la pierre, de sculptures et de divers objets provenant de tombes anciennes. À Abydos - l'endroit où, selon les croyances des Égyptiens, le dieu des morts Osiris était enterré - pendant le solstice d'été, des rituels avaient lieu avec des danses et de la musique. Des groupes de chanteurs et de danseurs vivaient dans les temples et participaient au culte des dieux. L'une des principales fêtes était le rite dédié au taureau Apis, avec des danses secrètes exécutées par les "serviteurs" du taureau.

Le sens de la théâtralité était très fort chez le peuple de l'Égypte ancienne. Même leurs danseurs de temple exécutaient des tours acrobatiques, et dans les reliefs on peut voir une femme faisant le grand écart, ou une femme lancée en l'air puis ramassée par deux partenaires, et un homme debout sur une jambe et sur le point de pirouetter.

Les danses funéraires et cérémonielles se distinguaient par leur rigueur et leur simplicité, mais au fil du temps, d'autres types de danse plus décoratifs ont commencé à apparaître. Les esclaves et les femmes esclaves ont appris à danser pour le divertissement domestique. Des danseurs d'autres pays ont été amenés en Égypte. Il y avait des troupes itinérantes d'acteurs professionnels qui jouaient des pantomimes, exécutaient des numéros acrobatiques accompagnés de tambourins et de castagnettes. Pendant un certain temps, les danses des pygmées noirs étaient populaires.

Dans les œuvres d'anciens poètes, écrivains, artistes, les noms des danses et de leurs participants sont trouvés, les règles d'exécution sont décrites.

Lorsqu'on parle de danses folkloriques dans la culture chinoise, la plupart des gens imaginent immédiatement les numéros de danse colorés des représentants de divers groupes ethniques différent des Han. Pendant ce temps, depuis les temps les plus anciens, ces tribus qui ont ensuite commencé à être unies par un nom commun - la nationalité Han, avaient diverses formes de danses rituelles. Les premières danses folkloriques en Chine, ainsi que d'autres formes d'art primitif, étaient principalement une forme rituelle de diverses superstitions et croyances. Ces danses étaient exécutées afin de demander aux dieux une bonne récolte ou une bonne chasse.

Bien plus tard, sous la dynastie Han (206 avant JC - 220), les danses folkloriques de la plupart des groupes ethniques habitant la Chine se sont développées. Les danses folkloriques apparues à cette époque reflétaient également les superstitions et les croyances du peuple. Ils croyaient qu'en faisant des offrandes rituelles aux dieux, ils pourraient les convaincre de leur fournir des avantages encore plus importants à l'avenir.

Les principales danses folkloriques chinoises sont les images et la danse du lion. Ils faisaient à l'origine partie héritage culturel seuls les Chinois Han, mais au fil du temps, des représentants d'autres groupes ethniques vivant en Chine ont commencé à exécuter ces danses. De plus, l'une des formes les plus subtiles du chinois danse folklorique est la danse de la cour, parfois aussi appelée la danse du palais. Initialement, il trouve son origine à la cour des empereurs Han sous le règne de la dynastie Qin (221 avant JC - 206 avant JC). D'autres empereurs chinois, y compris ceux d'origine mongole et mandchoue, ont continué à développer ce type d'art de la danse. La danse du dragon et la danse du lion sont généralement exécutées lors des célébrations du Nouvel An lunaire.

Basé sur les interprétations de la mythologie hindoue, l'origine de la danse a eu lieu précisément en Inde, et le créateur était le dieu Shiva, qui, en dansant, a transformé le chaos général en Univers. On croyait que seuls les célestes avaient le droit de danser, et en aucun cas les simples mortels. Lors des festivités dans le palais céleste, de belles danseuses semi-divines se sont tordues dans la danse, ravissant et ravissant tout le monde autour. Le dieu Shiva lui-même était considéré comme le plus excellent danseur, toutes les autres divinités avaient l'honneur de lui composer un accompagnement. La danse n'est devenue accessible aux gens terrestres ordinaires qu'après que le grand sage Bharata, qui a obtenu le droit de visiter le palais divin et de profiter du spectacle de la danse par ses bonnes actions, s'est tourné vers les dieux Brahma et Shiva avec une demande d'enseigner cet art aux gens ordinaires. .

Dans l'Inde ancienne, la danse est considérée comme une expression de l'âme, son état intérieur dans sa forme la plus élevée. En raison de l'attitude particulière de l'hindouisme envers tout art en tant qu'incarnation de la beauté intérieure divine chez l'homme, l'art était également assimilé à la religion. Il n'est donc pas surprenant que les habitants de l'ancien Hindoustan, bien avant d'apprendre à écrire, à lire et à créer des sculptures en pierre, aient exprimé leur foi dans les dieux et leur obéissance à l'aide de mouvements corporels. La danse pour les hindous dans le monde antique faisait partie intégrante des rites et rituels religieux. Au départ, ces compositions chorégraphiques étaient assez primitives, mais elles ont rapidement atteint la perfection. En général, on pense que la danse indienne classique est une sorte de forme de yoga, qui combine harmonieusement énergie spirituelle et endurance physique. Le fait que la danse dans l'Inde ancienne faisait partie intégrante de la vie et de la vie du peuple est confirmé par de nombreux écrits, des histoires de sages et diverses figurines représentant des danseurs figés dans des poses complexes.

Il convient de noter que les danses indiennes ne sont pas seulement un bel ensemble de mouvements différents, mais une histoire à part entière d'une histoire particulière. Cette caractéristique a été conservée à ce jour. Les danseurs modernes utilisent des pas, des balançoires, des mouvements de mains, des mains et même un regard strictement définis qui reflètent certains sentiments, des actions ou même des événements entiers. Même dans l'Inde ancienne, de jeunes et belles filles spécialement sélectionnées qui n'avaient pas encore atteint la puberté devenaient les épouses des dieux auxquels le temple était dédié. Ils exécutaient des danses nus, ce qui était une démonstration de leurs sentiments pour la divinité.

Une autre caractéristique frappante de la culture de la danse des anciens Hindous est l'interprétation de textes en accompagnement de pas chorégraphiques. Chaque danseur a interprété des histoires et dansé en raison de son talent et de sa vision particulière. Cette action était complètement saturée avec l'un ou l'autre charge sémantique et l'éducation de ceux qui l'entourent.

Après un certain temps, les danses en Inde ont commencé à perdre leur essence religieuse, et déjà au Moyen Âge, les danses étaient principalement exécutées comme divertissement de cour et action colorée. Les participants aux danses ne chantaient pas les dieux, mais leurs patrons. La danse hindoue moderne a une élégance, une grâce et une richesse de sentiments incroyables. La chorégraphie indienne est spéciale et sans précédent dans le monde entier.

Selon la légende, les danses sacrées ont été transférées d'Egypte en Grèce par Orphée. Il les a vus pendant les fêtes du temple des Égyptiens. Mais il a subordonné les mouvements, les gestes à son propre rythme, et ils ont commencé à correspondre davantage au caractère et à l'esprit des Grecs. Ces danses étaient exécutées au son de la lyre et se distinguaient par leur stricte beauté. Les fêtes, et donc les danses, étaient souvent dédiées à différents dieux : Dionysos, la déesse Aphrodite, Athéna. Ils reflétaient certains jours de l'année civile de travail.

Les danses militaires de la Grèce antique ont joué un grand rôle en inculquant le courage, le patriotisme et le sens du devoir aux jeunes. Généralement militaires, les danses à la Pyrrhus étaient exécutées à deux. Il y avait de telles pyrrhias de masse dans lesquelles seuls les jeunes hommes dansaient, et parfois des filles dansaient avec les jeunes hommes. Les danses militaires reproduisaient la bataille, diverses formations de combat, c'étaient des compositions chorégraphiques complexes. Dans les mains des danseurs se trouvaient des arcs, des flèches, des boucliers, des torches allumées, des épées, des lances, des fléchettes. Dans les intrigues de danses héroïques, en règle générale, les mythes et légendes sur les héros se reflétaient.

Les danses en l'honneur du dieu grec de la fertilité et de la vinification, Dionysos, se distinguaient par un amusement incontrôlable et violent. Denys était fêté au printemps, lorsque les vignes commençaient à verdir et que la nature reprenait vie. Vêtus d'une robe d'or violet, ils portaient devant eux une statue de Dionysos, suivis de mimes : nymphes et naïades à moitié nues avec des fleurs et des feuilles de vigne dans leurs cheveux lâches et des satyres avec des cornes de bouc en peau de bête. Les Dionysies ont probablement été les premières mascarades.

Les danses grecques antiques sur scène faisaient partie des représentations théâtrales, où chaque genre avait ses propres danses. Pendant les danses, les interprètes battent le temps avec leurs pieds, pour lesquels ils mettent des sandales spéciales en fer ou en bois, battent le temps avec leurs mains à l'aide de castagnettes, de coquilles d'huîtres, portées au majeur.

Pendant le déclin de l'Empire romain, les danses et les pantomimes se sont transformées en spectacles immoraux et ont été traitées avec mépris par les honorables citoyens de Rome. Cicéron et Horace ont écrit sur les danses des Romains dans leurs traités.

1.3 Les danses folkloriques en Europe du Moyen Âge à la Renaissance

Moyen-âge. Cette époque était caractérisée par un sens aigu de la peur de la mort ; l'image de la mort, comme celle du diable, se retrouve constamment dans la symbolique médiévale. L'image de la mort dansante est apparue déjà dans les temps anciens; la figure de la mort apparaît également dans les danses de nombreuses sociétés primitives. Mais c'est au Moyen Âge que l'image de la mort se transforme en symbole d'un pouvoir immense. La "Danse macabre" était surtout répandue en Europe au XIVe siècle, pendant les périodes de peste. Au sens social, cette danse, comme la mort elle-même, égalisait les représentants des différentes classes. Pendant les années de la peste, la "danse de la mort" s'est souvent transformée en amusement hystérique. Cela commençait généralement par une danse rapide; puis l'un des danseurs tomba brusquement au sol, représentant les morts, et les autres continuèrent à danser autour de lui, présentant de manière parodique le deuil des morts. Si le mort était représenté par un homme, il était ressuscité par les baisers des filles ; si c'était une fille, les hommes l'embrassaient. Après la « résurrection », une ronde générale a suivi.

De nombreuses histoires sont venues du Moyen Âge d'une obsession maniaque de la danse. Pendant les fêtes chrétiennes, les gens ont soudainement commencé à chanter et à danser dans les temples, interférant avec le service religieux qui s'y déroulait. Ces danses folles ont été observées dans tous les pays. En Allemagne, on les appelle "Dance of St. Witta", et en Italie - "tarentelle".

La danse n'était pas seulement un moyen de détente nécessaire, mais aussi le principal divertissement. La danse médiévale était encore largement un acte improvisé. Les gens aimaient les danses rondes, mais il n'y avait pas de règles de danse stables. La danse était une forme acceptée de parade nuptiale; leurs interprètes accompagnaient la danse avec des chants ; les mouvements étaient les plus simples. Au XIIe siècle. le culte de l'amour romantique et de la chevalerie a largement transformé la danse, en étouffant ses traits franchement érotiques. La danse était l'une des activités habituelles d'un chevalier et agissait comme une sorte de parallèle domestique aux tournois extérieurs. Habituellement, la danse était dirigée par un couple, rejoint par d'autres, se déplaçant lentement en cercle; le type de cette danse rappelait à bien des égards la polonaise.

À la fin du Moyen Âge, une différence apparaît entre la danse de couple de cour et la danse de groupe villageoise. Sur le plan social, il n'existait pas encore de ligne de partage rigide. Les villageois pouvaient imiter la danse de cour et les chevaliers aimaient parfois se joindre à la ronde rurale. Les paysans dansaient avec une spontanéité sans retenue, les chevaliers dansaient plus strictement, suivant l'étiquette de la cour. La danse folklorique était encore improvisée, tandis que la danse de cour devenait de plus en plus campy. La principale forme d'art du palais était la danse des figures, où un groupe de danseurs formait successivement des formations de danse.

L'émergence de professeurs de danse professionnels a été d'une grande importance dans le développement de la danse de cour, qui non seulement enseignaient la noblesse, mais agissaient également comme arbitres dans le domaine de l'étiquette et des manières et avaient généralement une grande influence sur l'atmosphère à la cour.

La danse faisait partie intégrante des pratiques religieuses dans la plupart des grandes religions et était courante dans le christianisme jusqu'au XIIIe siècle. Il était considéré comme un complément au culte musical, qu'il soit vocal ou instrumental. Les événements sociaux et les célébrations laïques, souvent associés aux célébrations religieuses, comportaient également de la danse, tout comme les cérémonies officielles telles que les visites royales et les couronnements. Mais cette manifestation physique de joie et de louange ne se limitait pas à des occasions spéciales. La danse faisait aussi partie de la vie quotidienne. Il existe de nombreux rapports sur la danse de l'après-midi et l'utilisation de la danse pour créer un corps sain. Cela reliait les danses aux exercices militaires, dont la plupart se faisaient sur les pieds et nécessitaient non seulement de l'endurance physique, mais aussi de l'agilité et un jeu de jambes rapide.

A la Renaissance, la danse quotidienne acquiert une grande importance. Non seulement les bals, les soirées, mais aussi les magnifiques festivités de rue, atteignant parfois une luminosité et une splendeur extraordinaires, ne peuvent s'en passer. Dans les salles du palais des nobles italiens, des intermèdes théâtraux avec des chants et des danses sont organisés. La danse est à la base de ces spectacles somptueux.

Le développement de la danse théâtrale à la Renaissance est principalement associé à l'Italie du Nord, même si un peu plus tard, lorsque la danse s'est répandue dans toute l'Europe, les cours françaises sont devenues la source de sa stylisation exquise et de sa beauté baroque. Les dirigeants des cités-États italiennes accordaient de plus en plus d'attention aux spectacles magnifiques. Un ensemble de techniques de danse s'est progressivement développé avec un certain nombre de règles impératives. La danse rurale animée ne convenait pas aux dames de la cour et aux messieurs. Leurs vêtements, comme les salles ou les jardins dans lesquels ils dansaient, la structure même de leurs pensées ne permettaient absolument aucun mouvement inorganisé. Pour rétablir l'ordre et renforcer la discipline, il y avait des maîtres de danse spéciaux pour qui la danse était l'incarnation de la retenue et de la sophistication. Il n'y avait plus rien de « populaire » en lui maintenant ; la danse devient de plus en plus théâtrale. Des maîtres de danse professionnels répétaient à l'avance des pas et des figures individuels avec les nobles et dirigeaient les mouvements de groupes de danseurs, tandis que d'autres courtisans étaient des spectateurs.

Développement art musicalà la Renaissance était étroitement liée au développement de la danse, puisque presque tous les grands compositeurs se sont concentrés sur la danse dans leurs compositions.

Mascarades, momerias et cortèges carnavalesques, divertissements favoris au Moyen Âge, se sont surtout répandus à la Renaissance. Surtout, à la Renaissance, ils étaient friands de mascarades, c'est-à-dire de danses masquées, et les masques avaient une importance particulière à cette époque. Les personnes qui souhaitaient rester incognito voyageaient masquées; les représentants des familles nobles en guerre se cachaient le visage sous des masques. L'exemple le plus frappant est celui de Roméo, entré au bal des Capulet (tragédie de Shakespeare « Roméo et Juliette »).

Les carnavals ont également apporté une grande contribution à la danse en tant que divertissement public. Les plus magnifiques d'entre eux étaient les soi-disant triomphes - des performances sur des sujets mythologiques avec des décors habilement exécutés. Un peu plus modestes étaient les currys, les mascarades des artisans et des marchands dans les villes italiennes, où des foules de personnes masquées défilaient derrière les symboles décoratifs de leurs professions.

Variétés de danse médiévale.

Danse basse - de fr. basse danse - "low dance" - le nom général des "danses sans sauts" glissantes du XVIe siècle; ils parurent pour la première fois à la cour de Bourgogne. "Low dance" - contraste avec la "high dance" (danse haute), qui se caractérise par des sauts en hauteur et des rebonds. La danse basse était une danse cérémonielle semblable à une polonaise, c'est-à-dire plus lié à la marche qu'à la danse en tant que telle. La danse basse est considérée comme le précurseur de l'estampi. La danse peut être exécutée à la fois en deux parties (généralement) et en trois parties. La danse de la basse se composait de trois parties : la danse de la basse elle-même, sa répétition et le tordion - une danse sautillante. La danse de basse a disparu au XVIe siècle, supplantée par la pavane.

Estampie (estampie), ou estampida - une forme instrumentale médiévale et une danse provençale. Les auteurs médiévaux mentionnent un stantype, peut-être un nom latinisé pour une estampida. Chaque stantype consistait en une série de "points" (puncti) : chaque punctum (point) se composait de deux parties avec des débuts identiques (apertum) et des terminaisons différentes (clausum). Un ajout au stantype était le ductia, qui se composait également de «points», sous lesquels ils dansaient. Estampi peut être considérée comme l'une des principales danses du Moyen Âge.

Saltarello est une danse italienne énergique dans un tempo rapide, dans un mètre à trois voix, parfois à deux voix. Le nom vient de saltare - "sauter". Le saltarello était particulièrement courant aux XVIe et XVIIe siècles, mais on le trouve dans les manuscrits anglais et italiens dès le XIVe siècle. Au XVIe siècle. saltarello a été jumelé avec la danse de basse et passamezzo (après eux). Aujourd'hui le saltarello se danse en Italie et en Espagne au même titre que la tarentelle.

Moresca (morisco) est une danse pantomimique connue depuis le début du Moyen Âge. Les danseurs, conformément à la notion fortement romancée des Maures, portaient des costumes grotesques avec des cloches aux chevilles; la musique était dominée par des rythmes pointés et des timbres exotiques. Souvent, les visages d'un ou plusieurs des danseurs étaient peints en noir. En Europe, la danse s'est répandue dans les régions où il y avait des contacts entre musulmans et chrétiens. La mer européenne est originaire d'Espagne, où elle est déjà mentionnée au XVe siècle.

Courante est une danse en mètre à deux voix, à l'origine pantomimique, connue depuis le XVIe siècle. Petit à petit, le carillon se dote d'une métrique en trois parties et au XVIIe siècle. a commencé à être joué en tandem avec l'allemande (après elle). Un trait caractéristique des carillons du XVIIe siècle. sont des changements fréquents de mètre de 3/2 à 6/4 et retour, qui correspondaient à l'alternance des deux figures principales de la danse - pas de courante et pas de coupe.

La gigue est une danse anglaise populaire au XVIe siècle. Le nom vient soit du vieux mot français giguer ("danser"), soit du vieux mot anglais giga (violon folklorique). Au début, la gigue était en 4/4, plus tard les gigi étaient composées en 6/8 avec des croches ponctuées.

Pavane - la danse qui a ouvert les bals des XVIe et XVIIe siècles, en deux parties (parfois en trois parties), qui était une procession lente et majestueuse. Pavana vient d'Espagne, son nom est associé au mot pavo ("paon"); peut-être que la pavane est une forme tardive de danse de basse. Au 17ème siècle la pavane était généralement suivie d'une gaillarde rapide et bondissante. En Italie et en Allemagne, padovana (du nom de la ville italienne de Padoue) était souvent synonyme de pavanes. Les compositeurs allemands de la période après 1600 ont écrit des compositions solennelles et magnifiques, qu'ils ont appelées "pawans". Les pavanes ont également été composées par les madrigalistes anglais W. Byrd, J. Bull, O. Gibbons et J. Dowland.

La Galliarde est une danse gaie et entraînante des XVIe-XVIIe siècles, d'abord assez rapide, puis exécutée à un rythme plus modéré, en triple mètre. À l'origine en deux parties, la gaillarde a ensuite changé de mètre et est devenue une "paire" avec la pavane ou le passamezzo (joué après eux). Galliard était l'une des danses européennes préférées du XVIIe siècle.

Branle est un nom générique pour les danses des XVIe-XVIIe siècles. Il existait différentes versions du branle dans différentes provinces de France - Bourgogne, Poitou, Champagne, Picardie, Lorraine, Aubara, Bretagne. Au XVème siècle. branle a complété la danse de la basse, aux XVI-XVII siècles. est devenu une danse indépendante, dont les variétés ont été combinées en suites. L'ordre des parties dans la suite branle est le suivant : branle double, branle simple, branle gai, montirande et gavotte ; l'ordre peut changer, mais la gavotte vient toujours à la fin. Branle a souvent été inclus dans les ballets baroques, même lorsque la danse elle-même était déjà tombée en désuétude.

Bergamasque - danse des XVI-XVII siècles. en taille 2/4 ou 4/4, venait de la ville italienne de Bergame. Shakespeare mentionne la bergamasque dans Le Songe d'une nuit d'été, cette danse était donc déjà connue en Angleterre au XVIe siècle. Dans les manuscrits de cette époque, la bergamasque a une mélodie spécifique, qui est souvent une basse ostinato (c'est-à-dire une basse répétant constamment) avec des variations.

La chaconne est une danse espagnole des XVIe-XVIIIe siècles, proche de la passacaille. Selon les descriptions des auteurs des XVIe et XVIIe siècles, la danse est venue en Espagne des Antilles. Dans sa forme originelle, sensuelle et capricieuse, la chaconne au XVIIe siècle. transformé en une danse lente et majestueuse, musicalement - avec un développement variationnel basé sur la basse ostinato.

Allemande - de fr. allemand - "Allemand" - une danse des XVIe-XVIIIe siècles, comme son nom l'indique - d'origine allemande. Comme la pavane, l'allemande est une danse à tempo modéré sur deux temps. Cette danse calme était généralement suivie d'un carillon animé à trois temps.

À la Renaissance, le divertissement profane, goutte à goutte, devient plus sophistiqué et sophistiqué pour tous ceux qui ne sont pas paresseux. Des éléments de théâtre et de danse ont pénétré dans les sphères anciennes et jeunes de la vie des seigneurs féodaux - parfois les fêtes dans les châteaux ressemblaient à une représentation théâtrale : au milieu du service des plats individuels, des artistes et musiciens invités jouaient de petites scènes de danse et de pantomime devant le invités, ont chanté des airs et joué d'instruments de musique. Au 15ème siècle, les danses avaient un peu changé - elles devenaient plus compliquées, devenaient plus fortes, plus rapides et plus mobiles, aujourd'hui des sauts et même des ascenseurs légers étaient exécutés - tôt ou tard, une dame avec l'aide d'un cavalier s'élevait dans les airs. Beaucoup de nouvelles danses sont apparues, chacune avait certains mouvements (pa). De plus, il fallait les connaître - danses et mouvements - au même titre que les règles de l'étiquette.

Ainsi, la danse s'est développée en ce que nous appelons le ballet ou la danse classique. Regardons de plus près son histoire.

2. L'ère du ballet à l'étranger et en Russie

2.1 Ballet à l'Ouest

Au XVe siècle, à la toute fin du Moyen Âge, on s'intéresse à la culture en la Grèce ancienne, qui a conduit à une chose telle que la Renaissance. Au cours de la Renaissance, les priorités ont changé en une vie culturelle, et les danseurs étaient associés à des personnes idéales. Le ballet est né, comme la Renaissance elle-même en Italie. Le nom même de "ballet" est également étroitement lié à l'Italie, car ballo signifie danse. Des représentations ont été mises en scène dans les palais pour la noblesse locale, et les danseurs ont orné cette représentation théâtrale. Aux premières étapes du ballet, à la fin de la représentation, le public a participé. Bien sûr, par rapport à ballet contemporain, à l'époque médiévale, la chorégraphie était beaucoup plus faible. Les principaux mouvements consistaient en des pas basés sur des danses de cour. Cela s'explique aussi par le fait qu'il y avait très peu de personnes pouvant être considérées comme des chorégraphes.

Grâce à Catherine de Médicis, une Italienne qui a épousé le roi français Henri II, l'art du ballet a commencé à se répandre au-delà de l'Italie. Elle a entièrement soutenu et financé la production de spectacles de danse. Fondamentalement, des performances ont été mises en scène lors d'événements d'État bien connus, par exemple l'arrivée d'ambassadeurs polonais. Plus tard, le ballet a été entièrement soutenu par les monarques français et italiens, et des théâtres spéciaux ont commencé à être créés pour se produire contre de l'argent devant des spectateurs ordinaires.

Au début, c'était comme une scène de danse unie par une seule action ou humeur, un épisode d'une performance musicale, un opéra. Emprunté à l'Italie, le ballet de cour s'épanouit en France comme un magnifique spectacle solennel. Le début de l'ère du ballet en France et dans le monde doit être considéré le 15 octobre 1581, lorsqu'un spectacle a été présenté à la cour de France, qui est considéré comme le premier ballet - «Le ballet comique de la reine» (ou « Cerce »), mis en scène par un violoniste italien, « intendant en chef Musique » de Baltasarini de Belgioso. La base musicale des premiers ballets était les danses de cour, qui faisaient partie de l'ancienne suite. Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, de nouveaux genres théâtraux apparaissent, tels que la comédie-ballet, l'opéra-ballet, dans lesquels une place importante est accordée à la musique de ballet, et des tentatives sont faites pour la dramatiser. Mais le ballet ne devient un art de la scène indépendant que dans la seconde moitié du XVIIIe siècle grâce aux réformes menées par le chorégraphe français Jean Georges Noverre (son œuvre «Lettres sur la danse» est particulièrement importante). S'inspirant de l'esthétique des Lumières françaises, il crée des performances dont le contenu se révèle de manière dramatique. images expressives, a approuvé le rôle actif de la musique comme "un programme qui détermine les mouvements et les actions du danseur".

Le fondateur, ancêtre du ballet était aussi Louis XIV, le Roi Soleil, qui aimait la danse. À l'âge de douze ans (1651), il fait ses débuts dans les soi-disant "ballets de cour" - ballets de cour, qui ont lieu chaque année pendant le carnaval.

Le carnaval de l'époque baroque n'est pas seulement une fête et un divertissement, mais une occasion de jouer dans le "monde inversé". Par exemple, le roi est devenu pendant plusieurs heures un bouffon, un artiste ou un bouffon, en même temps, le bouffon pouvait bien se permettre d'apparaître sous la forme d'un roi. Dans l'un des spectacles de ballet, appelé "Le ballet de la nuit", le jeune Louis a eu l'occasion d'apparaître pour la première fois devant ses sujets sous la forme du soleil levant (1653), puis d'Apollon - le dieu solaire (1654).

Lorsque Louis XIV a commencé à régner de manière indépendante (1661), le genre du ballet de cour a été mis au service des intérêts de l'État, aidant le roi non seulement à créer son image représentative, mais aussi à gérer la société de cour (cependant, comme d'autres arts). Les rôles dans ces productions n'étaient distribués que par le roi et son ami, le comte de Saint-Aignan.

En 1661, Louis XIV fonde la première école de ballet au monde, l'Académie Royale de Danse. Le chef de l'école était Lully, qui a déterminé le développement du ballet pour le siècle suivant. Depuis que Lully était un compositeur, il a décidé de la dépendance des mouvements de danse à la construction de phrases musicales et de la nature des mouvements de danse - à la nature de la musique. En collaboration avec Molière et Pierre Beauchamp - le professeur de danse de Louis XIV - les bases théoriques et pratiques ont été créées ballet. Pierre Beauchamp a commencé à créer la terminologie de la danse classique. À ce jour, les termes pour désigner et décrire les principales positions et combinaisons de ballet sont utilisés en français.

La poursuite du développement et de l'épanouissement du ballet tombe à l'ère du romantisme. Retour dans les années 30 du XVIIIe siècle. La ballerine française Camargo a raccourci sa jupe et abandonné les talons, ce qui lui a permis d'introduire des chaussons dans sa danse. Vers la fin du XVIIIe siècle. le costume de ballet devient beaucoup plus léger et plus libre, ce qui contribue dans une large mesure au développement rapide de la technique de danse. La dramatisation du ballet a nécessité le développement de la musique de ballet. Beethoven, dans son ballet Les Créations de Prométhée (1801), a fait la première tentative de symphonisation d'un ballet. La direction romantique est établie dans les ballets d'Adam Giselle (1841) et Le Corsaire (1856). Les ballets de Delibes Coppelia (1870) et Sylvia (1876) sont considérés comme les premiers ballets symphoniques. Dans le même temps, une approche simplifiée de la musique de ballet a également été esquissée (dans les ballets de C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo, etc.), en tant que musique mélodique, au rythme clair, servant uniquement d'accompagnement à la danse. .

À la fin du XVIIIe siècle, une nouvelle tendance artistique est née - le romantisme, qui a eu une forte influence sur le ballet. Essayant de rendre leur danse plus aérée, les interprètes ont essayé de se tenir debout sur le bout des doigts, ce qui a conduit à l'invention des chaussons de pointe. À l'avenir, la technique des doigts de la danse féminine se développe activement. La première à utiliser la pointe comme moyen d'expression est Maria Taglioni. La danseuse a abandonné les tenues lourdes inhérentes au ballet, les perruques et le maquillage, ne dansant que dans une modeste robe légère. Au Grand Opéra de Paris, en mars 1832, a lieu la première du ballet Sylphide, qui marque le début de l'ère du romantisme du ballet. C'est alors que Taglioni a introduit un tutu de ballet et des chaussons de pointe. Avant Maria, de jolies ballerines ont conquis le public avec leur technique de danse virtuose et leur charme féminin. Taglioni, loin d'être une beauté, a créé un nouveau type de ballerine - spirituelle et mystérieuse. Dans La Sylphide, elle incarne l'image d'un être surnaturel, personnifiant un idéal, un rêve de beauté inaccessible. Vêtue d'une robe blanche fluide, s'envolant par sauts légers et se figeant au bout des doigts, Taglioni est devenue la première ballerine à utiliser des chaussons de pointe et à en faire une partie intégrante du ballet classique. A cette époque, de nombreux ballets merveilleux sont apparus, mais, malheureusement, le ballet romantique est devenu la dernière Epoque art de la danse florissant en Occident. Dès la seconde moitié du XIX le ballet du siècle, ayant perdu son ancien sens, est devenu un appendice de l'opéra. Ce n'est que dans les années 1930, sous l'influence du ballet russe, que la renaissance de cette forme d'art a commencé en Europe.

2.2 ballet russe

Sans aucun doute, le ballet russe restera dans l'histoire pendant des siècles. Il regorge de génies de la danse, de classiques du ballet, de chorégraphes et de néo-classiques, modernes, mais ce n'est pas le sujet de notre travail, alors soulignons événements majeurs qui a développé les "classiques" russes et les a promus dans le monde.

La première représentation de ballet en Russie, selon I. E. Zabelin, a eu lieu le mardi gras 17 février 1672 à la cour du tsar Alexei Mikhailovich à Preobrazhensky. Reitenfels date cette représentation du 8 février 1675. La production du ballet sur Orphée du compositeur G. Schutz a été dirigée par Nikolai Lima. Avant le début de la représentation, un acteur représentant Orphée est monté sur scène et a chanté des couplets allemands, traduits au tsar par un interprète, dans lesquels les belles propriétés de l'âme d'Alexei Mikhailovich étaient vantées. A cette époque, des deux côtés d'Orphée, il y avait deux pyramides décorées de bannières et illuminées de lumières multicolores, qui, après le chant d'Orphée, se mirent à danser.

Plus tard, par décret spécial de l'empereur Pierre le Grand, la danse est devenue partie intégrante de l'étiquette de la cour. Dans les années 1730 à Saint-Pétersbourg, à la cour d'Anna Ivanovna, des représentations régulières d'opéra et de ballet ont été organisées. Les scènes de danse des opéras ont été chorégraphiées par JB Lande et A. Rinaldi (surnommé Fossano). Les jeunes nobles étaient obligés d'apprendre la danse, donc à Saint-Pétersbourg, la danse de salon est devenue une discipline obligatoire dans le corps des cadets de la noblesse. Avec l'ouverture du théâtre d'été dans le jardin d'été et du théâtre d'hiver dans l'aile du palais d'hiver, les cadets commencent à participer à des danses de ballet. Le professeur de danse du bâtiment était Jean-Baptiste Landet. Il était bien conscient que les nobles ne se consacreraient plus à l'art du ballet à l'avenir, même s'ils dansaient dans des ballets avec des professionnels. Lande, comme personne d'autre, a vu le besoin d'un théâtre de ballet russe. En septembre 1737, il dépose une requête dans laquelle il parvient à justifier la nécessité de créer une nouvelle école spéciale où filles et garçons d'origine simple étudieraient l'art chorégraphique. Bientôt, une telle autorisation a été donnée. Ainsi, en 1738, la première école de danse classique en Russie a été ouverte (aujourd'hui l'Académie de ballet russe A. Ya. Vaganova). Douze filles et douze jeunes hommes élancés ont été choisis parmi les serviteurs du palais, auxquels Lande a commencé à enseigner. A partir de 1743 anciens élèves Lande commence à payer des salaires en tant que danseurs de ballet. L'école a très vite réussi à donner à la scène russe d'excellents danseurs de corps de ballet et d'excellents solistes. Les noms des meilleurs étudiants du premier groupe sont restés dans l'histoire: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov.

Au début du XIXe siècle, l'art du ballet russe atteint sa maturité créative. Les danseurs russes ont apporté expressivité et spiritualité à la danse.

Le ballet occupait alors une position privilégiée parmi les autres types d'art théâtral. Dans l'histoire de notre théâtre de ballet il y a souvent des noms de maîtres étrangers qui ont joué un rôle important dans le développement du ballet russe. Ce sont tout d'abord Charles Didelot, Arthur Saint-Léon et Marius Petipa. Ils ont aidé à créer l'école de ballet russe. Mais de talentueux artistes russes ont également permis de révéler les talents de leurs professeurs. Cela a invariablement attiré les plus grands chorégraphes d'Europe à Moscou et à Saint-Pétersbourg. Nulle part au monde, ils ne pourraient rencontrer une troupe aussi nombreuse, talentueuse et bien formée qu'en Russie. Au milieu du XIXe siècle, le réalisme est venu dans la littérature et l'art russes. Les chorégraphes ont fébrilement, mais en vain, tenté de créer des performances réalistes. Ils n'ont pas tenu compte du fait que le ballet est un art conditionnel et que le réalisme du ballet diffère considérablement du réalisme de la peinture et de la littérature. La crise de l'art du ballet a commencé. Le contenu des performances était primitif, des intrigues simples ne servaient que d'excuse pour des danses spectaculaires dans lesquelles les artistes démontraient leurs compétences. Pour les danseurs, l'essentiel était le raffinement de la forme et de la technique de la danse classique, et en cela ils ont atteint la virtuosité. Une nouvelle étape dans l'histoire du ballet russe a commencé lorsque le grand compositeur russe P. Tchaïkovski a composé pour la première fois de la musique pour le ballet. C'était " Le lac des cygnes". Avant cela, la musique de ballet n'était pas prise au sérieux. Elle était considérée comme la forme la plus basse de créativité musicale, juste un accompagnement à la danse. Grâce à Tchaïkovski, la musique de ballet est devenue un art sérieux avec l'opéra et musique symphonique. Auparavant, la musique était complètement dépendante de la danse, maintenant la danse devait obéir à la musique. De nouveaux moyens d'expression et une nouvelle approche de la création d'un spectacle étaient nécessaires. Le développement ultérieur du ballet russe est lié au nom du chorégraphe moscovite A. Gorsky, qui, après avoir abandonné les techniques obsolètes de la pantomime, a utilisé les techniques de la mise en scène moderne dans un ballet. Attachant une grande importance à la conception picturale de la performance, il attire les meilleurs artistes à travailler. Mais le véritable réformateur de l'art du ballet est Mikhail Fokin, qui s'est rebellé contre la construction traditionnelle d'un spectacle de ballet. Il a fait valoir que le thème de la performance, sa musique, l'époque à laquelle se déroule l'action, nécessitent à chaque fois des mouvements de danse différents, un schéma de danse différent. Lors de la mise en scène du ballet "Egyptian Nights", Fokine s'est inspiré de la poésie de V. Bryusov et des dessins égyptiens anciens, et les images du ballet "Petrushka" ont été inspirées de la poésie d'A. Blok. Dans le ballet Daphnis et Chloé, il abandonne la danse des pointes et, dans des mouvements libres et plastiques, fait revivre les fresques antiques. Sa "Chopiniana" a ravivé l'atmosphère du ballet romantique.

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v. Staroyurevo

INTRODUCTION

La pertinence de la recherche

La danse est l'une des plus belles formes d'art. C'est une expression d'émotions, de sentiments, de pensées, une histoire sur ce qui se passe, le passé et l'avenir à l'aide de la musique, de la plasticité, des gestes, des mouvements rythmiques. Chaque période a sa propre culture musicale qui donne naissance à de nouveaux types de danse. Chaque danse peut être qualifiée de moderne, mais pour son époque.

À notre époque d'urbanisation et des dernières technologies, le rythme de la vie humaine a changé. Nous nous y précipitons à la vitesse d'un train express, essayant d'être partout à l'heure. Parallèlement à l'humanité, le style de l'art de la danse change également - les mélodies de valse douces et sans hâte sont remplacées par des syncopes de jazz. Sans rien enlever à l'importance de la danse classique et folklorique, les adolescents modernes choisissent les rythmes en lambeaux des danses de rue, puisque c'est cette musique qui est proche de leur esprit rebelle de jeunesse, c'est elle qui libère et libère les pensées et les sentiments, donnant lieu à une danse libre, universelle et sans normes. Bien que cette musique soit étrange et incompréhensible pour l'ancienne génération, la danse moderne, qui représente souvent un mélange de techniques, de styles et de tendances différents, gagne de plus en plus la sympathie des gens du 21e siècle.

L'adolescence est une période de « tâtonnements », un temps de recherche de « soi », un temps de réalisation de soi, d'expérimentations sur l'apparence et les relations. A travers l'art de la danse moderne, l'enfant exprime ses sentiments et ses émotions, difficiles à dire à haute voix. Pour la jeune génération, la chorégraphie moderne devient la personnification du mouvement rapide du temps.

Nouveauté de la recherche

Il y a à peine dix ans, l'art de la danse moderne dans la région de Tambov était pratiquement inconnu. Cependant, maintenant, il intéresse non seulement les groupes interprètes, mais aussi les larges masses de la population. La nouveauté de l'ouvrage est de retracer les étapes de la création du théâtre de danse moderne dans la région de Tambov, d'établir l'importance de la pénétration de nouveaux styles dans la culture de la danse.

Objectif:étude du développement de l'art de la danse contemporaine dans la région de Tambov.

Tâches de travail:

Se faire une idée des racines historiques de l'art de la danse;

Étudier l'histoire de l'émergence du sens « moderne » dans l'art chorégraphique ;

Familiarisez-vous avec les groupes de danse - les fondateurs de la danse moderne dans la région de Tambov;

Identifier l'influence de l'art de la danse moderne sur le développement physique, émotionnel et culturel des élèves.

Hypothèse: l'apparition de groupes de danse et de studios de danse moderne dans la région de Tambov a élargi le champ de la culture chorégraphique de la jeunesse.

Lieu de l'étude : Tambov, district de Staroyurievsky.

PARTIE PRINCIPALE

Méthodes de recherche

Lors de la création travail de recherche les méthodes suivantes ont été utilisées :

Travailler avec des sources d'information (vulgarisation scientifique, littérature de référence, mémoires, archives personnelles, ressources Internet, etc.);

Questionnement, sondage;

Analyse et traitement des résultats obtenus.

L'histoire de l'émergence de la danse en tant qu'art

Les origines de l'art de la danse remontent à l'Antiquité. La preuve en est les peintures rupestres représentant des personnages dansants, créées vraisemblablement au néolithique (8 - 5 mille ans avant JC).

Pour un homme de la société primitive, la danse était une façon de penser et de vivre. Dans les danses représentant des animaux, des techniques de chasse sont pratiquées; la danse exprime des prières pour la fertilité, la pluie et d'autres besoins urgents de la tribu. L'amour, le travail et le rituel s'incarnent dans des mouvements de danse. Percevant profondément les rythmes de la nature, les gens de la société primitive ne pouvaient que les imiter dans leurs danses.

Les danses des anciens Grecs peuvent être divisées en sacrées (cérémoniales, rituelles), militaires, scéniques, sociales et domestiques. Environ les mêmes danses de caractère étaient parmi d'autres peuples.

Les danses théâtrales des anciens Grecs faisaient partie de représentations théâtrales, et chaque genre avait ses propres danses. Pendant les danses, les interprètes battent le temps avec leurs pieds, pour cela ils mettent des sandales spéciales en bois ou en fer, parfois ils battent le temps avec leurs mains à l'aide de castagnettes particulières - des coquilles d'huîtres, posées sur leur majeur.

Des danses publiques accompagnaient les fêtes familiales et personnelles, les fêtes municipales et nationales. Les danses étaient domestiques, urbaines, rurales. Ils étaient divers dans le dessin de sujet et de composition, dans la composition des interprètes. Ce sont les danses sociales qui ont eu une grande influence sur l'émergence de la danse de scène.

Les sévères guerriers romains des premiers siècles de notre ère aimaient particulièrement la danse martiale en souvenir de l'enlèvement des Sabines. Selon la légende, il a été introduit par Romulus. Il y avait aussi des danses des prêtres, glorifiant les dieux, elles ressemblaient plus à une procession solennelle.

La danse médiévale était encore largement un acte improvisé. Les gens aimaient les danses rondes, mais il n'y avait pas de règles de danse stables. La danse était une forme acceptée de parade nuptiale; leurs interprètes accompagnaient la danse avec des chants ; les mouvements étaient les plus simples. À la fin du Moyen Âge, une différence apparaît entre la danse de couple de cour et la danse de groupe villageoise. La danse folklorique était encore improvisée, tandis que la danse de cour devenait de plus en plus campy. La principale forme d'art du palais était la danse des figures, où un groupe de danseurs formait successivement des formations de danse.

Mascarades et cortèges carnavalesques, divertissements favoris au Moyen Âge, se sont surtout répandus à la Renaissance (XVe-XVIe siècles). Les danses ont un peu changé - elles sont devenues plus compliquées, elles sont devenues plus fortes, plus rapides et plus mobiles, aujourd'hui des sauts et même des ascenseurs légers ont été effectués - tôt ou tard, une dame avec l'aide d'un gentleman s'est élevée dans les airs. Beaucoup de nouvelles danses sont apparues, chacune avait certains mouvements (pa). De plus, il fallait les connaître - danses et mouvements - au même titre que les règles de l'étiquette.

Au 17ème siècle, le concept de danse folklorique est né. Danse folklorique - une danse qui est exécutée dans son environnement naturel et qui a certains mouvements, rythmes et costumes traditionnels de la région. La mazurka, avec ses triplés caractéristiques, incarne le caractère polonais, tandis que la polka, avec son rythme abrupt, incarne l'esprit du peuple tchèque. Czardas, composé de deux parties - une danse circulaire lente des hommes et une danse en couple enflammée - correspond à l'idée générale du caractère hongrois, avec son désir inexplicable et ses passions violentes.

Les motifs folkloriques jouent souvent un grand rôle dans le ballet. Depuis les années 1940, un engouement pour le folklore de la danse authentique et ethnographiquement authentique a commencé à se répandre. Il existe de nombreuses troupes de danse professionnelles qui ont acquis une renommée internationale en présentant les formes scéniques des danses folkloriques, telles que l'Ensemble de danse folklorique russe Igor Moiseev, l'Ensemble danse ukrainienne, l'ensemble "Birch", etc.

Le ballet, le stade le plus élevé de la chorégraphie, dans lequel l'art de la danse s'élève au niveau d'une performance scénique musicale, est apparu comme un art de cour aristocratique bien plus tard que la danse. Le terme "ballet" est apparu dans l'Italie de la Renaissance au XVIe siècle et ne signifiait pas un spectacle, mais un épisode de danse. Le ballet est un art synthétique dans lequel la danse est le principal moyen d'expression du ballet, étroitement lié à la musique, à la base dramatique - le livret, à la scénographie, au travail d'un costumier, éclairagiste, etc.

"Moderne" - danse moderne

La direction de la danse moderne est entièrement le fruit du XXe siècle. En traduction littérale, la danse moderne est la danse moderne. Contrairement au jazz ou à la danse classique, la direction de la danse moderne a été créée sur la base de la créativité d'une personne en particulier.

Dans les danses modernes, la tentative de l'interprète de construire un lien entre la forme de danse et son état intérieur est essentielle. La plupart des styles de danse modernes ont été façonnés par une philosophie ou une vision du monde clairement énoncée.

Les fondateurs de l'Art Nouveau sont Isadora Duncan, Martha Graham, Merce Cunningham. Tous avaient une attitude extrêmement négative envers le ballet. Isidora Duncan pensait que c'était une gymnastique laide et inutile. Martha Graham a vu en lui l'européanisme et l'impérialisme, qui n'ont rien de commun avec les Américains. Merce Cunningham, malgré l'utilisation de certaines des bases de la technique du ballet dans son enseignement, a abordé la chorégraphie et la performance d'une position directement opposée au ballet traditionnel.

Dans les années quatre-vingt du XXe siècle, la danse classique est revenue à son point de départ et la danse moderne (à cette époque déjà la danse contemporaine) est devenue une arme hautement technique pour les professionnels. Aujourd'hui, l'art de la danse est imprégné de compétition créative et les chorégraphes s'efforcent souvent de faire en sorte que leur travail soit qualifié de plus choquant. Cependant, il y a toujours de la beauté dans l'art, et la danse de la modernité étonne avec un tel professionnalisme, une force et une flexibilité qui n'ont jamais été auparavant.

caractéristique artistique danse jazz - la parfaite liberté de mouvement de tout le corps du danseur et des parties individuelles du corps, à la fois horizontalement et verticalement de l'espace scénique. La danse jazz est avant tout l'incarnation des émotions du danseur, c'est une danse de sensations.

La danse jazz s'est développée à partir des danses des tribus africaines. La danse jazz a été introduite en Amérique par des esclaves d'Afrique aux 17e et 18e siècles. Une fois en Amérique, ils ont rapidement restauré leurs vacances et leurs coutumes et se sont adaptés : au lieu de tambours, ils ont utilisé des battements de mains et battu le rythme avec leurs pieds. Pendant plusieurs siècles, il y a eu une fusion de deux cultures, africaine et américaine, et en conséquence une danse incendiaire unique est née.

Au XIXème siècle. des spectacles de rue se sont développés, y compris des chants et des danses sur de la musique jazz. Au début, ces performances n'étaient données que par des danseurs noirs pour des spectateurs noirs. Dans les années 20. Au XXe siècle, la musique et la danse jazz ont acquis une immense popularité parmi les Noirs et les Blancs et se sont répandues en Europe. Des danseurs professionnels ont commencé à se produire sur scène, qui ont apporté de nouvelles techniques au style jazz et ont commencé à enseigner le jazz aux autres. Parallèlement, le jazz s'enrichit d'éléments de danses européennes.

Dans les années 40-50. la musique populaire a subi des changements importants, et la danse a changé avec elle. Les styles de jazz moderne ont émergé au cours de cette période. Aujourd'hui, il existe de nombreux styles de jazz qui dansent sur différents types de musique. Mais tous ces styles combinent des mouvements énergiques et rythmiques. Le rythme et la coordination sont les aspects les plus importants de la danse jazz. Il utilise souvent les mouvements des hanches et du bassin, ils donnent à la danse une expressivité particulière. Les mouvements isolés sont caractéristique principale danse-jazz. Avec un mouvement isolé, une seule partie du corps est mobile, tandis que tout le corps reste immobile ou se déplace dans la direction opposée. Comme la rotation des hanches, des mouvements isolés accentuent le rythme de la musique. C'est comme si la musique traversait le corps du danseur.

À la fin des années 60, la danse jazz s'est imposée dans de nombreux domaines de la chorégraphie moderne et, parallèlement, le processus de fusion des principales écoles de chorégraphie moderne a commencé. Jack Cole a été le premier professeur et chorégraphe à combiner les techniques de danse moderne et jazz dans son travail. Luigi (Eugène Louis) a synthétisé la technique de la danse classique et du jazz. Gus Giordano a publié en 1966 le premier manuel sur la technique de la danse jazz moderne. L'intérêt croissant pour la danse modern jazz et pour Europe de l'Ouest, les éducateurs américains dirigent les premiers séminaires.

Ainsi, au début des années 70, un nouveau phénomène est apparu - la danse jazz moderne. Cette école a conquis de nombreux pays du monde, elle permet d'éduquer le corps du danseur de la manière la plus complète. La danse jazz est en constante évolution, en partie à cause de cela. Que les danseurs puissent apporter leurs propres mouvements à la danse, et aussi parce que le jazz se danse sur une grande variété de musiques.

Actuellement, il existe plusieurs types de jazz moderne.

-Jazz classique ou traditionnel. Ce sont les premières formes de danse jazz interprétées par les Africains.

-Afrojazz est une tentative de connecter le jazz d'aujourd'hui avec son ancêtre africain. La différence réside dans le fait que la danse africaine porte une charge fonctionnelle importante et n'est pas aussi virtuose que son interprétation actuelle.

-Jazz de Broadway- est né dans les années 20, tire son nom du nom de la rue de New York, sur laquelle se trouvent de nombreux théâtres et music-halls. C'est ici que la comédie musicale a commencé à se développer et son propre style de jazz et sa technique de mouvement (exécution simultanée d'une partie vocale et de danse) sont apparus. Pour performance virtuose les danses dans les productions de Broadway utilisaient des danseurs d'une école classique. Le jazz acquiert les caractéristiques d'une forme classique, qui devient l'un des moyens de son développement ultérieur. Chorégraphes célèbres J. Balanchine, H. Holm. Broadway est un style de jazz très énergique et émotionnel.

-Marcher ou claquettes. La danse à claquettes est née en Amérique au 19ème siècle, ses racines se trouvent dans la gigue irlandaise et la danse à claquettes rurale anglaise - danses des premiers colons. Peu à peu, les danses européennes se mêlent aux esclaves africains amenés aux USA. La principale caractéristique de la danse à claquettes, appelée jazz, est la liberté de mouvement, ce qui rend la danse très gracieuse et fluide. Le style européen de claquettes ressemble plus à une danse irlandaise ou anglaise, qui se danse avec des sabots de bois (claquettes country). Les mouvements de ce style sont plus élastiques et le corps des danseurs reste immobile.

- "Âme"(jazz lyrique). Ce nom est connu des chanteurs et dans sa partie de danse, il se distingue par un grand nombre de mouvements différents par unité de tempo, exécutés très doucement sans tension visible. Le mouvement, avec toute sa complexité, est exécuté avec le maximum d'étirement dans le temps.

-Éclat(Flash) - traduit de l'anglais - flash. C'est la direction la plus virtuose et la plus brillante de la danse jazz. Tous ses mouvements sont rapides et dynamiques. En regardant les interprètes de ce style, vous êtes étonné de leur force, de leur endurance et de leur élasticité, de l'instantanéité des transitions des pas de danse, de la complexité des tours de danse. Il semble que tout le corps soit subordonné à une tâche - danser chaque note et projeter un maximum d'énergie sur le spectateur. Ce style est devenu populaire à la fin des années 80 et au début des années 90. et est l'héritier du disco, mais avec un mélange d'éléments de break - et de culture hip-hop.

- "Jazz de rue" fait référence à la danse de rue. Ce style trouve son origine dans les danses jazz-modernes, auxquelles les danseurs de rue « avaient un coup de main ». Le jazz de rue a subi le moins de changements. Toutes les tendances de la jeunesse moderne : break, rap, house et l'ancien twist, charleston, shake, boogie-woogie et bien d'autres danses d'un jour sont issues du jazz et de sa combinaison avec la danse historique et quotidienne.

L'histoire des danses des peuples de l'Occident (Europe et pays formés par des immigrants venus d'Europe) se caractérise par une grande diversité et des changements assez rapides. Alors que la plupart des danseurs orientaux pratiquaient des formes de danse très sophistiquées qui sont restées pratiquement inchangées pendant des siècles, voire des millénaires, les danseurs occidentaux ont montré une volonté constante, voire une aspiration, à adopter de nouvelles formes et idées pour leurs danses. Même les premières références indiquent que la danse occidentale a toujours englobé une grande variété de danses communautaires ou rituelles, et que les danses sociales étaient utilisées par de nombreuses sections différentes de la société. Il convient de noter tout de suite que l'art occidental ne peut pas toujours être clairement distingué du « non occidental ». Cela est particulièrement clair dans un certain nombre de pays de l'ex-Union soviétique, où certaines danses sont asiatiques, tandis que d'autres sont d'origine et de caractère européens. Cet article est consacré à la danse des peuples occidentaux, en excluant, dans la mesure du possible, l'influence correspondante d'autres cultures.

De l'Antiquité à la Renaissance

Avant que les premiers documents écrits ne commencent à apparaître, une longue période de temps s'est écoulée, sur laquelle les scientifiques ne peuvent que deviner. L'art rupestre en Espagne et en France, dans lequel on distingue clairement les figures dansantes des personnes, a conduit à l'hypothèse que les rites religieux et les tentatives d'influencer les événements environnants par la magie sympathique étaient les motifs centraux de la danse primitive. De telles hypothèses ont été en partie confirmées par l'observation des danses des peuples primitifs dans le monde moderne, bien que le lien entre les peuples anciens et les "cultures primitives" modernes soit complètement nié par de nombreux scientifiques.

Si les danses enregistrées dans les premières sources écrites se sont développées directement à partir des danses préhistoriques, il est possible de supposer qu'il y avait des danses de travail préhistoriques, des danses de guerre, des danses érotiques et des danses de groupe. Aujourd'hui, au XXe siècle, une danse bavaroise-autrichienne, le Schuplatter, a survécu, qui, selon les historiens, remonte au néolithique, c'est-à-dire à environ 3000 av.

Danse dans le monde antique

Il existe de nombreuses traces écrites de danses dans les civilisations de l'Égypte, de la Grèce et des îles voisines, ainsi qu'à Rome. De plus, on peut distinguer l'ancienne danse juive, dont on sait déjà beaucoup aujourd'hui. En Égypte, des rituels formalisés et des danses rituelles étaient pratiqués, dans lesquels le prêtre symbolisait le dieu. Ces danses, qui étaient l'aboutissement d'une cérémonie représentant la mort et la renaissance du dieu Osiris, devinrent de plus en plus élaborées et ne pouvaient finalement être exécutées que par des danseurs spécialement formés.

Toujours d'Égypte, les premières preuves écrites de danses remontent aux temps modernes. Ces disques parlent d'une classe de danseurs professionnels qui ont été à l'origine "importés" d'Afrique pour divertir les gens riches pendant leurs heures de loisirs et aussi pour se produire lors de festivités religieuses et funéraires. Ces danseurs étaient considérés comme des «acquisitions» de grande valeur, en particulier les danseurs nains qui se sont fait connaître pour leur talent. L'un des pharaons, après sa mort, a été honoré de la représentation de la "danse du dieu nain", et le pharaon Néferkarê (3e millénaire avant JC) a chargé l'un de ses associés d'amener "un nain dansant du pays des esprits" à sa cour.

Aujourd'hui, les scientifiques suggèrent que la célèbre danse du ventre, qui est pratiquée aujourd'hui par des danseurs du Moyen-Orient, est en réalité d'origine africaine. Retour au 4ème siècle avant JC. à Memphis égyptien, une danse en couple était décrite en détail, quelque peu similaire à la rumba, qui avait un caractère érotique clairement exprimé. Les Égyptiens connaissaient aussi les danses acrobatiques mises en scène, semblables aux danses adagio modernes. Ils se distinguaient également par leur sensualité et attiraient les gens avec les mouvements gracieux des danseurs légèrement vêtus. Une peinture de la tombe de Cheikh Abdul-Qurn (actuellement exposée à Musée anglais) montre les danseurs portant uniquement des bracelets et des écharpes, apparemment destinés à renforcer leur attrait.

Bientôt, les danses en Égypte ont commencé à se développer et à devenir plus variées et complexes. En plus de leurs propres rituels de danse du temple et des danseurs pygmées amenés des sources du Nil, des danses hindoues de filles des pays conquis de l'est sont également apparues. Ces nouvelles danses n'avaient plus les mouvements de balayage caractéristiques des hommes ou les postures rigides et anguleuses trouvées dans de nombreux reliefs en pierre égyptiens. Leurs mouvements étaient doux et lisses, sans fortes inclinaisons. Ces filles asiatiques ont apporté un style féminin aux danses égyptiennes.

Danse en Grèce classique

De nombreuses influences égyptiennes se retrouvent dans la danse grecque. Certains sont venus en Grèce grâce à la culture crétoise, d'autres grâce à des philosophes grecs partis étudier en Égypte. Le philosophe Platon (vers 428 - 348 av. J.-C.) était l'une de ces personnes et c'est lui qui devint un théoricien influent de la danse. Selon ses enseignements, les danses différaient des mouvements maladroits comme les convulsions en ce qu'elles mettaient l'accent sur la beauté du corps. Les danses du culte égyptien du taureau sacré Apis trouvèrent plus tard leur incarnation dans la danse du taureau crétois vers 1400 av. C'est lui qui a inspiré la création des danses dans le labyrinthe, que, selon la légende, Thésée a amené à Athènes à son retour avec les garçons et les filles libérés du labyrinthe.

Une autre forme de danse originaire de Crète et florissante en Grèce était la danse pyrrhique avec des armes. Il était pratiqué à Sparte dans le cadre de l'entraînement militaire et a également servi de base à l'affirmation du philosophe Socrate selon laquelle le meilleur danseur est meilleur guerrier. D'autres danses de groupe venues de Crète à Athènes comprenaient deux danses dédiées à Apollon et une danse dans laquelle des garçons nus imitaient la lutte. La dignité des femmes était soulignée par la ronde majestueuse et pieuse en l'honneur des dieux, qui était exécutée par des filles.

De nombreux vases, peintures et reliefs sculpturaux ont aidé les érudits modernes à prouver qu'une danse extatique existait en Grèce, associée au culte de Dionysos. Elle était jouée lors de la fête de la "folie sacrée" lors des vendanges d'automne. Dans son drame Les Bacchantes, Euripide (vers 480-406 av. J.-C.) décrit le déchaînement de femmes grecques appelées Bacchantes ou Ménades. Dans cette danse, ils encerclaient frénétiquement et rythmiquement des pas frappés, tombant en transe. Ces danses étaient une manifestation de possession, qui était une caractéristique de nombreuses danses primitives.

Le culte dionysiaque a conduit à la création du drame grec. Après les femmes, des hommes vêtus de masques de satyres dépravés sont entrés dans la danse. Peu à peu, le prêtre, chantant la vie, la mort et le retour de Dionysos, tandis que ses sbires décrivaient immédiatement ses paroles avec des danses et des pantomimes, devint un véritable acteur. La portée de la danse s'est lentement élargie pour inclure des objets et des personnages tirés des légendes homériques. Un deuxième acteur et un chœur ont également été ajoutés. Dans des intermèdes lyriques entre les pièces, les danseurs ont recréé des thèmes dramatiques à travers des mouvements adoptés à partir de danses rituelles et bachiques antérieures. Dans les comédies, les très populaires «kordaks» ont été joués - une danse masquée, célèbre pour sa débauche. Dans les tragédies, la chorale interprétait "emmeleya" - une danse calme accompagnée en jouant de la flûte.

Ces danses et pièces de théâtre étaient interprétées par des amateurs expérimentés. Cependant, à la fin du 5ème siècle avant JC, une classe spéciale de danseurs, acrobates et jongleurs est née, dans laquelle les femmes appartenaient aux "hetaray" ou courtisanes. Tout comme ils le faisaient en Égypte, ils recevaient des invités lors de fêtes et de banquets. L'historien Xénophon (vers 430-355 av. J.-C.) raconte dans son Symposium les louanges que Socrate prodiguait à la danseuse et garçon qui danse. Ailleurs, Xénophon décrit une danse représentant l'union de la légendaire héroïne Ariane avec Dionysos, un des premiers exemples de danse narrative.

Danse dans la Rome antique

Il y avait une différence significative entre les Étrusques et les Romains dans leur approche de la danse. Aujourd'hui, on sait peu de choses sur les Étrusques, qui ont habité la région au nord de Rome jusqu'à Florence et ont prospéré entre le 7ème et le 5ème siècle avant JC. Mais grâce au fait que leurs tombes ont été retrouvées, sur les murs desquelles de nombreuses peintures ont été trouvées, il est devenu évident que la danse jouait un rôle important dans la façon dont les Étrusques appréciaient la vie. Dans ces fresques, des peintures de femmes étrusques ont été trouvées exécutant des danses funéraires enchaînées, ainsi que des danses de couple animées et énergiques. Toutes ces danses étaient exécutées dans des lieux publics sans masque et avaient le caractère d'une parade nuptiale.

Les Romains, en revanche, avaient une attitude différente envers la danse, qui reflétait leur rationalisme sobre et leur réalisme. Cependant, les Romains n'ont pas complètement succombé aux tentations de la danse. Avant 200 avant JC danser dans Rome antique exécutées uniquement sous forme de processions chorales. Ils étaient suivis par des processions entières conduites par les grands prêtres des Salii, le collège sacerdotal des prêtres de Mars et de Quirinus, qui marchaient en cercle en frappant rythmiquement leurs boucliers. La danse était une partie importante des fêtes romaines - pendant les célébrations des Lupercales et des Saturnales, des danses de groupe sauvages ont été exécutées, qui ont été les précurseurs du carnaval européen tardif.

Plus tard, les influences grecques et étrusques ont commencé à se répandre à Rome, bien que la noblesse romaine considérait les personnes qui dansaient comme suspectes, féminines et même dangereuses. Un fonctionnaire du gouvernement n'en croyait littéralement pas ses yeux lorsqu'il a vu des dizaines de filles et de fils de patriciens et de citoyens romains respectés profiter pleinement de leur temps libre à l'école de danse. Vers 150 avant JC toutes les écoles de danse étaient fermées, mais la danse était imparable. Et bien que la danse ait pu être étrangère à la nature intérieure des Romains, au cours des années suivantes, de plus en plus de danseurs et de professeurs de danse ont commencé à être amenés d'autres pays. L'homme d'État et érudit Cicéron (106-43 av. J.-C.) a résumé l'opinion générale des Romains lorsqu'il a déclaré un jour que personne ne danserait tant qu'il ne serait pas devenu fou.

La forme de danse la plus populaire sous le règne de l'empereur Auguste (63 av. J.-C. - 14 apr. J.-C.) était la pantomime voyante sans paroles, qui transmettait des scènes dramatiques à travers des gestes stylisés. Les interprètes connus sous le nom de pantomimes ont d'abord été considérés comme des interprètes de langues étrangères car ils venaient de Grèce. Ils perfectionnent constamment leur art, et les deux danseurs mimes Batillus et Pylades deviennent de véritables vedettes de la Rome d'août. La performance stylisée des danseurs, qui portaient des masques correspondant au thème de leur danse, était accompagnée du jeu de musiciens jouant des flûtes, des cors et des instruments à percussion, ainsi que du chant d'une chorale qui chantait ce qui se passait sur scène entre épisodes de danse.

Source Wikipédia et 4dancing.ru

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