V dejinách ruského umenia bolo 17. storočie obdobím boja dvoch maliarskych škôl a formovania nových žánrov. Pravoslávna cirkev stále mal obrovský vplyv na kultúrny život osoba. Určité obmedzenia vo svojej činnosti zaznamenali aj umelci.

maľovanie ikon

Počas neskorého stredoveku bol v Rusku centrom koncentrácie umelcov a remeselníkov Kremeľ, resp Zbrojové komory. Pracovali tam najlepších majstrov architektúra, maliarstvo a iné druhy kreativity.

Napriek rýchlemu rozvoju umenia v celej Európe mala maľba v Rusku v 17. storočí iba jeden žáner - maľbu ikon. Umelci boli nútení tvoriť pod bedlivým dohľadom cirkvi, ktorá sa ostro stavala proti akýmkoľvek inováciám. Ruská ikonopisecká maľba sa formovala pod vplyvom maliarskych tradícií Byzancie a v tom čase už mala jasne vytvorené kánony.

Maliarstvo, podobne ako kultúra v Rusku v 17. storočí, bolo dosť samostatné a rozvíjalo sa veľmi pomaly. Jedna udalosť však viedla k úplnej reforme ikonopiseckého žánru. Pri požiari v roku 1547 v Moskve zhorelo veľa starovekých ikon. Bolo potrebné obnoviť stratené. A v procese, hlavné kameň úrazu Došlo k sporu o povahu tvárí svätých. Názory boli rozdelené, prívrženci starých tradícií verili, že obrazy by mali zostať symbolické. Zatiaľ čo umelci sú viac moderné pohľady boli za to, aby sa svätí a mučeníci stali realistickejšími.

Rozdeliť na dve školy

V dôsledku toho sa maľba v Rusku v 17. storočí rozdelila na dva tábory. Prvý zahŕňal zástupcov školy „Godunov“ (v mene Borisa Godunova). Snažili sa oživiť tradície maľby ikon Andreja Rubleva a ďalších stredovekých majstrov.

Títo majstri pracovali na zákazkách pre kráľovský dvor a reprezentovali oficiálnu stránku umenia. charakteristické znaky pre túto školu boli kanonické tváre svätých, zjednodušené obrazy davu ľudí v podobe mnohých hláv, zlatých, červených a modrozelených tónov. Zároveň si možno všimnúť pokusy umelcov sprostredkovať materialitu niektorých predmetov. Godunovská škola je známa najmä svojimi nástennými maľbami v komnatách Kremľa v Smolensku Katedrála, Katedrála Najsvätejšej Trojice.

Protichodnou školou bol „Stroganov“. Názov je spojený s obchodníkmi Stroganovmi, pre ktorých bola vyrobená väčšina objednávok a ktorí pôsobili ako „sponzori“ vo vývoji maľby v Rusku v 17. storočí. Práve vďaka majstrom z tejto školy sa začal prudký rozvoj umenia. Ako prví vyrobili miniatúrne ikony pre domáce modlitby. To prispelo k ich rozšíreniu medzi radových občanov.

Stroganovskí majstri čoraz viac presahovali cirkevné kánony a začali venovať pozornosť detailom prostredia, vzhľad svätých. A tak sa krajina začala pomaly rozvíjať. Ich ikony boli farebné a dekoratívne a výklad biblických postáv sa viac približoval obrazom. skutočných ľudí. Najznámejšie zo zachovaných diel sú ikony „Nikita bojovník“, „Ján Krstiteľ“.

Jaroslavľské fresky

Jedinečnou pamiatkou v dejinách maliarstva 17. storočia v Rusku sú fresky v Kostole proroka Eliáša v Jaroslavli, na ktorých pracovali umelci zo Zbrojovky. Charakteristickým znakom týchto fresiek sú výjavy z skutočný život ktoré prevládajú nad biblické príbehy. Napríklad v scéne s liečením hlavnú časť kompozície zaberá obraz roľníkov počas žatvy. Bol to prvý monumentálny obraz v domácom žánri.

Medzi týmito freskami možno nájsť rozprávkové a mytologické výjavy. Udierajú svojimi svetlé farby a komplexná architektúra.

Simon Ušakov

V každej fáze kultúrny rozvoj sa objavujú ich významné tváre. Osobou, ktorá presadila maliarstvo v Rusku v 17. storočí novým smerom a prispela k jeho čiastočnému oslobodeniu od náboženskej ideológie, bol Simon Ušakov.

Bol nielen dvorným maliarom, ale aj vedcom, učiteľom, teológom, človekom širokých názorov. Simon bol fascinovaný západným umením. Najmä ho to zaujímalo realistický obrazľudská tvár. To je jasne vidieť v jeho diele "Spasiteľ nie je vyrobený rukami".

Ushakov bol inovátor. Bol prvým ruským umelcom, ktorý použil Olejová farba. Vďaka nemu sa začalo rozvíjať umenie rytia do medi. Ako hlavný umelec zbrojnice tridsať rokov napísal mnoho ikon, rytín, ako aj niekoľko pojednaní. Medzi nimi je „Slovo pre milovníka maľby ikon“, v ktorom načrtol svoje myšlienky, ktoré by mal umelec pravdivo zobraziť ako zrkadlo. svet. Nasledoval to vo svojich spisoch a učil to svojich študentov. V jeho poznámkach sú odkazy na anatomický atlas, ktorý chcel napísať a ilustrovať rytinami. Zrejme však nebol publikovaný alebo sa nezachoval. Hlavnou zásluhou majstra je, že položil základy portrétnej tvorby 17. storočia v Rusku.

Parsuna

Po výrazných premenách v ikonomaľbe sa začal formovať žáner portrétu. Najprv sa hrala v ikonopiseckom štýle a volala sa „parsuna“ (z latinčiny – osoba, osobnosť). Umelci čoraz viac pracujú so živou prírodou a farárky sa stávajú realistickejšími, tváre na nich naberajú na objeme.

V tomto štýle boli namaľované portréty Borisa Godunova, cárov Alexeja Michajloviča, Fjodora Alekseeviča, cárov Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova.

Je známe, že na dvore pôsobili aj zahraniční umelci. Významne prispeli aj k rozvoju ruského maliarstva.

knižná grafika

Aj do ruských krajín sa tlač dostala dosť neskoro. Paralelne s jeho vývojom si však obľubu získavali aj rytiny, ktoré sa používali ako ilustrácie. Obrazy boli náboženského aj domáceho charakteru. Knižná miniatúra z tohto obdobia sa vyznačuje zložitou ornamentikou, dekoratívnymi písmenami a nachádza sa tu aj portrét. Majstri školy Stroganov výrazne prispeli k rozvoju knižných miniatúr.

Maliarstvo v Rusku v 17. storočí sa zmenilo z vysoko duchovného na svetskejšie a blízke ľuďom. Napriek odporu cirkevných predstaviteľov umelci obhajovali svoje právo tvoriť v žánri realizmu.

Obsah
Úvod

1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - najväčší Holandský maliar 17 storočie
1.2. Rubens Peter Paul
1.3. Francúzsky maliar Nicolas Poussin
Kapitola II Ruskí umelci 17. storočia
2.1. Zubov Alexej Fedorovič (1682-1750)
2.2. Nikitin Ivan Nikitich (1680-1742)
Záver
Bibliografia

Úvod

Maliarstvo 17. storočia sa rozvinulo pod vplyvom barokového štýlu, ktorý dominoval v r európske umenie do polovice 18. storočia. Nová filozofia sveta, ktorá spočívala v zmenených úsudkoch o jednote, rozmanitosti a nekonečnosti sveta, mala veľký vplyv na svetonázor vtedajších umelcov. Nádhera a dynamika, intenzita pocitov a pátosu, okázalosť, realita a iluzórnosť, kontrasty a hra svetla odlišujú maľbu tohto obdobia.
Sedemnáste storočie malo veľký význam pri formovaní národných kultúr novej doby. V tomto čase sa zavŕšil proces lokalizácie umeleckých škôl, ktorých rôznorodosť určovali najmä podmienky historického vývoja a ustálené tradície v jednotlivých krajinách. Ruskí umelci 17. storočia sa zaoberali najmä maľbou ikon. Španielski umelci 17. storočia sa formovali pod ideológiou mníšskych rádov, takže hlavné zákazky na umelecké diela boli z duchovnej sféry. Talianski umelci 17. storočia pozorne študovali rôzne vedy: prírodné vedy, perspektívu, anatómiu a iné. Náboženské výjavy zobrazovali na obrazoch ako svetské. V epizódach sa naučili sprostredkovať charakter a odhaliť hlboké pocity človeka. Pri pohľade na „Ukrižovanie“, ktoré napísal Andrea Mantegna. Holandskí umelci 17. storočia sa vyznačovali tým, že medzi nimi prevládali takmer všetky druhy maľby. Toto povolanie nebolo ani zďaleka zriedkavé, medzi prvými umelcami bola vážna konkurencia. V Holandsku obrazy umelcov 17. storočia zdobili domy nielen bohatých členov spoločnosti, ale aj obyčajných remeselníkov a roľníkov.
I. kapitola Zahraniční umelci 17. storočia
1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - najväčší holandský umelec 17. storočia
Dielo holandského umelca Rembrandta Harmensa Van Rijna (1606-1669) patrí k vrcholom svetovej realistickej maľby. Rembrandt maľoval historické, biblické, mytologické a každodenné témy, portréty a krajiny. Bol najväčším majstrom kresby a leptu v Európe. Jeho tvorba sa vyznačuje túžbou po filozofická úvahaživot, čestnosť k sebe a ľuďom, záujem o duchovný svet človeka. Morálne hodnotenie udalostí a človeka je hlavným nervom majstrovského umenia. Umelec dokonale sprostredkoval spiritualitu modelu a dramatickosť deja prostredníctvom efektov šerosvitu, kedy sa priestor akoby topí v tieni, v zlatom šere a lúč svetla zvýrazňuje jednotlivé postavy ľudí, ich tváre, gestá a pohyby. V tejto metóde obrazovej konštrukcie obrazu nemal Rembrandt páru (v zručnosti používať šerosvit mu môže konkurovať iba Talian Caravaggio). Ako sa to často stáva v dejinách umenia, napriek svojmu brilantnému talentu Rembrandt zomrel v chudobe a osamelosti, zabudnutý, neužitočný majster. Jeho dielo ale žije stáročia, a tak sa dá bez preháňania povedať, že Rembrandt je jedným z najväčších umelcov v dejinách svetového umenia. Mnohí by ho nazvali neprekonateľným maliarom, dokonca oveľa väčším ako Raphael alebo Leonardo. Zdalo by sa, že jeho dielo bolo spútané tradíciami a dogmami holandského protestantského umenia, pretože nikdy necestoval mimo Holandska. A predsa sa Rembrandt teší nielen z brilantnej techniky maľby, ale svojou tvorbou odhaľuje aj zjavenie: o jednoduchých ľudských citoch ešte nikto nehovoril tak hlboko, nežne, zaujímavo a prenikavo. Vo svojich historických a biblických scénach, v portrétoch svojich súčasníkov siaha do hĺbky psychologickej expresivity. Jeho múdrosť, súcit a nadhľad sú s najväčšou pravdepodobnosťou výsledkom sebapoznania: veľakrát, ako nikto iný, maľoval autoportréty a zachytával svoju životnú cestu, počnúc časom mladosti a úspechu a končiac starobou, čo prinášalo smútok a útrapy. AT tento moment je známych viac ako sto Rembrandtových autoportrétov, z ktorých každý je úžasným majstrovským dielom. Vďaka šťastným historickým okolnostiam má dnes Rusko jednu z najbohatších zbierok Rembrandtových obrazov. Takmer všetky sú uložené v Štátnom múzeu Ermitáž v Petrohrade, vrátane takých slávnych majstrovských diel ako „Návrat márnotratného syna“, „Danae“, „Portrét Saskie ako Flory“, „Portrét starého muža v červenom“. “, „Dávid a Uria“ atď. Viac ako jedna generácia ruských umelcov študovala na Rembrandtových obrazoch z Ermitáže. Ak nemáte možnosť navštíviť Štátnu Ermitáž, pozývame vás do našej virtuálnej galérie obrazov Rembrandta. Tu môžete vidieť takmer všetky slávne majstrovské diela majstra, z ktorých mnohé sú podrobne opísané. Príjemný výlet do podmanivého sveta úžasný umelec a citlivý človek - Rembrandt.

1.2. Peter Paul Rubens

Peter Paul Rubens, 1577-1640 - flámsky maliar a diplomat. Narodil sa v Siegene vo Vestfálsku 28. júna 1577 v rodine Jana Rubensa, antverpského právnika. Keď mal Peter Paul Rubens jedenásť rokov, zomrel mu otec a matka sa s deťmi presťahovala do Antverp. Budúci umelec sa vzdelával v jezuitskej škole. Schopnosť jazykov (hovoril šiestimi jazykmi) mu umožnila nielen ovládať kultúrne dedičstvo svojej éry, ale aj dosiahnuť významné úspechy na diplomatickom poli. Rubens študoval u troch flámskych maliarov – Tobiasa Verhachta, Adama van Noorta a Otta van Vena. V roku 1598 bol prijatý do cechu sv. Luke. V roku 1600 umelec prišiel do Talianska; tam študoval antickú architektúru a sochárstvo, talianske maliarstvo, maľoval aj portréty (hlavne v Janove) a oltárne obrazy (v Ríme a Mantove). V roku 1603 ho poslal Rubensov taliansky patrón Vicenzo Gonzaga v rámci diplomatickej misie do Španielska. V roku 1608 sa Rubens stal dvorným maliarom Izabely Rakúskej, usadil sa v Antverpách a v roku 1609 sa oženil s aristokratkou Isabellou Brantovou. Z tohto manželstva sa narodili tri deti. Aby Rubens uspokojil rastúci dopyt po svojich obrazoch, vytvoril za pár rokov veľkú dielňu, kde pracovali A. van Dyck, Jacob Jordaens a F. Snyders. Robil náčrty, ktoré jeho žiaci a asistenti preniesli na plátno, a potom na konci práce maľby mierne korigoval. Dokonca zorganizoval ryteckú školu, aby svoje dielo ešte viac rozšíril. Obrazy Rubensa z týchto rokov sú plné vášnivej dynamiky. Medzi zápletkami prevládajú lovecké scény, bitky, živé a dramatické evanjeliové epizódy a výjavy zo života svätých, alegorické a mytologické kompozície; Rubens v nich rád písal energické, silné telá, ktoré sa jeho súčasníkom tak páčili. Okrem zákaziek miestnych cirkví a antverpských aristokratov dostával umelec zákazky aj zo zahraničia, najmä z Anglicka. Veľká dielňa, ktorej budovu navrhol v štýle janovského paláca (obnovený v rokoch 1937-1946), sa čoskoro stala spoločenským centrom a dominantou Antverp. V 20. rokoch 17. storočia Rubens pracoval pre francúzsky kráľovský dom. Pre Máriu de Medici napísal cyklus alegorických panelov na výjavy z jej života a vyrobil kartónové tapisérie na objednávku Ľudovíta XIII. a tiež začal cyklus skladieb s epizódami zo života francúzskeho kráľa Henricha IV. Navarrského, ktorý zostal nedokončený. Od začiatku 20. rokov 17. storočia pôsobil Rubens v diplomacii. V rokoch 1628 a 1630 Rubens cestoval do Madridu a Londýna na diplomatické misie a podieľal sa na uzavretí mierovej zmluvy medzi Španielskom, Anglickom a Holandskom. Po návrate do Antverp bol Rubens prijatý s veľkými poctami; španielsky kráľ mu udelil titul štátneho radcu a anglický kráľ - osobná šľachta. Rubens sa čoskoro oženil so šestnásťročnou Elenou Fourmanovou; mali päť detí. Počas týchto rokov sa Rubensov štýl zmenil - skladby sú postavené vo voľnom a plynulom rytme, ktorý je charakteristický pre skoré obdobie kreativitu, strnulú sochársku interpretáciu foriem nahrádza ľahšia a vzdušná farebná modelácia. V nich možno postrehnúť vplyv diel Tiziana, ktoré Rubens skopíroval počas svojho pobytu v Madride. Napriek tomu, že veľa času strávil prácou na veľkých dekoratívnych kompozíciách a štruktúrach (maľovanie stropu v banketovej sieni v paláci Whitehall v Londýne; víťazné oblúky na počesť vstupu Infante Ferdinanda do Antverp; výzdoba Torre de la Lovecký zámok Parada), Rubensovi sa podarilo napísať aj komornejšie, lyrické diela. Je medzi nimi portrét "Helen Fourman Fur Coat" (okolo 1638-1640, Viedeň, Kunsthistorisches Museum), "Kermessa" (okolo 1635-1636, Louvre), a najmä niekoľko žiarivých, jasne osvetlených krajín vytvorených v posledných piatich rokov života na vidieckom statku neďaleko Mechlina. Rubens zomrel 30. mája 1640.
Vo svojich dielach sa Rubensovi podarilo dosiahnuť to, po čom túžili tri predchádzajúce generácie flámskych umelcov: spojenie flámskeho realizmu s klasickou tradíciou oživenou talianskou renesanciou. Umelec bol obdarený veľkou tvorivou energiou a nevyčerpateľnou fantáziou; čerpajúc inšpiráciu z rôznych zdrojov, vytvoril si svoj vlastný jedinečný štýl. Ním zhotovené oltárne obrazy sa vyznačujú zmyselnosťou a emocionalitou; výzdobou zámkov aristokracie éry nastupujúceho absolutizmu prispel k šíreniu barokového štýlu - umeleckého jazyka nielen protireformácie, ale aj sekulárnej kultúry tentokrát.

1.3. Francúzsky maliar Nicolas Poussin
Narodil sa v roku 1594 v Les Andelys v Normandii. Prvým Poussinovým učiteľom bol Quentin Varin z Amiens, ktorý žil v Les Andelys v rokoch 1611 až 1612. V roku 1612 prišiel Poussin do Paríža, kde Alexandre Cutois, kráľovský komorník, dal mladému umelcovi príležitosť navštíviť kráľovskú zbierku obrazov; tam prvýkrát videl diela Rafaela a majstrov jeho školy. V Paríži sa Poussin zoznámil s básnikom Giovannim Battistom Marinom, pre ktorého následne dokončil nádhernú sériu kresieb podľa scén Ovidia, Vergilia a Tita Livia, ktorá je dnes uložená na zámku Windsor.
Na jar roku 1624 prišiel umelec do Ríma a usadil sa tam na zvyšok svojho života. V roku 1640, keď sa Poussinova sláva konečne dostala do jeho vlasti, dostal pozvanie od Ľudovíta XIII. a bol nútený sa na chvíľu vrátiť do Paríža. V Paríži Poussin vytvoril také diela ako Eucharistia, Zázrak sv. Francis Xavier (obaja v Louvri) a Čas zachraňuje pravdu pred závisťou a rozpormi (Lily, Múzeum výtvarného umenia). Ten bol objednaný kardinálom Richelieu a mal byť ozdobou stropu. Je známe, že život na kráľovskom dvore dotkol Poussina a v roku 1642 sa vrátil do Ríma.
Hlavnými zdrojmi Poussinovej maľby sú diela klasickej antiky a talianskej renesancie. O jeho veľkom záujme o pamiatky starovekého Ríma svedčia početné kresby. Vlastní množstvo náčrtov antických reliéfov, sôch a sarkofágov. Klasické motívy, také početné v Poussinových dielach, však takmer vždy mení a prerába v súlade s vlastnými umeleckými cieľmi. Z diel majstrov talianska renesancia najsilnejší vplyv na umelca mal obraz Raphaela a Tiziana. V neskorších dielach Apolóna a Daphne (okolo 1664) a sérii štyroch obrazov Ročné obdobia (1660 – 1664, všetky v Louvri) sa Poussin obracia k lyrickým motívom; tieto diela sú kompozične bohatšie a jemnejšie v technike ako čisto romantické plátna raného obdobia. Séria Ročné obdobia s biblickými scénami Raj (jar), Ruth (leto), Exodus (jeseň) a Potopa (zima) je jednou z najlepších Poussinových krajín.
Poussin vytvára diela, ktoré predvídajú drsné občianstvo neskorého klasicizmu ("Smrť Germanicus", okolo 1628, Inštitút umenia, Minneapolis), barokové plátna ("Mučedníctvo nad Erazmom", okolo 1628-1629, Vatikánska Pinakotéka), osvietensko-poetické obrazy na mytologické a literárne námety, poznamenané osobitnou aktivitou farebného systému, blízkeho tradíciám benátskej školy. („Spiaca Venuša“, Galéria obrázkov, Drážďany; "Narcis a ozvena", Louvre, Paríž; "Rinaldo a Armida", Múzeum výtvarného umenia. A. S. Puškin, Moskva; všetky tri - asi 1625-1627; "Kráľovstvo flóry", okolo 1631-1632, Galéria umenia, Drážďany; "Tancred a Erminia"). Poussinove klasické princípy sa jasnejšie odhaľujú na plátnach druhej polovice 30. rokov 20. storočia. („Znásilnenie Sabiniek“, 2. verzia, cca 1635; „Izrael zbiera Mannu“, cca 1637-1639; obe – v Louvri v Paríži). Prenasledovaný kompozičný rytmus vládnuci v týchto dielach je vnímaný ako priamy odraz rozumného princípu, ktorý mierni základné impulzy a dodáva veľkosť ušľachtilým skutkom človeka. V rokoch 1640-1642 pôsobil Nicolas Poussin v Paríži na dvore Ľudovíta XIII. („Čas zachraňuje pravdu pred zásahmi závisti a nezhody“, asi 1641-1642, Art Museum, Lille). Intrigy dvorných umelcov na čele so S. Vue podnietili Poussina k návratu do Ríma.

Kapitola II Ruskí umelci 17. storočia
2.1. Zubov Alexej Fjodorovič
Najprv bol maliarom v Zbrojnici, od roku 1699 sa učil u Adriana Schkhonebeka „robenie erbov“ (na známkový papier). Na dôkaz svojich znalostí rytiny Zubov už v roku 1701 predložil zbrojnici kópiu holandskej Biblie z roku 1674 podpísanú: „Z fresky Zostúpenie Ducha Svätého“.
Zubov sa čoskoro stal zručným rytcom a vyryl mnoho veľkých listov, v ktorých dosiahol špičkovú technológiu. Obrovská veduta Petrohradu, ktorú vyryl na 8 doskách, vo dvojici pohľad na Moskvu, vyrytý Janom Bliklandtom, je najlepším dielom Zubova. Vlastní aj zábery námorných bitiek („Bitka pri Grengame“, 1721), slávností pri príležitosti víťazstiev („Slávnostný vstup ruských vojsk do Moskvy po víťazstve pri Poltave“, 1711) a iných dôležitých udalostí tej doby. Zubov doplnil prednú časť takýchto obrázkov presne sprostredkovanými životnými detailmi. Vytváral rytiny, pričom využíval kresby a projekty architektov, napríklad M. G. Zemtsova. Dokumentárny charakter kompozícií sa spájal s dekoratívnosťou rytého plechu a obrazom údajných stavieb. Pohľady na mesto stvárnil umelec „z vtáčej perspektívy“, čo prispelo k pocitu z rozsahu grandióznych scén – panorám brehov Nevy.
Od roku 1714 pôsobil Zubov v Petrohrade. Bol starším majstrom v petrohradskej tlačiarni. Po smrti Petra I., za vlády Kataríny I., robí Zubov portrét cisárovnej (1726, z originálu I. Adolského), vyryje spolu s P. Pikartom jazdecký portrét Petra (1726), na objednávku A. D. Menshikova, portréty jeho manželky a dcér „najpokojnejšieho“ princa – D. M. a M. A. Menshikova (1726). Na jeseň roku 1727 bola zatvorená petrohradská tlačiareň, v ktorej bol Zubov od svojho príchodu do severnej metropoly. Po rezignácii bol nútený, podobne ako jeho brat, premeniť sa na majstra populárnych populárnych tlačovín. Umelec sa pokúšal zamestnať v Ryteckej komore Akadémie vied, ale nikdy tam nezískal trvalé zamestnanie. V roku 1730 sa vrátil do Moskvy.
V starom hlavnom meste Zubov stále pracuje veľmi intenzívne. V roku 1734 vytvoril portréty Petra I., Petra II. a Anny Ioannovny. Veľa pracuje na zákazkách cirkví a bohatých občanov. Ale Zubovove veci tejto doby ukazujú, aká tenká bola vrstva nová kultúra ako silne záviseli ruskí umelci na prostredí, ako silné boli tradície predpetrínskej éry. Svedčí o tom slávny "Pohľad na Solovecký kláštor" - obrovská rytina, ktorú Zubov vyrobil spolu so svojím bratom Ivanom v roku 1744. Akoby tam neboli výhľady na Petrohrad, bitky, portréty. Akoby ani samotná petrovská éra neexistovala. Akoby nikdy neopustil moskovského Zubova a zbrojnicu. Posledné nám známe diela rytca pochádzajú z roku 1745 a posledná zmienka o ňom je z roku 1749. Majster zomrel v chudobe a temnote.
Posledný list vyrytý Zubovom bol zaznamenaný v roku 1741. Jeho najlepšie portréty v čiernom štýle: "Catherine I", "Peter I", dve princezné "Daria a Marya Menshikov" - sú mimoriadne zriedkavé; dláto - "Catherine I", "Golovin" a "Stefan Yavorsky". Rovinský ("Ruskí rytci", M. 1870) uvádza zoznam 110 tabúľ od Zubova. Niektoré dosky prežili dodnes a sú dokonca schopné produkovať stále dobré výtlačky.

2.2. Nikitin Ivan Nikitich
Narodený v Moskve, syn kňaza Nikitu Nikitina, ktorý slúžil v Izmailove, brat kňaza Herodiona Nikitina, neskoršieho veľkňaza Archanjelskej katedrály v Kremli, a maliara Romana Nikitina.
Študoval v Moskve, zrejme v zbrojárskej komore, možno pod vedením Holanďana Shkhonebeka v ryteckej dielni. V roku 1711 bol preložený do Petrohradu, študoval u Johanna Tannauera, nemeckého umelca, ktorý ako jeden z prvých prijal pozvanie Petra Veľkého presťahovať sa do Petrohradu, aby vyučoval perspektívnu maľbu ruských umelcov. Rýchle získanie autority na súde. V rokoch 1716-1720 bol na štátnom dôchodku spolu s bratom Romanom poslaný medzi dvadsať ľudí na štúdiá do Talianska, Benátok a Florencie. Študoval u takých majstrov ako Tommaso Redi a J. G. Dangauer. Po návrate sa stáva dvorným maliarom. Nikitin teda vlastní portrét umierajúceho Petra Veľkého. V roku 1732 bol spolu s bratom Romanom, tiež umelcom, zatknutý v súvislosti s urážkou na cti Feofanovi Prokopovičovi. Po piatich rokoch vyšetrovacej väzby v Pevnosť Petra a Pavla bol zbitý bičmi a doživotne vyhnaný do Tobolska. V roku 1741 po smrti Anny Ioannovnej dostal povolenie vrátiť sa do Petrohradu. Odišiel v roku 1742 a zomrel na ceste.
Existujú len tri podpísané Nikitinove diela, spolu s tými, ktoré sú mu pripisované, len asi desať. Skorá práca stále obsahujú stopy parsuny, čo bol jediný portrétny štýl v Rusku v 17. storočí. Nikitin je jedným z prvých (často označovaných ako prvý) ruských umelcov, ktorí sa vzdialili od tradičného ikonopiseckého štýlu ruskej maľby a začali maľovať s perspektívou, tak ako v tom čase v Európe. Je teda zakladateľom tradície ruštiny
atď.................

Využitie výdobytkov renesancie ako hotový umelecký systém (lineárna a vzdušná perspektíva, šerosvit, blízka tónová farebnosť, štúdium prírody). Hlboký rozvoj jednotlivých štruktúrnych prvkov systému z dôvodu expresivity. Skúška pevnosti systému. Rozvoj individuálnych tvorivých spôsobov. Školy veľkých majstrov(študenti, imitátori). Štúdium diel majstra, umelecké pamiatky, pochopenie princípov majstrovského umenia, kopírovanie jeho diel, vytváranie vlastných diel na spôsob majstra, formovanie vlastného spôsobu, siahajúce až k spôsobu učiteľa. Výtvarná výchova získava autonómiu od remeselnej stránky veci. maliarsku techniku: tmavý podklad, pastovitá podmaľba - svetlá a tieňová modelácia formy, predpisovanie - farebné riešenie, detailovanie foriem, lazúrovanie - nanášanie tenkých priehľadných vrstiev farby na nuansovanie farby, dodanie celkového tónu obrazu. Maľba na plátne (predtým dominovalo drevo).

Maliari: Caravaggio (Taliansko) - záujem o zobrazovanie prírody, inštalácia na pravde v umení, figúrové kompozície "zátišia". Ľudovo sediaci, vyhýbanie sa idealizácii obrazov, prízemná interpretácia mytologických a kresťanských námetov, akcentovanie svetelnej a tieňovej modelácie objemov (sochy), neutrálne tmavé pozadie, blízka farebnosť, lakonizmus kompozícií, statický charakter, pastovitá podmaľba, hladké písanie vrchných vrstiev maľby. Rembrandt (Holandsko) – svetelná a tieňová modelácia foriem, stvárnenie atmosféry, impastomaľba (otvorený ťah), teplá tónová farba bohatá na nuansy, emocionálne nuansy psychologických stavov v portrétoch, náboženské a mytologické obrazy, neprikrášlená príroda, duchovná krása škaredý človek. Velasquez (Španielsko) - neprikrášlená príroda, kompozície figúry "zátišia", Dôstojnosť jednotlivca s vonkajšou škaredosťou, jemné farebné odtiene bohaté na odtiene, obrazová maniera, zložité priestorové (plánované) kompozície. Rubens (Flámsko) - barokový štýl, pompéznosť foriem, materiálna veľkorysosť sveta, búrlivá dynamika, diagonálna výstavba kompozícií, voľný maliarsky štýl, koloristická bohatosť, jemné farebné nuansy. Poussin (Francúzsko) - štýl "klasicizmu", jasnosť, vyváženosť, pokoj a harmónia kompozícií, prehľadnosť priestorových konštrukcií, orientácia na estetiku antiky, idealizácia figúr, podanie lokálnej farebnosti s prepracovaním šerosvitu, vyváženosť farebných škvŕn . El Greco (Španielsko) - presahujúce renesančný umelecký systém, subjektívne videnie formy, skreslenie proporcií, anatómie, vertikálne predĺžené postavy, sploštenie priestoru, odklon od objektívneho šerosvitu, žiarivé svetlo a farba, voľná obrazová maniera, zvýšený duchovný prejav.

14. Štýly v európskom umení 17. - 19. storočia.

Štýl- podriadenosť umeleckých prostriedkov akejkoľvek formatívnej myšlienke; charakterizujú určité princípy tvarovania a špecifický súbor prvkov (motívov). Dôvody zmeny štýlov: mimoumelecké – ekonomika, politika, ideológia; intraartistický – logika vývoja umenia a umeleckého vnímania. V 17. storočí v Európe sa formovali štýly „baroko“, „klasicizmus“. Ich spoločným zdrojom je umenie renesancie. barokový- svieži, luxusný štýl; váženie más, rast zmyselnosti, vecnosť foriem, estetika nadmieru, dynamika kompozícií, napätie. Kľúčovým prvkom je zakrivená čiara, organická forma. Príčiny vzniku: rozvoj kapitalizmu, nový bohatý konzument umenia, katolícka pomsta v boji proti reformácii, nasýtenie emócií publika, túžba po ďalších vzrušeniach z umenia. Zdroje štýlu: dielo Michelangela, Veroneseho, Tintoretta. Architekti: Bernini, Borromini (Taliansko, 17. storočie), Rastrelli (Rusko, 18. storočie). Sochári: Bernini (Taliansko, 17. storočie), Shubin (Rusko, 18. storočie). Maliari: Rubens, van Dyck, Snyders (Flámsko, 17. storočie), Correggio (Taliansko, 17. storočie) rokoko- Neskorý barok (18. storočie) - zjemnenie foriem, dekoratívnosť, elegancia. Kľúčovým prvkom je umývadlo. Maľba: Watteau, Fragonard (Francúzsko), Hogarth (Anglicko), Rokotov, Levitsky (Rusko).

klasicizmus- jasnosť, pokoj, vyváženosť foriem, harmónia proporcií, miera, statika, symetria, pridržiavanie sa estetiky staroveku. Kľúčovým prvkom je priama čiara, geometrický obrazec, objednať. Príčiny výskytu: absolutizmus (Francúzsko, Španielsko), túžba diváka po normatívnosti, harmónii, korektnosti v umení (konzervativizmus chutí). Zdroje štýlu: antika, renesancia (tvorivosť Bramante, Palladio, Leonardo da Vinci, Raphael). Architektúra: súbory Louvre, Versailles (Francúzsko, 17. - 18. storočie), stavby architektov Bazhenov, Kazakov (Rusko, koniec 18. storočia). Obraz: Poussin, Claude Lorrain (Francúzsko, 17. storočie), Losenko (Rusko, 18. storočie), Venetsianov, A. Ivanov (Rusko, 19. storočie). impéria– neskorý klasicizmus, zjednodušenie, stereometria foriem, archeologická citácia antických inklúzií. Architektúra: Zacharov, Beauvais (Rusko, prvá štvrtina 19. storočia). Klasicizmus s rôznym významom prežil dodnes. Začiatok 20. storočia - neoklasicizmus, 30. - 50. roky. 20. storočie - totalitný klasicizmus (Nemecko, Rusko), dnes - jeden z trendov postmoderny. Eklekticizmus- umelecký smer v európskom umení strednej - 2. polovice 19. storočia, spočívajúci v napodobňovaní rôznych historických a národných štýlov (foroko, neogotika, pseudoruský štýl ...). Príklad: budova Historického múzea v Moskve (architekt Sherwood). Moderné- štýl konca 19. - začiatku 20. storočia, založený na organickej krivočiarej štylizácii foriem. Príklad: Kaštieľ Rjabušinského v Moskve (architekt Shekhtel).

Na prelome 16. a 17. storočia dve umeleckých smerov: jeden je spojený s umením Caravaggia, druhý - s dielom bratov Caracciovcov. Činnosť týchto majstrov nielenže do značnej miery určovala povahu talianska maľba. Malo to však vplyv aj na umenie celej Európy umeleckých škôl 17 storočie.

Podstatou Caravaggiovej reformy bolo úplne bezpodmienečné uznanie estetickej hodnoty skutočnosti, ktorú sa obrátil na obraz. Caravaggiove experimenty skoré štádium tvorivosť je jedným zo zdrojov rozvoja domácnosti žánrová maľba v umení 17. storočia napríklad obraz „Veštec“.

Caravaggio "Fortuneteller"

V maľbe na tradičné námety však Caravaggio zostáva verný sám sebe – „preložil“ Posvätnú históriu do ľudový jazyk. Umenie Caravaggia dalo vznik celému trendu – karavagizmu, ktorý sa rozšíril nielen v Taliansku, ale aj v Španielsku, Flámsku, Holandsku a Francúzsku.

Caravaggistes sú označovaní ako skutoční nasledovníci, ktorí pochopili podstatu Caravaggiovej reformy (Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine), ako aj početní imitátori, ktorí si preberajú motívy a techniky z umelcových diel.

V Taliansku v 17. storočí výrazovo rozvinutá forma baroka so svojím vlastným zmyslom pre „prirodzenosť“ akoby stierala hranicu medzi ilúziou a realitou. Klasicizmus a realizmus, tendencie charakteristické pre túto dobu, boli v protiklade s barokovým štýlom alebo inými zložkami tohto štýlu. Veľký krajinár Salvator Rosa, Alessandro Magnasco, Giovanni Serodine, Domenico Fetti - to nie je ani zďaleka úplný zoznam Caravaggiových nasledovníkov.

Taliansky maliar Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610) je najväčším majstrom realistického umenia 17. storočia. Stáva sa skutočným dedičom renesancie, je rebelom v umení a v živote smelo porušuje akademické kánony. Na obrázku svojho raného diela „Veštec“ opisuje ženu v bielom saku, ktorá predpovedá svoj osud mladému mužovi oblečenému v hodvábnej košieľke a klobúku s pštrosím perom.

Umelcovými hrdinami sú obyčajní ľudia, snaží sa ich obliecť do krásnych šiat a urobiť ich čo najkrajšími. Na Caravaggiovom obraze „Nanebovzatie Márie“ upútajú pozornosť predovšetkým apoštoli so zlomeným srdcom a zhromaždení okolo zosnulej Matky Božej. Panna leží v šarlátovom rúchu, ruky má ochabnuté, oči zavreté, bledý vzhľad, zdôraznený aplikovanou šarlátovou farbou, typickou pre diela Caravaggia.

V miestnosti sa tlačili tí, ktorí sa prišli rozlúčiť so zosnulým. Plešaté hlavy mužov sa skláňali v žalostnom tichu, niektorí, smútiaci, utierajú slzu. Smútiace dievča sedí na malej stoličke. Zlomená žiaľom si zložila hlavu do dlaní a rozplakala sa.

Najzaujímavejší zo všetkých je karavaggista Giovanni Serodine (1600-1630). Mladý muž sa narodil v severnom Taliansku, študoval v Ríme a unesený karavaggizmom vlastný štýl maľovanie obrazov.

V Christ Preaching in the Temple drsné svetlo zvýrazňuje Serodinu výraznú paletu, v ktorej dominujú hnedasté a červenkasté tóny. Dramatický svetelný efekt predvída Rembrandtove obrazy. Serodine maľuje rýchlymi, silnými ťahmi, čím dodáva svojim obrazom dramatickú intenzitu a farba a svetlo dodávajú organickú obrazovú jednotu.

Spolu s realistickým umením caravaggovského štýlu sa v 17. storočí objavil aj ďalší umelecký fenomén, akým bol bolonský akademizmus, ktorý vznikol v úzkej súvislosti s formovaním nového štýlu v architektúre a maliarstve – baroka. To sa podarilo umelcom - bratom Agostinovi a Annibale Caracciovcom a ich bratovi Lodovico Caraccimu. Bratia sa snažili využiť renesančné dedičstvo, talentovaný bol najmä Annibale Caracci. Bol vlastne vedúcou osobnosťou nového prúdu. Annibale Caracci vytvoril slávnostné monumentálne umenie, používané najmä na maľbách kostolov, palácov a oltárnych obrazov. Vzniká nový oltárny typ obrazu, napríklad Madona zjavujúca sa sv. Lukášovi.

Reprodukcia Annibale Caracciho „Madonna zjavujúca sa svätému Lukášovi“.

Toskánsky umelec Orazio Gentileschi (1565-1639), ktorý sa narodil v Pise, si navždy zachoval črty toskánskej kultúry: vkus pre sofistikované závesy, čisté formy a studené farby. Bol tiež imitátorom Caravaggia, ale viac dbal na idylické stvárnenie obrazov, ako napríklad na obraze „Odpočinok na úteku do Egypta“

Fotografia obrazu od Orazia Gentileschiho „Odpočinok na úteku do Egypta“

Žánrovo realistické hľadania sa najjasnejšie prejavili v diele umelca Domenica Fettiho (1589-1623). Fetti vzdal hold realistickému karavagizmu aj barokovej maľbe; v jeho tvorbe sa najviac prejavuje vplyv benátskych maliarov Rubensa a krajinára Elsheimera. Sám Fetty sa ukázal ako vynikajúci kolorista, maľoval malými vibrujúcimi ťahmi a oživujúcimi plátnami v modrozelených a hnedosivých farbách. Má tendenciu písať skôr žánrovo-lyrické obrazy, interpretuje náboženské obrazy, ako napríklad v obraze „Podobenstvo o stratenej drachme“.

Reprodukcia obrazu „Podobenstvo o stratenej drachme“ od Domenica Fettiho.

Jednoducho a poeticky umelec rozpráva o podobenstve so stratenou drachmou. V takmer prázdnej miestnosti sa mladá žena ticho uklonila pri hľadaní mince. Malá lampa umiestnená na podlahe osvetľuje postavu a časť miestnosti a zároveň vytvára náladový oscilujúci tieň na podlahe a stene. Na hraniciach kontaktu svetla a tieňa sa rozžiari zlatá, biela a červená farba maľby. Zdá sa, že obraz je prehriaty jemnou lyrikou.

Meno Salvatore Rosa z Neapola (1615-1673) sa často spája s predstavami o takzvaných romantických krajinách a vôbec o charakteristickom „romantickom“ smere maliarstva 17. storočia.

Malebné dielo Salvatora Rosu je veľmi nerovnomerné a rozporuplné. Pracoval v rôznych žánroch - historický, portrét, bitka a krajina, maľoval aj obrazy s náboženskou tematikou. Mnohé z jeho diel sú akoby závislé od akademického umenia. Iné svedčia o vášni pre karavagizmus. Takým je napríklad obraz „Márnotratný syn“, ktorý zobrazuje kľačiaceho mladého pastiera vedľa oviec a kravy. Špinavé päty kľačiaceho márnotratného syna zobrazené priamo na popredia, veľmi pripomínajúce techniky Caravaggia.

Fotografia obrazu od Salvator Rosa „Márnotratný syn“

Romantický opis krajiny a žánrových scén v Roseovej tvorbe bol akoby opozíciou k oficiálnej barokovej akademickej maľbe.

Kreatívna činnosť bratov Carracciovcov k nim v Bologni a Ríme prilákala mladých umelcov, ktorí nadviazali na myšlienky Carracciho v monumentálno-dekoratívnych a krajinomaľba. Z jeho študentov a spolupracovníkov sú najznámejší Guido Reni a Domenichino. V ich diele dospieva štýl bolonského akademizmu do konečnej kanonizácie.

Guido Reni (1575-1642) je známy ako autor mnohých náboženských, ale aj mytologických diel, zručne prevedených, no nudných a sentimentálnych. Meno tohto nadaného umelca sa stalo synonymom všetkého nudného, ​​nezáživného a falošného, ​​čo bolo v akademickej maľbe.

Fotografia obrazu Guida Reniho "Aurora".

Táto nádherná kompozícia, plná ľahkej pôvabnosti a pohybu, je namaľovaná v chladnej škále strieborno-šedej, modrej a zlatej a dobre charakterizuje sofistikovanosť a konvenčnosť Reniho štýlu, ktorý je veľmi odlišný od drsnej plasticity a sýtych farieb zmyselného obrázky bratov Carracciovcov.

Znaky prvkov klasicizmu sa najplnšie odzrkadľujú v tvorbe ďalšieho predstaviteľa bolonského akademizmu Tsampieriho Domenica, či Domenichina (1581 - 1641). Ako študent Annibala Carracciho mu pomáhal pri maľovaní farnských galérií; Domenichino bol známy svojimi slávnymi freskovými cyklami v Ríme a Neapole. Väčšina jeho diel len málo vyčnieva z tvorby iných umelcov akademického štýlu. Poetickej sviežosti nechýbajú len tie obrazy, kde sa viac priestoru venuje krajinám, napríklad Dianin hon.

Fotografia obrazu od Domenichina "Lov na Dianu"

Umelec na obrázku zobrazil súťaž nýmf v presnosti streľby, ako ju opísal v Eneide starorímsky básnik Virgil. Jeden šíp mal zasiahnuť strom, druhý - stuhu a tretí - vznášajúci sa vták. Diana, predviedla svoje schopnosti a neskrýva radosť, triasla lukom a tulcom vo vzduchu.

Taliansko, ktoré v období renesancie zohrávalo vedúcu úlohu v maliarstve, architektúre a kultúre západoeurópskych krajín, ju do konca 17. storočia postupne stráca. Všetci ju však dlho uznávali ako určovateľku umeleckého vkusu a na niekoľko storočí do Talianska prichádzali celé zástupy pútnikov z oblasti umenia, zatiaľ čo na umeleckej scéne európskych krajín vznikali nové mocné školy.

odkazy: