slajd 2

slajd 3

slajd 4

zjeżdżalnia 5

zjeżdżalnia 6

Slajd 7

Slajd 8

Slajd 9

zjeżdżalnia 10

slajd 11

zjeżdżalnia 12

slajd 13

slajd 14

zjeżdżalnia 15

zjeżdżalnia 16

slajd 17

zjeżdżalnia 18

slajd 19

zjeżdżalnia 20

slajd 21

zjeżdżalnia 22

zjeżdżalnia 23

LITERATURA Znacząca rola w rozwoju kultura chrześcijańska W starożytną Rosję grała odręcznie napisana książka. Starożytna Rosja wraz z chrześcijaństwem przyjęła istniejący system gatunków piśmiennictwa kościelnego rozwinięty w Bizancjum. Przede wszystkim były to księgi biblijne Starego Testamentu, w skład których wchodziły: „Prawo”, „Prorocy”, „Pisma”, a także hymnografia i „słowa” związane z interpretacją „Pisma” oraz modlitwy i hymny kościelne .

Gatunki historyczne opierały się na folklorze, ale rozwijały książkowe formy narracji. Nie pozwalali na fikcję artystyczną; najczęściej zawarte w annałach. Kronika to jeden z pierwszych oryginalnych gatunków literatury rosyjskiej. Są to historyczne narracje o współczesnych wydarzeniach, ułożone w rok. Dla kronikarza ważny jest nie czas trwania rządów, ale kolejność wydarzeń. Początek artykułu kronikarskiego jest tradycyjny: „Latem…”, następnie wskazuje się rok od stworzenia świata i opisuje wydarzenia tego roku. Gatunek kroniki obejmuje różne gatunki, na przykład narrację hagiograficzną o Borysie i Glebie, historię wojskową. Różnorodność tematów, wydarzeń, gatunków pomaga kronikarzowi opowiadać o historii Rosji. kronika gatunków historycznych, opowieść, tradycja, legenda

Opowieść o minionych latach, najważniejsze dzieło literatury rosyjskiej, opracował mnich kijowsko-pieczerskiego klasztoru Nestor. Kronikarz niejednokrotnie wygłasza kazanie wzywające do miłości, harmonii pokoju. Kronika ta określa miejsce Słowian, miejsce narodu rosyjskiego wśród narodów świata, nakreśla genezę pisma słowiańskiego, kształtowanie się państwa rosyjskiego, opowiada o wojnach, zwycięstwach i klęskach, o świętach, tradycjach i obrzędach , odnosi się do ludowe opowieści i legendy. Czytelnik dowie się również o umowach biznesowych między Rosją a Konstantynopolem.

Gatunki religijne i dydaktyczne kazań, żywotów, uroczystych słów, spacerów często powstawały z okazji konkretnego wydarzenia i pełniły ważną rolę edukacyjną. gatunek kazań służył jako ważny środek propagowania nowej doktryny religijnej. Na przykład „Nauki Teodozjusza z jaskiń”. „Instrukcja” Włodzimierza Monomacha, napisana przez niego na krótko przed śmiercią (ok. 1117), została uznana przez kronikarzy za testament dla dzieci. Centralną ideą „Instrukcji” jest ścisłe przestrzeganie interesów państwa, a nie osobistych.

Autor życia (hagiograf) starał się stworzyć wizerunek idealnego bohatera kościoła. Zazwyczaj życie świętego zaczynało się od krótkiej wzmianki o jego rodzicach (święty urodzi się „z rodzica wiernego i pobożnego”); potem chodziło o dzieciństwo świętego, jego zachowanie. Wyróżniał się skromnością, posłuszeństwem, kochał książki, stronił od gier z rówieśnikami i był przepojony pobożnością. W przyszłości jego ascetyczne życie zaczyna się w klasztorze lub samotności na pustyni. Ma zdolność czynienia cudów, nawiązywania łączności z siłami niebiańskimi. Jego śmierć jest spokojna i cicha; jego ciało wydziela zapach po śmierci. W 19-stym wieku w osobnych listach w Rosji znane były przetłumaczone życie Mikołaja Cudotwórcy, Antoniego Wielkiego, Jana Chryzostoma, Aleksieja, męża Bożego i innych gatunków życia - opowieści o wyczynach świętych. Życie zależało od rodzaju świętości: męczennika, spowiednika, wielebnego, stylisty, świętego głupca.

Przykładem staroruskiego pierwotnego życia książęcego jest „Legenda Borysa i Gleba”. Autor legendy (anonimowy), zachowując historyczną specyfikę, szczegółowo przedstawia fakty nikczemnego mordu Borysa i Gleba. Zmienia się jednak nieco kompozycyjny schemat życia, ukazany jest tylko jeden epizod z życia bohaterów - nikczemne morderstwo. Boris i Gleb są przedstawiani jako idealni chrześcijańskich bohaterów męczenników.

Gatunek chodzenia w XI wieku. Rosjanie zaczynają chodzić na chrześcijański Wschód, do miejsc świętych. Dla tych, którzy nie mogli odbyć pielgrzymki do Palestyny, pewnego rodzaju rekompensatą stają się książki opisujące podróże i spacery. W XII wieku. Pojawia się „Podróż opata Daniela do Ziemi Świętej”, w której szczegółowo opisano święte miejsca. Interesuje się przyrodą, naturą budynków Jerozolimy, rzeką Jordan itp. W obiegu krąży wiele legend, które Daniel usłyszał podczas swojej podróży lub nauczył się z książek.

Cechy literatury staroruskiej 1. Charakter odręczny. 2. Anonimowość jako konsekwencja religijnie chrześcijańskiej postawy wobec osoby: Pojęcie prawa autorskiego nie istniało w społeczeństwie. Skrybowie książek często redagowali tekst, wprowadzali własne epizody, zmieniali orientację ideową przepisanego tekstu, charakter jego stylu. Tak powstały nowe edycje pomników. 3. Historyzm. Bohaterami starożytnej literatury rosyjskiej są głównie postacie historyczne. Nie ma w tym praktycznie żadnej fikcji. Wydarzenia historyczne wyjaśnione z religijnego punktu widzenia. Bohaterowie to książęta, władcy państwa. 4. Tematyka piękna i wielkości ziemi rosyjskiej; moralne piękno Rosjanina. 5. Metoda artystyczna: symbolizm, historyzm, rytualizm, dydaktyka to naczelne zasady metody artystycznej, dwie strony: ścisła fotograficzna i idealne oddanie rzeczywistości.

MUZYKA W epoce Rusi Kijowskiej kontynuowano rozwój pieśni rytualnych, pracy, komiks-satyryki, kołysanek i powstała heroiczna epopeja. epicki Sztuka ludowa zachowane w eposach lub starożytności. Bylina to produkt syntetycznego gatunku słowno-muzycznego.

Najważniejszym zjawiskiem w ówczesnej kulturze muzycznej były narodziny znanego śpiewu jako pierwszej formy profesjonalnej sztuki muzycznej zapisanej na piśmie w zapisie haczykowym. Pieśni Znamenny, główny typ rosyjskich pieśni kościelnych. Nazwa pochodzi od starosłowiańskiego słowa „baner”. Banery lub haczyki nazywano nieliniowymi znakami używanymi do nagrywania melodii. haki

Kochani,/kij, V haczyk i inne, zostały umieszczone bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstawały śpiewające alfabety." title="(!LANG: W Starożytnej Rosji nie było notatek, znaki, na przykład > kochanie, / patyk, V hak i inne, były umieszczane bezpośrednio w teksty ksiąg liturgicznych Wraz ze wzrostem liczby znaków alfabet śpiewający." class="link_thumb"> 14 !} W starożytnej Rosji nie było żadnych notatek, znaków np. > kochanie, / kij, V hak i inne, umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstawały śpiewające alfabety. kochanie, / kij, V hak i inne zostały umieszczone bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstawały śpiewające alfabety."> kochani, / kij, V hak i inne, umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstawały śpiewające alfabety. teksty liturgiczne. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstawały śpiewające alfabety." title="(!LANG: W Starożytnej Rosji nie było notatek, znaki, na przykład > kochanie, / patyk, V hak i inne, były umieszczane bezpośrednio w teksty ksiąg liturgicznych Wraz ze wzrostem liczby znaków alfabet śpiewający."> title="W starożytnej Rosji nie było żadnych notatek, znaków np. > kochanie, / kij, V hak i inne, umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstawały śpiewające alfabety."> !}

Sztuka starożytnych rosyjskich pieśniarzy była bliska malowaniu ikon. Początkowo pracował hymnograf. Rozciął tekst, dopasowując melodię (wzór, wzór do śpiewów) z tekstem chorału tak, aby liczba fragmentów tekstu odpowiadała liczbie linii muzycznych melodii. Następnie, niczym frazes, nałożył muzyczną formułę na nowe teksty, subtelnie zmieniając w razie potrzeby szczegóły melodii. Specjalny muzyk-sygnatariusz „zaznaczył” czystą kartkę przyszłego rękopisu muzycznego, podpisane w określonej kolejności miniatury, teksty hymnów, inicjały, znaki muzyczne banery pod tekstem i wreszcie znaki cynobru pod banerami. Twórczość hymnografa w średniowieczu była wysoko ceniona, większość z nich była nawet kanonizowana jako święci: Roman Melodysta, Jan Chryzostom, Andrzej Krycki, Jan z Damaszku i inni.

Stara rosyjska muzyka kościelna wyrażała ideę jednomyślności i jedności, dlatego była w przeważającej mierze monodyczna, czyli monofoniczna unisono, monodia. Cechą kanoniczną rosyjskiej muzyki prawosławnej jest także zasada sarela (bez akompaniamentu), gdyż tylko głos ludzki uznano za jedyny doskonały. instrument muzyczny, ponieważ tylko głos może wcielić słowo w dźwięki muzyczne, stwórz sensowną melodię. Pieśń na filarach

Do najstarszych gatunków hymnografii należą: -psalmy związane z imieniem biblijnego króla Dawida, psalmy są bardzo zróżnicowane: niektóre brzmią jak recytacja chóralna, przypominają śpiewy, inne jak szeroka, śpiewna pieśń liryczna. - troparion (greckie „odwracam”, „pomnik zwycięstwa”, „trofeum”). Cechą charakterystyczną tekstów tropariów, oprócz ich zwięzłości, jest częste stosowanie porównań i alegorii. I w zasadzie ich treść związana jest z gloryfikacją obchodzonych wydarzeń. Kościół chrześcijański, śpiewając wyczyny męczenników i ascetów. - kondak (gr. „krótki”) to krótka pieśń, wielozwrotkowa praca, w której wszystkie strofy zostały zbudowane według tego samego schematu i wykonane do tej samej melodii, która zmieniała się od zwrotki do zwrotki. - stichera (gr. polistich), często wyróżniająca się dużą długością i bogactwem melodycznym. - kanon (gr. „norma”, „reguła”) duża kompozycja chóralna, składająca się z dziewięciu odcinków, z których każdy zawierał kilka pieśni. Jeśli kontakion jest kazaniem poetyckim, nauczaniem, to kanon jest uroczystym hymnem pochwalnym. Najważniejszymi zasadami organizacji starożytnej rosyjskiej sztuki śpiewu są cykliczność i zespół.
Należy zwrócić uwagę na szczególną rolę Nowogrodu, który wprowadził coś nowego do muzyki kościelnej. To tutaj rozwinęła się i umocniła wspaniała tradycja bicia dzwonów. Przejście od „beatu” do dzwonu pewnej, korzystnej akustycznie konstrukcji, było wielkim osiągnięciem w zakresie ekspresji barwowej sztuki muzycznej. Po Nowogrodzie w Pskowie rozwinęła się sztuka bicia dzwonów. DŹWIĘKI DZWONKÓW

W repertuarze bufonów znalazły się piosenki humorystyczne, skecze dramatyczne, satyra społeczna „ponury”, wykonywane w maskach i „suknia bufonowa” przy akompaniamencie domry, dud, tamburynu. Przemawiając na ulicach, placach, S. komunikował się bezpośrednio z publicznością, angażował ich w swoją grę. Bohaterem spektaklu jest pogodny i załamany człowiek z własnym umysłem, często pod płaszczykiem komicznej wiejskości.

Powstał nie później niż w połowie XI wieku. (przedstawiony na freskach katedry św. Zofii w Kijowie, 1037), bufon osiągnął apogeum w 1517 iw XVIII wieku. stopniowo zanikało, przenosząc niektóre tradycje swojej sztuki na stoisko. Często byli prześladowani przez władze kościelne i cywilne. W 1648 i 1657 wydano dekrety zakazujące bufonady.

ROSJA) przeszedł inną drogę powstawania i rozwoju niż teatr europejski, wschodni czy amerykański. Etapy tej drogi związane są z oryginalnością historii Rosji - jej gospodarką, zmianami w formacjach społecznych, wyznaniem, szczególną mentalnością Rosjan itp.

Teatr w swoich rytualnych i obrzędowych formach, jak w każdej społeczności starożytnej, był również szeroko rozpowszechniony w Rosji, istniał w formach misteryjnych. W tym przypadku mamy na myśli tajemnicę nie jako gatunek średniowiecznego teatru europejskiego, ale jako zbiorową akcję związaną z celami domowymi i sakralnymi, najczęściej – uzyskaniem pomocy bóstwa w sytuacjach ważnych dla funkcjonowania wspólnoty ludzkiej.

Geneza i powstanie teatru rosyjskiego

Były to etapy cyklu rolniczego – siew, żniwa, klęski żywiołowe – susza, epidemie i epizootyka, wydarzenia plemienne i rodzinne – małżeństwo, poród, śmierć itp. Były to przedstawienia prateatrowe oparte na starożytnej magii plemiennej i rolniczej, więc teatrem tego okresu zajmują się głównie folkloryści i etnografowie, a nie historycy teatru. Ale ten etap jest niezwykle ważny - jak każdy początek wyznaczający wektor rozwoju.

Geneza i powstanie teatru rosyjskiego

Z takich rytualnych działań narodziła się linia rozwoju rosyjskiego teatru jako folkloru, teatru ludowego, prezentowanego w różnych formach - teatr lalek (Pietruszka, szopka itp.), Stoisko (raek, zabawa niedźwiedzia itp. .), wędrowni aktorzy (guslary, śpiewacy, gawędziarze, akrobaci itp.) itp. Do XVII wieku teatr w Rosji rozwijał się tylko jako folklor, inne formy teatralne, w przeciwieństwie do Europy, tutaj nie istniał. Do X–XI wieku teatr rosyjski rozwijał się na ścieżce charakterystycznej dla tradycyjnego teatru Wschodu czy Afryki - obrzędowo-folklorowy, sakralny, zbudowany na oryginalnej mitologii

Geneza i powstanie teatru rosyjskiego

• z około XI wieku sytuacja zmienia się najpierw - stopniowo, potem - silniej, co doprowadziło do zasadniczej zmiany w rozwoju teatru rosyjskiego i jego dalszego kształtowania się pod wpływem kultury europejskiej.

Profesjonalny teatr

Pierwszymi przedstawicielami teatru zawodowego byli bufony, pracujące w niemal wszystkich gatunkach spektakli ulicznych. Pierwsze wzmianki o bufonach sięgają XI wieku, co pozwala upewnić się, że sztuka bufonów była zjawiskiem od dawna kształtującym się i wkraczającym w życie wszystkich warstw ówczesnego społeczeństwa. Na kształtowanie się rosyjskiej oryginalnej sztuki bufonicznej, wywodzącej się z obrzędów i obrzędów, wpłynęła także „turystyka” wędrownych komików europejskich i bizantyjskich – histrionów, trubadurów, włóczęgów

Teatr i Kościół

• Do XVI wieku w Rosji Kościół tworzy ideologię państwową (w szczególności duchowieństwu powierzono obowiązek tworzenia instytucji edukacyjnych). I oczywiście nie mogła przejść obok teatru, który jest potężnym środkiem wpływu.

Teatr szkolno-kościelny

Sobór „Stoglavy” Rosyjskiej Cerkwi Prawosławnej w 1551 roku odegrał decydującą rolę w ugruntowaniu idei jedności religijno-państwowej i powierzył duchowieństwu obowiązek tworzenia duchowych instytucji edukacyjnych. W tym okresie pojawiły się dramaty szkolne i przedstawienia szkolno-kościelne, które wystawiane były w teatrach w tych dniach instytucje edukacyjne(uczelnie, akademie). Na scenie pojawiły się postacie uosabiające państwo, kościół, starożytny Olimp, mądrość, wiarę, nadzieję, miłość itp., przeniesione z kart książek.

Teatr szkolno-kościelny

Powstały w Kijowie szkolny teatr cerkiewny zaczął pojawiać się w innych miastach: Moskwie, Smoleńsku, Jarosławiu, Tobolsku, Połocku, Twerze, Rostowie, Czernihowie itp. Wychowując się w murach szkoły teologicznej, dokonał teatralizacji obrzędów kościelnych: liturgii, nabożeństw wielkotygodniowych, bożonarodzeniowych, wielkanocnych i innych. Powstały w warunkach rodzącego się życia mieszczańskiego teatr szkolny po raz pierwszy na naszej ziemi oddzielił aktora i scenę od widza i audytorium, po raz pierwszy doprowadził do pewnego obrazu scenicznego zarówno dla dramaturga, jak i dla aktora.

teatr dworski

• Powstanie teatru dworskiego w Rosji wiąże się z imieniem cara Aleksieja Michajłowicza. Czas jego panowania wiąże się z kształtowaniem się nowej ideologii nastawionej na poszerzanie stosunków dyplomatycznych z Europą. Orientacja na europejski styl życia doprowadziła do wielu zmian w życiu dworu rosyjskiego.

teatr dworski

Próba zorganizowania przez Aleksieja Michajłowicza pierwszego teatru dworskiego datuje się również na 1660 r.: na „liście” zamówień i zakupów dla cara angielski kupiec Gebdon, ręka Aleksieja Michajłowicza, wpisał zadanie „Wezwać mistrzów komedii z ziem niemieckich do państwa moskiewskiego”. Jednak ta próba nie powiodła się; pierwsze przedstawienie rosyjskiego teatru dworskiego odbyło się dopiero w 1672 r. 15 maja 1672 r. car wydał dekret, w którym pułkownik Nikołaj von Staden (przyjaciel bojara Matwiejewa) otrzymał polecenie znalezienia za granicą ludzi, którzy mogliby „grać komedie”. ”.

teatr dworski

Przedstawienia stały się jedną z najbardziej ulubionych rozrywek na moskiewskim dworze. Było 26 rosyjskich aktorów. Chłopcy się bawili role kobiece. Rola Estery w Akcja Artakserksesa grany przez syna Blumentrosta. Zarówno cudzoziemcy, jak i rosyjscy aktorzy kształcili się w specjalnej szkole, która została otwarta 21 września 1672 r. na dziedzińcu domu Grzegorza w niemieckiej osadzie. Nauczenie studentów rosyjskich i zagranicznych okazało się trudne i w drugiej połowie 1675 r. zaczęły działać dwie szkoły teatralne: na dworze polskim – dla cudzoziemców, w Meszczańskiej Słobodzie – dla Rosjan

teatr dworski

• Pojawienie się pierwszego teatru dworskiego zbiegło się z narodzinami Piotra I (1672), który jako dziecko oglądał ostatnie przedstawienia tego teatru. Po wstąpieniu na tron ​​i rozpoczęciu ogromnej pracy nad europeizacją Rosji, Piotr I nie mógł nie zwrócić się do teatru jako środka promocji swoich innowacyjnych idei politycznych i społecznych.

Teatr Pietrowski

Od końca XVII wieku w Europie modne stały się maskarady, które lubił młody Piotr I. W 1698 r. przebrany w strój fryzyjskiego chłopa brał udział w maskaradzie wiedeńskiej. Peter postanowił popularyzować swoje reformy i innowacje poprzez sztukę teatralną. Planował zbudować w Moskwie teatr, ale nie dla elity, ale otwarty dla wszystkich. W latach 1698-1699 w Moskwie działała trupa teatru lalek, kierowana przez Jana Spławskiego, aw 1701 Piotr polecił zapraszać komików z zagranicy. W 1702 r. do Rosji przybywa trupa Johanna Kunsta

Pojawienie się teatru publicznego (publicznego)

Po wstąpieniu na tron ​​Elżbiety Pietrownej w 1741 r. kontynuowano wprowadzanie teatru europejskiego. Na dworze koncertowały zagraniczne zespoły - włoskie, niemieckie, francuskie, m.in. dramat, opera i balet, commedia dell'arte. W tym samym okresie powstały podwaliny narodowego rosyjskiego teatru zawodowego, to za panowania Elżbiety przyszły „ojciec rosyjskiego teatru” Fiodor Wołkow studiował w Moskwie, biorąc udział w przedstawieniach bożonarodzeniowych i chłonąc doświadczenie zwiedzania Zespoły europejskie.

Teatry w instytucjach edukacyjnych

W połowie XVIII wieku teatry są organizowane w instytucjach edukacyjnych (1749 - Sankt Petersburg Gentry Corps, 1756 - Uniwersytet Moskiewski), rosyjskie spektakle teatralne organizowane są w Petersburgu (organizator I. Lukin), w Moskwie (organizatorzy K. Bajkułow, urzędnicy pod przewodnictwem Chałkowa i Głuszkow, mistrz „Iwanow i inni), w Jarosławiu (organizatorzy N. Serov, F. Volkov). W 1747 dzieje się coś innego ważne wydarzenie: powstała pierwsza tragedia poetycka - Chorew A. Sumarokowa.

Narodowy Teatr Publiczny

Wszystko to stwarza warunki do powstania narodowego teatru publicznego. W tym celu w 1752 r. trupa Wołkowa została wezwana z Jarosławia do Petersburga. Utalentowani aktorzy amatorzy są zdeterminowani do studiowania w korpusie szlacheckim - A. Popow, I. Dmitrevsky, F. i G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov i inni.Wśród nich są cztery kobiety: A. Musina-Pushkina, A. Michajłowa, siostry M. i O. Ananiew.

FEDOR GRIGORIEWICZ WOLKOW

Teatr Pietrowski

Za Piotra I przedstawienia na Syberii inicjował metropolita tobolski Filotheus Leshchinsky. W rękopiśmiennej kronice pod 1727 r. mówi się: „Filoteusz był łowcą przedstawień teatralnych, robił komedie chwalebne i bogate, gdy komedię trzeba było widzowi zbieracza, potem władał do katedry dzwonów na zbiór dzwonów wyprodukowano bluźnierstwo, a teatry znajdowały się między katedrą a kościołami św. Sergiusza i vzvozu, do którego szli ludzie. Innowację metropolity Filoteusza kontynuowali jego następcy, z których niektórzy byli uczniami Akademii Kijowskiej.

Teatr pod Anną Ioannovna

Anna Ioannovna wydawała ogromne sumy na różnego rodzaju festyny, bale, maskarady, uroczyste przyjęcia ambasadorów, fajerwerki, iluminacje i procesje teatralne. Na jej dworze odrodziła się kultura klaunów, kontynuując tradycje „osiadłych” błaznów – miała olbrzymów i krasnoludy, błaznów i krakersów. Najsłynniejszym świętem teatralnym był „ciekawy” ślub błazna księcia Golicyna z kałmuckim jokerem Buzheninova w Lodowym Domu 6 lutego 1740 r.

Stały teatr publiczny

Pierwszy stały teatr publiczny w Rosji został otwarty w 1756 roku w Petersburgu, w Domu Gołowkina. Do aktorów wyszkolonych w korpusie szlacheckim dołączyło kilku aktorów z trupy Jarosławia F. Wołkowa, w tym komika Y. Szumskiego. Na czele teatru stanął Sumarokow, którego klasyczne tragedie stanowiły podstawę repertuaru. Pierwsze miejsce w trupie zajął Wołkow, który zastąpił Sumarokowa na stanowisku dyrektora i pełnił tę funkcję aż do śmierci w 1763 r. (Teatr ten w 1832 r. Będzie nosił nazwę Aleksandryński - na cześć żony Mikołaja I.)

Stworzenie teatru dramatycznego

Pierwsze publiczne występy w Moskwie datuje się na rok 1756, kiedy studenci gimnazjum uniwersyteckiego pod kierunkiem swojego dyrektora, poety M. Cheraskowa, utworzyli w murach uczelni trupę teatralną. Na spektakle zaproszono przedstawicieli najwyższego społeczeństwa moskiewskiego. W 1776 r. na bazie dawnej trupy uniwersyteckiej powstał teatr dramatyczny, który otrzymał imię Pietrowski (jest to również Teatr Medox). Z tego teatru wywodzą się teatry Bolszoj (opera i balet) i Mały (dramatyczny) w Rosji.

MAŁY TEATR

Historia Teatru Małego

• Teatr Mały to najstarszy teatr w Rosji. Jego trupa powstała na Uniwersytecie Moskiewskim w 1756 roku, zaraz po słynnym dekrecie cesarzowej Elizawety Pietrownej, który oznaczał narodziny profesjonalnego teatru w naszym kraju: „Teraz nakazaliśmy utworzenie rosyjskiego teatru do prezentacji komedii i tragedie…”

Historia Teatru Małego

• W 1824 roku Beauvais przebudował dwór kupca Vargina na teatr, a część dramatyczna moskiewskiego trupy Teatru Cesarskiego otrzymała własny budynek przy placu Pietrowskim (obecnie Teatralnaja) i własną nazwę - Teatr Mały.

ROSJA TEATR BOLSHOJ w Moskwie

Teatr Bolszoj wieczorem

W pobliżu teatru

Teatr epoki sentymentalizmu

Okres klasycyzmu w Rosji nie trwał długo - już od połowy lat sześćdziesiątych rozpoczęło się kształtowanie sentymentalizmu. Są „płaczące komedie” V. Lukinsky'ego, M. Veryovkin, M. Cheraskov, opera komiczna, dramat drobnomieszczański. Wzmocnieniu tendencji demokratycznych w teatrze i dramaturgii sprzyjało zaostrzenie sprzeczności społecznych w okresie wojny chłopskiej 1773-1775 oraz tradycje teatru ludowego. Tak więc, według współczesnych, Shumsky używał technik gry zbliżonych do błazen. Rozwijanie komedia satyryczna – runo D. Fonvizina

Teatry forteczne

Pod koniec XVIII wieku teatry forteczne się rozwijają. Na zajęcia z aktorami zostali zaproszeni teatrolodzy - aktorzy, choreografowie, kompozytorzy. Niektóre z teatrów fortecznych (Szeremietiew w Kuskowie i Ostankino, Jusupow w Archangielsku) bogactwem swoich przedstawień przewyższały teatry państwowe. Na początku XIX wieku właściciele niektórych teatrów pańszczyźnianych zaczynają przekształcać je w przedsiębiorstwa komercyjne (Szachowskaja i inni). Z teatrów pańszczyźnianych wyszło wielu znanych rosyjskich aktorów, którzy często byli zwalniani do grania w „wolnych” teatrach - m.in. na scenie cesarskiej (M. Shchepkin, L. Nikulina-Kositskaya i inni).

Teatr na przełomie XVIII i XIX wieku

Teatr rosyjski w XIX wieku

Zagadnienia związane z rozwojem teatru na samym początku XIX wieku. były omawiane na spotkaniach Wolnego Towarzystwa Miłośników Literatury, Nauki i Sztuki. Zwolennik Radishcheva I. Pnina w swojej książce Doświadczenie o oświeceniu w stosunku do Rosji(1804) przekonywał, że teatr powinien przyczyniać się do rozwoju społeczeństwa. Po drugie, aktualność tragedii patriotycznych inscenizowanych w tym okresie, pełna aluzji do aktualnej sytuacji ( Edyp w Atenach oraz Dmitrij Donskoj V. Ozerov, sztuki F. Schillera i W. Szekspira) przyczyniły się do powstania romantyzmu. Oznacza to, że afirmowano nowe zasady gry aktorskiej, dążenie do indywidualizacji postaci scenicznych, ujawniania ich uczuć i psychologii.

Podział teatru na dwie trupy

W pierwszej ćwierci XIX wieku nastąpiło też pierwsze oficjalne wyodrębnienie rosyjskiego teatru dramatycznego na osobny kierunek (dawniej trupa teatralna współpracował z operą i baletem, a ci sami aktorzy często występowali w przedstawieniach różnych gatunków). W 1824 r dawny teatr Medoxa została podzielona na dwie grupy - dramat (Teatr Mały) oraz operę i balet (Teatr Bolszoj). Teatr Mały otrzymuje osobny budynek. (W Petersburgu trupa dramaturgiczna została oddzielona od trupy muzycznej w 1803 r., ale przed przeprowadzką do oddzielnego gmachu Teatru Aleksandryńskiego w 1836 r. nadal współpracowała z trupą operową i baletową w Teatrze Maryjskim).

Teatr Aleksandryjski

Dla Teatru Aleksandryńskiego w drugiej połowie XIX wieku. okazał się trudniejszym okresem. Mimo odrębnych inscenizacji sztuk Ostrowskiego, I. Turgieniewa, A. Suchowo-Kobylina, A. Pisemskiego, na polecenie Dyrekcji Teatrów Cesarskich, główną podstawę ówczesnego repertuaru stanowiły wodewil i dramaturgia pseudo-ludowa. W skład trupy wchodziło wielu utalentowanych artystów, których nazwiska wpisały się w historię rosyjskiego teatru: A. Martynow, P. Wasiliew, W. Asenkova, E. Gusiewa, Yu Linskaya, V. Samoilov, później pod koniec XIX wieku stulecie. - P. Strepetova, V. Komissarzhevskaya, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaya, V. Dalmatov, V. Davydov i inni Jednak każdy z tych genialnych aktorów pojawił się jak na własną rękę, grając gwiazdy nie tworzyły zespołu scenicznego. Ogólnie rzecz biorąc, stan Teatru Aleksandryńskiego w tym czasie nie był zbyt godny pozazdroszczenia: przywódcy trupy ciągle się zmieniali, nie było silnego kierunku, wzrosła liczba premier, a czas prób został skrócony.

Teatr Aleksandryjski

Teatr Maryjski

Teatr Maryjski

• Największy teatr operowy i baletowy w Rosji, jeden z najstarszych teatrów muzycznych w naszym kraju. Pochodzi z Teatru Kamiennego (Bolszoj) otwartego w 1783 roku. W nowoczesnym budynku (odbudowanym po pożarze w Teatrze Cyrkowym) istnieje od 1860 r., w tym samym czasie otrzymał nową nazwę - Teatr Maryjski.

Teatr przełomu XIX/XX w.

Okres szybkiego wzrostu i szybkiego dobrobytu teatr rosyjski stał się przełomem XIX i XX wieku. Ten czas był punktem zwrotnym dla całego teatru światowego: pojawił się nowy zawód teatralny - reżyser, aw związku z tym powstała zupełnie nowa estetyka teatru reżysera. W Rosji tendencje te są szczególnie wyraźne. Był to okres bezprecedensowego rozkwitu całej sztuki rosyjskiej, która później otrzymała miano Srebrnego Wieku. A teatr dramatyczny – wraz z poezją, malarstwem, scenografią, baletem – pojawił się w ogromnej różnorodności kierunków estetycznych, skupiając uwagę światowej społeczności teatralnej.

Teatr rosyjski na przełomie XIX i XX wieku

Aby uwzględnić Rosję na przełomie XIX i XX wieku. w centrum światowych osiągnięć teatralnych wystarczyłby tylko K. Stanisławski z jego oszałamiającymi nowatorskimi pomysłami i Teatr Moskiewski, który stworzył wraz z W. Niemirowiczem-Danczenką Teatr Artystyczny(1898). Pomimo tego, że Moskiewski Teatr Artystyczny otworzył spektaklem Car Fiodor Ioannowicz A.K. Tołstoj sztandarem nowego teatru była dramaturgia A. Czechowa, tajemnicza, do dziś nie do końca ujawniona. Nic dziwnego, że na kurtynie Moskiewskiego Teatru Artystycznego znajduje się mewa, która nawiązuje do tytułu jednej z najlepszych sztuk Czechowa i stała się symbolem teatru. Ale jedną z głównych zasług Stanisławskiego przed światowym teatrem jest edukacja utalentowani studenci który chłonął doświadczenie swojego systemu teatralnego i rozwijał go dalej w najbardziej nieoczekiwanych i paradoksalnych kierunkach (jasne przykłady to V. Meyerhold, M. Czechow, E. Vakhtangov).

KONSTANTIN SERGEEVICH STANISLAVSKY

W Petersburgu ” kluczowa postać» tego czasu była W. Komissarzhevskaya. Debiutując na scenie Teatru Aleksandryńskiego w 1896 roku (wcześniej grała w amatorskich przedstawieniach Stanisławskiego), aktorka niemal natychmiast zdobyła żarliwą miłość publiczności. Jej własny teatr, założony w 1904 roku, odegrał ogromną rolę w tworzeniu genialnej konstelacji rosyjskich reżyserów. W teatrze Komissarzhevskaya w latach 1906-1907 Meyerhold po raz pierwszy na scenie stołecznej potwierdził zasady teatru konwencjonalnego (później kontynuował swoje eksperymenty w teatrach cesarskich - Aleksandryńskim i Maryjskim, a także w Szkole Teniszewskiego i w studio teatralne na ulicy Borodino)

WERA FYODOROVNA KOMISSARZHEVSKAYA

Moskiewski Teatr Artystyczny

Centrum w Moskwie życie teatralne był Moskiewski Teatr Artystyczny. Zgromadziła się tam genialna konstelacja aktorów, którzy grali w przedstawieniach, które przyciągnęły ogromną liczbę widzów: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Czechov i inni. reżyseria: oprócz Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki były to prace L. Sulerżyckiego, K. Mardzhanowa, Wachtangowa; do produkcji wszedł także znany na całym świecie G. Krag. Moskiewski Teatr Artystyczny położył podwaliny pod nowoczesną scenografię: w prace nad jego przedstawieniami byli zaangażowani M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev i inni.Moskiewski Teatr Artystyczny w tym czasie determinował właściwie całe życie artystyczne Moskwy, m.in. - oraz rozwój małych form teatralnych; Najpopularniejszy moskiewski teatr-kabaret „Nietoperz” powstaje na podstawie skeczy Moskiewskiego Teatru Artystycznego.

MOSKWA TEATR SZTUKI.

Teatr rosyjski po 1917 r.

Nowy rząd zrozumiał znaczenie sztuka teatralna: 9 listopada 1917 r. Rada Komisarzy Ludowych wydała dekret o przekazaniu wszystkich rosyjskich teatrów pod jurysdykcję wydziału artystycznego Państwowej Komisji Oświatowej. A 26 sierpnia 1919 r. pojawił się dekret o nacjonalizacji teatrów, po raz pierwszy w historii Rosji teatr stał się całkowicie sprawą państwową (w starożytnej Grecji taką politykę państwową realizowano już V wiek pne). Czołowe teatry otrzymały tytuły naukowe: w 1919 - Teatr Mały, w 1920 - Moskiewski Teatr Artystyczny i Teatr Aleksandryński (przemianowany na Piotrogrodzki Państwowy Akademicki Teatr Dramatyczny). Otwierają się nowe teatry. W Moskwie – III Studio Moskiewskiego Teatru Artystycznego (1920, później Teatr Wachtangowa); Teatr Rewolucji (1922, później - Teatr Majakowskiego); teatr im. MGSPS (1922, dziś teatr im. Mossoveta); Moskiewski Teatr dla Dzieci (1921, od 1936 - Centralny Teatr Dziecięcy). W Piotrogrodzie – Teatr Dramatyczny Bolszoj (1919); GOSET (1919, w 1920 przeniesiony do Moskwy); Teatr dla Młodego Widza (1922).

Teatr im. Jewgienija Wachtangowa

• Historia Teatru im. Ew. Wachtangow zaczął na długo przed jego narodzinami. Pod koniec 1913 r. grupa bardzo młodych, osiemnasto-, dwudziestoletnich studentów moskiewskich zorganizowała Studencką Pracownię Dramatu, decydując się na uprawianie sztuki teatralnej według systemu Stanisławskiego.

Teatr w latach 30.

Nowy okres w teatrze rosyjskim rozpoczął się w 1932 r. uchwałą KC WKP(b) „O restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych”. Za główną metodę w sztuce uznano metodę socrealizmu. Czas na artystyczne eksperymenty minął, choć nie oznacza to, że kolejne lata nie przyniosły nowych osiągnięć i sukcesów w rozwoju sztuki teatralnej. Tyle, że „terytorium” dozwolonej sztuki zawężało się, występy pewne kierunki artystyczne są zazwyczaj realistyczne. I pojawiło się dodatkowe kryterium oceny: ideologiczno-tematyczne. I tak np. bezwarunkowym osiągnięciem teatru rosyjskiego od połowy lat 30. XX wieku są spektakle tzw. „Lenińczycy”, w których na scenę wprowadzono wizerunek V. Lenina ( Człowiek z pistoletem w Teatrze Wachtangowa w roli Lenina - B. Szczukin; Prawda w Teatrze Rewolucji w roli Lenina - M. Straucha itp.). Praktycznie skazane na sukces były wszelkie spektakle oparte na sztukach „założyciela socrealizmu” M. Gorkiego. Nie oznacza to, że każdy ideologicznie podtrzymywany spektakl był zły, po prostu kryteria artystyczne(a czasem także sukces publiczności) przestały decydować o państwowej ocenie spektakli.

Teatr w latach 30. i 40.

Dla wielu postaci rosyjskiego teatru lata 30. (i druga połowa lat 40., kiedy trwała polityka ideologiczna) stały się tragiczne. Jednak rosyjski teatr nadal się rozwijał. Pojawiły się nowe nazwiska dyrektorów: A.Popov, Yu.Zavadsky, R.Simonov, B.Zakhava, A.Dikiy, N.Okhlopkov, L.Vivien, N.Akimov, N.Gerchakov, M.Kedrov, M.Knebel, V .Sachnowski, B.Suszkiewicz, I.Berseniew, A.Bryantsev, E.Radlov itp. Nazwiska te kojarzone były głównie z Moskwą i Leningradem oraz szkołą reżyserską czołowych teatrów w kraju. Jednak sławę zyskują również prace wielu reżyserów w innych miastach Związku Radzieckiego: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorki), N. Sinelnikov (Charków), I. Rostovtsev (Jarosław), A. Kanin (Ryazan), V , Bityutsky (Swierdłowsk), N. Pokrovsky (Smoleńsk, Gorky, Wołgograd) itp.

Jurij Aleksandrowicz Zawadskij

RUBIEN NIKOLAJEW SZYMONOW

MARIA IWANOWNA BABANOWA

IGOR ILYINSKY

• W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej rosyjskie teatry zwróciły się głównie ku tematyce patriotycznej. Na scenach wystawiano sztuki napisane w tym okresie ( Inwazja L. Leonowa, Przód A. Korniejczuka, Facet z naszego miasta oraz Rosjanie K. Simonov) oraz sztuki o tematyce historycznej i patriotycznej ( Piotr I A.N. Tołstoj, Feldmarszałek Kutuzow

PRZEDNIA BRYGADA

Teatr podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej

• Lata 1941-1945 przyniosły kolejne konsekwencje dla życia teatralnego Rosji i Związku Radzieckiego: znaczny wzrost poziomu artystycznego teatrów prowincjonalnych. Ewakuacja teatrów w Moskwie i Leningradzie oraz ich praca na peryferiach tchnęła nowe życie w lokalne teatry, przyczyniła się do integracji sztuki scenicznej i wymiany twórczych doświadczeń.

Teatr rosyjski w latach 1950-1980

Wielki wkład w kształtowanie rosyjskiej sztuki teatralnej wnieśli liczni aktorzy Leningradu: I. Gorbaczow, N. Simonow, J. Puszkin); D. Barkow, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freindlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich i inni (Teatr Lensovet); W. Jakowlew, R. Gromadski, E. Ziganszina, W. Tykke i inni (Teatr im. Lenina Komsomola); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Yu Ovsyanko, V. Osobik i inni (Teatr Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin i inni (Teatr Komediowy); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Chochinsky, A. Shuranova, O. Volkova i inni (Teatr Młodzi widzowie); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar i inni (MDT, zwany także Teatrem Europy).

POD DRZWIAMI Moskiewskiego Teatru Dramatycznego na Tagance, 1977

Teatr Armii Rosyjskiej

• TEATR WOJSKA ROSYJSKIEGO jest pierwszym profesjonalnym teatrem dramatycznym w systemie MON. Do 1946 r. nosił nazwę Teatr Armii Czerwonej, później przemianowano go na Teatr Armii Radzieckiej (później - Centralny Teatr Akademicki Armii Radzieckiej). Od 1991 - Centralny Teatr Akademicki Armii Rosyjskiej.

Teatr Armii Rosyjskiej

W latach 1930-1931 Teatrem Armii Czerwonej kierował Jurij Zawadskij. Tutaj wystawił w Moskwie jedno ze znaczących spektakli w tym czasie. Mścisław śmiały I. Prut. W teatrze pracowało studio, jego absolwenci uzupełniali zespół. W 1935 r. teatrem kierował A.D. Popow, którego nazwa związana jest z rozkwitem Teatru Armii Czerwonej. Architekt K.S. Alabyan stworzył projekt bardzo wyjątkowego budynek teatru- w formie pięcioramiennej gwiazdy, z dwoma salami ( Duża sala na 1800 miejsc), z przestronną sceną, charakteryzującą się niespotykaną dotąd głębokością, z wieloma pomieszczeniami przystosowanymi na warsztaty, usługi teatralne, sale prób. Do 1940 roku budynek został wybudowany, do tego czasu teatr grał swoje spektakle w Sali Czerwonego Sztandaru Domu Armii Czerwonej, jeździł na długie wycieczki.

TEATR WOJSKA ROSYJSKIEGO

Teatr Armii Rosyjskiej

MIKOŁAJ MIKOŁAJICZ GUBENKO

VLADIMIR VYSOTSKI jako Hamlet

Władimir Wysocki poświęcił swoje życie temu teatrowi

Zmiana ustroju politycznego na początku lat 90. i długi okres ekonomicznej dewastacji radykalnie zmieniły życie rosyjskiego teatru. Pierwszemu okresowi osłabienia (a później - i zniesienia) kontroli ideologicznej towarzyszyła euforia: teraz można założyć i pokazać widzom wszystko. Po zniesieniu centralizacji teatrów zorganizowano wiele nowych grup - teatry studyjne, przedsiębiorstwa itp. Jednak niewielu z nich przetrwało w nowych warunkach – okazało się, że oprócz dyktatu ideologicznego istnieje dyktat widza: publiczność będzie oglądać tylko to, co chce. A jeśli w warunkach państwowego finansowania teatru wypełnienie audytorium nie jest bardzo ważne, to przy samowystarczalności pełna sala w sali jest warunek konieczny przetrwanie.

Teatr dzisiaj

Współczesność teatru rosyjskiego pod względem liczby i różnorodności nurtów estetycznych kojarzy się z srebrny wiek. Reżyserzy tradycyjnych nurtów teatralnych sąsiadują z eksperymentatorami. Jak również uznani mistrzowie– P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek z powodzeniem pracują K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky, I. Reichelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, a także jeszcze młodsi i radykalni artyści awangardowi: B. Yukhananov, A. Praudin, A. Moguchiy, V.Kramer, Klim i inni.

Teatr dzisiaj

W okresie postsowieckim zarysy reformy teatralnej zmieniły się diametralnie, przeniosły się głównie w sferę finansowania grup teatralnych, potrzeby wsparcia państwa dla kultury w ogóle, a teatrów w szczególności i tak dalej. Ewentualna reforma powoduje wiele różnych opinii i gorącą debatę. Pierwszymi krokami tej reformy był dekret rządu Rosji z 2005 r. o dodatkowym finansowaniu szeregu teatrów i edukacyjnych placówek teatralnych w Moskwie i Sankt Petersburgu. Jednak do systemowego rozwoju schematu reformy teatralnej jeszcze daleka droga. Co to będzie, nadal nie jest jasne.

Rosyjska twórczość teatralna powstała w epoce prymitywnego systemu komunalnego i w większym stopniu niż malarstwo i architektura kojarzy się ze sztuką ludową. Ziemią, na której pojawiły się jej pierwotne elementy, była działalność produkcyjna Słowian, którzy w obrzędach i świętach ludowych przekształcili ją w skomplikowany system sztuka dramatyczna.

Teatr folklorystyczny w krajach słowiańskich istnieje do dziś. Wesela, pogrzeby, święta rolnicze to złożone rytuały, trwające niekiedy kilka dni i szeroko wykorzystujące takie elementy teatralne jak akcja dramatyczna, śpiew, taniec, kostiumy, dekoracje (strój swatki, panny młodej, tańce okrągłe, zabawy rytualne lub rozrywkowe itp.) . Starożytni Słowianie odzwierciedlali także charakterystyczne dla światowego pogaństwa święto zmartwychwstania martwej natury.

Po przyjęciu chrześcijaństwa rola igrzysk ludowych w życiu społeczeństwa znacznie spadła (kościół prześladował pogaństwo). Teatralna sztuka ludowa przetrwała jednak do XX wieku. Początkowo jego nosicielami były bufony. Na zabawach ludowych odbywały się popularne „zabawy komediantów”, „nieżyjące” przedstawienia z „wyuczonym niedźwiedziem”. Teatr Ludowy dał Teatr Pietruszki.

Ulubione w Rosji były przedstawienia lalkowe - szopka, później powiat (Ukraina), na południu i zachodzie - batleyka (Białoruś). Przedstawienia te odbywały się za pomocą drewnianej skrzyni podzielonej na górną i dolną kondygnację. Na najwyższym piętrze odegrano poważną część spektaklu na temat biblijnej opowieści o narodzinach Chrystusa i króla Heroda. Na dolnym piętrze pokazywane były codzienne sceny komiczne i satyryczne, pod wieloma względami przypominające Teatr Pietruszki. Stopniowo poważna część przedstawienia szopki została zmniejszona, a druga część rosła, uzupełniona o nowe sceny komiksowe. a łóżeczko z dwupoziomowego pudełka stało się jednopoziomowym.

Do XVII wieku w Rosji teatralność była organicznym składnikiem obrzędów ludowych, świąt kalendarzowych i tańców okrągłych. Jej elementy zostały włączone do nabożeństwa kościelnego i to tutaj, w miarę nasilania się zasady świeckiej w społeczeństwie rosyjskim, teatr profesjonalny.

Początkowo powstały przedstawienia liturgiczne. Są to dość złożone spektakle teatralne służące wzmocnieniu oddziaływania nabożeństw i gloryfikacji jedności władz państwowych i kościelnych. Znana jest „akcja pieca” (inscenizacja masakry króla Nabuchodonozora nad chrześcijanami) oraz „chodzenie na osiołku” (rysowanie biblijnej fabuły w Niedzielę Palmową).

Teatry dworskie i szkolne z XVII wieku przyczyniły się do dalszego rozwoju biznesu teatralnego w Rosji. Już za cara Aleksieja Michajłowicza festyny ​​dworskie, przyjęcia, ceremonie zaczęły nabierać kształtów z dużą dozą teatralności - ekspresyjnie i wspaniale. Pierwszy rosyjski zawodowy teatr komediowy był teatrem dworskim i był jedną z uregulowanych „zabaw” cara. Kierował nią w 1662 r. mistrz teologii, proboszcz i kierownik szkoły przy kościele luterańskim w Dzielnicy Niemieckiej Moskwy I. Grzegorz. Ten sam budynek został otwarty w 1672 roku we wsi Preobrażeński ze sztuką „Akcja Artakserksesa”.

Pojawienie się teatru szkolnego w Rosji wiąże się z rozwojem edukacji szkolnej. W Zachodnia Europa powstał w XII wieku w szkołach humanistycznych jako rodzaj urządzenia pedagogicznego i początkowo służył jedynie celom dydaktyczno-wychowawczym. Pomógł uczniom w formie gry opanować różne wiadomości: łacinę i historie biblijne, poetyka i kaplica. W XVI wieku możliwości duchowego oddziaływania teatru szkolnego zaczęto wykorzystywać do celów religijnych i politycznych: przez Lutra w walce z katolikami, jezuitów z luteranizmem i prawosławiem. W Rosji szkoła teatr był wykorzystywany przez prawosławie w walce z wpływami rzymskokatolickimi. Jego powstanie ułatwił mnich, absolwent Akademii Kijowsko-Mohylańskiej, wykształcona osoba, polityk, pedagog i poeta Simeon Polotsky. W 1664 przybył do Moskwy i został wychowawcą dzieci królewskich na dworze. W zbiorze jego dzieł „Rymologion” ukazały się dwie sztuki – „Komedia o królu Nowchudonozorze, o ciele ze złota i trójce dzieci, które nie spłonęły w jaskini” oraz komedia „Przypowieść o synu marnotrawnym” ”.

Spektakle S. Polotsky'ego ze swej natury przeznaczone są do teatru dworskiego. Są lepsi w swoich zasługach. szkolne przedstawienia tamtych czasów i antycypują rozwój teatru XVIII wieku. Funkcjonowanie „świątyni komedii” i pojawienie się pierwszych profesjonalnych dzieł dramatycznych S. Połockiego było więc początkiem koniecznego historycznie i naturalnego procesu opanowania dorobku światowej kultury teatralnej w Rosji.

Simeon Polotsky był nie tylko utalentowanym poetą i dramatopisarzem. W światowej kulturze artystycznej odegrał znaczącą rolę jako największy teoretyk sztuki słowiańskiej, rozpatrujący problemy twórczości artystycznej – literatury, muzyki, malarstwa. Jako teolog zauważył, że sztuka to najwyższa twórczość duchowa. Jemu przypisywał poezję, muzykę i malarstwo.

Interesujące są estetyczne i edukacyjne poglądy S. Polotsky'ego na sztukę. Mnich przekonywał, że sztuka piękna „jest duchową i duchową korzyścią dla ludzi”. Według jego rozumowania nie ma poezji, malarstwa, muzyki bez harmonii, proporcji i rytmu. Bez sztuki nie ma edukacji, bo poprzez jej oddziaływanie na dusze ludzi negatywne emocje zostają zastąpione przez pozytywne uczucia. Poprzez piękno muzyki i słów niezadowoleni stają się cierpliwi, leniwi stają się pracowici, głupi stają się mądrzy, brudni stają się czyste w sercu.

S. Polotsky stworzył pierwszą klasyfikację sztuk pięknych w regionie słowiańskim, podnosząc malarstwo do Siedmiu Sztuk Wyzwolonych. To samo dotyczy muzyki. Uzasadnił jego wartość estetyczną i udowodnił konieczność dla kościoła śpiewu polifonicznego w harmonijnym zestawieniu głosów. Modalno-tonalna różnorodność muzyki, jak zauważył S. Polotsky, jest podyktowana jej funkcją edukacyjną.

blog.site, z pełnym lub częściowym skopiowaniem materiału, wymagany jest link do źródła.

Uczeń X klasy gimnazjum nr 15 w Siergiewie Posad Zacharowa Wsiewołod 1) Pojawienie się profesjonalnego teatru 2) Staroruska kultura muzyczna 3) Źródła informacji 1) Ujawnienie cech pojawienia się profesjonalnego teatru w Rosja, 2) Ujawnić cechy kształtowania się kultury muzycznej od starożytnej Rosji po Rosję, 3) Przyczynić się do kształtowania kultury duchowej uczniów, zainteresowania i szacunku dla kultury naszego kraju. Car Aleksiej Michajłowicz Podwaliny profesjonalnego teatru rosyjskiego położono w drugiej połowie XVII wieku. Jego pochodzenie przypisuje się zwykle 1672 r., kiedy to pierwsze przedstawienie teatru dworskiego zaprezentował car Aleksiej Michajłowicz – prześladowca ludowej „zabawy” i wielki miłośnik wspaniałych spektakli i rozrywki. Oświecony bojar Artamon Siergiejewicz Matwiejew stał się inicjatorem stworzenia teatru na miarę europejskiego. Na dramaturga został mianowany niemiecki pastor Kościoła Ewangelicko-Augsburskiego w Moskwie Johann Gottfried Gregory - człowiek wykształcony, uzdolniony literacko i posiadający niezbędną wiedzę z zakresu teatru niemieckiego i holenderskiego. Teatr zbudowano pospiesznie w rezydencji cara pod Moskwą, we wsi Preobrażeński. Widownia „dwór komediowych”, mieszcząca się w amfiteatrze, była mniejsza od sceny, ale bogato zdobiona: ściany i podłoga obite były szkarłatnym, czerwonym i zielonym suknem; publiczność została ustawiona, część z nich stanęła na scenie. Dla królowej i księżniczek zaaranżowano specjalne loże – „klatki”, zgodnie z tradycją, oddzielone od widowni kratą. Pierwszym przedstawieniem na scenie „komediowego dworu” była sztuka „Estera, czyli Akcja Artakserksesa”. Fabuła spektaklu została oparta na biblijnej opowieści o Esterze – skromnej piękności, która przyciągnęła uwagę perskiego króla Artakserksesa i uratowała swój lud przed śmiercią, zostając jego żoną. Przedstawienie trwało dziesięć godzin, ale król oglądał wszystko do końca i był bardzo zadowolony. W " komedia choromina Wystawiono jeszcze dziesięć sztuk: „Judyta”, „Żałosna komedia Adama i Ewy”, „Józef” i inne, o tematyce religijnej i historycznej. Przedstawienia dworskie były wystawiane z rozmachem i luksusem, gdyż miały odzwierciedlać przepych i bogactwo dworu królewskiego. Stroje szyto z drogich tkanin. W przedstawieniach szeroko wykorzystywano muzykę, śpiew i taniec. Często brzmiały organy, piszczałki i inne instrumenty. Każdy występ miał podnoszącą się scenerię i boczne skrzydła. Za pomocą sprzętu scenicznego zastosowano różne efekty. Pierwszymi wykonawcami sztuk teatru dworskiego byli w większości aktorzy z Dzielnicy Niemieckiej i tylko mężczyźni. Pod koniec XVII w. „rozrywkę państwową” zastąpił teatr szkolny (organizowany przy jakiejś placówce oświatowej), oparty na najbogatszych doświadczeniach teatrów w Polsce i na Ukrainie. Jej pochodzenie wiązało się z nazwiskiem absolwenta Akademii Kijowsko-Mohylańskiej, pedagoga, poety i dramaturga Symeona Połockiego. Specjalnie dla teatru szkolnego napisał dwie sztuki – „Komedia przypowieści o synu marnotrawnym” i „O carze Nevchadneccarze, o ciele ze złota io trzech młodzieńcach, którzy nie spłonęli w piecu”. Teatry dworskie i szkolne z XVII wieku położyły podwaliny pod rozwój sztuki teatralnej w Rosji iw dużej mierze zdeterminowały jej przyszłość. Swoim początkami starożytna rosyjska kultura muzyczna sięga pogańskich tradycji Słowian Wschodnich, które rozwinęły się na długo przed przyjęciem chrześcijaństwa. Instrumenty muzyczne starożytnej Rosji były dość zróżnicowane. Szeroko używano harfy, pociągacza nosem, fletów, fletu. W Rosji szczególnym szacunkiem cieszył się gusli, najstarszy instrument strunowy szarpany, wspomniany już w X wieku w Opowieści o minionych latach. Od dawna wierzono, że harfa jest podobna do ludzkiej duszy, a jej dzwonienie oddala śmierć i chorobę. Na harfie grali ludowi gawędziarze i bogatyrowie: proroczy Boyan w Opowieści o Igorze, epickie bogatyry Wołga i Dobrynia Nikiticz w Kijowie, Sadko w Nowogrodzie. Jak Dobrynya bierze w białe ręce Te dźwięczne gąsiątka yaronchatów, Pociągną i złocą struny, Nudno zagra wiersz żydowski, Nudno i wzruszająco Na uczcie wszyscy stali się zamyśleni, Zamyśleni i wysłuchani. Dobrynya zaczął bawić się wesoło, Zaczął grę z Jeruzalem, Kolejną grę z Car-gradu, Trzeci ze stolicy Kijowa - Przywiózł wszystkich na ucztę dla zabawy. W kampaniach wojennych wykorzystywano instrumenty perkusyjne i dęte: bębny, tamburyny, piszczałki, grzechotki. Wspierali morale wojowników podczas bitew, łagodzili stres emocjonalny i zaszczepiali wiarę w zwycięstwo. Przyjęcie chrześcijaństwa nie mogło całkowicie zmienić tradycyjnego stylu życia ludzi i ich muzycznych upodobań. Wraz z chrztem z Bizancjum wiele zasad artystycznych zostało przeniesionych na ziemię rosyjską, zapożyczono kanon i system gatunkowy. Tutaj zostały twórczo przemyślane i przerobione, co później umożliwiło stworzenie oryginalnych tradycji narodowych. Muzyka kościelna w starożytnej Rosji istniała w formie śpiewu chóralnego bez akompaniamentu instrumentalnego. Instrumenty muzyczne zostały zakazane w cerkwi prawosławnej. Ponadto muzyka instrumentalna była uważana za grzeszną, demoniczną. W tej opozycji był duchowy sens. W tamtych czasach wierzono, że w cerkwi powinien rozbrzmiewać tylko anielski śpiew, będący echem niebiańskiej muzyki. Taki śpiew uosabiał ideał piękna i dawał ludziom poczucie łaski, oczyszczenia, pocieszenia, uczył miłości Boga i bliźnich. Jedynym wyjątkiem była sztuka grania na dzwonach, która rozwijała się w różnych formach prostego dzwonienia, bicia, bicia itp. Kilka dzwonów o różnych tonach tworzyło dzwonnicę, co umożliwiało wykonywanie całych utworów muzycznych. Śpiew kościelny był wzorem najwyższego profesjonalizmu, ucieleśnionego w różnych formach w praktycznym i teoretycznym systemie, który nazwano systemem osmozy, czyli naprzemienności grup melodii w ciągu ośmiu tygodni. Muzyka ludowa w tamtych czasach była tradycyjnie przekazywana ustnie z pokolenia na pokolenie, „z ust do ust”. Kultową muzykę w tej epoce utrwalano specjalnymi znakami, zwanymi chorągiewkami, z których najczęstszymi były haczyki. Dlatego starożytne rękopisy muzyczne nazywano Znamenny lub Kryukovy. W XVII wieku kultura muzyczna w Rosji, zwłaszcza chóralna, osiągnęła bardzo wysoki poziom. Był to czas, w którym wraz z tradycyjnymi gatunkami sztuki muzycznej narodziły się nowe formy i gatunki. Zanim muzyka chóralna był monofoniczny. Teraz został zastąpiony przez polifonię. A notacja muzyczna zastąpiła haczyki i powstał styl śpiewania partes. Zawołali więc śpiewanie zgodnie z nutami kant i koncertów chóralnych. Te koncerty były ważnym krokiem przejściowym od kościelnej do świeckiej muzyki profesjonalnej. Kultura muzyczna starożytnej Rosji była tym solidnym fundamentem, na którym później wyrósł piękny budynek, który położył podwaliny pod rozwój profesjonalnej kreatywności. Najlepsze przykłady dawnej muzyki rosyjskiej słusznie stały się najcenniejszym zasobem narodowej kultury muzycznej. http://images.yandex.ru/, http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi, http://vkontakte.ru/id47570217#/search?c%5Bsection%5D=audio, http://www.youtube.com/, Kultura sztuki światowej. Od początków do XVII wieku. 10 komórek Poziom podstawowy: podręcznik dla instytucji edukacyjnych / G.I. Danilova. - 7 wydanie, poprawione. - M .: Drop, 2009