"Loro" (18+)

Réalisateur : Paolo Sorrentino Distribution : Toni Servillo, Elena Sofia Ricci, Riccardo Scamarchio, Kasia Smutniak, Fabrizio Bentivoglio, Dario Cantarelli et d'autres.

Lors de soirées privées et trucs coûteuxà Rome et en Sardaigne, il est toujours entouré des personnes les plus belles et les plus dangereuses, prêt à tout pour accéder à une légende vivante. « Loro » (« ils ») sont de nouveaux riches italiens, dont la véritable star est un tyran et un joyeux garçon, un hédoniste et un romantique, un politicien scandaleux et le milliardaire Silvio Berlusconi.

"Comment sécher l'école avec avantage" (6+)

Réalisateur : Nicolas Vanier, Distribution : François Cluzet, Eric Elmosnino, François Berléan, Urbain Cancellier, Affif Ben Badra, Laurent Gerra et autres.

Le film se déroule dans les années 1920. Un orphelin est adopté par une simple famille villageoise travaillant pour un propriétaire rural. Livré à lui-même, le garçon tombe bientôt sous l'emprise d'un braconnier local...

"Reproduction" (16+)

Réalisateur : Jeffrey Nachmanoff | Avec : Keanu Reeves, Alice Eve, Emily Alyn Lind, Thomas Middleditch, John Ortiz, MJ Anthony, Nyasha Hatendi, Sunshine Logroño

Un biologiste talentueux perd sa famille dans un accident de voiture. Obsédé par le désir de faire revivre sa femme et ses enfants, il viole les lois de l'éthique scientifique et de la nature elle-même. Mais lorsque des informations sur la première reproduction humaine au monde parviennent aux autorités, la chasse commence pour le scientifique et ses proches ressuscités.

"Invincible" (12+)

Réalisateur: Konstantin Maksimov, distribution: Andrey Chernyshov, Vladimir Epifantsev, Oleg Fomin, Olga Pogodina, Sergei Gorobchenko, Nikolai Dobrynin et d'autres.

Au coeur du film histoire vraie l'exploit de l'équipage du char "KV-1" lors de la Grande Guerre patriotique. Après avoir accepté une bataille inégale, Semyon Konovalov et ses soldats ont détruit 16 chars, deux véhicules blindés et huit véhicules ennemis.

Jivan Gasparian. Concert anniversaire (6+)

Cette année, l'interprète et compositeur arménien Jivan Gasparyan fête ses 90 ans. Sa musique est présente dans les films de Martin Scorsese et Ridley Scott. Et c'est à lui que revient le mérite de la vulgarisation de l'instrument duduk, sans jouer ce que pas un seul concert de Gasparyan ne peut faire. La représentation ne fera pas exception. Artiste du peuple La RSS d'Arménie sur scène Grande salle"Mise en charge".

Présentation du nouvel album OQJAV (12+)

Le groupe indie pop OQJAV présentera son premier album "Flower Leaves", enregistré avec un nouveau line-up (Vadim Korolev / Yaroslav Timofeev / Dmitry Shugaikin). Aux concerts, ça sonnera comme nouveau matériel, y compris déjà connu des fans basé sur le mini-album "Traitor", et les anciennes chansons du groupe.

"Auditeur. Variante "(16+)

Dans le cadre de la Biennale des arts du théâtre, une production de Robert Sturua basée sur un roman de Nikolai Gogol sera présentée. La version d'un autre réalisateur de la grande œuvre peut être décrite comme une anecdote, des réflexions paradoxales sur l'absurdité moderne et une comédie russe de masques.

"Contes de Pouchkine" (12+)

La première représentation russe de Robert Wilson est basée sur plusieurs contes de Pouchkine : "Le Conte du tsar Saltan", "Le Conte du pêcheur et du poisson", "Le Conte du pape et de son ouvrier Balda", "Le Conte du Golden Cockerel", "The Bear", ainsi que des fragments du poème "Ruslan et Lyudmila". Pour créer l'éclairage et la partition scénographique du spectacle, le maître de la mise en scène européenne a étudié non seulement les contes de fées, mais aussi des illustrations pour eux, l'histoire de leur apparition, des composants folkloriques ... Le résultat était des images visuelles complexes, accessibles, cependant , pas seulement aux critiques de théâtre et aux philologues.

26 octobre, 19.00, 27 octobre, 13.00, 18.00, 28 octobre, 13.00. 18.00, Théâtre des Nations, Scène Principale

"Caligula" (18+)

Le metteur en scène-chorégraphe Sergei Zemlyansky a utilisé à la fois l'intrigue de la pièce du même nom d'Albert Camus et des matériaux historiques dans la production. La performance a été mise en scène dans le genre du drame plastique sans paroles, mais avec de nombreux effets visuels.

"Montagnes russes" (16+)

Le réalisateur Leonid Trushkin a mis en scène une performance basée sur la comédie aventureuse Les Montagnes russes d'Eric Assou. Le rôle masculin principal a été écrit par le dramaturge spécialement pour Alain Delon, dans la version Lenkom, le rôle de l'amant de héros est allé à Gennady Khazanov. Certes, l'artiste du peuple s'est avéré ne pas être un Don Juan chanceux, mais une personne solitaire et peu chanceuse.

"Sentier Lumineux 19.17" (18+)

A l'occasion du 100e anniversaire de la Révolution russe, le metteur en scène Alexander Molochnikov a mis en scène un spectacle consacré à la grande utopie soviétique. Selon l'intrigue, le fabricant de poêles Makar (Artem Bystrov) reçoit un moteur enflammé au lieu d'un cœur. Le cadeau vient d'un triumvirat révolutionnaire composé de Lénine (Igor Vernik), Trotsky (Artem Sokolov), Krupskaya (Inga Oboldina) et Kollontai (Paulina Andreeva), qui les ont rejoints. Maintenant, Makar parcourt les villes et les villages, agitant les gens pour un avenir meilleur.

"Concerto baroque" / "Ailes de cire" / "Soirée pyjama" (12+)

Photo: Université de Moscou Théâtre musical leur. KS Stanislavsky et Vl.I. Nemirovich-Danchenko/Karina Zhitkova

MAMT présente nouvelle série ballets en un acte. Si Wings of Wax de Jiri Kilian a déjà été présenté au théâtre - la première a eu lieu en novembre 2013, le public moscovite verra pour la première fois le Concerto baroque de George Balanchine et la soirée pyjama d'Andrei Kaidanovsky. Le directeur musical et chef d'orchestre de la production est Anton Grishanin.

27, 28 octobre, 19h00, Théâtre musical académique de Moscou. KS Stanislavsky et Vl.I. Nemirovitch-Danchenko

"Contours de l'ère globale" (0+)

Le musée d'architecture Shchusev a présenté une exposition à grande échelle de dessins d'Alexander Deineka. Les six salles du manoir de Vozdvizhenka abritaient des croquis, des croquis, ainsi que plusieurs peintures et sculptures. muraliste soviétique, conçu pour montrer non seulement le côté monumental, mais aussi le côté plus personnel de son art.

L'exposition présente plus de 30 paysages d'Isaac Levitan de l'État Galerie Tretiakov, le Musée russe, le Musée d'Israël (Jérusalem), la Réserve historique et artistique de Plessky et d'autres musées en Russie. Afin d'élargir l'horizon de la perception des spectateurs et de démontrer la continuité de l'art russe, les peintures de Levitan dans l'exposition côtoient des fragments de films de Sergei Eisenstein, Andrei Tarkovsky, Alexander Sokurov, Andrei Konchalovsky, Sergei Parajanov, Andrei Zvyagintsev, Alexander Dovzhenko et d'autres réalisateurs.

DÉMONS DANS LA MACHINE (0+)

L'exposition est consacrée à la soi-disant nouvelle démonologie - compréhension artistique intelligence artificielle, mythes et fantômes de l'ère des machines autonomes. Découvrent-ils de nouvelles manières d'être inconnues ? Les réseaux de neurones peuvent-ils penser - et que signifie le mot « penser » dans ce cas ? La plupart des œuvres créées pour le projet par des artistes de Russie, de Grande-Bretagne, d'Autriche et d'Australie, ainsi que des scientifiques d'IPavlov, de l'Institut de physique et de technologie de Moscou et de l'Institut Kurchatov, sont présentées au public pour la première fois.

La fin des années 1910 - 1920 fut une période courte mais extrêmement mouvementée dans la vie de notre pays : en 1917, les bolcheviks arrivent au pouvoir, et l'État soviétique, qui prétendait construire un monde nouveau, avait besoin d'une architecture complètement différente de celle d'avant. . À cet égard, la liberté de toutes sortes de "chaînes", y compris les chaînes canoniques et stylistiques, a été déclarée, ce qui a offert des possibilités illimitées à tous les types de créativité. C'est précisément à un tel virage, non pas tant politique que mental, que nous devons l'héritage inestimable de l'avant-garde russe.

Candidat en histoire de l'art, chef du secteur du département des fonds architecturaux et graphiques des XX-XXI siècles. Musée d'État les architecturer. AV Shchuseva (Moscou)

Pour les architectes, l'heure est aux recherches et aux expérimentations audacieuses. L'académisme ennuyé des classiques*, la décoration excessive de la modernité** et le mélange de l'incompatible dans l'éclectisme, qui souvent ne répondait pas aux exigences du bon goût***, étaient associés à un tsarisme passé dans le passé. Les facteurs les plus importants dans le développement de l'architecture ont été l'exemption nominale de la volonté du client, l'abolition de la propriété privée des terres et des grands biens immobiliers, qui ont ouvert de larges horizons pour la conception et la construction en masse de types de bâtiments jusqu'alors sans précédent. L'architecture a joué un rôle de premier plan dans la formation de l'image visuelle du pays des Soviets. Puis des concours sont organisés pour des projets de grands bâtiments administratifs et publics : détruisant les palais de l'ère sortante, le nouveau système cherche à créer le sien, destiné à devenir la personnification de la puissance, de la grandeur, du succès et de la progressivité du jeune État. Cependant, en architecture, il est beaucoup plus difficile que dans d'autres types d'art, le chemin de la naissance à la réalisation d'une idée créative. Epuisé par la Première Guerre mondiale (1914 - 1918) et les guerres civiles (1918 - 1922), le pays n'a pas eu le temps de construire à grande échelle pour refléter les changements radicaux qui s'y étaient opérés. Par conséquent, de nombreux projets ont été créés, pour ainsi dire, à l'avance, cependant, sans aucun doute quant à leur mise en œuvre. De plus, proposer une nouvelle idée était plus important que de la mettre en pratique.

En 1917 - 1925, dans une atmosphère de perception romantique des horizons ouverts de la créativité, de nombreuses œuvres architecturales inhabituelles sont apparues, se distinguant par une forte expressivité symbolique - les auteurs ont tenté de les rendre compréhensibles, comme une affiche de propagande. Le plus frappant de ces exemples est la Tour de la Troisième Internationale**** de Vladimir Tatline (1919). La représentativité de son image résidait dans la nouveauté audacieuse du design : la charpente métallique se déployant en spirale contenait trois volumes de verre - cubique, pyramidal et cylindrique, et chacun devait tourner selon une cyclicité strictement définie. Il était prévu d'y placer les organes législatifs, exécutifs et le centre d'information du Komintern.

Le bâtiment, conçu comme le plus grand bâtiment du monde, devait s'élever à 400 m de haut. L'auteur avait l'intention d'atteindre la résistance et la rigidité de la charpente non pas par la masse du matériau, mais par la flexion en spirale de deux tiges métalliques à fines linteaux, conçus pour donner à la structure monumentale une légèreté extraordinaire. Cette idée, qui à bien des égards a servi d'exemple du développement esthétique de nouvelles formes, est restée latente, comme beaucoup d'autres nées dans la première moitié des années 1920. Cependant, ils, par exemple, le Palais du travail de Viktor et Leonid Vesnin (1923), les "gratte-ciel horizontaux" de Lazar Lissitzky (1923 - 1925), les architectons (compositions spatiales) de Kazimir Malevitch (années 1920), sont entrés dans l'histoire de l'architecture mondiale en tant qu'œuvres marquantes.

En 1920, l'Institut a été ouvert à Moscou culture artistique(INKHUK) et les Ateliers Supérieurs Artistiques et Techniques (VKHUTEMAS) avec les facultés d'architecture et de production. Dans le premier d'entre eux, ils étaient principalement engagés dans la création de concepts théoriques, dans le second - leur étude expérimentale directe dans l'atmosphère de discussions créatives approfondies.

Pendant ce temps, la construction s'est sensiblement intensifiée, en particulier les centrales électriques, les colonies de travailleurs qui leur sont rattachées, entreprises industrielles, complexes résidentiels de faible hauteur, qui ont nécessité la formation d'un nouveau "langage" architectural. Et au milieu des années 1920, deux tendances principales de l'architecture domestique s'étaient développées - le rationalisme et le constructivisme (leurs premières associations sont apparues à INHUK). Leurs représentants ont travaillé pour déterminer les caractéristiques, les modèles de perception humaine de l'inédit forme architecturale, son interaction avec la base fonctionnelle et constructive de la structure. C'est la dissemblance des méthodes de résolution de ces problèmes qui est devenue le critère de division de ces concepts, mais de manière plutôt conditionnelle, bien que leurs partisans eux-mêmes aient insisté sur des différences fondamentales dans leurs méthodes de création.

Les rationalistes se sont concentrés sur les tâches esthétiques de l'architecture, réalisant son expressivité en utilisant les lois de la psychophysiologie de la perception humaine. La formation de leur concept a été influencée par le cubo-futurisme, le suprématisme***** et le romantisme symbolique. L'image plastique de l'objet est venue au premier plan (le design a joué un rôle secondaire), et sens spécial acquis sa solution volumétrique-spatiale.

L'organisateur, théoricien et chef créatif des rationalistes était Nikolai Ladovsky, autour duquel une équipe de personnes partageant les mêmes idées a commencé à se former à INHUK, qui en 1923 s'est unie dans l'Association des nouveaux architectes (ASNOVA). L'un des premiers au monde, il a posé la question des fondements rationnels de la perception humaine d'une œuvre architecturale et artistique. L'architecte innovant a étudié les schémas psychophysiologiques correspondants, a organisé un laboratoire à VKhUTEMAS, où il a mené des recherches à l'aide d'appareils spécialement conçus pour tester l'œil et l'imagination spatiale.

Le projet de construction de la société par actions "Arkos" Architectes Vesnin. 1927

Le projet de la branche moscovite du journal "Leningradskaïa Pravda". Architectes Vesnin. 1924

Au début des années 1920, Ladovsky a développé une méthode psychanalytique d'enseignement de l'architecture (en particulier la composition) à VKhUTEMAS, a introduit la pratique consistant à réaliser des devoirs dans des maquettes, ce qui a certainement contribué au développement de la pensée spatiale chez les étudiants.

ASNOVA, une organisation relativement petite qui n'opérait que dans la capitale, était étroitement associée à VKhUTEMAS et se concentrait principalement sur les jeunes (par opposition aux anciennes sociétés d'architecture de Moscou et de Petrograd qui sont devenues plus actives au début des années 1920). Ce n'est pas un hasard si les rationalistes, plus que les partisans d'autres tendances architecturales engagés dans des activités d'enseignement.

Nous soulignons que les rationalistes ont souvent été critiqués pour l'expérimentation abstraite de la forme et le détachement de la réalité (par exemple, un immeuble de grande hauteur qui devait être érigé à Moscou sur la place Loubianka ; Vladimir Krinsky, 1922), mais la libération de la créativité de la pure des tâches pragmatiques donnaient à ces travaux un potentiel d'avenir important.

Le constructivisme en architecture (finalement formé un peu plus tard que le rationalisme) faisait partie d'un large courant de la culture russe des années 1920 portant le même nom. Il est né de la recherche créative des artistes Vladimir Tatlin. Vladimir et Yeorgy Stenberg, Naum Gabo, Alexander Rodchenko et le développement des idées principales des théoriciens de "l'art de la production" ****** Osip Brik, Boris Arvatov, Alexander Ean et d'autres. Les adeptes de ce mouvement se sont concentrés sur la création pas des images de la réalité, mais c'est le plus - les choses qui entourent une personne.

L'époque de la naissance du constructivisme en tant que tendance en architecture peut être appelée 1921, lorsque ses partisans ont créé un groupe de travail à INHUK. Au cœur de leur credo théorique se trouvait une orientation vers des exigences fonctionnelles pour les œuvres d'art comme pour les objets du quotidien. La simplicité des formes était associée aux idéaux esthétiques du prolétariat victorieux.

Les constructivistes se sont peu à peu réunis autour d'Alexandre Vesnine. En 1923 - 1924 il a dirigé un groupe d'adhérents de cette tendance, composé principalement d'étudiants de VKHUTEMAS, auquel ont participé les dirigeants du LEF (Front de gauche des arts) *******. En 1925, sur sa base, l'Association des architectes modernes a été formée, qui a commencé à publier un magazine, où ses membres ont publié les principales dispositions de leur concept, en mettant l'accent sur l'originalité constructive de la forme architecturale et son opportunité fonctionnelle. Les théoriciens de cette direction ont souligné qu'il n'est pas nouveau style, mais la méthode de la créativité.

La méthode de conception dite fonctionnelle développée par l'un des leaders de la tendance considérée, Moisei Ginzburg, basée sur une approche rationnelle de l'aménagement et de l'équipement d'une structure, tenant compte de son objectif et de sa fonction sociale, s'est généralisée. Il s'agissait d'un vaste programme créatif qui nécessitait l'introduction des dernières réalisations scientifiques et technologiques de l'époque dans l'architecture, le développement de types de bâtiments appropriés, la détermination des possibilités esthétiques de la nouvelle architecture et l'industrialisation de la construction.

La première manifestation du constructivisme en tant que tendance émergente a été le projet concurrentiel susmentionné du Palais du travail des frères Vesnin (1923), qui se distinguait par une solution innovante brillante, en particulier l'utilisation de structures et de matériaux modernes, et était conçu pour une grande échelle d'urbanisme. Le hall principal était relié à une immense tour cylindrique du bâtiment par un passage suspendu. Son décalage asymétrique par rapport à l'axe et la défaillance rythmique des articulations horizontales et verticales des façades ont donné le sens de la dynamique de la composition. Pour les espaces intérieurs, les auteurs ont prévu la possibilité de transformation et d'unification.

Parmi les autres grands travaux constructivistes des années 1920, on peut distinguer les projets concurrentiels pour les bâtiments du journal Leningradskaya Pravda (les frères Vesnin, Ilya Golosov), la société anonyme Arkos (les frères Vesnin, Ilya Golosov, Vladimir Krinsky), le télégraphe de Moscou (les frères Vesnin, Georgy Vegman).

Au milieu des années 1920, la figure la plus importante parmi les constructivistes était Golosov, qui s'est concentré sur le développement d'un cadre vitré et d'une grande forme complexe. L'un de ses bâtiments les plus célèbres - le club. CM. Zuev à Moscou (1927 - 1929). Le volume de verre du cylindre semble couper à travers le coin du bâtiment, créant un accent spatial significatif au coin de la rue Lesnaya. Les fenêtres verticales de la partie longitudinale rythment nettement l'organisation du plan de façade et équilibrent les lignes horizontales saillantes des balcons.

Et en 1928 - 1930, Ivan Leonidov est devenu le véritable chef de ce mouvement. Ses projets, en particulier l'Institut de bibliothéconomie. V. I. Lénine, se distinguaient par la concision des volumes géométriques et la nouveauté des principes d'organisation spatiale de l'ensemble urbain.

Une étape importante dans l'architecture a également été le bâtiment résidentiel du Commissariat du peuple aux finances sur le boulevard Novinsky (Moses Ginzburg, Ignatius Milinis, 1929 - 1930). Il a été érigé sur un grand terrain, entouré d'un parc, sur une pente élevée face à la rivière Moscou. Le dessin des façades est dominé par de longues bandes de fenêtres, soulignant l'extension horizontale du bâtiment résidentiel et contrastant avec le grand vitrail du bâtiment communal. Les saillies semi-circulaires de la façade d'extrémité complètent visuellement le mouvement des lignes longitudinales des fenêtres.

Un autre monument important de l'avant-garde à Moscou est le bâtiment de l'Union centrale des sociétés de consommation de l'URSS (aujourd'hui le Service fédéral des statistiques de l'État - Goskomstat) composé de quatre bâtiments sur la rue Myasnitskaya (1929 - 1936). À la suite d'un concours international, le célèbre architecte français Le Corbusier est devenu l'auteur du projet. L'agencement complexe des volumes et la différence de hauteurs dynamisent la "grille" rectangulaire des façades rationalistes.

L'un des bâtiments les plus frappants et les plus mémorables de cette époque est le planétarium de Moscou. Il a été construit en 1927 - 1929. Mikhail Barsh et Mikhail Sinyavsky près du Garden Ring. La base de la composition inhabituelle du bâtiment est un dôme parabolique en béton armé, qui sert de plafond au hall principal situé au deuxième étage. Le volume cylindrique de la base est accentué par trois rebords d'escalier.

Parmi les principaux architectes de l'avant-garde soviétique figurait Konstantin Melnikov, qui n'était inclus dans aucun association créative et est resté une individualité créative brillante. Sa propre maison, construite en 1929 au centre de Moscou, près de la rue Arbat, est un monument architectural unique de la capitale. Un événement sans précédent dans l'histoire de la période soviétique : le gouvernement et la direction de la ville ont officiellement attribué un terrain à l'architecte et ont accordé un prêt d'une banque d'État pour la construction d'un bâtiment selon le projet présenté par lui. Sur le plan de la composition, ce sont deux cylindres coupés l'un dans l'autre de même diamètre, mais de hauteurs différentes. La partie avant du bas est "coupée" par le plan vitré de la façade, voici l'entrée et une grande fenêtre du salon. Les murs sont faits de briques et sont un cadre maillé avec des cellules orientées en diagonale qui sont des multiples de fenêtres hexagonales.

Melnikov a construit cinq clubs à Moscou qui sont entrés dans l'histoire de l'architecture d'avant-garde. Une solution volumétrique et spatiale inhabituelle des plus célèbres d'entre eux, construite pour l'Union des travailleurs des transports de l'Institut d'art de Moscou. I. V. Rusakova (1927 - 1929), est interconnecté avec l'aménagement de l'intérieur, suggérant la possibilité de leur transformation. Les balcons de l'auditorium sous la forme d '"émissions" dynamiques de consoles de coupure originales, séparées par des escaliers verticaux vitrés, constituent la base de la solution compositionnelle de la façade.

La composition d'un autre club conçu par Melnikov, qui appartenait à l'usine de chaussures Burevestnik (1927 - 1929), est construite sur une comparaison contrastée du volume plastique d'une tour vitrée à cinq feuilles et d'un mur aveugle de l'auditorium suspendu au-dessus de l'entrée . Le volume principal du bâtiment, composé de deux rectangles qui semblent glisser l'un hors de l'autre, pénètre dans les profondeurs du site. La façade grise austère du club de l'usine "Kauchuk" (1927 - 1929) est disséquée par l'alternance de coupes verticales du mur et de surfaces vitrées. Le pavillon de trésorerie rond, placé à l'angle du trottoir, fixe l'axe central du secteur.

En conclusion, notons que l'évolution de la relation entre rationalisme et constructivisme est assez complexe. Initialement, leur socle commun était un déni déclaratif des traditions du passé. Ensuite, des désaccords sont apparus entre leurs représentants sur les principales dispositions de la méthode créative, ce qui a conduit à des discussions animées. Cependant, plus tard, sous l'influence des réalités de la transition vers la résolution de problèmes pratiques, les contradictions théoriques se sont quelque peu affaiblies et les deux directions ont convergé au fil du temps, se complétant avec succès.

À la fin des années 1920, une tentative a été faite pour unir les représentants des tendances innovantes en une seule fédération. Cependant, cela a échoué. De plus, en 1929, l'Association panrusse des architectes prolétariens est apparue, qui a vivement critiqué les architectes qui prônaient la conception exploratoire et a déclaré les mouvements d'avant-garde "non prolétariens", ce qui a conduit au renforcement des positions des partisans du orientation traditionaliste.

En conséquence, au tournant des années 1920 et 1930, les positions des rationalistes et des constructivistes se sont sensiblement affaiblies. Les orientations néoclassiques sont apparues, qui ont reçu l'approbation des autorités comme prédominantes dans le choix des repères pour la solution figurative de l'architecture soviétique, qui a en fait marqué la fin de l'architecture de l'avant-garde soviétique.

* Voir : Z. Zolotnitskaya. "Noble simplicité et tranquillité majestueuse." - La science en Russie, 2009, N 3.

** Voir : T. Geydor. Architecture russe de l'âge d'argent. - La science en Russie, 2009, N 6.

*** Voir : T. Geydor. Le polystylisme dans l'architecture russe. - La science en Russie, 2009, N 5.

**** Komintern (Communist International), III International - en 1919 - 1943. Organisation internationale réunissant les partis communistes de divers pays.

***** Le cubo-futurisme est une tendance de l'art d'avant-garde au début du XXe siècle, qui combinait les réalisations des futuristes (qui prétendaient construire "l'art du futur", niaient toute expérience mondiale antérieure) et les artistes cubistes (qui utilisaient des formes conditionnelles résolument géométrisées, "écrasant" objets réels). Le suprématisme est une tendance de l'art d'avant-garde, fondée dans la première moitié des années 1910 en Russie par l'artiste Kazimir Malevitch. Il s'exprimait dans des combinaisons de plans multicolores des contours géométriques les plus simples (ligne droite, carré, cercle, rectangle), qui formaient des compositions asymétriques équilibrées imprégnées de mouvement interne.

****** "L'art de la production" - un mouvement artistique dans la culture de la Russie dans les années 1920. En 1918 - 1921. était étroitement associé aux tendances dites de gauche de la peinture et de la sculpture. Les participants au mouvement se fixent pour tâche de fusionner l'art, séparé de l'artisanat par le développement du capitalisme, avec une production matérielle basée sur une technologie industrielle très développée.

******* Le Front de Gauche des Arts est une association de création qui existait en 1922-1929. à Moscou, Odessa et dans d'autres villes. Les principes de base de son activité sont la littérature factuelle, l'art industriel et l'ordre social.

Maria KOSTIUK

L'école d'ingénieurs russe était techniquement avancée et, au début du XXe siècle, a donné au monde de nombreuses inventions dans les domaines de l'ingénierie mécanique, de l'énergie, de l'aéronautique, de la radio et de la construction. Le maximalisme russe traditionnel, qui s'est clairement manifesté dans le mouvement des "Wanderers" et des "Sixties" du XIXe siècle, n'a été que renforcé par la révolution russe et a conduit au fait que la Russie soviétique est devenue le berceau de l'art d'avant-garde. Tenu en 1992-1993. aux Etats-Unis, Europe de l'Ouest et exposition de Moscou sur l'avant-garde russe 1915-1932. s'appelait "Grande Utopie". Comme indiqué dans la préface du catalogue de l'exposition, «l'utopie a bouleversé l'histoire de la Russie et contenait un décalage avec la réalité», et il est donc impossible d'évaluer sans ambiguïté un phénomène aussi complexe. L'idéologie de l'avant-gardisme porte en elle une force destructrice. En 1910, selon Berdyaev, une «génération de hooligans» grandissait en Russie. La jeunesse agressive, composée principalement de nihilistes idéologiquement convaincus et désintéressés, s'est fixé le but de sa vie de détruire tout bien culturel , ce qui ne pouvait que susciter l'inquiétude des gens cultivés et sains d'esprit. Cependant, l'avant-gardisme a toujours eu un autre côté, commercial. La négligence consciente de l'école et de la complexité de la forme picturale est le moyen le plus simple d'attirer ceux qui aiment tromper les niais, le public insuffisamment cultivé, les critiques peu éduqués et les mécènes ignorants à grand profit. En effet, pour réaliser pleinement le vide intérieur de l'avant-gardisme, une « expérience visuelle » considérable est nécessaire. Plus l'art est élémentaire, plus il semble important pour un spectateur inexpérimenté. Dans notre pays, au stade de la formation du design, les processus de mise en forme se sont déroulés dans des conditions historiques concrètes extrêmement particulières. L'essentiel est une percée dans le nouveau, dans laquelle des recherches innovantes, à la fois générales et sociales, ont été combinées, ce qui a donné au processus de formation du design soviétique un certain nombre de caractéristiques qui le distinguaient fondamentalement des processus de formation au design dans d'autres pays. . En Europe occidentale, la formation du design dans le premier tiers du XXe siècle a été stimulée principalement par le désir des entreprises industrielles d'accroître la compétitivité de leurs produits sur les marchés mondiaux. En Russie, avant la révolution, un tel ordre de l'industrie n'avait pas encore été formé. Il n'y en avait pas dans les premières années post-révolutionnaires. L'industrie était dans un tel état que les questions de conception n'étaient pas une priorité. Dans notre pays, le principal moteur de la formation du design n'était pas l'industrie. Ce mouvement est né en dehors de la sphère industrielle. Elle s'appuie d'une part sur les artistes des mouvements de gauche, et d'autre part sur les théoriciens (historiens et critiques d'art). Par conséquent, l'art industriel avait un caractère socio-artistique prononcé. Les travailleurs de la production, comme s'ils étaient au nom et pour le compte de la nouvelle société, ont formulé l'ordre social de l'industrie. De plus, cet ordre social était en grande partie de nature agitationnelle et idéologique. Le domaine d'application du design naissant était: décoration festive, affiche, publicité, production de livres, conception d'expositions, théâtre, etc. Cela a prédéterminé la participation active, tout d'abord, des artistes au cours des cinq premières années (1917-1922 ). Au cours de la prochaine décennie du développement du design soviétique (1922-1932), les problèmes socio-typologiques et fonctionnels-constructifs deviennent de plus en plus importants. Les processus de restructuration de la vie et la formation de types de bâtiments socialement nouveaux ont formulé un nouvel ordre social non seulement dans le secteur de l'architecture et de la construction, mais également dans le domaine de l'équipement intérieur. Parmi les pionniers du design soviétique, ceux qui ont participé à la formation de l'art industriel dans les quinze premières années après Révolution d'Octobre peut être divisé en trois générations. Les artistes de la première génération, en règle générale, même avant la révolution ont reçu une attention systématique éducation artistique et a participé activement à la formation et au développement des tendances de gauche dans les arts visuels. L'une des caractéristiques importantes de l'étape de formation du design soviétique était que dans ce type de créativité au cours de ces années, il n'y avait presque pas d'artistes pouvant être considérés uniquement comme des designers. Il s'agit de V. Tatlin, K. Malevich, A. Rodchenko, A. Vesnin, L. Popova, A. Lavinsky, L. Lissitzky, A. Exter, V. Stepanova, G. Klutsis, A. Gan et d'autres. Design soviétique la deuxième génération sont ceux qui (en raison de l'âge ou d'autres raisons) n'ont pas eu le temps de recevoir une éducation artistique systématique avant la révolution. Beaucoup d'entre eux n'avaient pas les compétences professionnelles suffisantes, ils n'avaient pratiquement rien à abandonner dans leur travail. Une professionnalisation artistique insuffisante tout en se concentrant sur la fiction picturale était caractéristique de la deuxième génération de pionniers du design soviétique. Beaucoup d'entre eux, en fait, n'ont jamais été artistes et sculpteurs professionnels. Cependant, c'était sur eux que le poids de la masse Travaux pratiques. Si leurs camarades plus âgés dans les années 30, c'est-à-dire après la perte de popularité des idées d'art industriel, sont retournés à leur ancien métier, alors ces artistes du design n'avaient nulle part où aller - ils sont restés travailler dans le domaine de la décoration.

12. Bauhaus - la première école de design.

En 1919, dans la petite ville allemande de Weimar, le Bauhaus (littéralement "Building House") est créé, le premier établissement d'enseignement destiné à préparer les artistes au travail dans l'industrie. L'école, selon ses organisateurs, était censée produire des personnes développées qui combinerait des possibilités artistiques, spirituelles et créatives. Les anciennes écoles d'art n'allaient pas au-delà de la production artisanale. Le Bauhaus était dirigé par son organisateur, l'architecte allemand progressiste Walter Gropius, élève de Peter Behrens. En peu de temps, le Bauhaus est devenu un véritable centre méthodologique dans le domaine du design. Parmi ses professeurs figuraient les plus grandes personnalités culturelles du début du XXe siècle, les architectes Mies van der Rohe, Hannes Mayer, Marcel Breuer, les artistes Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lionel Feninger, Piet Mondrian.

Le début de l'activité du Bauhaus s'est déroulé sous l'influence d'idées utopiques sur la possibilité de réorganiser la société en créant un environnement de sujet harmonieux. L'architecture était considérée comme un "prototype de cohérence sociale", reconnue comme le commencement, unissant l'art, l'artisanat et la technologie. Les étudiants de la première année étaient engagés dans une certaine spécialisation (céramique, ameublement, textile, etc.). L'éducation était divisée en formation technique et formation artistique. S'engager dans un métier dans l'atelier de l'institut était considéré comme nécessaire pour le futur designer, car ce n'est qu'en fabriquant un échantillon (ou une norme) que l'étudiant pouvait ressentir l'objet comme une sorte d'intégrité et, en faisant ce travail, se contrôler. En contournant la communication directe avec l'objet, le futur designer pourrait devenir victime d'un "machinisme" limité unilatéral, car la production moderne divise le processus de création d'une chose en opérations disparates. Mais, contrairement à l'école professionnelle traditionnelle, l'étudiant du Bauhaus ne travaillait pas sur un seul sujet, mais sur une norme de production industrielle.

Inutile de dire que les produits du "Bauhaus" portaient une empreinte tangible de la peinture, du graphisme et de la sculpture des années 20 avec une passion pour le cubisme, caractéristique de cette époque, décomposant la forme générale d'un objet en ses composants. formes géométriques. Les échantillons réalisés dans les murs de l'école se distinguent par le rythme énergique des lignes et des taches, le pur géométrisme des objets en bois et en métal. Les théières, par exemple, pourraient être assemblées à partir d'un stand de tir, d'un cône tronqué, d'un demi-cercle et, dans une autre version, d'un demi-cercle, d'un hémisphère et de cylindres. Toutes les transitions d'une forme à l'autre sont extrêmement nues, nulle part on ne trouve une volonté de les adoucir, tout cela est souligné en contraste et pointu. La fluidité de la silhouette peut être tracée dans la céramique, mais c'est une expression des propriétés du matériau - l'argile cuite. Comme les objets des temps modernes sembleraient amorphes en comparaison avec eux ! Mais la principale différence entre eux n'est même pas de comparer l'énergie des choses du Bauhaus avec la léthargie délibérée de la modernité. Le Bauhaus cherchait la constructivité d'une chose, la soulignait, la révélait, et parfois l'exagérait là où, semble-t-il, il n'était pas facile de la trouver (dans la vaisselle, par exemple). Une recherche intense de nouvelles solutions constructives, parfois inattendues et audacieuses, était particulièrement caractéristique dans la production de meubles : de nombreux projets sont nés dans le Bauhaus qui a fait une véritable révolution (les chaises en bois de Ritfeld, les sièges à base de métal de Marcel Breuer, et bien plus encore). La formation technique des étudiants a été soutenue par l'étude des machines-outils, de la technologie de traitement des métaux et d'autres matériaux. En général, l'étude des matériaux était donnée exclusivement grande importance, puisque la véracité de l'utilisation de tel ou tel matériau était l'un des fondements du programme esthétique du Bauhaus. Le principe même de la formation artistique était également novateur. Dans les anciennes écoles, l'enseignement de la peinture, du dessin et de la sculpture, selon une longue tradition, était de nature passive, et la maîtrise du savoir-faire se faisait dans un processus qui excluait presque l'analyse de la nature. Le Bauhaus estimait que la maîtrise seule ne suffisait pas à mettre les arts plastiques au service de l'industrie. Par conséquent, en plus des croquis habituels d'après nature, du dessin technique, tous les cours comprenaient une expérimentation continue, au cours de laquelle les étudiants étudiaient les schémas de rythme, d'harmonie, de proportion (comme le contrepoint, l'harmonie, l'instrumentation sont étudiés en musique). Les élèves ont maîtrisé toutes les subtilités de la perception, de la mise en forme et de la correspondance des couleurs. Le Bauhaus devient un véritable laboratoire d'architecture et de design industriel. L'évolution du Bauhaus est très intéressante. Fondée par la fusion de l'Académie des arts de Weimar et de l'école Van de Velde, elle a d'abord poursuivi certaines de leurs traditions. Au fil du temps, l'influence des prédécesseurs s'est perdue. À cet égard, l'abolition progressive de spécialités artisanales «fabriquées par l'homme» telles que la sculpture, la céramique, la peinture sur verre et une plus grande approximation des exigences de l'industrie et de la vie ont été importantes. Au lieu de meubles sculptés, des modèles destinés à la production en série ont commencé à émerger des murs du Bauhaus, en particulier des échantillons de sièges de M. Breuer. Une étape importante dans l'histoire du Bauhaus a été le déménagement de l'école de la tranquille patriarcale Weimar à la ville industrielle de Dessau. Ici, selon le projet de Gropius lui-même, un bâtiment remarquable a été construit, inclus dans le fonds d'or de l'architecture mondiale, un bâtiment spécial bâtiment pédagogique, qui réunit salles de classe, ateliers, foyer d'étudiants, logements de professeurs. Ce bâtiment était en tout point le manifeste d'une nouvelle architecture, sensible et fonctionnelle.

L'ameublement intérieur de l'appartement de Gropius, conçu par lui-même avec Breuer, était, dans sa base démocratique, un modèle de l'habitation progressive du futur. Il était remarquable par sa modestie surprenante, ses commodités et, à bien des égards, anticipait les principales tendances de la construction de l'espace domestique avec son espace, son abondance d'air et l'absence de meubles d'armoire. Non seulement la solution générale est remarquable, mais également les détails intérieurs individuels - lampes, blocs de meubles de cuisine et bien plus encore.

À la Faculté de métal, des échantillons ont été conçus pour une usine locale; les échantillons de papiers peints et de tissus d'ameublement créés à l'institut ont servi de base à la production en usine de produits de masse. À dernières années l'existence du Bauhaus, lorsque Hannes Mayer en est devenu le chef, la formation théorique des étudiants s'est particulièrement accrue. La sociologie et l'économie ont été étudiées pour étudier les demandes du consommateur de masse, pour connaître ses besoins, pour comprendre ses goûts. Pour comprendre le processus de production, les étudiants devaient passer directement par toutes ses étapes. Cette méthode d'étude leur a permis de maîtriser de manière globale l'effet de la forme externe d'un objet, les caractéristiques de la perception de la forme, de la texture, de la couleur, de se familiariser avec l'optique, la science des couleurs et la physiologie. L'époque où l'artiste ne pouvait compter que sur l'intuition et expérience personnelle, comme le croyaient les dirigeants du « Bauhaus », avait disparu pour toujours ; l'étudiant a été formé comme une personne créative complètement développée. La progressivité du Bauhaus et les vues progressistes de ses professeurs ont provoqué le mécontentement des autorités locales. En 1930, Mayer a été retiré de la direction de l'institut. Le remarquable architecte Mies van der Rohe prend la tête du Bauhaus, mais le Bauhaus n'a pas longtemps à exister. Immédiatement après l'arrivée au pouvoir des nazis en 1933, elle a été liquidée. La plupart des dirigeants du Bauhaus, dont Gropius, Mies van der Rohe, Mogoly Nagy, quittent définitivement le pays. La valeur du "Bauhaus" est difficile à surestimer. Ce n'était pas seulement un exemple d'organisation de la formation des designers, mais aussi un véritable laboratoire scientifique d'architecture et de design artistique. Développements méthodologiques sur le terrain perception artistique, mise en forme, science des couleurs ont constitué la base de nombreux travaux théoriques et n'ont pas perdu leur valeur scientifique jusqu'à présent.

1920-1930

Fonctionnalisme - courant rationaliste de l'architecture des années 1920, affirmant la suprématie du pratique

fonctions tiques, besoins vitaux pour déterminer à la fois les plans et les formes des ouvrages(Tableaux 14-16).

Le terrain en a été préparé par la lutte contre la division de l'architecture caractéristique de l'éclectisme en construction utilitaire et décoration de façade, le désir de restaurer l'unité de l'esthétique et de la pratique, de développer un nouveau principe d'opportunité de la forme architecturale. Le slogan de L.Sulliven "la fonction détermine la forme" a été repris par les fondateurs de l'architecture moderne en Allemagne - le groupe Bauhaus, en France - le groupe Esprit Nouveau et aux Pays-Bas - le groupe De Stil. Depuis la fin des années 1920, le fonctionnalisme s'est répandu rapidement en Europe et au-delà. Les signes extérieurs d'un style international sont affirmés, tandis que les traditions locales et les conditions climatiques sont ignorées.Le fonctionnalisme dans les pays d'Europe occidentale se développe parallèlement au constructivisme en Union soviétique.

Les deux directions renvoient à des phénomènes d'avant-garde en architecture (tableaux 17-19, voir tableaux 14-16).

La base de la structure de planification des bâtiments, faite dans le fonctionnalisme, est un calendrier clair de mouvement, une interconnexion logique des locaux, et dans l'apparence des bâtiments, on peut voir un véritable reflet des fonctions. Les fonctionnalistes suivent la formule de l'architecte allemand B. Taut : "Ce qui fonctionne bien a l'air bien."

Les traits caractéristiques du fonctionnalisme sont :

asymétrie lâche du pantalon;

différenciation du volume du bâtiment et répartition des locaux ayant les mêmes fonctions en groupes distincts, reliés entre eux par des transitions ;

formes architecturales géométriques simples;

divisions horizontales, fenêtres en ruban;

toits plats;

manque d'éléments décoratifs et d'éléments de styles historiques.

Un représentant éminent du fonctionnalisme en France était l'architecte Le Corbusier. Déjà dans ses premiers travaux, il s'intéresse aux problématiques de l'habitat de masse et cherche à l'uniformiser, à le rendre le plus industriel possible.

Pavillon d'exposition "Esprit Nouveau" à Paris conçu par l'architecte Le Corbusier Exposition internationale arts décoratifs et techniques (1925) reflètent les idées novatrices de l'auteur.

Mais Le Corbusier s'est fait connaître lorsqu'il a commencé à construire des villas pour les riches.

Villa Savoie à Poissy(1928) a acquis une grande popularité dans le monde. Il a un aspect architectural clair, caractérisé par des formes laconiques. La maison semble flotter au-dessus du sol. Son parallélépipède est élevé sur de minces cadres supports-piliers. Le premier étage est en partie aménagé. Il y a un garage et un atelier ici. Le reste de l'espace est libre. Les locaux principaux sont situés au deuxième étage. La connexion entre les étages est réalisée à l'aide de rampes en béton armé légèrement inclinées, ce qui vous permet de voir des angles inattendus de l'espace intérieur de la villa lors de l'escalade.

Le principe des espaces fluides est utilisé. L'espace de la pièce dû au vitrage continu du mur est visuellement combiné avec une terrasse ouverte. Sur le toit plat, il y a un solarium, qui est caché derrière un mince mur curviligne, proche en plan d'un ovale. C'est un élément d'architecture qui adoucit les contours rectangulaires. La terrasse du deuxième étage est limitée par des murs avec des ouvertures de fenêtres sans verre, ce qui permet d'aiguiser la perception du paysage environnant.

Villa à Garsha(1927) près de Paris est devenu l'une des œuvres les plus célèbres de Jle Corbusier dans le domaine de la construction de logements individuels. Lors de la construction d'un plan rectangulaire et lors de la création de la composition des façades principales, Le Corbusier utilise les proportions du nombre d'or. Le libre aménagement est assuré par l'utilisation d'une ossature en béton armé. Les murs de la façade nord sont en bandes de béton armé et de verre. Les bandes de verre de la façade sud sont plus larges que celles du nord. Au rez-de-chaussée il y a un hall, un garage, un atelier et des chambres pour les domestiques. Au deuxième étage, il y a une grande pièce ouverte au centre, une bibliothèque dans le coin nord-ouest, une salle à manger dans le coin sud-est, une cuisine dans le coin nord-est, une terrasse avec jardin dans le coin sud-ouest. La maison a deux escaliers : l'un monte du hall à la bibliothèque, l'autre mène du passage près du garage à la cuisine et au-dessus. Le troisième étage est occupé par des chambres, des dressings et des salles de bains, ainsi qu'une terrasse. Le quatrième étage comprend une chambre d'amis et une chambre de domestique, une terrasse avec un jardin. Au centre de la terrasse se trouve une tour elliptique. La maison utilise au maximum la lumière du soleil, l'air frais et l'environnement naturel. Les plans s'inscrivent dans un rectangle simple, mais spatialement complexe, car ils prennent en compte tous les besoins humains. La façade sud, aux larges bandeaux de fenêtres, est égayée par un escalier ouvert en diagonale menant à la terrasse.

Le Corbusier a formulé cinq principes de sa créativité, qui 48

étaient à la base du concept de fonctionnalisme :

maison sur crémaillères (pour libérer la surface de la terre pour la verdure);

plan libre (indépendance de la division des étages par cloisons grâce à l'utilisation d'une ossature légère) ;

liberté de la façade (qui peut être obtenue par des supports verticaux rarement situés du cadre et des structures en porte-à-faux);

fenêtres horizontales;

toit plat (possibilité d'aménager des terrasses ouvertes).

Ils sont clairement visibles dans toutes ses œuvres de cette période.

Parallèlement aux villas privées, Le Corbusier a conçu et construit de grands édifices publics, comme l'auberge des étudiants suisses à Paris (1930), le bâtiment Centrosoyuz à Moscou (1928-1936). Ces bâtiments incarnaient également de manière vivante les principes du fonctionnalisme, de nouveaux concepts esthétiques.

Le plus grand architecte français de la période du fonctionnalisme I était A. Lyursa, selon le projet duquel un bâtiment important a été construit - école à Villajuif(1931 - 1933), un des quartiers de Paris. L'école comprenait un jardin d'enfants.

A. Lyursa a créé une composition spatiale développée, qui était dominée par un bâtiment éducatif étendu, trois petits blocs en partaient perpendiculairement, créant des cours ouvertes pour les jeux et les activités sportives. C'était un autre exemple frappant de fonctionnalisme. La structure de planification était basée sur une connexion simple et claire entre les locaux. Au début des années 1930, A. Lyursa est invité en URSS, où il travaille à la création de bâtiments principalement scolaires et hospitaliers.

La nouvelle direction, malgré ses réalisations, n'a pas déterminé le caractère général des villes françaises. Les constructions modernes étaient rares entrecoupées de constructions traditionnelles.

Le Corbusier, à la fin des années 1920, a été le premier à poser la question de la création d'une organisation internationale des architectes. En 1928, une telle organisation a été créée - le Congrès international d'architecture moderne (SIAM). L'organisation a réuni des partisans du courant rationaliste - le "mouvement moderne", qui s'est répandu dans les années 1920 et 1930 en Europe, en Amérique du Nord et du Sud, en Autriche et au Japon. L'idée d '«architecture internationale», avancée par V. Gropius, a commencé à se concrétiser. Les partisans de ce mouvement se sont opposés à l'académisme. Le Corbusier a créé un document appelé I "Charte d'Athènes", où le concept urbain de fonctionnalisme a été formulé. Dans les années d'après-guerre, les dispositions de la Charte d'Athènes sont devenues les dogmes du fonctionnalisme. Dans les années 1930-1950, le SIAM contribue à l'établissement de relations internationales entre architectes.

Dans les années 1920, une nouvelle direction de l'architecture s'est également développée rapidement en Allemagne. Des architectes bien connus tels que P.Behrens, L.Mies van der Rohe, V.Gropius, G.Pelzig, B.Taut, G.Meyer, E.May ont travaillé ici.

En 1919, l'architecte W. Gropius crée un nouvel établissement d'enseignement, le Bauhaus (École supérieure de construction et de design artistique), dans lequel il combine deux établissements d'enseignement : une école supérieure d'art et une école professionnelle, dans le but de combler le fossé entre art « pur » et art appliqué, entre industrie et travail manuel. Cette institution éducative et association architecturale et artistique a été fondée à l'origine à Weimar, et en 1925 elle a été transférée à Dessau, puis en 1932 à Berlin, où elle a été fermée par les nazis en 1933.

W. Gropius rêvait de faire revivre l'unité des arts et métiers dans l'esprit de W. Morris. Son utopie esthétique visait l'ordre de vie idéal comme but ultime. Dans le même temps, V. Gorpius n'a pas rejeté les méthodes de production industrielles. La formation comprenait l'étude des matériaux et des méthodes de leur traitement, puis la théorie de la mise en forme. V. Gropius a vu la solution aux problèmes sociaux de l'architecture et du design dans la standardisation et la sérialisation. Le Bauhaus a commencé à former des artistes-designers qui comprenaient à la fois la peinture, le dessin et la composition, et étaient des spécialistes qui connaissaient les technologies de production industrielle d'objets d'art appliqué et d'équipements pour les bâtiments résidentiels et publics. En 1928, le Bauhaus et son département d'architecture étaient dirigés par l'architecte G. Meyer. Il a axé son programme sur le développement du rôle social de l'architecture et la préparation des étudiants aux activités pratiques. Dans le même temps, les disciplines artistiques ont été isolées, ce qui a violé l'intégrité unifiée du programme. En 1930, l'architecte L. Mies van der Rohe prend la direction. Il a conservé la prédominance des disciplines architecturales, mais a considérablement réduit les activités des ateliers.

Le Bauhaus n'était pas seulement un centre de formation d'architectes, de designers et d'artistes, mais aussi un centre de développement d'idées rationalistes en architecture. Les méthodes d'enseignement développées au Bauhaus ont été adoptées par de nombreuses écoles d'architecture et d'art en Europe et aux États-Unis.

Un épicentre similaire pour la formation de la tendance avant-gardiste dans l'architecture soviétique des années 1920 était un établissement d'enseignement supérieur - Vkhutemas (Vkhutein).

V. Gropius a construit un nouveau Bâtiment Bauhaus à Dessau (1925 - 1926 BC), qui est considéré comme le manifeste du fonctionnalisme en Allemagne, car il incarnait tous les principes de ce mouvement d'avant-garde. Le bâtiment avait une structure asymétrique de volumes géométriques simples séparés, reliés entre eux par des passages. La composition se composait de deux bâtiments: l'un abritait des installations de formation, l'autre - des ateliers de production. Le bâtiment des ateliers avait un vitrage continu des murs et celui de la formation avait des fenêtres séparées. La transition est révélée par des bandes horizontales de fenêtres, des cages d'escalier - par des vitrages verticaux. Les toits sont plats. Il n'y a rien de décoratif dans le bâtiment. L'apparence se distingue par la simplicité et la nouveauté.

Le fonctionnalisme a abandonné l'attribution de la façade principale. Le grand principe était le principe de toute façade, proposé par l'Art Nouveau.

En 1924, V. Gropius dans un concours international de Immeuble de bureaux du Chicago Tribune a présenté un projet qui a choqué le jury par son apparence. Ici, il y avait un rejet complet de l'utilisation de formes éclectiques et de l'identification des structures du cadre de support. Malgré les critiques sévères du jury, le projet a eu un impact sur la poursuite de la recherche de l'architecture américaine.

Ce projet innovant, dans son importance pour le développement ultérieur de l'architecture, fait écho au projet avant-gardiste des leaders du constructivisme en Union soviétique - les frères A., JL, V. Vesnin, présenté en 1922 au concours pour le Palais du Travail à Moscou.

V. Gropius a été le premier à proposer le soi-disant bâtiment en ligne lors de la construction de quartiers résidentiels pour les travailleurs, lorsque les maisons étaient situées en rangées parallèles, perpendiculaires aux autoroutes de la ville, vers lesquelles ne sortaient que les extrémités aveugles des maisons standard. Cela a réduit le coût de la construction, contribué à réduire la longueur des communications et isolé les appartements du bruit de la rue. Les colonies de Dammerstock, Siemensstadt et d'autres peuvent servir d'exemples : ce fut la première expérience de rationalisation de la construction massive de logements et de son industrialisation. Le principe de la construction de lignes a commencé à être largement utilisé dans notre pays dans les années 1920 et 1930 lors de la construction de nouvelles villes socialistes (par exemple, la ville socialiste d'Avtostroy à Nizhny Novgorod).

En 1921 -1926. V. Gropius travaille dans le domaine de la construction de logements, développant des projets de logements bon marché de masse. La simplicité des volumes, un toit plat et l'absence d'ornements décoratifs sont devenus une caractéristique du nouveau type de bâtiments résidentiels. La demande d'économies dans la construction de logements s'est imposée.

Un autre représentant majeur du fonctionnalisme allemand était L. Mies van der Rohe. Ses conceptions et structures de cette période ont anticipé le développement de l'architecture moderne et sont devenues les bâtiments du programme du fonctionnalisme européen.

L'œuvre de L. Mies van der Rohe s'est formée sous l'influence des idées de P. Behrens, dont il a rejoint le bureau d'études en 1908 ; sous l'influence de F. Wright, dont il a vu le travail à l'exposition de 1910 à Berlin ; sous l'influence de l'œuvre de l'architecte hollandais H. Berlage, l'un des précurseurs marquants de l'architecture moderne.

Parmi les œuvres les plus célèbres de L. Mies van der Rohe figure pavillon de l'Allemagne à l'International

exposition à Barcelone (1929), où il crée une nouvelle organisation de l'espace intérieur. La dalle horizontale plate du toit repose sur des murs autoportants qui divisent asymétriquement le pavillon en compartiments, ainsi que sur deux rangées de poteaux en acier chromé à section transversale. Les racks ont été installés sur une grille carrée d'axes. L'intérieur était complété par des cloisons en verre transparent, gris fumé et couleur bouteille. La dalle de sol, en saillie vers l'avant, capture l'espace extra-atmosphérique, pour ainsi dire. Le pavillon est conçu selon le principe de la libre planification. Le plan libre permettait au spectateur de percevoir l'ensemble de la structure dans son ensemble. Le bâtiment est extrêmement laconique, il incarne de nouvelles idées architecturales, de nouveaux idéaux esthétiques.

Les chercheurs de la créativité de L. Mies "van der Rohe ont reconnu le style graphique du groupe De Stil dans un plan libre, échos des "maisons de prairie" de F. Wright dans l'horizontalité du volume. L'architecture du pavillon a démontré de nouvelles idées révolutionnaires. Le pavillon de Barcelone est devenu le summum de la créativité der Rohe de L. Mies van et un chef-d'œuvre de l'architecture du XXe siècle.

Le sentiment social-démocrate des années 1930 à Vienne a incité la construction de logements de masse pour les travailleurs. Les bâtiments résidentiels à plusieurs sections étaient des quartiers fermés et semi-fermés, rappelant une sorte de forteresse. L'exemple le plus frappant d'une telle construction est le complexe résidentiel "Karl-Marx-Hof" à Vienne, en Autriche, conçu par l'architecte K. Ehn (1926 - 1930). Il se composait d'une cour étroite s'étendant sur près d'un kilomètre de long, le long du périmètre de laquelle se trouvaient des bâtiments de 5 à 6 étages avec 1325 appartements. Le complexe comprenait des établissements préscolaires, une laverie, des magasins et une bibliothèque. Ici, vous pouvez voir l'influence des idées de maisons communales dans l'architecture soviétique de cette période. Les façades prolongées avaient un grand rythme d'articulations métriques sous la forme de tours en saillie au-dessus de la ligne de corniche et complétées par des balustrades aveugles de balcons et d'immenses ouvertures cintrées dans les étages inférieurs. Comme technique de composition a donné au complexe résidentiel la massivité et la monumentalité.

Les Pays-Bas de la période considérée se caractérisent par le désir des artistes et architectes de gauche de trouver des formes qui reflètent les vues esthétiques du début du nouveau siècle. Ils ont activement recherché de nouveaux moyens d'expression artistique, créant leur propre version du fonctionnalisme - néoplasticisme -direction opposée à l'expressionnisme. Les néoplasticiens, principalement des représentants du groupe De Stil, ont cherché à opposer au monde du chaos une sorte d'harmonie abstraite.(voir tableaux 16, 17).

Le groupe créatif "De Stil" a été fondé aux Pays-Bas en 1917. Il comprenait les artistes T. van Doesburg, P. Mondrian, les architectes J. Aud, G. Rietveld et d'autres.

Le concept esthétique du néoplasticisme et de la peinture abstraite post-cubiste était associé à des abstractions géométriques de lignes et de plans horizontaux et verticaux, peints dans des couleurs vives et simples. La couleur a été utilisée pour renforcer l'expressivité de la construction spatiale. Les expériences sur l'interpénétration des espaces intérieurs et extérieurs, la division des plans muraux en éléments indépendants séparés, l'introduction de la couleur et de la texture étaient de nouveaux principes d'architecture qui ont rapidement été reconnus. Ils étaient en phase avec les recherches suprématistes de L. Lissitzky et K. Malevich dans l'architecture de l'avant-garde soviétique des années 1920-1930.

Le groupe a publié son propre magazine ("De Stil"), où les problèmes de création de nouvelles formes ont été soulevés. Elle a servi de laboratoire expérimental, essayant de former un nouveau langage de l'architecture moderne. Mais le groupe était plus enclin à la recherche théorique. Et les bâtiments qu'ils ont érigés sont restés isolés. Ainsi, notamment, l'architecte J. Aud se sépare dans les années 1920 du groupe De Stil et entame des activités indépendantes.

Pendant la construction bâtiments résidentiels à Hoek van Holland(dans la banlieue de Rotterdam) J. Aud s'est révélé être un rationaliste. Il a élaboré des plans simples et clairs pour des bâtiments résidentiels (1924-1927) avec des appartements sur un et deux niveaux. En même temps, il a utilisé deux modules : un grand, égal à la taille du salon, et l'autre, égal à la moitié de cette valeur. Le petit module correspondait aux cuisines, chambres, cages d'escalier et autres espaces annexes. Les maisons avaient des toits plats, des murs lisses, des fenêtres horizontales. Ils étaient plus rationnels en termes de techniques de composition et de construction, de nouveauté des formes, plus statiques par rapport aux idées dynamiques du néoplasticisme.

Un autre représentant du fonctionnalisme néerlandais était l'architecte À. Dudok. à Hilversum, Pays-Bas, en 1928 il construit bâtiment de la mairie, qui se distinguait par une composition expressive des volumes géométriques les plus simples, des changements énergiques et une asymétrie accentuée. En même temps, l'auteur ne refuse pas d'utiliser la brique rouge et ne 52

cherche à le cacher sous une couche de plâtre. Toutes les pièces sont regroupées autour d'une cour carrée. Une grande tour d'horloge carrée s'élève au-dessus de l'angle sud-est du bâtiment, qui sert également de château d'eau.

Grand magasin à Rotterdam l'architecte V. Dudok (1929-1930) se caractérise par un look résolument moderne. Thème principal dans la solution des façades, il y a un vitrage continu des murs, contrastant avec les volumes vierges. Ce bâtiment se distingue par sa composition dynamique due aux lignes horizontales rapides accentuées des étages individuels.

Le fonctionnalisme aux Pays-Bas était le plus clairement représenté par le bâtiment usine de tabac à Rotterdam conçu par les architectes A. Brinkman et C. van der Flugg (1926-1930). Une structure de trame a été utilisée ici. Le vitrage continu a permis de créer l'apparence d'un bâtiment moderne. Il se distingue par une expressivité plastique due à la construction du corps principal selon un arc concave, ce qui témoigne d'un certain intérêt pour les qualités formelles de l'architecture.Le bâtiment se caractérise par un agencement rationnel qui répond aux exigences du processus technologique.

L'architecte néerlandais G. Rietveld en 1923-1924. construit château pour l'artiste Schroeder à Utrecht, où le concept de néoplasticisme en architecture a été mis en œuvre. Le volume presque cubique a des façades, composées de plusieurs plans géométriques (carrés et rectangles), qui sont indépendants et divisent l'espace, tout en conservant l'intégrité du volume. Le manoir a un plan libre, qui est transformé par des cloisons mobiles. Ainsi, G. Rietveld transpose les compositions formelles planes de P. Mondrian dans l'espace tridimensionnel. Avec des plans en saillie, des auvents, des balcons et des terrasses, l'auteur relie le bâtiment à l'espace environnant.

La recherche des néoplasticiens devient un maillon intermédiaire entre les recherches esthétiques et technocratiques. De nouvelles idées de mise en forme ont influencé l'avant-garde architecturale.

Dans les pays scandinaves du nord, le fonctionnalisme a commencé à se développer avec un certain retard - au début des années 1930. Contrairement à d'autres pays européens, il se caractérise par un appel aux matériaux de construction locaux et une tendance à connecter l'architecture à la nature environnante.

En Finlande, les idées de fonctionnalisme se sont clairement manifestées dans les œuvres de l'architecte A. Aalto. Son travail avait une forte personnalité. Pour lui, comme pour F. Wright, l'essentiel en architecture était la fusion des bâtiments avec la nature.

Son œuvre la plus connue est sanatorium à Paimio près de Turku (1929-1933). Il a attiré l'attention de tout le monde. La composition du sanatorium est libre et asymétrique. Les cas interconnectés par des transitions sont situés à des angles différents les uns par rapport aux autres. Une telle disposition est associée à une orientation stricte vers les points cardinaux, car les exigences d'insolation dans un sanatorium antituberculeux sont très strictes. Les chambres reçoivent un ensoleillement maximal et les bâtiments eux-mêmes sont parfaitement connectés à la nature et au terrain environnants, ce qui donne une impression de composition architecturale organique. L'organisation fonctionnelle claire du bâtiment, la géométrie simple des volumes en font l'un des meilleurs exemples de fonctionnalisme en Europe.

En 1930 à Stockholm une exposition a eu lieu, qui est devenue un tournant dans le développement de l'architecture en Suède. Complexe installations d'exposition a été conçu par l'architecte G. Asplund et exécuté dans le style du fonctionnalisme. Il se distingue par une logique fonctionnelle claire dans la planification, l'utilisation de structures en acier et l'absence de motifs traditionnels dans l'esprit du néoclassicisme ou du romantisme national.

Les pionniers du «mouvement moderne» (modernisme), qui comprenait des fonctionnalistes, des néoplasticiens et des expressionnistes, considéraient l'architecture comme un outil pour résoudre les problèmes sociaux, éliminer l'injustice sociale. Au moyen d'une nouvelle architecture, ils ont cherché à façonner activement les processus de vie de la société, à influencer l'esprit des gens, démontrant une réévaluation des valeurs esthétiques. Ils appellent à lutter contre le manque de scrupules de l'éclectisme, et leur quête des années 1920 et 1930 rompt nettement avec l'historicisme et le décoralisme. Les critères de l'architecture étaient l'interaction de la fonction, de la forme et de la construction. Le côté faible du "mouvement moderne" était l'inattention à l'environnement existant (à l'exception des bâtiments d'A. Aalto). À la fin des années 1930, la fatigue des limitations des techniques architecturales commence à se faire sentir, l'apparition de timbres parmi les adhérents de la nouvelle direction.

En Russie, le courant avant-gardiste de l'architecture des années 1920 et 1930 trouve son origine dans les courants de gauche des beaux-arts. L'architecture soviétique de l'ère d'avant-garde a pris une place particulière dans l'architecture mondiale du XXe siècle. et dans le développement de l'architecture domestique. La Russie, avec l'Allemagne, la France et les Pays-Bas, est devenue le centre de formation d'une nouvelle direction stylistique mondiale, qui * est toujours une source de nouvelles impulsions créatives et donne aux architectes modernes la possibilité de développer de nouvelles idées formatrices nées à cette époque. L'architecture soviétique a connu son apogée et a attiré l'attention d'architectes progressistes d'autres pays, qui ont observé avec un grand intérêt les expériences d'urbanisme et d'architecture, le processus de formation de types de bâtiments socialement nouveaux. L'Union soviétique dans ces années est devenue un centre d'attraction pour les architectes célèbres de nombreux pays. Ils ont participé activement à la conception compétitive et réelle: Jle Corbusier, A. Lyurs, E. Mendelssohn, V. Gropius, B. Taut, E. May, G. Meyer et autres Moscou (1931) - a attiré un certain nombre d'architectes étrangers à participer. Sur les 160 projets (premier tour), 24 ont été présentés d'autres pays (dont les États-Unis - 11, l'Allemagne - 5, la France - 3). L'un des plus grands bâtiments publics construits par Le Corbusier dans les années 1930 était le bâtiment du Tsentrosoyuz sur la rue. Kirov à Moscou (1930-1936).

Parallèlement au fonctionnalisme dans les années 1920 et 1930, un certain nombre de pays européens ont également développéexpressionnisme - direction des beaux-arts et de l'architecture moderne, qui est à l'opposé du fonctionnalisme. L'expressionnisme véhiculait la vision du monde troublante inhérente aux périodes de crises sociales et de troubles. Il se distingue par la recherche de moyens d'exprimer l'expressivité, l'accent mis sur la plasticité active des formes. Elle était particulièrement prononcée en Allemagne et en Autriche.(voir tableaux 18, 19).

Dans les années d'après-guerre (après la Première Guerre mondiale), les idées d'une telle direction de l'avant-garde artistique comme l'expressionnisme ont continué à se développer, qui, comme l'Art nouveau, croyait en la possibilité de transformer la vie selon les lois de l'art. L'expressionnisme en architecture a également été influencé par les idées du romantisme national - le rétrospectivisme.

Les œuvres de l'expressionnisme se distinguent par une composition fantaisiste fantastique, une sculpture, des formes dynamiques et un déséquilibre. L'architecture de l'expressionnisme, comme l'architecture du fonctionnalisme, s'oppose à diverses manifestations de l'historicisme. L'expressionnisme se distinguait par des méthodes spécifiques d'organisation de l'espace, qui devenaient complexes, informes, aux frontières floues. L'expressionnisme était associé aux rêves utopiques, il proposait la destruction des dogmes établis, mais son idéologie était floue.

Les exemples les plus frappants de cette tendance sont apparus dans les années 1920 et 1930 aux Pays-Bas et en Allemagne. Tre- | L'atmosphère importante et instable de cette époque a déformé la perception de l'artiste, architecte et a donné lieu à des œuvres extatiques et décostructives. Dans la plupart des cas, les images des structures sont construites sur des associations avec des formes de technologie ou des formes de nature organique ; elles contiennent souvent une image-symbole.

Parmi les architectes expressionnistes les plus célèbres figurent G.Pelzig, E.Mendelssohn, G.Sharun.

L'architecte allemand E. Mendelssohn s'est fait connaître dans les années 1920 en créant croquis de bâtiments industriels, qui frappe par la netteté et l'inattendu des formes architecturales. Ils sont montés aux images de la puissance et de la dynamique de l'industrie.

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Projet de reconstruction de Paris (Plan Voisin) (France), arch. Le Corbusier, 1925

Pavillon d'exposition "Esprit Nouveau" à Paris (France), architecte. Le Corbusier, 1925

74. Villa Savoy à Poissy (France), arch. Le Corbusier, 1928 75, 76. Villa à Garches (France), arch. Le Corbusier, 1927

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77, 78. Ecole de Villajuif (France), arch. A. Lyursa, 1931 - 193379, 80. Bauhaus à Dessau (Allemagne), arch. W. Gropius, 1925 - 1926

Complexe d'exposition avec un café à Stockholm (Suède), arch. G.Asplund, 1930

Conception concurrentielle pour le bâtiment éditorial du journal Chicago Tribune à Chicago (USA), arch. W. Gropius, 1924

83, 84 . Pavillon de l'Allemagne à l'Exposition internationale de Barcelone (Espagne), arch. L. Mies van der Rohe, 1929

99, 100. Chili House à Hambourg (Allemagne), arch. F. Heger, 1922 - 1924101, 102. Maison d'habitation pour célibataires à Breslau, arch. G. Sharun, 1929

En 1921, il construitlaboratoire d'astrophysique près de Potsdampour

scientifique A. Einstein. E. Mendelssohn a créé une image inhabituelle d'une structure qui diffère des structures "terrestres". Ses formes plastiques et sculpturales ont été conçues en béton armé, mais faute de ce nouveau matériau de construction, il a dû être remplacé par de la brique et enduit. Le bâtiment se distingue par l'absence d'angles droits, des murs épais et des fenêtres aux formes étranges.

La forme est dictée par des associations figuratives. Après cet édifice atypique, l'architecte reçut de nombreuses commandes.

L'expressionniste allemand G. Pelzig a construit un certain nombre de grands bâtiments industriels, qui ont également créé des images architecturales inhabituelles. Puis en 1919 il reconstitue Gros théâtre dramatiqueà Berlin. Salle Le théâtre de 5 000 places est couvert d'un plafond en demi-dôme, qui repose sur un certain nombre de piliers en béton armé, auxquels l'architecte donne l'apparence de stalactites, derrière lesquelles se cachent des sources lumineuses.

L'architecte F. Heger érige un immeuble de bureaux à plusieurs étages Chili House à Hambourg(1922-1924), qui se distingue par le rythme fréquent des divisions verticales des façades et la forme aiguë de la partie d'angle surélevée. Le bâtiment est en brique rouge traditionnelle. Son profil pointu est accentué par un angle rappelant la proue d'un navire, reflétant la fonction de la structure en tant que bâtiment commercial pour la compagnie maritime.

En 1929, l'architecte allemand G. Sharun, parmi les architectes innovants, s'efforçant dans ses œuvres d'irrationalité, d'individualité, de complexité du langage figuratif et formel, présenta maison de célibataireà l'exposition Werkbund à Breslau. L'auteur y crée non seulement une combinaison de volumes géométriques simples, mais utilise également avec audace des formes curvilignes et obliques. Les traits rationalistes sont ici complétés par la plasticité des éléments constitutifs de la composition globale, et le bâtiment acquiert l'expressivité émotionnelle voulue par l'auteur. Les idées d'architecture organique de F. Wright se lisent dans ses bâtiments. G. Sharun organise la structure spatiale autour d'un grand « espace médian ». Dans la maison du célibataire de Breslau, le rôle d'un tel espace est joué par un grand hall qui unit les deux ailes du bâtiment. Les principes compositionnels de G. Sharun, bien qu'appartenant à l'expressionnisme, se distinguent par leur attention aux questions fonctionnelles.

À la fin des années 1920, l'expressionnisme est supplanté par l'architecture rationaliste du fonctionnalisme.

Les idées de l'expressionnisme, avec leur attention accrue à l'expressivité et à l'imagerie vivante, se sont manifestées dans les années 1920 et se sont développées davantage dans l'architecture des pays occidentaux dans les années 1960.

En Union soviétique, aucune manifestation claire de l'expressionnisme n'a été notée, bien que ses caractéristiques se soient bien sûr manifestées parmi les architectes d'avant-garde, en particulier dans les projets étudiants de Vkhutemas, dans le travail de l'architecte K. Melnikov.

Le changement de la face du monde et la formation d'un nouveau paradigme du développement social et culturel de la Russie dans les années 20 du 20e siècle ont conduit à de nouvelles tendances dans tous les domaines de la vie humaine. Une restructuration radicale des principes idéologiques sur lesquels reposait la société exigeait la renaissance de la pensée artistique. La réponse au défi de la nouvelle époque a été la sélection à partir de l'arrière-plan d'autres figures de Malevitch et de Tatline, qui ont formé les principes de base. , révélant une tendance aux dessins géométriques simples et au relâchement des couleurs, et les contre-reliefs de Tatlin, reflétant la possibilité constructive de combiner plusieurs matériaux à la fois (verre, métal, bois) en un seul produit, sont devenus des catalyseurs de la transformation du langage de l'architecture, au fond duquel un nouveau style, avant-gardiste, est né.

Caractéristiques et principes de l'avant-garde architecturale

L'architecture russe du début du XXe siècle est devenue un environnement fructueux dans lequel le désir d'aller au-delà de la pensée traditionnelle et de l'espace habituel a commencé à mûrir. Les innovateurs de cette époque - Kuznetsov, Loleit, Shukhov - dans leurs créations ont largement anticipé les réalisations ultérieures. La tour de la station de radio nommée d'après le Komintern Vladimir Shukhov est à juste titre considérée comme l'un des premiers bâtiments de style avant-gardiste et un indicateur expressif du début d'une ère d'expérimentation et de nihilisme artistique, annonçant que l'architecture Art nouveau a pris le centre organiser.
À l'avenir, les idées d'égalité sociale, de socialisation de la vie quotidienne, le changement des canons industriels, qui ont pris forme, ont exigé une révision plus profonde et plus approfondie des postulats architecturaux actuels.

Trois grands principes se sont imposés :

• faisabilité et praticité des structures. Les bâtiments érigés étaient censés servir à des fins utilitaires, organiser la vie des gens en fonction de leurs besoins, créer des conditions confortables de travail et de vie.
• exposition de la vraie forme de l'enveloppe architecturale. Le dessin de l'espace intérieur définit l'image fonctionnelle et esthétique de l'extérieur.
• austérité des dessins et naturel naturel des matériaux. Le principe de "l'art pour l'art" n'était plus d'actualité. Le sens artistique et utilitaire s'est exprimé dans la création d'une composition "pure", dépourvue de voile attributif.

Les principales caractéristiques de l'avant-garde en architecture étaient:

• rigueur et concision des formulaires,
• simplicité et apparence logique.

Les protagonistes idéologiques expérimentent activement les matériaux : de nouveaux horizons s'ouvrent dans l'utilisation du carrelage, de la maille métallique, du verre et du bois. Une compréhension du rôle de l'architecte en tant qu'organisateur et créateur, et non décorateur de l'environnement, s'est formée. On repense les outils traditionnels : l'espace (plutôt que la substance) commence à être perçu comme un champ de créativité. Ce ne sont pas les besoins individuels qui sont apparus, mais les besoins publics (les masses étaient au centre de l'attention), ce qui s'est reflété dans les bâtiments caractéristiques de cette époque: usines-cuisines, clubs ouvriers, maisons - communes.