Dans l'histoire de l'art russe, le XVIIe siècle est une période de lutte entre deux écoles de peinture et de formation de nouveaux genres. église orthodoxe a encore eu un énorme impact sur une vie culturelle personne. Les artistes ont également connu certaines restrictions dans leurs activités.

iconographie

À la fin du Moyen Âge, le centre de concentration en Russie d'artistes et d'artisans était le Kremlin, ou plutôt Salles d'armurerie. Ils y ont travaillé les meilleurs maîtres l'architecture, la peinture et d'autres types de créativité.

Malgré le développement rapide de l'art dans toute l'Europe, la peinture en Russie au XVIIe siècle n'avait qu'un seul genre - la peinture d'icônes. Les artistes sont contraints de créer sous la surveillance vigilante de l'église, qui s'oppose fermement à toute innovation. La peinture d'icônes russe s'est formée sous l'influence des traditions picturales de Byzance et à cette époque avait clairement formé des canons.

La peinture, comme la culture en Russie au XVIIe siècle, était plutôt autonome et se développait très lentement. Cependant, un événement a conduit à une réforme complète du genre de la peinture d'icônes. Lors d'un incendie en 1547 à Moscou, de nombreuses icônes anciennes ont brûlé. Il était nécessaire de restaurer les perdus. Et dans le processus, le principal pierre d'achoppement Il y avait une dispute sur la nature des visages des saints. Les avis étaient partagés, les adeptes des anciennes traditions estimaient que les images devaient rester symboliques. Alors que les artistes sont plus vues modernesétaient en faveur de rendre les saints et les martyrs plus réalistes.

Séparé en deux écoles

En conséquence, la peinture en Russie au XVIIe siècle était divisée en deux camps. Le premier comprenait des représentants de l'école "Godunov" (au nom de Boris Godunov). Ils ont cherché à faire revivre les traditions de peinture d'icônes d'Andrei Rublev et d'autres maîtres médiévaux.

Ces maîtres travaillaient sur commande pour la cour royale et représentaient le côté officiel de l'art. traits caractéristiques pour cette école, il y avait des visages canoniques de saints, des images simplifiées d'une foule de personnes sous la forme de plusieurs têtes, des tons dorés, rouges et bleu-vert. Parallèlement, on peut remarquer les tentatives des artistes de rendre la matérialité de certains objets. L'école Godunov est surtout connue pour ses peintures murales dans les chambres du Kremlin, à Smolensk Cathédrale, cathédrale de la Trinité.

L'école adverse était « Stroganov ». Le nom est associé aux marchands Stroganovs, pour qui la plupart des commandes ont été passées et qui ont agi en tant que "sponsors" dans le développement de la peinture en Russie au XVIIe siècle. C'est grâce aux maîtres de cette école que le développement rapide de l'art a commencé. Ils ont été les premiers à fabriquer des icônes miniatures pour les prières à domicile. Cela a contribué à leur propagation parmi les citoyens ordinaires.

Les maîtres Stroganov sont de plus en plus allés au-delà des canons de l'église et ont commencé à prêter attention aux détails de l'environnement, apparence saints. Et ainsi le paysage a commencé lentement à se développer. Leurs icônes étaient colorées et décoratives, et l'interprétation des personnages bibliques était plus proche des images. Vrais gens. Les plus célèbres des œuvres survivantes sont les icônes "Nikita la guerrière", "Jean le Baptiste".

Fresques de Iaroslavl

Un monument unique dans l'histoire de la peinture du XVIIe siècle en Russie sont les fresques de l'église du prophète Élie à Yaroslavl, sur lesquelles ont travaillé des artistes de l'Armurerie. Une caractéristique de ces fresques sont des scènes de vrai vie qui prévalent sur histoires bibliques. Par exemple, dans la scène de la guérison, la partie principale de la composition est occupée par l'image des paysans pendant la récolte. Ce fut la première image monumentale du genre domestique.

Parmi ces fresques on peut trouver des scènes fabuleuses et mythologiques. Ils frappent avec leur couleurs vives et une architecture complexe.

Simon Ouchakov

A chaque étape développement culturel pays apparaissent leurs visages significatifs. La personne qui a promu la peinture en Russie au XVIIe siècle dans une nouvelle direction et a contribué à sa libération partielle de l'idéologie religieuse était Simon Ouchakov.

Il n'était pas seulement un peintre de cour, mais aussi un scientifique, un enseignant, un théologien, un homme aux vues larges. Simon était fasciné par l'art occidental. En particulier, il s'est intéressé image réaliste visage humain. Cela se voit clairement dans son œuvre "Le Sauveur non fait par les mains".

Ouchakov était un innovateur. Il fut le premier artiste russe à utiliser peinture à l'huile. Grâce à lui, l'art de la gravure sur cuivre commence à se développer. Artiste en chef de l'Armurerie pendant trente ans, il écrivit de nombreuses icônes, gravures, ainsi que plusieurs traités. Parmi eux se trouve "Un mot à un amoureux de la peinture d'icônes", dans lequel il expose ses pensées que l'artiste devrait, comme un miroir, afficher fidèlement le monde. Il a suivi cela dans ses écrits et l'a enseigné à ses étudiants. Dans ses notes, il y a des références à un atlas anatomique, qu'il a voulu écrire et illustrer avec des gravures. Mais, apparemment, il n'a pas été publié ou n'a pas été conservé. Le principal mérite du maître est d'avoir jeté les bases du portrait du XVIIe siècle en Russie.

Parsuna

Après d'importantes transformations dans la peinture d'icônes, le genre du portrait a commencé à prendre forme. Au début, il était exécuté dans le style de la peinture d'icônes et s'appelait "parsuna" (du latin - personne, personnalité). Les artistes travaillent de plus en plus avec la nature vivante, et les parsons deviennent plus réalistes, les visages dessus gagnent en volume.

Des portraits de Boris Godunov, des tsars Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, des tsarines Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova ont été peints dans ce style.

On sait que des artistes étrangers ont également travaillé à la cour. Ils ont également grandement contribué à l'évolution de la peinture russe.

graphiques de livre

L'impression est également arrivée assez tard sur les terres russes. Cependant, parallèlement à son développement, les gravures, qui servaient d'illustrations, ont également gagné en popularité. Les images étaient à la fois de nature religieuse et domestique. La miniature de livre de cette période se distingue par une ornementation complexe, des lettres décoratives et des images de portraits. Les maîtres de l'école Stroganov ont grandement contribué au développement des miniatures de livres.

La peinture en Russie au XVIIe siècle est passée d'une peinture hautement spirituelle à une peinture plus laïque et proche du peuple. Malgré l'opposition des chefs d'église, les artistes ont défendu leur droit de créer dans le genre du réalisme.

Teneur
Introduction

1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - le plus grand peintre néerlandais 17ème siècle
1.2. Rubens Pierre Paul
1.3. Peintre français Nicolas Poussin
Chapitre II Artistes russes du XVIIe siècle
2.1. Zubov Alexeï Fedorovitch (1682-1750)
2.2. Nikitine Ivan Nikititch (1680-1742)
Conclusion
Bibliographie

Introduction

La peinture du XVIIe siècle s'est développée sous l'influence du style baroque qui dominait le Art européen jusqu'au milieu du XVIIIe siècle. La nouvelle philosophie du monde, qui consistait à modifier les jugements sur l'unité, la diversité et l'infinité du monde, a eu une grande influence sur la vision du monde des artistes de cette époque. Splendeur et dynamisme, intensité des sentiments et pathos, ostentation, réalité et illusion, contrastes et jeux de lumière distinguent la peinture de cette période.
Le XVIIe siècle a été largement important dans la formation des cultures nationales de l'époque nouvelle. A cette époque, le processus de localisation des écoles d'art était achevé, dont la diversité était principalement déterminée par les conditions de développement historique et les traditions établies dans chaque pays particulier. Les artistes russes du XVIIe siècle étaient principalement engagés dans la peinture d'icônes. Les artistes espagnols du XVIIe siècle ont été formés sous l'idéologie des ordres monastiques, de sorte que les principales commandes d'œuvres d'art provenaient du domaine spirituel. Les artistes italiens du XVIIe siècle ont étudié de près diverses sciences: sciences naturelles, perspective, anatomie et autres. Ils ont représenté des scènes religieuses dans des peintures comme des scènes profanes. Dans les épisodes, ils ont appris à transmettre le caractère et à révéler les sentiments profonds d'une personne. En regardant la "Crucifixion" écrite par Andrea Mantegna. Les artistes hollandais du XVIIe siècle se distinguaient par le fait que presque tous les types de peinture prévalaient parmi eux. Ce métier était loin d'être rare, parmi les premiers artistes il y avait une concurrence sérieuse. En Hollande, des peintures d'artistes du XVIIe siècle ornaient les maisons non seulement des membres riches de la société, mais aussi des artisans et des paysans ordinaires.
Chapitre I Artistes étrangers du XVIIe siècle
1.1 Rembrandt Harmensz van Rijn - le plus grand artiste hollandais du 17ème siècle
L'œuvre de l'artiste hollandais Rembrandt Harmens Van Rijn (1606-1669) est l'un des sommets de la peinture réaliste mondiale. Rembrandt a peint des thèmes historiques, bibliques, mythologiques et quotidiens, des portraits et des paysages. Il était le plus grand maître du dessin et de la gravure en Europe. Son travail se caractérise par le désir de réflexion philosophique la vie, l'honnêteté envers soi-même et envers les autres, l'intérêt pour le monde spirituel de l'homme. L'évaluation morale des événements et d'une personne est le nerf principal de l'art du maître. L'artiste a parfaitement transmis la spiritualité du modèle et la nature dramatique de l'événement à travers les effets de clair-obscur, lorsque l'espace semble se noyer dans les ombres, dans un crépuscule doré, et qu'un faisceau de lumière met en évidence les figures individuelles des personnes, leurs visages, gestes et mouvements. Dans cette méthode de construction picturale d'un tableau, Rembrandt n'avait pas d'égal (seul le Caravage italien peut rivaliser avec lui dans l'art d'utiliser le clair-obscur). Comme il arrive souvent dans l'histoire de l'art, malgré son talent brillant, Rembrandt est mort dans la pauvreté et la solitude, un maître oublié et inutile. Mais son œuvre perdure depuis des siècles, on peut donc dire sans exagération que Rembrandt est l'un des plus grands artistes de l'histoire de l'art mondial. Beaucoup le qualifieraient de peintre inégalé, voire bien plus grand que Raphaël ou Léonard. Il semblerait que son travail ait été entravé par les traditions et les dogmes de l'art protestant néerlandais, car il n'a jamais voyagé en dehors de la Hollande. Et pourtant, Rembrandt ne se contente pas de se délecter de la brillante technique de la peinture, mais révèle également une révélation avec son travail : personne n'a jamais parlé de simples sentiments humains de manière aussi profonde, tendre, intéressante et pénétrante. Dans ses scènes historiques et bibliques, dans ses portraits de ses contemporains, il atteint les profondeurs de l'expressivité psychologique. Sa sagesse, sa compassion et sa perspicacité sont très probablement le résultat de la connaissance de soi: à plusieurs reprises, comme aucun autre, il a peint des autoportraits et capturé son chemin de vie, en commençant par l'époque de la jeunesse et du succès et se terminant avec la vieillesse, qui a apporté des peines et des difficultés. À ce moment il existe plus d'une centaine d'autoportraits de Rembrandt connus, dont chacun est un chef-d'œuvre étonnant. Grâce à des circonstances historiques heureuses, la Russie possède aujourd'hui l'une des plus riches collections de peintures de Rembrandt. Presque tous sont conservés au Musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, y compris des chefs-d'œuvre célèbres tels que "Le retour du fils prodigue", "Danae", "Portrait de Saskia en flore", "Portrait d'un vieil homme en rouge ", "David et Uria", etc. Plus d'une génération d'artistes russes a étudié les peintures de Rembrandt de l'Ermitage. Si vous n'avez pas l'occasion de visiter l'Ermitage, nous vous invitons à visiter notre galerie virtuelle de peintures de Rembrandt. Ici, vous pouvez voir presque tous les chefs-d'œuvre célèbres du maître, dont beaucoup sont décrits en détail. Bon voyage dans un monde captivant artiste incroyable et une personne sensible - Rembrandt.

1.2. Pierre Paul Rubens

Pierre Paul Rubens, 1577-1640 - Peintre et diplomate flamand. Né à Siegen en Westphalie le 28 juin 1577 dans la famille de Jan Rubens, avocat anversois. Lorsque Peter Paul Rubens avait onze ans, son père est mort et sa mère a déménagé avec les enfants à Anvers. Le futur artiste a fait ses études dans une école jésuite. La maîtrise des langues (il parlait six langues) lui a permis non seulement de maîtriser héritage culturel de son époque, mais aussi pour obtenir des succès significatifs dans le domaine diplomatique. Rubens a étudié avec trois peintres flamands - Tobias Verhacht, Adam van Noort et Otto van Ven. En 1598, il est admis dans la guilde de St. Luc. En 1600, l'artiste arrive en Italie ; il y étudie l'architecture et la sculpture anciennes, la peinture italienne, et peint également des portraits (principalement à Gênes) et des retables (à Rome et à Mantoue). En 1603, le mécène italien de Rubens, Vicenzo Gonzaga, l'envoya en Espagne dans le cadre d'une mission diplomatique. En 1608, Rubens devient le peintre de la cour d'Isabelle d'Autriche, s'installe à Anvers et épouse en 1609 l'aristocrate Isabelle Brant. Trois enfants sont nés de ce mariage. Pour répondre à la demande croissante de ses toiles, Rubens crée en quelques années un grand atelier, où travaillent A. van Dyck, Jacob Jordaens et F. Snyders. Il a fait des croquis, que ses étudiants et assistants ont transférés sur la toile, puis, à la fin des travaux, ont légèrement corrigé les peintures. Il organise même une école de gravure pour diffuser encore plus largement son œuvre. Les peintures de Rubens de ces années sont pleines d'une dynamique passionnée. Scènes de chasse, batailles, épisodes évangéliques brillants et dramatiques et scènes de la vie de saints, compositions allégoriques et mythologiques prédominent parmi les intrigues; Rubens y écrivait volontiers des corps énergiques et puissants qu'aimaient tant ses contemporains. Outre les commandes des églises locales et des aristocrates anversois, l'artiste reçoit des commandes de l'étranger, principalement d'Angleterre. Le grand atelier, dont il a conçu le bâtiment dans le style d'un palais génois (restauré en 1937-1946), est rapidement devenu le centre social et l'emblème d'Anvers. Dans les années 1620, Rubens travaille pour la maison royale française. Il écrit pour Marie de Médicis un cycle de panneaux allégoriques sur des scènes de sa vie et réalise des tapisseries en carton commandées par Louis XIII, et entame également un cycle de compositions avec des épisodes de la vie du roi de France Henri IV de Navarre, resté inachevé. Dès le début des années 1620, Rubens est actif dans la diplomatie. En 1628 et 1630 Rubens s'est rendu à Madrid et à Londres dans le cadre de missions diplomatiques et a participé à la conclusion d'un traité de paix entre l'Espagne, l'Angleterre et la Hollande. De retour à Anvers, Rubens est reçu avec de grands honneurs ; le roi d'Espagne lui a accordé le titre de conseiller d'État et le roi d'Angleterre - la noblesse personnelle. Rubens épousa bientôt Elena Fourman, seize ans; ils ont eu cinq enfants. Au cours de ces années, le style de Rubens a changé - les compositions sont construites dans un rythme libre et doux, caractéristique de période au début créativité, une interprétation sculpturale rigide des formes est remplacée par une modélisation des couleurs plus légère et aérée. On y remarque l'influence des œuvres de Titien, que Rubens a copiées lors de son séjour à Madrid. Malgré le fait qu'il passe beaucoup de temps à travailler sur de grandes compositions et structures décoratives (peinture du plafond de la salle des banquets du Whitehall Palace à Londres ; arcs de triomphe en l'honneur de l'entrée de l'Infant Ferdinand à Anvers ; décoration de la Torre de la château de chasse de Parada), Rubens a réussi à écrire aussi des œuvres de chambre plus lyriques. Parmi eux, le portrait de "Helena Fourman Fur Coat" (v. 1638-1640, Vienne, Kunsthistorisches Museum), "Kermessa" (v. 1635-1636, Louvre), et surtout plusieurs paysages rayonnants et lumineux créés au cours des cinq dernières années de vie dans une propriété à la campagne près de Malines. Rubens est mort le 30 mai 1640.
Dans ses œuvres, Rubens a réussi à réaliser ce à quoi aspiraient les trois générations précédentes d'artistes flamands : la combinaison du réalisme flamand avec la tradition classique ravivée par la Renaissance italienne. L'artiste était doté d'une grande énergie créatrice et d'une imagination inépuisable ; s'inspirant de diverses sources, il a créé son propre style unique. Les images d'autel qu'il a faites sont caractérisées par la sensualité et l'émotivité; décorant les châteaux de l'aristocratie de l'ère de l'absolutisme naissant, il a contribué à la diffusion du style baroque - le langage artistique non seulement de la Contre-Réforme, mais aussi culture laïque cette fois.

1.3. Peintre français Nicolas Poussin
Né en 1594 aux Andelys en Normandie. Le premier professeur de Poussin fut Quentin Varin d'Amiens, qui vécut aux Andelys entre 1611 et 1612. En 1612, Poussin arrive à Paris, où Alexandre Cutois, valet du roi, donne au jeune artiste l'occasion de visiter la collection royale de peintures ; il y vit pour la première fois les œuvres de Raphaël et des maîtres de son école. A Paris, Poussin rencontre le poète Giovanni Battista Marino, pour qui il réalise par la suite une magnifique série de dessins sur des sujets d'Ovide, Virgile et Tite-Live, aujourd'hui conservée au château de Windsor.
Au printemps 1624, l'artiste arrive à Rome et s'y installe pour le reste de sa vie. En 1640, lorsque la renommée de Poussin atteint enfin sa patrie, il reçoit une invitation de Louis XIII et est contraint de retourner à Paris pour un temps. A Paris, Poussin a créé des œuvres telles que l'Eucharistie, le Miracle de St. Francis Xavier (tous deux au Louvre) et Time Saves Truth from Envy and Discord (Lily, Musée des Beaux-Arts). Ce dernier a été commandé par le cardinal de Richelieu et était destiné à décorer le plafond. On sait que la vie à la cour royale pesait lourdement sur Poussin, et en 1642 il retourna à Rome.
Les principales sources de la peinture de Poussin sont les œuvres de l'Antiquité classique et de la Renaissance italienne. De nombreux dessins témoignent de son grand intérêt pour les monuments de la Rome antique. Il possède de nombreuses esquisses de reliefs antiques, de statues et de sarcophages. Cependant, les motifs classiques, si nombreux dans les œuvres de Poussin, sont presque toujours modifiés et retravaillés par lui en fonction de ses propres objectifs artistiques. D'après les oeuvres des maîtres Renaissance italienne la peinture de Raphaël et Titien a eu la plus forte influence sur l'artiste. Dans les œuvres ultérieures d'Apollon et Daphné (vers 1664) et la série de quatre peintures Les Saisons (1660-1664, toutes au Louvre), Poussin se tourne vers des motifs lyriques ; ces œuvres sont plus riches en composition et plus fines en technique que les toiles purement romantiques de la première période. La série Seasons avec des scènes bibliques Paradise (printemps), Ruth (été), Exodus (automne) et Flood (hiver) est l'un des meilleurs paysages de Poussin.
Poussin crée des œuvres qui anticipent la dure citoyenneté du classicisme tardif ("Mort de Germanicus", vers 1628, Institute of Arts, Minneapolis), des toiles baroques ("Martyrdom over Erasmus", vers 1628-1629, Vatican Pinakothek), des peintures poétiques éclairées sur des thèmes mythologiques et littéraires, marqués par l'activité particulière du système des couleurs, proche des traditions de l'école vénitienne. ("Vénus endormie", Galerie de photos, Dresde; « Narcisse et Echo », Louvre, Paris ; "Rinaldo et Armida", Musée des Beaux-Arts. A. S. Pouchkine, Moscou; tous les trois - vers 1625-1627 ; "Le Royaume de Flore", vers 1631-1632, Galerie d'Art, Dresde ; « Tancrède et Erminia »). Les principes classiques de Poussin se révèlent plus clairement dans les toiles de la seconde moitié des années 1930. ("Le viol des Sabines", 2e version, vers 1635 ; "Israël rassemblant la manne", vers 1637-1639 ; les deux - au Louvre, Paris). Le rythme de composition chassé qui règne dans ces œuvres est perçu comme un reflet direct du principe rationnel, qui modère les impulsions de base et donne de la grandeur aux nobles actions d'une personne. Dans les années 1640-1642, Nicolas Poussin travaille à Paris à la cour de Louis XIII ("Le temps sauve la Vérité des empiétements de l'Envie et de la Discorde", vers 1641-1642, Musée d'Art, Lille). Les intrigues des artistes de cour, menés par S. Vue, poussent Poussin à retourner à Rome.

Chapitre II Artistes russes du XVIIe siècle
2.1. Zubov Alexeï Fiodorovitch
Au début, il était peintre à l'Armurerie, à partir de 1699, il étudia avec Adrian Schkhonebek pour "faire des armoiries" (pour le papier à timbre). Pour prouver sa connaissance de la gravure, déjà en 1701, Zubov soumit à l'Armurerie une copie de la Bible hollandaise de 1674, signée : « De la fresque la Descente du Saint-Esprit ».
Zubov est rapidement devenu un graveur qualifié et a gravé de nombreuses grandes feuilles, dans lesquelles il a atteint la haute technologie. L'immense vue de Saint-Pétersbourg, gravée par lui sur 8 planches, dans une paire de la vue de Moscou, gravée par Jan Bliklandt, est la meilleure œuvre de Zubov. Il possède également des images de batailles navales (« Bataille de Grengam », 1721), de festivités à l'occasion de victoires (« L'entrée solennelle des troupes russes à Moscou après la victoire de Poltava », 1711) et d'autres événements importants de cette époque. Zubov a complété la partie avant de ces images avec des détails de la vie fidèlement transmis. Il a créé des gravures en utilisant les dessins et les projets d'architectes, par exemple M. G. Zemtsov. Le caractère documentaire des compositions se conjuguait au caractère décoratif de la feuille gravée et à l'image des prétendus édifices. Les vues de la ville ont été représentées par l'artiste "à vol d'oiseau", ce qui a contribué au sentiment de l'ampleur des scènes grandioses - panoramas des rives de la Neva.
À partir de 1714, Zubov travailla à Saint-Pétersbourg. Il était maître principal à l'imprimerie de Saint-Pétersbourg. Après la mort de Pierre Ier, sous le règne de Catherine Ier, Zubov réalise un portrait de l'impératrice (1726, d'après l'original de I. Adolsky), grave, avec P. Pikart, un portrait équestre de Pierre (1726), commandé par A. D. Menchikov, portraits de sa femme et des filles du prince "le plus serein" - D. M. et M. A. Menchikov (1726). À l'automne 1727, l'imprimerie de Saint-Pétersbourg fut fermée, dans laquelle Zubov se trouvait depuis son arrivée dans la capitale du nord. Après sa démission, il est contraint, comme son frère, de devenir un maître des estampes populaires populaires. L'artiste a tenté d'obtenir un emploi à la Chambre de gravure de l'Académie des sciences, mais il n'y a jamais obtenu d'emploi permanent. En 1730, il retourna à Moscou.
Dans l'ancienne capitale, Zubov travaille toujours de manière très intensive. En 1734, il réalise des portraits de Pierre Ier, Pierre II et Anna Ioannovna. Il travaille beaucoup sur les commandes des églises et des citoyens fortunés. Mais les choses de Zubov de cette époque montrent à quel point la couche était mince nouvelle cultureà quel point les artistes russes dépendaient de l'environnement, à quel point les traditions de l'ère pré-pétrinienne étaient fortes. En témoigne la célèbre "Vue du monastère de Solovetsky" - une immense gravure réalisée par Zubov avec son frère Ivan en 1744. Comme s'il n'y avait pas de vues de Saint-Pétersbourg, de batailles, de portraits. Comme s'il n'y avait pas d'ère pétrinienne proprement dite. Comme s'il n'avait jamais quitté le Zubov de Moscou et l'Armurerie. Les dernières œuvres du graveur que nous connaissons sont datées de 1745, et la dernière mention de lui est de 1749. Le maître est mort dans la pauvreté et l'obscurité.
La dernière feuille gravée par Zubov a été notée en 1741. Ses meilleurs portraits en style noir: "Catherine I", "Peter I", deux princesses "Daria et Marya Menchikov" - sont extrêmement rares; burin - "Catherine I", "Golovin" et "Stefan Yavorsky". Rovinsky ("graveurs russes", M. 1870) donne une liste de 110 planches de Zubov. Certaines planches ont survécu jusqu'à ce jour et sont même capables de produire des tirages encore bons.

2.2. Nikitine Ivan Nikitich
Né à Moscou, fils du prêtre Nikita Nikitin, qui a servi à Izmailovo, frère du prêtre Irodion Nikitin, plus tard archiprêtre de la cathédrale de l'Archange au Kremlin, et peintre Roman Nikitin.
Il a étudié à Moscou, apparemment à l'Armory Chamber, peut-être sous la direction du Néerlandais Shkhonebek dans un atelier de gravure. En 1711, il fut transféré à Saint-Pétersbourg, étudia avec Johann Tannauer, un artiste allemand qui fut l'un des premiers à accepter l'invitation de Pierre le Grand à s'installer à Saint-Pétersbourg pour enseigner la peinture en perspective aux artistes russes. Gagner rapidement de l'autorité à la cour. En 1716-1720, pensionné par l'État, avec son frère Roman, il est envoyé, parmi une vingtaine de personnes, étudier en Italie, à Venise et à Florence. Il a étudié avec des maîtres tels que Tommaso Redi et J. G. Dangauer. A son retour, il devient peintre de cour. Ainsi, Nikitine possède un portrait de Pierre le Grand mourant. En 1732, avec son frère Roman, également artiste, il fut arrêté en lien avec la distribution de diffamations contre Feofan Prokopovich. Après cinq ans de détention provisoire en Forteresse Pierre et Paul a été battu avec des fouets et exilé à Tobolsk pour la vie. En 1741, après la mort d'Anna Ioannovna, il reçut l'autorisation de retourner à Saint-Pétersbourg. Parti en 1742 et mort en chemin.
Il n'y a que trois œuvres signées de Nikitine, auxquelles s'ajoutent celles qui lui sont attribuées, une dizaine seulement. Premiers travaux contiennent encore des traces de la parsuna, qui était le seul style de portrait en Russie au XVIIe siècle. Nikitin est l'un des premiers (souvent appelés les premiers) artistes russes à s'éloigner du style traditionnel de peinture d'icônes de la peinture russe et à commencer à peindre avec perspective, comme ils le faisaient en Europe à cette époque. Ainsi, il est le fondateur de la tradition du russe
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Utiliser les acquis de la Renaissance comme un système artistique fini (perspective linéaire et aérienne, clair-obscur, couleur tonale proche, étude de la nature). Développement en profondeur des éléments structurels individuels du système dans un souci d'expressivité. Test de résistance du système. Développement des manières créatives individuelles. Ecoles de grands maîtres(étudiants, imitateurs). Étudier les œuvres du maître, les monuments d'art, comprendre les principes de l'art du maître, copier ses œuvres, créer ses propres œuvres à la manière du maître, former sa propre manière, remonter à la manière du maître. L'éducation artistique acquiert une autonomie par rapport au côté artisanal des choses. techniques de peinture: fond sombre, sous-couche pâteuse - modélisation de la lumière et de l'ombre de la forme, prescription - solution de couleur, détaillant les formes, glacis - application de fines couches transparentes de peinture pour nuancer la couleur, donner à l'image un ton général. Peinture sur toile (auparavant dominée par le bois).

Peintres: Caravaggio (Italie) - intérêt pour la représentation de la nature, installation sur la vérité dans l'art, compositions de figures "nature morte". Personnes assises, évitant l'idéalisation des images, interprétation terre-à-terre de sujets mythologiques et chrétiens, accentuation de la lumière et de l'ombre modelage des volumes (sculpture), neutre arrière-plans sombres, coloration serrée, laconisme des compositions, caractère statique, sous-couche pâteuse, écriture lisse des couches supérieures de la peinture. Rembrandt (Hollande) - modelage clair et ombré des formes, rendu de l'atmosphère, peinture d'empâtement (trait ouvert), couleur tonale chaude riche en nuances, nuances émotionnelles des états psychologiques dans les portraits, images religieuses et mythologiques, nature sans fioritures, beauté spirituelle de une personne laide. Velasquez (Espagne) - nature sans fioritures, compositions de figures "nature morte", Dignité de l'individu avec laideur extérieure, nuances subtiles de couleurs riches en nuances, manière picturale, compositions spatiales complexes (prévues). Rubens (Flandre) - style baroque, faste des formes, générosité matérielle du monde, dynamique orageuse, construction diagonale des compositions, style de peinture libre, richesse coloristique, subtiles nuances de couleur. Poussin (France) - le style du "classicisme", clarté, équilibre, calme et harmonie des compositions, clarté des constructions spatiales, orientation vers l'esthétique de l'antiquité, idéalisation des figures, rendu de la couleur locale avec élaboration en clair-obscur, équilibre des taches de couleur . El Greco (Espagne) - aller au-delà du système artistique de la Renaissance, vision subjective de la forme, distorsion des proportions, anatomie, figures allongées verticalement, aplatissement de l'espace, évitement du clair-obscur objectif, lumière et couleur brillantes, manière picturale libre, expression spirituelle accrue.

14. Styles dans l'art européen des XVIIe - XIXe siècles.

Style- la subordination des moyens artistiques de l'art à toute idée formatrice ; caractérisé par certains principes de mise en forme et un ensemble spécifique d'éléments (motifs). Raisons du changement de style : non artistique - économie, politique, idéologie ; intraartistique - la logique du développement de l'art et de la perception artistique. Au 17ème siècle en Europe, les styles de "baroque", "classicisme" se sont formés. Leur source commune est l'art de la Renaissance. Baroque- style luxuriant et luxueux; la pondération des masses, la croissance de la sensualité, la matérialité des formes, l'esthétique de l'excès, la dynamique des compositions, la tension. L'élément clé est une ligne courbe, une forme organique. Causes d'émergence : le développement du capitalisme, un nouveau riche consommateur d'art, la revanche catholique dans la lutte contre la réforme, la satiété des émotions du public, le désir de plus de sensations fortes de l'art. Sources du style : l'œuvre de Michel-Ange, Véronèse, Tintoret. Architectes : Bernini, Borromini (Italie, XVIIe siècle), Rastrelli (Russie, XVIIIe siècle). Sculpteurs : Bernini (Italie, XVIIe siècle), Shubin (Russie, XVIIIe siècle). Peintres : Rubens, van Dyck, Snyders (Flandre, XVIIe siècle), Corrège (Italie, XVIIe siècle) Rococo- Baroque tardif (XVIIIe siècle) - raffinement des formes, décoration, élégance. L'élément clé est l'évier. Peinture : Watteau, Fragonard (France), Hogarth (Angleterre), Rokotov, Levitsky (Russie).

Classicisme- clarté, calme, équilibre des formes, harmonie des proportions, mesure, statique, symétrie, adhésion à l'esthétique de l'antiquité. L'élément clé est une ligne droite, figure géométrique, Commande. Causes d'occurrence: absolutisme (France, Espagne), soif de normativité du spectateur, harmonie, justesse dans l'art (conservatisme des goûts). Sources du style : antiquité, Renaissance (créativité de Bramante, Palladio, Léonard de Vinci, Raphaël). Architecture : ensembles du Louvre, Versailles (France, XVIIe - XVIIIe siècles), édifices des architectes Bajenov, Kazakov (Russie, fin XVIIIe siècle). Peinture : Poussin, Claude Lorrain (France, XVIIe siècle), Losenko (Russie, XVIIIe siècle), Venetsianov, A. Ivanov (Russie, XIXe siècle). Empire– classicisme tardif, simplification, stéréométrie des formes, citation archéologique des inclusions anciennes. Architecture : Zakharov, Beauvais (Russie, premier quart du XIXe siècle). Le classicisme avec une pertinence variable a survécu jusqu'à ce jour. Début du 20ème siècle - néoclassique, années 30 - 50. 20ième siècle - le classicisme totalitaire (Allemagne, Russie), aujourd'hui - l'une des tendances du postmodernisme. Éclectisme- une direction artistique dans l'art européen du milieu - de la seconde moitié du 19ème siècle, consistant en l'imitation de divers styles historiques et nationaux (style forococo, néo-gothique, pseudo-russe...). Exemple : le bâtiment du Musée historique de Moscou (architecte Sherwood). Moderne- le style de la fin du XIXe - début du XXe siècle, basé sur la stylisation curviligne organique des formes. Exemple : le manoir de Ryabushinsky à Moscou (architecte Shekhtel).

Au tournant des XVIe et XVIIe siècles, deux directions artistiques: l'un est associé à l'art du Caravage, le second - à l'œuvre des frères Caracci. Les activités de ces maîtres ont non seulement largement déterminé la nature peinture italienne. Mais il a également eu un impact sur l'art de tous les européens écoles d'art 17ème siècle.

L'essence de la réforme du Caravage était la reconnaissance totalement inconditionnelle de la valeur esthétique de la réalité, qu'il s'est tournée vers la représentation dans sa peinture. Les expériences du Caravage stade précoce la créativité est l'une des sources du développement du ménage peinture de genre dans l'art du XVIIe siècle, par exemple, le tableau "La diseuse de bonne aventure".

Caravage "Diseuse de bonne aventure"

Cependant, en peignant sur des sujets traditionnels, le Caravage reste fidèle à lui-même - il a "traduit" l'Histoire Sainte en vernaculaire. L'art du Caravage a donné naissance à toute une tendance - le caravagisme, qui s'est répandu non seulement en Italie, mais aussi en Espagne, en Flandre, en Hollande et en France.

Les caravaggistes sont appelés à la fois de vrais disciples qui ont compris l'essence de la réforme du Caravage (Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine), et de nombreux imitateurs qui empruntent des motifs et des techniques aux œuvres de l'artiste.

En Italie au XVIIe siècle, la forme expressivement développée du baroque, avec son sens inhérent du « naturel », semblait brouiller la frontière entre l'illusion et la réalité. Le classicisme et le réalisme, tendances caractéristiques de cette époque, s'opposent au style baroque ou à d'autres composantes de ce style. Le grand peintre paysagiste Salvator Rosa, Alessandro Magnasco, Giovanni Serodine, Domenico Fetti - c'est une liste loin d'être complète des disciples du Caravage.

Le peintre italien Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610) est le plus grand maître de l'art réaliste du XVIIe siècle. Il devient un véritable héritier de la Renaissance, étant un rebelle dans l'art et dans la vie, il brise hardiment les canons académiques. Dans l'image de son premier ouvrage "La diseuse de bonne aventure", il décrit une femme en veste blanche, qui prédit à un jeune homme vêtu d'une camisole de soie et d'un chapeau à plumes d'autruche son destin.

Les héros de l'artiste sont des gens ordinaires, il essaie de les habiller de beaux vêtements et de les rendre aussi beaux que possible. Dans le tableau du Caravage "L'Assomption de Marie", les apôtres, navrés et rassemblés autour de la défunte Mère de Dieu, attirent d'abord l'attention. La Vierge est allongée dans des robes écarlates, ses bras tombants mollement, ses yeux sont fermés, un aspect pâle, souligné par la couleur écarlate appliquée, typique des œuvres de Caravage.

Ceux qui venaient dire au revoir au défunt se pressaient dans la salle. Les têtes chauves des hommes s'inclinent dans un silence lugubre, certains, affligés, essuient une larme. Une fille en deuil est assise sur une petite chaise. Brisée par le chagrin, elle mit sa tête dans ses mains et pleura.

Le plus intéressant de tous est le caravagiste Giovanni Serodine (1600-1630). Né dans le nord de l'Italie, étudiant à Rome et emporté par le caravagisme, le jeune homme développe propre style peindre des images.

Dans Le Christ prêchant au Temple, une lumière crue fait ressortir la palette expressive de Sérodine, dominée par des tons brunâtres et rougeâtres. L'effet d'éclairage dramatique anticipe les peintures de Rembrandt. Serodine peint avec des traits rapides et forts, donnant à ses images une intensité dramatique, et la couleur et la lumière donnent une unité picturale organique.

Parallèlement à l'art réaliste du style Caravage, un autre phénomène artistique est également apparu au XVIIe siècle, comme l'académisme de Bologne, qui est né en lien étroit avec la formation d'un nouveau style d'architecture et de peinture - le baroque. Les artistes y sont parvenus - les frères Agostino et Annibale Caracci et leur frère Lodovico Caracci. Les frères ont essayé d'utiliser l'héritage de la Renaissance, Annibale Caracci était particulièrement doué. Il était en fait la figure de proue du nouveau courant. Annibale Caracci a créé le solennel art monumental, surtout utilisé dans les peintures d'églises, de palais et de retables. Un nouveau type de peinture d'autel est en cours de création, par exemple, Madonna apparaissant à saint Luc.

Reproduction d'Annibale Caracci "Vierge apparaissant à saint Luc".

L'artiste toscan Orazio Gentileschi (1565-1639), né à Pise, a conservé à jamais les traits de la culture toscane : goût pour les drapés raffinés, les formes claires et les couleurs froides. Il était aussi un imitateur du Caravage, mais accordait plus d'attention au rendu idyllique des images, comme, par exemple, dans le tableau "Repos pendant la fuite en Égypte"

Photo d'un tableau d'Orazio Gentileschi "Repos pendant la fuite en Egypte"

Les recherches réalistes sur les genres s'expriment le plus clairement dans l'œuvre de l'artiste Domenico Fetti (1589-1623). Fetti rend hommage à la fois au caravagisme réaliste et à la peinture baroque ; dans son œuvre, l'influence des peintres vénitiens Rubens et du paysagiste Elsheimer est la plus perceptible. Fetty lui-même est devenu un excellent coloriste, peignant par petits traits vibrants et animant des toiles de couleurs vert bleuâtre et gris brunâtre. Il a tendance à écrire davantage des images de genre lyrique, interprétant des images religieuses, comme, par exemple, dans le tableau "La parabole de la drachme perdue".

Reproduction du tableau "La parabole de la drachme perdue" de Domenico Fetti.

Simplement et poétiquement, l'artiste raconte la parabole de la drachme perdue. Dans une pièce presque vide, une jeune femme, en silence, s'inclina à la recherche d'une pièce de monnaie. Une petite lampe posée au sol éclaire le personnage et une partie de la pièce, tout en formant une ombre oscillante fantaisiste sur le sol et le mur. Aux confins du contact de la lumière et des ombres, les couleurs dorées, blanches et rouges de la peinture s'illuminent. L'image semble réchauffée par un doux lyrisme.

Le nom de Salvatore Rosa de Naples (1615-1673) est souvent associé à des idées sur les paysages dits romantiques et, en général, sur la direction "romantique" caractéristique de la peinture du XVIIe siècle.

L'œuvre pittoresque de Salvator Rosa est très inégale et contradictoire. Il a travaillé dans une variété de genres - historique, portrait, bataille et paysage, et il a également peint des peintures sur des sujets religieux. Beaucoup de ses œuvres sont, pour ainsi dire, dépendantes de l'art académique. D'autres témoignent de l'engouement pour le caravagisme. Tel est par exemple le tableau « Le fils prodigue », qui représente un jeune berger agenouillé à côté d'un mouton et d'une vache. Les talons sales du fils prodigue agenouillé représenté directement sur premier plan, très rappelant les techniques du Caravage.

Photo du tableau de Salvator Rosa "Le fils prodigue"

La description romantique du paysage et des scènes de genre dans l'œuvre de Rose était en quelque sorte une opposition à la peinture académique baroque officielle.

L'activité créatrice des frères Carracci a attiré de jeunes artistes à Bologne et à Rome, qui ont poursuivi les idées de Carracci dans le monumental-décoratif et peinture de paysage. Parmi ses étudiants et associés, les plus célèbres sont Guido Reni et Domenichino. Dans leur œuvre, le style de l'académisme bolonais atteint sa canonisation définitive.

Guido Reni (1575-1642) est connu comme l'auteur de nombreuses œuvres religieuses et mythologiques, habilement exécutées, mais ennuyeuses et sentimentales. Le nom de cet artiste surdoué est devenu synonyme de tout ce qui était ennuyeux, sans vie et faux dans la peinture académique.

Photo du tableau "Aurora" de Guido Reni.

Cette belle composition, pleine de grâce légère et de mouvement, est peinte dans une gamme froide de gris argenté, de bleu et d'or et caractérise bien la sophistication et la conventionnalité du style de Reni, qui est très différent de la plasticité rugueuse et des couleurs riches du sensuel images des frères Carracci.

Les caractéristiques des éléments du classicisme se reflètent le plus pleinement dans les travaux d'un autre représentant de l'académisme bolonais, Tsampieri Domenico ou Domenichino (1581 - 1641). Élève d'Annibale Carracci, il l'assiste dans la peinture des galeries Farnèse ; le Dominiquin est réputé pour ses célèbres cycles de fresques à Rome et à Naples. La plupart de ses œuvres se démarquent peu du travail d'autres artistes du style académique. Seules les peintures où plus de place est donnée aux paysages ne sont pas dépourvues de fraîcheur poétique, par exemple, La Chasse de Diane.

Photo du tableau de Domenichino "Hunting Diana"

L'artiste a représenté sur la photo un concours de nymphes dans la précision du tir, tel que décrit dans l'Énéide par l'ancien poète romain Virgile. Une flèche était censée frapper un arbre, une autre - un ruban et une troisième - un oiseau en plein essor. Diana, a démontré ses compétences, et ne cache pas sa joie, agitant son arc et son carquois dans les airs.

L'Italie, qui jouait un rôle de premier plan dans la peinture, l'architecture et la culture des pays d'Europe occidentale à la Renaissance, la perd progressivement à la fin du XVIIe siècle. Mais pendant longtemps, elle a été reconnue par tous comme la pionnière du goût artistique, et pendant plusieurs siècles, des foules entières de pèlerins de l'art sont arrivées en Italie, tandis que de nouvelles écoles puissantes ont vu le jour dans l'arène artistique des pays européens.

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