F.Lippe Madonna

Au début du XVe siècle, il y a eu d'énormes changements dans la vie et la culture en Italie. Depuis le XIIe siècle, les citadins, marchands et artisans d'Italie ont mené une lutte héroïque contre la dépendance féodale. Développant le commerce et la production, les citadins s'enrichissent progressivement, se débarrassent du pouvoir des seigneurs féodaux et organisent des cités-états libres. Ces villes italiennes libres devinrent très puissantes. Leurs citoyens étaient fiers de leurs conquêtes. L'énorme richesse des villes italiennes indépendantes les a fait prospérer. La bourgeoisie italienne regardait le monde avec des yeux différents, elle croyait fermement en elle-même, en sa propre force. Ils étaient étrangers au désir de souffrance, d'humilité, au rejet de toutes les joies terrestres qui leur ont été prêchées jusqu'ici. Le respect pour la personne terrestre qui jouit des joies de la vie grandit. Les gens ont commencé à adopter une attitude active envers la vie, à explorer le monde avec impatience, à admirer sa beauté. Durant cette période, diverses sciences naissent, l'art se développe.

En Italie, de nombreux monuments d'art ont été conservés Rome antique, par conséquent, l'époque antique a de nouveau été vénérée comme un modèle, l'art ancien est devenu un objet d'admiration. L'imitation de l'antiquité a donné raison d'appeler cette période dans l'art - la Renaissance, qui en français signifie "Renaissance". Bien sûr, ce n'était pas une répétition aveugle et exacte de l'art ancien, c'était déjà de l'art nouveau, mais basé sur des modèles anciens. La Renaissance italienne est divisée en 3 étapes: VIII - XIV siècles - Pré-Renaissance (Proto-Renaissance ou Trecento - avec elle.); XVe siècle - début de la Renaissance (Quattrocento); fin XV - début XVI siècle - Haute Renaissance.

Des fouilles archéologiques ont été menées dans toute l'Italie, à la recherche de monuments antiques. Les statues, pièces de monnaie, ustensiles, armes nouvellement découverts ont été soigneusement conservés et rassemblés dans des musées spécialement créés à cet effet. Les artistes ont étudié sur ces échantillons de l'antiquité, les ont tirés de la vie.

Fuite en Egypte (Giotto)

Trecento (Pré-Renaissance)

Le véritable début de la Renaissance est associé au nom Giotto de Bondone(1266 ? - 1337). Il est considéré comme le fondateur de la peinture de la Renaissance. Le florentin Giotto a apporté une grande contribution à l'histoire de l'art. Il fut un rénovateur, l'ancêtre de toute la peinture européenne après le Moyen Age. Giotto a insufflé la vie aux scènes de l'évangile, a créé des images de personnes réelles, spiritualisées, mais terrestres.

Retour de Joachim aux bergers (Giotto)

Giotto crée pour la première fois des volumes à l'aide du clair-obscur. Il aime les couleurs claires et nettes dans les tons froids : les roses, les gris perle, les violets pâles et les lilas clairs. Les personnages des fresques de Giotto sont trapus, au pas lourd. Ils ont de grands traits du visage, des pommettes larges, des yeux étroits. Son homme est gentil, prévenant, sérieux.

Fresque de Giotto dans le temple de Padoue

Parmi les œuvres de Giotto, les fresques des temples de Padoue sont les mieux conservées. Il a présenté ici les histoires de l'évangile comme existantes, terrestres, réelles. Dans ces œuvres, il parle des problèmes qui préoccupent les gens à tout moment : de la gentillesse et de la compréhension mutuelle, de la tromperie et de la trahison, de la profondeur, du chagrin, de la douceur, de l'humilité et de l'éternel amour maternel dévorant.

Fresque de Giotto

Au lieu de figures individuelles disparates, comme dans la peinture médiévale, Giotto a réussi à créer une histoire cohérente, tout un récit sur la vie intérieure complexe des personnages. Au lieu d'un fond doré classique Mosaïques byzantines, Giotto introduit un fond de paysage. Et si dans la peinture byzantine les personnages planaient, pour ainsi dire, suspendus dans l'espace, alors les héros des fresques de Giotto trouvaient un terrain solide sous leurs pieds. La recherche de Giotto pour le transfert de l'espace, la plasticité des figures, l'expressivité du mouvement ont fait de son art toute une étape de la Renaissance.

Fresque de S.Martini

L'un des maîtres célèbres de la Pré-Renaissance est Simone Martini (1284 - 1344).

Dans sa peinture, les traits du gothique nord ont été conservés: les figures de Martini sont allongées et, en règle générale, sur un fond doré. Mais Martini crée des images à l'aide du clair-obscur, leur donne un mouvement naturel, essaie de transmettre un certain état psychologique.

Fragment de fresque. Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Quattrocento (début de la Renaissance)

L'Antiquité a joué un rôle énorme dans la formation de la culture laïque du début de la Renaissance. L'Académie platonicienne s'ouvre à Florence, la bibliothèque laurentienne contient la plus riche collection de manuscrits anciens. La première musées d'art rempli de statues, de fragments d'architecture ancienne, de marbres, de pièces de monnaie, de céramiques.

À la Renaissance, les principaux centres de la vie artistique de l'Italie se sont démarqués - Florence, Rome, Venise. L'un des plus grands centres, le berceau d'un nouvel art réaliste était Florence. Au XVe siècle, de nombreux maîtres célèbres de la Renaissance y ont vécu, étudié et travaillé.

Cathédrale de Santa Maria del Fiore (cathédrale de Florence)

Architecture de la première Renaissance

Les habitants de Florence avaient une haute culture artistique, ils participaient activement à la création de monuments de la ville et discutaient des options pour la construction de beaux bâtiments. Les architectes ont abandonné tout ce qui ressemblait au gothique. Sous l'influence de l'Antiquité, les bâtiments couronnés d'un dôme ont commencé à être considérés comme les plus parfaits. Le modèle ici était le Panthéon romain.

Florence est l'une des plus belles villes du monde, une ville-musée. Elle a conservé presque intacte son architecture de l'antiquité, ses plus beaux bâtiments ont été construits pour la plupart à la Renaissance. Au-dessus des toits de briques rouges des anciens bâtiments de Florence s'élève l'immense bâtiment de la cathédrale de la ville de Santa Maria del Fiore, souvent appelée simplement la cathédrale de Florence. Sa hauteur atteint 107 mètres. Une magnifique coupole, dont l'harmonie est soulignée par des nervures de pierre blanche, couronne la cathédrale. Le dôme est saisissant par sa taille (son diamètre est de 43 m), il couronne tout le panorama de la ville. La cathédrale est visible de presque toutes les rues de Florence, se détachant clairement sur le ciel. Cette magnifique structure a été construite par l'architecte Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Cathédrale Saint-Pierre (arch. Brunelleschi et Bramante)

Le bâtiment en forme de dôme le plus magnifique et le plus célèbre de la Renaissance était Basilique Saint-Pierre à Rome. Il a été construit sur 100 ans. Les créateurs du projet original étaient architectes Bramante et Michelangelo.

Les bâtiments de la Renaissance sont décorés de colonnes, de pilastres, de têtes de lion et de "putti" (bébés nus), de couronnes de plâtre de fleurs et de fruits, de feuilles et de nombreux détails, dont des échantillons ont été trouvés dans les ruines d'anciens édifices romains. L'arc en plein cintre redevient à la mode. Les gens riches ont commencé à construire des maisons plus belles et plus confortables. Au lieu de maisons étroitement serrées les unes contre les autres, des palais luxueux sont apparus - des palais.

David (sc. Donatello)

Sculpture du début de la Renaissance

Au XVe siècle, à Florence, ils ont créé deux sculpteurs célèbres - Donatello et Verrocchio. Donatello (1386 ? - 1466)- l'un des premiers sculpteurs en Italie, qui a utilisé l'expérience de l'art antique. Il a créé l'une des plus belles œuvres du début de la Renaissance - la statue de David.

Selon la légende biblique, un simple berger, le jeune homme David a vaincu le géant Goliath, et a ainsi sauvé les habitants de Judée de l'esclavage et est devenu plus tard roi. David était l'une des images favorites de la Renaissance. Il est dépeint par le sculpteur non pas comme un humble saint de la Bible, mais comme un jeune héros, vainqueur, défenseur de sa ville natale. Dans sa sculpture, Donatello chante l'homme comme l'idéal d'une belle personnalité héroïque née à la Renaissance. David est couronné de la couronne de laurier du vainqueur. Donatello n'a pas eu peur d'introduire un détail tel qu'un chapeau de berger - signe de sa simple origine. Au Moyen Âge, l'église interdisait de représenter un corps nu, le considérant comme un vaisseau du mal. Donatello fut le premier maître qui viola courageusement cette interdiction. Il affirme par là que le corps humain est beau. La statue de David est la première sculpture ronde de cette époque.

Statue du commandant Gattamelata (sc. Donatello)

Une autre belle sculpture de Donatello est également connue - une statue d'un guerrier, le commandant Gattamelata. Ce fut le premier monument équestre de la Renaissance. Créé il y a 500 ans, ce monument se dresse toujours sur un haut piédestal, décorant la place de la ville de Padoue. Pour la première fois, pas un dieu, pas un saint, pas un homme noble et riche n'a été immortalisé dans la sculpture, mais un guerrier noble, courageux et redoutable avec une grande âme, qui méritait la renommée pour de grandes actions. Vêtu d'une armure antique, Gattemelata (c'est son surnom, qui signifie "chat tacheté") est assis sur un cheval puissant dans une pose calme et majestueuse. Les traits du visage du guerrier soulignent un caractère décisif et ferme.

Monument équestre au condottiere Colleoni (Verocchio)

Andréa Verrocchio (1436 -1488)

L'élève le plus célèbre de Donatello, qui a créé le célèbre monument équestre du condottiere Colleoni, qui a été placé à Venise sur la place près de l'église de San Giovanni. La principale chose qui frappe dans le monument est le mouvement énergétique conjoint du cheval et du cavalier. Le cheval, pour ainsi dire, se précipite au-delà du piédestal de marbre sur lequel le monument est érigé.

Colleoni, debout dans les étriers, allongé, levant la tête haute, regarde au loin. Une grimace de colère et de tension se figea sur son visage. Dans sa posture, on sent une énorme volonté, son visage ressemble à un oiseau de proie. L'image est remplie d'une force indestructible, d'une énergie, d'une autorité dure.

Fresque de Masaccio

Peinture du début de la Renaissance

La Renaissance a également mis à jour l'art de la peinture. Les peintres ont appris à transmettre correctement l'espace, la lumière et l'ombre, les poses naturelles, divers sentiments humains. C'est le début de la Renaissance qui a été le moment de l'accumulation de ces connaissances et compétences. Les peintures de cette époque sont empreintes de lumière et de bonne humeur. Le fond est souvent peint dans des couleurs claires, tandis que les bâtiments et les motifs naturels sont délimités par des lignes nettes, les couleurs pures prédominent. Avec une diligence naïve, tous les détails de l'événement sont représentés, les personnages sont le plus souvent alignés et séparés de l'arrière-plan par des contours nets.

La peinture du début de la Renaissance ne visait que la perfection, cependant, grâce à sa sincérité, elle touche l'âme du spectateur.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, dit Masaccio (1401 - 1428)

Il est considéré comme un disciple de Giotto et le premier maître de la peinture du début de la Renaissance. Masaccio n'a vécu que 28 ans, mais dans une vie si courte, il a laissé une marque dans l'art difficile à surestimer. Il réussit à achever les transformations révolutionnaires de la peinture commencées par Giotto. Sa peinture se distingue par une couleur sombre et profonde. Les personnages des fresques de Masaccio sont beaucoup plus denses et puissants que dans les peintures de l'époque gothique.

Fresque de Masaccio

Masaccio a été le premier à disposer correctement les objets dans l'espace, en tenant compte de la perspective ; il a commencé à représenter les gens selon les lois de l'anatomie.

Il a su lier les figures et le paysage en une seule action, transmettre la vie de la nature et des gens d'une manière dramatique et en même temps assez naturelle - et c'est le grand mérite du peintre.

Adoration des Mages (Masaccio)

Vierge à l'enfant avec quatre anges (Masaccio)

C'est l'une des rares œuvres de chevalet commandées par Masaccio en 1426 pour la chapelle de l'église Santa Maria del Carmine à Pise.

La Madone est assise sur un trône construit strictement selon les lois de la perspective de Giotto. Sa figure est écrite avec des traits confiants et clairs, ce qui crée l'impression d'un volume sculptural. Son visage est calme et triste, son regard détaché n'est dirigé nulle part. Enveloppée d'un manteau bleu foncé, la Vierge Marie tient l'Enfant dans ses bras, dont la silhouette dorée se détache nettement sur un fond sombre. Les plis profonds du manteau permettent à l'artiste de jouer avec le clair-obscur, ce qui crée également un effet visuel particulier. Le bébé mange des raisins noirs - symbole de communion. Des anges impeccablement dessinés (l'artiste connaissait parfaitement l'anatomie humaine) entourant la Madone donnent à l'image un son émotionnel supplémentaire.

Masaccio Fresque de la bibliothèque de la cathédrale de Sienne, consacrée à la biographie de l'humaniste et poète Enea Silvio Piccolomini (1405-1464)

Ici est présenté le départ solennel du cardinal Kapranik vers la cathédrale de Bâle, qui dura près de 18 ans, de 1431 à 1449, d'abord à Bâle, puis à Lausanne. Le jeune Piccolomini faisait également partie de la suite du cardinal.

Dans un cadre élégant d'un arc en plein cintre, un groupe de cavaliers est présenté, accompagné de pages et de serviteurs. L'événement n'est pas si réel et fiable, mais chevaleresquement raffiné, presque fantastique.

Au premier plan, un beau cavalier sur un cheval blanc, vêtu d'une robe et d'un chapeau luxueux, tournant la tête, regarde le spectateur - c'est Aeneas Silvio. Avec plaisir, l'artiste écrit des vêtements riches, de beaux chevaux dans des couvertures de velours. Les proportions allongées des personnages, les mouvements légèrement maniérés, les légères inclinaisons de la tête sont proches de l'idéal de cour.

La vie du pape Pie II a été pleine d'événements brillants, et Pinturicchio a parlé des rencontres du pape avec le roi d'Écosse, avec l'empereur Frédéric III.

Saints Jérôme et Jean-Baptiste (Masaccio)

La seule ceinture peinte par Masaccio pour un triptyque double face. Après la mort prématurée du peintre, le reste de l'œuvre, commandée par le pape Martin V pour l'église de Santa Maria à Rome, a été achevée par l'artiste Masolino.

Il représente deux figures de saints strictes et monumentalement exécutées, vêtues de tout rouge. Jérôme tient un livre ouvert et une maquette de la basilique, un lion gît à ses pieds. Jean-Baptiste est représenté sous sa forme habituelle : il est pieds nus et tient une croix à la main. Les deux personnages impressionnent par leur précision anatomique et leur sens presque sculptural du volume.

Portrait d'un garçon (1480) (Pinturicchio)

L'intérêt pour l'homme, l'admiration pour sa beauté étaient si grands à la Renaissance que cela a conduit à l'émergence un nouveau genre en peinture - le genre du portrait.

Pinturicchio (variante de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Originaire de Pérouse en Italie. Pendant quelque temps, il peint des miniatures, aide Pietro Perugino à décorer la chapelle Sixtine de Rome avec des fresques. Acquérir de l'expérience dans la forme la plus complexe de la peinture murale décorative et monumentale. Quelques années plus tard, Pinturicchio devient muraliste indépendant. Il a travaillé sur des fresques dans les appartements Borgia au Vatican. Il a réalisé des peintures murales dans la bibliothèque de la cathédrale de Sienne.

L'artiste transmet non seulement une ressemblance de portrait, mais cherche à révéler l'état intérieur d'une personne. Devant nous se trouve un adolescent, vêtu d'une stricte robe de ville rose, avec un petit bonnet bleu sur la tête. Les cheveux bruns tombent sur les épaules, encadrant un visage délicat, le regard attentif des yeux bruns est pensif, un peu anxieux.

Derrière le garçon se trouve un paysage ombrien avec des arbres fins, une rivière argentée, un ciel qui vire au rose à l'horizon. La tendresse printanière de la nature, en écho au personnage du héros, est en harmonie avec la poésie et le charme du héros.

L'image du garçon est donnée au premier plan, grande et occupe presque tout le plan de l'image, et le paysage est peint en arrière-plan et très petit.

Cela crée l'impression de l'importance d'une personne, sa domination sur nature environnante, prétend que l'homme est la plus belle création sur terre.

Vierge à l'Enfant avec deux anges (F. Lippi)

Philippe Lippi (1406 - 1469)

Il y avait des légendes sur la vie de Lippi. Lui-même était moine, mais il quitta le monastère, devint un artiste errant, enleva une religieuse du monastère et mourut empoisonné par les proches d'une jeune femme dont il tomba amoureux à un âge avancé. Il a peint des images de la Vierge à l'Enfant, remplies de sentiments et d'expériences humaines vivantes. Dans ses peintures, il dépeint de nombreux détails : les objets ménagers, l'environnement, de sorte que ses sujets religieux s'apparentent à des peintures profanes.

Annonciation (1443) (F. Lippi)

Couronnement de Marie (1441-1447) (F. Lippi)

Portrait de Giovanna Tornabuoni (1488) (Ghirlandaio)

Il a peint non seulement des sujets religieux, mais aussi des scènes de la vie de la noblesse florentine, sa richesse et son luxe, des portraits de nobles.

Devant nous se trouve la femme d'un riche florentin, ami de l'artiste. Dans cette jeune femme pas très belle, luxueusement vêtue, l'artiste exprime le calme, un moment d'immobilité et de silence. L'expression sur le visage de la femme est froide, indifférente à tout, il semble qu'elle entrevoit sa mort imminente : peu après avoir peint le portrait, elle mourra. La femme est représentée de profil, ce qui est typique de nombreux portraits de cette époque.

Baptême (1458-1460) (P. della Francesca)

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

L'un des noms les plus importants de peinture italienne 15ème siècle. Il a effectué de nombreuses transformations dans les méthodes de construction de la perspective d'un espace pittoresque.

Le tableau a été peint sur une planche de peuplier avec de la détrempe à l'œuf - de toute évidence, à cette époque, l'artiste n'avait pas encore maîtrisé les secrets de la peinture à l'huile, dans la technique de laquelle ses œuvres ultérieures seraient peintes.

L'artiste a capturé la manifestation du mystère de la Sainte Trinité au moment du Baptême du Christ. La colombe blanche, déployant ses ailes au-dessus de la tête du Christ, symbolise la descente du Saint-Esprit sur le Sauveur. Les figures du Christ, de Jean-Baptiste et des anges qui se tiennent à côté d'eux sont peintes dans des couleurs sobres.

Fresque de della Francesca

Ses fresques sont solennelles, sublimes et majestueuses. Francesca croyait au destin élevé de l'homme et dans ses œuvres, les gens font toujours des choses merveilleuses. Il a utilisé des transitions de couleurs subtiles et douces. Francesca a été la première à peindre en plein air (dans les airs).

Christ mort (Mantegna)

André Mantegna (1431 - 1506)

Artiste majeur de Padoue. Il admirait la rude grandeur des œuvres des artistes anciens. Ses images rappellent les sculptures grecques - strictes et belles. Dans ses fresques, Mantegna chante la personnalité héroïque. La nature dans ses peintures est déserte et inhospitalière.

Mantegna. Vierge à l'Enfant avec Jean-Baptiste et Marie-Madeleine (1500)

La Madone est assise sur une chaise écarlate sous un dais et tient l'Enfant Jésus nu dans ses bras. Il n'y a rien de royal sous les traits de la Vierge Marie, c'est plutôt l'image d'une jeune paysanne. Le corps nu de l'Enfant semble étonnamment vivant. Aux côtés de la Madone se trouvent Jean-Baptiste et Marie-Madeleine. Dans les mains de la Madeleine se trouve un récipient contenant de l'encens pour l'onction, la croix dans les mains de Jean est enroulée autour d'un ruban avec un texte sur l'agneau, expiant les péchés du monde. Les personnages sont dessinés de la manière habituelle pour un artiste et semblent taillés dans la pierre, chaque pli est nettement défini dans leurs vêtements. L'arrière-plan est une image d'un jardin au feuillage sombre. Dans son ton, cette verdure contraste avec le ciel vert pâle et léger. L'œuvre évoque un sentiment de profonde tristesse et un certain destin.

Parnasse (Mantegna)

Prière pour la Coupe (Mantegna)

Ce petit tableau représente le moment où, après la dernière Cène, Jésus se retire avec saint Pierre et les deux fils de Zébédée au jardin de Gethsémané, où, laissant les apôtres l'accompagner, il part prier en se tournant vers Dieu le Père : "Mon Père ! Si possible, que la coupe passe loin de moi."

La figure agenouillée du Christ dans une pose de prière est le centre de composition de l'image. Ses yeux sont tournés vers le ciel, où un groupe d'anges est visible sur un nuage. Au pied de la montagne, les apôtres accompagnant le Christ dorment.

Sur le chemin menant au jardin, illustrant avec justesse les paroles de l'Evangile : « Voici, celui qui m'a trahi s'est approché », un groupe de gardes, conduit par Judas, est visible.

Il y a beaucoup de symbolisme dans l'image : un arbre sec avec un vautour laisse présager la mort, et une branche avec une pousse verte indique une résurrection imminente ; d'humbles lapins assis sur la route le long de laquelle un détachement de soldats romains passera pour arrêter le Christ parlent de la douceur d'une personne face à une mort imminente. Trois souches laissées par des arbres fraîchement coupés rappellent la crucifixion imminente.

Conversation sacrée (Bellini)

Giovanni Bellini (1427/1430 - 1516)

Les frères Bellini se sont illustrés avec éclat au début de la Renaissance. Giovanni Bellini, souvent appelé Gianbellino, est particulièrement célèbre. Il a grandi dans la famille d'un grand peintre vénitien. Avec son frère depuis sa jeunesse, il a aidé son père à réaliser des commandes artistiques. Il a travaillé à la décoration du Palais des Doges à Venise.

Sa peinture se distingue par un doux pittoresque, une riche couleur dorée. Les Madones de Gianbellino semblent se dissoudre dans le paysage, toujours organique avec lui.

Madone dans le pré (1500-1505) Bellini.

Au centre de l'image se trouve l'image d'une jeune Marie assise dans un pré, sur les genoux de laquelle un bébé nu endormi. Son visage pensif est charmant, ses mains jointes dans un geste de prière sont magnifiques. La figurine du divin bébé semble être une sculpture, cela indique une connaissance intime de l'œuvre de Mantegna. Cependant, la douceur du clair-obscur et la saturation générale des couleurs suggèrent que Bellini a trouvé sa voie dans la peinture.

En arrière-plan, un beau paysage. Le tableau a été peint en techniques mixtes, ce qui a permis à l'artiste d'adoucir les contours et de saturer les couleurs.

Portrait du Doge Leonardo Loredan. Bellini

Ce portrait a été commandé par Bellini en tant qu'artiste de la République de Venise. Le doge est représenté ici presque de face - contrairement à la tradition alors existante de représenter des visages de profil, y compris sur des médailles et des pièces de monnaie.

Un clair-obscur clair dessine parfaitement les pommettes hautes, le nez et le menton têtu d'un visage intelligent et volontaire d'une personne âgée. Sur un fond bleu-vert vif, un manteau de brocart blanc avec de l'or et de l'argent se détache en contraste. Le doge le portait le jour de la fête de la Chandeleur - le jour où il s'est fiancé à la mer, prenant le pouvoir sur Venise pendant un an. Le travail à l'huile a aidé l'artiste à remplir d'air l'espace de l'image et à rendre ainsi l'image du Doge étonnamment vivante.

Introduction

La Renaissance est une révolution, d'abord, dans le système des valeurs, dans l'appréciation de tout ce qui existe et par rapport à lui. Il y a une conviction qu'une personne est la valeur la plus élevée. Une telle vision d'une personne a déterminé la caractéristique la plus importante de la culture de la Renaissance - le développement de l'individualisme dans le domaine de la vision du monde, une manifestation complète de l'individualité dans vie publique. L'héritage culturel ancien a joué un rôle énorme dans la formation de la pensée de la Renaissance. Le résultat de l'intérêt accru pour la culture classique a été l'étude de textes anciens et l'utilisation de prototypes païens pour incarner des images chrétiennes. Le renouveau de l'Antiquité, en fait, a donné le nom à toute l'époque (après tout, la Renaissance se traduit par renaissance).

Pendant la Renaissance dans les États européens, lors de la formation des nations bourgeoises, des langues et des cultures nationales, il y a des changements notables dans les activités des bibliothèques. Nouvelle université et bibliotheque publique. De nombreuses bibliothèques monastiques sont transférées à la propriété des villes. Les collections de la bibliothèque sont dominées par des livres dans langues nationales, de nouvelles règles pour la compilation des catalogues, l'organisation des fonds et le service aux lecteurs sont en cours d'élaboration.

Les villes, créant des bibliothèques, les ouvrent non seulement aux évêques, aux moines, aux scientifiques, aux étudiants, mais aussi aux avocats, aux marchands, aux marins, aux artisans. Au cours de cette période, les activités de nombreux scientifiques talentueux ont été associées à la pratique de la bibliothèque.

Les travaux de B. F. Volodine, L.I. Vladimirov, O.I. Talalakina. Leurs monographies racontent les bibliothèques de la Renaissance, leur formation, ainsi que la construction et la description de l'intérieur. Les œuvres d'E. Gombrich et d'E. Chamberlain décrivent la Renaissance elle-même, la culture de l'Italie. Je voudrais également souligner les travaux de N.V. Revunenkova, V.G. Kuznetsova et N.V. Revyakina, qui raconte l'émergence de l'humanisme et son rôle dans la formation et le développement de la Renaissance.

Le but de cet ouvrage est de passer en revue et d'étudier les bibliothèques italiennes de la Renaissance.

Au cours de l'étude, les tâches suivantes sont résolues: identifier les principales caractéristiques de la culture italienne à la Renaissance, le développement de la littérature, l'émergence de la pensée humaniste, l'étude des bibliothèques privées et publiques, ainsi que leur construction et description de l'intérieur.

L'ouvrage consiste en une introduction; deux chapitres : la Renaissance comme épanouissement culturel de l'Italie aux XIVe-XVIe siècles, types et finalités des bibliothèques italiennes ; conclusion et liste des références utilisées dans ce cours.

La Renaissance comme épanouissement culturel de l'Italie aux XIVe-XVIe siècles.

La culture italienne à la Renaissance

L'ère de la Renaissance ou de la Renaissance européenne est un processus de séparation avec le passé féodal et une période de dialogue actif avec les anciens prédécesseurs. Le berceau de la Renaissance est l'Italie, où les tendances humanistes de la vie urbaine ont commencé à se manifester clairement dans la seconde moitié du XIIIe siècle.

La culture de la Renaissance est généralement divisée en deux périodes :

La période dite de la "Première Renaissance" en Italie couvre la période de 1420 à 1500. Au cours de ces quatre-vingts années, l'art n'a pas encore complètement renoncé aux traditions du passé récent, mais tente d'y mêler des éléments empruntés à l'antiquité classique. Ce n'est que plus tard, et peu à peu, sous l'influence de conditions de vie et de culture de plus en plus changeantes, que les artistes abandonnent complètement les fondations médiévales et utilisent hardiment des exemples de l'art ancien, tant dans le concept général de leurs œuvres que dans leurs détails.

La deuxième période de la Renaissance - l'époque du développement le plus magnifique de son style - est généralement appelée la "Haute Renaissance". Elle s'étend en Italie d'environ 1500 à 1580. A cette époque, le centre de gravité de l'art italien se déplace de Florence à Rome, grâce à l'accession au trône pontifical de Jules II. Sous lui, Rome devient, pour ainsi dire, la nouvelle Athènes du temps de Périclès: de nombreux édifices monumentaux y sont créés, de magnifiques œuvres sculpturales sont réalisées, des fresques et des peintures sont peintes, qui sont toujours considérées comme les perles de la peinture.

La principale caractéristique de cette époque est le retour de l'architecture aux principes et aux formes de l'art ancien, principalement romain. Une importance particulière dans cette direction est accordée à la symétrie, la proportion, la géométrie et l'ordre des composants, comme en témoignent les exemples survivants de l'architecture romaine. La proportion complexe des bâtiments médiévaux est remplacée par un agencement ordonné de colonnes, de pilastres et de linteaux, les contours asymétriques sont remplacés par un demi-cercle d'arc, un hémisphère de dôme, des niches et des édicules.

L'architecture de la Renaissance a connu son plus grand essor en Italie, laissant derrière elle deux villes monuments : Florence et Venise. De grands architectes y ont travaillé à la création de bâtiments - Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donato Bramante, Giorgio Vasari et bien d'autres.

Les artistes de la Renaissance, peignant des images de thèmes religieux traditionnels, ont commencé à utiliser de nouvelles techniques artistiques: construire une composition en trois dimensions, en utilisant un paysage en arrière-plan. Cela leur a permis de rendre les images plus réalistes, vivantes, ce qui a montré une nette différence entre leur travail et la tradition iconographique précédente, pleine de conventions dans l'image.

A la Renaissance, la musique professionnelle perd le caractère d'un art purement religieux et est influencée par la musique populaire, imprégnée d'une nouvelle vision du monde humaniste. L'art de la polyphonie vocale et vocale-instrumentale atteint un niveau élevé dans le travail des représentants du "Nouvel Art" en Italie.

Différents genres d'art musical profane apparaissent. De nouveaux genres de musique instrumentale prennent forme et des écoles nationales d'interprétation au luth, à l'orgue et au virginal voient le jour. En Italie, l'art de fabriquer des instruments à archet aux riches possibilités expressives est florissant. La Renaissance s'achève avec l'émergence de nouveaux genres musicaux - chanson solo, cantate, oratorio et opéra, qui ont contribué à l'établissement progressif du style homophonique.

Le développement des connaissances aux XIVe-XVIe siècles. influencé de manière significative les idées des gens sur le monde et la place de l'homme dans celui-ci. Les grandes découvertes géographiques, le système héliocentrique du monde de Nicolas Copernic ont changé les idées sur la taille de la Terre et sa place dans l'Univers, et les travaux de Paracelse et de Vésale, dans lesquels, pour la première fois après l'Antiquité, des tentatives ont été faites pour étudier la structure de l'homme et les processus qui se déroulent en lui ont jeté les bases de la médecine et de l'anatomie scientifiques.

Des changements majeurs ont également eu lieu dans les sciences sociales. Dans les travaux de Jean Bodin et de Niccolo Machiavel, les processus historiques et politiques ont d'abord été considérés comme le résultat de l'interaction de divers groupes de personnes et de leurs intérêts. Parallèlement, des tentatives sont faites pour développer une structure sociale « idéale » : « Utopia » de Thomas More, « City of the Sun » de Tommaso Campanella. Grâce à l'intérêt pour l'Antiquité, de nombreux textes anciens ont été restaurés, de nombreux humanistes ont étudié le latin classique et le grec ancien.

Le lien entre l'art et la science est l'un des traits caractéristiques de la culture de la Renaissance. La véritable image du monde et de l'homme devait être basée sur leur connaissance, par conséquent, le principe cognitif a joué un rôle particulièrement important dans l'art de cette époque. Naturellement, les artistes ont recherché un soutien dans les sciences, stimulant souvent leur développement.

Qu'est-ce que le renouveau. Nous associons le renouveau à des réalisations dans le domaine de la culture, principalement dans le domaine des beaux-arts. Devant l'esprit de quiconque connaît au moins un peu l'histoire de l'art, il y a des images harmonieusement belles et majestueuses créées par des artistes : de douces madones et des saints sages, des guerriers courageux et des citoyens pleins d'importance. Leurs personnages s'élèvent solennellement sur fond d'arcs et de colonnes de marbre, derrière lesquels s'étendent des paysages de lumière transparente.

L'art raconte toujours son époque, les gens qui ont vécu alors. Quel genre de personnes a créé ces images, pleines de dignité, de paix intérieure, de confiance en leur propre signification ?

Le terme "Renaissance" a été utilisé pour la première fois par Giorgio Vasari au milieu du XVIe siècle. dans son livre sur les célèbres peintres, sculpteurs et architectes italiens des XIII-XVI siècles. Le nom est apparu au moment où l'ère elle-même se terminait. Vasari a investi dans ce concept un sens bien précis : l'âge d'or, l'essor, le renouveau des arts. Plus tard, le désir de faire revivre les anciennes traditions de la culture, inhérent à cette période, a commencé à être considéré comme non moins important.

Le phénomène de la Renaissance a été généré par les conditions et les besoins de la société à la veille du New Age (c'est-à-dire à la périphérie de la formation d'une société industrielle), et le recours à l'Antiquité a permis de trouver des formes appropriées pour exprimer nouvelles idées et ambiances. La signification historique de cette période réside dans la formation d'un nouveau type de personnalité et dans la création des fondements d'une nouvelle culture.

Nouvelles tendances dans la vie de la société italienne. Afin de comprendre plus facilement l'essence des changements qui se sont amorcés dans les sphères sociales et spirituelles, il est nécessaire d'imaginer comment la relation entre l'individu et la société s'est construite au Moyen Âge. Ensuite, la personnalité humaine s'est dissoute dans ce petit collectif (une communauté paysanne, un ordre chevaleresque, une confrérie monastique, un atelier d'artisanat, une guilde marchande), auquel une personne était attachée par les circonstances de son origine et de sa naissance. Lui-même et tous ceux qui l'entouraient le percevaient principalement comme, par exemple, un fra (frère) - un membre de la fraternité monastique, et non comme une certaine personne avec un nom spécifique.

Les relations entre les personnes, les normes de comportement et leur perception ont été élaborées et clairement définies. Si l'on se concentre uniquement sur le côté théorique de la question, alors on peut dire ceci : le clergé était obligé de prier pour tous les laïcs, la noblesse de protéger tout le monde d'une éventuelle menace extérieure, et les paysans de soutenir et de nourrir les premiers et les seconds domaines. En pratique, tout cela était bien sûr loin d'être une idylle théorique, mais la répartition des fonctions de rôle n'était que cela. L'inégalité sociale était solidement ancrée dans la conscience publique, chaque domaine avait ses propres droits et obligations strictement définis, jouait un rôle social qui correspondait strictement à sa position sociale. La naissance assurait à l'individu une certaine place dans la structure de la société, il pouvait changer de position presque exclusivement dans le cadre de l'échelon social auquel il appartenait par origine.

La fixation à une certaine niche sociale a entravé le libre développement de l'individu humain, mais lui a fourni certaines garanties sociales. Ainsi, la société médiévale était centrée sur l'immuabilité, la stabilité comme état idéal. Il appartenait au type de sociétés traditionnelles, dont la principale condition d'existence est le conservatisme, l'obéissance aux traditions et aux coutumes.

L'ancienne vision du monde était orientée sur le fait que la vie terrestre n'est qu'une courte période de temps pendant laquelle une personne se prépare à la vie principale, éternelle et d'un autre monde. L'éternité subjuguait la réalité passagère. Les espoirs de bons changements étaient exclusivement associés à cette vraie vie, à l'Éternité. Le monde terrestre, cette « vallée de la douleur », n'avait d'intérêt que dans la mesure où il était un faible reflet d'un autre monde, principal. L'attitude envers l'homme était ambivalente - il partageait strictement son commencement terrestre, mortel et pécheur, qui aurait dû être méprisé et haï, et le sublime, spirituel, qui était le seul digne d'exister. Un moine ascète qui renonçait aux joies et aux angoisses de la vie terrestre était considéré comme un idéal.

Une personne faisait partie d'une petite communauté sociale et, par conséquent, toutes ses activités, y compris les activités créatives, étaient perçues comme le résultat d'efforts collectifs. En fait, la créativité était anonyme et notre connaissance de l'œuvre d'un sculpteur ou d'un peintre du Moyen Âge est aléatoire et fragmentaire. La ville, la communauté a construit la cathédrale, et tous ses détails faisaient partie d'un tout unique, conçu pour une perception intégrale. Maîtres architectes, maîtres maçons, maîtres sculpteurs, maîtres peintres ont érigé des murs, créé des sculptures et des vitraux, peint des murs et des icônes, mais presque aucun d'entre eux n'a cherché à perpétuer son nom pour la postérité. Idéalement, ils auraient dû répéter au mieux, reproduire ce qui était consacré par l'autorité de l'antiquité et considéré comme un « original » qu'il fallait imiter.

La première étape vers l'émergence de nouvelles tendances dans la vie de la société a été la croissance et le développement des villes. La presqu'île des Apennins, enfoncée comme une botte tendue dans les étendues de la mer Méditerranée, occupait une position extrêmement avantageuse dans le monde médiéval. Les avantages de cet emplacement sont devenus particulièrement évidents lorsque la vie économique a commencé à renaître en Occident et que le besoin de contacts commerciaux avec les pays riches du Moyen-Orient s'est accru. A partir du 12ème siècle Les villes italiennes ont commencé à prospérer. Les croisades sont à l'origine du développement rapide de l'économie urbaine : les chevaliers qui partent à la conquête du Saint-Sépulcre ont besoin de navires pour traverser la mer ; armes pour combattre; produits et divers articles ménagers. Tout cela était offert par des artisans italiens, des marchands, des marins.

En Italie, il n'y avait pas de gouvernement central fort, de sorte que chaque ville, avec la campagne environnante, est devenue cité-état, dont la prospérité dépendait de l'habileté de ses artisans, de la vivacité de ses marchands, c'est-à-dire de de l'entreprise et de l'énergie de tous les habitants.

La base de la vie économique de la société qui existait en Italie aux XIVe-XVe siècles était l'industrie et le commerce, concentrés dans les villes. Le système de guilde a été préservé et seuls les membres des guildes avaient des droits civils; pas tous les habitants de la ville. Oui, et les différents ateliers différaient sensiblement dans le degré d'influence : par exemple, à Florence, sur 21 ateliers, les « ateliers seniors », qui réunissaient les personnes des professions les plus prestigieuses, jouissaient de la plus grande influence. Les membres des ateliers supérieurs, les «gros hommes», étaient en fait des entrepreneurs, et les nouvelles caractéristiques de la vie économique se manifestaient dans l'émergence d'éléments (jusqu'à présent, seulement des éléments!) D'une nouvelle structure économique.

Ville Renaissance. La culture de la Renaissance est une culture urbaine, mais la ville qui lui a donné naissance était sensiblement différente de la cité médiévale. Extérieurement, ce n'était pas trop frappant : les mêmes hauts murs, la même disposition aléatoire, la même cathédrale sur la place principale, les mêmes rues étroites. « La ville a grandi comme un arbre : en gardant sa forme, mais en s'agrandissant, et les murs de la ville, comme des anneaux sur une coupe, ont marqué les jalons de sa croissance. Ainsi à Florence au XIIIe siècle. il a fallu deux fois un siècle pour agrandir l'anneau de murs. Vers le milieu du XIVe siècle. l'espace alloué au développement urbain a été multiplié par 8. Le gouvernement s'occupa de la construction et de la préservation des murs.

Les portes de la ville servaient de point de contact avec monde extérieur. Les gardes qui se tenaient à la porte percevaient une redevance auprès des marchands et des paysans arrivant dans la ville, ils protégeaient également la ville d'une éventuelle attaque ennemie. Avant le début de l'ère de l'artillerie, les murs avec de fortes portes étaient une protection assez fiable contre les intrusions extérieures, seules la nourriture et l'eau suffisaient. Cette limitation l'a rendu bondé, pour augmenter le nombre d'étages des bâtiments. L'Italie se caractérise par l'érection de hautes tours par des familles aisées rivales, dont les verticales, associées aux clochers des églises, donnaient à la silhouette de la ville l'apparence d'une forêt de pierre. L'apparition de Sienne, par exemple, est décrite dans les lignes d'A. Blok comme suit : « Tu as planté les pointes des églises et des tours dans le ciel.

La ville est un espace organisé artificiellement. Rues et places des villes italiennes du XIIIe siècle. pavé de pierres ou de galets. La vie quotidienne des gens se déroulait principalement dans la rue. Les marchands, les changeurs et les artisans effectuaient des transactions monétaires dans la rue ; les artisans travaillaient souvent dans la rue sous un auvent ; ils se réunissaient dans la rue ou sur la place pour discuter de divers problèmes ; naissances, faillites, décès, mariages, exécutions. La vie de chaque citadin se déroulait devant les voisins.

La place centrale était décorée non seulement d'une cathédrale majestueuse, mais aussi de sculptures. Un exemple d'une telle décoration est à Florence la place devant le Palazzo Vecchio (hôtel de ville). Dans la partie avant de la ville, le voisinage des anciens bâtiments de style roman (dans une moindre mesure gothique) et des nouveaux bâtiments de la Renaissance était particulièrement visible. Les habitants des villes voisines se sont affrontés pour décorer les places, les églises et les bâtiments publics.

Aux XIVe-XVe siècles. dans les villes italiennes, la construction a été rapide, les anciens bâtiments ont été démolis et remplacés par de nouveaux. La vétusté des bâtiments n'en était pas toujours la raison - les goûts ont changé, la prospérité a augmenté et, en même temps, le désir de démontrer de nouvelles opportunités. Un exemple de ce genre est celui commencé au XIVe siècle. construction d'une nouvelle cathédrale florentine (Duomo, plus connue sous le nom de Santa Maria del Fiori), dont le dôme était le plus grand pour l'époque en Occident.

Parfois, des familles aisées réunissaient plusieurs habitations anciennes derrière la façade rénovée. Ainsi, l'architecte L. B. Alberti, mandaté par la famille Ruchelai, a construit un palais dans un nouveau style, cachant huit maisons derrière une façade rustique. La ruelle entre les maisons a été transformée en cour. Une telle technique a permis d'inclure des logements, des entrepôts et des magasins, des loggias et un jardin dans un seul complexe. La forme architecturale principale d'un bâtiment de ville laïque -palais - palais citoyens riches, qui avait une forme rectangulaire avec une cour. Les façades du palais, donnant sur la rue, correspondaient aux conditions de vie caractéristiques des cités-républiques italiennes. Traitement catégoriquement grossier de la pierre (rustovka), qui était doublée du mur de l'étage inférieur, de murs épais, de petites fenêtres - tout cela rappelait qu'un tel palais pouvait servir d'abri fiable lors de nombreux conflits politiques intra-urbains.

Les intérieurs se composaient d'une suite de pièces décorées de peintures murales et couvertes de plafonds en bois, sculptés et moins souvent en stuc. Lors d'occasions solennelles, les murs étaient décorés de tapis muraux (treillis), qui contribuaient également à la préservation de la chaleur dans les locaux. Spacieux Yu

chambres (strophes), des escaliers de marbre donnaient l'impression d'une splendeur solennelle. Les fenêtres étaient fermées par des volets en bois, parfois elles étaient recouvertes de linge huilé, plus tard (mais c'était déjà presque un péché de luxe !) elles étaient remplies de petits morceaux de verre insérés dans une couverture en plomb. Le principal appareil de chauffage reste le foyer de la cuisine, ainsi que les cheminées des grandes pièces de devant, qui décorent plutôt que chauffent. Par conséquent, ils ont essayé de doter les lits d'un auvent et de clôturer de lourds rideaux de l'espace environnant. Il était impossible de chauffer toute la pièce avec une pierre chaude ou une bouteille d'eau chaude. En règle générale, seul le chef de famille avait « sa » chambre, un studio d'étude, « un lieu de travail sur la correspondance des manuscrits, les réflexions, la connaissance solitaire du monde et de soi », et le reste de la maisonnée vécu ensemble. La vie quotidienne d'une famille aisée se déroule le plus souvent dans la cour et les galeries qui l'entourent.

Relativement peu nombreux, mais massifs et richement décorés de sculptures et de peintures, les meubles témoignaient du désir de confort. Les exemples les plus courants de mobilier étaient un coffre de mariage ( cassonne ), un coffre-banc à dossier, des armoires massives décorées de détails architecturaux, des tables, des fauteuils et des tabourets. L'intérieur était décoré non seulement de peintures murales, mais aussi de lampes en bronze, de céramiques peintes (majoliques), de miroirs dans des cadres sculptés, d'argenterie et de verrerie et de nappes en dentelle.

De nombreux architectes rêvaient de changer l'apparence des villes selon de nouveaux goûts, mais cela était impossible: la construction à grande échelle nécessitait des fonds énormes et pas moins d'autorité pour mettre en œuvre la démolition massive de maisons. Après tout, pour cela, il a fallu casser tant de maisons, tant de personnes à reloger, mais il n'y avait pas de fonds pour cela. Ils durent donc se contenter de la construction d'édifices individuels, le plus souvent des cathédrales ou des palais de familles aisées. Les villes ont été reconstruites progressivement, selon les besoins et les possibilités, sans aucun plan, et leur aspect extérieur est resté largement médiéval.

Les cités idéales de la Renaissance apparaissent presque exclusivement sur des plans et comme fonds de compositions picturales. « Le modèle de la ville Renaissance est un modèle ouvert. Le noyau est... l'espace libre de la place, qui s'ouvre vers l'extérieur avec des ouvertures d'observation des rues, avec des vues au loin, au-delà des murs de la ville... c'est ainsi que les artistes ont représenté la ville, c'est ainsi que les auteurs des traités d'architecture le voient. La ville de la Renaissance, idéalement, ne se protège pas de l'espace ouvert de la non-ville, au contraire, la contrôle, l'assujettit à elle-même... La pensée architecturale de la Renaissance... s'oppose résolument à la ville en tant qu'artificiel et le travail habilement créé, à l'environnement naturel. La ville ne doit pas obéir à la localité, mais la subordonner... La ville du Moyen Age était verticale. La ville du XVe siècle est idéalement conçue comme horizontale… » ​​Les architectes qui ont conçu les villes nouvelles ont tenu compte des conditions changeantes et au lieu des fortifications habituelles, ils ont proposé de construire des forts défensifs autour de la ville.

L'apparence des gens. L'apparence des gens a changé, le monde des choses dont ils s'entouraient a changé. Bien sûr, les habitations des pauvres (un petit bâtiment en bois ou une pièce derrière un magasin sans fenêtre) sont restées les mêmes qu'il y a des centaines d'années. Les changements ont affecté la partie prospère et riche de la population.

Les vêtements changeaient selon les humeurs et les goûts de l'époque. Les goûts étaient désormais déterminés par les besoins et les capacités des civils, des citoyens riches, et non par la classe militaire des chevaliers. Les vêtements d'extérieur étaient cousus à partir de tissus multicolores, souvent à motifs, tels que le brocart, le velours, le tissu et la soie épaisse. Le lin a commencé à être utilisé exclusivement comme sous-vêtement, qui regardait à travers le laçage et les fentes de la robe supérieure. « Le vêtement extérieur d'un citoyen âgé, même s'il n'occupait aucune fonction élective, était nécessairement long, large et donnait à son apparence une empreinte de gravité et d'importance. Les vêtements des jeunes étaient courts. Il se composait d'une chemise, d'un gilet à col montant et de bas serrés attachés au gilet, souvent multicolores. Si au XVe siècle la préférence a été donnée aux couleurs vives et contrastées, puis dès le début du XYI siècle. les vêtements monochromes, décorés de fourrure et d'une chaîne en métal précieux, deviennent plus à la mode.

Le vêtement féminin au XVe siècle Il se distinguait par sa douceur de forme et sa multicoloration. Par-dessus des chemises et des robes à manches longues et étroites, une taille haute et un grand décolleté carré, ils portaient un manteau (sikora), composé de trois panneaux. Le panneau arrière tombait sur le dos en plis libres et deux étagères étaient drapées au goût du propriétaire. La silhouette générale rappelait l'Antiquité. Avec le début du XVIe siècle. dans les tenues féminines, la division horizontale est soulignée. Un grand rôle dans la décoration de la robe commence à jouer de la dentelle, encadrant le décolleté et les bords des manches. La taille tombe à un endroit naturel, le décolleté est agrandi, les manches sont plus volumineuses, la jupe est plus magnifique. Les vêtements étaient censés souligner la beauté d'une femme forte et en bonne santé.

Découverte du « je » humain. Dans la vie de la société italienne de la Renaissance, l'ancien et le nouveau coexistent et s'entremêlent. Une famille typique de cette époque est une famille nombreuse, réunissant plusieurs générations et plusieurs branches de parents, subordonnée au chef-patriarche, mais à côté de cette hiérarchie familière, une autre tendance se pose liée à l'éveil de la conscience de soi personnelle.

Après tout, avec l'émergence en Italie des conditions nécessaires à l'émergence d'une nouvelle structure économique et d'une nouvelle société, les exigences des personnes, leur comportement, leur attitude à l'égard des affaires et des préoccupations terrestres ont également changé. La base de la vie économique de la nouvelle société était le commerce et la production artisanale, concentrés dans les villes. Mais avant que la majeure partie de la population ne se concentre dans les villes, avant que les manufactures, les usines, les laboratoires n'apparaissent, il y avait des gens qui pouvaient les créer, des gens énergiques, en quête de changement constant, luttant pour affirmer leur place dans la vie. Il y a eu une libération de la conscience humaine de l'hypnose de l'éternité, après quoi la valeur du moment, la signification d'une vie éphémère, le désir de vivre plus pleinement la plénitude de l'être ont commencé à se faire sentir plus fortement.

Un nouveau type de personnalité est apparu, caractérisé par le courage, l'énergie, la soif d'activité, libre de toute obéissance aux traditions et aux règles, capable d'agir de manière inhabituelle. Ces personnes s'intéressaient à une variété de problèmes de la vie. Ainsi, dans les livres de compte des marchands florentins, parmi les numéros et les listes de diverses marchandises, on peut trouver des discussions sur le sort des gens, sur Dieu, sur les événements les plus importants de la vie politique et artistique. Derrière tout cela, on sent un intérêt accru pour l'Homme, pour lui-même.

Une personne a commencé à considérer sa propre individualité comme quelque chose d'unique et de précieux, d'autant plus important qu'elle a la capacité de s'améliorer constamment. Le sens hypertrophié de sa propre personnalité dans toute son originalité absorbe tout l'homme de la Renaissance. Il découvre sa propre individualité, plonge avec délice dans sa propre tranquillité d'esprit, choqué par la nouveauté et la complexité de ce monde.

Les poètes sont particulièrement sensibles pour capturer et transmettre l'ambiance de l'époque. Dans les sonnets lyriques de Francesco Petrarch, dédiés à la belle Laura, il est évident que leur personnage principal est l'auteur lui-même, et non l'objet de son culte. Le lecteur n'apprendra presque rien sur Laura, en fait, sauf qu'elle est la perfection même, possédant des boucles dorées et un caractère doré. Leur ravissement, leur expériences, leur La souffrance a été décrite par Pétrarque dans des sonnets. En apprenant le décès de Laura, ma orphelinat qu'il a pleuré:

J'ai chanté ses boucles dorées,

J'ai chanté ses yeux et ses mains,

Honorant le tourment avec la béatitude céleste,

Et maintenant elle est poussière froide.

Et moi, sans phare, dans une coquille orpheline A travers la tempête, qui n'est pas nouvelle pour moi,

Je flotte dans la vie, gouvernant au hasard.

Il faut garder à l'esprit que la découverte du "je" personnel n'a concerné que la moitié de la race humaine - les hommes. Les femmes étaient perçues dans ce monde comme des êtres sans valeur propre. Ils devaient s'occuper du ménage, donner naissance et élever de petits enfants, plaire aux hommes avec leur apparence et leurs manières agréables.

Dans la réalisation du "moi" humain, la présence de résultats était considérée comme importante, et non le domaine d'activité où ils ont été obtenus - qu'il s'agisse d'une entreprise commerciale établie, d'une magnifique sculpture, d'une bataille gagnée, ou d'un admirable poème ou peinture. . Savoir beaucoup, lire beaucoup, étudier beaucoup langues étrangères, se familiariser avec les œuvres d'auteurs anciens, s'intéresser à l'art, comprendre beaucoup de choses sur la peinture et la poésie - c'était l'idéal d'une personne à la Renaissance. Le haut niveau d'exigences pour l'individu est montré dans l'essai de Baldasar Castiglione "Sur le courtisan" (1528): "Je veux que notre courtisan soit plus que médiocrement familier avec la littérature ... afin qu'il connaisse non seulement le latin, mais aussi le grec ... de sorte qu'il connaît bien les poètes, ainsi que les orateurs et les historiens, et ... sait écrire en vers et en prose ... Je ne serai pas content de notre courtisan s'il n'est pas encore musicien ... Il y a encore une chose à laquelle j'attache une grande importance : c'est justement la capacité à dessiner et la connaissance de la peinture.

Il suffit d'énumérer quelques noms de personnages célèbres de cette époque pour comprendre à quel point les intérêts de ceux qui étaient considérés comme un représentant typique de leur époque étaient divers. Leon Batista Alberti - architecte, sculpteur, expert en antiquité, ingénieur. Lorenzo Médicis est un homme d'État, brillant diplomate, poète, connaisseur et mécène des arts. Verrocchio est sculpteur, peintre, bijoutier et mathématicien. Michelangelo Buonarroti - sculpteur, peintre, architecte, poète. Raphaël Santi - peintre, architecte. Tous peuvent être appelés des personnalités héroïques, des titans. Dans le même temps, il ne faut pas oublier que la grandeur caractérise l'échelle, mais ne donne pas une évaluation de leurs activités. Les titans de la Renaissance n'étaient pas seulement des créateurs, mais aussi de bons génies de leur pays.

Les notions habituelles de ce qui est « permis » et de ce qui est « illégal » ont perdu leur sens. Dans le même temps, les anciennes règles de relations entre les personnes ont perdu leur sens, ce qui, peut-être, ne donnait pas une liberté de création absolue, mais est si important pour la vie en société. Le désir de s'affirmer a pris des formes diverses - une telle attitude a pu et a donné naissance non seulement à de brillants artistes, poètes, penseurs, dont les activités visaient la création, mais aussi à des génies de la destruction, à des génies de la méchanceté. Un exemple de ce genre est une description comparative de deux contemporains illustres, dont le pic d'activité s'est produit au tournant des XVe-XVIe siècles.

Léonard de Vinci (1452-1519)) - une personne dont il est plus facile de dire ce qu'il ne savait pas que d'énumérer ce qu'il pouvait faire. Le célèbre peintre, sculpteur, architecte, ingénieur, poète, musicien, naturaliste, mathématicien, chimiste, philosophe - tout cela fait légitimement référence à Léonard. Il a développé un projet pour un avion, un réservoir, les installations d'irrigation les plus complexes, et bien plus encore. Il a travaillé là où il était plus commode de trouver des mécènes parmi l'élite dirigeante, en changeant facilement, et est mort en France, où il est écrit sur sa pierre tombale qu'il était "un grand artiste français". Sa personnalité est devenue la personnification de l'esprit créateur de la Renaissance.

Un contemporain de Léonard était le célèbre condottiere César Borgia (1474-1507). Une large éducation se combinait en lui avec des talents naturels et un égoïsme débridé. Son ambition s'est manifestée dans une tentative de créer un État fort au centre de l'Italie. Il rêvait d'unir tout le pays en cas de succès, il était un commandant habile et réussi et un dirigeant efficace. Pour atteindre son objectif, ce connaisseur raffiné et connaisseur de la beauté a eu recours à la corruption, à la tromperie et au meurtre. De telles méthodes lui semblaient tout à fait acceptables pour atteindre le grand objectif - la création d'un État fort au centre de l'Italie. Les circonstances ont empêché C. Borgia de réaliser ses plans.

Léonard de Vinci et Cesare Borgia sont des contemporains, également typiques de leur époque critique, lorsque les anciennes règles et normes de la vie humaine perdaient leur signification et que les nouvelles n'avaient pas encore été acceptées par la société. La personnalité humaine s'est efforcée de s'affirmer, en utilisant tous les moyens et opportunités. Pour elle, les vieilles idées sur « bien » et « mal », sur « permis » et « illégal » ont également perdu leur sens. "Les gens commettaient les crimes les plus sauvages et ne s'en repentaient en aucune façon, et ils le faisaient parce que le dernier critère du comportement humain était alors considéré comme l'individu qui se sentait isolé". Souvent, chez une personne, le dévouement désintéressé à son art et la cruauté débridée étaient combinés. Tel était, par exemple, le sculpteur et joaillier B. Cellini, dont on disait : « un bandit aux mains de fée ».

Le désir de l'individu de s'exprimer par n'importe quel moyen s'appelle le titanisme. Les titans de la Renaissance sont devenus la personnification de l'époque qui a découvert la valeur de l'humain "JE", mais s'est arrêté devant le problème de l'établissement de certaines règles dans les relations entre porteurs de nombreux "moi" différents.

Attitude envers la personnalité créatrice et la position de l'artiste dans la société. Il y a eu un virage vers le type de civilisation qui implique l'intervention active de l'homme dans environnement, - non seulement l'auto-amélioration, mais aussi la transformation de l'environnement - nature, société - par le développement des connaissances et leur application dans la sphère pratique. Ainsi, la chose la plus importante chez une personne était sa capacité de réalisation de soi et de créativité (au sens le plus large du terme). Ceci, à son tour, impliquait le rejet d'une réglementation globale au profit de la reconnaissance de l'initiative privée. L'idéal médiéval d'une vie contemplative a été supplanté par un nouvel idéal d'une vie active et active, qui a permis de laisser des traces visibles du séjour d'une personne sur Terre. L'activité devient le but principal de l'existence : construire un bel édifice, conquérir beaucoup de terres, sculpter une sculpture ou peindre un tableau qui glorifiera son créateur, s'enrichir et laisser derrière une société commerciale prospère, fonder une nouvelle état, composer un poème ou laisser une progéniture nombreuse - tout cela était dans un certain sens équivalent, permettait à une personne de laisser sa marque. L'art a permis au principe créatif de se manifester chez une personne, tandis que les résultats de la créativité en ont conservé longtemps le souvenir, l'ont rapproché de l'immortalité. Les gens de cette époque étaient convaincus :

La création peut survivre au créateur :

Le Créateur partira, vaincu par la nature,

Cependant, l'image qu'il a capturée

Réchauffera les cœurs pendant des siècles.

Ces lignes de Michelangelo Buonarroti peuvent être attribuées non seulement à la créativité artistique. Le désir d'expression de soi, le pathos de l'affirmation de soi sont devenus le sens de la vie spirituelle de la société italienne à cette époque. La personne créative était très appréciée et était associée, avant tout, à l'artiste créateur.

C'est ainsi que les artistes se perçoivent, et cela ne contredit pas l'opinion publique. Les paroles que le joaillier et sculpteur florentin Benvenuto Cellini aurait dites à un courtisan sont connues : "Peut-être qu'il n'y en a qu'un comme moi dans le monde entier, mais il y en a dix comme toi à chaque porte." La légende prétend que le souverain, à qui le courtisan s'est plaint de l'audace de l'artiste, a soutenu Cellini, et non le courtisan.

Un artiste pouvait s'enrichir comme le Pérugin, obtenir un titre de noblesse comme Mantegna ou Titien, entrer dans le cercle restreint des souverains comme Léonard ou Raphaël, mais la plupart des artistes avaient le statut d'artisans et se considéraient comme tels. Les sculpteurs étaient dans le même atelier avec les maçons, les peintres avec les pharmaciens. Selon les idées de leur temps, les artistes appartenaient à la couche moyenne des citadins, plus précisément, au bas de cette couche. La plupart d'entre eux étaient considérés comme des gens de la classe moyenne qui devaient constamment travailler, chercher des commandes. D. Vasari, parlant de son parcours créatif, note constamment que pour exécuter une commande, il devait se rendre à Naples, l'autre à Venise, la troisième à Rome. Entre ces voyages, il retourna dans son Arezzo natal, où il possédait une maison, qu'il n'arrêtait pas d'équiper, de décorer, d'agrandir. Certains artistes avaient leur propre maison (au XVe siècle à Florence une maison coûtait 100-200 florins), d'autres la louaient. Le peintre a passé environ deux ans à peindre une fresque de taille moyenne, recevant 15 à 30 florins pour cela, et ce montant comprenait le coût du matériel utilisé. Le sculpteur a passé environ un an à faire la sculpture et a reçu environ 120 florins pour son travail. Dans ce dernier cas, des consommables plus coûteux doivent être pris en compte.

En plus des paiements monétaires, les maîtres avaient parfois le droit de manger au monastère. L'omniscient Vasari a décrit le cas du peintre Paolo Uccello, que l'abbé a nourri de fromage pendant longtemps et avec diligence, jusqu'à ce que le maître cesse de venir travailler. Après que l'artiste se soit plaint aux moines qu'il était fatigué du fromage, et qu'ils en aient informé l'abbé, ce dernier a changé le menu.

Il est intéressant de comparer les informations sur la situation financière de deux sculpteurs Donatello et Ghiberti également (et hautement) appréciés par leurs contemporains. Le premier d'entre eux, par sa nature et son mode de vie, était un insouciant en matière d'argent. La légende témoigne qu'il mettait tous ses revenus (considérables) dans une bourse accrochée à la porte, et tous les membres de son atelier pouvaient tirer de cet argent. Ainsi, en 1427, le glorieux maître Donatello louait une maison pour 15 florins par an et avait un revenu net (la différence entre ce qu'il devait et ce qui lui était dû) - 7 florins. L'économique Lorenzo Ghiberti dans le même 1427 avait une maison, un terrain, un compte bancaire (714 florins) et un revenu net de -185 florins.

Les maîtres se sont volontairement engagés à exécuter diverses commandes pour décorer des églises, de riches palais et décorer des fêtes dans toute la ville. « Il n'y avait pas de hiérarchie actuelle des genres : les objets d'art avaient nécessairement un caractère fonctionnel... Des images d'autel, des coffres peints, des portraits, des bannières peintes sortaient d'un atelier... Telle était la conscience de soi artistique, et on ne peut que devinez le degré de magie de l'unité du maître avec son travail, pour lequel il a lui-même frotté les peintures, il a lui-même collé le pinceau, il a lui-même assemblé le cadre - c'est pourquoi il n'a pas vu la différence fondamentale entre la peinture du l'autel et le coffre.

Les concours entre artistes pour le droit de recevoir une commande gouvernementale rentable étaient une pratique courante. Le plus célèbre de ces concours est le concours pour le droit de fabriquer des portes pour le baptistère florentin (baptistère), organisé dans les premières années du XVe siècle. San Giovanni était cher à tous les habitants de la ville, car ils y ont été baptisés, dotés du nom de chacun d'eux, à partir de là, chacun a commencé son parcours de vie. Tous les maîtres célèbres ont participé au concours, et il a été remporté par Lorenzo Ghiberti, qui l'a ensuite fièrement écrit dans ses Notes.

Un autre concours célèbre eut lieu un siècle plus tard. Il s'agit deà propos de la commande pour la décoration de la salle du conseil, accordée par la Senoria florentine à deux des rivaux les plus célèbres, Léonard de Vinci et Michelangelo Buonarroti. L'exposition de cartons (dessins grandeur nature) réalisés par des maîtres devient un événement de la vie publique de la république.

Humanisme. Les penseurs du Moyen Âge glorifiaient le principe spirituel sublime de l'homme et maudissaient le vil, corporel. Les gens de la nouvelle ère ont chanté chez l'homme à la fois l'âme et le corps, les considérant également beaux et également significatifs. D'où le nom de cette idéologie - l'humanisme (homo- Humain).

L'humanisme de la Renaissance comprenait deux composantes : l'humanisme, haute spiritualité de la culture ; et un complexe de disciplines humanitaires visant à étudier la vie terrestre d'une personne, telles que la grammaire, la rhétorique, la philologie, l'histoire, l'éthique et la pédagogie. Les humanistes ont cherché à transformer l'ensemble du système de connaissances pour résoudre les problèmes de la vie humaine terrestre. Le noyau sémantique de l'humanisme était l'affirmation d'une nouvelle compréhension de l'individu, capable de se développer librement. Ainsi, il a manifesté la tendance principale de la perspective historique du développement de la modernisation - changement, renouvellement, amélioration.

Les humanistes constituaient une couche sociale non pas nombreuse, mais influente, précurseur de la future intelligentsia. L'intelligentsia humaniste comprenait des représentants des citadins, de la noblesse et du clergé. Ils ont utilisé leurs connaissances et leurs intérêts dans une variété d'activités. Parmi les humanistes, on peut citer des hommes politiques éminents, des avocats, des employés de magistrature, des artistes.

L'homme dans la représentation du peuple de cette époque était assimilé à un dieu mortel. L'essence de la Renaissance réside dans le fait que l'homme a été reconnu comme la «couronne de la création» et que le monde terrestre visible a acquis une valeur et une signification indépendantes. Toute la vision du monde de l'époque était centrée sur la glorification des mérites et des capacités de l'homme, ce n'est pas par hasard qu'elle s'appelait humanisme.

Le théocentrisme médiéval a été remplacé par l'anthropocentrisme. L'homme en tant que création la plus parfaite de Dieu était au centre de l'attention des philosophes et des artistes. L'anthropocentrisme de la Renaissance s'est manifesté de différentes manières. Ainsi, la comparaison des structures architecturales avec le corps humain, faite dans l'Antiquité, a été complétée dans l'esprit chrétien. "Leon Batista Alberti, qui a distingué l'anthropomorphisme biblique du païen Vitruve, comparant les proportions des colonnes avec les rapports de hauteur et d'épaisseur d'une personne ... lui, à la suite d'Augustin le Bienheureux, a corrélé les proportions humaines avec les paramètres de Noé l'arche et le temple de Salomon. La maxime "l'homme est la mesure de toutes choses" avait un sens arithmétique pour la Renaissance.

L'humaniste italien, qui a vécu dans la seconde moitié du XVe siècle, a été en mesure d'exprimer de la manière la plus convaincante l'essence de l'anthropocentrisme. Giovanni Pic de la Mirandole (1463-1494 ). Il possède un essai intitulé "Discours sur la dignité de l'homme". Le nom lui-même est éloquent, dans lequel le moment évaluatif est souligné - «dignité humaine». Dans ce traité, Dieu, s'adressant à une personne, dit : « Je t'ai placé au milieu du monde, afin qu'il te soit plus facile de pénétrer ton environnement avec tes yeux. Je t'ai créé comme un être non céleste, mais non seulement terrestre, non mortel, mais non immortel non plus, afin que toi, libre de toute contrainte, devienne toi-même créateur et forge complètement ta propre image.

L'homme s'avère être la création la plus parfaite, plus parfaite même que les êtres célestes, puisqu'ils sont dotés de leurs propres vertus dès le début, et qu'un homme peut les développer lui-même, et sa valeur, sa noblesse dépendront uniquement de sa personnalité personnelle. qualités. (virtuel). Voici ce qu'écrivait l'architecte et écrivain Leon Batista Alberti à propos des capacités humaines : « J'ai donc réalisé qu'il est en notre pouvoir d'obtenir toutes sortes d'éloges, quelle que soit leur valeur, avec l'aide de notre propre zèle et compétence, et pas seulement par la grâce de la nature et des temps... » Les scientifiques humanistes ont cherché confirmation de leur attitude envers l'homme auprès des philosophes d'autres époques et ont trouvé des opinions similaires chez les penseurs de l'Antiquité.

Patrimoine antique. L'habitude de s'appuyer sur une sorte d'autorité a forcé les humanistes à chercher la confirmation de leurs vues là où ils trouvaient des idées proches dans l'esprit - dans les œuvres d'auteurs anciens. "L'amour pour les anciens" est devenu un trait caractéristique qui distingue les représentants de cette direction idéologique. La maîtrise de l'expérience spirituelle de l'Antiquité était censée contribuer à la formation d'une personne moralement parfaite, et donc à la purification spirituelle de la société.

Le Moyen Âge n'a jamais complètement rompu avec le passé antique. Les humanistes italiens considéraient l'Antiquité comme un idéal. Les penseurs du millénaire précédent distinguaient Aristote parmi les auteurs antiques, les humanistes étaient plus attirés par les orateurs célèbres (Cicéron) ou les historiens (Titus Livius), les poètes. Dans les écrits des anciens, les pensées les plus importantes leur semblaient sur la grandeur spirituelle, les possibilités créatives et les actes héroïques des gens. F. Petrarch a été l'un des premiers à rechercher spécifiquement des manuscrits anciens, à étudier des textes anciens et à se référer aux auteurs anciens comme la plus haute autorité. Les humanistes abandonnent le latin médiéval et essaient d'écrire leurs compositions en latin classique « cicéronien », ce qui les contraint à subordonner les réalités de la vie contemporaine aux exigences de la grammaire. Le latin classique unissait ses savants dans toute l'Europe, mais séparait leur "république de savants" de ceux qui n'étaient pas versés dans les subtilités du latin.

Renaissance et traditions chrétiennes. Les nouvelles conditions de vie exigeaient un rejet des anciens idéaux chrétiens d'humilité et d'indifférence à la vie terrestre. Ce pathos du déni était très perceptible dans la culture de la Renaissance. En même temps, il n'y avait pas de rejet de l'enseignement chrétien. Les gens de la Renaissance ont continué à se considérer comme de bons catholiques. La critique de l'église et de ses dirigeants (en particulier le monachisme) était très courante, mais c'était une critique des gens de l'église, et non de la doctrine chrétienne. De plus, non seulement l'immoralité du comportement d'une partie des ecclésiastiques était critiquée par les humanistes, pour eux l'idéal médiéval de retrait, de rejet du monde était inacceptable. Voici ce qu'écrivit l'humaniste Caluccio Salutati à son ami qui décida de devenir moine : « Ne crois pas, O Pellegrino, que fuir le monde, éviter de voir les belles choses, s'enfermer dans un monastère ou se retirer dans un skite est le chemin de la perfection.

Les idées chrétiennes coexistaient assez paisiblement dans l'esprit des gens avec de nouvelles normes de comportement. Parmi les défenseurs des idées nouvelles, il y avait de nombreuses personnalités de l'Église catholique, y compris les plus hauts gradés, jusques et y compris les cardinaux et les papes. En art, notamment en peinture, les thèmes religieux restent prédominants. Plus important encore, les idéaux de la Renaissance incluaient la spiritualité chrétienne, complètement étrangère à l'Antiquité.

Les contemporains valorisaient les activités des humanistes comme la plus haute réalisation de la culture de leur temps, et leurs descendants connaissent davantage leurs études hautement savantes par ouï-dire. Pour les générations suivantes, leur travail, contrairement aux œuvres d'artistes, d'architectes et de sculpteurs, présente un intérêt en tant que phénomène historique. En attendant, ce sont justement ces connaisseurs pédants du latin, ces amoureux du raisonnement

0 vertus des anciens ont développé les bases d'une nouvelle vision du monde, de l'homme, de la nature, insufflé dans la société de nouveaux idéaux éthiques et esthétiques. Tout cela a permis de rompre avec les traditions du Moyen Âge et de donner à la culture naissante un regard renouvelé. Ainsi, pour la postérité, l'histoire italienne de la Renaissance est avant tout l'histoire de l'âge d'or de l'art italien.

Le problème du transfert d'espace. La Renaissance se caractérise par une attitude respectueuse, presque révérencieuse envers la connaissance, envers l'apprentissage. C'est au sens de connaissance au sens le plus large du terme que le mot « science » était alors utilisé. Il n'y avait qu'un seul moyen d'obtenir des connaissances : l'observation, la contemplation. La branche la plus progressiste de la connaissance à cette époque s'est avérée être la connaissance liée à l'étude visuelle du monde extérieur.

« Le long processus de maturation des sciences de la nature et de la vie commence déjà au XIIIe siècle. Et son début fut une révolution dans le développement de la vision, associée aux progrès de l'optique et à l'invention des lunettes... Construction perspective linéaire a élargi le champ de vision horizontalement et a ainsi limité la dominance de la verticale dirigée vers le ciel. La source d'information était l'œil humain. Seul un artiste peut transmettre des informations, créer une image visible de n'importe quel objet, une personne qui a non seulement un œil vif, mais aussi la capacité de capturer et de transmettre au spectateur l'apparence d'un objet ou d'un phénomène que le spectateur ne voit pas, mais j'aimerais savoir. D'où l'enthousiasme et la fierté des paroles de D. Vasari, qui écrivait : « L'œil, appelé la fenêtre de l'âme, est le principal moyen par lequel le sentiment général peut, dans la plus grande richesse et splendeur, considérer les créations sans fin de nature ..."

Il n'est donc pas étonnant que les gens de la Renaissance vénéraient la peinture comme une science, et la plus importante des sciences : « Ô science étonnante, tu entretiens les beautés mortelles des mortels, tu les rends plus durables que les créations des la nature, continuellement modifiée par le temps, qui les amène à une vieillesse inévitable… » ​​Léonard de Vinci répète de différentes manières dans ses notes.

Dans ce cas, le transfert de l'illusion de la tridimensionnalité d'un objet, sa localisation dans l'espace, c'est-à-dire la possibilité de créer un dessin fiable. La couleur a joué un rôle secondaire, a servi de décoration supplémentaire. "La perspective était le principal jeu intellectuel de l'époque..."

Vasari dans ses "Biographies" a spécifiquement noté l'enthousiasme d'un certain nombre d'artistes du XVe siècle. l'étude de la perspective linéaire. Ainsi, le peintre Paolo Uccello s'est littéralement «fixé» sur les problèmes de perspective, a consacré tous ses efforts à construire correctement l'espace, apprenant à transmettre l'illusion de la réduction et de la distorsion des détails architecturaux. La femme de l'artiste "racontait souvent que Paolo passait des nuits entières assis dans son atelier à la recherche des lois de la perspective, et que lorsqu'elle l'appelait à dormir, il lui répondait : "Oh, quelle chose agréable cette perspective !"

Étapes de la Renaissance italienne. La culture de la Renaissance italienne est passée par plusieurs étapes. Les noms des périodes sont traditionnellement déterminés par les siècles :

• - le tournant des XIII-XIV siècles. - Ducento, Proto-Renaissance (Pré-Renaissance). Centre - Florence;
• - XIVe siècle. -trecento (début de la Renaissance);
• - XVe siècle. - quattrocento (la célébration de la culture de la Renaissance). Parallèlement à Florence, de nouveaux centres culturels apparaissent à Milan, Ferrare, Mantoue, Urbino, Rimini ;
• - XVIe siècle. -cinquecento, comprend : Haute Renaissance (première moitié du XVIe siècle), le leadership dans la vie culturelle passe à Rome, et Renaissance tardive (années 50-80 du XVIe siècle), lorsque Venise devient le dernier centre de la culture de la Renaissance.

Proto-Renaissance. Au début de la Renaissance, Florence était le centre principal de la nouvelle culture. Figure emblématique du poète Dante Alighieri (1265-1321 ) et le peintre Giotto de Bondone (1276-1337 ), tous deux issus de Florence, les deux personnalités sont typiques d'une nouvelle ère historique - active, active, énergique. Un seul d'entre eux, Dante, ayant pris une part active à la lutte politique, a terminé sa vie en exil politique, et l'autre, Giotto, étant non seulement un artiste célèbre, mais aussi un architecte, a vécu en citoyen respectable et prospère. . (à moitié). Chacun dans son domaine de créativité était à la fois un innovateur et l'achèvement des traditions.

Cette dernière qualité est plus caractéristique de Dante. Son nom a été rendu immortel par le poème "La Divine Comédie", qui raconte les pérégrinations de l'auteur dans autre monde. Toutes les idées principales de la vision du monde médiévale sont concentrées dans cet ouvrage. L'ancien et le nouveau côte à côte. L'intrigue est assez médiévale, mais racontée d'une nouvelle manière. Tout d'abord, il est important de noter que Dante a abandonné le latin. Le poème est écrit en dialecte toscan. L'image d'une image verticale médiévale de l'univers est donnée : les cercles de l'Enfer, la montagne du Purgatoire, les espaces du Paradis, mais le personnage principal est Dante lui-même, qui est accompagné du poète romain Virgile dans ses pérégrinations à travers l'Enfer et Purgatoire, et au Paradis il rencontre la « divine Béatrice », une femme que le poète aimait toute sa vie. Le rôle assigné à la femme mortelle dans le poème indique que l'auteur est tourné vers l'avenir plutôt que vers le passé.

Le poème est habité par de nombreux personnages, actifs, indomptables, énergiques, leurs intérêts sont tournés vers la vie terrestre, ils sont préoccupés par les passions et les actes terrestres. Différents destins, personnages, situations défilent devant le lecteur, mais ce sont des gens de l'ère à venir, dont l'esprit n'est pas tourné vers l'éternité, mais vers un intérêt momentané "ici et maintenant". Méchants et martyrs, héros et victimes, provoquant compassion et haine - ils étonnent tous par leur vitalité et leur amour de la vie. L'image géante de l'univers a été créée par Dante.

L'artiste Giotto s'est donné pour objectif d'imiter la nature, qui deviendrait la pierre angulaire des peintres de l'ère suivante. Cela s'est manifesté dans le désir de transmettre le volume des objets, en recourant à la modélisation de la lumière et de l'ombre des figures, en introduisant le paysage et l'intérieur dans l'image, en essayant d'organiser l'image comme une plate-forme scénique. De plus, Giotto a abandonné la tradition médiévale de remplir tout l'espace des murs et des plafonds avec des peintures qui combinent divers sujets. Les murs des chapelles sont recouverts de fresques, qui sont situées dans des ceintures, et chaque ceinture est divisée en plusieurs peintures isolées dédiées à un épisode particulier et encadrées d'un cadre à motif ornemental. Le spectateur, en longeant les murs de la chapelle, examine divers épisodes, comme s'il feuilletait les pages d'un livre.

Les œuvres les plus célèbres de Giotto sont les peintures murales (fresques) des églises d'Assise et de Padoue. A Assise, la peinture est vouée à la vie

François d'Assise, peu de temps avant canonisé comme saint. Le cycle de Padoue est associé aux histoires du Nouveau Testament qui racontent l'histoire de la vie de la Vierge Marie et de Jésus-Christ.

L'innovation de Giotto ne consistait pas seulement dans l'utilisation de nouvelles techniques, pas seulement dans la "copie" de la nature (qui était trop littéralement comprise par ses disciples immédiats - jotteco), mais en recréant une nouvelle vision du monde avec des techniques picturales. Les images créées par lui sont pleines de courage et de calme grandeur. Tels sont également Marie, acceptant solennellement la nouvelle de son élu («Annonciation»), et le bon enfant St. François, glorifiant l'unité et l'harmonie de l'univers ("Saint François prêchant aux oiseaux"), et le Christ rencontrant calmement le baiser traître de Judas ("Baiser de Judas"). Dante et Giotto sont considérés comme les maîtres qui ont commencé à développer le thème de l'homme héroïque à la Renaissance italienne.

Trecento. La gloire de cette période a été apportée par les maîtres qui ont développé le thème lyrique dans l'art. Les strophes sonores des sonnets de Pétrarque sur la belle Laura font écho à la linéarité raffinée des œuvres des artistes siennois. Ces peintres ont été influencés par les traditions gothiques: les flèches pointues des églises, les arcs en lancette, la courbe en forme de 5 des personnages, la planéité de l'image et le caractère décoratif de la ligne distinguent leur art. Le représentant le plus célèbre de l'école siennoise est considéré Simon Martini (1284-1344). La composition de l'autel représentant la scène de l'Annonciation, encadrée par des sculptures dorées exquises, formant des arcs gothiques allongés, est typique pour lui. Le fond doré transforme toute la scène en une vision fantastique, et les personnages sont pleins de finesse décorative et de grâce fantaisiste. Figure éthérée de Marie fantasquement penchée sur un trône d'or, son visage délicat nous rappelle les vers de Blok : "les Madones insidieuses plissent leurs longs yeux". Les artistes de ce cercle ont développé la ligne lyrique dans l'art de la Renaissance.

Au XIVe siècle. la formation de la langue littéraire italienne. Les écrivains de cette époque composaient volontiers des histoires amusantes sur les affaires terrestres, les problèmes domestiques et les aventures des gens. Ils étaient occupés par des questions : comment une personne se comportera-t-elle dans certaines circonstances ; Comment les paroles et les actes des gens correspondent-ils les uns aux autres? Ces nouvelles (histoires courtes) ont été combinées dans des collections qui constituaient une sorte de "comédie humaine" de cette époque. Le plus célèbre d'entre eux, le Decameron » Giovanni Boccace (1313-1375 ), est une encyclopédie de la vie quotidienne et des coutumes de la vie de son temps.

Pour la postérité Francesco Petrarca (1304-1374) - le premier poète lyrique des temps modernes. Pour ses contemporains, il était le plus grand penseur politique, philosophe, maître des pensées de plusieurs générations. Il est appelé le premier humaniste. Dans ses traités, les principales techniques et thèmes inhérents à l'humanisme ont été développés. C'est Pétrarque qui s'est tourné vers l'étude des auteurs anciens, il s'est constamment référé à leur autorité, a commencé à écrire dans le latin correct (« cicéronien »), a perçu les problèmes de son temps à travers le prisme de la sagesse antique.

En musique, de nouvelles tendances sont apparues dans les œuvres de maîtres tels que F. Landini. Cette direction s'appelait "l'art nouveau". A cette époque, de nouvelles formes musicales de musique profane sont nées, comme la ballade et le madrigal. Grâce aux efforts des compositeurs du "nouvel art", la mélodie, l'harmonie et le rythme ont été combinés en un seul système.

Quattrocento. Cette période ouvre l'activité de trois maîtres : l'architecte Philippe Brunelleschi (1377-1446 ), sculpteur Donatello(1386-1466 ), peintre Masaccio (1401-1428 ). Leur ville natale de Florence devient le centre reconnu d'une nouvelle culture, dont le noyau idéologique était la glorification de l'homme.

Dans les conceptions architecturales de Brunelleschi, tout est subordonné à l'exaltation de l'homme. Cela se manifestait par le fait que les bâtiments (même les églises immenses) étaient construits de telle manière qu'une personne n'y semblerait pas perdue et insignifiante, comme dans une cathédrale gothique. Des arcades lumineuses (éléments qui n'avaient pas d'analogue dans l'Antiquité) ornent les galeries extérieures de l'Orphelinat, des intérieurs légers et austères dans une ambiance sérieuse, un dôme octogonal majestueux et léger couronne l'espace de la cathédrale de Santa Maria della Fiore. Les façades des palais-palazzos de la ville, dans lesquels la maçonnerie brute du premier étage (rustication) est mise en valeur par d'élégantes fenêtres à portail, sont pleines de retenue sévère. Cette impression a été réalisée par l'architecte Filippo Brunelleschi.

Le sculpteur Donato, entré dans l'histoire de l'art sous son surnom de Donatello, a fait revivre un type de sculpture sur pied oublié au Moyen Âge. Il a réussi à combiner l'ancien idéal d'un corps humain harmonieusement développé avec une spiritualité chrétienne et une intense intellectuelle. Les images qu'il a créées, qu'il s'agisse du prophète Avvakum (« Zukkone ») avec excitation, du conquérant pensif David, de Maria Anunziata calmement concentrée, du redoutable Gattamelata dans sa persévérance impartiale, glorifient le principe héroïque de l'homme.

Tomaso Masaccio a poursuivi les réformes de Giotto en peinture. Ses figures sont volumineuses et emphatiquement matérielles ("Vierge à l'Enfant avec sainte Anne"), elles se tiennent sur le sol et ne "planent" pas dans les airs ("Adam et Eve chassés du paradis"), elles sont placées dans un espace que l'artiste a réussi à rendre en utilisant les techniques de la perspective centrale ("Trinity").

Les fresques de Masaccio dans la chapelle Brancacci représentent les apôtres qui ont accompagné le Christ dans ses pérégrinations terrestres. Ce sont des gens ordinaires, des pêcheurs et des artisans. L'artiste, cependant, ne cherche pas à les habiller de haillons pour souligner leur simplicité, mais évite également les robes luxuriantes qui montreraient leur choix, leur exclusivité. Il est important pour lui de montrer la signification intemporelle de ce qui se passe.

Les maîtres de la Renaissance de l'Italie centrale ont essayé d'éviter ce genre de détail. Il a été jugé plus important de transmettre le typique, généralisé, plutôt qu'individuel, aléatoire, pour transmettre la grandeur d'une personne. Pour cela, par exemple, Piero della Francesca a eu recours à des techniques telles que l'utilisation d'un «horizon bas» et l'assimilation de figures humaines drapées de larges manteaux à des formes architecturales («La reine de Saba devant Salomon»).

Parallèlement à cette tradition héroïque, une autre tradition lyrique s'est développée. Il était dominé par la décoration, le multicolore (la surface de nombreuses peintures de cette époque ressemble à des tapis élégants) et les motifs. Les personnages dépeints par les maîtres de cette direction sont mélancoliques pensifs, remplis d'une tendre tristesse. Les petites choses du quotidien, les détails fantaisistes constituent une part non négligeable de leur attrait. Les artistes de ce cercle comprenaient à la fois des maîtres florentins et des artistes d'autres écoles. Les plus célèbres d'entre eux sont Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Le maître le plus brillant de cette direction fut le florentin Sandro Botticelli (1445-1510 ). La beauté touchante et poignante de ses Madones et Vénus est pour beaucoup associée à l'art du Quattrocento en général. Des couleurs délicieusement fanées, des lignes fantaisistes, tantôt fluides, tantôt frétillantes, des figures légères glissant au-dessus du sol et ne se remarquant pas. Botticelli est l'un des artistes les plus charmants de la Renaissance, dont le travail combine l'influence de l'esthétique médiévale, la maîtrise de la nouvelle techniques artistiques et une prémonition d'une crise de la culture humaniste. Dans sa peinture, il y a des sujets mythologiques, allégoriques et bibliques. Ces intrigues sont véhiculées par le pinceau d'une personne simple et sincère qui a rejoint le idées philosophiques néoplatonisme.

L'art de Botticelli a prospéré à la cour du souverain officieux de Florence, le banquier Lorenzo Medici, qui était une figure socio-politique typique de son temps : un politicien rusé et douteux, un dirigeant dur, un amateur d'art enthousiaste, un bon poète. Il n'a pas commis d'atrocités telles que S. Malatesta ou C. Borgia, mais dans l'ensemble a adhéré aux mêmes principes dans ses actions. Il se caractérise (toujours dans l'air du temps) par un besoin de manifester le luxe extérieur, la splendeur, la fête. Sous lui, Florence était célèbre pour ses carnavals brillants, dont une composante obligatoire était des processions costumées, au cours desquelles de petites représentations théâtrales étaient jouées sur des thèmes mythologiques et allégoriques, accompagnées de danses, de chants et de récitations. Ces festivités ont anticipé la formation de l'art théâtral, dont l'essor a commencé au XVIe siècle suivant.

Crise des idées de l'humanisme. L'humanisme s'est concentré sur la glorification de l'homme et nourrissait l'espoir qu'une personnalité humaine libre pourrait s'améliorer sans cesse, et en même temps, la vie des gens s'améliorerait, les relations entre eux seraient gentilles et harmonieuses. Deux siècles se sont écoulés depuis le début du mouvement humaniste. L'énergie spontanée et l'activité des gens ont beaucoup créé - de magnifiques œuvres d'art, de riches sociétés commerciales, des traités scientifiques et des nouvelles pleines d'esprit, mais la vie ne s'est pas améliorée. De plus, la pensée du destin posthume des créateurs audacieux était de plus en plus inquiétante. Qu'est-ce qui peut justifier l'activité terrestre de l'homme du point de vue de l'au-delà ? L'humanisme et toute la culture de la Renaissance n'ont pas répondu à cette question. La liberté de l'individu, inscrite sur la bannière de l'humanisme, pose le problème du choix personnel entre le bien et le mal. Le choix n'a pas toujours été fait en faveur du bien. La lutte pour le pouvoir, l'influence, la richesse a conduit à des escarmouches sanglantes constantes. Le sang a inondé les rues, les maisons et même les églises de Florence, Milan, Rome, Padoue et de toutes les grandes et petites cités-États d'Italie. Le sens de la vie se réduisait à l'obtention de succès et de réalisations spécifiques et tangibles, mais en même temps il n'avait aucune justification supérieure. De plus, le « jeu sans règles », qui est devenu la règle de vie, ne pouvait durer trop longtemps. Cette situation a suscité un désir croissant d'introduire un élément d'organisation et de certitude dans la vie de la société. Il fallait trouver une justification supérieure, un stimulant supérieur à l'ébullition frénétique de l'énergie humaine.

Ni l'idéologie humaniste, orientée vers la résolution des problèmes de la vie terrestre, ni le vieux catholicisme, dont l'idéal éthique était tourné vers une vie purement contemplative, ne pouvaient fournir une correspondance entre les besoins changeants de la vie et leur explication idéologique. Le dogme religieux devait s'adapter aux besoins d'une société d'individualistes actifs, entreprenants et indépendants. Cependant, des tentatives réformes de l'église dans les conditions de l'Italie, ancien centre idéologique et organisationnel du monde catholique, étaient vouées à l'échec.

L'exemple le plus frappant en est la tentative du moine dominicain Girolamo Savonarola de mener à bien une telle réforme dans les conditions de Florence. Après la mort du brillant Laurent de Médicis, Florence connaît une crise politique et économique. Après tout, la splendeur de la cour des Médicis s'est accompagnée d'une détérioration de l'économie de Florence, d'un affaiblissement de sa position parmi les États voisins. Le sévère moine dominicain Savonarole a acquis une énorme influence dans la ville, appelant au rejet du luxe, à la poursuite des arts vains et à l'établissement de la justice. La plupart des citadins (y compris des artistes tels que Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) ont commencé avec enthousiasme à combattre le mal, détruisant des objets de luxe, brûlant des œuvres d'art. Grâce aux efforts de la curie de Rome, Savonarole a été renversé et exécuté, le pouvoir de l'oligarchie a été restauré. Mais la confiance sereine et joyeuse dans les idéaux, adressée à la glorification de l'homme parfait, n'était plus.

Haute Renaissance. Le cœur de l'idéologie humaniste était le pathos subversif de l'émancipation, de la libération. Lorsque ses possibilités ont été épuisées, une crise devait survenir. Une courte période, environ trois décennies, est le moment du dernier décollage avant le début de la destruction de tout le système des idées et des humeurs. Le centre du développement culturel s'est déplacé à cette époque de Florence, qui perdait ses prouesses et ses ordres républicains, à Rome, le centre de la monarchie théocratique.

Trois maîtres ont le plus pleinement exprimé la Haute Renaissance dans l'art. On peut dire, bien sûr, un peu conditionnellement, que l'aîné d'entre eux, Léonard de Vinci (1452-1519 ), chantait l'intellect humain, l'esprit qui élève une personne au-dessus de la nature environnante ; le plus jeune, Raphaël Santi (1483-1520 ), a créé des images parfaitement belles, incarnant l'harmonie de la beauté spirituelle et physique; un Michel-Ange Buonarroti (1475-1564) glorifié la force et l'énergie de l'homme. Le monde créé par les artistes est une réalité, mais débarrassée de tout ce qui est mesquin et aléatoire.

La principale chose que Léonard a laissée aux gens est sa peinture, glorifiant la beauté et l'esprit de l'homme. Déjà la première des œuvres indépendantes de Léonard - la tête d'un ange, écrite pour le baptême par son professeur Verrocchio, a frappé le public par son regard pensif et pensif. Les personnages de l'artiste, qu'il s'agisse de la jeune Marie jouant avec un enfant ("Madonna Benois"), de la belle Cicilia ("Dame à l'hermine") ou des apôtres et du Christ dans la scène de "La Cène", sont avant tout, êtres pensants. Qu'il suffise de rappeler le tableau connu sous le nom de portrait de Mona Lisa ("Gioconde"). Le regard d'une femme calmement assise est plein d'une telle perspicacité et d'une telle profondeur qu'il semble qu'elle voit et comprend tout : les sentiments des gens qui la regardent, les complexités de leur vie, l'infinité du Cosmos. Derrière elle se trouve un paysage magnifique et mystérieux, mais elle s'élève au-dessus de tout, elle est la chose principale dans ce monde, elle personnifie l'intellect humain.

Dans la personnalité et l'œuvre de Raphael Santi, le désir d'harmonie, d'équilibre intérieur, de dignité calme caractéristique de la Renaissance italienne s'est manifesté avec une plénitude particulière. Il a laissé derrière lui non seulement des peintures et des œuvres architecturales. Ses peintures sont très diverses dans leurs sujets, mais quand elles parlent de Raphaël, les images de ses madones viennent d'abord à l'esprit. Ils ont une bonne part de similitudes, manifestées dans la clarté spirituelle, la pureté enfantine et la clarté du monde intérieur. Parmi eux, il y a des réfléchis, des rêveurs, des flirteurs, des concentrés, chacun incarne l'une ou l'autre facette d'une image - une femme avec une âme d'enfant.

La plus célèbre des Madones de Raphaël, la Madone Sixtine, fait partie de cette série. Voici comment est décrite l'impression des soldats soviétiques qui l'ont vu en 1945 sortir de la mine, où il était caché par les nazis : « Rien dans l'image ne retient d'abord votre attention ; ton regard glisse, sans s'arrêter à rien, jusqu'à ce moment, jusqu'à ce qu'il en rencontre un autre, se dirigeant vers le regard. Des yeux sombres et écarquillés vous regardent calmement et attentivement, enveloppés dans une ombre transparente de cils; et déjà quelque chose de vague s'est agité dans votre âme, vous rendant alerte... Vous essayez toujours de comprendre de quoi il s'agit, ce qui exactement dans l'image vous a alerté, vous a alarmé. Et vos yeux involontairement encore et encore sont attirés par son regard ... Le regard de la Madone Sixtine, légèrement assombri par le chagrin, est plein de confiance en l'avenir, vers lequel elle porte, avec tant de grandeur et de simplicité, son fils le plus cher.

Une perception similaire de l'image est véhiculée par de telles lignes poétiques: "Les royaumes ont péri, les mers se sont asséchées, / Les citadelles ont été incendiées, / Aona dans la douleur maternelle / Du passé au futur est allé."

Dans l'œuvre de Raphaël, le désir de retrouver le commun, typique de l'individuel est particulièrement vif. Il a expliqué qu'il avait dû voir beaucoup de belles femmes pour écrire Beauty.

Lors de la création d'un portrait, les artistes de la Renaissance italienne se sont concentrés non pas sur les détails qui aident à montrer l'individu chez une personne (la forme des yeux, la longueur du nez, la forme des lèvres), mais sur la généralisation- typiques, constituant les traits « d'espèce » de l'Homme.

Michelangelo Buonarroti était à la fois un merveilleux poète et un brillant sculpteur, architecte et peintre. La longue vie créative de Michel-Ange comprenait l'époque de la plus haute floraison de la culture de la Renaissance; lui, qui a survécu à la plupart des titans de la Renaissance, a dû constater l'effondrement des idéaux humanistes.

La force et l'énergie dont ses œuvres sont empreintes semblent parfois excessives, écrasantes. Dans l'œuvre de ce maître, le pathos de la création, caractéristique de l'époque, se conjugue avec un sens tragique de la ruine de ce pathos. Le contraste de la puissance physique et de l'impuissance est présent dans un certain nombre d'images sculpturales, telles que les figures des "Esclaves", des "Prisonniers", sculpture célèbre"Nuit", ainsi que dans les images des sibylles et des prophètes au plafond de la chapelle Sixtine.

Une impression particulièrement tragique est faite par le tableau représentant la scène du Jugement dernier sur le mur ouest de la chapelle Sixtine. Selon le critique d'art, « la main levée du Christ est à l'origine d'un mouvement vortex sphérique qui s'effectue autour de l'ovale central... Le monde est mis en mouvement, il surplombe l'abîme, l'ensemble des corps surplombe l'abîme du Jugement dernier... Dans un élan de colère, la main du Christ se leva. Non, il n'est pas apparu comme un sauveur aux gens... et Michel-Ange n'a pas voulu consoler les gens... Ce Dieu est assez inhabituel... il est imberbe et juvénile rapide, il est puissant dans sa force physique, et tout sa force est donnée à la colère. Ce Christ ne connaît aucune miséricorde. Maintenant, ce serait seulement cautionner le mal.

Renaissance à Venise : une célébration de la couleur. Une riche république marchande est devenue le centre de la Renaissance tardive. Parmi centres culturels Italie Venise occupait une position particulière. De nouvelles tendances y pénétrèrent bien plus tard, ce qui s'explique par les forts sentiments conservateurs qui existaient dans cette république marchande oligarchique, liée à des relations étroites avec Byzance et fortement influencée par la « manière byzantine ».

L'esprit de la Renaissance ne se manifeste donc dans l'art des Vénitiens qu'à partir de la seconde moitié du XVe siècle. dans les oeuvres de plusieurs générations d'artistes de la famille Bellini.

Outre, peinture vénitienne a une autre différence notable. Dans les arts visuels d'autres écoles italiennes, l'essentiel était le dessin, la capacité de rendre le volume des corps et des objets à l'aide de la modélisation de la lumière et de l'ombre (le célèbre sfumato Léonard de Vinci), les Vénitiens, quant à eux, attachaient une grande importance au jeu des couleurs. L'atmosphère humide de Venise a contribué au fait que les artistes ont traité le pittoresque de leur travail avec une grande attention. Sans surprise, les Vénitiens furent les premiers artistes italiens à se tourner vers la technique de la peinture à l'huile, développée dans le nord de l'Europe, aux Pays-Bas.

Le véritable épanouissement de l'école vénitienne est associé à la créativité Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Ce maître décédé a laissé peu de peintures. L'homme et la nature sont le thème principal d'œuvres telles que "Country Concert", "Sleeping Venus", "Thunderstorm". "Une heureuse harmonie règne entre la nature et l'homme, ce qui, à proprement parler, est le thème principal de l'image." Dans la peinture de Giorgione rôle important appartient à la couleur.

Le représentant le plus célèbre de l'école vénitienne était Titien Vecelio, dont l'année de naissance est inconnue, mais il mourut très âgé, en 1576 lors d'une épidémie de peste. Il peint des tableaux sur des sujets bibliques, mythologiques, allégoriques. Dans sa peinture, il y a un début fort qui affirme la vie, les héros et les héroïnes sont pleins de force et de santé physique, majestueux et beaux. L'image d'autel de l'Ascension de Marie (Assunta) et le motif antique des Bacchanales sont également saturés de l'énergie de l'impulsion et du mouvement. Le Denier de César (le Christ et Judas) et l'Amour sur la Terre et au Ciel sont également imprégnés de connotations philosophiques. L'artiste a chanté beauté féminine("Vénus d'Urbino", "Danae", "Fille aux fruits") et le moment tragique du départ d'une personne de la vie ("Lamentation du Christ", "La mise au tombeau"). Des images d'une beauté majestueuse, des détails harmonieux de formes architecturales, de belles choses qui remplissent les intérieurs, la couleur douce et chaude des peintures - témoignent tous de l'amour de la vie inhérent à Titien.

Le même thème était constamment développé par un autre Vénitien, Paul Véronèse (1528-1588 ). Ce sont ses « Fêtes » et « Célébrations » à grande échelle, ses allégories à la gloire de la prospérité de la République vénitienne, qui viennent d'abord à l'esprit avec les mots « peinture vénitienne ». Véronèse n'a pas la polyvalence et la sagesse de Titien. Sa peinture est plus décorative. Il a été créé, tout d'abord, pour décorer le palais de l'oligarchie vénitienne et concevoir des bâtiments officiels. Le tempérament joyeux et la sincérité ont transformé cette peinture panégyrique en une célébration jubilatoire de la vie.

Il convient de noter que les Vénitiens plus souvent que les représentants des autres écoles italiennes, il y a des histoires antiques.

idées politiques. Il est devenu évident que la croyance humaniste selon laquelle une personne libre et omnipotente deviendrait heureuse et rendrait heureux tout le monde autour de lui n'était pas justifiée, et la recherche d'autres options pour atteindre le bonheur a commencé. Alors que l'espoir de la capacité d'un individu à créer les conditions d'une vie heureuse ou du moins paisible s'estompait, l'attention s'est portée sur les possibilités d'une communauté humaine organisée - l'État. A l'origine de la pensée politique des temps modernes se trouve un Florentin Nicolas Machiavel (1469-1527 ), qui était un homme d'État, historien, dramaturge, théoricien militaire et philosophe. Il a essayé de comprendre comment la société devait être organisée pour que les gens puissent vivre plus sereinement. Le fort pouvoir du souverain est ce qui, selon lui, pourrait assurer l'ordre. Que le souverain soit cruel comme un lion et rusé comme des renards, puisse-t-il, protégeant son pouvoir, éliminer tous ses rivaux. Selon Machiavel, un pouvoir illimité et incontrôlé devrait contribuer à la création d'un État grand et puissant. Dans un tel état, la plupart des gens vivront en paix, sans crainte pour leur vie et leurs biens.

Les activités de Machiavel ont témoigné que l'époque du « jouer sans règles » a assez fatigué la société, qu'il était nécessaire de créer une force capable d'unir les gens, de réguler les relations entre eux, d'établir la paix et la justice, et l'État a commencé à être considéré comme une telle force.

La place de l'art dans la société. Comme on l'a déjà noté, le domaine d'activité le plus vénéré était alors la créativité artistique, car c'était le langage de l'art qui s'exprimait à l'époque dans son ensemble. La conscience religieuse perdait son influence omniprésente sur la vie de la société et la connaissance scientifique en était encore à ses balbutiements, de sorte que le monde était perçu à travers l'art. L'art a joué le rôle qui, au Moyen Âge, appartenait à la religion, et dans la société des temps modernes et contemporains, à la science. L'univers n'était pas perçu comme un système mécaniste, mais comme un organisme intégral. Le principal moyen de comprendre l'environnement était l'observation, la contemplation, la fixation de ce qui était vu, et cela était mieux fourni par la peinture. Ce n'est pas un hasard si Léonard de Vinci appelle la peinture une science, d'ailleurs la plus importante des sciences.

De nombreux faits témoignent de l'importance de l'apparition d'une œuvre d'art exceptionnelle aux yeux des contemporains.

A propos des concours entre artistes pour le droit de recevoir une commande gouvernementale rentable a été mentionné ci-dessus. Tout aussi controversée était la question de savoir où devait se situer le "David" de Michel-Ange, et quelques décennies plus tard, le même problème s'est posé lors de l'installation de "Persée" par B. Cellini. Et ce ne sont là que quelques-uns des exemples les plus célèbres de ce type. Une telle attitude face à l'émergence de nouvelles créations artistiques destinées à décorer et magnifier la ville était tout à fait naturelle pour la vie urbaine de la Renaissance. L'époque parlait d'elle-même dans le langage des œuvres d'art. Par conséquent, chaque événement de la vie artistique est devenu important pour toute la société.

Thèmes et interprétation des intrigues dans l'art de la Renaissance italienne. Pour la première fois en mille ans d'existence de la culture chrétienne, les artistes ont commencé à dépeindre le monde terrestre, l'exaltant, le glorifiant, le déifiant. Les thèmes de l'art sont restés presque exclusivement religieux, mais dans le cadre de ce thème traditionnel, l'intérêt s'est déplacé, relativement parlant, vers des sujets affirmant la vie.

La première chose qui vient à l'esprit à la mention de la Renaissance italienne est l'image de Marie avec un bébé, qui est représentée par une jeune maîtresse (Madonna) avec un enfant d'une beauté touchante. "Vierge à l'Enfant", "Vierge aux Saints" (la soi-disant "Entrevue Sainte"), "Sainte Famille", "Adoration des Mages", "Nativité", "Procession des Mages" sont les thèmes favoris de la art de l'époque. Non, "Crucifixions" et "Lamentations" ont été créées, mais cette note n'était pas la principale. Les clients et les artistes, qui incarnaient leurs désirs dans des images visibles, trouvaient dans les intrigues religieuses traditionnelles quelque chose qui portait l'espoir et la foi dans un début brillant.

Parmi les personnages des légendes sacrées, des images de personnes réelles sont apparues, comme donateurs(donateurs) situés en dehors du cadre de la composition de l'autel ou en tant que protagonistes de processions bondées. Qu'il suffise de rappeler "l'Adoration des mages" de S. Botticelli, où les membres de la famille Médicis sont reconnaissables dans la foule élégante des fidèles et où l'artiste a vraisemblablement placé un autoportrait. Parallèlement à cela, des portraits indépendants de contemporains, peints d'après nature, de mémoire, selon des descriptions, se sont répandus. Dans les dernières décennies du XVe siècle les artistes ont commencé à représenter de plus en plus des scènes de nature mythologique. De telles images étaient censées décorer les locaux du palais. Des scènes de la vie moderne ont été incluses dans des compositions religieuses ou mythologiques. En soi, la modernité dans ses manifestations quotidiennes n'intéressait pas trop les artistes, ils revêtaient des thèmes sublimes et idéaux d'images visuelles familières. Les maîtres de la Renaissance n'étaient pas réalistes en sens moderne de cette parole, ils ont recréé avec les moyens dont ils disposaient le monde de l'Homme, épuré du quotidien.

Suivant les techniques de la perspective linéaire, les artistes ont créé sur le plan l'illusion d'un espace tridimensionnel rempli de figures et d'objets qui semblaient tridimensionnels. Les gens dans les peintures de la Renaissance sont représentés comme majestueux et importants. Leurs postures et leurs gestes sont empreints de sérieux et de solennité. Une rue étroite ou une place spacieuse, une pièce élégamment meublée ou des collines qui s'étendent librement - tout sert de fond aux figures de personnes.

Dans la peinture de la Renaissance italienne, le paysage ou l'intérieur est avant tout un cadre pour des figures humaines ; la modélisation fine de la lumière et de l'ombre crée une impression de matérialité, mais pas grossière, mais délicieusement aérée (ce n'est pas un hasard si Léonard considérait que le moment idéal pour travailler était le milieu de la journée par temps nuageux, lorsque l'éclairage est doux et diffus) ; l'horizon bas rend les figures monumentales, comme si elles touchaient le ciel de leur tête, et la retenue de leurs postures et de leurs gestes leur donne solennité et majesté. Les personnages ne sont pas toujours beaux dans les traits du visage, mais sont toujours remplis de signification et d'importance intérieures, de sentiments dignité et tranquillité.

Artistes en tout et évitent toujours les extrêmes et les accidents. Voici comment le critique d'art a décrit les impressions de musée de la peinture de la Renaissance italienne: «Les salles d'art italien des XIVe-XVIe siècles se distinguent par une caractéristique intéressante - elles sont étonnamment calmes avec une abondance de visiteurs et diverses excursions ... Silence flotte des murs, des peintures - le silence majestueux du ciel élevé, des collines douces, de grands arbres. Et les grands... Les gens sont plus grands que le ciel. Le monde qui s'étend derrière eux - avec des routes, des ruines, des rives de rivières, des villes et des châteaux de chevaliers - nous le voyons comme d'une hauteur de vol. Il est complet, détaillé et respectueusement supprimé."

Dans l'histoire de l'exposition des cartons réalisés par Léonard et Michel-Ange pour la Salle du Conseil (les peintures n'ont jamais été achevées ni par l'un ni par l'autre), il convient de noter qu'il semblait particulièrement important pour les Florentins de voir le cartons. Ils ont particulièrement apprécié le dessin, qui traduit la forme, le volume des objets et des corps représentés, ainsi que le concept idéologique que le maître a tenté d'incarner. La couleur en peinture était plutôt pour eux un ajout, soulignant la forme créée par le dessin. Et encore une chose: à en juger par les copies survivantes, les deux œuvres (elles étaient consacrées à deux batailles importantes pour l'histoire de la cité-état de Florence) auraient dû devenir une manifestation typique de l'approche de l'art de la Renaissance, où l'essentiel était homme. Pour toute la différence dans les cartons, Léonard et Michel-Ange - guerriers de cavalerie accrochés en une seule boule lors de la lutte pour la bannière à Léonard ("Bataille d'Anghiari") et soldats se précipitant aux armes, attrapés par l'ennemi alors qu'ils nageaient dans la rivière, à Michel-Ange ("Bataille de Cashine"), - l'approche générale de la présentation de la représentation est évidente, nécessitant la sélection d'une figure humaine, lui subordonnant l'espace environnant. Après tout, les acteurs sont plus importants que le lieu d'action.

Il est intéressant de retracer comment l'état d'esprit de l'époque s'est reflété dans l'art en comparant plusieurs œuvres consacrées à la représentation du même sujet. L'une des histoires préférées de l'époque était l'histoire de Saint Sébastien, qui a été exécuté par des soldats romains pour son engagement envers le christianisme. Ce thème permettait de montrer l'héroïsme de la personne humaine, capable de sacrifier sa vie pour ses croyances. De plus, l'intrigue a permis de se tourner vers l'image d'un corps nu, de réaliser l'idéal humaniste - une combinaison harmonieuse d'une belle apparence et d'une belle âme humaine.

Au milieu du XVe siècle. Plusieurs articles ont été écrits sur ce sujet. Les auteurs étaient des maîtres assez dissemblables : Perugino, Antonello de Mesina et d'autres. En regardant leurs peintures, on est frappé par le calme, le sens de la dignité intérieure, qui imprègne l'image d'un beau jeune homme nu debout près d'un pilier ou d'un arbre et regardant rêveusement vers le ciel. Derrière lui se trouve un paysage rural paisible ou une place de ville confortable. Seule la présence de flèches dans le corps d'un jeune homme indique au spectateur que nous avons devant nous une scène d'exécution. La douleur, la tragédie, la mort ne se fait pas sentir. Ces beaux jeunes hommes, unis par le destin du martyr Sébastien, sont conscients de leur immortalité, tout comme les gens qui ont vécu en Italie au XVe siècle ont ressenti leur invulnérabilité, leur omnipotence.

Dans l'image, peinte par l'artiste Andrea Mantegna, nous ressentons la tragédie de ce qui se passe, sa rue. Sebastian a l'impression de mourir. Et enfin, au milieu du XVIe siècle. Titien Vecelio a écrit son St. Sébastien. Il n'y a pas de paysage détaillé sur cette toile. Le lieu d'action est seulement indiqué. Il n'y a pas de personnages aléatoires en arrière-plan, pas de guerriers-bourreaux visant leur proie, rien qui puisse dire au spectateur le sens de la situation, et en même temps il y a un sentiment de fin tragique. Ce n'est pas seulement la mort d'un être humain, c'est la mort du monde entier, brûlant dans les éclairs pourpres d'une catastrophe universelle.

La valeur de la culture de la Renaissance italienne. Le sol qui a donné naissance à la culture de la Renaissance italienne a été détruit au XVIe siècle. La majeure partie du pays a été soumise à des invasions étrangères, la nouvelle structure économique a été minée par le déplacement des principales routes commerciales en Europe de la Méditerranée à l'Atlantique, les républiques de Polan sont tombées sous la domination d'ambitieux condottières mercenaires et la montée de l'individualisme l'énergie perdit sa justification interne et s'éteignit progressivement dans les conditions de la renaissance des ordres féodaux (re-féodalisation de la société). La tentative de créer une nouvelle société basée sur l'émancipation de la personnalité humaine, à l'initiative de l'entrepreneuriat, a longtemps été interrompue en Italie. Le pays était en déclin.

D'autre part, la tradition culturelle créée par cette société s'est propagée grâce aux efforts des maîtres italiens dans toute l'Europe, est devenue un standard pour l'ensemble de la culture européenne, a reçu la vie plus tard dans sa version, qui a reçu le nom de culture "élevée", "scientifique". Des monuments de la culture de la Renaissance sont restés - de beaux bâtiments, des statues, des peintures murales, des peintures, des poèmes, des écrits sages d'humanistes, des traditions sont restées qui sont devenues décisives pour la culture des peuples qui ont été sous son influence pendant les trois siècles et demi suivants (jusqu'au fin du XIXe siècle), et cette influence s'est peu à peu étendue très largement.

Il faut surtout noter et souligner l'importance des beaux-arts de la Renaissance italienne avec sa volonté de transmettre sur le plan d'un mur ou d'un tableau, une feuille de papier enfermée dans un cadre entoilé l'illusion d'un espace tridimensionnel empli d'illusions images tridimensionnelles de personnes et d'objets - ce qu'on peut appeler "Fenêtre de Leonardo Danilov I.E. Ville italienne du XVe siècle. Réalité, mythe, image. M., 2000.S. 22, 23. Voir : Golovin V.P. L'univers de l'artiste du début de la Renaissance. M.: Maison d'édition de l'Université d'État de Moscou, 2002. P. 125. Boyadzhiev G. Cahiers italiens. M., 1968. S. 104.

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Histoire de l'Italie.

Renaissance.

Aux XIVe et XVe siècles, l'Italie, malgré sa fragmentation politique, connaît des transformations profondes, bien que progressives. Les troubles politiques, l'accumulation de richesses dans ce centre du commerce mondial et, enfin, histoire riche L'Italie a contribué à la Renaissance - la renaissance des traditions des anciennes civilisations de la Grèce et de Rome.

La croissance de la prospérité s'est accompagnée de la formation d'une société urbaine, laïque et profondément individualiste. Les villes, qui avaient déjà surgi à l'époque romaine et n'ont jamais complètement disparu, ont été relancées grâce à un énorme essor du commerce et de l'industrie. De plus, les querelles entre empereurs et papes ont permis aux villes, en manœuvrant entre les deux camps, de s'affranchir du contrôle extérieur. Partout, à l'exception du sud de la péninsule des Apennins, les villes ont commencé à étendre leur pouvoir à la campagne environnante. La noblesse féodale a dû abandonner son mode de vie habituel et participer aux activités intellectuelles et spirituelles dans les villes.

Politiquement, l'anarchie féodale a fait place au chaos complet. À l'exception du royaume de Naples situé au sud, la péninsule des Apennins était divisée en plusieurs petites cités-États, presque totalement indépendantes de l'empereur et du pape. Bien sûr, divers types de saisies et de fusions ont eu lieu, mais de nombreuses villes ont pu se défendre avec succès, et aucun accord ou force ne pouvait les forcer à s'unir. Dans le même temps, de vives contradictions sociales dans les villes elles-mêmes et la nécessité de former un front uni contre les ennemis extérieurs ont contribué à la chute de nombreux régimes républicains, ce qui a facilité la prise du pouvoir par les despotes. Les gens, fatigués de l'instabilité, ont eux-mêmes recherché ou approuvé l'émergence de tels tyrans qui régnaient avec l'aide de mercenaires (condottieri), mais en même temps cherchaient à gagner le respect et le soutien des citadins. Au cours de cette période, il y a eu une expansion significative des grands États au détriment des petits, et en 1494, seuls cinq grands États et encore moins de cités-États subsistaient.

Le duché de Milan, les républiques florentine et vénitienne, les États pontificaux et le royaume de Naples étaient les formations politiques les plus importantes de la péninsule des Apennins. Milan, sous le règne de la famille Sforza, est devenu l'un des États les plus riches et un centre d'arts et d'éducation.

De même que Milan dominait la plaine lombarde et contrôlait les cols alpins menant à l'Europe du Nord, Venise, bâtie sur les îles de la lagune, dominait la mer Adriatique. À l'écart des vicissitudes complexes de la politique italienne, Venise, de par sa position géographique, joue le rôle d'intermédiaire dans le commerce entre l'Europe de l'Ouest et l'Europe de l'Est. Venise était gouvernée par des familles riches qui élisaient parmi elles le doge, chef de la ville à vie, qui régnait avec l'aide du Sénat et du Conseil des Dix. En vertu du traité de 1454 conclu entre Venise et Milan, ce dernier a reconnu Venise comme un État continental dans l'est de la Lombardie et sur la rive nord de la mer Adriatique.

Florence a conservé l'apparence d'une forme républicaine de gouvernement, mais les coups d'État fréquents, les querelles entre les partis et la domination de l'oligarchie, qui se composait d'un cercle restreint de familles aisées, ont conduit à la reconnaissance par les habitants de la ville en 1434 du pouvoir de la famille Médicis. Formellement, la forme républicaine de gouvernement a été préservée, mais en réalité, Cosme Médicis et ses successeurs se sont comportés comme de véritables despotes. L'apogée de la dynastie a été réalisée sous Lorenzo le Magnifique (r. 1469-1492), poète, mécène des arts et des sciences, homme d'État et diplomate.

Les États pontificaux occupaient une partie importante de l'Italie centrale, y compris la Romagne, et à l'est atteignaient presque les frontières de Venise. Nominalement, ce territoire était gouverné par le pape, mais en fait il était fragmenté en de nombreux fiefs, où les souverains établissaient leurs propres règles. De nombreux papes de la Renaissance étaient aussi laïcs que les souverains italiens et tenaient des cours luxueuses. Les papes Nicolas V (1447-1455), fondateur de la Bibliothèque du Vatican, et Pie II (1458-1464) ont beaucoup fait pour relancer l'éducation dans l'esprit de l'Antiquité. L'apogée de la Renaissance tomba sous les règnes des papes Jules II (1503-1513) et Léon X (1513-1521).Le royaume de Naples comprenait le territoire de l'Italie au sud des frontières des États pontificaux. Certes, jusqu'en 1435, la Sicile était un royaume séparé, qui était gouverné par la dynastie angevine de France jusqu'au transfert du pouvoir au roi Alfonso I de la dynastie aragonaise. Sous le règne d'Alphonse, Naples connaît une période d'essor économique et d'épanouissement des arts, bien que ce royaume soit politiquement différent des cités-États du nord de l'Italie. En 1504, Naples est conquise par l'Espagne et perd progressivement son indépendance au cours des deux siècles suivants.

Pendant la Renaissance, l'Italie a prospéré grâce au délicat équilibre des facteurs politiques et culturels qui prévalaient alors en Europe et dans le monde entier. Au XIVe - première moitié du XVe siècle. Le pays était divisé en plusieurs États indépendants. Des facteurs dynastiques, institutionnels et sociaux ont empêché la transformation de la communauté culturelle italienne en une véritable forme d'unité politique. Comme l'ont soutenu Machiavel et d'autres penseurs italiens de cette époque, c'est dans le paradoxe historique dominant qu'il faut chercher les racines de l'éclat et de la tragédie de la Renaissance italienne. La chute des deux systèmes de pouvoir universels du Moyen Âge - le Saint Empire romain germanique et la papauté - a suscité à plusieurs reprises des tentatives d'unification de l'Italie.

Pendant plus de cent ans (1305-1414), des efforts énergiques ont été dirigés vers cela, venant du nord, du centre et du sud de l'Italie. Leur objectif était de réaliser sous une forme ou une autre l'unité du pays, ou du moins de placer de nombreux États sous une autorité politique commune. Les plus importants de ces efforts ont été successivement soutenus par Roberto de Naples (1308–1343), Cola di Rienzo à Rome (1347–1354), l'archevêque Giovanni Visconti de Milan (1349–1359) et le cardinal Egidio Albornoz de Rome (1352– 1367). Les deux dernières tentatives sérieuses au nord et au sud, respectivement, ont été faites sous la direction de Gian Galeazzo Visconti de Milan (1385–1402) et du roi napolitain Vladislav (1402–1414). Dans tous ces cas, des coalitions d'autres forces en Italie se sont rassemblées sous la bannière de la "liberté de l'Italie" et ont résisté avec succès au désir d'imposer un gouvernement unique au pays. Après la défaite de Gian Galeazzo et de Vladislav, une série de guerres a suivi entre les cinq plus grands États italiens.

Au milieu du XVe siècle L'Italie fait face à deux nouveaux facteurs défavorables dans la vie internationale. A l'Ouest, au-delà des Alpes, la lutte prolongée entre les dynasties féodales d'Europe, en particulier le conflit anglo-français, touchait à sa fin. Il fallait donc s'attendre à ce que de grands États continentaux - la France, l'Espagne et l'Autriche - interviennent bientôt dans les affaires italiennes. Sur les flancs est - méditerranéen et adriatique - de l'Italie, il y avait une menace des Ottomans.

Les hommes d'État clairvoyants de chacun des cinq principaux États italiens ont vite compris qu'il fallait mettre fin à la « guerre civile » prolongée de l'Italie. Les négociations de paix ont commencé. À l'initiative de Cosme de Médicis de Florence et du pape Nicolas V, Francesco Foscari, doge de Venise, et Francesco Sforza, duc de Milan, concluent la paix de Lodia en avril 1454. Une fédération est née, rejointe par le roi napolitain Alphonse d'Aragon et, éventuellement, les petits États italiens sous le règne du pape. La Sainte Ligue des États italiens a interdit les conflits dans la péninsule des Apennins et a créé une nouvelle structure de coexistence pacifique.

Pendant près de quarante ans, de 1454 à 1494, l'Italie a connu la paix et l'épanouissement de la culture de la Renaissance, manifestée dans l'art, la science et la philosophie. Jusqu'en 1492, Lorenzo Medici a agi en tant qu'arbitre en politique et a gouverné l'Italie sans l'impliquer dans des alliances avec des puissances européennes étrangères. Cependant, moins de deux ans après la mort de Lorenzo, la peur, l'ambition et l'égoïsme ont fait naître une atmosphère de méfiance mutuelle entre les dirigeants des États italiens.

Le roi de France Charles VIII a pris sur lui de débarrasser l'Italie des difficultés réelles et en partie fictives provoquées par les actions de souverains égoïstes. Le chef religieux florentin Savonarole a ouvertement condamné ces actions. En 1494, Charles VIII envahit l'Italie et le 22 février 1495 entra à Rome ; puis d'autres invasions ont suivi. En 1527, Rome est saccagée par les troupes de l'empereur Charles V de la dynastie des Habsbourg. En vertu de la paix conclue à Cambrai en 1529, les Français durent renoncer à leurs prétentions en Italie, mais plus tard ils firent de nouvelles tentatives, également infructueuses, pour expulser les Habsbourg d'Italie. Les guerres d'Italie ont pris fin en 1559 avec la paix de Cato Cambresi, selon laquelle la majeure partie de l'Italie était incluse dans l'empire des Habsbourg.

Avec la victoire de l'Espagne sur la France dans la péninsule des Apennins, l'indépendance des États italiens a pris fin, dont beaucoup sont restés dépendants de puissances étrangères pendant près de deux siècles. Le développement rapide du commerce méditerranéen, qui nourrissait les acquis culturels de la Renaissance en Italie, s'est ralenti au XVIe siècle, lorsque, suite à la découverte de l'Amérique, les principales routes commerciales se sont déplacées vers l'Atlantique. Gênes et Venise ont survécu en tant que républiques indépendantes, mais leurs économies ont également décliné. Le plus puissant des souverains italiens était désormais le Pape, non seulement en tant que chef séculier des États pontificaux, mais aussi en tant que chef de la Contre-Réforme. La réforme de la doctrine catholique, adoptée au Concile de Trente (1545-1563), a influencé la vie politique, culturelle et religieuse de l'Italie, et déjà sous le pape Paul IV (1555-1559), l'Église catholique a commencé à éradiquer les hérésies. L'activité de l'Inquisition s'intensifie. Parmi ses victimes figuraient le prêtre dominicain libre-penseur Giordano Bruno, qui a été brûlé sur le bûcher comme hérétique, et Galileo Galilei, qui a été contraint d'abandonner ses théories scientifiques pionnières.

La domination espagnole dans la péninsule des Apennins s'est poursuivie au XVIIe siècle, bien qu'elle ait été contestée à plusieurs reprises par la France, en particulier sous Louis XIV. Cependant, lorsque la France a été vaincue dans la guerre de Succession d'Espagne (1701-1714), par la paix d'Utrecht en 1713, les Habsbourg autrichiens sont devenus la principale force dominante en Italie. Le traité conclu à Aix-la-Chapelle en 1748, qui met fin à la guerre de Succession d'Autriche, apporte enfin la paix tant attendue aux États italiens. Depuis lors, leurs frontières n'ont guère changé pendant plus de 100 ans jusqu'au début de l'unification du pays. L'événement le plus important a été l'octroi d'une réelle autonomie au Piémont et à Naples (dans le premier, la dynastie savoyarde régnait, et dans le second, les Bourbons espagnols). Au milieu du XVIIIe siècle toute l'Italie a connu une période de renouveau économique et culturel, et Milan, Florence et Naples sont devenus des centres majeurs de l'illumination européenne. Composition de Cesare Beccaria (1738–1794) Crimes et châtiments a jeté les bases de la criminologie et du droit pénal modernes et a été rapidement traduit dans de nombreuses langues européennes. Ce travail a contribué à bien des égards à l'élaboration d'un nouveau code de lois introduit par le duc Léopold de Toscane, l'un des dirigeants italiens les plus progressistes du XVIIIe siècle. À Naples, où les Bourbons au pouvoir étaient également d'actifs réformateurs, Antonio Genovesi (1712-1769) fut nommé à la tête de la première chaire d'économie politique d'Europe.

Grâce à la participation de tant d'Italiens à la vie publique des Lumières, l'Italie redevient la force motrice de l'histoire européenne, tandis que le besoin de réforme augmente. D'importantes transformations sociales ont été réalisées par le gouvernement autrichien en Lombardie, ainsi que dans le royaume de Sardaigne, le duché de Toscane et dans le sud, mais se sont heurtées à une résistance locale dans d'autres parties de la péninsule des Apennins (en particulier dans les États pontificaux, les républiques vénitienne et génoise), où les réformes n'eurent pas beaucoup de succès.

La Révolution française de 1789 a eu une influence décisive sur les États italiens et leur développement. La révolution a confirmé la nécessité d'une transformation radicale de la société, et lorsque les troupes françaises dirigées par Napoléon Bonaparte (1769-1821) ont envahi le nord de l'Italie en 1796, les partisans de la révolution ont pu établir le régime républicain sous la protection de l'armée française. Ainsi, Gênes devient la République Ligure (juin 1797), Milan devient le centre de la République Cisalpine (juillet 1797), l'avancée de l'armée française vers le sud conduit à l'émergence de la République romaine (février 1798). Enfin, la République parthénopienne est formée à Naples (janvier 1799).

Cette expérience « républicaine » fut cependant de courte durée. En avril 1799, l'armée combinée austro-russe sous le commandement du général A.V. Suvorov a vaincu les troupes françaises dans le nord de l'Italie. Lorsque les Français se sont retirés, les républiques italiennes sont tombées et ceux qui soutenaient les Français ont subi une répression sévère. Cependant, le coup d'État en France par Napoléon en 1799 et son impressionnante victoire sur les Autrichiens à la bataille de Marengo en 1800 ont ouvert la voie à une occupation française plus longue et à la refonte ultérieure de la carte de la péninsule des Apennins. Le Piémont a été transformé en un État dépendant de la France sur le site de l'ancienne République cisalpine. Elle s'appelait la République italienne et depuis 1804, lorsque Napoléon s'est proclamé empereur et a accepté la couronne du roi d'Italie dans la cathédrale de Milan, elle a été rebaptisée Royaume d'Italie. Le royaume d'Italie comprenait la Lombardie, Venise (Napoléon a aboli la république qui existait depuis de nombreux siècles) et la majeure partie de l'Émilie. Le général Eugène Beauharnais (fils de l'impératrice Joséphine) devient vice-roi. En 1806, Napoléon envahit Naples. Le roi et sa cour s'enfuirent en Sicile, où jusqu'en 1814 ils restèrent sous la protection de la flotte britannique. Napoléon nomme son frère Joseph roi de Naples. Cependant, en 1808, il s'installe à Madrid et devient roi d'Espagne, et le trône de Naples est transféré au gendre de Napoléon, Joachim Murat. Les États pontificaux sont restés indépendants jusqu'à la querelle entre Napoléon et le pape Pie VII (1800-1823) et l'annexion de Rome à la France en 1809.

Jusqu'en 1814, les États italiens font toujours partie de l'empire napoléonien. La domination française a aidé les Italiens à moderniser le régime. Les organes financiers et administratifs sont réorganisés et les codes de lois modifiés dans l'esprit du code civil français. Lorsque l'empire commença à se désintégrer après la défaite de l'armée de Napoléon à la bataille de Leipzig (1813), l'opposition se leva en Italie, exigeant la création d'un gouvernement constitutionnel. A la fin de l'empire, Joachim Murat en 1814 de Rimini exhorta les Italiens à s'unir pour créer un état indépendant. Les œuvres de l'écrivain italien Ugo Foscolo (1778-1827) témoignent de la croissance de la conscience nationale. Après la chute de l'Empire napoléonien, le Congrès de Vienne (1814-1815), ignorant ces appels, rétablit le pouvoir des anciens dirigeants des États italiens. Cela suggérait un retour à la situation politique qui existait avant la Révolution française, bien qu'avec quelques changements. La République vénitienne n'a pas été restaurée dans son ancienne forme, et les terres autrefois soumises à Venise faisaient désormais partie du royaume lombard et vénitien, qui était gouverné par un vice-roi autrichien qui s'est installé à Milan. Bien que la domination autrichienne et la politique agressive de Metternich aient été la cible principale des attaques des nationalistes italiens, au début du 19e siècle. c'était la Lombardie et Venise qui différaient favorablement par la nature du gouvernement des autres terres italiennes.

Dans certains endroits, les anciens dirigeants ont retrouvé leurs trônes, mais presque partout l'Autriche se tenait derrière eux. Les membres de la famille des Habsbourg régnaient sur la Toscane et les petits duchés de Parme et de Modène. Le pape rétablit ses possessions dans les États pontificaux et nomma ses émissaires dans les villes de Bologne et de Ferrare. Au sud, Naples et la Sicile sont unies dans une monarchie dirigée par les Bourbons qui reviennent au pouvoir, sous le nom de Royaume des Deux-Siciles. Hormis Naples, seul le Piémont (Royaume de Sardaigne) jouit d'une réelle autonomie, les possessions de la dynastie savoyarde s'étendant par l'annexion de l'ancienne République de Gênes. Cependant, les dirigeants piémontais avaient peur de la révolution et considéraient l'Autriche comme leur principal allié.