यू.डी. कोल्पिंस्की

विश्व कलात्मक संस्कृति के इतिहास में 18 वीं शताब्दी की यूरोपीय कला के उज्ज्वल योगदान की ख़ासियत मुख्य रूप से इस तथ्य से निर्धारित होती है कि यह अवधि सामंतवाद से पूंजीवाद तक एक लंबे संक्रमणकालीन युग का अंतिम ऐतिहासिक चरण था। 17वीं शताब्दी में, शुरुआती बुर्जुआ क्रांतियों ने केवल दो देशों में जीत हासिल की। अधिकांश यूरोपीय देशों में, पुराने आदेश को संशोधित रूप में संरक्षित किया गया था। 18 वीं शताब्दी में यूरोप में ऐतिहासिक प्रक्रिया की मुख्य सामग्री। एक विकसित बुर्जुआ-पूंजीवादी समाज और उसकी संस्कृति के शास्त्रीय रूपों के प्रभुत्व की स्थापना के लिए, औद्योगिक पूंजीवाद में संक्रमण की तैयारी में शामिल था। इंग्लैंड में, औद्योगिक क्रांति - मशीन पूंजीवादी उद्योग में संक्रमण - इस सदी के दौरान पहले ही सामने आ चुकी है। बुर्जुआ क्रांति के आदर्शों की सबसे पूर्ण और सुसंगत तैयारी और पुष्टि फ्रांस में की गई थी। फ्रांसीसी क्रांति एक क्लासिक बुर्जुआ क्रांति थी जिसने लोगों की व्यापक जनता को लड़ने के लिए प्रेरित किया। इसके विकास के दौरान, सामंती आदेशों को बेरहमी से और लगातार नष्ट कर दिया गया था।

16वीं और 17वीं शताब्दी की शुरुआती बुर्जुआ क्रांतियों के विपरीत। फ्रांसीसी क्रांति ने अपने राजनीतिक और सामाजिक आदर्शों की अभिव्यक्ति में खुद को धार्मिक खोल से मुक्त कर लिया। प्रचलित सामाजिक संबंधों की अस्वाभाविकता के "तर्क की स्थिति" और "लोगों की सामान्य भलाई" से खुला और भावुक प्रदर्शन फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति की एक नई विशिष्ट विशेषता थी।

अठारहवीं शताब्दी में यूरोप के सामाजिक और वैचारिक विकास की मुख्य प्रवृत्ति स्वयं में प्रकट हुई विभिन्न देशअसमान रूप से और, ज़ाहिर है, राष्ट्रीय स्तर पर अद्वितीय, ठोस ऐतिहासिक रूपों में। हालाँकि, अलग-अलग देशों के ऐतिहासिक और सांस्कृतिक विकास में इस तरह के अंतर कितने भी महत्वपूर्ण क्यों न हों, समानता की मुख्य प्रमुख विशेषताएं पुरानी सामंती व्यवस्था का संकट, उसकी विचारधारा और प्रगतिशील विचारधारा के गठन और स्थापना में शामिल थीं। प्रबुद्धजन। अठारहवीं शताब्दी "तर्क" का युग है, दार्शनिकों, समाजशास्त्रियों और अर्थशास्त्रियों का युग है।

इस सदी में, फ्रांसीसी और अंग्रेजी ज्ञानोदय के आंकड़ों का भौतिकवादी दर्शन फलता-फूलता है। उसी समय, जर्मनी में शास्त्रीय जर्मन आदर्शवादी दर्शन (कांट, फिच) का एक स्कूल आकार ले रहा था। इटली में, जियोवानी बतिस्ता विको ने आधुनिक समय के दर्शन में द्वंद्वात्मक पद्धति को पेश करने का पहला प्रयास किया। इंग्लैंड (एडम स्मिथ) और फ्रांस (फिजियोक्रेट्स) में एक वैज्ञानिक अनुशासन के रूप में राजनीतिक अर्थव्यवस्था की नींव रखी जा रही है। प्राकृतिक निशान, अधिक से अधिक उत्पादन से जुड़े, प्रौद्योगिकी के साथ, त्वरित दर से विकसित हो रहे हैं। लोमोनोसोव और लावोसियर के कार्यों ने एक आधुनिक विज्ञान के रूप में रसायन विज्ञान की नींव रखी। नई मशीनें बनाई जा रही हैं, जो औद्योगिक युग में संक्रमण की तैयारी कर रही हैं। तर्क की शक्ति की पुष्टि की जाती है, और पुरानी विचारधारा के प्रतिनिधियों के वर्ग पूर्वाग्रहों और उपशास्त्रीय रूढ़िवाद की आलोचना व्यापक हो जाती है।

देशों के बीच दार्शनिक, वैज्ञानिक और सौंदर्यवादी विचारों का आदान-प्रदान बहुत महत्वपूर्ण है। सांस्कृतिक अंतःक्रियाओं की चौड़ाई और तीव्रता, रचनात्मक उपलब्धियों का आदान-प्रदान, कलाकारों, वास्तुकारों और संगीतकारों को एक देश से दूसरे देश में ले जाने का रिवाज 17 वीं शताब्दी की तुलना में और भी अधिक बढ़ गया।

इस प्रकार, विनीशियन मास्टर टाईपोलो न केवल अपनी मातृभूमि में काम करता है, बल्कि जर्मनी और स्पेन में स्मारकीय चित्रों के निर्माण में भी शामिल है। मूर्तिकार फाल्कोन, कई अन्य फ्रांसीसी और इतालवी स्वामी लंबे समय से रूस में रहते हैं। स्वीडिश चित्रकार रोसलिन फ्रांस और रूस में बड़े पैमाने पर काम करता है। फ्रांसीसी भाषा का व्यापक उपयोग, जो समाज के प्रबुद्ध वर्गों के बीच अंतर्राष्ट्रीय संचार की भाषा बन गई है, शिक्षित लोगों के सर्कल का सापेक्ष विस्तार, विशेष रूप से बुद्धिजीवियों के अधिकांश देशों में गठन, जो कि वंचितों के हितों का प्रतिनिधित्व करते हैं। वर्गों (मुख्य रूप से शहरी पूंजीपति वर्ग) ने मानव समाज की संस्कृति की एकता के व्यापक विचार में योगदान दिया।

सामाजिक और वैचारिक जीवन की नई स्थितियां "कलात्मक संस्कृति" के इतिहास में एक नए प्रमुख चरण के गठन को निर्धारित करती हैं। 18 वीं शताब्दी में, कला के प्रकारों और शैलियों के अनुपात में एक निर्णायक परिवर्तन की प्रक्रिया शुरू होती है, जो इसमें पूरी हुई थी अगली सदी। पिछले युगों की तुलना में, यह बढ़ता है विशिष्ट गुरुत्वसाहित्य और संगीत, कलात्मक परिपक्वता के उस चरण तक पहुँचना जो चित्रकला ने 16वीं और 17वीं शताब्दी में पहले ही हासिल कर लिया था। साहित्य और संगीत धीरे-धीरे प्रमुख कला रूप बनने लगे हैं। चूंकि इन रूपों की कलात्मक भाषा की विशिष्ट संभावनाएं कलात्मक सृजनात्मकतासबसे सीधे समय, संगीत और साहित्य की मुख्य सौंदर्य मांगों के अनुरूप, एक दूसरे के पूरक, जीवन के सौंदर्य जागरूकता में, इसके आंदोलन और गठन में समय की जरूरतों को पूरा करते हैं। गद्य साहित्य में, समय के साथ अपने जटिल विकास में किसी व्यक्ति के भाग्य को दिखाने की इच्छा, कभी-कभी भ्रमित और आसपास के सामाजिक वातावरण के साथ संबंधों की प्लास्टिक स्पष्टता से रहित, जीवन और रीति-रिवाजों की एक विस्तृत तस्वीर की इच्छा युग, समाज के जीवन में गद्य साहित्य में मनुष्य के स्थान और भूमिका के बारे में मूलभूत प्रश्नों को हल करने के लिए। इस तरह, लिखावट और शैली में सभी अंतरों के साथ, ले सेज के लेम डेमन, प्रीवोस्ट के मैनन लेस्कॉट, वोल्टेयर के कैंडाइड, फील्डिंग और स्मोलेट के उपन्यास, स्टर्न की सेंटीमेंटल जर्नी, गेटे की द सोरोज़ ऑफ़ यंग वेरथर और विल्हेम मिस्टर, और अन्य। 18वीं शताब्दी से शुरू होकर, उपन्यास एक प्रकार के गद्य महाकाव्य में बदल जाता है, जो गीत की एक व्यापक तस्वीर देता है। हालांकि, महाकाव्य कविता में जीवन के पौराणिक परिवर्तन के विपरीत, 18 वीं शताब्दी के उपन्यास में, दुनिया की तस्वीर उन छवियों में दी गई है जो सांसारिक विश्वसनीय और सामाजिक-ऐतिहासिक रूप से ठोस हैं।

किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक दुनिया, उसकी भावनाओं और विचारों की एक काव्यात्मक, सीधे भावनात्मक समग्र अभिव्यक्ति की आवश्यकता, परिधि की छवि से अमूर्त दिनचर्या या रोज़मर्रा की ज़िंदगी, उनके विकास और विरोधाभासी अखंडता में किसी व्यक्ति के विश्वदृष्टि और विश्वदृष्टि के प्रत्यक्ष प्रकटीकरण ने एक स्वतंत्र कला रूप के रूप में संगीत के उत्कर्ष को पूर्व निर्धारित किया।

18वीं शताब्दी में महत्वपूर्ण है। और नाट्य कला की सफलताएँ, विशेष रूप से नाट्यशास्त्र में, साहित्य से निकटता से संबंधित हैं। उत्तरार्द्ध को 18 वीं शताब्दी के मध्य में एक क्रमिक संक्रमण की विशेषता है। क्लासिकवाद की परंपरा से यथार्थवादी और पूर्व-रोमांटिक रचनात्मक दिशाओं तक।

इस समय की संस्कृति की एक विशिष्ट विशेषता थिएटर के सौंदर्यशास्त्र, अभिनय की प्रकृति और विशेष रूप से थिएटर की सामाजिक और शैक्षिक भूमिका के कवरेज के मुख्य मुद्दों का गहन अध्ययन है।

यदि पॉलीफोनी उत्पन्न हुई संगीत कलादेर से पुनर्जागरण में मानव अनुभवों की दुनिया की जटिल बहुमुखी प्रतिभा को व्यक्त करने के साधन के रूप में, फिर 18 वीं शताब्दी में निर्माण। फ्यूग्यू, सिम्फनी, सोनाटा जैसे संगीत रूपों के बाख, मोजार्ट, ग्लक, हेडन ने मानव अनुभवों के गठन की प्रक्रिया को व्यक्त करने के लिए संगीत की क्षमता का खुलासा किया। संगीत जीवन के संघर्षों, और दुखद दु: ख, और हार्मोनिक स्पष्टता, और खुशी के लिए संघर्ष के तूफानी आवेगों, एक अकेली मानव आत्मा के गहरे प्रतिबिंब और एक बड़ी टीम की भावनाओं और आकांक्षाओं की एकता को मूर्त रूप देने में सक्षम था।

ललित कला के क्षेत्र में, कलात्मक प्रगति का चरित्र कुछ हद तक उभयलिंगी था। फिर भी, कुछ मामलों में, 18 वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ उस्तादों ने एक ऐसी कला का निर्माण किया, जो न केवल अपने पूर्ववर्तियों के संबंध में, बल्कि समग्र रूप से विश्व कलात्मक संस्कृति के विकास में भी एक कदम आगे का प्रतिनिधित्व करती है। उन्होंने व्यक्ति की कला का निर्माण किया, परिष्कृत, भावनाओं और मनोदशाओं की बेहतरीन बारीकियों का विश्लेषण किया। सुंदर आत्मीयता, संयमित गीतकारिता, विनम्रतापूर्वक निर्मम, विश्लेषणात्मक अवलोकन - विशेषताएँयह कला। सूक्ष्म रूप से कैप्चर की गई या मजाकिया "मंचन" साजिश की स्थिति की सटीक भावना इस शताब्दी के अद्भुत चित्र (लाटौर, गेन्सबोरो, रोकोतोव, हौडॉन) और सर्वोत्तम बहु-चित्रित शैली रचनाओं में निहित गुण हैं, चाहे वह वीर उत्सव हो और वट्टू और फ्रैगोनार्ड के रोजमर्रा के दृश्य, चार्डिन के मामूली रोजमर्रा के मकसद या ग्वार्दी के शहर के परिदृश्य।

जीवन के कलात्मक बोध के इन गुणों को पहली बार कला में इस तरह की निरंतरता के साथ पुष्टि की गई थी। हालांकि, सदी की महत्वपूर्ण उपलब्धियों को कला के उत्तराधिकार के पिछले युगों की कलात्मक उपलब्धियों के आंशिक नुकसान से उच्च कीमत पर खरीदा गया था। अपने आप में, यह तथ्य 18वीं शताब्दी की कला की एक विशिष्ट विशेषता का प्रतिनिधित्व नहीं करता है। असमता कलात्मक विकासएक सहज विरोधी वर्ग-शोषण समाज में सामाजिक और आध्यात्मिक प्रगति की एकतरफाता से उत्पन्न, कलात्मक संस्कृति के इतिहास में पहले भी प्रकट हुआ है। हालांकि, 18 वीं शताब्दी की ललित कलाओं ने न केवल आंशिक रूप से किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन की सार्वभौमिक पूर्णता को खो दिया, वह प्रत्यक्ष कलात्मक जैविकता, सिंथेटिक अखंडता जिसके साथ पेंटिंग के पिछले दिन के महान स्वामी - रूबेन्स, पॉसिन, रेम्ब्रांट, वेलाज़क्वेज़ - छवियों में सन्निहित उन्होंने अपने समय के मुख्य सौंदर्य और नैतिक मुद्दों का निर्माण किया। 16वीं और 17वीं शताब्दी की कला की तुलना में इस तथ्य का महत्व कम नहीं था। 18 वीं शताब्दी की पेंटिंग और मूर्तिकला। धीरे-धीरे सबसे बड़ी कलात्मक स्पष्टता और जैविकता के साथ समाज के सौंदर्य विचारों को उनके अस्तित्व की मुख्य समस्याओं के बारे में बताने की क्षमता खो गई।

समाज की चेतना के लिए, जिसने पूंजीवाद के विकास के संक्रमणकालीन चरण में प्रवेश किया, जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, सौंदर्य संबंधी कार्यों और जरूरतों की ऐसी श्रृंखला विशेषता थी, जो कि पूरी तरह से और कलात्मक रूप से ललित कला और वास्तुकला में उतनी नहीं थी जितनी कि साहित्य और संगीत। हालांकि, संस्कृति के विकास में इस प्रवृत्ति के परिणामों को बढ़ा-चढ़ाकर पेश नहीं करना चाहिए। अठारहवीं शताब्दी में, यह अभी खुद को दिखाना शुरू कर रहा था। अपनी पूरी तीक्ष्णता के साथ, ललित कलाओं और स्थापत्य कला के अनुपात की समस्या कलात्मक संस्कृतिपूंजीवाद के युग में, शोषक वर्ग समाज और उसकी संस्कृति के सामान्य संकट के युग में ही मानवता स्थापित होगी। इसलिए, न केवल पेंटिंग और मूर्तिकला, बल्कि वास्तुकला भी अनुभव कर रहे हैं नया मंचइसके विकास में। इसमें चर्च निर्माण का अनुपात गिर रहा है, और नागरिक निर्माण की मात्रा तेजी से बढ़ रही है। फ्रांसीसी वास्तुकारों द्वारा शानदार योजना समाधान, रूस में बनाई गई शानदार इमारतें, सेंट पीटर्सबर्ग में, इंग्लैंड में महल और सम्पदा, मध्य यूरोप और इटली में देर से बारोक उत्कृष्ट कृतियाँ - शोषण समाज के ढांचे के भीतर यूरोपीय वास्तुकला के अंतिम उत्थान में से एक का प्रमाण .

मुख्य प्रगतिशील दिशा, जिसने 18 वीं शताब्दी में यूरोपीय कला का चेहरा निर्धारित किया, समग्र रूप से एक विरोधाभासी और जटिल तरीके से विकसित हुआ। सबसे पहले, यूरोप के अलग-अलग देशों में एक नई संस्कृति का गठन बहुत असमान रूप से हुआ, क्योंकि वे पूंजीवाद में अपने संक्रमण की तैयारी के विभिन्न चरणों में थे। दूसरे, अठारहवीं शताब्दी की कला के सौंदर्य सिद्धांतों की स्थापना इसके विकास में कई चरणों से गुजरी। इसलिए इटली में, राष्ट्रीय एकता से वंचित, अपने आर्थिक विकास में पिछड़ते हुए, कला ने जारी रखा और 17 वीं शताब्दी की संस्कृति की परंपराओं को संशोधित किया। यह विशेषता है कि इस शताब्दी की इतालवी कला की सर्वोच्च उपलब्धियां वेनिस स्कूल से जुड़ी थीं, जिसने इटली के अन्य क्षेत्रों की कला की तुलना में धर्मनिरपेक्ष उत्साह की भावना को काफी हद तक बरकरार रखा था।

फ्रांस में, जहां बुर्जुआ क्रांति की तैयारी दर्शन, साहित्य और कला के क्षेत्र में सबसे अधिक लगातार की जाती थी, कला धीरे-धीरे सदी के उत्तरार्ध में एक सचेत रूप से प्रोग्रामेटिक नागरिक अभिविन्यास प्राप्त करती है। अठारहवीं शताब्दी की शुरुआत वट्टू की दुखद स्वप्निल और सूक्ष्म रूप से परिष्कृत कला से होती है, और डेविड के कार्यों के क्रांतिकारी पथ के साथ समाप्त होती है।

एक सदी की अंतिम तिमाही में स्पेन की कला में, युवा गोया का काम, जीवन के उज्ज्वल, चरित्रवान अभिव्यंजक पहलुओं में एक भावुक रुचि के साथ, क्लासिकवाद के विपरीत, पश्चिमी यूरोपीय ललित कला के संक्रमण को तैयार किया। उन्नीसवीं सदी के पहले तीसरे के यथार्थवादी रोमांटिकवाद।

इंग्लैंड में बुर्जुआ क्रांति पहले से ही हमारे पीछे थी। इस देश में, बड़े जमींदारों के आर्थिक और राजनीतिक वर्चस्व की स्थितियों के तहत, जो नई प्रणाली के अनुकूल थे, और वाणिज्यिक और औद्योगिक पूंजीपति वर्ग के शीर्ष पर, एक औद्योगिक क्रांति की गई थी। ललित कला के कुछ स्वामी (उदाहरण के लिए, हॉगर्थ) और विशेष रूप से साहित्य में पहले से ही एक विकसित बुर्जुआ समाज के यथार्थवाद की विशिष्ट विशेषताओं को विकसित कर रहे थे, जिसमें जीवन की विशिष्ट सामाजिक स्थितियों के प्रत्यक्ष विश्लेषण के साथ, सामाजिक विशेषताओं, प्रकारों की एक महान भावना थी। और स्थितियों के साथ-साथ वर्णनात्मकता और अभियोगवाद की अपनी विशिष्ट विशेषताओं के साथ। ।

रूस में, संस्कृति और कला के मध्ययुगीन धार्मिक रूपों से संक्रमण, जो अपनी ऐतिहासिक भूमिका से परे था, एक नई, धर्मनिरपेक्ष संस्कृति, कला के धर्मनिरपेक्ष, यथार्थवादी रूपों के लिए, 17 वीं शताब्दी के अंत और 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में पूरा हुआ। रूसी संस्कृति के विकास में यह नया चरण रूसी समाज की आंतरिक जरूरतों, इसकी अर्थव्यवस्था के विकास, सरकार के रूपों में इसी बदलाव की आवश्यकता के कारण हुआ। यह निरपेक्षता की मजबूती से जुड़ा था, जिसने मौजूदा ऐतिहासिक परिस्थितियों में, राज्य के सामने आने वाले महत्वपूर्ण ऐतिहासिक कार्यों का सफल समाधान सुनिश्चित किया। 18 वीं शताब्दी के यूरोपीय विज्ञान और संस्कृति के निर्माण में रूस की सक्रिय भागीदारी, रूसी कला के योगदान का महत्व और मूल्य विश्व कलाउस समय - युग की एक अनिवार्य विशेषता।

अधिकांश पश्चिमी यूरोपीय देशों के विपरीत, रूस में निरपेक्षता अपनी अपेक्षाकृत प्रगतिशील ऐतिहासिक भूमिका से अधिक नहीं रही है। पूंजीपति वर्ग अभी भी कमजोर था, रूसी व्यापारियों में उन दीर्घकालिक सांस्कृतिक परंपराओं का भी अभाव था जो पश्चिमी यूरोपीय बर्गर द्वारा शहरी कम्यून्स के समय से जमा की गई थीं, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि रूसी पूंजीपति वर्ग अपने ऐतिहासिक मिशन की चेतना से वंचित था। पुगाचेव के नेतृत्व में किसान विद्रोह स्वतःस्फूर्त था और विद्रोहियों की हार में समाप्त हुआ। इन शर्तों के तहत, लगभग पूरी 18 वीं शताब्दी में रूसी कला में विकास की प्रगतिशील रेखा। बड़प्पन संस्कृति के ढांचे के भीतर किया गया था।

यद्यपि, जैसा कि हम देख सकते हैं, 18 वीं शताब्दी की कला का विकास, इसके मुख्य प्रगतिशील सौंदर्य आदर्शों का गठन अलग-अलग देशों में अलग-अलग हुआ, फिर भी, सामान्य तौर पर, दो चरण इसके विकास की विशेषता हैं। पहला जारी रहा, कुछ देशों में विशिष्ट ऐतिहासिक परिस्थितियों के आधार पर 1740-1750 के मध्य तक, दूसरों में - 1760 के दशक तक। यह चरण बारोक के देर से रूपों के पूरा होने और कलात्मक और शैलीगत दिशा के कई देशों में उभरने के साथ जुड़ा हुआ है, जिसे "रोकोको" या "रोकेल शैली" नाम मिला ( रोकोको - फ्रांसीसी शब्द रोकैले से, यानी शेल के आकार का; इस प्रवृत्ति की कला में, पसंदीदा सजावटी रूपांकनों में से एक आकार में एक घुमावदार घुमावदार खोल जैसा दिखता था।) दूसरे चरण की विशेषता क्लासिकवाद की कला और भावुकतावाद की प्रमुख प्रवृत्तियों के रूप में है।

देर से बरोक की वास्तुकला, अधिक गतिशील रूप से जटिल, सजावटी रूप से अतिभारित और 17 वीं शताब्दी की तुलना में कम आलीशान स्मारक, उन देशों में व्यापक रूप से विकसित किया गया था जहां निरपेक्षता के उन्मूलन और पूंजीवाद में संक्रमण के लिए पूर्वापेक्षाएँ अभी तक परिपक्व नहीं थीं। उदाहरण के लिए, इटली में, 18वीं शताब्दी के पहले दो-तिहाई में बारोक परंपराएं मौजूद रहीं। न केवल वास्तुकला में, बल्कि चित्रकला और मूर्तिकला में भी।

जर्मनी और मध्य यूरोप में, देर से बरोक वास्तुकला और स्मारकीय कला अभी भी काफी हद तक पुरानी लिपिक-सामंती संस्कृति से जुड़ी हुई थी। एक शानदार अपवाद, जैसा कि पहले ही ऊपर उल्लेख किया गया है, विनीशियन कला थी, मुख्य रूप से पेंटिंग, जिसने इस अद्भुत स्कूल की उत्सव और हर्षित परंपराओं को पूरा किया। इटली के अन्य क्षेत्रों में, मध्य यूरोप में, यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ केवल कठिनाई के साथ और बहुत ही डरपोक रूप से प्रमुख प्रवृत्ति के ढांचे के भीतर प्रकट हुईं। रूस में बारोक कला का एक विशेष चरित्र था। रूसी बारोक की मौलिकता पूरी तरह से वास्तुकला में सन्निहित थी। एक शक्तिशाली रूसी कुलीन शक्ति के उदय पर पथ, जिसने दुनिया में एक योग्य स्थान लिया है, सेंट पीटर्सबर्ग का निर्माण, जो दुनिया के सबसे खूबसूरत शहरों में से एक बन गया है, नए शहरों का विकास रूसी बारोक की बड़े पैमाने पर धर्मनिरपेक्ष प्रकृति को पूर्वनिर्धारित किया। फ्रांस में, कई शानदार पहनावा समाधान बनाए गए, जैसे, उदाहरण के लिए, पेरिस में प्लेस डे ला कॉनकॉर्ड, जो एक शहरी पहनावा की योजना बनाने के सिद्धांतों के क्लासिकवाद की भावना में एक तरह का पुनर्विचार है। सामान्य तौर पर, फ्रांस में, बैरोक परंपराओं पर काबू पाने की प्रक्रिया सदी के पूर्वार्द्ध के दौरान एक अलग हवेली की स्थापत्य छवि की अधिक अंतरंग व्याख्या में रुचि के उद्भव के साथ जुड़ी हुई थी, जिसके मालिक इसके बारे में अधिक चिंतित थे। भव्य उत्सव और इमारत के आराम के बारे में इसकी गंभीर प्रतिनिधित्व की तुलना में। यह सब 1720 के दशक में हुआ। रोकोको के सिद्धांतों को जोड़ने के लिए, यानी कला बारोक की तुलना में अधिक कक्ष है। हालांकि, रोकोको वास्तुकला में बारोक और क्लासिकवाद के समान एक पूर्ण वास्तुशिल्प प्रणाली का गठन नहीं किया गया था। वास्तुकला में रोकोको ने मुख्य रूप से सजावट के क्षेत्र में खुद को प्रकट किया, फ्लैट, हल्का, सनकी सनकी, परिष्कृत, धीरे-धीरे प्रतिनिधि को बदलना, बारोक की स्थापत्य सजावट की स्थानिक गतिशीलता से इसके विपरीत।

रोकेल पेंटिंग और मूर्तिकला, जो इंटीरियर के स्थापत्य डिजाइन के साथ अपने संबंध को बनाए रखते थे, काफी हद तक सजावटी थे। हालांकि, अधिक अंतरंग कला की इच्छा, एक निजी व्यक्ति के ख़ाली समय को सजाने के लिए डिज़ाइन की गई जो "सुरुचिपूर्ण" के प्रति संवेदनशील है और "परिष्कृत स्वाद" रखने के लिए, एक पेंटिंग शैली के निर्माण को निर्धारित करता है जो मूड के रंगों में अधिक विभेदित था, में कथानक, रचना, रंगीन और लयबद्ध समाधानों की सूक्ष्मताएँ। रोकोको पेंटिंग और मूर्तिकला ने नाटकीय विषयों की ओर रुख करने से परहेज किया, वास्तविक जीवन के विस्तृत ज्ञान के लिए प्रयास नहीं किया, महत्वपूर्ण सामाजिक समस्याओं को खड़ा करने के लिए। रोकोको पेंटिंग की स्पष्ट रूप से सुखवादी, कभी-कभी सुंदर रूप से आकर्षक प्रकृति ने इसकी संकीर्णता और सीमाओं को पूर्व निर्धारित किया।

बहुत जल्द, पहले से ही 1740 के दशक तक, रोकोको पेंटिंग बिना सोचे-समझे सतही कला में बदल गई, पुरानी दुनिया के शीर्ष के स्वाद और मनोदशा को व्यक्त करते हुए गायब हो गई। 18वीं शताब्दी के मध्य तक। पुराने फ्रांस के आकाओं के रवैये को व्यक्त करने वाली कला के बीच एक तेज रेखा रही है, जो भविष्य के बारे में निश्चित नहीं हैं और लुई XV के अजीबोगरीब सूत्र के अनुसार जीते हैं "हमारे बाद, यहां तक ​​​​कि एक बाढ़!", और प्रतिनिधियों का मार्ग तीसरी संपत्ति के, कभी-कभी अत्यधिक उपदेशात्मक सीधेपन के साथ, कारण और प्रगति के विचारों से जुड़े नैतिक और सौंदर्य मूल्यों कला के महत्व पर जोर दिया। इस संबंध में विशेषता कलाकार को "पेंटिंग पर अनुभव" से कलाकार की अपील थी: "यह आपका कर्तव्य है कि आप महान और महान कार्यों का महिमामंडन करें, दुर्भाग्यपूर्ण और बदनाम पुण्य का सम्मान करें, सभी के द्वारा सम्मानित खुश उपाध्यक्ष को कलंकित करें ... ले लो एक गुणी व्यक्ति के लिए अपराधी, देवताओं और भाग्य का बदला, भविष्यवाणी करने के लिए, यदि आप की हिम्मत है, तो आने वाली पीढ़ियों का फैसला। बेशक, हमेशा की तरह, कला अपने वास्तविक विकास में सौंदर्य और नैतिक कार्यक्रमों की एक कठोर योजना में फिट नहीं हुई। यह केवल अपने व्यक्तिगत रूप से, कलात्मक रूप से सबसे उत्तम अभिव्यक्तियाँ नहीं है, जो कि संबंधित व्यंजनों का शाब्दिक रूप से पालन करती हैं।

रोकोको के गठन के प्रारंभिक चरण में, कलात्मक आंदोलनों के स्पष्ट परिसीमन की स्थितियों में जो अभी तक नहीं आए थे, वट्टू जैसे महान कलाकार की उपस्थिति संभव थी। उनके काम ने न केवल शैलीगत प्रवृत्ति के रूप में रोकोको की नींव रखी, बल्कि यह इसके सबसे आकर्षक कलात्मक अवतारों में से एक था। साथ ही, अपनी सौंदर्य सामग्री में, यह निर्णायक रूप से अपने संकीर्ण कलात्मक और वैचारिक ढांचे से परे चला गया। यह वट्टू था, जिसने तथाकथित वीर उत्सवों की शैली की ओर रुख किया, और इन भूखंडों को करने का एक उत्कृष्ट सुरुचिपूर्ण, कक्ष जैसा अंतरंग तरीका बनाया। लेकिन, लैंक्रेट या वीर-ग्रिवोइस बाउचर जैसे विशिष्ट रोकोको मास्टर्स के विचारहीन उत्सव लालित्य के विपरीत, जिन्होंने 18 वीं शताब्दी के दूसरे तीसरे में काम किया, वट्टू की कला को किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के आध्यात्मिक रंगों के सूक्ष्म हस्तांतरण की विशेषता है। , संयम से उदास गीतकार। 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के फ्रांसीसी क्लासिकवाद की आधिकारिक पारंपरिक शैली की अप्रचलित धूमधाम और भव्यता से संक्रमण में वट्टू का काम एक महत्वपूर्ण चरण था। कला के लिए, एक व्यक्ति की आध्यात्मिक दुनिया के साथ अधिक निकटता से जुड़ा हुआ है।

अन्य यूरोपीय देशों में, उदाहरण के लिए, जर्मनी और ऑस्ट्रिया के कुछ क्षेत्रों में, रोकोको महल और उद्यान वास्तुकला के क्षेत्र में व्यापक हो गया। रोकोको शैली की कुछ विशेषताएं 1740 और 1750 के दशक में चेक गणराज्य की कला में भी दिखाई दीं। रोकोको शैली के समान या करीब के क्षणों ने खुद को वास्तुशिल्प इंटीरियर की सजावट और अन्य यूरोपीय देशों की लागू कलाओं में महसूस किया। हालांकि 18वीं सदी कभी-कभी रोकोको का युग कहा जाता है, इस कला को व्यापक वर्चस्व नहीं मिला। अपने व्यापक प्रभावों के बावजूद, केवल कुछ ही देशों में इसने वास्तव में अग्रणी शैली का महत्व हासिल किया है। रोकोको युग की शैली नहीं थी, यहां तक ​​कि जिस अर्थ में इसे कभी-कभी 17 वीं शताब्दी की कला में बारोक के संबंध में कहा जाता है। यह सबसे महत्वपूर्ण और विशिष्ट शैलीगत प्रवृत्ति थी जो 18 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में पश्चिमी और मध्य यूरोप के कई प्रमुख देशों की कला पर हावी थी।

सामान्य तौर पर, इस बात पर एक बार फिर जोर दिया जाना चाहिए कि 18 वीं शताब्दी के लिए, और विशेष रूप से इसकी दूसरी छमाही के लिए, सभी प्रकार की स्थानिक कलाओं को गले लगाते हुए, पूरे युग की एक निश्चित सामान्य शैली की उपस्थिति को स्थापित करना असंभव है। इस काल में यूरोपीय संस्कृति में पहले से अधिक खुले रूपों में वैचारिक और कलात्मक प्रवृत्तियों का संघर्ष स्वयं प्रकट होता है; वहीं, राष्ट्रीय विद्यालयों के गठन की प्रक्रिया जारी है। जीवन के प्रत्यक्ष यथार्थवादी चित्रण द्वारा कला में एक बड़ी भूमिका निभाई जाने लगी है; पेंटिंग और मूर्तिकला में, धीरे-धीरे वास्तुकला के साथ अपने जैविक संबंध को खोते हुए, चित्रफलक की विशेषताएं बढ़ रही हैं। ये सभी क्षण कलात्मक भाषा और तकनीकों की "शैलीगत" एकता पर आधारित वास्तुकला के साथ कला के सिंथेटिक संबंध पर आधारित उस पुरानी प्रणाली को कमजोर करते हैं, जो कला के इतिहास में पिछले चरणों में निहित थी।

अठारहवीं शताब्दी में कला के विकास का दूसरा चरण। सत्ताधारी व्यवस्था की विचारधारा और उसके विरोधियों के बीच अंतर्विरोधों के बढ़ने से जुड़ा है।

निरपेक्षता के सबसे दूरदर्शी प्रतिनिधि, कुछ रियायतों की कीमत पर, सरकार के पुराने रूपों को "समय की भावना" के लिए एक नए तरीके से अनुकूलित करना चाहते हैं, इसलिए बोलने के लिए, उनका आधुनिकीकरण करें, उन्हें "का रूप दें" ज्ञानोदय", एक राष्ट्रव्यापी, सामान्य नागरिक कानून और व्यवस्था के वाहक के रूप में अपने वर्ग अभिजात-निरंकुश राज्य को पारित करें। तीसरी संपत्ति के प्रतिनिधियों (और रूस में बड़प्पन के उन्नत हलकों, बुद्धिजीवियों के अपने वर्ग हितों की संकीर्णता पर काबू पाने) ने सार्वजनिक आत्म-चेतना में नागरिकता के सिद्धांतों, राज्य के हितों की सेवा करने के सिद्धांतों को स्थापित करने की मांग की। "समग्र रूप से समाज", राजाओं की निरंकुश मनमानी और धर्मनिरपेक्ष और चर्च अभिजात वर्ग के अहंकारी अहंकार की आलोचना की।

कलात्मक संस्कृति के प्रगतिशील विकास में एक नया चरण दो मुख्य वैचारिक और कलात्मक प्रवृत्तियों के रूप में सामने आया, कभी-कभी एक-दूसरे का विरोध करते हुए, कभी-कभी आपस में जुड़ते हुए - क्लासिकवाद, एक तरफ, और क्लासिकवाद की शैली दिशा के ढांचे में फिट नहीं होता, कला के विकास के रूप में अधिक प्रत्यक्ष रूप से यथार्थवादी, जो ज्यादातर चित्रांकन में ही प्रकट हुआ। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की पेंटिंग और मूर्तिकला में चित्र स्वामी की रचनात्मकता। फ्रांस, इंग्लैंड, रूस में (गेन्सबोरो, लेवित्स्की, शुबिन, हौडॉन क्लासिकिज्म के करीब) ने स्वर्गीय बारोक के औपचारिक संपत्ति चित्र की रेखा का विरोध किया या रोसेल परंपराओं से जुड़े सशर्त सैलून धर्मनिरपेक्ष चित्र जो उनकी उम्र तक जीवित रहे।

बेशक, कुछ, इसलिए बोलने के लिए, कुछ चित्रकारों के काम में एक या किसी अन्य शैलीगत प्रवृत्ति के साथ अवशिष्ट संबंध थे। लेकिन इस क्षण से नहीं, बल्कि छवियों की प्रत्यक्ष यथार्थवादी जीवन शक्ति से, कला के विकास में उनके योगदान की कलात्मक मौलिकता निर्धारित की गई थी। और भी अधिक हद तक, हॉगर्थ की यथार्थवादी चित्रफलक पेंटिंग और उत्कीर्णन, आंशिक रूप से चारडिन, ग्रीज़ की पेंटिंग, जो जीवन के प्रत्यक्ष प्रतिबिंब में बदल जाती हैं, शैली की सीमाओं से परे जाती हैं। सामान्य तौर पर, 18 वीं शताब्दी की कला। न केवल मध्य युग और पुनर्जागरण के विपरीत, "युग की एकल शैली" के विपरीत, बल्कि शैलीगत प्रवृत्तियों ने हमेशा अपने समय की कला के विकास में मुख्य प्रवृत्तियों को शामिल नहीं किया।

क्लासिकवाद नए लोगों को बनाने की अपनी खोज में है जो स्वाभाविक रूप से सरल और दोनों हैं। कला के उदात्त रूपों, महान विचारों, स्वादों और "पुण्य" की खेती करने में सक्षम, प्राचीन दुनिया की कलात्मक संस्कृति में बदल गए। वह अध्ययन और अनुकरण करने के लिए एक उदाहरण बन गई। क्लासिकवाद के सिद्धांत के मुख्य प्रावधान जर्मन सिद्धांतकार और कला इतिहासकार विंकेलमैन द्वारा तैयार किए गए थे। विंकेलमैन की गतिविधि 18 वीं शताब्दी की बहुत विशेषता है। यह इस शताब्दी में था कि सौंदर्यशास्त्र और कला इतिहास की नींव वास्तव में वैज्ञानिक अनुशासन के रूप में रखी गई थी, जो दर्शन की सफलताओं से निकटता से संबंधित थी।

विंकेलमैन ने प्राचीन कला को संस्कृति के एक उत्कृष्ट उदाहरण के रूप में बदल दिया, जो कि आडंबरपूर्ण वाक्यांशविज्ञान से मुक्त है, देर से बरोक की "कृत्रिमता" और रोकोको की "तुच्छ भ्रष्टता"। विंकेलमैन का मानना ​​​​था कि प्राचीन ग्रीस की कला को प्रकृति में बदल दिया गया था और मुक्त नागरिकों में महान, योग्य भावनाओं को लाया गया था।

एक निश्चित आधे-अधूरेपन और राजनीतिक समयबद्धता के साथ, विंकेलमैन का सिद्धांत युग की प्रगतिशील प्रवृत्तियों के अनुरूप था।

18वीं शताब्दी का क्लासिकवाद, 17वीं शताब्दी के क्लासिकवाद के साथ अपनी कई शैलीगत विशेषताओं की बिना शर्त समानता के साथ, किसी भी तरह से इसके सरल विकास का प्रतिनिधित्व नहीं करता है। यह एक मौलिक रूप से नई ऐतिहासिक और कलात्मक घटना है।

क्लासिकिज्म के विकास में दो चरणों के बीच गुणात्मक अंतर न केवल इस तथ्य के कारण है कि पहले विकसित, इसलिए बोलने के लिए, बारोक के संदर्भ में और इसके साथ एक अजीबोगरीब संबंध में ( 17वीं सदी की कला का परिचय और 17वीं सदी के फ्रांस की कला पर अध्याय देखें।), और दूसरा कुछ देशों में रोकोको कला पर काबू पाने की प्रक्रिया में उत्पन्न हुआ, और दूसरों में देर से बारोक। 17 वीं और 18 वीं शताब्दी में कलात्मक विचारों की सीमा और क्लासिकवाद के सामाजिक कार्य की ख़ासियत से सीधे संबंधित मतभेद भी थे, शायद अधिक महत्वपूर्ण। एक आदर्श और एक कलात्मक मॉडल के रूप में पुरातनता की अपील, भावना पर कर्तव्य की प्रधानता का दावा, शैली की उदात्त अमूर्तता, कारण, व्यवस्था और सद्भाव का मार्ग है सामान्य सुविधाएं 17वीं और 18वीं शताब्दी दोनों में शास्त्रीयतावाद। हालांकि, 17 वीं शताब्दी में, क्लासिकवाद ने एक निरंकुश राजशाही के ढांचे के भीतर राष्ट्र के समेकन के संदर्भ में, महान निरपेक्षता के ढांचे के भीतर आकार लिया, और इस प्रणाली को रेखांकित करने वाले सामाजिक संबंधों के खुले खंडन में वृद्धि नहीं हुई। . अठारहवीं शताब्दी के क्लासिकवाद में प्रगतिशील रेखा का सामंतवाद-विरोधी अभिविन्यास बहुत अधिक स्पष्ट था। अठारहवीं शताब्दी का क्लासिकवाद न केवल जारी रहा, बल्कि प्राचीन काल से प्राप्त उदाहरणों की अपील करते हुए, भावना पर तर्क की जीत, जुनून पर कर्तव्य की महानता की पुष्टि करने के लिए। अठारहवीं शताब्दी में, प्राचीन कला को आदर्श और आदर्श मॉडल घोषित किया गया था, और क्योंकि, क्लासिकवाद के विचारकों के अनुसार, इसने एक उचित, मुक्त समाज में रहने वाले व्यक्ति में निहित स्थायी, मौलिक गुणों का सबसे सामंजस्यपूर्ण और परिपूर्ण अवतार पाया। पुरातनता के शहर-गणराज्यों की। 18 वीं शताब्दी के क्लासिकवाद के एक या दूसरे प्रतिनिधि की प्रगतिशीलता की डिग्री और गहराई के आधार पर, या तो नई दिशा की समृद्ध स्वाभाविकता और सुंदर सादगी के आदर्श की सौंदर्य और नैतिक श्रेष्ठता पर देर से रोकोको की तुच्छता की तुलना में जोर दिया गया था। या देर से बरोक की जटिल धूमधाम, या क्लासिकवाद के नागरिक मार्ग पर जोर दिया गया था।

लगातार नागरिकता और जुझारू क्रांतिकारी भावना की भावना में क्लासिकवाद के सिद्धांतों का विकास डेविड के काम में किया गया था, जिन्होंने तीसरी संपत्ति के विश्वदृष्टि के गठन में पहले चरण में निहित वर्ग संकीर्णता और भावनात्मक नैतिकता पर काबू पा लिया था। डेविड ने अपने चित्रों में रिपब्लिकन रोम के नायकों के नागरिक कौशल को गाया, "स्वतंत्रता के मित्रों" से उनके उदात्त उदाहरण से प्रेरित होने का आग्रह किया। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के क्रांतिकारी क्लासिकवाद के सिद्धांत। हालांकि, क्रांति के दौरान अगले ऐतिहासिक युग के जन्म के साथ जुड़ा हुआ है। सदी के उत्तरार्ध के फ्रांसीसी वास्तुकला में, क्लासिकवाद के अधिक सुरुचिपूर्ण कक्ष रूपों के साथ, तथाकथित लुई XVI शैली, सौफ्लोट के काम में नींव रखी गई थी ताकि अधिक कठोर, वास्तव में स्मारकीय-नागरिक समझ हो सके। वास्तुकला के कार्य।

अधिकांश अन्य यूरोपीय देशों में, क्लासिकवाद का ऐसा लगातार क्रांतिकारी चरित्र नहीं था, जैसा कि पूर्व संध्या पर और फ्रांस में क्रांति के पहले वर्षों में था।

रूस में, कोज़लोवस्की की स्मारकीय और वीर मूर्तियों में, राजसी नागरिक संरचनाओं (बाझेनोव की सरल परियोजनाएं, डेलामोट और क्वारेनघी का काम), साथ ही फेलटेन और कैमरून की अधिक सुंदर सरल कला में, नेक तर्कसंगतता के आदर्श की पुष्टि की। और नागरिक देशभक्ति, जो अभी तक रूसी राज्य की राज्य संरचना के साथ खुले विरोधाभास में प्रवेश नहीं किया था। जर्मनी में, क्लासिकवाद का कलात्मक अभ्यास अधिक सीमित और समझौता था। भावुकता और चिंतन के तत्वों के साथ रंगीन, मेंग्स की कला और एंजेलिका कॉफ़मैन के पवित्र कार्य ने क्लासिकवाद में उस पंख का प्रतिनिधित्व किया, जिसने कला के क्षेत्र में पुराने शासन के आधुनिकीकरण और समय के नए रुझानों के अनुकूल होने के प्रयासों को व्यक्त किया।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि शास्त्रीयता, जो वास्तुकला में और आंशिक रूप से मूर्तिकला और चित्रकला में प्रमुख शैली बन गई, ने साहित्य के क्षेत्र में आधिपत्य प्राप्त नहीं किया। क्लासिकवाद के यथार्थवादी पक्ष और इसके कुछ हद तक तर्कसंगत अमूर्तता दोनों को मुख्य रूप से वोल्टेयर के त्रासदी के रंगमंच द्वारा लिया गया था। क्लासिकवाद का कविता (चेनियर) पर भी ध्यान देने योग्य प्रभाव था। उपन्यास और लघुकथा जैसे साहित्यिक रूप, जो वास्तविक जीवन के अंतर्विरोधों के विश्लेषण से सीधे जुड़े हुए हैं, लगातार और स्पष्ट रूप से यथार्थवादी कलात्मक रूपों में विकसित होते रहे।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की संस्कृति में शास्त्रीयता के साथ। भावुकता और कला में तथाकथित पूर्व-रोमांटिक आंदोलन जैसे रुझान विकसित हुए। ये दिशाएँ कविता, रंगमंच और गद्य साहित्य में पूरी तरह से सन्निहित थीं। दृश्य कलाओं में, उनका प्रभाव कम दिखाई देता था और विशेष रूप से फ्रांस में, कम फलदायी होता था। यदि क्लासिकवाद ने मुख्य रूप से अपने सबसे सार्वभौमिक और अमूर्त रूप में युग के उच्च नागरिक और नैतिक आदर्शों को व्यक्त किया, तो भावुकता और पूर्व-रोमांटिकवाद ने सीधे व्यक्ति की भावनाओं की व्यक्तिगत दुनिया या उसके संघर्षों की नाटकीय प्रकृति के मूल्य के दावे की अपील की। आसपास की वास्तविकता।

स्टर्न अपनी "भावनात्मक यात्रा" में न केवल पुराने शासन की संपत्ति और प्रतिक्रियावादी नैतिकता को खारिज करते हैं, बल्कि बुर्जुआ नैतिकता के पाखंड और अश्लीलता का भी उपहास करते हैं जो पहले से ही इंग्लैंड में खुद को प्रकट कर चुके हैं। जर्मनी में, Sturm und Drang आंदोलन, जिसे कभी-कभी पूर्व-रोमांटिकवाद के रूप में वर्णित किया जाता है, जर्मन क्लासिकवाद, तर्कसंगत-तर्कसंगत, वैचारिक रूप से डरपोक और आधे-अधूरेपन के संबंध में एक तीव्र विवादास्पद स्थिति लेता है। Sturm und Drang आंदोलन, जिसमें युवा शिलर और गोएथे शामिल हुए, सामंती विरोधी आरोपों से प्रभावित थे।

फ्रांस में, जहां 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से। एक निर्णायक क्रांतिकारी विस्फोट चल रहा था, जहां पूंजीपति वर्ग के पास महान सांस्कृतिक परंपराएं और पर्याप्त सामाजिक शक्ति थी, कला के विकास की मुख्य रेखा ने डेविड के क्रांतिकारी क्लासिकवाद के पूर्ण नागरिक पथ को जन्म दिया। 1780 के दशक में फ्रांस में, एक सीधे पूर्व-क्रांतिकारी स्थिति आकार ले रही है। 1789 की बुर्जुआ क्रांति ने मानव जाति के इतिहास में एक पूरे युग का समापन किया और समाज और उसकी कलात्मक संस्कृति के विकास में एक नए चरण के लिए रास्ता खोल दिया।

दृश्य कलाओं में, जीवन के प्रत्यक्ष यथार्थवादी चित्रण का महत्व बढ़ गया। कला के क्षेत्र का विस्तार हुआ, यह मुक्ति के विचारों के लिए एक सक्रिय प्रवक्ता बन गया, सामयिकता, लड़ाई की भावना से भरा, न केवल सामंती, बल्कि उभरते बुर्जुआ समाज के दोषों और गैरबराबरी की निंदा की। इसने एक व्यक्ति के निरंकुश व्यक्तित्व के एक नए सकारात्मक आदर्श को भी सामने रखा, जो पदानुक्रमित विचारों से मुक्त, विकसित हो रहा था। व्यक्तिगत योग्यताऔर साथ ही नागरिकता की एक महान भावना के साथ संपन्न। कला राष्ट्रीय बन गई, न केवल परिष्कृत पारखी लोगों के लिए, बल्कि एक व्यापक लोकतांत्रिक वातावरण के लिए अपील की।

18वीं शताब्दी में पश्चिमी यूरोप के सामाजिक और वैचारिक विकास की मुख्य प्रवृत्तियाँ विभिन्न देशों में असमान रूप से प्रकट हुईं। यदि इंग्लैंड में 18वीं शताब्दी के मध्य में हुई औद्योगिक क्रांति ने पूंजीपति वर्ग और कुलीन वर्ग के बीच समझौते को मजबूत किया, तो फ्रांस में सामंती-विरोधी आंदोलन का चरित्र अधिक व्यापक था और बुर्जुआ क्रांति की तैयारी कर रहा था। सभी देशों के लिए सामान्य था सामंतवाद का संकट, उसकी विचारधारा, एक व्यापक सामाजिक आंदोलन का गठन - आत्मज्ञान, प्राथमिक अछूत प्रकृति के अपने पंथ के साथ और इसकी रक्षा करने वाला मन, आधुनिक भ्रष्ट सभ्यता और सपने की आलोचना के साथ लाभकारी प्रकृति के सामंजस्य और प्राकृतिक स्थिति की ओर अग्रसर एक नई लोकतांत्रिक सभ्यता।

अठारहवीं शताब्दी तर्क की उम्र है, सभी को नष्ट करने वाले संदेह और विडंबना, दार्शनिकों, समाजशास्त्रियों, अर्थशास्त्रियों की उम्र; प्रौद्योगिकी से जुड़े सटीक प्राकृतिक विज्ञान, भूगोल, पुरातत्व, इतिहास और भौतिकवादी दर्शन विकसित हुए। युग के मानसिक जीवन पर आक्रमण करते हुए, वैज्ञानिक ज्ञान ने कला के लिए वास्तविकता के सटीक अवलोकन और विश्लेषण की नींव रखी। प्रबुद्धजनों ने प्रकृति की नकल करने के लिए कला के लक्ष्य की घोषणा की, लेकिन आदेश दिया, बेहतर प्रकृति (डिडेरो, ए। पोप), एक निरंकुश शासन, सामाजिक असमानता, आलस्य और विलासिता द्वारा बनाई गई मानव निर्मित सभ्यता के हानिकारक प्रभावों से मन द्वारा साफ किया गया। अठारहवीं शताब्दी के दार्शनिक और सौंदर्यवादी विचार के तर्कवाद ने, हालांकि, भावना की ताजगी और ईमानदारी को दबा नहीं दिया, लेकिन स्थापत्य पहनावा से लेकर कला की कलात्मक घटनाओं की आनुपातिकता, अनुग्रह और सामंजस्यपूर्ण पूर्णता के लिए एक प्रयास को जन्म दिया। एप्लाइड आर्ट। ज्ञानियों ने जीवन और कला में भावना को बहुत महत्व दिया - मानव जाति की महानतम आकांक्षाओं का ध्यान, एक ऐसी भावना जो उद्देश्यपूर्ण कार्रवाई के लिए तरसती है, जिसमें एक ऐसी शक्ति होती है जो जीवन में क्रांति लाती है, एक "प्राकृतिक व्यक्ति" के मौलिक गुणों को पुनर्जीवित करने में सक्षम भावना ( डिफो, रूसो, मर्सिएर), प्राकृतिक नियमों का पालन करते हुए। प्रकृति।

रूसो के सूत्र "एक आदमी केवल अपनी भावनाओं में महान है" ने 18 वीं शताब्दी के सामाजिक जीवन के उल्लेखनीय पहलुओं में से एक को व्यक्त किया, जिसने एक यथार्थवादी चित्र और शैली, भावनाओं की कविता में एक गहन, परिष्कृत मनोवैज्ञानिक विश्लेषण को जन्म दिया। गेय परिदृश्य (गेन्सबोरो, वट्टू, बर्नय, रॉबर्ट) "गीतात्मक उपन्यास", "गद्य में कविताएँ" (रूसो, प्रीवोस्ट, मारिवॉक्स, फील्डिंग, स्टर्न, रिचर्डसन) को प्रभावित किया, यह संगीत के उदय में अपनी उच्चतम अभिव्यक्ति तक पहुँचता है (हैंडल, बाख, ग्लक, हेडन, मोजार्ट, इतालवी ओपेरा संगीतकार)। एक ओर, "छोटे लोग" 18 वीं शताब्दी के चित्रकला, ग्राफिक्स, साहित्य और रंगमंच के कलात्मक कार्यों के नायक बन गए - लोगों को, हर किसी की तरह, युग की सामान्य परिस्थितियों में रखा गया, समृद्धि और विशेषाधिकारों से खराब नहीं हुआ, आत्मा की सामान्य प्राकृतिक गतिविधियों के अधीन, मामूली खुशी से संतुष्ट। कलाकारों और लेखकों ने प्रकृति के करीब, उनकी ईमानदारी, आत्मा की भोलेपन की प्रशंसा की। दूसरी ओर, एक मुक्त सभ्य बौद्धिक व्यक्ति के आदर्श पर ध्यान केंद्रित किया जाता है, जो ज्ञानोदय संस्कृति द्वारा उत्पन्न होता है, उनके व्यक्तिगत मनोविज्ञान का विश्लेषण, परस्पर विरोधी मानसिक स्थिति और उनकी सूक्ष्म बारीकियों, अप्रत्याशित आवेगों और चिंतनशील मनोदशाओं के साथ भावनाएं।

तीव्र अवलोकन, विचार और भावना की एक परिष्कृत संस्कृति 18 वीं शताब्दी की सभी कलात्मक शैलियों की विशेषता है। कलाकारों ने विभिन्न रंगों की रोजमर्रा की जीवन स्थितियों, मूल व्यक्तिगत छवियों को पकड़ने की मांग की, मनोरंजक कथाओं और मोहक तमाशा, तीखे परस्पर विरोधी कार्यों, नाटकीय साज़िशों और हास्य भूखंडों, परिष्कृत विचित्र, भैंस, सुंदर देहाती, वीर उत्सव की ओर आकर्षित हुए।

वास्तुकला में नई समस्याओं को भी सामने रखा गया। चर्च निर्माण का महत्व कम हो गया है, और नागरिक वास्तुकला की भूमिका बढ़ गई है, अत्यधिक सरल, अद्यतन, अत्यधिक प्रभाव से मुक्त। कुछ देशों (फ्रांस, रूस, आंशिक रूप से जर्मनी) में भविष्य के शहरों की योजना बनाने की समस्याओं का समाधान किया गया। आर्किटेक्चरल यूटोपिया का जन्म हुआ (ग्राफिक आर्किटेक्चरल लैंडस्केप - जियोवानी बतिस्ता पिरानेसी और तथाकथित "पेपर आर्किटेक्चर")। निजी, आमतौर पर अंतरंग आवासीय भवन और सार्वजनिक भवनों के शहरी पहनावा का प्रकार विशेषता बन गया। उसी समय, 18 वीं शताब्दी की कला में, पिछले युगों की तुलना में, जीवन के कवरेज की सिंथेटिक धारणा और पूर्णता कम हो गई। स्मारकीय चित्रकला और मूर्तिकला का स्थापत्य से पुराना संबंध टूट गया, चित्रफलक चित्रकला और अलंकरण की विशेषताएं उनमें तीव्र हो गईं। एक विशेष पंथ का विषय रोजमर्रा की जिंदगी, सजावटी रूपों की कला थी। साथ ही, विभिन्न प्रकार की कलाओं की पारस्परिकता और पारस्परिक संवर्धन में वृद्धि हुई, एक प्रकार की कला द्वारा प्राप्त उपलब्धियों का दूसरों द्वारा अधिक स्वतंत्र रूप से उपयोग किया गया। इस प्रकार, चित्रकला और संगीत पर रंगमंच का प्रभाव बहुत फलदायी था।

18वीं शताब्दी की कला दो चरणों से गुज़री। पहला 1740-1760 तक चला। यह सजावटी रोकोको शैली में देर से बारोक रूपों के संशोधन की विशेषता है। अठारहवीं शताब्दी के पूर्वार्ध की कला की मौलिकता - मजाकिया और मजाकिया संदेह और परिष्कार के संयोजन में। यह कला, एक ओर, परिष्कृत है, भावनाओं और मनोदशाओं की बारीकियों का विश्लेषण करती है, सुरुचिपूर्ण अंतरंगता के लिए प्रयास करती है, गीतवाद को नियंत्रित करती है, दूसरी ओर, "आनंद के दर्शन" की ओर अग्रसर करती है, पूर्व की शानदार छवियों की ओर - अरब, चीनी, फारसी। इसके साथ ही रोकोको के साथ, एक यथार्थवादी प्रवृत्ति विकसित हुई - कुछ स्वामी के लिए इसने एक तीव्र आरोप लगाने वाला चरित्र (होगर्थ, स्विफ्ट) प्राप्त कर लिया। राष्ट्रीय विद्यालयों के भीतर कलात्मक प्रवृत्तियों का संघर्ष खुले तौर पर प्रकट हुआ। दूसरा चरण वैचारिक अंतर्विरोधों के गहराने, आत्म-चेतना के विकास, पूंजीपति वर्ग और जनता की राजनीतिक गतिविधि से जुड़ा है। 1760-1770 के दशक के मोड़ पर। फ्रांस में रॉयल अकादमी ने रोकोको कला का विरोध किया और 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की अकादमिक कला की औपचारिक, आदर्श शैली को पुनर्जीवित करने का प्रयास किया। वीरतापूर्ण और पौराणिक शैलियों ने रोमन इतिहास से उधार ली गई भूखंडों के साथ ऐतिहासिक शैली को रास्ता दिया। उन्हें "प्रबुद्ध निरपेक्षता" के विचारों की प्रतिक्रियावादी व्याख्या के अनुसार, राजशाही की महानता पर जोर देने के लिए बुलाया गया था, जिसने अपना अधिकार खो दिया था।

उन्नत विचार के प्रतिनिधियों ने पुरातनता की विरासत की ओर रुख किया। फ्रांस में, कॉम्टे डी केलस ने इस क्षेत्र में अनुसंधान के वैज्ञानिक युग की शुरुआत की ("प्राचीन वस्तुओं का संग्रह", 7 खंड, 1752-1767)। 18 वीं शताब्दी के मध्य में, जर्मन पुरातत्वविद् और कला इतिहासकार विंकेलमैन (प्राचीन काल की कला का इतिहास, 1764) ने कलाकारों से "प्राचीन कला की महान सादगी और शांत भव्यता पर लौटने का आग्रह किया, जो अपने आप में स्वतंत्रता का प्रतिबिंब है। गणतंत्र के युग के यूनानी और रोमन।" फ्रांसीसी दार्शनिक डिडेरॉट ने प्राचीन इतिहास में ऐसे भूखंड पाए जो अत्याचारियों की निंदा करते थे और उनके खिलाफ विद्रोह का आह्वान करते थे। क्लासिकवाद उत्पन्न हुआ, जिसने रोकोको की सजावट को प्राकृतिक सादगी, जुनून की व्यक्तिपरक मनमानी - वास्तविक दुनिया के नियमों का ज्ञान, अनुपात की भावना, विचार और कर्मों की बड़प्पन के विपरीत बनाया। कलाकारों ने सबसे पहले नए खोजे गए स्मारकों में प्राचीन यूनानी कला का अध्ययन किया। एक आदर्श, सामंजस्यपूर्ण समाज की उद्घोषणा, भावना पर कर्तव्य की प्रधानता, कारण के मार्ग 17 वीं और 18 वीं शताब्दी के क्लासिकवाद की सामान्य विशेषताएं हैं। हालाँकि, 17 वीं शताब्दी का क्लासिकवाद, जो राष्ट्रीय एकीकरण के आधार पर उत्पन्न हुआ, कुलीन समाज के उत्कर्ष की स्थितियों में विकसित हुआ। 18 वीं शताब्दी के क्लासिकवाद को एक सामंती-विरोधी क्रांतिकारी अभिविन्यास की विशेषता है। इसका उद्देश्य निरपेक्षता के खिलाफ लड़ने के लिए राष्ट्र की प्रगतिशील ताकतों को एकजुट करना था। फ्रांस के बाहर, क्लासिकवाद में वह क्रांतिकारी चरित्र नहीं था जो फ्रांसीसी क्रांति के शुरुआती वर्षों में था।

1. परिचय। रूस में 18 वीं शताब्दी की कला
2. 18वीं सदी की रूसी वास्तुकला
3. 18वीं सदी में रूस की ललित कला
4. निष्कर्ष
5. प्रयुक्त साहित्य की सूची

यह काम XVIII सदी की कला के सबसे बड़े कार्यों का खुलासा करता है। रूस में और उनका विश्लेषण करने का प्रयास।

पीटर के समय की कला में, रूस की राष्ट्रीय शक्ति के विचारों की पुष्टि की जाती है। रूसी राज्य दुनिया के सबसे बड़े राज्यों में से एक बन गया।

18वीं सदी की जीवित इमारतें और आज वे न केवल रूसी शहरों का श्रंगार हैं, बल्कि विश्व महत्व की उत्कृष्ट कृतियाँ भी हैं।

18वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के कला स्मारकों का अध्ययन 19वीं सदी के अंत और 20वीं शताब्दी की शुरुआत में शुरू हुआ। उस समय आयोजित चित्रों की प्रदर्शनियों ने इस समय की कला के कार्यों की पहचान में योगदान दिया। सोवियत सत्ता के वर्षों के दौरान, विशेष रूप से युद्ध के बाद की अवधि में, भव्य बहाली कार्य के संबंध में, एक सक्रिय अनुसंधान गतिविधि शुरू की गई थी। महत्वपूर्ण सामग्री एकत्र की गई और सारांशित की गई, रचनात्मकता के लिए समर्पित 18 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में व्यक्तिगत स्वामी और रूसी कला का विकास। 1970 के दशक में, पीटर द ग्रेट के समय की ललित कलाएँ विशेषज्ञों के निकट और गहन ध्यान का विषय बन गईं। प्रदर्शनियां खोली जाती हैं, रूसी संस्कृति के इतिहास में इस उज्ज्वल अवधि को समर्पित मोनोग्राफ प्रकाशित होते हैं।

वर्तमान में, XVIII सदी की ललित कला के कार्यों की श्रेणी। सदियों, विशेषज्ञों द्वारा विश्लेषण के लिए आकर्षित, सोवियत पुनर्स्थापकों द्वारा नई खोजों के लिए धन्यवाद में काफी विस्तार हुआ है।

18 वीं शताब्दी की रूसी वास्तुकला

XVII-XVIII सदियों के मोड़ पर रूसी वास्तुकला का विकास। धर्मनिरपेक्ष तत्वों के एक महत्वपूर्ण प्रयास की विशेषता है। हालांकि, रूसी वास्तुकला की स्थिर परंपराएं, जो इसके सदियों पुराने विकास के दौरान विकसित हुई थीं, गायब नहीं हुईं, उन्हें पूरी तरह से काटा नहीं जा सका। XVIII सदी की रूसी वास्तुकला। राष्ट्रीय स्वाद को संरक्षित करने में सक्षम था और यह प्राचीन रूसी वास्तुकला की योग्यता है।

पुनर्जागरण से शुरू होकर, यूरोप के उन्नत देशों में अपनाए गए नए समय की संस्कृति के मानदंडों के लिए अपील, अपने साथ शहर का एक अलग आदर्श लाया - एक नियमित और तर्कसंगत रूप से नियोजित एकल वास्तुशिल्प पहनावा। मध्य युग के विपरीत, यह अब ऐतिहासिक, बड़े पैमाने पर स्वतःस्फूर्त विकास का अंतिम परिणाम नहीं है, बल्कि एक परियोजना के आधार पर बनाया गया एक प्रकार का विशाल कार्य है।

रूसी वास्तुकला प्रशासनिक, औद्योगिक, शैक्षिक और वैज्ञानिक इमारतों की पहले से अपरिचित किस्मों में महारत हासिल कर रही है। पहले से मौजूद संरचनाओं को संशोधित किया गया है: क्रॉस-गुंबददार चर्च के साथ, एक बेसिलिका एक दिखाई देता है, एक बाग के साथ गाना बजानेवालों के बजाय, एक महल और पार्क पहनावा दिखाई देता है।

वॉल्यूमेट्रिक एक्सपोज़र, फ़ेडेड, अंदरूनी लगभग आवश्यक रूप से समरूपता के सिद्धांत पर निर्मित होते हैं - एक अक्ष के बारे में द्विपक्षीय समरूपता।

इस अवधि को कभी-कभी सशर्त रूप से "पीटर्स बारोक" कहा जाता है, हालांकि, इस समय के रूसी वास्तुकारों ने पुनर्जागरण की विरासत, और बारोक, और क्लासिकवाद की ओर रुख किया, जो पहले से ही फ्रांस में दिखाई दिया था।

XVIII सदी की शुरुआत में मास्को के विकास में प्रमुख स्थान। औद्योगिक भवनों द्वारा कब्जा कर लिया गया था, जिन्हें अक्सर उस समय औपचारिक रूप दिया जाता था। ये स्टोन ब्रिज, खमोवनी यार्ड, क्रेमलिन में शस्त्रागार, साथ ही मुख्य फार्मेसी की तीन मंजिला इमारत में क्लॉथ यार्ड की इमारतें हैं, जहां पहला रूसी विश्वविद्यालय और प्रीओब्राज़ेंस्की गांव में एक नौकायन कारखाना है। मूल रूप से स्थित थे।

मॉस्को में काम करने वाले उस्तादों में, I.P. Zarudny सबसे बड़ा था। वह एक महान वास्तुकार और एक उत्कृष्ट मूर्तिकार-सज्जाकार थे। धार्मिक इमारतों में से, मेन्शिकोव टॉवर बाहर खड़ा है। यहां, एक चर्च की इमारत के रूपांकनों और विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष तत्वों को विशिष्ट रूप से जोड़ा गया है। यहां पिछली बार की चर्च वास्तुकला की पारंपरिक योजना लागू होती है - एक चतुर्भुज पर एक अष्टकोण। हालांकि, इसे यहां ऑर्डर तत्वों और एक उच्च शिखर के साथ जोड़ा गया है जो एक बार इमारत का ताज पहनाया गया था।

नई राजधानी, एक नई शिक्षा प्रणाली की स्वीकृति और विदेशी उन्नत साहित्य के उद्भव को छोड़कर, रूस के अन्य सभी शहरों में स्मारक निर्माण के निषेध पर पीटर I के फरमान द्वारा वास्तुकला में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई गई थी।

नेवा - पीटर्सबर्ग के तट पर एक नए शहर के निर्माण में रूसी वास्तुकला के और गहन विकास के महान अवसर सामने आए, मूल रूप से एक बंदरगाह और किले के रूप में रखा गया था, लेकिन जल्द ही एक राजधानी में बदल गया। यद्यपि सेंट पीटर्सबर्ग का निर्माण उत्तरी युद्ध की कठिन, तनावपूर्ण परिस्थितियों में हुआ था, फिर भी, शुरुआत से ही, इसमें नई विशेषताएं स्पष्ट रूप से सामने आईं, जो उस समय की वास्तुकला का संकेत थीं। शहर के लिए मास्टर प्लान बनाने की जरूरत है। पहले प्रयोग (जे.बी. लेब्लोन - 1716 और डी। ट्रेज़िनी - 1717-1725) आम तौर पर असफल रहे, क्योंकि उन्होंने क्षेत्र की विशिष्ट विशेषताओं को ध्यान में रखे बिना समस्या को बहुत ही योजनाबद्ध और अमूर्त रूप से हल किया। लेकिन उन्होंने आगे के विकास का मार्ग प्रशस्त किया।

नए कार्यों के सफल समाधान के लिए, विदेशी वास्तुकारों को आमंत्रित किया गया, जिन्होंने पश्चिमी यूरोपीय निर्माण के अनुभव को जल्दी से हासिल करने में मदद की; उसी समय, रूसी आकाओं को अध्ययन के लिए विदेश भेजा गया था। आमंत्रितों में से, और कुछ विदेशी आर्किटेक्ट जो अपनी पहल पर आए, 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी वास्तुकला के विकास पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। केवल वे जो लंबे समय तक रूस में रहे थे, स्थानीय परिस्थितियों से परिचित हुए, और उन्हें सौंपे गए कार्यों के समाधान के लिए व्यापक और गंभीरता से संपर्क किया।

सबसे बड़ा डोमेनिको ट्रेज़िनी (सी। 1670-1734) था, जिसने पीटर और पॉल कैथेड्रल और पेट्रोव्स्की गेट्स का निर्माण किया था पीटर और पॉल किलेजिन्होंने देश के प्रमुख प्रशासनिक संस्थान बारह महाविद्यालयों के विशाल भवन का डिजाइन तैयार किया था गोस्टिनी ड्वोर. डी। ट्रेज़िनी द्वारा निर्मित इमारतों ने नई रूसी बारोक शैली की विशिष्ट तकनीकों के निर्माण में योगदान दिया। वे योजनाओं और डिजाइनों की वास्तविकता के साथ-साथ facades की मध्यम प्लास्टिक सजावट से प्रतिष्ठित थे। ट्रेज़िनी तीन श्रेणियों के आवासीय भवनों की "मानक परियोजनाओं" के लेखक थे: "प्रतिष्ठित" नागरिकों के लिए - पत्थर, "अमीर" और "माध्य" (साधारण) लोगों के लिए - मिट्टी की झोपड़ियाँ। 1718 तक 4,000 से अधिक आवास बनाए गए थे।

इसके साथ ही सेंट पीटर्सबर्ग के साथ, प्रसिद्ध पार्क पहनावा वाले देश के महलों का निर्माण किया गया था। पीटरहॉफ की कल्पना पीटर I के देश के निवास के रूप में की गई थी, जिसे वे वर्साय से तुलना करना चाहते थे, विशेष रूप से फव्वारे के झरनों के साथ इसका केंद्र और सैमसन की एक मूर्तिकला आकृति।

इस काल की स्थापत्य कला में लकड़ी के स्थापत्य का विशेष स्थान था। यह लोक कला के साथ सबसे अधिक निकटता से जुड़ा था और आधुनिक समय के युग में रूसी मध्य युग की कलात्मक संस्कृति में विकसित विचारों, सिद्धांतों और तकनीकों को विकसित करते हुए सापेक्ष स्वतंत्रता को बरकरार रखा था। लकड़ी के आवास घरों और चर्चों ने ऐसी रचनाओं में अद्भुत पूर्णता और मौलिकता हासिल की, उदाहरण के लिए, किज़ी में प्रसिद्ध बाईस-गुंबददार चर्च, जिसे 1714 में संरक्षित किया गया था।

XVIII सदी के मध्य में। घरेलू और विदेश नीति, अर्थव्यवस्था और संस्कृति के क्षेत्र में पीटर के उपक्रमों ने कुछ परिणाम दिए।

उन वर्षों की कला का मुख्य विषय राजशाही राज्य का महिमामंडन था, जिसके सम्मान में गंभीर ओड्स की रचना की गई और स्थापत्य पहनावा बनाया गया। यह वास्तुकला है जो अपने समय के विचारों की सबसे विशद अभिव्यक्ति बन जाती है।

इन वर्षों में सार्वजनिक भवन लगभग नहीं बने हैं। नए किले शहरों का निर्माण जारी है: रोस्तोव-ऑन-डॉन, ऑरेनबर्ग, इज़ियम। कई वास्तुशिल्प स्कूल उभर रहे हैं। लेकिन वास्तुकला की सबसे महत्वपूर्ण उपलब्धियां राजधानियों से जुड़ी हैं, सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को मास्टर्स की गतिविधियों के साथ।

XVIII सदी के मध्य में रूसी वास्तुकला का उदय। एकल शैलीगत आधार से जुड़ा - बारोक। XVIII सदी के 40-50 के दशक के रूसी बारोक की विशिष्टता। अन्य यूरोपीय शैलियों के अनुभव के उपयोग से जुड़े - XVIII सदी के फ्रांसीसी क्लासिकवाद, रोकोको और घरेलू परंपरा।

बैरोक शैली के उत्कर्ष के लिए निर्णायक रस्त्रेली के पिता और पुत्र की गतिविधि थी। बार्टोलोमो कार्लो रास्त्रेली (1675-1744), इतालवी मूर्तिकार, 1716 से पीटर्सबर्ग में काम किया। उन्होंने पीटरहॉफ के सजावटी डिजाइन में भाग लिया, एक काले अरचिक के साथ पीटर I और महारानी अन्ना इयोनोव्ना के मूर्तिकला चित्र बनाए।

उनका बेटा - बार्टालोमो रस्त्रेली (1700-1771) - सबसे बड़ा वास्तुकार, एक प्रसिद्ध मूर्तिकार का पुत्र। अपनी प्रारंभिक इमारतों में, रस्त्रेली उन तकनीकों का उपयोग करते हैं जो सदी की शुरुआत के निर्माण के लिए विशिष्ट थीं। भविष्य में, 1740 के दशक के मध्य से, उनका काम बहुत ही अजीब हो जाता है: इमारतों का आकार फैलता है, आंतरिक सामने के आंगन दिखाई देते हैं, और मुखौटे की राहत बढ़ जाती है। चमकीले रंगों और गिल्डिंग पर निर्मित इमारतों का गहन रंग पेश किया जाता है। उनकी वास्तुकला की शैली रूसी बारोक है, जिसने पश्चिमी और रूसी दोनों परंपराओं को अवशोषित किया। रस्त्रेली की सबसे बड़ी और सबसे विशिष्ट इमारतें सेंट पीटर्सबर्ग में स्मॉली मठ और विंटर पैलेस, पीटरहॉफ में ग्रैंड पैलेस, ज़ारसोकेय सेलो में कैथरीन पैलेस आदि थीं। रस्त्रेली को गुंजाइश, वैभव, चमकीले रंग, समृद्ध मूर्तिकला सजावट का इस्तेमाल करना पसंद था, जटिल आभूषण।

एस चेवाकिंस्की रूसी वास्तुकला के एक महान उस्ताद थे। इसकी सबसे बड़ी इमारत सेंट निकोलस नेवल कैथेड्रल (1753-1762) है, क्योंकि इसे मूल रूप से आधिकारिक तौर पर कैथेड्रल कहा जाता था। मंदिर अपने आप में पांच गुंबद वाला, दो-स्तरीय है। इससे कुछ दूरी पर एक लंबा, पतला, बहुत सुंदर सिल्हूट बेल टॉवर है जिसमें एक अजीबोगरीब पूर्णता है - एक छोटा गुंबद जो एक शिखर में बदल जाता है। निकोल्स्की कैथेड्रल प्राचीन रूसी स्थापत्य परंपराओं के साथ संबंध की गवाही देता है, यह कैथेड्रल की योजना में महसूस किया जाता है, एक विशेषता पांच-गुंबददार संरचना में, दो चर्चों की उपस्थिति में: एक - गर्म - पहली मंजिल पर और दूसरा - ठंडा - दूसरे पर (ग्रीष्मकालीन चर्च)।

XVIII सदी के मध्य में मास्को का सबसे बड़ा वास्तुकार। दिमित्री वासिलीविच उखतोम्स्की थे। इसकी जीवित इमारतों में, सबसे महत्वपूर्ण ट्रिनिटी-सर्जियस लावरा (1741-1769) की ऊंची घंटी टॉवर है, जो कुछ ही दूरी पर दिखाई देती है। विशाल घन पहली मंजिल के ऊपर, मठ की ऊंची पुरानी दीवारों के पीछे दूर के दृष्टिकोण से छिपा हुआ, चार ऊपरी स्तर हैं - बजते हुए, उत्सवपूर्वक और विभिन्न रूप से सजाए गए। स्कूल-कार्यशाला, तथाकथित वास्तुशिल्प टीम, उसके फलने-फूलने का श्रेय देती है, जहाँ छात्रों ने सैद्धांतिक अध्ययन को प्रत्यक्ष व्यावहारिक कार्य के साथ जोड़ा।

XVIII सदी के मध्य में। निर्माण में मुख्य ध्यान महल और चर्च वास्तुकला पर दिया गया था। संरचनाओं के बड़े आकार के लिए नई संरचनाओं के उपयोग की आवश्यकता थी। लोक शिल्पकारों की व्यापक भागीदारी, 17 वीं शताब्दी की रूसी वास्तुकला की परंपराओं को संदर्भित करने के लिए सजावटी रूपों में इच्छा। रूस में बारोक के सुनहरे दिनों की विशेषता, कई, अत्यधिक कलात्मक, उत्सव और रंगीन कार्यों के निर्माण के लिए नेतृत्व किया।

XVIII सदी के उत्तरार्ध में। आर्किटेक्ट्स ने शहरों की योजना से संबंधित मुद्दों को विकसित किया, नए प्रकार के सार्वजनिक भवनों का निर्माण किया।

अन्य शहरों में महत्वपूर्ण निर्माण कार्य किए गए। तो, तेवर (अब कलिनिन शहर) में, 1763 की आग के बाद, पूरे शहर के केंद्र को नए सिद्धांतों पर पुनर्निर्मित किया गया था। यारोस्लाव में काफी निर्माण सामने आया।

उसी समय, एक नए उद्देश्य के लिए अलग-अलग बड़े ढांचे भी बनाए गए थे। नेवा के तट पर, ए.एफ. कोकोरिनोव (1726-1772) ने शैक्षिक उद्देश्यों के लिए कला अकादमी (1764-1788) की एक विशाल इमारत बनाई। मास्को में अनाथालय का एक व्यापक भवन बनाया गया था। उनके समाधान की सामान्य योजनाओं में, अभी भी कई पूर्व महल भवन हैं, लेकिन साथ ही, आर्किटेक्ट्स ने साहसपूर्वक नई तकनीकों का विकास किया, सुविधाजनक, तर्कसंगत योजनाएं बनाईं। इन इमारतों के बाहरी स्वरूप को भी एक अलग तरीके से हल किया जाता है - सख्त और सरल रूपों में।

सादगी और संयम भी इस समय की अन्य संरचनाओं की विशेषता है। सेंट पीटर्सबर्ग के मध्य भाग में आर्किटेक्ट ए। रिनाल्डी (सी। 1710-1785) द्वारा निर्मित मार्बल पैलेस (1768-1785) सांकेतिक है; इसके पहलुओं को स्पष्ट संरचना और सामंजस्यपूर्ण अनुपात द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है।

1760 के इन कार्यों में जो रेखांकित किया गया था, उसे बाद में उस समय के प्रमुख वास्तुकारों - बाज़ेनोव, काज़ाकोव, स्टारोव के काम में एक विशेष रूप से विशद और सुसंगत प्रकटीकरण प्राप्त हुआ।

वासिली पेट्रोविच बाझेनोव (1737-1799) एक प्रतिभाशाली रूसी वास्तुकार थे। 1767-1792 में। मास्को में काम किया, जिसके साथ उनकी सबसे बड़ी इमारतें और परियोजनाएँ जुड़ी हुई हैं। उनमें से एक विशेष रूप से प्रमुख स्थान क्रेमलिन पैलेस की परियोजना और मास्को के पास ज़ारित्सिन में निर्माण का है।

Tsaritsyno में पहनावा के निर्माण में, उन्होंने साहसपूर्वक और एक नए तरीके से उन्हें सौंपे गए कार्य के लिए संपर्क किया। सदी के मध्य के महल की इमारतों के विपरीत, उन्होंने यहां एक सुरम्य परिदृश्य पार्क बनाया जिसमें छोटे मंडप रखे गए थे। Bazhenov . की इमारतों से विशेष अर्थपश्कोव हाउस है - 18 वीं शताब्दी की सबसे खूबसूरत इमारत। मास्को में। वास्तुकार ने साइट की राहत का अच्छा उपयोग किया और क्रेमलिन के तत्काल आसपास के स्थान को ध्यान में रखा। उनकी रचनाएँ रचनाओं की निर्भीकता, विचारों की विविधता, पश्चिमी और रूसी शैलियों के संयोजन के लिए उल्लेखनीय हैं।

माटवे फेडोरोविच काज़ाकोव (1738-1812) का नाम भी गौरवान्वित है, जो मास्को में शहर के घरों के प्रकार विकसित हुए और सार्वजनिक भवन. पहली उत्कृष्ट इमारतों में से एक मास्को क्रेमलिन में सीनेट की इमारत थी। काज़कोव ने पूरी तरह से ध्यान में रखा और निर्माण के लिए आवंटित त्रिकोणीय साइट की सुविधाओं का उपयोग किया और एक इमारत बनाई जिसमें सामान्य रूप और संरचना की भव्यता की स्मारकता को उस समय के लिए असामान्य योजना की सुविधा और समीचीनता के साथ व्यवस्थित रूप से जोड़ा जाता है। भविष्य में, काज़ाकोव ने मॉस्को में कई अलग-अलग इमारतों का निर्माण किया, जिसमें मॉस्को विश्वविद्यालय, गोलित्सिन अस्पताल, पेट्रोवस्की पैलेस, छद्म-गॉथिक शैली में बनाया गया, कॉलम के शानदार हॉल में नोबिलिटी असेंबली। काज़कोव ने मास्को के मास्टर प्लान के निर्माण की देखरेख की, स्कूल ऑफ आर्किटेक्चर का आयोजन किया।

इवान एगोरोविच स्टारोव (1745-1808) - सबसे बड़े आर्किटेक्ट्स में से एक। उन्होंने विभिन्न शहरों के लिए बहुत कुछ डिजाइन किया, लेकिन उनकी सबसे महत्वपूर्ण इमारतें सेंट पीटर्सबर्ग में हैं। उनमें से सबसे बड़ा टॉराइड पैलेस (1783-1789) है। क्रीमिया के रूस में विलय के अवसर पर समारोहों से जुड़े बड़े उत्सवों और स्वागतों के लिए महल का इरादा था। यह महल में औपचारिक हॉल की उपस्थिति के कारण भी है। चौड़ाई और दायरे के मामले में, गंभीरता और एक ही समय में गंभीरता के मामले में, टॉराइड पैलेस उस समय की सबसे महत्वपूर्ण इमारतों में से एक था।

इस समय, संपत्ति निर्माण में क्लासिकवाद विशेष रूप से स्पष्ट था, जो कि स्तंभों के साथ एक आरामदायक और सुरुचिपूर्ण घर था जो रूसी परिदृश्य में अच्छी तरह फिट बैठता था।

क्लासिकवाद का मुख्य मूल्य पहनावा है, अंतरिक्ष का संगठन: सख्त समरूपता, सीधी रेखाएं, स्तंभों की सीधी पंक्तियाँ। एक ज्वलंत उदाहरण सेंट पीटर्सबर्ग में वास्तुकार कार्ल इवानोविच रॉसी (1775-1849) का पैलेस स्क्वायर है। वर्ग एक चिकना चाप है जिसमें जनरल स्टाफ भवन के दोहरे मेहराब को बंद कर दिया गया है, वर्ग के बीच में उच्च अलेक्जेंडर कॉलम और विंटर पैलेस का बारोक मुखौटा है। 1829-1834 में। रूस ने सीनेट स्क्वायर का गठन पूरा किया। अपने विशाल दायरे, स्थानिक संरचना की स्पष्टता, विविधता और जैविक समाधानों से विशिष्ट, रॉसी पहनावा क्लासिकवाद युग की शहरी नियोजन कला का शिखर है।

XVIII सदी की वास्तुकला के विकास की मुख्य विशेषता। - रचनात्मक-आलंकारिक साधनों में सुधार और जटिलता। वास्तुकला के विकास की "बारोक" रेखा के समानांतर, एक अधिक सख्त, शास्त्रीय कल्पना पर केंद्रित एक दिशा थी और क्लासिकवाद के उत्कर्ष को तैयार किया।

क्लासिकवाद वास्तुकला की विशिष्टता बारोक वास्तुकला के साथ इसकी आलंकारिक संरचना की तुलना में प्रकट होती है: रास्त्रेली, चेवाकिंस्की, अर्गुनोव की रचनाओं की जटिलता और विलासिता नई शैली की स्पष्टता और सादगी का विरोध करती है। रूस में क्लासिकवाद को पिछली अवधि की वास्तुकला की काफी कुछ विशेषताएं विरासत में मिलीं। 1760 के दशक की शुरुआत में रूस में स्वाद वरीयताओं में बदलाव स्वाभाविक था। यह उस समय रूस में हो रहे सामाजिक-सांस्कृतिक परिवर्तनों को दर्शाता है। पीटर द ग्रेट द्वारा शुरू की गई अवधि की वास्तुकला के इतिहास को पूरा करते हुए, क्लासिकवाद के युग ने एक नए मोड़ का मार्ग प्रशस्त किया।

XVIII सदी के उत्तरार्ध की वास्तुकला के विकास में एक महत्वपूर्ण स्थान। साम्राज्य के शहरीकरण की शुरुआत से कब्जा कर लिया। 1763 के डिक्री में भी योगदान दिया। "सभी शहरों, उनकी सड़कों और इमारतों के लिए विशेष रूप से प्रत्येक प्रांत के लिए विशेष योजनाएँ बनाने पर।" शहरों का परिवर्तन शुरू हुआ, जो एक स्वतंत्र, सामंजस्यपूर्ण रूप से विनियमित परिसर के रूप में शहर के विचार के अनुरूप था।

क्लासिकिज्म युग के सार्वजनिक भवनों और बड़े इंजीनियरिंग ढांचे को राज्य के आदेश के हिस्से के रूप में बनाया जा रहा है। राज्य शहर-नियोजन परिवर्तनों के प्रभारी भी थे: सीनेट द्वारा प्रमुख परियोजनाओं को मंजूरी दी गई थी, चर्च निर्माण धर्मसभा के प्रभारी थे, और अंतिम निर्णय सम्राट का था।

शाही परिवार के व्यक्तिगत आदेश पर विशाल निर्माण किया गया - महलों, सम्पदाओं, संग्रहालयों।

क्लासिकिज्म के विकास के लिए एक सामान्य सशर्त योजना है। अपने विकास के शुरुआती चरणों में, शास्त्रीय वास्तुकला अभी तक बारोक के प्रभाव से मुक्त नहीं थी, ए। रिनाल्डी या वी। बाझेनोव जैसे उस्तादों के कार्यों में व्यक्तिगत तत्वों और रूपों की रूपरेखा में अच्छी तरह से पहचानी जा सकती थी। बारोक के प्रभाव से मुक्त, वास्तुकला की भाषा सख्त, संक्षिप्त, आदेश नियमों की ओर अग्रसर हो जाती है; इसका उपयोग I. Starov, N. Lvov, D. Querenghi, M. Kazakov जैसे उस्तादों द्वारा किया जाता है। शैली के विकास के दोनों चरण कैथरीन II के शासनकाल के वर्षों में आते हैं।

रूस की ललित कला

18वीं शताब्दी रूसी संस्कृति के विकास में एक महत्वपूर्ण मील का पत्थर है। पीटर I के सुधारों ने समाज के सभी क्षेत्रों और रूसी राज्य के जीवन के सभी पहलुओं को प्रभावित किया। शहर और उपनगरीय शाही निवास, कुलीनता के महलों को गोल चित्रफलक मूर्तिकला, सजावटी प्लास्टिक और पोर्ट्रेट बस्ट से सजाया जाने लगा। घरेलू स्कूल के कर्मियों के गठन की प्रतीक्षा किए बिना, पीटर ने विदेश में खरीदने का आदेश दिया प्राचीन मूर्तियांऔर आधुनिक मूर्तिकला के काम करता है। मूर्तिकला की कला का अध्ययन करने के लिए रूसी युवा यूरोप गए।

में जल्दी XVIIIमें। स्मारकीय-सजावटी प्लास्टिक कला विशेष रूप से व्यापक थी। इस समय, अक्सर उच्च राहत का सामना करना पड़ता है, और एक जिसमें यह पृष्ठभूमि से प्लास्टिक की मात्रा की एक मजबूत टुकड़ी की अनुमति देता है। उन मामलों में जब स्वामी ने एक आधार-राहत बनाई, उन्होंने स्वेच्छा से तथाकथित सचित्र राहत के प्रकार का उपयोग किया, जिसमें, चित्रों के रूप में, वैकल्पिक रूप से योजना बनाई जाती है, वस्तुओं की एक परिप्रेक्ष्य कमी प्रसारित होती है, और परिदृश्य तत्वों का उपयोग किया जाता है। विशुद्ध रूप से सजावटी रचनाएँ सबसे अधिक योजनाबद्ध तरीके से हल की जाती हैं।

यह सब मास्को में डबरोवित्स्काया चर्च (1690-1704) और मेन्शिकोव टॉवर (1701-1707) की मूर्तिकला सजावट के उदाहरण पर देखा जा सकता है, 1718 में निष्पादित पीटरहॉफ के महान महलों में पीटर के कार्यालय की सुरुचिपूर्ण नक्काशीदार सजावट। -1721. निकोला पिनो, सेंट पीटर्सबर्ग (1710-1714) में समर पैलेस की दीवारों पर बेस-रिलीफ, उत्तरी युद्ध की घटनाओं को अलंकारिक रूप से दर्शाती है। उनके लेखक, उत्कृष्ट जर्मन मूर्तिकार और वास्तुकार एंड्रियास श्लुटर, सेंट पीटर्सबर्ग में आने के छह महीने बाद ही मर गए और स्वाभाविक रूप से, इस अवधि के दौरान और कुछ भी बनाने का समय नहीं था।

मूर्तिकला का एक अजीबोगरीब खंड, विशेष रूप से सजावटी प्लास्टिक कला में, लकड़ी के आइकोस्टेसिस, वेदी वेस्टिब्यूल आदि की नक्काशी है। विशेष रूप से उल्लेखनीय इवान पेट्रोविच ज़रुडनी के काम हैं, जो इसके अलावा, चित्रकला और वास्तुकला में लगे हुए थे।

सजावटी प्लास्टिक के क्षेत्र में उपलब्धियों के साथ, मूर्तिकला लघुचित्रों के विकास में गंभीर सफलताओं की योजना है। 40 के दशक में, प्रसिद्ध रूसी वैज्ञानिक डी.आई. विनोग्रादोव के प्रयासों के लिए धन्यवाद, एम.वी. लोमोनोसोव के एक मित्र, सेंट पीटर्सबर्ग में एक चीनी मिट्टी के बरतन कारखाने की स्थापना की गई थी, जो घटना के समय के मामले में यूरोप में तीसरा था। 1766 में गार्डनर की निजी फैक्ट्री मास्को के पास वर्बिल्की में खुलती है। इन कारखानों ने क्रॉकरी, स्नफ़बॉक्स और अन्य घरेलू सामानों के साथ-साथ बढ़िया प्लास्टिक कला के काम भी किए, जिन्होंने लालित्य के साथ ध्यान आकर्षित किया।

सदी के मध्य की रूसी संस्कृति में एक असाधारण योगदान मिखाइल वासिलीविच लोमोनोसोव द्वारा किया गया था, जिन्होंने मोज़ेक की कला को पुनर्जीवित किया, जिसे किवन रस के उस्तादों द्वारा भी जाना जाता है। स्माल्ट बनाने के रहस्य - विभिन्न रंगों के रंगीन कांच के द्रव्यमान - को पश्चिमी यूरोप में सख्त गोपनीयता में रखा गया था। स्माल्ट प्राप्त करने के लिए, लोमोनोसोव को उनके उत्पादन के लिए तकनीक और तकनीक विकसित करनी पड़ी। कांच के रंगों का सबसे अमीर "पैलेट", 18 वीं शताब्दी में प्रसिद्ध रंगों की ताकत और सुंदरता से नीच नहीं है। इतालवी स्माल्ट, चार हजार से अधिक प्रयोगात्मक पिघलने के बाद सेंट पीटर्सबर्ग के पास उस्त-रुदित्सा में एक कारखाने में एक वैज्ञानिक द्वारा प्राप्त किया गया था। 1758 में एमवी लोमोनोसोव ने अपनी पहल पर सीनेट द्वारा आयोजित प्रतियोगिता के लिए प्रस्तुत किया, पीटर I को पीटर और पॉल कैथेड्रल में स्मारक की परियोजना, जहां सम्राट को दफनाया गया है।

अपनी शक्तियों और क्षमताओं के उपयोग के पर्याप्त अवसरों ने बड़ी संख्या में विदेशी कलाकारों, मूर्तिकारों, वास्तुकारों आदि को रूस की ओर आकर्षित किया। कई उत्कृष्ट विदेशी आचार्यों ने रूसी कला के इतिहास में प्रवेश किया, रूस के कलात्मक जीवन में भाग लिया और यहां शैक्षणिक गतिविधियों में संलग्न हुए।

अठारहवीं शताब्दी का दूसरा भाग - मूर्तिकला के उच्च उदय की अवधि। इसके सभी मुख्य प्रकार विकसित हो रहे हैं: राहत, मूर्ति, पोर्ट्रेट बस्ट, स्मारकीय और सजावटी लोगों के साथ, चित्रफलक के काम भी पसंदीदा बन रहे हैं।

इस समय, नायाब स्वामी मनोवैज्ञानिक चित्रफ्रांसीसी हौडॉन और फेडोट इवानोविच शुबिन, एक चित्र मूर्तिकार, पर विचार किया गया था। उन्हें कई कांस्य प्रतिमाओं के निर्माता के रूप में भी जाना जाता है। लेकिन शुबीन ने खुद को पूरी तरह से संगमरमर के कामों में व्यक्त किया। संगमरमर के प्रसंस्करण में, उन्होंने बहुत कौशल दिखाया, पोशाक के भारी और हल्के कपड़े, फीता के लसी फोम, बालों और विग की मुलायम किस्में, लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के चेहरे की अभिव्यक्ति के लिए विभिन्न और ठोस तकनीकों को खोजना , उम्र, लिंग और अन्य विशेषताओं के आधार पर।

शुबीन बस्ट का मास्टर था। अपने समाधानों में खुद को कभी नहीं दोहराते हुए, उन्होंने हर बार एक अजीबोगरीब रचना और एक विशेष लयबद्ध पैटर्न दोनों को पाया, जो बाहरी उपकरण से नहीं, बल्कि चित्रित व्यक्ति की आंतरिक सामग्री से आया था। शुबीन ने अपने कार्यों के साथ, मानव व्यक्तित्व के मूल्य की पुष्टि की, कुशलता से चरित्र की असंगति दिखाते हुए और विस्तृत सटीकता के साथ चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की उपस्थिति को पुन: प्रस्तुत किया। एक उदाहरण फील्ड मार्शल जेडजी चेर्नशेव (1774) की संगमरमर की मूर्ति है, जिन्होंने 1760 में कब्जा कर लिया था, जिन्होंने रूसी सैनिकों का नेतृत्व किया था। बर्लिन। यह एक रईस का नहीं, बल्कि एक सैन्य नेता का चित्र है।

1774-1775 में। शुबीन ने ऐतिहासिक चित्रों का एक बड़ा और मूल चक्र बनाया। ये अट्ठाईस अंडाकार संगमरमर की राहतें हैं जो सेंट पीटर्सबर्ग में चेसमे पैलेस को सुशोभित करती हैं, और बाद में मॉस्को क्रेमलिन के शस्त्रागार में स्थानांतरित कर दी गईं। राहतें महान राजकुमारों, राजाओं और सम्राटों की आधी लंबाई की छवियां हैं, जो पौराणिक रुरिक से शुरू होती हैं और एलिसैवेटा पेत्रोव्ना के साथ समाप्त होती हैं।

प्रकृति से चित्रण शुबीन के लिए रचनात्मकता की मुख्य रेखा बना रहा। वर्षों से, परिवेश की भावना बढ़ गई है। अपने मॉडलों को करीब से देखते हुए, कलाकार अपनी उपस्थिति की अनूठी विशेषताओं वाले व्यक्ति को चित्रित करने का प्रयास करता है। शुबिन को बाहरी रूप से विवेकपूर्ण और आदर्श विशेषताओं से दूर, मौलिकता का आकर्षण और लगभग विचित्र उभरी हुई आँखें और उलटी नाक, अनाड़ी चेहरे, भारी मांसल ठुड्डी में सार्थक और गहरा लगता है। यह सब एक बार फिर चित्रित की व्यक्तित्व पर जोर देता है। मूर्तिकार के काम की यह विशेषता अज्ञात और एम.आर. पनीना की प्रतिमाओं में दिखाई दी। छवि की प्रामाणिकता और प्रेरकता पी.वी. ज़ावाडस्की के प्लास्टर बस्ट में प्रकट हुई थी, कैथरीन II के विदेश मामलों के मंत्री ए.ए. बेजबोरोडको, एडमिरल वी.वाईए के संगमरमर के बस्ट में। इस संबंध में संकेतक आई.आई. बेट्स्की का प्लास्टर बस्ट है - सितारों के साथ वर्दी में एक पुराना, दांतहीन, पतला बूढ़ा आदमी। शुबिन का एक और बाद का काम पॉल I की एक प्रतिमा है, जो विशेष रूप से कांस्य संस्करणों में सफल रहा। सम्राट के अस्वस्थ चेहरे की विशेषताओं की विचित्रता, जैसा कि यह थी, शानदार ढंग से व्यवस्थित और फिलाग्री से तैयार सामान - आदेश, धर्म और लबादे की कलात्मक पूर्णता द्वारा मुआवजा दिया गया था।

शुबीन की उत्कृष्ट प्रतिभा उस युग से अविभाज्य है जिसमें उसने आकार लिया और फला-फूला। उनके कार्यों में, यथार्थवाद को क्लासिकवाद के प्रारंभिक चरण के साथ जोड़ा जाता है। यह विशेष रूप से कैथरीन II के चित्रों में स्पष्ट है।

पीटरहॉफ में ग्रैंड कैस्केड के लिए, शुबिन ने पेंडोरा की एक कांस्य प्रतिमा बनाई, जो शास्त्रीय रूपों में बनी हुई है, इसे सफलतापूर्वक पूरे बगीचे और पार्क के पहनावे में फिट किया गया है।

रूसी आकाओं के साथ, मूर्तिकार एटिने-मौरिस फाल्कोन ने रूसी प्रभाव की महिमा में बहुत योगदान दिया। 1766 में फाल्कोन, अपने युवा छात्र मैरी-ऐनी कोलो के साथ, कैथरीन द्वितीय के निमंत्रण पर रूस आता है। यात्रा का उद्देश्य पीटर आई के लिए एक स्मारक बनाना है। मूर्तिकार बारह वर्षों से सेंट पीटर्सबर्ग में काम कर रहा है। स्मारक का मूल स्केच 1765 में फ्रांस में बनाया गया था। सेंट पीटर्सबर्ग में बसने के बाद, फाल्कोन ने काम करना शुरू कर दिया और 1770 तक। समाप्त जीवन आकार मॉडल। स्मारक की स्थापना के स्थान पर एक पत्थर की चट्टान को आंशिक रूप से काटने के बाद लगभग 80,000 पाउंड वजन दिया गया था। 1775-1777 में। एक कांस्य प्रतिमा की ढलाई हुई थी, स्मारक का उद्घाटन 1782 में हुआ था।

घोड़े की गति, मुद्रा, हावभाव और सवार के कपड़े की पूर्ण स्वाभाविकता के साथ - वे प्रतीकात्मक हैं। चट्टान के किनारे पर एक शक्तिशाली हाथ के बल द्वारा उठाए गए घोड़े ऐसे हैं, चट्टान एक लहर में ऊपर उठती है और शिखर पर सवार को उठाती है, पीटर की पोशाक का अमूर्त चरित्र, जानवरों की खाल जिस पर वह बैठता है। एकमात्र अलंकारिक तत्व - एक सांप अपने खुरों के नीचे रौंदता है - बुराई पर काबू पाने का प्रतीक है। यह विवरण रचनात्मक अर्थों में भी महत्वपूर्ण है, क्योंकि यह समर्थन के तीसरे बिंदु के रूप में कार्य करता है। रचना विभिन्न बिंदुओं से धारणा की संभावना को खोलती है। इसके लिए धन्यवाद, घोड़े और सवार की गति का तर्क - पथ की तीव्रता और विजयी अंत - स्पष्ट हो जाता है। अनर्गल टेक-ऑफ और तात्कालिक पड़ाव, आंदोलन की स्वतंत्रता और मजबूत इरादों वाली शुरुआत के जटिल विरोध से आलंकारिक संरचना के सामंजस्य का उल्लंघन नहीं होता है। कांस्य घुड़सवार नेवा पर शहर का प्रतीक बन गया।

70 के दशक से शुरू होकर, F.G. Gordeev, M.I. Kozlovsky, F.F. Shchedrin, I.P. Martos, I.P. Prokofiev जैसे स्वामी, जिनका काम युग से बहुत आगे निकल जाता है। मुख्य भूमिकाउनकी परवरिश कला अकादमी से संबंधित है।

XVIII सदी के मूर्तिकारों की पुरानी पीढ़ी के लिए। फेडर गोर्डीविच गोर्डीव को संदर्भित करता है। गोर्डीव ने स्मारक प्लास्टिक में खुद को सबसे स्पष्ट रूप से दिखाया। एन.एम. गोलित्सिना (1780) का आधार-राहत मकबरा इसके प्रारंभिक उदाहरणों से संबंधित है। क्लासिकवाद की विशेषताएं ओस्टैंकिनो पैलेस के पहलुओं और अंदरूनी हिस्सों के लिए आधार-राहत की एक श्रृंखला में सबसे अधिक स्पष्ट हैं: "ज़ीउस के लिए बलिदान", "बलिदान के लिए बलिदान", "कामदेव और मानस की शादी की ट्रेन", आदि। इन फ्रिज़ में गोर्डीव शास्त्रीय ग्रीस के प्लास्टिक में मौजूद राहत की समझ का पालन करते हैं। एक सचित्र-स्थानिक चरित्र के प्रभावों को नकारते हुए, वह महान कौशल के साथ कम राहत के रूप को एक तटस्थ पृष्ठभूमि के विमान पर एक सुरुचिपूर्ण लय में तैनात करता है।

मूर्तिकार के देर से किए गए कार्यों में कज़ान कैथेड्रल के लिए राहतें शामिल हैं। इस इमारत ने रूसी कला के विकास में एक नए चरण की शुरुआत की, वास्तुकला और स्मारकीय और सजावटी प्लास्टिक के बीच संबंधों की एक अलग समझ।

मिखाइल इवानोविच कोज़लोवस्की मुख्य रूप से 18 वीं शताब्दी के 90 के दशक में प्रसिद्ध हुए, जब एक क्लासिकिस्ट के रूप में उनकी प्रतिभा फली-फूली। उनका काम ज्ञानोदय, उदात्त मानवतावाद और विशद भावुकता के विचारों से ओत-प्रोत है।

मूर्तिकार मार्बल पैलेस के लिए स्मारकीय आधार-राहत पर काम कर रहा है। संगमरमर की मूर्तियां "अलेक्जेंडर द ग्रेट के विजिल्स" और "याकोव डोलगोरुकी" इस कला के अद्भुत उदाहरण हैं।

कोज़लोवस्की की सर्वोच्च कलात्मक उपलब्धि सेंट पीटर्सबर्ग (1799-1801) में ए.वी. सुवोरोव के लिए उनका स्मारक है। स्मारक में मूल के समान कोई चित्र नहीं है, लेकिन कोज़लोवस्की द्वारा बनाई गई छवि में महान कमांडर के साथ समानताएं हैं। एक योद्धा की सर्व-विजेता ऊर्जा, दृढ़ संकल्प और साहस, एक सेनापति का ज्ञान और आंतरिक बड़प्पन, जैसा कि वह था, पूरे आंकड़े को भीतर से रोशन करता है।

XVIII सदी के अंत में। पीटरहॉफ फव्वारों के समूह के पुनर्निर्माण और जीर्ण-शीर्ण सीसा प्रतिमाओं को नए लोगों के साथ बदलने पर काम शुरू हुआ। कोज़लोवस्की को सबसे जिम्मेदार और सम्मानजनक कार्य दिया गया है: केंद्रीय मूर्तिकला रचना को तराशना। ग्रैंड कैस्केड, सैमसन की आकृति। एक मजबूत आंदोलन में प्रेषित, हरक्यूलिस की मूर्तियों और माइकल एंजेलो की टाइटैनिक छवियों की याद ताजा करती है, सैमसन की शक्तिशाली आकृति ने रूसी हथियारों की दुर्जेय शक्ति का प्रतिनिधित्व किया।

कोज़लोवस्की का साथी थियोडोसियस (फेडोस) फेडोरोविच शेड्रिन था। एक पूर्ण कला के रूप में शास्त्रीयतावाद मजबूत भावनाओंऔर उग्र आवेगों, हार्मोनिक अनुपातों और विचारों की उच्च उड़ान ने उनके काम में अपनी शानदार अभिव्यक्ति पाई।

सेंट पीटर्सबर्ग के उत्कृष्ट स्थापत्य और कलात्मक पहनावा शेड्रिन के नाम से जुड़े हैं - पीटरहॉफ में एडमिरल्टी और ग्रैंड कैस्केड। कैस्केड के लिए, उन्होंने एक हल्के, प्राकृतिक आंदोलन में दिए गए रूपक आकृति "नेवा" को गढ़ा। एडमिरल्टी के लिए शेड्रिन द्वारा किए गए मूर्तिकला कार्यों में, मुख्य विषय रूस की नौसैनिक शक्ति का दावा था। इस मूर्तिकला पोशाक में सबसे प्रमुख "सी निफास" थे - एडमिरल्टी के मुख्य द्वार को तैयार करने वाले दो समूह; तीन महिला आकृतियों में से प्रत्येक आकाशीय क्षेत्र का समर्थन करती है।

गोर्डीव, मार्टोस, प्रोकोफिव और चित्रकारों बोरोविकोवस्की, ईगोरोव और शेबुएव के साथ, शेड्रिन ने कज़ान कैथेड्रल को सजाने पर काम किया।

इवान पेट्रोविच मार्टोस कोज़लोवस्की और शेड्रिन के समान पीढ़ी के थे। अपनी प्रतिभा के बल पर, अपनी रचनात्मक रेंज की बहुमुखी प्रतिभा और पेशेवर कौशल से, I.P. मार्टोस सबसे बड़े रूसी मूर्तिकारों में से एक है। उन्होंने 19वीं शताब्दी में अपने सबसे महत्वपूर्ण कार्यों का निर्माण किया। विशेषणिक विशेषताएंउनके काम थे नागरिक पथ, कठोरता की इच्छा और प्लास्टिक के रूप की स्पष्टता का पीछा, क्लासिकवाद की विशेषता।

18 वीं शताब्दी के 80-90 के दशक में मार्टोस द्वारा बनाए गए मकबरे कोमल गीतों और दुख की अभिव्यक्तियों से भरे हुए हैं। एम.पी. सोबकिना, पी.ए. ब्रायस, एन.आई. पैनिन की कब्रें सबसे उत्तम कृतियाँ हैं, जिनमें जुनून, लालित्य और राजसी शांति है। मजबूत नाटकीय भावनाओं के साथ संयुक्त गीतवाद ने ई.एस. कुराकिना के स्मारक को चिह्नित किया।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रूसी स्मारक मूर्तिकला के विकास में मार्टोस के सर्वश्रेष्ठ मकबरे एक प्रमुख स्थान पर हैं, जो छवियों की एक विस्तृत श्रृंखला और दुर्लभ कलात्मक पूर्णता से प्रतिष्ठित हैं।

मार्टोस के काम में पोर्ट्रेट काम ने अपेक्षाकृत माध्यमिक स्थान पर कब्जा कर लिया। फिर भी, मूर्तिकार ने इस शैली में भी अद्भुत रचनाएँ कीं। इसका प्रमाण, विशेष रूप से, एन.आई. पैनिन (1782) और ए.वी. पनीना (1782) और अन्य चित्रों की संगमरमर की प्रतिमाओं से मिलता है।

XVIII सदी के अंत में। मार्टोस ने कैथरीन के सार्सकोय सेलो पैलेस के अंदरूनी हिस्सों में और 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में कई मूर्तिकला और सजावटी कार्य किए। - पीटरहॉफ के ग्रेट कैस्केड के पहनावे के लिए एक्टन की एक मूर्ति।

मार्टोस का नवीनतम स्मारकीय कार्य आर्कान्जेस्क के लिए एमवी लोमोनोसोव का एक स्मारक है।

XVIII सदी के उत्कृष्ट रूसी मूर्तिकारों की आकाशगंगा में सबसे छोटा। इवान प्रोकोफिविच प्रोकोफिव था। वह एक्टन प्रतिमा (1784) के मालिक हैं, जिसमें एक युवा नग्न आकृति के मजबूत और हल्के आंदोलन को बड़े कौशल के साथ व्यक्त किया जाता है। प्रोकोफ़िएव ने मानव शरीर की अपनी व्याख्या में लगातार एक कामुक कोमलता बनाए रखी। Prokofiev के कार्यों में एक सुखद जीवन का tonality है।

यह कला अकादमी (1785-1786), I.I. 1819-1820 के घर की मुख्य सीढ़ी को सजाने वाले प्लास्टर राहत की एक विस्तृत श्रृंखला में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था। मूल रूप से, वे विभिन्न प्रकार की कलात्मक रचना के जटिल रूपक का प्रतिनिधित्व करते हैं। यहाँ "किफ़ारेड एंड द थ्री मोस्ट नोबल आर्ट्स", मूर्तिकला, पेंटिंग आदि के लिए समर्पित रूपक। प्रोकोफ़िएव बच्चों को चित्रित करने में अच्छा था; उस ने उन्हें बहुत सजीव और बड़े अनुग्रह से दिया। कभी-कभी ये मूर्तियाँ ऐसी अवधारणाओं को व्यक्त करती हैं जो प्लास्टिक के कार्यान्वयन के लिए कठिन होती हैं, जैसे "गणित" या "भौतिकी"।

प्रोकोफिव एक महत्वपूर्ण चित्रकार भी थे। ए.एफ. की दो खूबसूरत टेराकोटा प्रतिमाएं और ए.ई. लैब्ज़िन्स। छवियों की व्याख्या की सादगी और अंतरंगता के संदर्भ में, ये कार्य 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के रूसी उस्तादों के सुरम्य चित्रों से संबंधित हैं। - प्रारंभिक XIXसदियों

रूसी प्रांतों में, इसकी संरचना और विशेषताओं में मूर्तिकला सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को के प्लास्टिक से भिन्न था। अभिजात वर्ग के सम्पदा में, कभी-कभी ही प्रसिद्ध महानगरीय स्वामी के काम होते थे। काम का बड़ा हिस्सा स्थानीय मूर्तिकारों का था, ज्यादातर लकड़ी के नक्काशी करने वाले, और, एक नियम के रूप में, एक स्पष्ट रूप से सजावटी चरित्र (वास्तुशिल्प विवरण, आइकोस्टेसिस नक्काशी) था। पुष्प आभूषण, गिल्डिंग और नक्काशीदार लकड़ी के चमकीले रंगों के रूपांकनों का बहुतायत से उपयोग किया गया था। कई संग्रहालयों में धार्मिक प्रकृति की एक गोल मूर्ति है: "क्राइस्ट इन जेल", "क्रूसीफ़िकेशन", आदि विषयों पर मूर्तियों के कई संस्करण। उनमें से कुछ, 18 वीं शताब्दी में वापस डेटिंग, एक आदिम प्रकृति के हैं, शैलीगत रूप से रूसी कलात्मक संस्कृति की सबसे प्राचीन परतों में वापस डेटिंग करते हैं। अठारहवीं शताब्दी के अन्य कार्य, पहले से ही 18 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के पेशेवर मूर्तिकारों के कार्यों से परिचित होने की बात करते हैं। या यहां तक ​​​​कि प्रारंभिक क्लासिकवाद।

ललित लोककथाओं के स्मारक बहुत रुचि और सौंदर्य मूल्य के हैं। ये रूसी किसानों (नक्काशीदार लकड़ी के सामान, चीनी मिट्टी की चीज़ें, खिलौने, आदि) के प्लास्टिक रूप से डिज़ाइन किए गए घरेलू सामान हैं।

18 वीं सदी - यह चित्रांकन का दिन है। रूसी चित्रकला की कलात्मक रेखा ने अपनी मौलिकता बरकरार रखी, लेकिन साथ ही साथ सर्वोत्तम पश्चिमी परंपराओं को भी माना।

आइकन पेंटिंग के पारंपरिक तरीकों के बजाय, दृश्यमान दुनिया के सच्चे चित्रण के नियम व्यवहार में आए। 18 वीं शताब्दी की शुरुआत की कला। एक आम यूरोपीय सचित्र भाषा बोलने की मांग की।

उन वर्षों में कला और रूस के जीवन के बीच संबंध का एक उदाहरण उत्कीर्णन है, जो सबसे आम प्रकार की कला है जो कि होने वाली घटनाओं पर सबसे तेज़ी से प्रतिक्रिया करती है। वे पुस्तकों के डिजाइन और चित्रण और स्वतंत्र, लगभग चित्रफलक शीट द्वारा दर्शाए जाते हैं। उत्कीर्णन पर युद्ध के दृश्यों और शहरी परिदृश्य का प्रभुत्व था, जो सैन्य घटनाओं और सेंट पीटर्सबर्ग के निर्माण से उत्पन्न हुआ था। अठारहवीं शताब्दी के अंतिम तीसरे का उत्कीर्णन। विभिन्न तकनीकों में भिन्न है। इस समय नक़्क़ाशी का विशेष रूप से बढ़िया उपयोग होता है। खुद को उकेरने वाले और अक्सर वास्तुकारों ने भी इस तकनीक का सहारा लिया।

उस समय की चित्रकला में सबसे पहले उन वर्गों का विकास होता है जिनमें तत्काल आवश्यकता होती है। सदी की शुरुआत की शब्दावली के अनुसार, ये "व्यक्ति" और "इतिहास" हैं। पहले सूचीबद्ध चित्र, दूसरे का मतलब काफी अलग काम था: लड़ाई, पौराणिक और रूपक रचनाएँ, सजावटी पैनल, धार्मिक चित्र। XVIII सदी की पहली तिमाही में। शैली विविधता की अवधारणा अभी आकार लेना शुरू कर रही है। ऐतिहासिक पेंटिंग ने भी अपना पहला कदम उठाया, लेकिन यह अभी भी प्राचीन रूसी लड़ाइयों की परंपराओं के साथ निकटता से जुड़ा हुआ था। पीटर को केंद्र में रखा गया था, सेनापति उसके चारों ओर खड़े थे, राजा का इशारा चलती सैनिकों की ओर था, जैसे कि उन्हें व्यवस्थित करना। जिस तरह पीटर द ग्रेट के समय में अभी भी कोई ऐतिहासिक विज्ञान नहीं था, और ऐतिहासिक ज्ञान ने वर्तमान की सेवा की, उसी तरह अभी भी काफी युवा ऐतिहासिक पेंटिंग ने जो हो रहा था उसकी महानता का महिमामंडन किया। एक अलग शैली के रूप में, ऐतिहासिक पेंटिंग ने 1750 के आसपास रूस में खुद को स्थापित किया और कला अकादमी के रचनात्मक अभ्यास से जुड़ा था।

XVIII सदी की शुरुआत के साथ। पेंटिंग में मुख्य स्थान पर एक धर्मनिरपेक्ष विषय पर तेल चित्रकला का कब्जा होने लगता है। चित्रफलक चित्रों में, कई स्मारकीय पैनल और प्लाफॉन्ड, लघुचित्र, और इसी तरह, सभी किस्मों में चित्रों को वरीयता दी जाती है: कक्ष, सामने; ऊंचाई में, छाती, डबल। 18 वीं शताब्दी के चित्र ने मनुष्य में एक असाधारण रुचि दिखाई, इसलिए रूसी कला की विशेषता।

अधिकांश प्रसिद्ध कलाकारपीटर का समय - इवान निकितिन (1690-1742) और आंद्रेई मतवेव (1701-1739) - रूसी धर्मनिरपेक्ष चित्रकला के संस्थापक।

निकितिन के शुरुआती चित्र, पीटर I की बहन राजकुमारी नताल्या अलेक्सेवना और उनकी भतीजी प्रस्कोव्या इवानोव्ना को दर्शाते हुए, पुष्टि करते हैं कि वह अपनी कला के लिए प्रसिद्ध थे, उन्हें मानद आदेश दिए गए थे।

इवान निकितिन के परिपक्व छिद्रों में दो उत्कृष्ट कृतियाँ शामिल हैं जिनका इस समय की रूसी चित्रकला में कोई समान नहीं है। उनमें से पहला एक सर्कल में पीटर I का एक चित्र है, जो अपनी अद्भुत अभिव्यक्ति और सादगी के लिए उल्लेखनीय है। रूसी चित्रकला में, और यहां तक ​​​​कि दुनिया में, एक निरंकुश शासक के व्यक्तित्व में इतनी गहरी पैठ नहीं मिल सकती है। एक दृढ़ नज़र, कसकर संकुचित होंठ, सिर का एक ऊर्जावान मोड़ पीटर के स्वभाव की शक्तिशाली इच्छा, जिज्ञासु मन, जुनून और रोष को प्रकट करता है।

उसी पंक्ति में सम्राट की छवि के साथ कलाकार का एक और चित्र है - "नेपोलियन हेटमैन"। चित्र को अपने समय के लिए दुर्लभ मनोवैज्ञानिक गहराई से अलग किया जाता है। हेटमैन की कठोर साहसी विशेषताओं में, पीटर के तूफानी परिवर्तनों और लड़ाइयों के युग की एक प्रतिध्वनि प्रतीत होती है।

निकितिन के काम ने उन रुझानों को भी प्रतिबिंबित किया जो मास्टर विदेश में मिले थे। बैरन एस.जी. स्ट्रोगनोव का उनका चित्र पश्चिमी यूरोपीय अदालत कला का विशिष्ट है, जो धीरे-धीरे रूस में फैल गया, इसके तरीकों और शोधन से। उसी समय, रूसी चित्रकला में एक पारंपरिक प्रवृत्ति थी जिसने परसुना के पुरातन प्रभाव को बरकरार रखा। एक उदाहरण एम.या. स्ट्रोगोनोवा का चित्र है, जिसे इवान निकितिन के भाई रोमन द्वारा चित्रित किया गया है, जो पीटर के पेंशनभोगियों में से एक भी है।

लेकिन निकितिन के काम में ऐसी विशेषताएं निर्णायक नहीं थीं; उन्होंने छवि की सत्यता की ओर रुख किया। सम्राट के अंतिम पूर्ण पैमाने के चित्र में - "पीटर I उनकी मृत्यु पर" लेखक ने न केवल मृतक ज़ार की छवि को व्यक्त किया, बल्कि उनके चेहरे और कपड़ों पर कई मोमबत्तियों की लौ का प्रतिबिंब भी दिया। कलाकार को लगने लगा था कि पीटर की मृत्यु के साथ रूस के इतिहास में वीरता का युग समाप्त हो गया।

आंद्रेई मतवेव रूसी चित्रकला में एक प्रमुख व्यक्ति थे। चित्रकार ने हॉलैंड में अध्ययन किया। मास्टर के जीवित कार्यों की अत्यंत कम संख्या में सबसे प्रसिद्ध "उनकी पत्नी इरिना स्टेपानोव्ना के साथ स्व-चित्र" है। वास्तव में, यह रूसी चित्रकला में कलाकार का पहला स्व-चित्र है।

XVIII सदी की पहली छमाही में। कई विदेशी कलाकारों ने रूस में काम किया। उनमें से कुछ ने रूस के कलात्मक जीवन में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

पीटर I द्वारा विदेशों से बुलाए गए चित्रकारों में, सबसे प्रमुख स्थान पर जोहान गॉटफ्रीड टैनौएर और लुई कारवाक का कब्जा था।

XVIII सदी की शुरुआत में विविध और समृद्ध। पोर्ट्रेट मिनिएचर, जिसमें प्राचीन रूस की पांडुलिपियों और पुस्तकों के लघुचित्रों की परंपरा और तामचीनी पर पेंटिंग की परंपरा का विकास होता है। इसके सबसे बड़े स्वामी एंड्री ओवसोव और ग्रिगोरी मुसिकिस्की थे।

अठारहवीं शताब्दी के रूसी कलाकारों में, विशेष रूप से दूसरी छमाही में, लोगों से कई लोग थे। महान चित्रकार फ्योडोर रोकोतोव कई मायनों में एक रहस्यमय व्यक्ति बने हुए हैं। गुरु के जीवन और उनके द्वारा चित्रित किए गए लोगों के बारे में बहुत कम जानकारी है। रूसी कला में यह एकमात्र मामला है जब सभी कलाकारों के कार्यों में से एक तिहाई से अधिक "अज्ञात लोगों के चित्र" हैं। अपेक्षाकृत हाल ही में, यह पता चला कि रोकोतोव राजकुमार रेपिन के सर्फ़ों से एक स्वतंत्र व्यक्ति था।

रोकोतोव ने सरल रचनाओं को प्राथमिकता दी। उदाहरण के लिए, उनके कई चित्रों में अर्ध-आकृतियों के चित्र हैं। लेखक ने सभी अनुभवों के केंद्र के रूप में मानवीय चेहरे पर ध्यान केंद्रित किया, यही वजह है कि 1770 के दशक में आयताकार से अंडाकार कैनवस में रोकोतोव का बाद का संक्रमण स्वाभाविक है। लेकिन कलाकार के लिए असली रचनात्मक तत्व अभी भी एक अंतरंग गीतात्मक चित्र था। यह उनके साथ है कि लेखक की सबसे बड़ी सफलताएँ जुड़ी हुई हैं। 1785 में रोकोतोव ने काउंटेस ई.वी. सेंटी का एक चित्र चित्रित किया, जिसे 80 के दशक में चित्रकला का शिखर माना जा सकता है। एक और उत्कृष्ट कृति वी.एन. सुरोत्सेवा। छवियों को हल करने में रंग का असाधारण महत्व है।

XVIII सदी के अंत तक। रोकोतोव की कला, लुप्त होती, बदल जाती है, और बाद के कार्यों को छवियों के संयम, क्लासिकिस्ट परंपराओं और विस्तार से निकटता द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है।

कला अकादमी ने रूसी कला में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इसे 1757 में सेंट पीटर्सबर्ग में खोला गया था। ज्यादातर कलाकारों का काम उनके काम से जुड़ा होता है।

एंटोन लोसेन्को अकादमी के पहले विद्यार्थियों में से एक हैं। उनका प्रसिद्ध कैनवास "व्लादिमीर और रोगनेडा" है। घटना के राष्ट्रीय स्वाद को व्यक्त करने की इच्छा क्लासिकवाद की परंपरा का पालन करने के साथ लॉसेंको की पेंटिंग में संयुक्त है: योद्धाओं के रूसी चेहरे, एक रूसी पोशाक में एक नौकर लड़की, और इसके बगल में एक मोज़ेक फर्श, कोने में एक प्राचीन फूलदान है , दीवारों पर पायलट। मुख्य पात्रों की वेशभूषा नाट्य है। सूचीबद्ध संकेत एक ओर, क्लासिकवाद के प्रभाव को दर्शाते हैं, और दूसरी ओर, रूसी भाषा का ज्ञान, जो उस समय के लिए अभी भी कमजोर था। प्राचीन इतिहासऔर संस्कृति। "व्लादिमीर और रोगनेडा" पहला महान रूसी ऐतिहासिक कार्य है। उनके लिए, कलाकार को शिक्षाविद और एसोसिएट प्रोफेसर की उपाधि मिली।

लोसेंको की पेंटिंग "फेयरवेल ऑफ हेक्टर टू एंड्रोमाचे" अधिक सुरम्य और स्पष्ट रूप से अभिव्यंजक है। होमेरिक युग की पौराणिक घटना का महिमामंडन करने वाला कैनवास नाटक और पथ-प्रदर्शक से ओत-प्रोत है।

लोसेंको के लिए ऐतिहासिक शैली केवल एक ही नहीं थी। अभिनेता एफजी वोल्कोव का चित्र - पहले रूसी सार्वजनिक रंगमंच के संस्थापक - को 1763 में मास्टर द्वारा चित्रित किया गया था। महान अभिनेता को उच्च त्रासदी के नायक के रूप में प्रस्तुत किया जाता है: एक तलवार, एक मुकुट और हाथों में एक मुखौटा के साथ। अपनी छवि में, लेखक ने उदात्त शुरुआत पर जोर दिया।

दिमित्री लेवित्स्की भी युग के एक उत्कृष्ट चित्रकार हैं। उन्होंने 1770 की प्रदर्शनी में अपनी ओर ध्यान आकर्षित किया। कला अकादमी के निदेशक और पहले रेक्टर, वास्तुकार ए.एफ. कोकोरिनोव का एक चित्र, जिसके लिए उन्हें शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया गया था। अपने शिल्प कौशल में शानदार, यह चित्र न केवल मास्टर के प्रमुख कार्यों में से एक है, बल्कि 18 वीं शताब्दी की पेंटिंग की उत्कृष्ट कृतियों में से एक है।

4 साल बाद, लेवित्स्की ने पीए डेमिडोव के चित्र को पूरा किया, जहां सामने की छवि की योजना को साहसपूर्वक बदल दिया गया था। रूस में सबसे अमीर आदमी, उरल्स में प्रसिद्ध कारखानों के मालिक, डेमिडोव को अप्रत्याशित रूप से एक फूलवाला के रूप में, दुर्लभ पौधों के प्रेमी के रूप में दिखाया गया है। वह फुल ड्रेस में नहीं है, बल्कि ड्रेसिंग गाउन में है, जिसके सिर पर नाइट कैप है। स्थिति की सादगी चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के मानवीय गुणों को प्रकट करती है: उसकी सौहार्द, मित्रता। डेमिडोव ने फ्रांसीसी प्रबुद्धता दार्शनिकों के विचारों को साझा किया। इसलिए, कलाकार अपने स्वभाव की मुख्य विशेषता - संरक्षक की उदारता को नहीं भूले हैं। बगीचे के पीछे, लेवित्स्की ने ब्रीडर की कीमत पर निर्मित मास्को में अनाथालय दिखाया।

1770 के दशक में, रचनात्मकता के उच्चतम फूल की अवधि के दौरान, लेवित्स्की ने बड़े कैनवस की एक श्रृंखला बनाई, जिस पर उन्होंने पहले, दूसरे और तीसरे संस्करणों के इंपीरियल एजुकेशनल सोसाइटी फॉर नोबल मेडेंस (स्मॉली इंस्टीट्यूट) के विद्यार्थियों को चित्रित किया। समाज के संस्थापक कैथरीन द्वितीय ने कलाकार को अपने पसंदीदा चित्रों को चित्रित करने के लिए नियुक्त किया।

1780 और 1790 के दशक में, लेवित्स्की ने महत्वपूर्ण संख्या में काम लिखे, जो उनके प्रदर्शन की कलात्मकता से प्रतिष्ठित थे, लेकिन पहले की तुलना में कम मनोवैज्ञानिक गहराई। काउंट एआई वोरोत्सोव की बेटियों के चित्रों की एक श्रृंखला कुछ अलग है, जो मास्टर की सर्वश्रेष्ठ कृतियों की याद दिलाती है। दिवंगत कलाकार के अधिकांश चित्रों को ठंडी तर्कसंगतता की मुहर द्वारा चिह्नित किया गया है।

लेवित्स्की के कार्यों ने उनके समकालीनों पर बहुत प्रभाव डाला। उनकी बड़ी पेंटिंग "कैथरीन II - न्याय की देवी के मंदिर में विधायक" की उपस्थिति से प्रेरित होकर, जीआर डेरझाविन ने प्रसिद्ध ओड "विज़न ऑफ़ मुर्ज़ा" की रचना की। लेवित्स्की की पेंटिंग विदेशों में उनके समकालीनों के लिए जानी जाती थी; मास्टर के कई काम पेरिस में लौवर में रखे गए हैं, और जिनेवा में डेनिस डाइडरोट का एक चित्र है।

18 वीं शताब्दी के रूसी चित्रकला में, ऐतिहासिक चित्रकला की शैलियों के सक्रिय विकास के बावजूद, अभी भी जीवन और परिदृश्य, चित्र प्रमुख बने रहे। इसकी परंपराओं को व्लादिमीर बोरोविकोवस्की द्वारा विकसित किया गया था, जिनके काम में औपचारिक और गीतात्मक प्रकृति दोनों के चित्र थे। माल्टा के आदेश के ग्रैंड मास्टर की वेशभूषा में कुलपति एबी कुराकिन और सम्राट पॉल I को चित्रित करते हुए मास्टर द्वारा सबसे बड़े कमीशन किए गए कैनवस में, विस्तृत, पूर्ण-ध्वनि वाले रंगीनता को विस्तृत विवरण के साथ संयोजित करने की क्षमता को नोटिस कर सकते हैं। सचित्र स्वर की एकता और सचित्र छवि की अखंडता को बनाए रखते हुए, जो केवल सबसे बड़े कलाकारों में निहित है। बोरोविकोवस्की का कौशल कैथरीन II के निर्देशन में चित्रित फ़ारसी शाह आगा-मोहम्मद के भाई मुर्तज़ा-कुली-खान के शानदार चित्र में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था।

पृष्ठभूमि के रूप में परिदृश्य बोरोविकोवस्की ने स्वेच्छा से अपने कई चित्रों में शामिल किया। इसने 18वीं शताब्दी के अंत में समाज के विचारों में परिवर्तन को प्रतिबिंबित किया। पर दुनियाऔर प्रति व्यक्ति। प्रकृति के साथ एकता ने लोगों को अधिक स्वाभाविकता दी, भावुकता के विचारों को प्रतिबिंबित किया। कैथरीन II की छवि पर काम करते हुए, बोरोविकोवस्की ने ज़ारिना को "कज़ान ज़मींदार" के रूप में दिखाया, इस तरह वह रईसों की आँखों में देखना चाहती थी। चालीस साल बाद, "द कैप्टन की बेटी" कहानी में ए.एस. पुश्किन ने कैथरीन II का एक मौखिक चित्र दिया, जो बोरोविकोवस्की के चित्र के बहुत करीब था और शायद, उससे प्रेरित था।

XVIII सदी की कला में। प्रकृति की छवि स्वतंत्रता प्राप्त करती है। परिदृश्य एक अलग शैली के रूप में विकसित हो रहा है, जहां प्रमुख स्वामी शिमोन शेड्रिन, मिखाइल इवानोव, फ्योडोर अलेक्सेव थे। पहले दो में अक्सर सार्सोकेय सेलो, पावलोव्स्क, गैचिना के परिवेश को चित्रित किया गया, इटली, स्विट्जरलैंड और स्पेन में यात्रा के छापों को व्यक्त किया। रूसी राजधानियों, सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को ने अलेक्सेव के कई कार्यों को समर्पित किया, जिन्होंने इंपीरियल एकेडमी ऑफ आर्ट्स में अध्ययन किया, और फिर वेनिस में सुधार किया। "राय महल का तटबंधऔर पीटर और पॉल किला ”उनके सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक है, जो नेवा बैंकों के विस्तार, पानी पर प्रकाश के विविध खेल, शास्त्रीय वास्तुकला के महलों की सुंदरता को व्यक्त करता है।

18वीं शताब्दी का अंत रूसी अकादमिक चित्रकला के बड़े कार्यों की उपस्थिति से चिह्नित। दुनिया में सबसे अमीर कला संग्रहों में से एक, हर्मिटेज का गठन किया जा रहा है। यह कैथरीन II के पश्चिमी यूरोपीय स्वामी (1764 से) द्वारा चित्रों के एक निजी संग्रह पर आधारित है। 1852 में जनता के लिए खोला गया।

18वीं सदी की दृश्य कला धर्मनिरपेक्ष दिशा के विकास में एक महत्वपूर्ण कदम आगे बढ़ाया।

XVIII सदी की रूसी संस्कृति के लिए। धर्मनिरपेक्ष कला के विकास की अवधि बन गई, रचनात्मक शक्तियों के संचय का एक चरण। घरेलू चित्रकला न केवल यूरोपीय से नीच थी, बल्कि ऊंचाइयों पर भी पहुंच गई थी। महान चित्रकार चित्रकारों के कैनवस - रोकोतोव, लेवित्स्की, बोरोविकोवस्की - ने स्पष्ट रूप से इस पथ के साथ उपलब्धियों को चिह्नित किया, रूसी कला विद्यालय के आगे के फलदायी विकास को प्रभावित किया।

निष्कर्ष

पीटर आई द्वारा किए गए मौलिक सामाजिक-आर्थिक और राजनीतिक परिवर्तनों के कारण 18 वीं शताब्दी रूसी कलात्मक संस्कृति के व्यापक और व्यापक उत्कर्ष का समय था। पेंटिंग और उत्कीर्णन, वास्तुकला और मूर्तिकला ने बड़ी सफलता हासिल की। उन्हें प्राचीन रूस का सबसे समृद्ध राष्ट्रीय कलात्मक अनुभव विरासत में मिला, यूरोपीय सांस्कृतिक परंपराओं का इस्तेमाल किया।

रूस की नई राजधानी - सेंट पीटर्सबर्ग और राज्य के अन्य शहरों, कई महलों, सार्वजनिक भवनों के निर्माण से सजावटी प्लास्टिक और पेंटिंग, गोल मूर्तिकला और राहत का विकास हुआ, जिसने वास्तुशिल्प पहनावा को अद्वितीय सुंदरता दी।

पीटर I ने विदेशियों को रूस में आमंत्रित किया, लेकिन साथ ही उन्होंने रूसी कलाकारों की शिक्षा का भी ध्यान रखा। XVIII सदी की पहली तिमाही में। पेंशनभोगियों का व्यापक रूप से अभ्यास किया जाने लगा - प्रशिक्षण और पेशे में सुधार के लिए विदेश भेजना।

उस समय, स्थापत्य कला और संबंधित प्रकार की ललित कलाएं वास्तविक रूप से फल-फूल रही थीं। न केवल वास्तुकला में, बल्कि चित्रकला में भी, मूर्तिकला में, प्राचीन आबादी की परंपराओं के आधार पर, बारोक रूपों को क्लासिकवाद की विशेषता वाली तकनीकों की एक प्रणाली द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। इसके अलावा, सदी के अंत में भावुकता और रोमांटिक प्रवृत्तियों की विशेषताओं की उपस्थिति की विशेषता है।

रूस के कलात्मक जीवन में सबसे महत्वपूर्ण घटना "तीन सबसे महान कलाओं की अकादमी" का उद्घाटन था - पेंटिंग, मूर्तिकला और वास्तुकला।

पहले से ही अपने इतिहास के शुरुआती वर्षों में, कला अकादमी ने महान उस्तादों को प्रशिक्षित किया जिनके काम ने रूसी राष्ट्रीय संस्कृति को बहुत समृद्ध और गौरवान्वित किया।

सांस्कृतिक विकास रूस XVIIIमें। 19वीं शताब्दी में रूसी संस्कृति के शानदार उत्कर्ष को तैयार किया, जो विश्व संस्कृति का एक अभिन्न अंग बन गया।

प्रयुक्त साहित्य की सूची

1. रूसी कला का इतिहास। मास्को। "कला"। - तीसरा संस्करण।, संशोधित। और अतिरिक्त 1987
2. संस्कृति विज्ञान। विश्व संस्कृति का इतिहास: विश्वविद्यालयों के लिए पाठ्यपुस्तक / एड। प्रो एएन मार्कोवा। - दूसरा संस्करण।, संशोधित। और अतिरिक्त - एम .: यूनिटी, 2002
3. रूसी संस्कृति की दुनिया। विश्वकोश संदर्भ पुस्तक। रूसी सीमा शुल्क अकादमी सेंट पीटर्सबर्ग शाखा का नाम वी.बी.बॉबकोव के नाम पर रखा गया है। मास्को। 2000

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विवरण श्रेणी: 18 वीं शताब्दी के रूस की कला 10.02.2018 को पोस्ट किया गया 18:52 दृश्य: 2115

रूस के लिए XVIII सदी पीटर I के सुधारों से जुड़े परिवर्तनों का युग है। इन सुधारों ने देश के जीवन के लगभग सभी क्षेत्रों को प्रभावित किया:

अर्थव्यवस्था, सरकार, सैन्य मामले, शिक्षा, सामाजिक विचार, विज्ञान और संस्कृति। "विंडो टू यूरोप" से, जिसे पीटर द ग्रेट ने काट दिया था, आधुनिक समय की सभी उपलब्धियां सचमुच रूस में डाली गईं।
रूसी कला ने विभिन्न तरीकों से पश्चिमी यूरोपीय अनुभव में महारत हासिल की और फिर से काम किया: कला के तैयार कार्यों को विदेशों में खरीदा गया था, उनके अपने काम घरेलू और विदेशी विशेषज्ञों द्वारा बनाए गए थे, जो उस समय रूस में बहुत सक्रिय रूप से आकर्षित थे। प्रतिभाशाली लोगों को सार्वजनिक खर्च पर अध्ययन करने के लिए यूरोप भेजा गया।

XVIII सदी की कलात्मक रचनात्मकता की विशेषताएं

नए समय ने एक नई संस्कृति भी बनाई जिसने मध्य युग की जगह ले ली। सौंदर्य की अवधारणा और उसके स्वरूप के रूप बदल गए।
उसी समय, हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि पीटर द ग्रेट के समय की कला अभी तक अंततः स्थापित नहीं हुई थी, विदेशी कला को फ़िल्टर नहीं किया गया था, लेकिन रूसी कला में भी इसका प्रमुख अर्थ नहीं था। जीवन ने ही सब कुछ अपनी जगह पर रख दिया, और रूसी संस्कृति में वही रह गया जो रूसी धरती पर जड़ें जमा चुका था और राष्ट्रीय हितों को पूरा करता था। यह वह प्रक्रिया थी जिसने रूसी कला को मध्य युग के बंद स्थान से बाहर निकाला और विश्व स्तरीय उत्कृष्ट कृतियों का उदाहरण देते हुए इसे अखिल-यूरोपीय कला से जोड़ा।
हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि सार्वजनिक दृष्टिकोण बदल रहा था - रूस निरंकुशता की राह पर चल पड़ा। विज्ञान और शिक्षा का विकास हुआ। विज्ञान अकादमी बनाई गई, पुस्तक मुद्रण सक्रिय रूप से विकसित हुआ, और संस्कृति ने विकास के धर्मनिरपेक्ष पथ में प्रवेश किया। ये परिवर्तन विशेष रूप से दृश्य कला और वास्तुकला में स्पष्ट थे।
शहरी नियोजन के सिद्धांत बदल गए हैं - उनका संबंध नियोजन, कुछ प्रकार की इमारतों, अग्रभागों की रचना, सजावट, आंतरिक, आदि से है।
XVIII सदी के उत्तरार्ध में। पुरातनता के सिद्धांतों के आधार पर बारोक को क्लासिकवाद द्वारा बदल दिया गया था। लेकिन रूसी वास्तुकला में, क्लासिकवाद की विशेषताएं 18 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में पहले से ही ध्यान देने योग्य हो गईं: सादगी, संतुलन और रूपों की कठोरता। उद्योग और व्यापार के विकास के संबंध में, औद्योगिक, राज्य और के निर्माण की आवश्यकता थी सार्वजनिक हित: बैंक, स्टॉक एक्सचेंज, बाजार, गेस्ट हाउस, सरकारी कार्यालय। और संस्कृति और शिक्षा के विकास से पुस्तकालयों, थिएटरों, विश्वविद्यालयों और अकादमियों का निर्माण हुआ। कुलीनों के विशेषाधिकारों का विस्तार हुआ, और इससे ग्रामीण इलाकों में कुलीन सम्पदाओं का विकास हुआ।

चित्र

XVIII सदी की पहली छमाही में। धर्मनिरपेक्ष चित्र की शैली बनती है। इस युग को "पतरस के समय का चित्र" कहा जाता है। चित्रकला में चित्र शैली प्रमुख हो जाती है। यह पहले से ही 17वीं सदी के अंत के परसुना से बहुत अलग है। चित्रित के व्यक्तित्व की रचना, रंग, वैयक्तिकरण।

आई जी तन्नौर। पीटर I . का पोर्ट्रेट
कलाकारों ने प्रत्यक्ष परिप्रेक्ष्य का उपयोग करना शुरू किया, जो विमान पर छवि में गहराई और त्रि-आयामी बनाता है। पेट्रिन युग की कला को पुष्टि के एक उच्च मार्ग की विशेषता है, यही वजह है कि इसका केंद्रीय विषय व्यक्ति है, और मुख्य शैली चित्र है।
लेकिन पेट्रिन युग में लेखकत्व का प्रश्न एक कठिन समस्या बना रहा। कलाकार कभी-कभी अपने कार्यों पर हस्ताक्षर नहीं करते थे। इसके अलावा, मॉडल पहचान की समस्या भी थी, क्योंकि कस्टम पोर्ट्रेट आमतौर पर चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के अलंकरण के एक बड़े हिस्से के साथ बनाए जाते थे, खासकर जब से ये आमतौर पर सम्राट और उनके परिवार के सदस्य और उनके दल थे।

मैं निकितिन। चांसलर गोलोवकिन का पोर्ट्रेट
परसुना को धीरे-धीरे प्रतिस्थापित किया जा रहा है, लेकिन कुछ समय के लिए युग के प्रमुख कलाकारों के काम में भी मौजूद है: I. निकितिना, आई. विश्नाकोव, ए. एंट्रोपोवा, ए. मतवीव, आई. अर्गुनोवाऔर अन्य कलाकार, जो मध्ययुगीन से नई शैली में अभी तक पूर्ण नहीं हुए संक्रमण की गवाही देते हैं। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में पारसनवाद के निशान भी पाए जाते हैं, विशेष रूप से सर्फ़ और प्रांतीय स्वामी के कार्यों में, स्व-सिखाया जाता है।

आई. विष्णकोव। ज़ेनिया इवानोव्ना तिशिनिना का पोर्ट्रेट (1755)
XVIII सदी की दूसरी छमाही की रूसी पेंटिंग में। दो कलात्मक शैलियों की प्रबलता थी: क्लासिकवाद और भावुकता।
चित्र शैली को और विकसित किया गया था। चित्रकारों वी. बोरोविकोवस्कीऔर एफ. रोकोतोवभावुकता की शैली में काम किया और कई गेय और आध्यात्मिक चित्र बनाए।

वी। बोरोविकोवस्की। ई.एन. का पोर्ट्रेट आर्सेनेवा (1796)
उत्कृष्ट लोगों की छवियों की एक पूरी गैलरी एक चित्रकार द्वारा बनाई गई थी डी. लेवित्स्की.

आर्किटेक्चर

अठारहवीं शताब्दी की पहली छमाही बारोक शैली द्वारा वास्तुकला में चिह्नित। रूसी बारोक के विकास में पहला चरण रूसी साम्राज्य के युग में वापस आता है, और 1680 से 1700 के दशक तक, मास्को बारोक विकसित होता है, जिसकी मुख्य विशेषता वास्तुशिल्प आदेश और उपयोग के तत्वों का व्यापक उपयोग है। मंदिर वास्तुकला में केंद्रित रचनाओं की।

सेंट पीटर्सबर्ग की नींव ने रूसी वास्तुकला के विकास के लिए एक शक्तिशाली प्रोत्साहन दिया, पीटर I की गतिविधियों के साथ, रूसी बारोक के विकास में एक नया चरण शुरू होता है, इस चरण को "पेट्रिन बारोक" कहा जाता था, जो उदाहरणों पर केंद्रित था स्वीडिश, जर्मन और डच नागरिक वास्तुकला। लेकिन केवल पहले स्थापत्य स्मारक दी गई अवधि(उदाहरण के लिए, सेंट पीटर्सबर्ग में पीटर और पॉल कैथेड्रल) व्यावहारिक रूप से रूसी प्रभाव से बच गए। रूस में विदेशी वास्तुकारों की प्रचुरता के बावजूद, स्वयं का एक नया वास्तुशिल्प विद्यालय बनने लगा है।

पीटर द ग्रेट के समय की वास्तुकला को वॉल्यूमेट्रिक निर्माण की सादगी, अभिव्यक्ति की स्पष्टता और सजावट के संयम, और अग्रभागों की प्लानर व्याख्या द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था। सेंट पीटर्सबर्ग के पहले आर्किटेक्ट: जीन-बैप्टिस्ट लेब्लोंड, डोमेनिको ट्रेज़िनी, एंड्रियास श्लुटेरी, जे. एम. फोंटाना, निकोलो मिचेतीऔर जी. मतारनोविक. उन सभी ने पीटर आई के निमंत्रण पर रूस में काम किया। उनमें से प्रत्येक ने निर्माणाधीन इमारतों की उपस्थिति में वास्तुशिल्प स्कूल की परंपराओं का प्रतिनिधित्व किया जिसका उन्होंने प्रतिनिधित्व किया था। यूरोपीय बारोक की परंपराओं को रूसी वास्तुकारों ने भी अपनाया था, उदाहरण के लिए, मिखाइल ज़ेम्त्सोव.

विंटर पैलेस एलिजाबेथन बारोक के सबसे प्रसिद्ध स्मारकों में से एक है।
एलिजाबेथ पेत्रोव्ना के शासनकाल के युग में, एक नया अलिज़बेटन बारोक विकसित किया जा रहा है। यह उत्कृष्ट वास्तुकार फ्रांसेस्को बार्टोलोमो रास्त्रेली के नाम से जुड़ा हुआ है। लेकिन यह शैली पेट्रिन के साथ नहीं, बल्कि मॉस्को बारोक से अधिक जुड़ी हुई है। रस्त्रेली ने सेंट पीटर्सबर्ग और उसके परिवेश में महल परिसरों को डिजाइन किया: विंटर पैलेस, कैथरीन पैलेस, पीटरहॉफ। उनकी कृतियों को उनके विशाल पैमाने, सजावटी सजावट की भव्यता, सोने के उपयोग के साथ दो या तीन रंगों के मुखौटे की विशेषता है। 18 वीं शताब्दी के मध्य में रास्त्रेली की वास्तुकला की उत्सव की प्रकृति ने सभी रूसी कलाओं पर अपनी छाप छोड़ी।
अलिज़बेटन बारोक में, एक महत्वपूर्ण स्थान 18 वीं शताब्दी के मध्य के मास्को वास्तुकारों के काम का है। अगुवाई में डी. वी. उखतोम्स्कीऔर आई. एफ. मिचुरिन.
1760 के दशक में, क्लासिकवाद ने धीरे-धीरे रूसी वास्तुकला में बारोक को बदल दिया।
सख्त क्लासिकवाद का उदय रचनात्मकता से जुड़ा है एम.एफ. कज़ाकोवा(1738-1812)। 18 वीं शताब्दी के अंत में मास्को की लगभग सभी स्मारकीय इमारतें। उनके द्वारा बनाया गया: क्रेमलिन में सीनेट पैलेस, पेत्रोव्स्की ट्रैवल पैलेस, ग्रैंड ज़ारित्सिन पैलेस, ब्यूटिरका, आदि।

मोखोवाया स्ट्रीट पर मास्को विश्वविद्यालय की पुरानी इमारतें। वास्तुकार एम.एफ. कज़ाकोवी
1812 में, मास्को की आग के दौरान, इमारत लगभग पूरी तरह से जल गई। लकड़ी के बने सभी फर्श खो गए हैं। पुस्तकालय, जिसमें कई विशिष्ट सामग्री शामिल थी, को नष्ट कर दिया गया। संग्रहालयों के संग्रह, अभिलेखागार गायब हो गए हैं। 1819 तक, डोमेनिको गिलार्डी ने पुरानी इमारत के पुनर्निर्माण पर काम किया।
अब मॉस्को स्टेट यूनिवर्सिटी में एशियाई और अफ्रीकी देशों का संस्थान यहां स्थित है।
प्रारंभिक क्लासिकवाद के स्वामी थे ए एफ। कोकोरिनोव(1726-1772) और फ्रेंच जे.बी. वैलेन डेलमोटे(1729-1800)। कोकोरिनोव की कृतियाँ बारोक से क्लासिकवाद में संक्रमण को चिह्नित करती हैं। वे सेंट पीटर्सबर्ग में इंपीरियल एकेडमी ऑफ आर्ट्स के निर्माण के लिए परियोजना के लेखक हैं। और वैलेन-डेलामोट के पास स्मॉल हर्मिटेज की इमारत भी है।
अर्थात। स्टारोव(1745-1808) - 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध का सबसे बड़ा वास्तुकार। उनके कार्यों में सेंट पीटर्सबर्ग (1783-1789) में टॉराइड पैलेस है। यह जीए, पोटेमकिन की एक विशाल शहर की संपत्ति है, जिसने टॉराइड के राजकुमार की उपाधि धारण की थी।
80-90 के दशक में, चैंपियनशिप आर्किटेक्ट क्वारेनघी और कैमरून के पास गई। डी. क्वारेनघी(1744-1817), मूल रूप से इतालवी, मुख्य रूप से सेंट पीटर्सबर्ग में काम करते थे। क्वारंगी की इमारत की विशेषता तीन भागों की एक इमारत है: केंद्रीय भवन और दो बाहरी इमारतें जो दीर्घाओं से जुड़ी हुई हैं। रचना के केंद्र को एक पोर्टिको द्वारा हाइलाइट किया गया था। क्वारेनघी ने विज्ञान अकादमी की इमारत, असाइनमेंट बैंक की इमारत का निर्माण किया। फिर वह सार्सकोए सेलो में हर्मिटेज थिएटर, अलेक्जेंडर पैलेस बनाता है। स्मॉली इंस्टीट्यूट की इमारतें भी क्वारंगी का काम हैं।
कैमरून- पावलोव्स्क में पैलेस-एस्टेट के लेखक।

स्मॉली संस्थान की इमारत। वास्तुकार डी. क्वारेनघी

प्रतिमा

XVIII सदी के उत्तरार्ध में। मूर्तिकला के क्षेत्र में सर्वोच्च उपलब्धियां रचनात्मकता से जुड़ी हैं एफ.आई. शुबीन(1740-1805)। शुबिन रूसी मूर्तिकला चित्रांकन के उस्ताद हैं। रूस में इस शैली में इसका कोई पूर्ववर्ती नहीं था। उनके द्वारा बनाई गई मूर्तिकला चित्रों की गैलरी (ए.एम. गोलित्सिन, पी.ए. रुम्यंतसेव, एम.वी. लोमोनोसोव, पॉल I, आदि) यथार्थवाद और अभिव्यंजना द्वारा प्रतिष्ठित है।
18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की स्मारकीय मूर्ति। कई कार्यों द्वारा प्रतिनिधित्व किया जाता है, जिनमें से सबसे बड़ा "कांस्य घुड़सवार" है ईएम. फाल्कोन- पीटर I को घुड़सवारी का स्मारक।
मूर्तिकला में शास्त्रीयता का एक प्रमुख प्रतिनिधि था एम.आई. कोज़लोवस्की. उन्होंने ए सुवोरोव के स्मारक में एक आधुनिक नायक की छवि को मूर्त रूप दिया, हालांकि बिना किसी चित्र के। बल्कि, यह नायक-कमांडर की सामान्यीकृत छवि है। एम.आई. कोज़लोवस्की पीटरहॉफ़ में प्रसिद्ध मूर्तिकला समूह "सैमसन टियरिंग द लायन माउथ" के लेखक हैं।

सेंट पीटर्सबर्ग (1801) में सुवोरोव को स्मारक। स्मारक के नीचे शिलालेख: इटली के राजकुमार, रिमनिक के काउंट सुवोरोव

यू.के.ज़ोलोटोव

अठारहवीं शताब्दी की शुरुआत में फ्रांस की कला में बड़े बदलाव हुए। वर्साय से, कलात्मक केंद्र धीरे-धीरे पेरिस चला गया। कोर्ट कला, निरपेक्षता के अपने एपोथोसिस के साथ, संकट में थी। ऐतिहासिक चित्र का प्रभुत्व अब अविभाजित नहीं रहा, कला प्रदर्शनियांअधिक से अधिक चित्र और शैली रचनाएँ थीं। धार्मिक विषयों की व्याख्या ने एक ऐसा धर्मनिरपेक्ष चरित्र प्राप्त कर लिया है कि पादरी ने वेदी के चित्रों को स्वीकार करने से इनकार कर दिया, जिसका उन्होंने आदेश दिया था (सुसन्ना बाय सैन्टेरा)।

रोमन-बोलोग्ना अकादमिक परंपरा के बजाय, 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश और डच यथार्थवाद के प्रभाव में वृद्धि हुई; रूबेन्स द्वारा चित्रों के चक्र की नकल करने के लिए युवा कलाकार लक्ज़मबर्ग पैलेस पहुंचे। इस समय उत्पन्न होने वाले कई निजी संग्रहों में फ्लेमिश, डच और विनीशियन मास्टर्स द्वारा अधिक से अधिक कार्य हैं। सौंदर्यशास्त्र में, "उत्कृष्ट सौंदर्य" (फेलिबियन) के लिए माफी उन सिद्धांतकारों के मजबूत विरोध के साथ मिलती है जो यथार्थवादी खोजों से सहानुभूति रखते हैं। तथाकथित "पॉसिनिस्ट्स और रूबेनिस्ट्स की लड़ाई" का समापन रोजर डी पील की जीत में हुआ, जिन्होंने कलाकारों को प्रकृति की नकल करने की आवश्यकता की याद दिलाई और पेंटिंग में रंग की भावनात्मकता की अत्यधिक सराहना की। "सन किंग" के समय की भावना के अनुरूप, अकादमिकता के एपिगोन की कर्कश बयानबाजी, धीरे-धीरे नए रुझानों से पहले घट गई।

इस महत्वपूर्ण समय में, दो शताब्दियों के मोड़ पर, जब पुराने आदर्श ढह रहे थे और नए केवल आकार ले रहे थे, एंटोनी वट्टू (1684-1721) की कला का उदय हुआ।

वैलेंसिएन्स रूफर का बेटा, जिसने कोई व्यवस्थित शिक्षा प्राप्त नहीं की, वट्टू 1702 के आसपास पेरिस गए।

पहले दस वर्षों में - रचनात्मकता की प्रारंभिक अवधि - वह चित्रकारों और उत्कीर्णकों के बीच रहते थे और काम करते थे जिन्होंने "फैशन और रीति-रिवाजों" के रोजमर्रा के दृश्यों और नक्काशी का प्रदर्शन किया जो खरीदारों की एक विस्तृत श्रृंखला के बीच लोकप्रिय थे। एक अस्पष्ट शिल्पकार की कार्यशाला में, उन्होंने डच शैली के चित्रकारों से प्रतियां बनाईं। इस माहौल में, युवा कलाकार ने न केवल फ्लेमिश, बल्कि राष्ट्रीय चित्रकला परंपराओं को भी माना जो अकादमिक दीवारों के बाहर विकसित हुईं। और कोई फर्क नहीं पड़ता कि बाद में वट्टू की कला कैसे बदल गई, इन परंपराओं ने हमेशा के लिए उस पर छाप छोड़ी। एक साधारण व्यक्ति में रुचि, छवि की गेय गर्मजोशी, प्रकृति से एक स्केच के लिए अवलोकन और सम्मान - यह सब उसकी युवावस्था में उत्पन्न हुआ।

इन वर्षों के दौरान, वट्टू ने सजावटी कला का भी अध्ययन किया; लेकिन दोस्तों ने "देश के उत्सवों, नाट्य विषयों और आधुनिक वेशभूषा" के लिए उनके स्वाद पर जोर दिया। जीवनीकारों में से एक ने कहा कि वट्टू "हर खाली मिनट का उपयोग चौक पर जाने के लिए विभिन्न हास्य दृश्यों को आकर्षित करने के लिए करता था जो कि भटकते हुए चार्लटन आमतौर पर खेले जाते थे।" कोई आश्चर्य नहीं कि वट्टू के पहले पेरिस के शिक्षक क्लाउड गिलोट थे, जिन्हें अकादमी में "आधुनिक विषयों का एक कलाकार" नाम दिया गया था। दूसरे शिक्षक - क्लाउड ऑड्रन की मदद से, जो लक्ज़मबर्ग पैलेस के संग्रह के क्यूरेटर थे, वट्टू ने विश्व कला के बारे में बहुत कुछ सीखा, रूबेन्स द्वारा "मेडिसि गैलरी" से परिचित हुए। 1709 में, उन्होंने रोम पुरस्कार जीतने की कोशिश की - इसने इटली की यात्रा करने का अधिकार दिया। लेकिन बाइबिल की कहानी पर उनकी रचना सफल नहीं रही। गिलोट और ऑड्रन की कार्यशालाओं में वट्टू के काम ने सजावटी पैनलों में उनकी रुचि में योगदान दिया। यह शैली, जो 18 वीं शताब्दी की सभी फ्रांसीसी पेंटिंग की विशेषता है, ने अपनी उत्कृष्ट सनकीपन के साथ कलाकार के चित्रफलक कार्यों के रचनात्मक सिद्धांतों को प्रभावित किया। बदले में, रोकोको की सजावटी कला के आवश्यक तत्वों ने सदी की शुरुआत में वट्टू की नई खोजों के प्रभाव में आकार लिया।

उसी 1709 में, वट्टू ने पेरिस को अपनी मातृभूमि के लिए, वालेंसिएनेस में छोड़ दिया। अपने प्रस्थान से कुछ समय पहले, उन्होंने अपनी एक शैली की स्किट का प्रदर्शन किया। उसने सैनिकों की एक टुकड़ी के प्रदर्शन को दर्शाया। जाहिर है, जनता ने इन कहानियों को पसंद किया - वैलेंसिएनेस में होने के कारण, जिसके पास लड़ाई हुई थी (स्पेनिश उत्तराधिकार के लिए एक युद्ध था)। वेट्टू ने उन पर काम करना जारी रखा, ठीक वैसे ही जैसे उन्होंने पेरिस लौटने के बाद किया था।

वट्टू की "सैन्य शैली" युद्ध के दृश्य नहीं हैं। उनमें कोई भयावहता या त्रासदी नहीं है। ये सैनिकों के पड़ाव हैं, बाकी शरणार्थी, टुकड़ी की आवाजाही। वे 17वीं शताब्दी की यथार्थवादी शैली की याद दिलाते हैं, और यद्यपि अधिकारियों और शरणार्थियों के आंकड़ों में कठपुतली की कृपा है, परिष्कार की यह छाया उनमें मुख्य बात नहीं है। "बिवौक" (मास्को, ए.एस. पुश्किन के नाम पर ललित कला संग्रहालय) जैसे दृश्य कहानी की प्रेरकता, टिप्पणियों की समृद्धि द्वारा आदर्श युद्ध चित्रकला से निर्णायक रूप से भिन्न होते हैं। पोज़, इशारों की सूक्ष्म अभिव्यक्ति को परिदृश्य के गीतवाद के साथ जोड़ा जाता है।

वट्टू के काम लगभग पुराने नहीं हैं, और उनके काम के विकास की कल्पना करना मुश्किल है। लेकिन यह स्पष्ट है कि उनकी "आधुनिक शैली" के शुरुआती कार्यों में अभी भी कोई उदासी और कड़वाहट नहीं है जो कलाकार की परिपक्व कला की विशेषता है। उनके भूखंड बहुत विविध हैं: "सैन्य शैलियों", शहरी जीवन के दृश्य, नाटकीय एपिसोड (उनमें से एक 1712 में अकादमी को प्रस्तुत किया गया था)। इन समकालीन शैलियों में हर्मिटेज सेवॉयर्ड है, जो अपनी गीतात्मक पैठ के लिए उल्लेखनीय है।

1710 के दशक की पहली छमाही में। वट्टू उस समय के महानतम व्यंग्यकार लेसेज के करीबी बन गए। उनका परिचय प्रसिद्ध धनी व्यक्ति और कलेक्टर क्रोज़ैट के घर से हुआ, जहाँ उन्होंने पुराने उस्तादों की कई उत्कृष्ट कृतियाँ देखीं और प्रख्यात रूबेन चित्रकारों (चार्ल्स डी लाफोस और अन्य) से मिले।

यह सब धीरे-धीरे कारीगर-शैली के चित्रकार को बदल गया, जैसा कि वट्टू पेरिस के शुरुआती वर्षों में वीर उत्सव के एक लोकप्रिय चित्रकार में था, क्योंकि उसके कुलीन ग्राहक उसे जानते थे। लेकिन जीवन की पहचान ने एक अप्राप्य सौंदर्य के काव्यात्मक सपने के साथ जुड़े हुए, अपने अंतर्विरोधों की एक गहरी समझ लाई।

वट्टू के परिपक्व कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण स्थान वीर उत्सवों का था। उनमें, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष "असेंबली" और नाटकीय मुखौटे का चित्रण किया, जिसे वह कला क्रोज़ैट के संरक्षक के रूप में देख सकते थे। लेकिन अगर वट्टू के वीरतापूर्ण उत्सव शुद्ध कल्पना नहीं थे और यहां तक ​​कि दोस्तों और ग्राहकों के चित्र भी उनमें पाए जाते हैं, तो उनकी आलंकारिक संरचना दर्शकों को रोजमर्रा की जिंदगी से दूर दुनिया में ले जाती है। ऐसा है "प्यार का पर्व" (ड्रेस्डेन) - कामदेव के साथ एफ़्रोडाइट की मूर्ति के पास पार्क में महिलाओं और सज्जनों की छवि। आकृति से आकृति तक, समूह से समूह तक, भावनाओं की ये सूक्ष्म बारीकियां परिदृश्य की कोमल रेखाओं में, नाजुक रंग संयोजनों में गूंजते हुए, एक-दूसरे की जगह लेती हैं। छोटे स्ट्रोक - हरे और नीले, गुलाबी और मोती ग्रे, बैंगनी और लाल - तरकश और कोमल सामंजस्य में संयुक्त होते हैं; इन हल्के स्वरों की विविधताएं पेंटिंग की रंगीन सतह के हल्के कंपन का आभास देती हैं। पेड़ों की पंक्तियों को नाट्य मंच के पीछे की तरह रखा जाता है, लेकिन हवा में लचीली, कांपती शाखाओं की पारदर्शिता बैकस्टेज को स्थानिक बनाती है; वट्टू इसे आंकड़ों के साथ बसाता है, और पेड़ों की चड्डी के माध्यम से कोई दूरी देख सकता है, इसकी लगभग रोमांटिक असामान्यता के साथ मनोरम। वट्टू के चित्रों में पात्रों की भावनाओं और परिदृश्य के बीच सामंजस्य 18 वीं शताब्दी में लैंडस्केप पेंटिंग के विकास के लिए उनकी कला की महत्वपूर्ण भूमिका का आधार है। भावुकता की खोज वट्टू को रूबेन्स की विरासत की ओर खींचती है। यह पौराणिक रचनाओं में प्रकट हुआ - उदाहरण के लिए, "बृहस्पति और एंटोप"। लेकिन रूबेन्सियन जुनून उदास उदासी, भावनाओं की परिपूर्णता - उनके रंगों की कांपता को रास्ता देता है। वट्टू के कलात्मक आदर्श मोंटेस्क्यू के इस विचार की याद दिलाते हैं कि सुंदरता चेहरे की विशेषताओं में उतनी नहीं व्यक्त होती है जितनी अक्सर अगोचर आंदोलनों में होती है।

चित्रकार की विधि उस सलाह की विशेषता है जो उसने अपने छात्र लाइक्रा को दी थी: "किसी भी शिक्षक के साथ रहने पर समय बर्बाद न करें, आगे बढ़ें, शिक्षकों के शिक्षक - प्रकृति के लिए अपने प्रयासों को निर्देशित करें। पेरिस के बाहरी इलाके में जाएं और वहां कुछ परिदृश्यों को स्केच करें, फिर कुछ आंकड़े स्केच करें और इसमें से एक चित्र बनाएं, जो आपकी अपनी कल्पना और पसंद द्वारा निर्देशित हो ”( "कला के बारे में कला के परास्नातक", खंड 1, एम.एल., 1937, पृष्ठ.597) आंकड़ों के साथ परिदृश्यों को मिलाकर, कल्पना करना और चुनना, वट्टू ने विभिन्न तत्वों को अधीन कर दिया, जिससे उन्होंने चित्रों को प्रमुख भावनात्मक मकसद के लिए बनाया। वीरतापूर्ण उत्सवों में, चित्रित से कलाकार की टुकड़ी को महसूस किया जाता है; यह चित्रकार के स्वप्न और जीवन की अपूर्णता के बीच गहरे अंतर का परिणाम है। और फिर भी वट्टू हमेशा अस्तित्व की सूक्ष्मतम कविता की ओर आकर्षित होता है। यह कोई आश्चर्य की बात नहीं है कि उनकी कला संगीतमयता की सबसे विशिष्ट विशेषता है, और पात्र अक्सर एक अस्पष्ट, बमुश्किल बोधगम्य माधुर्य सुनते प्रतीत होते हैं। ऐसा है मेट्सटिन (सी। 1719; न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट), ऐसा है लौवर फ़िनेट, अनुपस्थित-दिमाग से भरा हुआ।

वट्टू के काम की सूक्ष्म भावुकता एक विजय थी जिसने सदी की कला के ज्ञान का मार्ग प्रशस्त किया जिसे बाद में डेलाक्रोइक्स ने "अस्पष्ट और उदासी भावनाओं का क्षेत्र" कहा। बेशक, जिन संकीर्ण सीमाओं के भीतर चित्रकार की खोजों का विकास हुआ, उन्होंने इन खोजों पर अपरिहार्य सीमाएं लगा दीं। कलाकार ने इसे महसूस किया। जीवनीकार बताते हैं कि कैसे वह एक प्लॉट से दूसरे प्लॉट की ओर दौड़ा, खुद से नाराज होकर, उसने जो किया उससे जल्दी निराश हो गया। यह आंतरिक कलह वट्टू की कला की असंगति का प्रतिबिंब है।

1717 में, वट्टू ने अकादमी को एक बड़ी पेंटिंग "पिलग्रिमेज टू द आइलैंड ऑफ साइथेरा" (लौवर) प्रस्तुत की, जिसके लिए उन्हें शिक्षाविद की उपाधि मिली। यह उनकी सबसे अच्छी रचनाओं में से एक है, जिसे वेनेटियन की याद ताजा सुनहरे रंगों की एक शानदार श्रृंखला में निष्पादित किया गया है, जिसके माध्यम से एक चांदी-नीली tonality दिखाई देता है। धर्मनिरपेक्ष महिलाओं और सज्जनों ने पहाड़ी के साथ सोने की नाव की ओर बढ़ रहे हैं, खुद को साइथेरा द्वीप के तीर्थयात्रियों के रूप में प्रस्तुत करते हैं - प्रेम का द्वीप (ग्रीक किंवदंती के अनुसार, प्रेम की देवी एफ़्रोडाइट का जन्म उस पर हुआ था)। जोड़े एक के बाद एक का अनुसरण करते हैं, जैसे कि चित्र के सामान्य गीतात्मक विषय को उठाते हुए, इसके भावनात्मक रंगों को बदलते हैं। ऊंचे पेड़ों की शाखाओं के नीचे एफ़्रोडाइट की मूर्ति से शुरू होने वाला आंदोलन, एक तेज लय में प्रकट होता है - उदासी और संदेह उत्साह, एनीमेशन, और अंत में - नाव पर फड़फड़ाते हुए कामदेव का सनकी खेल। नाजुक, परिवर्तनशील भावनाओं के लगभग अगोचर संक्रमण, अस्पष्ट पूर्वाभास और अनिर्णायक इच्छाओं का एक अस्थिर खेल - ऐसा ही वाट्टू की कविता का क्षेत्र था, जो निश्चितता और ऊर्जा से रहित था। भावनाओं की बारीकियों की धारणा की तीक्ष्णता वोल्टेयर के शब्दों की याद दिलाती है जो नाटककार मारिवॉक्स को "मानव हृदय के पथ" के बारे में उनके "महान पथ" के विपरीत संबोधित करते हैं। "साइथेरा द्वीप की तीर्थयात्रा" में वट्टू का उत्कृष्ट रंगवाद उल्लेखनीय है; ब्रश के हल्के कंपन आंदोलनों से रूपों की गतिशीलता की भावना पैदा होती है, उनका कांपती उत्तेजना; पेड़ों के हल्के मुकुटों के माध्यम से नरम विसरित प्रकाश स्ट्रीमिंग के साथ सब कुछ व्याप्त है; पहाड़ी दूरियों की रूपरेखा कोमल हवादार धुंध में घुल जाती है। नारंगी, हल्के हरे और गुलाबी-लाल कपड़ों के हल्के रंग के लहजे सुनहरे रंग की पृष्ठभूमि पर प्रकाश डालते हैं। वट्टू की स्वप्निल कला एक विशेष काव्य आकर्षण से संपन्न है, जो जादुई रूप से "वीर उत्सव" को बदल देती है, जो कि उनके समकालीनों ने विनम्र और दूर की कौड़ी को देखा था।

वट्टू की कई रचनाएँ याद दिलाती हैं रंगमंच के दृश्य, जिस पर पात्र एक अजीब जीवन जीते हैं, अपने लिए पुराने प्रदर्शन करते हैं, लेकिन फिर भी उनके दिलों को प्रिय हैं, एक अजीब और दुखद नाटक से भूमिकाएँ। लेकिन आधुनिक प्रदर्शनों की वास्तविक सामग्री ने थिएटर और नाट्य भूखंडों में वट्टू की रुचि को भी निर्धारित किया। उनमें से कई न केवल कलाकार के शुरुआती काम में हैं। हाल के वर्षों में, इस चक्र के सबसे महत्वपूर्ण कार्य सामने आए हैं। उनमें से द इटालियन कॉमेडियन (बर्लिन) है, जिसे जाहिरा तौर पर 1716 के बाद लिखा गया था, जब इतालवी अभिनेता पेरिस लौट आए, 17 वीं शताब्दी के अंत में फ्रांस से देश पर शासन करने वाले मंडलियों के खिलाफ व्यंग्यपूर्ण हमलों के लिए निष्कासित कर दिया गया। प्रदर्शन के अंतिम दृश्य में, एक मशाल और एक लालटेन की रोशनी से, मेट्सटिन के आंकड़े, गिल्स का मज़ाक उड़ाते हुए, गतिशील हार्लेक्विन, कोमल और सहृदय अभिनेत्रियाँ शाम से निकलती हैं। बाद में भी, सचित्र तरीके से, फ्रांसीसी कॉमेडी (न्यूयॉर्क, बीट संग्रह) के अभिनेताओं की छवि का प्रदर्शन किया गया था - इस थिएटर के प्रदर्शनों में से एक का एक एपिसोड, जिसमें, कम से कम 1717 तक, धूमधाम से अभिनय की शैली का बोलबाला, पहली गिल ब्लास पुस्तक में लेसेज द्वारा उपहास किया गया। स्थापत्य तत्वों का ढेर और परिधानों की भव्यता "रोमन" के मजाकिया मार्ग को चित्रकार द्वारा सूक्ष्म रूप से व्यक्त करती है (जैसा कि फ्रांसीसी कॉमेडी थिएटर के अभिनेताओं को तब विडंबना कहा जाता था), उनके सैलून शिष्टाचार और हास्यास्पद पोज़। इस तरह की तुलना कला के कार्यों के लिए जीवन की घटनाओं के लिए कलाकार के दृष्टिकोण को प्रकट करती है।

लेकिन थिएटर से जुड़ी वट्टू की सबसे उल्लेखनीय कृति गाइल्स (लौवर) है। इस बड़े चित्र का रचनात्मक समाधान कुछ रहस्यमय है और इसने हमेशा कई परस्पर विरोधी व्याख्याओं को जन्म दिया है। एक उज्ज्वल आकाश और गहरे हरे पेड़ों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, सफेद कपड़ों में एक अभिनेता की आकृति उभरती है। एक ग्रे टोपी उसके चेहरे को फ्रेम करती है, एक शांत टकटकी दर्शक पर टिकी होती है, उसके हाथ नीचे होते हैं। रैंप जैसी पहाड़ी के पीछे, जिस पर गाइल्स खड़ा है, उसके साथी शिल्पकार स्थित हैं, वे गधे को रस्सी से खींचते हैं, एक मुस्कुराते हुए स्कैपिन उस पर छोड़ देता है। संयमित कंट्रास्ट के साथ इस समूह का पुनरुद्धार गतिहीन गाइल्स की एकाग्रता पर जोर देता है। गाइल्स की आकृति और दूसरी योजना के पात्रों की रचना संबंधी विसंगति को किसी भी कार्रवाई से उनके साथ नहीं जोड़ा जा सकता है, एक दिलचस्प धारणा द्वारा समझाया जा सकता है कि यह चित्र इतालवी कॉमेडी थियेटर के निष्पक्ष मौसमों में से एक के लिए एक संकेत के रूप में निष्पादित किया गया था। फिर यह स्पष्ट है कि जनता के पसंदीदा, गाइल्स, जैसा कि यह था, दर्शकों को संबोधित करता है, और इतालवी पाइन परिदृश्य में दिखाई देता है; निष्पक्ष सिनेमाघरों में ऐसे संकेत अक्सर लटकाए जाते हैं। चित्र का नायक ध्यान, गहन विचार की स्थिति में प्रकट होता है; रचना की प्रकृति अंततः दुनिया के लिए अपील के इस विरोधाभासी अंतर्विरोध और जटिल आत्म-गहन आंतरिक जीवन द्वारा निर्धारित की जाती है, जो खुद को सूक्ष्म भावनात्मक रंगों में प्रकट करती है। थोड़ी उभरी हुई भौहें, भारी सूजी हुई पलकें पुतलियों को ढँकती हैं और होठों की हल्की गति - यह सब अभिनेता के चेहरे को एक विशेष अभिव्यक्ति देता है। उसके अंदर दुखद उपहास है, और छिपा हुआ अभिमान है, और लोगों के दिलों पर अधिकार करने में सक्षम व्यक्ति की छिपी हुई उत्तेजना है।

जिस सुरम्य तरीके से गाइल्स को अंजाम दिया गया है, वह वट्टू की खोजों की विविधता, उनकी कला के नवाचार की गवाही देता है। पहले के काम पतले और सख्त ब्रश, छोटे हल्के स्ट्रोक, आयताकार, चिपचिपा, उभरा हुआ, थोड़ा पापी के साथ किए जाते थे, जैसे कि वस्तुओं के आकार और आकृति पर। प्रकाश, सतह पर कुचला हुआ, कई कीमती मदर-ऑफ-पर्ल रंगों के साथ झिलमिलाता है - पीला सफेद, हरा, नीला, बैंगनी, गुलाबी, मोती ग्रे और पीला। इन मदर-ऑफ-पर्ल ओवरफ्लो ने समकालीनों को चुटकुले लिखने के लिए जन्म दिया कि वट्टू अपने ब्रश नहीं धोता है और एक बर्तन से पेंट लेता है, जहां वे सभी मिश्रित होते हैं। रंगों की एक अद्भुत विविधता बेहतरीन ग्लेज़ के साथ मिलती है। डेलाक्रोइक्स ने वट्टू की तकनीक को अद्भुत कहा, यह तर्क देते हुए कि फ़्लैंडर्स और वेनिस इसमें संयुक्त थे।

गिल्स के लिए, इसकी रंग योजना, द पिलग्रिमेज टू द साइथेरा द्वीप के सुनहरे पैमाने के बगल में, ठंडा, नीला लगता है, जैसे कि पिछले "गोल्डन" अवधि के संबंध में वेट्टू के बाद के कार्यों का रंग सामान्य रूप से काम करता है। चित्र वीर उत्सवों की तुलना में बहुत अधिक व्यापक रूप से लिखा गया है, यह रंग की मुक्त गति को महसूस करता है और, सबसे महत्वपूर्ण बात, अभिनेता के सफेद कपड़ों पर रंगीन छाया - पीला, नीला, बकाइन और लाल। यह एक साहसिक खोज है, यथार्थवादी प्रवृत्तियों की गहनता है, जो गुरु के असंख्य चित्रों में स्पष्ट रूप से सन्निहित है।

ग्राफिक्स वट्टू 18वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला के सबसे उल्लेखनीय पृष्ठों में से एक था। कलाकार आमतौर पर तीन रंगों में चित्रित होता है, जिसमें एक काले इतालवी पेंसिल, सेंगुइन और चाक का उपयोग किया जाता है। उनके चित्र सजीव अवलोकन पर आधारित हैं। वे भविष्य के चित्रों के लिए बनाए गए थे, जिसे कलाकार खुद नहीं कहते थे, जैसा कि अब हम उन्हें कहते हैं, लेकिन उदाहरण के लिए: "आठ आकृतियों वाले बगीचे का प्रतिनिधित्व करने वाली एक छोटी सी तस्वीर।" वट्टू के ग्राफिक्स में, हम इन विभिन्न आंकड़ों से मिलते हैं: रईसों और भिखारियों, सैनिकों और कुलीन महिलाओं, व्यापारियों और किसानों - प्रकारों का एक विशाल संग्रह, जो बाद में उत्कीर्ण "विभिन्न पात्रों के आंकड़े" के चार खंड थे। अद्भुत रेखाचित्र सजावटी पैनल, सुंदर परिदृश्य चित्र, लेकिन महिलाओं के सिर विशेष रूप से अच्छे हैं - विभिन्न मोड़ों में, आंदोलनों जो उन सूक्ष्म रंगों के अनुभवों को व्यक्त करते हैं जिन्हें चित्रकार ने बहुत सराहा। यह चित्रों के लिए आवश्यक मुद्रा, हावभाव की खोज थी। लेकिन इन चित्रों में इतनी गहरी सामग्री है कि वे एक स्वतंत्र यथार्थवादी मूल्य प्राप्त कर लेते हैं। हल्के स्ट्रोक और लहरदार रेखाएं अंतरिक्ष को फिर से बनाती हैं, प्रकाश के प्रतिबिंबों को खिसकाती हैं, चमकदार कपड़ों की इंद्रधनुषीता, एक वायु धुंध की कोमलता। वट्टू के चित्रों में वही सूक्ष्म काव्यात्मक आकर्षण है जो उनकी पेंटिंग में है।

वट्टू का अंतिम कार्य गेर्सिन (सी। 1721; बर्लिन) की प्राचीन वस्तुओं की दुकान के लिए एक संकेत था। इस तस्वीर की सराहना खुद वट्टू ने की थी, जो आमतौर पर खुद से असंतुष्ट थे।

केवल पंद्रह दिनों के लिए गेर्सिन की दुकान पर लटके हुए, वट्टू के हस्ताक्षर ने जनता का ध्यान आकर्षित किया। उसने इस दुकान के अंदर अपने सामान्य आगंतुकों के साथ चित्रित किया: उनके साथ कुलीन महिलाएं और रईस, मालिकों और नौकरों के साथ खरीदी गई पेंटिंग को एक बॉक्स में रखा। मेहमानों और मेजबानों का ध्यान कला के कार्यों द्वारा अवशोषित किया जाता है, इसलिए, "साइन ऑफ गेर्सिन" में उत्कृष्ट भावुकता का एक विशेष वातावरण, वट्टू के काम की विशेषता हावी है। इसमें, यह एक जीवंत और वास्तविक कथा द्वारा पहले से कहीं अधिक ठोस है, जिसमें सूक्ष्म विडंबना को गीतात्मक कोमलता द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। बॉक्स के पास जहां लुई XIV का चित्र रखा गया है, वहां एक मजाकिया आम है, प्राइम अभिजात एक बड़े देहाती चित्र में नग्न अप्सराओं को देख रहे हैं, और पहले समूह में, एक अच्छी तरह से तैयार महिला की भव्य मुद्रा मामूली को सेट करती है , गेर्सिन की युवा पत्नी का थोड़ा शर्मीला व्यवहार। दुकान, मंच की तरह, सड़क के लिए खुली है। एक गुलाबी पोशाक में एक महिला की आकृति से, इंटीरियर में प्रवेश करते हुए, कथानक का विकास शुरू होता है, आंदोलनों की एक श्रृंखला और वट्टू की रचनाओं की विशेषता बदल जाती है, उनके बीच मिस-एन-सीन और स्थानिक कैसुरा का एक लयबद्ध विकल्प। पोज़ और इशारों की प्लास्टिक समृद्धि यहाँ कथा के विकास, भावनात्मक संचार की ठोस प्रेरणा से जुड़ी हुई है, जो चित्रकार की रचनात्मक पद्धति की विशेषता है। नाजुक और नाजुक रंग सामंजस्य संयम और प्लास्टिक निश्चितता प्राप्त करते हैं।

"द साइन ऑफ गेर्सिन" उस समय के लोगों के बारे में एक अभिव्यंजक कहानी है, जो 18 वीं शताब्दी में यथार्थवाद की नई विजय की आशा करता है। लेकिन 1721 में मरने वाले कलाकार की असामयिक मृत्यु ने उनके विरोधाभासी और तेजी से रचनात्मक विकास को बाधित कर दिया, जिसने 18 वीं शताब्दी की फ्रांसीसी पेंटिंग में बहुत कुछ निर्धारित किया।

अठारहवीं शताब्दी की शुरुआत के चित्रकारों पर वट्टू के काम का गहरा प्रभाव था। उनके छात्रों ने उनकी कला की परंपराओं को विकसित करने की कोशिश की - पैटर, उनके प्रत्यक्ष अनुयायियों के सबसे अधिक अभियोगी, देहाती एंटोनी क्विलार्ड और निकोलस लैंक्रे की ओर बढ़ते हुए, जिन्होंने सतही वीरतापूर्ण भूखंडों और विकासशील रोजमर्रा की शैली के नए रूपों दोनों को श्रद्धांजलि दी। शिक्षाविद कार्ल वानलू और अन्य "वीरतापूर्ण शैली" के शौकीन थे। लेकिन 18वीं सदी की फ्रांसीसी कला पर वट्टू का प्रभाव। बहुत व्यापक था: उन्होंने आधुनिक विषयों के लिए, भावनाओं के गेय रंगों की एक बढ़ी हुई धारणा, प्रकृति के साथ काव्य संचार, रंग की सूक्ष्म भावना के लिए रास्ता खोल दिया।

दो शताब्दियों के कगार पर खड़े वट्टू के बाद, फ्रांसीसी कला में समाज की संघर्षशील ताकतों से जुड़ी विभिन्न प्रवृत्तियों के बीच अंतर्विरोध अधिक स्पष्ट रूप से उभरने लगे। एक ओर, 1720-1730 के दशक में। रोकोको की कला, जो पहले से ही उभर रही थी, आकार ले रही है। यह वास्तुकला और स्थापत्य सजावट के नए सिद्धांतों के सीधे अनुपात में उत्पन्न होता है, जब स्मारकीय पहनावा को कुलीनता के अंतरंग मकानों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, और कला के कार्यों की व्याख्या इन हवेली के छोटे अंदरूनी हिस्सों को सजाने वाले सुरुचिपूर्ण ट्रिंकेट के रूप में की जाती है। अंततः, रोकोको की सुखवादी प्रकृति, कला के संज्ञानात्मक मूल्य में रुचि का कमजोर होना, "हमारे बाद - यहां तक ​​​​कि एक बाढ़" शब्दों द्वारा वर्णित समय में महान संस्कृति के पतन के साथ जुड़ा हुआ है। इन दशकों की कला में, प्रकार और शैलियों का अनुपात बदल रहा है - ऐतिहासिक और धार्मिक पेंटिंग संकट में है, सजावटी और सजावटी पैनलों, कालीनों और छोटे deudeportes द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है जो वीर दृश्यों, मौसमों और कला के रूपक को दर्शाते हैं।

रोकोको शैली का उदय 1730-1740 के दशक का है; दृश्य कला में इस शैली का एक उत्कृष्ट उदाहरण पेरिस में सोबिस होटल के अंदरूनी हिस्सों की सुरम्य और मूर्तिकला सजावट है। यह पहनावा 1730 के दशक के उत्तरार्ध में कई लोगों के संयुक्त प्रयासों से बनाया गया था उत्कृष्ट स्वामी- वास्तुकार ब्यूफ्रान, मूर्तिकार - अदानोव और लेमोइन दोनों, चित्रकार बाउचर, ट्रेमोलियर, वानलू और नटोइरे। हवेली के सबसे अच्छे अंदरूनी हिस्सों में से एक ऊपरी मंजिल का अंडाकार हॉल है, जिसे तथाकथित राजकुमारी सैलून कहा जाता है। आंगन की ओर मुख वाली बड़ी धनुषाकार खिड़कियां एक ही आकार और ऊंचाई के दरवाजों और दर्पणों के साथ बारी-बारी से दिखाई देती हैं। इंटीरियर की संरचना में दर्पणों का उपयोग इसे भव्य नहीं बनाता है, क्योंकि यह वर्साय की मिरर गैलरी में था, जहां दर्पण सीधे खिड़कियों के सामने रखे गए थे। अंडाकार हॉल में, प्रतिबिंब इंटीरियर को जटिल बनाते हैं, एक काल्पनिक स्थानिक पैटर्न बनाते हैं, और कई विषम उद्घाटनों का भ्रम राजकुमारी सैलून को बगीचे के गज़ेबो की तरह दिखता है। इंटीरियर का बोलबाला है सफेद रंग; उत्तम हल्के रंग - गुलाबी और हल्का नीला - हल्कापन और अनुग्रह की छाप को मजबूत करते हैं। दरवाजों और खिड़कियों के मेहराबों के ऊपर सोने का पानी चढ़ा हुआ प्लास्टर कार्टूच, कपड, इंटरवेटिंग शाखाएं और नटुआरा के सजावटी पैनल हैं, जो एक सनकी माला में जुड़े हुए हैं। यह लहरदार, हल्का पैटर्न दीवारों और छत के बीच की सीमा को छुपाता है, जबकि छत के केंद्रीय रोसेट की ओर फैली माला सजावटी प्रणाली को पूरा करती है। कामदेव और मानस की प्रेम कहानी को समर्पित नटुआरा की पेंटिंग, पैटर्न का हिस्सा बन जाती है, जो सुंदर सजावट का एक तत्व है। इंटीरियर के स्थापत्य आभूषण की चिकनी लहराती लय भी चित्रों की रचनाओं में गुजरती है, आकृतियों को एक सजावटी पैटर्न से जोड़ती है।

रोकोको हेडोनिज़्म भूखंडों की जानबूझकर कामुकता, आंदोलनों की क्यूटनेस, अनुपात के शोधन और रंग रंगों की मीठी कोमलता - गुलाबी, हरा, नीला में प्रकट होता है। पेंटिंग की यह दिशा आंतरिक सजावट में व्यापक हो गई है, यह 18 वीं शताब्दी की महान संस्कृति की विशिष्ट विशेषताओं को दर्शाती है।

सौबिस होटल के अंदरूनी भाग, सदी के पूर्वार्ध की अन्य हवेली की तरह, वास्तुकला, पेंटिंग, मूर्तिकला और अनुप्रयुक्त कला का एक परिष्कृत और जैविक पहनावा है। मूर्तिकार एर्पेन द्वारा की गई बारीक प्लास्टर सजावट को दरवाजे के ऊपर ट्रेमोलियर और बाउचर के सुरम्य पैनलों के साथ जोड़ा गया है, सुरुचिपूर्ण कांस्य अस्तर दरवाजे और संगमरमर की चिमनियों को सजाते हैं, हल्के हरे और लाल रंग के कपड़े जो दीवारों को कवर करते हैं, एक सोने के पैटर्न के साथ कढ़ाई की जाती है। नक्काशीदार लकड़ी के रोकोको फर्नीचर, रेखाचित्र जिसके लिए प्रसिद्ध सज्जाकार मीसोनियर और ओपेनर द्वारा बनाए गए थे, हल्के और विविध हैं, इसके रूप सजावटी आभूषण की तरह सनकी हैं, घुमावदार समर्थन अस्थिर लगते हैं।

17वीं सदी का भारी और भव्य फर्नीचर। अधिक आरामदायक सन लाउंजर, आर्मचेयर और सोफे, दराज के छोटे चेस्ट और कंसोल टेबल का रास्ता देता है। वे स्क्रॉल, गोले और गुलदस्ते के रूप में नाजुक नक्काशी से ढके हुए हैं, चीनी और देहाती रूपांकनों को चित्रित करने वाले चित्र, और जड़ना। जिस तरह रोसेल पोर्सिलेन में पैटर्न एक मुक्त "रिजर्व" फ़ील्ड छोड़ देता है, फर्नीचर में कांस्य ओवरले में एक हल्की माला के साथ, विभिन्न रंगों की कीमती लकड़ियों से बना, अक्सर अलंकृत सतह को फ्रेम किया जाता है। सनकी डिजाइन और आभूषण में, रूपरेखा की स्पष्टता, लघु और परिष्कार इंटीरियर के चरित्र के अनुरूप है। इस समय के सबसे प्रसिद्ध फर्नीचर निर्माताओं में से एक जैक्स कैफ़ेरी थे।

रोकोको के अंदरूनी हिस्सों को टेपेस्ट्री और ब्यूवाइस कारख़ाना में जीन बेरिन, क्लाउड ऑड्रन, जीन फ्रेंकोइस डी ट्रॉय, फ्रेंकोइस बाउचर और अन्य चित्रकारों के कार्डबोर्ड पर आधारित टेपेस्ट्री द्वारा भी चित्रित किया गया था। उनके विषय वीरतापूर्ण दृश्य और देहाती, शिकार और मौसम, चीनी रूपांकनों ("चिनोइसेरी") हैं। उत्तरार्द्ध पूर्व से लाए गए कपड़े और चीनी मिट्टी के बरतन की प्रचुरता से जुड़ा हुआ है। इस समय के कालीनों के लिए हल्के रंगीन व्यंजन और हल्के सुंदर आभूषण विशिष्ट हैं, जिन्हें रोसेल अंदरूनी को सजाने के लिए डिज़ाइन किया गया है। टेपेस्ट्री के लिए टेपेस्ट्री के लेखक अक्सर सजावटी पैनलों के स्वामी थे। 18 वीं शताब्दी के मध्य के सज्जाकारों में। कार्वर जीन वर्बर्कट (वर्साय अंदरूनी) और चित्रकार क्रिस्टोफ़ ह्यू (शान में महल के अंदरूनी भाग) बाहर खड़े हैं।

17 वीं शताब्दी के अंत में आविष्कार किया गया। शताब्दी के पूर्वार्द्ध में फ्रांसीसी नरम चीनी मिट्टी के बरतन धीरे-धीरे विकसित हुए और अक्सर अनुकरणीय (सेंट क्लाउड, चान्तिली और मेनेसी के कारख़ाना) थे। वास्तव में, केवल सदी के मध्य में ही मूल चीनी मिट्टी के बरतन का उत्पादन फला-फूला - विन्सेनेस और विशेष रूप से सेवरेस कारख़ाना में। 18वीं शताब्दी की शुरुआत में चांदी की तकनीक (थॉमस जर्मेन और अन्य स्वामी) अधिक विकसित थी, साथ ही कांस्य की वस्तुएं - घड़ियां, गिरंडोल और स्कोनस, फूलदान और फर्श लैंप। चीनी मिट्टी के बरतन के लिए, विन्सेनेस उत्पाद डुप्लेसिस और बाउचर के काम से जुड़े हैं, जिनके चित्र के अनुसार वे बनाए गए थे। बाद में सेव्रेस कारख़ाना, जहाँ फाल्कोन ने काम किया, का उत्कर्ष भी बड़े पैमाने पर बाउचर की गतिविधियों के कारण हुआ। यह इस क्षेत्र में था कि रोसेल डेकोरेटर का उत्कृष्ट कौशल सबसे अधिक व्यवस्थित रूप से प्रकट हुआ। 18 वीं शताब्दी के मध्य में प्रदर्शन किया। सेवरेस में, उनके रेखाचित्रों के अनुसार, उनके द्वारा किए गए कामों में बिना ग्लेज़ेड बिस्किट पोर्सिलेन की छोटी मूर्तियां शायद सबसे अच्छी हैं। उनकी गेय सूक्ष्मता और सुशोभित लालित्य शैलीगत विशेषताएं हैं जो युग की अन्य प्रकार की सजावटी कला की भी विशेषता हैं। बाउचर और फाल्कोन के बाद, सेव्रेस की मूर्तिकला कार्यशालाओं का नेतृत्व ले रिच, फिर बोइसेउ ने किया। सदी के उत्तरार्ध में भी, फ्रांसीसी मूर्तिकारों ने प्लास्टिक कला के कक्ष रूपों में रुचि बनाए रखी। सेव्रेस के मॉडल साली, पिगले, क्लोडियन और अन्य द्वारा बनाए गए थे।

फ्रांकोइस बाउचर (1703-1770) खुद को वट्टू का अनुयायी मानते थे। उन्होंने अपने चित्रों को उकेरना शुरू किया। लेकिन वट्टू की कला की गहरी सामग्री और बाउचर के काम की बाहरी सजावट के बीच एक बुनियादी अंतर है, जो 18 वीं शताब्दी के मध्य में बन गया। फ्रांस में कलात्मक स्वाद का ट्रेंडसेटर। बाउचर की नक्काशी में, वट्टू की विशिष्ट शैली के दृश्य सजावटी विगनेट्स में बदल गए। इसी तरह के सिद्धांतों को तब रोकोको बुक इलस्ट्रेशन - विगनेट्स और एंडिंग्स में सन्निहित किया गया था, जो किताब को एक उत्कृष्ट पैटर्न के साथ सजाते थे, जैसे कि प्लास्टर और डेसुपोर्ट्स सजे हुए रोकेल अंदरूनी। लैंक्रेट, पैटर और ईसेन बाउचर के साथ, उन्होंने लाफोंटेन की परियों की कहानियों के लिए चित्र उकेरे। यह तथाकथित लार्मेसन सूट है, जिसे छेनी और नक़्क़ाशी की मिश्रित तकनीक में निष्पादित किया जाता है।

बाउचर के चित्र वट्टू की तरह आध्यात्मिक नहीं हैं, लेकिन वे अपने तरीके से अभिव्यंजक और भावनात्मक हैं। लगभग सुलेख लालित्य के साथ, "द मिल" (ए.एस. पुश्किन म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स) नामक एक जल रंग और बिस्ट्रे ड्राइंग बनाया गया था। ड्राइंग की संरचना सशक्त रूप से सजावटी है - एक नदी, एक पेड़ और एक बादल इस युग के आभूषणों के समान एक घुमावदार रेखा बनाते हैं। बाउचर की परिदृश्य रचनाओं में, फिर भी सच्चाई और प्रकृति के साथ गंभीर नशा से रहित, गीतवाद है, वे रोजमर्रा की जिंदगी से लिए गए रूपांकनों से जीवंत हैं। टेपेस्ट्री और चीनी मिट्टी के बरतन, नक्काशी और रेखाचित्रों के लिए रेखाचित्रों के अलावा, बाउचर ने कई चित्रफलक चित्रों को चित्रित किया, हालांकि, रोसेल आंतरिक सजावट के समान सिद्धांतों के साथ जुड़ा हुआ है। वह फ्रांसीसी देहाती शैली का सच्चा निर्माता है, जिसमें वीर चरवाहों और भद्दे चरवाहों या प्राचीन पौराणिक कथाओं के कामुक प्रसंगों का चित्रण किया गया है। बाउचर के चरवाहे मीठे हैं, वे "ग्रामीण दृश्यों" के लिए भावुक महान फैशन के उदाहरण के रूप में काम करते हैं। इस तरह के लौवर "स्लीपिंग शेफर्डेस" (1745), "द बाथिंग ऑफ डायना" (1742) और अन्य कार्य हैं जो एक सुंदर परिदृश्य में कठपुतली के आंकड़े दर्शाते हैं। यह "सुखद की कला" थी, यह खुश करना चाहता था, लेकिन परेशान नहीं करना चाहता था। अपनी युवावस्था में, एक इतालवी यात्रा के दौरान, बाउचर ने टाईपोलो की कुछ पेंटिंग तकनीकों को अपनाया, विशेष रूप से पैलेट की लपट। उसकी अप्सराओं के शरीर एक नरम प्रकाश विकीर्ण करते प्रतीत होते हैं, और छाया और आकृति गुलाबी हो जाती है। बाउचर के अप्राकृतिक रंग उस समय के विशिष्ट हैं जब वे उत्तम, दुर्लभ रंगों की तलाश में थे, जो अक्सर अजीब नाम रखते थे: "कबूतर गर्दन", "उज्ज्वल चरवाहा", "खोए हुए समय का रंग", "मेरी विधवा" और यहां तक ​​​​कि "रंग का रंग" एक उत्तेजित अप्सरा की जांघ ”। एक अकादमिक मास्टर, बुश की पेंटिंग शैली की ख़ासियत इस तथ्य में भी शामिल थी कि उन्होंने " महान शैली"और आदर्शीकरण के तरीकों का इस्तेमाल किया, जैसे लेब्रन के एपिगोन। उनके चित्रों में असममित रोसेल योजनाओं के साथ-साथ शैक्षणिक त्रिकोणीय और पिरामिड रचनाओं का अनुमान लगाया गया है। यह ठंडी तर्कसंगतता बाउचर को वट्टू और उनके स्कूल से भी अलग करती है। समकालीनों के अनुसार, प्रकृति को करीब से देखने के लिए इच्छुक नहीं, बाउचर ने तर्क दिया कि उनमें सामंजस्य और आकर्षण की कमी थी, कि वह पूर्णता से रहित थी और खराब रोशनी वाली थी। जाहिर है, इसलिए, उन्होंने अपने चित्रों में इसे रंगीन और बहुत हल्का - गुलाबी और नीला बनाने की कोशिश की। आश्चर्य नहीं कि बाउचर के तौर-तरीकों की भारी आलोचना की गई; ज्ञानियों द्वारा उनकी कला का नकारात्मक मूल्यांकन ज्ञात है।

बाउचर के आसपास, जो सदी के मध्य में रोकोको के प्रमुख गुरु थे, इस दिशा के कई कलाकारों को समूहीकृत किया गया था - चार्ल्स जोसेफ नटोइरे, पियरे चार्ल्स ट्रेमोलियर, कार्ल वानलू, पुरानी पीढ़ी के वीर चित्रकार - चार्ल्स एंटोनी कोयपेल, जीन मार्क नटियर .

अठारहवीं शताब्दी के पूर्वार्ध की मूर्तिकला, चित्रकला की तरह, आंतरिक सजावट के सिद्धांतों पर निर्भर थी। Hotel Soubise में, desudéportes को राहत में निष्पादित किया जाता है, प्लास्टर आभूषण में बुने हुए कामदेव के आंकड़ों का उल्लेख नहीं करने के लिए। अंदरूनी हिस्सों में खड़े पौराणिक समूह और पोर्ट्रेट बस्ट सजावटी मूर्तिकला को प्रतिध्वनित करते थे। लेकिन 18वीं सदी के पहले दशकों में। मूर्तिकला में, वर्साय स्कूल की परंपराएं इसकी स्मारकीयता और स्थानिक दायरे के साथ मजबूत थीं। सदी के पूर्वार्द्ध में काम करने वाले कई शिल्पकारों ने 17वीं शताब्दी में निर्मित वर्साय पार्क, मार्ली, भव्य पेरिसियन पहनावा के ऑर्डर पूरे किए। गिलौम कौस्टौ द एल्डर (1677-1746) ने मार्ले घोड़ों के समूहों को मार डाला, जो ऊर्जा और अभिव्यक्ति से भरे हुए थे, जो अब पेरिस में चैंप्स एलिसीज़ की शुरुआत में खड़े हैं। वह अलंकारिक आंकड़ों के बीच लेस इनवैलिड्स - मार्स, मिनर्वा और लुई XIV के पोर्टल के मुखपत्र और मुख्य टाइमपैनम की मूर्तियों का भी मालिक है।

Coust के एक छात्र, Edme Bouchardon (1698-1762) ने भी वर्साय में काम किया। और इसके गठन के लिए, स्मारकीय महल स्कूल के कौशल ने एक भूमिका निभाई। इनमें से सबसे महत्वपूर्ण प्रसिद्ध कृतियांबुशर्डन - संरक्षित नहीं घुड़सवारी की मूर्तिलुई XV, जो कभी इसी नाम के वर्ग (अब प्लेस डे ला कॉनकॉर्ड) के केंद्र में खड़ा था, साथ ही पेरिस की सड़क ग्रेनेले (1739-1745) पर एक बड़ा फव्वारा भी था। इस गुरु के कार्यों में नई कलात्मक तकनीकों का निर्धारण होता है। वह खुद को रूपों के भारीपन और ड्रेपरियों की धूमधाम से मुक्त करता है, देर से वर्साय क्लासिकिज्म की विशेषता है, और गेय विषय, आंदोलनों की कृपा, प्रकाश और छाया संक्रमण की कोमलता, लचीली रेखाओं की संगीतमयता में महारत हासिल करता है। इन विशेषताओं को उन अलंकारिक आकृतियों से भी अलग किया जाता है जो रुए ग्रेनेले पर फव्वारे को सजाते हैं। यह एक घर के अग्रभाग के समान एक बड़ी स्थापत्य और मूर्तिकला रचना है। निचला जंग लगा हुआ टीयर ऊपरी एक के लिए एक कुरसी के रूप में कार्य करता है, केंद्र को ऊपरी टीयर के एक आयनिक पोर्टिको द्वारा चिह्नित किया गया है, इसके दोनों किनारों पर मूर्तियों के साथ निचे हैं, निचे के नीचे राहतें हैं। यह एक युग के चौराहे पर खड़ा एक स्मारक है: एक उभरी हुई मध्य भाग के साथ एक अवतल दीवार रोसेल लेआउट की सनकीपन को याद करती है; नदियों की अलंकारिक छवियों में और विशेष रूप से राहत में, गेय, देहाती नोट मजबूत हैं; पोर्टिको, जो रचना के केंद्र के रूप में कार्य करता है, इसे एकजुट करता है, तपस्या और संयम देता है, रोकोको के लिए असामान्य है। बुचार्डन की सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक कामदेव की मूर्ति (1739-1750; लौवर) है।

सबसे बढ़कर, रोकोको शैली की विशेषताएं जीन बैप्टिस्ट लेमोइन (1704-1778) के काम में प्रकट हुईं। उनके काम का मुख्य क्षेत्र सजावटी प्लास्टिक और विशेष रूप से पोर्ट्रेट बस्ट है। वह उन मूर्तिकारों में से एक थे जिन्होंने सोबिस होटल में काम किया था - उनके पास वहां अलंकारिक आंकड़े थे। हर्मिटेज (लेनिनग्राद) के संग्रह से एक युवा लड़की के चित्र बस्ट में, रचना की सुंदर विषमता, रेखाओं की कोमलता, आंदोलन की सहवर्ती कृपा - लेमोइन की प्रतिभा की ये सभी विशेषताएं उनकी भूमिका को सबसे विशिष्ट के रूप में निर्धारित करती हैं रोकोको चित्रकार, एक गेय उपहार और धारणा की सूक्ष्मता के साथ संपन्न, लेकिन चरित्र की जटिलता को प्रकट करने का प्रयास नहीं कर रहा है।

इसके साथ ही 1730-1740 के दशक में फ्रांसीसी चित्रकला में रोकोको कला के विकास के साथ। तीसरी संपत्ति के विचारों से जुड़ी एक अलग, यथार्थवादी दिशा उभर रही है।

जीन बैप्टिस्ट शिमोन चारडिन (1699 -1779) ने अकादमिक मास्टर्स (पियरे जैक्स केस, नोएल निकोलस कोयपेल, जीन बैप्टिस्ट वानलू) के साथ अध्ययन किया। काज़ की कार्यशाला में, उन्हें लंबे समय तक शिक्षक के चित्रों की नकल करनी पड़ी। बहुत बाद में, उन्होंने इस समय को याद किया: "हम लंबे दिन और रात दीपक की रोशनी में गतिहीन निर्जीव प्रकृति के सामने बिताते हैं, इससे पहले कि वे हमें जीवित प्रकृति दें। और अचानक पिछले वर्षों के सभी काम शून्य होने लगते हैं, हम ऐसा भ्रमित महसूस करते हैं जैसे हमने पहली बार एक पेंसिल उठाई थी। प्रकृति को देखने के लिए आंख को प्रशिक्षित करना आवश्यक है, और कितने लोगों ने इसे कभी नहीं देखा है और कभी नहीं देखेंगे। यह हमारे जीवन की पीड़ा है" ( डी. डीडरॉट, 1765 का सैलून। - संग्रह। सोच।, वॉल्यूम VI, एम।, 1946, पीपी। 94-95।).

अपनी युवावस्था में भी, चारदीन का अभी भी जीवन शैली के प्रति आकर्षण प्रकट हुआ, और 1728 में "युवा प्रदर्शनी" में, जो समय-समय पर पेरिस के मुख्य चौकों (दौफिन स्क्वायर) में से एक में आयोजित की जाती थी, उन्होंने दो रचनाएँ दिखाईं - " बुफे" और "ढलान" (लौवर)। वे सफल रहे और चारदीन को शिक्षाविदों के पद से परिचित कराया। इन कार्यों में फ्लेमिश पेंटिंग के प्रभाव को ठीक ही देखा गया था; वे सजावटी हैं और साथ ही प्रकृति के विचारशील चिंतन से समृद्ध हैं। चारडिन ने फ्लेमिंग्स की बड़ी क्रियात्मक रचनाओं के लिए नहीं, बल्कि अधिक केंद्रित और गहन डच "नाश्ते" के लिए गुरुत्वाकर्षण किया। बहुत जल्द उन्होंने मामूली विषयों की ओर रुख किया। ये कल्फ़ की भावना में "रसोई अभी भी जीवन" हैं, अभी भी रंगों में गहरे हैं, जिनमें हरा, जैतून और भूरा प्रबल है। पहले से ही अभी भी प्रारंभिक जीवन में, द्रव्यमान के संतुलन की गणना सूक्ष्म रूप से की जाती है, लेकिन वस्तुएं अभी भी किसी तरह बिखरी हुई हैं और रूप का सटीक हस्तांतरण नीरस लगता है।

घरेलू शैली ने 1730-1740 के दशक में कब्जा कर लिया। चारदीन के काम में एक प्रमुख स्थान, जिसने तीसरे एस्टेट के चित्रकार के रूप में दर्शकों की सहानुभूति जीती।

उनकी "वॉशरवुमेन", "कुक", जो 1730 के दशक के उत्तरार्ध में दिखाई दी, बाउचर के मीठे देहाती लोगों से उनकी मामूली कविता में भिन्न थी, जो रोजमर्रा की जिंदगी में पकड़ी गई थी। चारडिन के चित्रों में सूक्ष्म भावुकता और कोमल ईमानदारी की विशेषता है। उनके द्वारा चुने गए विषय भी अजीबोगरीब हैं। उनके पास सक्रिय कार्रवाई नहीं है, एक कठिन स्थिति है। पात्रों के संबंध उनके जीवन के किसी असामान्य क्षण में नहीं, बल्कि शांत, इत्मीनान से वर्तमान दैनिक गतिविधियों में प्रकट होते हैं। उनकी कला चिंतनीय है, इसमें जीवन की कोई जटिल, नाटकीय समस्याएँ नहीं हैं। उस समय, दूसरे, अधिक प्रभावी आदर्श के उद्भव के लिए अभी भी पर्याप्त पूर्वापेक्षाएँ नहीं थीं।

कुक (1738; विएना, लिकटेंस्टीन गैलरी) को सोच-समझकर प्रस्तुत किया गया है; ऐसा लगता है कि कलाकार समय के प्रवाह में देरी करता है, सीधे क्रिया को ध्यान से बदल देता है। यह उनके प्रारम्भिक दिनों की प्रिय युक्ति है, जिसके द्वारा साधारण से साधारण प्रसंग का महत्व और भी बढ़ जाता है।

चारडिन की सबसे बड़ी सचित्र विजयों में से एक यह है कि उन्होंने रंग प्रतिबिंबों की प्रणाली को व्यापक रूप से लागू किया। यहां, उदाहरण के लिए, सफेद रंग गुलाबी, पीले, हल्के नीले, भूरे रंग के रंगों से बुना जाता है। एक दूसरे के बगल में रखे गए छोटे स्ट्रोक जीवंत रंग संक्रमण और उनके पर्यावरण के साथ वस्तुओं के संबंध की भावना पैदा करते हैं।

1730 के दशक के अंत तक। चारडिन की रोजमर्रा की शैली में, कथानक विचार अधिक जटिल हो जाते हैं, नैतिक नोट अधिक ध्यान देने योग्य हो जाते हैं। इन वर्षों की लगभग सभी शैली की पेंटिंग शिक्षा के दृश्यों को दर्शाती हैं: द गवर्नेस (वियना), 1740 के सैलून में प्रदर्शित दो जोड़ीदार रचनाएँ - द हार्डवर्किंग मदर एंड प्रेयर बिफोर डिनर (दोनों लौवर में)। "रात्रिभोज से पहले की प्रार्थना" में तीन पात्र - एक माँ और दो छोटी लड़कियाँ - एक जटिल रोज़मर्रा की स्थिति से जुड़े हुए हैं; मां की शांत परोपकारिता, बच्चों की प्रत्यक्ष भावनाओं में दर्शक आसानी से कई रंगों का अनुमान लगा लेते हैं।

चारडिन की शैली की पेंटिंग आम लोगों की "अच्छे नैतिकता" के बारे में, उनके जीवन के तरीके की गरिमा के बारे में एक काव्य कहानी है। चार्डिन का यथार्थवाद लोगों की समानता के अपने विचार के साथ, मनुष्य की गरिमा में विश्वास के साथ प्रबुद्धता के लोकतांत्रिक विचार की पहली अभिव्यक्तियों में से एक था। चित्रकार की रचनात्मक खोजों ने प्रबुद्धजनों के प्रतिबिंबों को प्रतिध्वनित किया। 1740 तक, जब द हार्डवर्किंग मदर एंड द प्रेयर बिफोर डिनर प्रदर्शित किया गया था, रूसो के शुरुआती शैक्षणिक कार्य पुराने हैं, "अच्छे नैतिकता" की शिक्षा के लिए परियोजनाओं की स्थापना किसी भी तरह से विवादास्पद रूप में नहीं की गई है।

गीतात्मक भावुकता चारदीन की कला के मुख्य गुणों में से एक है। एनग्रेवर कोशेन ने अपनी जीवनी में गुरु के एक बयान की रिपोर्ट दी है, जो एक रचनात्मक प्रमाण की तरह लग रहा था। पेंटिंग के रहस्यों में दिलचस्पी लेने वाले एक सतही कलाकार की बकबक से नाराज चारदीन ने पूछा: "लेकिन तुमसे किसने कहा कि वे पेंट से पेंट करते हैं?" "लेकिन क्या?" उसने सोचा। - "वे पेंट का उपयोग करते हैं," चारडिन ने उत्तर दिया, "लेकिन वे भावना के साथ लिखते हैं।"

शैली चित्रकला के क्षेत्र में, चारडिन के अनुयायी थे जिन्होंने उनके चारों ओर समूह बनाया: ज़ोरा, कैनो, ड्यूमसनिल द यंगर। इसमें कई उत्कीर्णकों के नाम जोड़े जाने चाहिए जो उनकी कला के प्रभाव में सामने आए। ये लेबा, विले, लेपिसे, कर, सिरयुग, फ्लिपर और अन्य हैं। कला समीक्षक लाफ़ोन डी सेंट-इन के अनुसार, चार्डिन के चित्रों की नक्काशी बहुत जल्दी बिक गई। 1750 और 1760 के दशक में, जब रोज़मर्रा की शैली के नए रूप विकसित हो रहे थे, बुर्जुआ सद्गुण का प्रचार करते हुए, साठ वर्षीय कलाकार ने शैली चित्रकला में लगभग कुछ भी नया नहीं बनाया; आम आदमी की नैतिक गरिमा पर जोर देते हुए, चारडिन जानबूझकर नैतिकता के लिए अजनबी बने रहे।

चारदीन की कला में रोज़मर्रा की ज़िंदगी और स्थिर जीवन की शैली निकटता से जुड़ी हुई थी। तीसरी संपत्ति के एक चित्रकार के लिए, स्थिर जीवन कला की एक गहन अर्थपूर्ण शैली थी। उन्होंने न केवल रोजमर्रा की जिंदगी की गरिमा और कविता के बारे में बात की, उन्होंने होने की सुंदरता और महत्व की पुष्टि की; चार्डिन का काम प्रकृति को समझने, चीजों की संरचना और सार, उनके व्यक्तित्व, उनके संबंधों के पैटर्न को प्रकट करने के मार्ग के साथ गूंजता है। एक व्यक्ति की कथित निकटता से उसके स्थिर जीवन में चीजें आध्यात्मिक होती हैं; वस्तुओं की व्यवस्था की स्वाभाविकता को संरचनागत तर्क, संतुलन और संबंधों की सटीक गणना के साथ जोड़ा जाता है। स्थिर जीवन की आलंकारिक संरचना की सामंजस्यपूर्ण स्पष्टता दर्शकों को मानवीय उपयोग की सरल वस्तुओं की सख्त गरिमा के लिए प्रेरित करती है। ऐसे हैं लौवर "कॉपर टैंक" और स्टॉकहोम "स्टिल लाइफ विद ए हरे"।

18वीं शताब्दी के मध्य तक। सभी कलाकारों द्वारा नई रंगीन समस्याओं पर व्यापक रूप से चर्चा की गई; 1749 में, शिक्षाविदों ने रंग की संभावनाओं का अध्ययन करने वाले चित्रकार के लिए वस्तुओं की तुलना करने के लाभों के बारे में अभी भी जीवन और परिदृश्य के मास्टर जीन-बैप्टिस्ट ओड्री के भाषण को सुना। 1757 के सैलून की समीक्षा में, सार्थक शीर्षक "भौतिकी और कला पर अवलोकन" के तहत, गौथियर डागोटी ने लिखा है कि वस्तुएं एक दूसरे में परिलक्षित होती हैं।

चारदीन के कार्यों में, सुरम्य सतह, जैसे कि, सबसे छोटे स्ट्रोक से बुनी गई है; रचनात्मकता की परिपक्व अवधि में, स्ट्रोक व्यापक और स्वतंत्र होते हैं, हालांकि वे हमेशा कलाकार के शांत और विचारशील स्वभाव के संयम को महसूस करते हैं। रंगों की ताजगी और चारदीन की सजगता की समृद्धि अब भी हड़ताली है, जब उनका अभी भी जीवन 18 वीं शताब्दी के अन्य उस्तादों ("ऑरेंज एंड ए सिल्वर गॉब्लेट", 1756; पेरिस, निजी संग्रह) के कार्यों के बगल में लटका हुआ है। वह न केवल वस्तुओं की बनावट की विशेषताओं को बताता है, बल्कि उन्हें उनके मांस का भी एहसास कराता है - उदाहरण के लिए, पके फलों की पारदर्शी त्वचा के नीचे कोमल गूदा और रस का अतिप्रवाह ("प्लम की टोकरी", सैलून 1765; पेरिस, निजी संग्रह ) चारडिन को रंगीन रचनाओं के सबसे आधिकारिक पारखी लोगों में से एक माना जाता था, और यह वह था जिसे अकादमी द्वारा नए पेंट की गुणवत्ता की जांच करने का निर्देश दिया गया था।

चार्डिन अपने भविष्य के बर्तनों के साथ एक सेरामिस्ट की तरह रंगीन "पेस्ट" के साथ काम करते हुए, वस्तु के आकार को ठोस और आत्मविश्वास से गढ़ता है। इस तरह हाउस ऑफ कार्ड्स (1735; उफ्फी) बनाया गया था; स्थिर जीवन में "पाइप्स और जग" (लौवर), एक फ़ाइनेस पोत को पेंट की बहुत घनी परत के साथ ढाला जाता है।

रोजमर्रा की जिंदगी की कविता, चीजों के सार में एक सूक्ष्म अंतर्दृष्टि, रंग की गीतात्मक भावनात्मकता और रचनात्मक तर्क, चारदीन की कला और यथार्थवादी स्थिर जीवन के विकास में पिछले चरण के बीच सबसे महत्वपूर्ण अंतर हैं।

योजना के कार्यान्वयन में जल्दबाजी के लिए चारडिन विदेशी थे, उन्होंने धीरे-धीरे काम किया, ध्यान से हर विवरण पर विचार किया। कार्य प्रक्रिया की विचारशीलता सभी अधिक महत्वपूर्ण थी क्योंकि चारडिन ने, जाहिरा तौर पर, प्रारंभिक रेखाचित्र नहीं बनाए थे। उनके समकालीन मैरिएट इस बारे में सीधे बात करते हैं। वास्तव में, चारडिन के चित्र शायद ही हमारे पास आए हों। उनके चित्रों में चित्र में बड़े सुधार के कोई स्पष्ट निशान नहीं हैं। काम की इस प्रकृति के साथ, चित्रकारी का गहरा ज्ञान और रचना की महारत जो कलाकार के पास थी, विशेष रूप से प्रमुखता से सामने आती है। उनकी रचनाएँ बहुत अच्छी तरह से और अच्छी तरह से बनाई गई हैं, उदाहरण के लिए, स्टॉकहोम संग्रहालय से "ड्राफ्टर"।

1770 के दशक में चारडिन पहले से ही एक उन्नत उम्र में था; इन वर्षों के दौरान, एक और चित्र चक्र उत्पन्न हुआ। चारदीन के पहले के चित्रों में (उदाहरण के लिए, जौहरी गोडेफ्रॉय के बेटे की छवि में), चरित्र लक्षण एक व्यवसाय के माध्यम से प्रकट हुए थे जो तस्वीर में इतना महत्वपूर्ण है कि इसे एक शैली के दृश्य के रूप में अधिक माना जाता है। यह कोई संयोग नहीं है कि गोडेफ्रॉय के बेटे के चित्र को "बॉय विद ए टॉप" (1777; लौवर) के रूप में जाना जाता है। 1770 के दशक में, पेस्टल तकनीक की ओर मुड़ते हुए, चारडिन चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की उपस्थिति पर ध्यान केंद्रित करता है। इन कार्यों में, तीसरे वर्ग के व्यक्ति का प्रकार क्रिस्टलीकृत होता है। ऐसा कलाकार की पत्नी (1775; लौवर) का चित्र है। उसकी व्यस्तता और उसकी टकटकी की गंभीरता में - रोज़मर्रा की छोटी-छोटी चिंताओं और अशांति के निशान - हाउसकीपिंग और विवेक की विशेषताएं दिखाई देती हैं, जो इस छवि में सन्निहित जीवन के तरीके में निहित हैं। "हरे रंग का छज्जा के साथ स्व-चित्र" (1775; लौवर) घर के कपड़ों में खुद चारदीन का प्रतिनिधित्व करता है। आकृति के स्पष्ट आयतन में, जिसके लिए चित्र का प्रारूप तंग है, मुद्रा की कठोरता को पढ़ा जाता है। मुद्रा के आत्मविश्वास में, सिर के संयमित मोड़ द्वारा समर्थित, एक चौकस नज़र की अंतर्दृष्टि में, एक लंबे और कठिन जीवन पथ से गुजरने वाले एक कठोर और मांग वाले व्यक्ति की सख्त गरिमा दिखाई देती है।

लगभग एक साथ चारदीन के काम के साथ, लातौर की चित्र कला, 18 वीं शताब्दी के मध्य की सबसे बड़ी यथार्थवाद घटनाओं में से एक, ने आकार लिया।

सदी की शुरुआत में, औपचारिक चित्रकला की परंपराएं प्रचलित थीं, जिनमें से रिगौड और लार्गिलियर प्रतिनिधि थे; हालाँकि, उनका काम नए विचारों से प्रभावित था, और भावना की कविता ने राजसी के मार्ग को एक तरफ धकेल दिया। अन्य शैलियों की तरह, 1730 और 1740 के दशक में, चित्रांकन में विभिन्न प्रवृत्तियों का उदय हुआ। रोकोको चित्रकार जीन-मार्क नटियर (1685-1766), ड्रौएट और अन्य ने अपने चित्रों में प्राचीन देवी-देवताओं की विशेषताओं के साथ दरबारी महिलाओं को सजाया। व्यवहारवाद और आदर्शीकरण ने अदालत में नटियर की सफलता को निर्धारित किया। बाउचर की तरह, नैटियर ने कई सत्रों के साथ मॉडल पर बोझ नहीं डाला, खुद को प्रकृति से एक सरसरी रेखाचित्र तक सीमित कर लिया। समकालीनों ने कहा कि नट्टियर अपनी शैली की तुलना ऐतिहासिक से करते हैं, जिसके द्वारा वे तब "एपोथोसिस", आदर्शीकरण और प्रकृति की सजावट के लिए कलाकार की इच्छा को समझते थे। उनके चित्रों में किसी प्रकार की कठपुतली सुंदरता है, रंग पारंपरिक हैं, सिल्हूट उत्तम हैं; वह एक चित्रकार के मनोविज्ञान को नहीं, बल्कि एक चापलूसी और कुशल सज्जाकार के कौशल को प्रकट करता है। उदाहरण के लिए, हेबे (1744; लौवर) के रूप में डचेस डी चोलिन का चित्र है। 1747 के सैलून का वर्णन करते हुए, आलोचक सेंट येन ने बुजुर्ग महिलाओं के इन "मजेदार एपोथियोस" का उपहास किया।

लुई टोक्वेट (1696-1772), नटियर के अनुयायी के पास एक अधिक नीरस, कथात्मक उपहार था। उन्होंने शैलियों के पदानुक्रम का सम्मान किया और, चित्रांकन की अंतरंगता की ओर बढ़ते हुए, रिगौड की औपचारिक रचना ("मारिया लेशिन्स्काया"; लौवर) के पारंपरिक रूपों का भी उपयोग किया। 1750 में एक अकादमिक सम्मेलन में एक भाषण में, उन्होंने सिफारिश की कि चित्र चित्रकार अनुकूल परिस्थितियों को पकड़ें जो चेहरे को सुंदर बनाती हैं। फिर भी, टॉकेट ने नट्टियर की तुलना में प्रकृति से अधिक काम किया, और विस्तार के उनके प्यार ने उन्हें मॉडल की व्यक्तित्व को व्यक्त करने में मदद की। उनके चित्र अधिक प्राकृतिक और सरल हैं।

1730 और 1740 के दशक में, चित्रांकन में यथार्थवादी प्रवृत्ति मजबूत हुई। उन्होंने सबसे पहले चारदीन के "शैली चित्र" के रूप में अभिनय किया। इसी तरह की विशेषताएं चित्रकार जाक आंद्रे जोसेफ अवेद की कला में दिखाई दे रही थीं। उसी वर्षों में, लातौर ने अपना पहला काम किया।

मौरिस क्वेंटिन डी लाटौर (1704-1788) का जन्म सेंट क्वेंटिन शहर में हुआ था। अपनी युवावस्था में, वे पेरिस गए और वहाँ छोटे कलाकारों के साथ अध्ययन किया, पेस्टिस्टों से प्रभावित थे - इतालवी रोसाल्बा कैरिएरा और फ्रांसीसी विवियन। उन्हें "एक नज़र में चेहरे की विशेषताओं को समझने के लिए एक प्राकृतिक उपहार" के रूप में जाना जाता था, लेकिन यह उपहार धीरे-धीरे विकसित हुआ। केवल 1730 के मध्य तक। लैटौर ने प्रसिद्धि प्राप्त की, 1737 में उन्हें "पेस्टल पोर्ट्रेट पेंटर" के रूप में अकादमी में जोड़ा गया, और एक साल बाद वोल्टेयर ने खुद उन्हें प्रसिद्ध कहा।

लातौर की पहली कृति, जिसकी तारीख हम जानते हैं, वोल्टेयर का एक चित्र है। लैटौर की शुरुआती सफलताएं 1737-1739 में लौवर प्रदर्शनियों की बहाली के समय की हैं।

1742 के सैलून में, उन्होंने अब्बे ह्यूबर्ट (जिनेवा, संग्रहालय) का एक चित्र प्रदर्शित किया। इस रचना की शैली प्रकृति इसे चारडिन द्वारा समान चित्रों के करीब लाती है। विद्वान मठाधीश ठुमके पर झुके। चार्डिन के मॉडल के गीतात्मक लक्षण वर्णन को उनके सक्रिय जीवन के क्षण में विचारों और भावनाओं के जटिल आंदोलन को पकड़ने की इच्छा से बदल दिया गया है: अपने दाहिने हाथ की उंगली के साथ, अब्बे ह्यूबर्ट पुस्तक के पृष्ठों को रखता है, जैसे कि दो की तुलना करना इस काम के अंश (मॉन्टेन द्वारा "प्रयोग")। नट्टियर जैसे चित्रकारों के विपरीत, लैटौर ने न केवल मॉडल को "सजाने" से परहेज किया, बल्कि उसकी मौलिकता को भी उजागर किया। ह्यूबर्ट के चेहरे की अनियमित विशेषताएं बौद्धिक शक्ति से ओत-प्रोत हैं। भारी झुर्रीदार पलकें एक मर्मज्ञ टकटकी, एक मजाकिया मुस्कान छिपाती हैं। मठाधीश के चेहरे के भाव इस व्यक्ति की असाधारण गतिशीलता और ऊर्जा की भावना व्यक्त करते हैं।

भावपूर्ण चेहरे के भावों की मदद से चित्रित किए जा रहे व्यक्ति को चित्रित करने की विधि, जो विचार के सक्रिय जीवन को व्यक्त करती है, लातूर के आदर्शों के कारण है। यह अपने नैतिक गुणों के साथ पहले चारदीन चित्रों का सिर्फ एक नया सामाजिक प्रकार नहीं है। हमारे सामने समय की आलोचनात्मक भावना से ओतप्रोत एक सक्रिय चरित्र है।

1740 के दशक की पहली छमाही में। लातौर ने बड़े औपचारिक चित्रों को भी चित्रित किया। 1746 में अकादमी को चित्रकार रिटौक्स का एक चित्र प्रस्तुत करने के बाद, लातौर ने शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त की।

इन वर्षों की महान रचनाओं में, डुवल डी एल "एपिन (1745; रोथ्सचाइल्ड संग्रह) का चित्र बाहर खड़ा है, जिसे उनके समकालीनों द्वारा" पेस्टल का राजा "कहा जाता है। वास्तव में, यह उनमें से एक है सबसे अच्छा काम 1740 के दशक। निर्ममता पर विशेषता सीमाओं की सटीकता। एक मिलनसार मुस्कान और प्रतीत होता है अनुपस्थित-दिमाग वाला परोपकारी रूप एक ठंडे मुखौटे की तरह दिखता है, जो औपचारिक चित्र के विहित रूपों के लिए सामान्य है।

लातौर के ऐसे कार्यों में कलाकार की सतर्कता प्रकृतिवादी के वैराग्य के समान है। यह समझ में आता है - ऐसा मॉडल चित्रकार की विश्लेषणात्मक क्षमता को उसकी भावनाओं को उत्तेजित करने के बजाय विकसित कर सकता है। पतले सूखे होंठों की अभिमानी अभिव्यक्ति में, निगाहों की सतर्कता में, अविश्वास, संदेह और अहंकार प्रकट होता है, जैसे कि उपस्थिति के माध्यम से "देखना"। यही कारण है कि डुवल डी एल "एपिन का चित्र, छवि की सभी प्रतीत होने वाली निष्क्रियता के साथ, दर्शकों में भावनाओं को उजागर करता है जो ह्यूबर्ट के चित्र पर विचार करते समय उत्पन्न होने वाले लोगों के विपरीत होते हैं, जहां कलाकार बिना शर्त मॉडल के साथ सहानुभूति रखता है। यहां लैटौर , जैसा कि यह था, दर्शक को एक मिलनसार और विडंबनापूर्ण धर्मनिरपेक्ष वार्ताकार के विहित मुखौटे से प्रकृति के सच्चे लक्षणों की ओर ले जाता है। वह मुखौटा और सार की तुलना करने के लिए मजबूर करता है।

1750 के दशक में लातौर ने अपने सबसे प्रसिद्ध कार्यों का प्रदर्शन किया। 1753 के सैलून में, उन्होंने प्रबुद्धता के दार्शनिकों, लेखकों और फ्रांस के वैज्ञानिकों को चित्रित करने वाले चित्रों की एक श्रृंखला का प्रदर्शन किया। इस समय मास्टर के काम के सबसे महत्वपूर्ण पहलुओं में से एक सक्रिय और मजबूत इरादों वाले व्यक्तित्व की गरिमा की पुष्टि है। लातूर की पोर्ट्रेट छवियां बौद्धिक होती हैं। कलाकार ने मानव स्वभाव के अस्पष्ट, अंधेरे पक्षों से परहेज किया, वे गुण जो कारण के प्रकाश से प्रकाशित नहीं होते हैं। आलोचना की भावना और विश्लेषणात्मक सूक्ष्मता उस बौद्धिकता से पूरित थी जो पुरानी, ​​​​मरती हुई व्यवस्था के खिलाफ उन्नत विचार के संघर्ष के समय से उत्पन्न हुई थी। ये विशेषताएं लातौर के कई स्वयं-चित्रों में भी दिखाई दीं।

1753 के कार्यों में डी'अलेम्बर्ट का एक चित्र है (लौवर; सेंट क्वेंटिन में लैटौर संग्रहालय में प्रारंभिक स्केच)। चेहरे की विशेषताएं गति में हैं, प्रकाश की चमक मुस्कान की परिवर्तनशीलता और जीवंत रूप की भावना को बढ़ाती है। दार्शनिक विवादों की आत्मा थी, जो प्रतिभाशाली नीतिशास्त्री का चरित्र प्रकट होता है, जैसा कि वार्ताकार के साथ संचार में था। यह एक विशिष्ट लैटौर तकनीक है।

रूसो ने लैटौर की "दुर्लभ प्रतिभाओं" और उनके द्वारा निष्पादित चित्र की प्रशंसा की। रूसो की छवि कई संस्करणों में जानी जाती है। सेंट-क्वेंटिन संग्रहालय के चित्र में, रूसो चिंतित और उदासीन है, लेकिन उसकी आँखें विशेष जीवंतता से भरी हैं, इस व्यक्ति की अपने पूरे दिल से होने के आकर्षण के लिए आत्मसमर्पण करने की क्षमता की याद दिलाती है। चित्र में द न्यू एलोइस के लेखक की आत्मा का भावनात्मक उत्साह है।

एक अन्य रचना (1753; पेरिस, पोम संग्रह) में, उसकी शाहबलूत आँखें बेचैन, उदास हैं, उसकी भौहें डूबी हुई हैं और उनके बीच उसका माथा सिलवटों में झुर्रीदार है। यहां, चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की आड़ में, उस व्यक्ति की कोणीयता और मजबूरी ध्यान देने योग्य है जो खुश करने की कोशिश नहीं करता है। संवेदनशीलता और संशयवाद, सूक्ष्मता और कठोर कठोरता, अविश्वसनीयता और छिपे हुए उत्साह के संयोजन से एक जटिल, विरोधाभासी छवि उत्पन्न होती है। इस विशेषता में एक उल्लेखनीय भूमिका एक उदासी द्वारा निभाई जाती है, जो मुस्कान को गायब करने के लिए तैयार है।

जाहिर है 1750 के दशक तक। "तैयारी" के फलने-फूलने के लिए जिम्मेदार ठहराया जाना चाहिए, लटौर, चित्रों के लिए प्रारंभिक रेखाचित्र। लैटौर के पोर्ट्रेट स्केच स्ट्रोक की स्वतंत्रता, बनावट की स्केचनेस और विभिन्न तकनीकों द्वारा प्रतिष्ठित हैं: उनमें पेस्टल को पेंसिल, चाक और सेंगुइन के साथ मिलाया जाता है। लेकिन उनके पास एक उच्च आलंकारिक और औपचारिक पूर्णता है।

इनमें से अधिकांश रेखाचित्र सेंट क्वेंटिन संग्रहालय में रखे गए हैं।

सर्वश्रेष्ठ में से एक अभिनेत्री मैरी फेल (सेंट क्वेंटिन, लाटौर संग्रहालय; 1757 के सैलून में प्रदर्शित चित्र, हम तक नहीं पहुंचा) के चित्र का एक स्केच है। उसे रमेउ के ओपेरा जोरोस्टर से एक भूमिका में प्रस्तुत किया गया है, इसलिए उसे एक हल्के नीले रंग की पगड़ी के साथ एक सोने के रिबन और लाल रंग और सफेद फूलों से सजाया गया है। अभिनय प्रेरणा के आकर्षण के साथ प्रकृति की आध्यात्मिक कोमलता यहाँ गुंथी हुई है। अभिनेत्री के सिर के सुंदर मोड़ में मंच सम्मेलन का एक संकेत है, लेकिन यह एक सौम्य दुलार करने वाले लुक और एक मार्मिक विचारशील मुस्कान की ईमानदारी का मार्ग प्रशस्त करता है।

लातूर की महिलाओं के चित्र बहुत अलग हैं। उनमें से प्रत्येक में, चरित्र चित्रण की अंतर्दृष्टि और सूक्ष्मता हड़ताली है - गर्व और थोड़ा विडंबनापूर्ण कैमार्गो, मामूली, प्रत्यक्ष डांगेविल, बोल्ड और जिद्दी फेवर्ड, भोलेपन के मुखौटे के नीचे प्राकृतिक मन को छिपाते हुए। ये सभी उत्कृष्ट अभिनेत्रियाँ हैं, और उनके कलात्मक व्यक्तित्व की छाप हमेशा मनोवैज्ञानिक चित्र में मौजूद है। तो जस्टिन फेवार्ड (सेंट-क्वेंटिन) के वेश में, उनके जीवंत उपहास में, उनकी निगाहों में, बोल्ड धूर्तता और दिलेर उत्साह से भरे हुए, उनके द्वारा बनाए गए मंच प्रकार की विशेषताएं भी प्रकट होती हैं। लेकिन कलात्मक प्रतिभा व्यक्तित्व के सबसे महत्वपूर्ण और इसके अलावा, सामाजिक रूप से महत्वपूर्ण गुण के रूप में कार्य करती है।

यह लातौर की कला के व्यापक सार्वजनिक प्रतिध्वनि की नींव में से एक है। उन्होंने चित्र में न केवल एक व्यक्ति की सामाजिक स्थिति को दर्शाया - यह अन्य चित्रकारों द्वारा किया गया था - बल्कि प्रकृति की वह गतिविधि भी थी, जो चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की गतिविधि की सामग्री और प्रकृति के अनुरूप थी।

कई रिपोर्टों को देखते हुए, लातौर एक दृढ़ और स्वतंत्र व्यक्ति थे। बड़प्पन के साथ तेज, अपने गौरव को चोट पहुँचाते हुए, उसने लुई XV द्वारा दिए गए आदेश को अस्वीकार कर दिया। कलाकार की स्वतंत्रता पर जोर देने की इच्छा उनमें उन्नत सामाजिक विचारों में गहरी रुचि के साथ संयुक्त थी - डाइडरोट के "सैलून" में चित्रकार और उनके आलोचकों की वैचारिक निकटता के कई सबूत हैं, और लैटौर के पत्रों में परिवर्तनशीलता के बारे में दिलचस्प चर्चाएं हैं। प्रकृति, एक चित्र में परिप्रेक्ष्य के निर्माण के बारे में, पात्रों के वैयक्तिकरण के बारे में और क्रमशः - पेंटिंग तकनीक।

लैटौर ने पेस्टल तकनीक को समृद्ध किया, जो मखमली बनावट की ऐसी कोमलता, रंग की ऐसी शुद्धता से अलग थी, जो इसे एक विशेष प्लास्टिक शक्ति प्रदान करती थी।

एक चित्र बनाना, लातौर सहायक उपकरण के साथ दूर हो गया; चेहरे का अध्ययन करते हुए, उन्होंने हाथों की अभिव्यक्ति पर भी ध्यान नहीं दिया। लेकिन लातौर ने चेहरे को अद्भुत कौशल के साथ चित्रित किया। कोई आश्चर्य नहीं कि उन्होंने चित्रित किए जा रहे व्यक्ति को लंबे समय तक पोज देने के लिए मजबूर किया, उसके साथ एक जीवंत और मजाकिया बातचीत बनाए रखी। वार्ताकार का अध्ययन करते हुए, ऐसा लग रहा था कि वह उसके साथ एक सूक्ष्म खेल खेल रहा है। ऐसा लगता है कि मार्मोंटेल, खुद पर संदेह किए बिना, इस खेल का शिकार हो गया, जब उसने लातौर की बात सुनी, "यूरोप की नियति का नेतृत्व कर रहा था।"

लातौर ने उन लोगों के बारे में बात की जिन्हें उन्होंने चित्रित किया: "वे सोचते हैं कि मैं केवल उनके चेहरे की विशेषताओं को पकड़ता हूं, लेकिन उनकी जानकारी के बिना मैं उनकी आत्मा की गहराई में उतरता हूं और इसे पूरी तरह से लेता हूं।"

शायद कलाकार ने अतिशयोक्ति की - उसके सभी काम इतने गहरे नहीं हैं; और फिर भी सबसे व्यावहारिक चित्र चित्रकार के ये शब्द, उनके मॉडल को "पेशे" करते हुए, उनके काम के लिए एक एपिग्राफ के रूप में काम कर सकते थे। "एक आदमी का चेहरा," डिडरोट ने लिखा, "एक परिवर्तनशील कैनवास है जो प्रकाश और त्वरित सांसों के अनगिनत परिवर्तनों का पालन करता है, जिसे आत्मा कहा जाता है।" लक्षण वर्णन की निश्चितता को बनाए रखते हुए आध्यात्मिक आंदोलनों के रंगों को पकड़ने की क्षमता, लातूर के यथार्थवाद के मुख्य गुणों में से एक है। उन्होंने ऐसे राज्यों को चुना, जो अपने आप में विशेष जीवंतता से प्रतिष्ठित हैं - यह बिना कारण नहीं है कि उन्होंने अक्सर अपने नायकों को मुस्कुराते हुए चित्रित किया। लातूर के चित्रों में मुस्कान बौद्धिक है। इसके अलावा, चित्रित व्यक्ति की आंतरिक दुनिया एक मुस्कान की सूक्ष्मतम मनोवैज्ञानिक अभिव्यक्ति में विशेष चमक के साथ प्रकट होती है जो वास्तव में चेहरे को रोशन करती है।

लैटौर और पेरोनन्यू के चित्रांकन की तुलना करते समय, अक्सर यह अनदेखी की जाती है कि जीन-बैप्टिस्ट पेरोनन्यू लैटौर (1715-1783) से ग्यारह वर्ष छोटा था। प्रथम ज्ञात तिथिपेरोनो का चित्र कार्य - 1744, इस समय फ्रेंच पोर्ट्रेटपहले से ही अत्यधिक विकसित था। पेरोनन्यू ने अपने पूर्ववर्तियों द्वारा चलाए गए मार्ग का अनुसरण किया, और यह आश्चर्य की बात नहीं है कि वह जल्द ही लैटौर के समान उम्र का लग रहा था।

उन्होंने शिक्षाविद नाटोइरे के अधीन अध्ययन किया, लेकिन छोटे आकार के चित्रों की शैली को चुना, ज्यादातर बस्ट, कम अक्सर आधी लंबाई। लातौर के प्रभाव और उनके साथ निकटता को समकालीनों द्वारा सर्वसम्मति से नोट किया गया था; यह सामान्य दिशा के बारे में है। संभवतः पहले से ही 1744 से पेरोनन्यू ने एक भटकता हुआ जीवन शुरू किया था; आजीविका की तलाश में, उन्हें यूरोप की यात्रा करनी पड़ी। वह नट्टियर की तरह एक फैशनेबल कोर्ट पेंटर नहीं था, और आदेश उसके लिए आसान नहीं थे। ग्राहक पेरोनो के परिश्रम के बारे में लिखते हैं, कि वह अपने मॉडल को मारने के लिए तैयार था, छवि की सटीकता और पूर्णता के लिए प्रयास कर रहा था। यह सब उसके जीवन को सुरक्षित नहीं बनाता था, और वह अक्सर अपने पत्रों में अपनी गरीबी और असफलताओं का उल्लेख करता है।

उनके काम में, दो दशकों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है, जो सुनहरे दिनों की अवधि थी। पहला दशक - 1744 और 1753 के बीच, पहली बड़ी सफलताओं का समय, पेरोनो की उत्कृष्ट प्रतिभा की पहचान का समय। दूसरी अवधि 1760 के दशक को कवर करती है।

पेरोनो की कलात्मक तकनीकों का वर्णन करते हुए, आलोचकों ने अक्सर ब्रशस्ट्रोक की कृपा, रंग की सूक्ष्मता और ड्राइंग की आध्यात्मिकता की बात की। ये गीतात्मक गुण हैं, और पेरोनॉट को उनके लिए सटीक रूप से महत्व दिया गया था; उनकी कला के लिए उनके मॉडल के सामान्य गुण प्राकृतिक दयालुता, आध्यात्मिक कोमलता, परिवर्तनशील भावनाओं की अनिश्चितता हैं।

उनके कार्यों में, रंग की कोमलता, ग्रे और जैतून, हरे और गुलाबी, नीले और काले रंगों के संयोजन, एक चांदी की तानवाला द्वारा एकजुट, विशेष रूप से आकर्षक हैं ("एक किताब के साथ एक लड़के का चित्र", 1740 के दशक, हरमिटेज, चित्रण देखें) ; "श्री सुश्री सोर्कनविले, लौवर का पोर्ट्रेट)। छोटे स्ट्रोक और रंग प्रतिबिंब पेरोनो को चारडिन के करीब लाते हैं। उन्होंने पूरी तरह से त्वचा की नाजुक कोमलता, अच्छी गुणवत्ता वाले कपड़े की घनत्व, हल्के पाउडर बालों की हवादारता, गहनों की गर्म झिलमिलाहट को पूरी तरह से पुन: पेश किया।

पेरोनो की कला एक उज्ज्वल व्यक्तित्व के प्रोग्रामेटिक बयान से, लातूर के बौद्धिकता से बहुत दूर है। लेकिन उनके चित्र अपने तरीके से काव्यात्मक हैं: यह कोई संयोग नहीं है कि उनका झुकाव बच्चों और महिलाओं को चित्रित करने के लिए था। पेरोनो की कला की गेय भाषा ने उन्हें उत्कृष्ट रूप से सेवा दी जब एक युवा आत्मा के आकर्षण को व्यक्त करना आवश्यक था। इसका सबसे अच्छा उदाहरण ड्राफ्ट्समैन की बेटी युक्यो (पेस्टल, लौवर) का चित्र है। ज्यादातर मामलों में, पेरोनो के पात्र दर्शकों को देखते हैं, उन्हें अपने आध्यात्मिक रहस्य बताते हैं। यहाँ टकटकी को एक तरफ कर दिया जाता है इससे व्यक्ति के आंतरिक जीवन पर चित्रकार के स्पर्श को और अधिक सावधानी और नाजुक चित्रित किया जाता है। धूर्त, कोमल मुस्कान कुछ अनिश्चित है; प्रकाश से छाया में संक्रमण इतना मायावी है कि मैडेमोसेले युकिएर का सुंदर सिर एक पारदर्शी धुंध में डूबा हुआ लगता है।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के चित्रकारों में। जोसेफ सिफ्रेड डुप्लेसिस (1725-1802), एडिलेड लेबिल-गिलार्ड (1749-1803) बाहर खड़े हैं।

18वीं शताब्दी के मध्य में ग्राफिक्स के सुनहरे दिनों में प्रवेश करता है - ड्राइंग, उत्कीर्णन, पुस्तक चित्रण। इसकी सफलताएँ आम तौर पर इस युग की विशेषता हैं, जब इसने सापेक्ष स्वतंत्रता हासिल कर ली थी। यह शैली के विषयों के विकास और प्रकृति से स्केचिंग की गरिमा के लिए सम्मान की वृद्धि से सुगम था। ड्राइंग के परास्नातक आधुनिक जीवन के विषयों पर विभिन्न सूट बनाते हुए दिखाई देते हैं। इन प्रक्रियाओं को और अधिक समझा जा सकता है क्योंकि उस समय शैली चित्रकला में विषयों की श्रेणी का विस्तार हुआ था।

चार्डिन के अनुयायी, एटियेन जोरा, बाजार टाउन स्क्वायर में दृश्य बनाते हैं और सड़क जीवन के एपिसोड अपनी शैली के चित्रों के विषय बनाते हैं। 1750 के दशक की कला में कथा की शुरुआत तेज है, शैली के लेखक घरेलू छापों, आंतरिक शैली की सीमा से परे जाते हैं। चित्रकार जे.-बी. एक ही वर्ष में बेनार्ड और जीन-बैप्टिस्ट लेप्रिंस "ग्रामीण दृश्यों" की ओर मुड़ते हैं, इसी तरह के विषय प्रतिभाशाली उत्कीर्णक विले के चित्र में पाए जाते हैं।

18वीं सदी के मध्य के सबसे प्रतिभाशाली ड्राफ्ट्समैन में से एक। गेब्रियल डी सेंट-औबिन (1724-1780) थे। एक कारीगर के बेटे, सेंट-औबिन ने अपनी युवावस्था में एक वास्तुशिल्प स्कूल में ड्राइंग पढ़ाया। 1750 के दशक की शुरुआत में। उन्होंने दो बार प्रिक्स डी रोम पाने की कोशिश की, लेकिन हर बार यह केवल दूसरा पुरस्कार था, और अकादमिक अनुदान उनके लिए अप्राप्य साबित हुआ। ऐतिहासिक पेंटिंग के क्षेत्र में कलाकार के विचार रेखाचित्रों में बने रहे, और उन्होंने उन रचनाओं को फिर से तैयार किया जिन्हें उन्होंने इतनी बार शुरू किया था कि उन्होंने अंततः इसे खत्म किए बिना छोड़ दिया। लेकिन वह पेरिस में रोजमर्रा की जिंदगी के सजीव अवलोकनों पर आधारित चित्र बनाने में बहुत अच्छे थे।

सेंट-औबिन परिवार में दो प्रतिभाशाली ड्राफ्ट्समैन थे; दूसरा ऑगस्टिन (1737-1807) था। भाइयों की प्रतिभा अलग है - ऑगस्टिन का चित्र मुख्य रूप से सटीक और कथात्मक है, लेकिन इसमें सूक्ष्म सुरुचिपूर्ण स्पर्श का परिष्कार भी है। प्रसिद्धि प्राप्त करते हुए, ऑगस्टिन आधिकारिक उत्सवों और समारोहों का इतिहासकार बन जाता है। लेकिन 1750 के दशक में वह अभी भी गेब्रियल के साथ एक ऐसी चीज से जुड़ा हुआ है जो आम तौर पर इन वर्षों की विशेषता है। इसलिए, 1757 में, ऑगस्टिन ने पेरिस के माध्यम से दर्शनीय यात्रा के लिए दृश्यों को उकेरा।

गेब्रियल के काम में, भूखंड की विविधता हड़ताली है - वह मेलों और सैलून, शहर के पार्कों को खींचता है और थिएटर हॉल, गलियों और चौकों में दृश्य, वैज्ञानिकों के व्याख्यान और मंत्रमुग्ध करने वाले सत्र, स्मारक और परिदृश्य, छुट्टियां और रात्रिभोज, सैर और शौचालय, मूर्तियाँ और पेंटिंग - लौवर से सेंट क्लाउड और वर्साय तक। इन चित्रों के तहत अक्सर हस्ताक्षर किए जाते हैं: "चलने के दौरान बनाया गया।" उन्होंने न केवल जीवन की विविधता, बल्कि प्रकारों की विशिष्टता की भी सराहना की, इसमें वे फ्रांसीसी उत्कीर्णन "फैशन और रीति-रिवाजों" की परंपराओं के प्रति वफादार हैं। उनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक "1753 में लौवर सैलून का दृश्य" नक़्क़ाशी है। नक़्क़ाशी की संरचना में दो स्तर होते हैं - शीर्ष पर आप दीवारों पर लटकाए गए चित्रों को देख सकते हैं, और जनता उन्हें देख रही है, नीचे - प्रदर्शनी में आने वाले आगंतुक सीढ़ियों पर चढ़ रहे हैं। विशेष रूप से अभिव्यंजक प्रत्याशा से भरे एक बूढ़े व्यक्ति की एकाकी आकृति है। भीड़ का उत्साह और जीवंतता, पारखी लोगों की केंद्रित विचारशीलता, विवाद-प्रेमियों के अभिव्यंजक भाव - यह सब उत्कीर्णक द्वारा तेजी से देखा जाता है। उत्तम तानवाला उन्नयन में एक विशेष आध्यात्मिकता और भावुकता होती है जो वट्टू की याद दिलाती है।

सेंट-औबिन एक लचीली और मुक्त तकनीक की तलाश में थे जो दुनिया की परिवर्तनशीलता, इसके रूपों की गतिशीलता को व्यक्त कर सके। उन्होंने सीसा और इतालवी पेंसिल का इस्तेमाल किया, उनमें काले स्वर की कोमलता और गहराई की सराहना करते हुए, उन्हें पेन और ब्रश के साथ काम करना पसंद था, चीनी स्याही का उपयोग वॉश, बिस्ट्रे, सेपिया, पीले और हल्के नीले रंग के साथ। पानी के रंग का पेंट. उनके चित्र में इतालवी पेंसिल को बिस्ट्रे और पेस्टल, लेड पेंसिल - चीनी स्याही और संगीन के साथ जोड़ा गया है। विभिन्न तकनीकी साधनों का यह मिश्रण गेब्रियल डी सेंट-औबिन के ग्राफिक्स की एक विशेषता है।

अपने बाद के वर्षों में, सेंट-औबिन ने नाटककार सेडेन, मर्सिएर की पुस्तकों के कार्यों को चित्रित किया। यह उत्सुक है कि वे स्वयं व्यंग्यात्मक कविताओं के लेखक थे; उनमें से बुश पर एक एपिग्राम है।

सदी के मध्य में, आधुनिक रीति-रिवाजों के दृश्यों को चित्रित करने वाले उत्कीर्णकों की संख्या कई गुना बढ़ जाती है। ये हैं कोचीन, ग्रेवेलो, ईसेन, जीन मिशेल मोरो द यंगर। पुस्तक चित्रण के विकास में उनकी कला सबसे महत्वपूर्ण चरण थी - 18 वीं शताब्दी की ग्राफिक संस्कृति की सबसे उत्तम रचनाओं में से एक। मोरो द यंगर की नक्काशी, सामाजिक जीवन के दृश्य विशेष रूप से अभिव्यंजक हैं; वह उस समय के फ्रांस में रोजमर्रा की जिंदगी के सर्वश्रेष्ठ लेखकों में से एक थे।

उत्कीर्णन की तकनीक में इस समय बहुत सी दिलचस्प बातें। उत्कीर्णन की लोकप्रियता ने प्रौद्योगिकी में सुधार किया, और खोजों ने खोज का अनुसरण किया। यह विशेषता है कि तकनीकों की खोजी गई किस्मों को गतिशील और मुक्त तकनीकों के लिए जीवंत अभिव्यक्ति की इच्छा से एकजुट किया गया था। गाइल्स डेमार्टो एक पेंसिल तरीके से काम करना शुरू कर देता है, अपने पूर्ववर्तियों में से एक की खोज को विकसित करते हुए, एफ। चार्पेंटियर ने लैविस का आविष्कार किया - उत्कीर्णन में धुंधलापन की नकल, और शैली के चित्रकार लेप्रिंस, इस नवाचार को उठाते हुए, एक्वाटिंट तकनीक विकसित करते हैं। अंत में, बाद में लैविस और एक्वाटिंट (जीन फ्रेंकोइस जीननेट, लुई फिलिबर्ट डेबूकोर्ट) पर आधारित एक रंग उत्कीर्णन है।

18 वीं शताब्दी के अंत में, फ्रांसीसी ग्राफिक्स में एक नया उदय क्रांति की घटनाओं के प्रतिबिंब के साथ जुड़ा हुआ है, जिसने ड्राफ्ट्समैन की एक शानदार आकाशगंगा को सामने रखा - प्रियूर, थेवेनिन, मोनेट, एलमैन, डुप्लेसिस-बर्टो, स्वेबैक और अन्य .

सदी के मध्य में यथार्थवाद का विकास, अंतर्विरोधों का बढ़ना और कला की प्रवृत्तियों का संघर्ष - यह सब कला के सिद्धांत के उदय का कारण बना, कला आलोचना की एक अभूतपूर्व गतिविधि। सदी के मध्य तक, जब वोल्टेयर के शब्दों में, राष्ट्र ने अंततः रोटी के बारे में बात करना शुरू किया, तो बुर्जुआ प्रबुद्धजनों के शिविर ने रैली की, 1751 में अभिजात वर्ग और चर्च के खिलाफ अपने "युद्ध टॉवर" - विश्वकोश को आगे रखा। सौंदर्यशास्त्र के क्षेत्र में एक वैचारिक संघर्ष भी सामने आया। जैसा कि आप जानते हैं, प्रबुद्धजनों का मानना ​​था कि नैतिक शिक्षा की सहायता से समाज का पुनर्निर्माण संभव है, इसलिए सबसे पहले यह आवश्यक है कि अनैतिकता और समाज में इसे जिस माध्यम से बोया जाता है, उसे उखाड़ फेंका जाए। जब डिजॉन अकादमी ने "क्या विज्ञान और कला के पुनरुद्धार ने नैतिकता में सुधार किया?" विषय को सामने रखा, तो रूसो ने गुलामी की लोहे की जंजीरों पर फूलों की माला के रूप में नकारात्मक, ब्रांडिंग कला का उत्तर दिया। संक्षेप में, उन्होंने महान संस्कृति को उसकी विकृति और प्रकृति के प्रति शत्रुता के साथ ब्रांडेड किया। एक स्पष्ट अंतर के साथ, एक झूठी सभ्यता के खिलाफ रूसो के इस युद्ध और रोकोको कला के प्रदर्शन के बीच एक निस्संदेह समानता है, जो हर किसी में पाई जा सकती है, डाइडरॉट्स सैलून।

आत्मज्ञान सौंदर्यशास्त्र में बहुत कुछ कला में यथार्थवाद की स्थापना की ओर निर्देशित है। यथार्थवादी कलाकारों चारदीन, लाटौर और अन्य का समर्थन करने वाले डाइडरोट ने इसे अथक रूप से दोहराया। डाइडरॉट की कला आलोचना कलात्मक अभ्यास के क्षेत्र में एक उन्नत विचारक की सक्रिय घुसपैठ का शायद पहला उदाहरण है, जो उनके यथार्थवादी मूल्य और लोकतांत्रिक अभिविन्यास के संदर्भ में कला की घटनाओं का मूल्यांकन करता है।

डाइडरॉट का सौंदर्यवादी सिद्धांत कला का ठोस जीवन जीता है, और इस तरह इसने अकादमिक सिद्धांतकारों के सट्टा, सट्टा निर्माण का विरोध किया। कला में सत्य की माँगों के साथ-साथ डाइडरॉट ने आधुनिक चित्रकला और मूर्तिकला का विश्लेषण करते हुए क्रिया की समस्या को सामने रखा है। वह चिंतित हैं कि बुजुर्गों के लिए रोजमर्रा की शैली कला बन रही है। वह चित्र में कार्रवाई देखना चाहता है और रूसो के चित्र से "हमारे दिनों के कैटो" की छवि नहीं बनाने के लिए, अपने दिल के लिए बहुत प्रिय लातौर पर पड़ता है।

इन्हीं वर्षों के दौरान फ्रांस में "ऊर्जा" शब्द प्रयोग में आया। डाइडरॉट के लिए दृश्य कला में कार्रवाई की समस्या कला की सामाजिक गतिविधि की समस्या है। यह अनुमान लगाते हुए कि बाद में क्या होगा, उन्होंने विचार, ललक, कल्पना - वह सब कुछ जो राष्ट्र के जागरण में योगदान दे सकता है, को पकड़ने और समर्थन करने की मांग की।

पेंटिंग में लोगों के वर्ग की स्थिति के हस्तांतरण के बारे में बोलते हुए, डाइडरॉट का मतलब बाहरी विशेषताओं से नहीं है जो दर्शक को समझाते हैं कि वह चित्र में किसे देखता है। इसका तात्पर्य मानव मानस, उसकी आंतरिक दुनिया, भावनाओं की प्रकृति में इस स्थिति की छाप है। "कारीगरों के आंकड़े और चेहरे दुकानों और कार्यशालाओं के कौशल को संरक्षित करते हैं।" यह अध्ययन करने का आह्वान कि पर्यावरण किसी व्यक्ति की प्रकृति को कैसे आकार देता है, और अंत में, कला में एक साधारण व्यक्ति को चित्रित करने के लिए ज्ञानोदय के सौंदर्यशास्त्र की विशेषता थी।

कलात्मक छवि की सत्यता के बारे में बहस करते हुए, डाइडरोट ने अपने "पेंटिंग पर अनुभव" में यथार्थवादी खोजों को सामान्यीकृत किया समकालीन कलाकार. हवाई परिप्रेक्ष्य और रंग प्रतिबिंबों के बारे में उनकी टिप्पणियां विशेष रूप से दिलचस्प हैं, चिरोस्कोरो और अभिव्यक्ति के बारे में।

डिडरॉट की सौंदर्य संबंधी अवधारणाएं विवाद के बिना नहीं हैं। बाउचर को रिबुकिंग करते हुए, वह उत्साहपूर्वक कला के कार्यों में विनम्रता और लालित्य के बारे में बात करते हैं; चारदीन के सुरम्य गुणों की सराहना करना जानते हुए, वह ग्रीज़ के शर्करा "सिर" के लिए अवर्णनीय प्रशंसा में आता है, यह घोषणा करते हुए कि वे रूबेन्स के चित्रों से अधिक हैं। आकलन के ये अपरिवर्तनीय अंतर्विरोध बुर्जुआ प्रबुद्धजनों के विचारों के सार से ही उत्पन्न होते हैं।

कला को महान शैक्षिक महत्व देते हुए, प्रबुद्ध लोगों ने इसे "प्राकृतिक मनुष्य" के अपने सिद्धांत के अनुसार नैतिकता को शिक्षित करने का एक साधन माना। लेकिन चूंकि इस बिंदु पर, नैतिकता के क्षेत्र में, वे आदर्शवाद की ओर मुड़े, बुर्जुआ की कथित अच्छाई कला में आदर्शीकरण का विषय बन गई। अभिजात वर्ग की शातिरता को एक अमूर्त गुण के साथ तुलना करते हुए, प्रबुद्ध लोगों ने यह नहीं देखा कि पूंजीवाद अपने साथ क्या लेकर आया है। इसलिए, डिडरोट के अपने नाटकों में बुर्जुआ नायक अवास्तविक, बेजान और रुके हुए हैं, जो उपदेश देने के लिए मुखपत्र के रूप में सेवा कर रहे हैं। शायद प्रबुद्धता सौंदर्यशास्त्र में सबसे कमजोर बिंदु कला में नैतिकता की मांग है, और कला के लिए समर्पित निबंधों के सबसे पुराने पृष्ठ वे हैं जहां नैतिकता की शैली पर उत्साह है। ऐसे मामलों में डाइडरॉट का अंधापन हड़ताली है। विशेष रूप से उत्सुक वे मार्मिक कहानियाँ हैं जिन्हें उन्होंने स्वयं चित्रकारों के लिए रचा था।

दृश्य कलाओं में, जिस कलाकार का काम इन विरोधाभासों को दर्शाता है, वह जीन-बैप्टिस्ट ग्रीज़ (1725-1805) था। ग्रेज़ ने ल्यों में दूसरे दर्जे के चित्रकार ग्रैंडन के साथ अध्ययन किया। पहली प्रसिद्धि उन्हें "बाइबल पढ़ने वाले परिवार के पिता" शैली की पेंटिंग द्वारा लाई गई थी। 1750 के दशक में उन्होंने इटली की यात्रा की और वहां से घर के दृश्य लाए, जिसमें कथानक के अलावा इतालवी कुछ भी नहीं है। उसके चारों ओर एक संघर्ष सामने आता है। शाही इमारतों के निदेशक, मार्क्विस ऑफ मारिग्नी ने उन्हें मार्क्विस पोम्पाडॉर के लिए अलंकारिक रचनाओं के आदेशों के साथ आकर्षित करने की कोशिश की, और उन्हें इटली भेजने की पेशकश की। प्रबुद्धजनों ने ग्रीज़ के भूखंडों के लोकतंत्रवाद का समर्थन किया, जिन्होंने तीसरी संपत्ति के चित्रकार के रूप में काम किया।

1761 के सैलून में ग्रीज़ के प्रोग्रामेटिक कार्य का प्रदर्शन किया गया था। यह "देश की दुल्हन" (लौवर) है। ग्रीज़ की पेंटिंग न केवल घरेलू जीवन के क्षणों में से एक की छवि है। वह कार्य जो उसने काफी सचेत रूप से अपने लिए निर्धारित किया था, वह बहुत व्यापक था - एक विस्तृत बहु-आकृति रचना में, पारिवारिक जीवन में एक असाधारण घटना को प्रस्तुत करने के लिए, तीसरी संपत्ति की अच्छी नैतिकता का महिमामंडन करना। इसलिए, घटना में मुख्य कार्यक्रम के आसपास - दहेज के परिवार के पिता द्वारा अपने दामाद को हस्तांतरण - यह कहानी कि परिवार के सम्मानित सदस्य इस "आत्मा के असाधारण आंदोलन" को कितनी उत्साह से देखते हैं। प्रकट होता है। रचना को एक नए तरीके से बनाया गया है: ड्रीम के पात्र ऐसा महसूस करते हैं जैसे वे मंच पर रहते हैं, अभिनय नहीं करते हैं, लेकिन प्रतिनिधित्व करते हैं। पात्रों की व्यवस्था, उनके हावभाव और चेहरे के भावों को इस तरह से सोचा जाता है जैसे कि "अश्रुपूर्ण कॉमेडी" के स्कूल द्वारा लाए गए निर्देशक द्वारा। इसलिए, एक की भक्ति और कोमलता और दूसरे की निंदनीय ईर्ष्या की तुलना करने के उद्देश्य से नवविवाहिता की दो बहनों की तुलना की जाती है। अंग्रेजी नाटककार गोल्डस्मिथ ने इसी तरह की घटनाओं के बारे में लिखा था नाट्य कला: "इन नाटकों में, लगभग सभी पात्र अच्छे और अत्यंत महान हैं: वे अपने टिन के पैसे को एक उदार हाथ से मंच पर वितरित करते हैं।"

1761 के सैलून में भी, ग्रीज़ ने हर्मिटेज पेंटिंग पैरालिटिक के लिए कई चित्र प्रदर्शित किए। इस पेंटिंग के रेखाचित्रों में, "दादी" (पेरिस, निजी संग्रह) नामक एक जल रंग जाना जाता है। जल रंग एक गरीब आवास को दर्शाता है, सीढ़ियों के नीचे एक बीमार बूढ़ी औरत के चारों ओर बच्चों की भीड़। पोज़ की प्रेरकता, स्थिति की जीवन शक्ति प्रकृति से ग्रीज़ के काम की याद दिलाती है। पेरिस के व्यापारियों, भिखारियों, किसानों, कारीगरों के चित्रों के लिए जाना जाता है। पेंटिंग पर कलाकार के काम की शुरुआत में, प्रकृति से रेखाचित्र खेले जाते थे महत्वपूर्ण भूमिका. लेकिन जब 1763 के सैलून में प्रदर्शित पेंटिंग के साथ स्केच की तुलना की जाती है, तो एक बदलाव ध्यान देने योग्य होता है। आसन और हरकतें प्रभावित हो गईं और किसी तरह लकड़ी, परिवार लकवाग्रस्त के पास पहुंचा, उन्हें उनकी कृतज्ञता और उत्साह के शोर परेड के साथ उनकी अंतिम ताकत से वंचित कर दिया। चित्र में सीढ़ियों की टेढ़ी-मेढ़ी रेलिंग पर स्केच में लटका हुआ चीर एक राजसी चिलमन में बदल जाता है। यह चादर, एक परिवार के बैनर की तरह, पुण्य नायकों के पिरामिड समूह का ताज है। संक्षेप में, ग्रीज़ अकादमिक रचनात्मक तकनीकों का सहारा लेता है, पात्रों को "आधार-राहत में" अग्रभूमि में रखता है। ग्रीज़ के कई चित्र यथार्थवाद की विशेषताओं से संपन्न हैं; वे जीवन के अवलोकन पर आधारित हैं। लेकिन कलाकार की रचनात्मक पद्धति बाहरी, रूढ़ीवादी होती है। यह प्रक्रिया 17वीं शताब्दी के एक शिक्षाविद् के एक प्रयास की याद दिलाती है। लेब्रन ने मानवीय भावनाओं की सभी विविधता को अमूर्त जुनून के कुछ सूत्रों में कम करने के लिए कहा।

1760 के दशक में प्रत्येक नए काम के साथ, ग्रीज़ के नायक, जैसा कि थे, "पेट्रिफ़ाइड एपिथेट्स" प्राप्त करते हैं - परिवार के पीड़ित पिता, शातिर पुत्र, सम्मानित दामाद, दुष्ट सौतेली माँ, आदि। , और अन्य)।

रचना "उत्तर और काराकाल्ला" (सैलून 1769; लौवर) एक गुणी पिता और एक शातिर पुत्र की कहानी है, जिसे एक ऐतिहासिक पेंटिंग के पद तक ऊंचा किया गया है। एक ओर, ग्रीज़ का पारिवारिक गुण अधिक से अधिक अमूर्त होता गया, और इसका "ऐतिहासिक महिमामंडन" इस दृष्टिकोण से काफी तार्किक है। लेकिन साथ ही, यहां एक महत्वपूर्ण नया अर्थ है। कैराकल्ला न केवल एक शातिर पुत्र है, बल्कि एक बुरा शासक भी है। ग्रेज़ द्वारा इस तस्वीर को स्वीकार करने से इनकार करके, अकादमी (उस समय वृद्ध बाउचर की अध्यक्षता में) ने नागरिक मकसद के खिलाफ विरोध किया जो कि 1770 के दशक में पहले से ही हो रहा था। नागरिक सद्गुण के साथ पारिवारिक गुण का प्रतिस्थापन।

देर से ग्रेयूज़ के कार्यों में, अधिक से अधिक तरीके हैं। ऐसे हैं द ब्रोकन जग (लौवर), डेड बर्ड्स, हेड्स और मॉर्निंग प्रेयर्स अपनी अस्पष्टता, परोपकारी भावुकता और खराब पेंटिंग के साथ। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि ग्रेज़ ने ही कहा था: "यदि आप सच्चे नहीं हो सकते तो मसालेदार बनो।" चित्रकला में उस समय के प्रगतिशील विचारों को व्यक्त करने की इच्छा पर "मनभावन की कला" प्रबल थी।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध (लेपिसियर, ऑब्री और कई अन्य) की फ्रांसीसी पेंटिंग में ग्रेज़ ने एक संपूर्ण प्रवृत्ति की स्थापना की। यह 1770 के दशक में विकसित हुआ, जब क्रांतिकारी क्लासिकवाद की कला पहले से ही आकार ले रही थी। इसलिए, इस समय की नैतिक शैली फ्रांसीसी चित्रकला में एक छोटी सी घटना बन गई। ग्रीज़ के सबसे विशिष्ट अनुयायियों में से एक, एटिने ऑब्री ने अपने चित्रों के भूखंडों को जीवन से नहीं, बल्कि मार्मोंटेल के मोरल टेल्स से आकर्षित किया। निकोलस बर्नार्ड लेपिसियर (1735-1784) के काम में देर से भावुक शैली का एक और पक्ष है - मूर्खता। फाल्कोन ने एक बार ठीक ही टिप्पणी की थी: "हमें स्थानांतरित करने के प्रयास जितने अधिक स्पष्ट होंगे, हम उतने ही कम स्थानांतरित होंगे।"

ग्रेज़ और उनके अनुयायियों की कला का मूल्यांकन करते समय, किसी को 18 वीं शताब्दी के भावुकतावाद के एक और प्रवाह के साथ पुण्य के उपदेश को भ्रमित नहीं करना चाहिए, जो रूसो के विश्वदृष्टि से जुड़ा है। प्रकृति के प्रति आकर्षण, जो सदी के उत्तरार्ध की विशेषता है, विशेष रूप से, इस युग की परिदृश्य कला में यथार्थवादी प्रवृत्तियों के विकास के लिए एक शर्त थी।

18वीं शताब्दी की शुरुआत में प्रकृति की एक नई धारणा की नींव - इसकी गीतकारिता, भावुकता, मानव आत्मा की गतिविधियों के साथ तालमेल बिठाने की क्षमता - वट्टू के काम में रखी गई थी। यह कला तब अन्य शैलियों के ढांचे के भीतर विकसित हुई: कालीनों के लिए कार्डबोर्ड में परिदृश्य पृष्ठभूमि, साथ ही युद्ध और पशुवादी रचनाओं में। फ्रांकोइस डेपोर्टे (1661-1743) और औड्री (1686-1755) के शिकार के दृश्य सबसे दिलचस्प हैं; डेपोर्टे के अध्ययन ("वैली ऑफ़ द सीन", कॉम्पिएग्ने) में लाइव अवलोकन सबसे अधिक ध्यान देने योग्य हैं।

लैंडस्केप पेंटिंग के प्रमुख स्वामी अठारहवीं शताब्दी के मध्य में दिखाई दिए। उनमें से सबसे बड़े जोसेफ वर्नेट (1714-1789) थे। बीस वर्ष की आयु में वे इटली चले गए और वहां सत्रह वर्ष तक रहे। इसलिए, 1750 के दशक में वर्नेट फ्रांस में प्रसिद्ध हो गया। 1753 में लौवर सैलून में सफलता के बाद। रचनात्मकता वर्नेट क्लाउड लोरेन की परंपराओं को याद करती है - उनके परिदृश्य सजावटी हैं। कभी-कभी वर्नेट का झुकाव गीतात्मक रूपांकनों के लिए होता है, कभी-कभी नाटकीय नोटों के लिए, अपने बाद के वर्षों में उन्होंने विशेष रूप से अक्सर तूफान और चांदनी के रोमांटिक प्रभावों का इस्तेमाल किया। वर्नेट एक कुशल कहानीकार हैं, उनके पास कई प्रजातियों के परिदृश्य हैं; ऐसी प्रसिद्ध श्रृंखला "फ्रांस के बंदरगाह", कई समुद्र और पार्क के दृश्य हैं। आंतरिक सजावट के हिस्से के रूप में इस कलाकार के परिदृश्य को काफी लोकप्रियता मिली।

लुई गेब्रियल मोरो द एल्डर (1739-1805) - बाद में लैंडस्केप पेंटिंग के मास्टर। उन्होंने आमतौर पर पेरिस और उसके परिवेश के विचार लिखे - मेडॉन, सेंट क्लाउड, बैगाटेल, लौवेसिएन्स। मोरो अपने सुंदर परिदृश्य चित्रों के लिए प्रसिद्ध था - जैसे "लैंडस्केप विद ए पार्क फेंस" (वाटरकलर और गौचे; पुश्किन म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स)। उनके काम परिष्कृत, कुछ ठंडे, लेकिन रंग में सूक्ष्म हैं। मोरो की काव्यात्मक और अवलोकन की महत्वपूर्ण शक्तियों को द हिल्स एट मेउडन (लौवर) जैसे कार्यों में अपवर्तित किया गया था। उनके चित्र आकार में छोटे हैं, चित्रकार की लिखावट सुलेखित है।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध का सबसे प्रसिद्ध परिदृश्य चित्रकार। ह्यूबर्ट रॉबर्ट (1733-1808) थे। इटली में बिताए गए वर्षों के दौरान, प्राचीन रोम के खंडहरों के लिए, रॉबर्ट को पुरातनता के प्रति श्रद्धा से भर दिया गया था। यह एक नई पीढ़ी का कलाकार है, जो क्लासिकवाद के विचारों से प्रेरित है। लेकिन यह विशेष रूप से रॉबर्ट की कला की विशेषता है कार्बनिक मिश्रणप्रकृति के प्रति आकर्षण के साथ पुरातनता में रुचि। 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांसीसी संस्कृति की यह सबसे महत्वपूर्ण प्रवृत्ति है, जब पुरातनता और प्रकृति में उन्होंने स्वतंत्रता के प्रोटोटाइप और मनुष्य की प्राकृतिक अवस्था को देखा। कलाकार के पेरिस लौटने के बाद, उन्हें स्थापत्य परिदृश्य के लिए कई कमीशन मिले। उनका एक सजावटी उद्देश्य था, नई क्लासिकिस्ट हवेली के अंदरूनी हिस्सों को सजाना। उन्हें रूसी रईसों द्वारा भी आदेश दिया गया था, जैसे कि युसुपोव ने आर्कान्जेस्क में संपत्ति के लिए।

एक चित्र बनाते हुए, रॉबर्ट ने कल्पना की, रचना की, हालाँकि उन्होंने प्रकृति से रेखाचित्रों का उपयोग किया। पिरानेसी की तरह, उन्होंने एक तस्वीर में विभिन्न खंडहरों और स्मारकों को जोड़ा। कलाकार को स्थापत्य रूपांकनों की महिमा की विशेषता है। पद्धति और विषयों के संदर्भ में, वह शास्त्रीयता के एक विशिष्ट स्वामी हैं। लेकिन अठारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध के परिदृश्य की यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ। उनकी कला में बहुत कुछ परिभाषित करता है। पुराने पत्थरों की सतह प्रकाश से संतृप्त है, वह प्रकाश के खेल को व्यक्त करना पसंद करता है, अंधेरे खंडहरों के बीच चमकता हुआ पारदर्शी गीला लिनन लटकाता है। कभी-कभी इमारतों के तल पर एक धारा बहती है, और इसमें धोबी के कपड़े धोए जाते हैं। रंग की बारीकियों की हवा और कोमलता रॉबर्ट के परिदृश्य की विशेषता है; इसकी सीमा में हरे और मोती-ग्रे रंगों की एक अद्भुत विविधता है, जिसके बीच अक्सर सिंदूर द्वारा एक संयमित उच्चारण रखा जाता है।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में लैंडस्केप पेंटिंग के विकास के लिए, नियमित प्रणाली की जगह, पार्क योजना के नए सिद्धांत बहुत महत्वपूर्ण थे। कोई आश्चर्य नहीं कि रॉबर्ट "एंग्लो-चीनी" उद्यानों के शौकीन थे, नकल करते हुए प्रकृतिउस समय भावुकता की भावना में था। 1770 के दशक के अंत में। उन्होंने वर्साय में एक समान पार्क के परिवर्तन की निगरानी की; परिदृश्य चित्रकारों की सलाह पर, इस समय एर्मेननविले, बैगाटेल, चैंटिली, मेरेविल (बाद वाले - रॉबर्ट की योजना के अनुसार) के बगीचे टूट गए थे। ये दार्शनिकों और सपने देखने वालों के लिए उद्यान थे - सनकी पथ, छायादार गलियों, देहाती झोपड़ियों, वास्तुशिल्प खंडहर, प्रतिबिंब के अनुकूल। बदले में, परिदृश्य पार्कों में प्राकृतिकता की खोज, उनकी रचनात्मक स्वतंत्रता, अंतरंग उद्देश्य - यह सब परिदृश्य चित्रकला को प्रभावित करता है, इसकी यथार्थवादी प्रवृत्तियों को प्रेरित करता है।

सदी के उत्तरार्ध का सबसे महान चित्रकार और ग्राफिक कलाकार ऑनर फ्रैगनार्ड (1732-1806) था। सत्रह साल की उम्र में, फ्रैगनार्ड बाउचर की कार्यशाला में गया, जिसने उसे चारडिन भेजा; चारडिन के साथ छह महीने बिताने के बाद, युवा कलाकार बुश के पास लौट आया। फ्रैगनार्ड को बड़े आदेशों को पूरा करने के लिए शिक्षक की मदद करनी पड़ी। 1752 में, फ्रैगोनार्ड ने बाइबिल की कहानी पर अपनी रचना के लिए प्रिक्स डी रोम प्राप्त किया। 1756 में वे रोम में फ्रेंच अकादमी के छात्र बने। कलाकार के लिए पाँच इतालवी वर्ष बहुत फलदायी थे। वह अब बुश की आँखों से दुनिया को नहीं देख सकता था।

फ्रैगनार्ड। विला डी "एस्टे। ड्रॉइंग के बड़े सरू। धुले हुए बिस्ट्रे। 1760 वियना, अल्बर्टिना।

फ्रैगनार्ड का काम मुख्य रूप से 17 वीं और 18 वीं शताब्दी के इतालवी चित्रकला से काफी प्रभावित था। उन्होंने प्राचीन सरकोफेगी की राहत की भी नकल की, प्राचीन विषयों पर कामचलाऊ व्यवस्था की - 1760 के बैचिक दृश्य। इन वर्षों के दौरान, फ्रैगनार्ड के अद्भुत परिदृश्य चित्र हवा और प्रकाश से भरे हुए थे। लचीली और मुक्त ग्राफिक तकनीक धारणा की कामुक सूक्ष्मता के अनुरूप है। वायुमंडलीय धुंध को प्रसारित करते हुए, गलियों में सूरज की रोशनी का खेल, उन्होंने ड्राइंग में कोमल प्रकाश और छाया संक्रमणों को पेश किया, बिस्त्रे या स्याही धोने की तकनीक को समृद्ध किया। वह इन वर्षों में प्यार करता था और संगीन था। फ्रैगनार्ड के शुरुआती परिदृश्य युवा चित्रकार की पहली सफलताओं में से एक हैं।

1761 की शरद ऋतु में, फ्रैगनार्ड पेरिस लौट आए। 1760 का दशक वह समय है जब उनकी कला युग में आ रही थी। यह अत्यधिक विवादास्पद रहा। रोकोको के पारंपरिक रूपों ने यथार्थवादी quests के साथ तर्क दिया। लेकिन पौराणिक शैली में भी गीतात्मक विषय मुख्य बन गया। 1764 की सर्दियों में उन्होंने अपना कार्यक्रम पूरा किया "पुजारी कोरेज़ ने कलिरा को बचाने के लिए खुद को बलिदान कर दिया"; यह बड़ी तस्वीर 1765 में लौवर सैलून में प्रदर्शित किया गया। यह दिवंगत इतालवी आचार्यों के प्रभाव में लिखा गया था, इसमें बहुत अधिक सशर्त नाटकीयता है, लेकिन भावुकता बयानबाजी से टूट जाती है। तस्वीर एक सफलता थी। अपोलो की लौवर गैलरी के लिए एक बड़े मैदान को निष्पादित करने के लिए अकादमी (1766) के आदेश ने शिक्षाविद की उपाधि का वादा किया। लेकिन यह कार्य फ्रैगनार्ड द्वारा कभी पूरा नहीं किया गया, वह ऐतिहासिक शैली से दूर हो गया, और 1769 से उसने लौवर के सैलून में प्रदर्शन करना बंद कर दिया। अकादमिकता की ऐतिहासिक पेंटिंग की हठधर्मिता से उन्हें स्पष्ट रूप से घृणा थी। समकालीनों ने शोक व्यक्त किया कि वह अभिजात वर्ग में अपने कार्यों की लोकप्रियता से संतुष्ट थे, बड़े विचारों को छोड़कर और एक ऐतिहासिक चित्रकार की महिमा।

वास्तव में, युवा गुरु की कला ने 1760 के दशक में आकार लिया। गेय के रूप में, अंतरंग। फ्रैगनार्ड के काम में रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य, परिदृश्य, चित्र इस समय की फ्रांसीसी कलात्मक संस्कृति की व्यक्तित्व, प्रकृति और भावना की विशेषता में रुचि से चिह्नित हैं। फ्रैगनार्ड की कला की ख़ासियत यह है कि यह, शायद 18 वीं शताब्दी के अन्य चित्रकारों की कला से अधिक, सुखवाद, आनंद की कविता से ओत-प्रोत है। जैसा कि आप जानते हैं, 18वीं सदी का सुखवाद। एक विवादास्पद घटना थी। आनंद का दर्शन लाखों लोगों के अस्तित्व की वास्तविक स्थितियों के साथ संघर्ष में आ गया, और यह कुछ भी नहीं था कि लोकतांत्रिक रूसो का उग्र क्रोध उस पर गिर गया। लेकिन साथ ही, वास्तविक, सांसारिक कामुकता की पुष्टि इसके साथ जुड़ी हुई थी: फ्रांसीसी भौतिकवादियों ने अभिजात वर्ग की भ्रष्टता और संतों के पाखंड को एक व्यक्ति के अधिकार के साथ सभी समृद्धि का आनंद लेने के अधिकार के साथ जोड़ा। दूसरे शब्दों में, शिक्षक ला मेट्री का "दुर्व्यवहार का दुश्मन और आनंद का मित्र" होने का आह्वान पाखंड और चर्च के लोगों की मध्ययुगीन नैतिकता के विरोध की तरह लग रहा था। रोकोको पेंटिंग की तृप्त कामुकता, जिसने घटते अभिजात वर्ग, तबाह कला के रीति-रिवाजों को दर्शाया। और फ्रैगनार्ड के काम पर महान संस्कृति की विशिष्ट विशेषताओं की मुहर है। लेकिन अपनी सबसे अच्छी चीजों में वह बाउचर के एपिगोन के ठंडे परिष्कार से मुक्त हैं, उनमें बहुत वास्तविक भावना है।

यहां तक ​​​​कि "द थेफ्ट ऑफ द शर्ट बाय क्यूपिड" (लौवर), "बाथिंग नायड्स" (लौवर) जैसे पौराणिक दृश्य भी एक ठोस जीवन चरित्र प्राप्त करते हैं, दर्शक को अंतरंग क्षेत्र में स्थानांतरित करते हैं। ये चित्र कामुक आनंद से भरे हुए हैं; चिकनी रचनात्मक लय, नरम तरकश छाया, हल्के और गर्म रंगीन रंग एक भावनात्मक वातावरण बनाते हैं। फ्रैगनार्ड के दृश्यों में प्रेम की तड़प जीवंत धूर्तता और उद्दंड उपहास के साथ संयुक्त है।

फ्रैगनार्ड की कला की भावनात्मक समृद्धि ने उनकी तकनीकों के स्वभाव, एक प्रकाश और गतिशील स्ट्रोक की स्वतंत्रता, प्रकाश और वायु प्रभावों की सूक्ष्मता को निर्धारित किया। उन्हें एक सुधारक के रूप में एक अद्भुत उपहार के साथ संपन्न किया गया था और किसी भी तरह से हमेशा उन विचारों को पूरी तरह से शामिल नहीं किया जो उन्हें प्रकाशित करते थे। फ्रैगनार्ड की सचित्र प्रणाली में, अभिव्यक्ति को उत्कृष्ट सजावटीवाद के साथ जोड़ा जाता है, और रंग वस्तुओं की मात्रा, भौतिकता को व्यक्त नहीं करते हैं, जैसा कि चार्डिन करने में सक्षम था।

1760 के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक - "स्विंग" (1767; लंदन, वालेस संग्रह) - ग्राहक की साजिश के अनुसार बनाया गया था - फाइनेंसर सेंट-जूलियन, जिसने कलाकार को अपने प्रिय को स्विंग पर चित्रित करने की कामना की थी। पार्क का एक अंतरंग कोना एक कोक्वेटिश बॉउडर जैसा दिखता है। ग्रेसफुल फिगर की फड़फड़ाती हरकत, उसके कपड़ों की रूपरेखा, पतंगे के सिल्हूट की याद ताजा करती है, सुस्त नज़रों का प्यारा खेल - यह सब मसालेदार रोकैल परिष्कार से भरी छवि बनाता है।

लेकिन फ्रैगनार्ड के काम में लॉन्ड्रेस (एमिएन्स) के समान कई शैली के दृश्य हैं। बड़े भूरे रंग के तोरणों के पास पुराने पार्क में, धोबी अपने लिनन को लटकाते हैं। रंग शुद्ध और पारदर्शी हैं, वे पुराने पत्थरों पर कोमल प्रतिबिंबों के साथ बिखरे हुए सूर्य की किरणों की चमक को व्यक्त करते हैं। गहरे पत्ते पुराने पत्थरों पर छाया डालते हैं, उनका ग्रे रंग जैतून, ग्रे और साग से बुना जाता है। रंगों की ताजगी, बारीकियों की समृद्धि, स्ट्रोक की हल्कापन - इन सभी ने बाउचर के एपिगोन के सुस्त और अप्राकृतिक तरीके का विरोध किया और 19 वीं शताब्दी के परिदृश्य की रंगीन विजय की उम्मीद की।

प्रकृति के प्रति फ्रैगनार्ड के आकर्षण ने उनके रोजमर्रा के दृश्यों को जीवन शक्ति दी, परिदृश्य शैली को समृद्ध किया, चित्र में मॉडल की व्यक्तित्व की सराहना करने के लिए मजबूर किया। फ्रैगनार्ड के चित्र ("सेंट-नॉन"; बार्सिलोना) शानदार और मनमौजी हैं; कलाकार की चिंता आंतरिक दुनिया की सटीक समानता और जटिलता नहीं थी - वह चित्र में आत्मा की उत्तेजना, सजावटी दायरे, रंगीन वेशभूषा की असामान्यता से प्यार करता था। फ्रैगनार्ड के चित्र कार्यों में, डाइडरोट (पेरिस, निजी संग्रह) की छवि बाहर खड़ी है, इस शैली के ग्राफिक कार्य "मैडम फ्रैगनार्ड" (चीनी स्याही; बेसनकॉन), "मार्गुराइट जेरार्ड" (बिस्ट्रे, ibid।) हैं। उनकी योग्यता पूर्वकल्पित सिद्धांतों से चित्रण की मुक्ति, भावनाओं की ईमानदारी के लिए जुनून, उनकी अभिव्यक्ति की तात्कालिकता थी।

परिदृश्य में, फ्रैगनार्ड वट्टू की परंपरा में वापस चला गया, लेकिन वट्टू के उदास दिवास्वप्न को होने के कामुक आनंद से बदल दिया गया है।

रॉबर्ट के विपरीत, फ्रैगनार्ड के परिदृश्य में स्थापत्य रूपांकन हावी नहीं होते हैं, जो स्थानिक संबंधों और प्रकाश-वायु प्रभावों को प्रधानता प्रदान करते हैं, पर्यावरण जो प्रकृति की ठोस छवि बनाता है। परिप्रेक्ष्य आंख को गहराई में ले जाता है, लेकिन अक्सर एक सीधी रेखा में नहीं। बीच की योजना पर एक बोस्केट, पेड़ों का एक झुरमुट, एक मंडप है; उनके चारों ओर घुमावदार, एक गली या पथ एक जादुई रोशनी से प्रकाशित दूरी की ओर जाता है, लेकिन क्षितिज आमतौर पर पेड़ों, छतों, सीढ़ियों से बंद होता है। फ्रैगनार्ड का परिदृश्य हमेशा अंतरंग होता है। विला डी'एस्ट के भव्य बारोक पार्क में, फ्रैगनार्ड को दुर्लभ कोने मिलते हैं, जो धूमधाम और सख्त समरूपता से रहित हैं। इन कोनों को दर्शकों की भीड़ से घिरे शोरगुल वाले फव्वारों से हटा दिया जाता है।

छोटे कंपन वाले स्ट्रोक पर्णसमूह पर सूर्य के प्रकाश के प्रतिबिंब और चमक को व्यक्त करते हैं। ये चमकें अंधेरे वस्तुओं के चारों ओर प्रकाश का एक फैलाना प्रभामंडल बनाती हैं; पेड़ों के सिल्हूट को रोशन करते हुए, एक कोमल चमक गहराई से बहती है। प्रकाश के कैस्केड फ्रैगनार्ड के चित्र भरते हैं, और यह उनके ग्राफिक्स के सबसे आश्चर्यजनक गुणों में से एक है। ग्राफिक तकनीकों की प्रकृति भी कागज की रंग अभिव्यक्ति को ही बदल देती है - पेड़ों के मुकुट सीढ़ियों के सफेद पत्थरों की तुलना में धूप में नरम चमकते हैं।

1770 के दशक तक फ्रैगनार्ड का परिदृश्य सरल और अधिक ईमानदार हो जाता है। तेजी से, सजाए गए प्रकृति के स्थान पर सामान्य प्रकृति का कब्जा है ("जेनोआ के पास समुद्र का किनारा", सीपिया, 1773)। उल्लेखनीय है कि यह लोक जीवन के दृश्यों के साथ रोजमर्रा की शैली को समृद्ध करने के साथ हुआ। महत्त्वशैली और परिदृश्य कला के विकास में, फ्रैगनार्ड की इटली की यात्रा थी, जिसे उन्होंने 1773-1774 में किया था। इन वर्षों के दौरान इटली में कलात्मक माहौल पहले से ही नया था। रोम के मेडिसी विला में, युवा क्लासिकिस्टों ने अध्ययन किया - विंसेंट, सुवे, मेनाजो। लेकिन फ्रैगनार्ड इटली से क्लासिकवाद के सिद्धांत नहीं लाए, बल्कि यथार्थवादी परिदृश्य और रोजमर्रा के दृश्य लाए।

फ्रैगनार्ड के काम में, चित्रण के कई चक्र ज्ञात हैं - ला फोंटेन की कहानियों के लिए, एरियोस्टो के फ्यूरियस रोलैंड, सर्वेंट्स डॉन क्विक्सोट। एरियोस्टो के लिए चित्र सीपिया और पेंसिल स्केच में बने रहे। एक अभिव्यंजक स्पर्श और सुरम्य काइरोस्कोरो, कभी-कभी लयात्मक रूप से नरम, कभी-कभी नाटकीय, ने काव्य कहानी की स्वतंत्र और जीवंत लय, स्वर में अप्रत्याशित परिवर्तन को व्यक्त करना संभव बना दिया। इन चित्रों में रूबेन्स की अलंकारिक रचनाओं और वेनेटियन के ग्राफिक्स - टाईपोलो और गैस्पारो डिज़ियानी - का प्रभाव ध्यान देने योग्य है। रोकोको चित्रकारों के विपरीत, जो पुस्तक को विगनेट्स से सजाते हैं, फ्रैगनार्ड चादरों की एक श्रृंखला बनाता है जो कविता की मुख्य घटनाओं और नायकों के बारे में बताती है। यह चित्रण का एक अलग, नया तरीका है। हालांकि, वह अपने जीवन से असाधारण घटनाओं की शानदार अभिव्यक्ति को पात्रों के गहन चरित्र चित्रण के लिए पसंद करते हैं।

बाद की अवधि में, फ्रैगनार्ड का काम इस मास्टर की विशिष्ट समस्याओं की श्रेणी में रहा। उनकी गेय, अंतरंग कला, जो बड़े पैमाने पर महान संस्कृति की परंपराओं से जुड़ी हुई थी, निश्चित रूप से क्रांतिकारी क्लासिकवाद में निहित वीर आदर्शों को नहीं समझ सकती थी, जो 1780 के दशक में विजयी हुई थी। लेकिन क्रांति के वर्षों के दौरान, फ्रैगनार्ड कलात्मक जीवन से अलग नहीं रहे, कला के जूरी के सदस्य और लौवर के क्यूरेटर बन गए।

18 वीं शताब्दी के मध्य की फ्रांसीसी मूर्तिकला में। गुरुओं का उदय हुआ, नए रास्तों पर चल पड़े।

जीन बैप्टिस्ट पिगले (1714-1785) अपने शिक्षक जे.-बी से केवल दस वर्ष छोटे थे। लेमोइन; लेकिन उनके काम में कई मौलिक रूप से नए गुण हैं। रोम में टेराकोटा में बने उनके कार्यों में सबसे लोकप्रिय, "मर्करी", जहां पिगले ने 1736-1739 में अध्ययन किया, अभी भी बहुत पारंपरिक है (1744 में उन्हें संगमरमर संस्करण के लिए शिक्षाविद का खिताब मिला)। बुध की जटिल मुद्रा, अपने पंखों वाले सैंडल को समायोजित करते हुए, सुंदर है, उसमें कुछ चालाक और वीरता है, सामग्री का प्रसंस्करण विषय की अंतरंगता के अनुसार उत्तम है। उसके करीब "वीनस" (संगमरमर, 1748; बर्लिन) है - सदी के मध्य की सजावटी मूर्तिकला का एक उदाहरण; वह एक बादल पर बैठी हुई है, एक अस्थिर स्थिति में एक सुस्त आनंद महसूस करता है, ऐसा लगता है कि यह आंकड़ा अपने समर्थन से खिसकने वाला है। मधुर रेखाओं की कोमलता, अनुपातों का परिशोधन, संगमरमर का नाजुक प्रसंस्करण, मानो धुंध में डूबा हुआ हो - यह सब प्रारंभिक पिगले के परिष्कृत आदर्श की विशेषता है। लेकिन यहां पहले से ही रोकोको के अंतरंग नोटों को महिला शरीर के रूपों की अद्भुत स्वाभाविकता के साथ जोड़ा गया है। पिगले को बाद में "निर्दयी" कहा जाने लगा। और वास्तव में - डैनकोर्ट (1771; नोट्रे डेम कैथेड्रल) और मौरिस ऑफ सैक्सोनी (1753-1776) की कब्रों में न केवल रूपक की बयानबाजी है, बल्कि कई उद्देश्यों की अंतिम स्वाभाविकता भी है। Marquise Pompadour के कई चित्रकारों में से किसी ने भी इतनी सटीकता (न्यूयॉर्क, निजी संग्रह) के साथ उसकी वास्तविक उपस्थिति को व्यक्त नहीं किया। लातौर के साथ भी वह बहुत सुंदर थी। लेकिन विशेष रूप से प्रकृति में यह रुचि वोल्टेयर (1776; पेरिस, फ्रेंच इंस्टीट्यूट की लाइब्रेरी) की संगमरमर की मूर्ति में प्रकट हुई थी। 1770 में वापस, वोल्टेयर ने अपनी धँसी आँखों और चर्मपत्र गालों के बारे में एक पत्र में लिखा था। पिगले ने यहां "वीर नग्नता" के क्लासिक सूत्र का पालन किया, लेकिन साथ ही बुढ़ापे के इन सभी संकेतों को छवि में स्थानांतरित कर दिया। और फिर भी उनकी कला में प्रकृति का सटीक संचरण हमेशा एक उच्च सामान्यीकरण तक नहीं पहुंचा, और आमतौर पर वह अलंकारिक उपकरणों के साथ थी।

पिगले की उम्र लगभग उतनी ही थी जितनी कि एटिने मौरिस फाल्कोन (1716-1791)। बनाने वाला " कांस्य घुड़सवार"18वीं सदी की मूर्तिकला के सबसे बड़े उस्तादों में से एक थे। एक बढ़ई का बेटा, फाल्कोन, अठारह वर्ष की आयु में, लेमोइन को प्रशिक्षित किया गया था। पिगले की तरह, उन्होंने बाउचर के लगभग अविभाजित प्रभाव के वर्षों में शुरू किया, पोम्पाडौर युग के ट्रेंडसेटर। लेकिन फाल्कोन "सुखद की कला" के बारे में पिगले से अधिक साहसी थे, उनके क्षितिज व्यापक थे, और उनकी विरासत स्मारकीय कलाअतीत ने उसे भविष्य के काम के लिए तैयार किया। फाल्कोन ने पुगेट के काम की सराहना करते हुए कहा कि उनकी मूर्तियों की नसों में "जीवित रक्त बहता है"; पुरातनता के गहन अध्ययन के परिणामस्वरूप बाद में मार्कस ऑरेलियस की मूर्ति पर ग्रंथ अवलोकन हुए। इसने फाल्कोन के पहले महत्वपूर्ण कार्य में बहुत कुछ निर्धारित किया - "मिलोन ऑफ क्रोटन, एक शेर द्वारा पीड़ा" (जिप्सम मॉडल, 1745) - कथानक की नाटकीय प्रकृति, रचना की गतिशीलता, शरीर की प्लास्टिसिटी की अभिव्यक्ति। 1755 के सैलून में संगमरमर "मिलन" का प्रदर्शन किया गया था। लेकिन पहले अनुभव के बाद, फाल्कोन का रचनात्मक पथ उस समय के कलाकारों के लिए आम हो गया। उन्हें मार्क्विस पोम्पाडॉर और बेलेव्यू, क्रेसी की महान हवेली के लिए अलंकारिक रचनाएँ और सजावटी मूर्तियां करनी थीं। ये हैं फ्लोरा (1750), थ्रेटिंग क्यूपिड एंड बाथर (1757)। वे रोकोको की अंतरंगता, इस शैली की विशेषता के अनुपात की सुंदर लालित्य, लचीले रूपों की कोमलता, पापी आकृति की सनकी लय और फिसलने वाले आंदोलनों में आसानी का प्रभुत्व रखते हैं। लेकिन फाल्कोन ने भी रोकोको के विषय को सूक्ष्म कविता से संपन्न कुछ में बदल दिया।

1757 के बाद से, फाल्कोन सेव्रेस पोर्सिलेन कारख़ाना के कलात्मक निदेशक बन गए। वह, जिसने दस वर्षों तक स्मारकीय रचनाओं की ओर रुख किया, उसे सेवरेस बिस्किट - "अपोलो और डाफ्ने", "हेबे", आदि के लिए मॉडल बनाने पड़े। फ्रांसीसी चीनी मिट्टी के बरतन के विकास के लिए, उनकी गतिविधियों ने किया था -बड़ा मूल्यवान; लेकिन खुद मूर्तिकार के लिए यह एक कठिन समय था। 1750 के दशक के अंत तक - 1760 के दशक की शुरुआत में, फाल्कोन के कार्यों में पुरातनता की प्रवृत्तियों को उस सूक्ष्म अपवर्तन में महसूस किया गया था जो युग की विशेषता थी। इस अवधि के कार्यों में, प्लास्टिक भाषा के विचार, कठोरता और संयम की अधिक सामग्री की खोज ध्यान देने योग्य है। इस तरह के बड़े समूह "पिग्मेलियन एंड गैलाटिया" (1763), "टेंडर सैडनेस" (1763; हर्मिटेज) हैं। एक सुखद क्षण की चट्टानी माया को घटना के महत्व की भावना, विचार की गंभीरता से बदल दिया जाता है। कलात्मक संस्कृति में नई प्रवृत्तियों और फाल्कोन के प्रगतिशील विचारों के कारण इन परिवर्तनों ने रूसी काल की उनकी कला का फूल तैयार किया।

ऑगस्टिन पजौ (1730-1809) सजावटी स्मारकीय मूर्तिकला के उस्ताद थे - उन्होंने वर्साय थिएटर और चर्च, पैलेस रॉयल, लेस इनवैलिड्स, पेरिस में पैलेस ऑफ जस्टिस को मूर्तियों से सजाया। उनके द्वारा बनाई गई कई मूर्तियाँ, जे-बी के काम की याद दिलाती हैं। लेमोइन एक सुंदर चित्रांकन की शानदारता से, जिसमें बाहरी संदेश देने की सूक्ष्मता है, लेकिन कोई गहरा मनोविज्ञान नहीं है।

माइकल क्लाउड, उपनाम क्लोडियन (1738-1814), पेज के करीब है। लेकिन वह अपने अंतरंग शैली के दृश्यों के लिए फ्रैगनार्ड के और भी करीब है। 1759 में एडम और पिगले के एक छात्र क्लोडियन को रोम का अकादमिक पुरस्कार मिला। इटली में, वह लंबे समय तक था - 1762 से 1771 तक, वहां भी उन्होंने प्रसिद्धि प्राप्त की और कलेक्टरों के बीच लोकप्रिय एक मास्टर के रूप में पेरिस लौट आए। एकेडमी फॉर द जुपिटर स्टैच्यू में भर्ती होने के बाद, उन्होंने "ऐतिहासिक शैली" में काम करना लगभग बंद कर दिया और कभी भी शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त नहीं की। उनकी छोटी-छोटी मूर्तियां, सजावटी आधार-राहत और फूलदान, दीये और मोमबत्तियां महान हवेली के लिए बनाई गई थीं। प्राचीन कला के प्रभाव में, क्लोडियन की शैली ने इतालवी वर्षों के रूप में आकार लेना शुरू कर दिया, इसके अपेक्षाकृत देर से रूप जो हरकुलेनियम की खुदाई के दौरान ज्ञात हुए। क्लोडियन की कला में प्राचीन दृश्यों ने एक सूक्ष्म रूप से कामुक चरित्र प्राप्त कर लिया - उनका तांडव, अप्सराएं और जीव, व्यंग्य और कामदेव रोसेल दृश्यों के करीब हैं, न कि प्राचीन प्रोटोटाइप के लिए।

वे प्रारंभिक चरण के रोकोको से प्लॉट रूपांकनों की अधिक सुंदर प्रकृति और फ्रांसीसी कलात्मक संस्कृति में क्लासिकवाद के गठन की अवधि की संयमित संरचनागत लय की विशेषता से प्रतिष्ठित हैं। क्लोडियन की कृति में सूक्ष्म गीतकारिता और कोमल सुरम्यता मुख्य चीज है, जो अनुग्रह और जीवन शक्ति का एक विशेष मिश्र धातु है। इस तरह के टेराकोटा "निम्फ" (मॉस्को, पुश्किन म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स) और पोर्सिलेन बेस-रिलीफ़ "निम्फ्स सेट अप द हर्मे ऑफ़ पैन" 1788 के सेव्रेस कारख़ाना (हर्मिटेज) में उनके मॉडल के अनुसार बनाए गए हैं।

अठारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध की यथार्थवादी चित्र मूर्तिकला का सबसे बड़ा स्वामी। जीन एंटोनी हौडॉन (1741-1828) थे। यह एक नई पीढ़ी के मूर्तिकार थे, जो सीधे तौर पर क्रांतिकारी युग से जुड़े थे। उन्होंने जिस दिशा को चुना, उसने रोकोको कला की वैचारिक नींव और परिष्कृत रूपों को खारिज कर दिया। मूर्तिकार के पास खुद एक स्पष्ट, शांत दिमाग और यथार्थवादी सोच थी, जिसने पुराने ढंग के स्कूल के सम्मेलनों पर काबू पाने में योगदान दिया, साथ ही साथ नए क्लासिकवाद के अलंकारिक चरम पर भी। हौडॉन के लिए, किसी भी प्रकार के मॉडल पर प्रकृति के लिए एक निर्णायक वरीयता कोई आम बात नहीं है, बल्कि वास्तव में उनके काम का मार्गदर्शक सिद्धांत है।

अपनी युवावस्था में, उनका नेतृत्व पिगले और स्लोड्ज़ ने किया, जिन्होंने हौडॉन को उनके महान व्यावहारिक ज्ञान के बारे में बताया। सोलोमन और रानी सेवकाई की राहत के लिए प्रिक्स डी रोम प्राप्त करने के बाद, हॉडॉन ने रोम में चार साल (1764-1768) तक अध्ययन किया। रोम में फ्रांसीसी अकादमी के छात्र के रूप में, हौडॉन ने प्राचीन मूर्तियों का अध्ययन किया, साथ ही 17 वीं शताब्दी के तत्कालीन लोकप्रिय मूर्तिकारों के काम का भी अध्ययन किया। पुगेट और बर्निनी। लेकिन हौडॉन की पहली स्वतंत्र रचनाएँ या तो पुरातनता या बारोक जैसी नहीं दिखती थीं। अधिकारियों ने उसे सम्मोहित नहीं किया। लेकिन लंबे समय तक और कड़ी मेहनत से उन्होंने शरीर रचना का अध्ययन किया, रोमन शारीरिक थिएटर में व्यवस्थित रूप से काम किया। इसका परिणाम 1767 में हौडॉन द्वारा बनाया गया प्रसिद्ध "इकोर्चे" था - खुली मांसपेशियों के साथ त्वचा के बिना एक पुरुष आकृति की छवि। छब्बीस वर्षीय छात्र द्वारा बनाई गई इस छवि से, मूर्तिकारों की कई पीढ़ियों ने बाद में अध्ययन किया। तकनीकी ज्ञान की पूर्णता और प्रकृति के नियमों पर ध्यान देना हौडॉन की भविष्य की गतिविधियों के लिए सबसे महत्वपूर्ण आधार है, जिसे रोमन वर्षों में मजबूत किया गया था।

इस अवधि के दौरान उन्होंने रोम में साइट मारिया डिगली एंजेली के चर्च के लिए संगमरमर की दो मूर्तियां बनाईं। उनका बड़ा आकार माइकल एंजेलो इंटीरियर की भव्यता से मेल खाता था। इनमें से केवल एक मूर्ति बची है - सेंट। ब्रूनो। तथ्य यह है कि हौडॉन ने स्मारकीय मूर्तिकला की ओर रुख किया, फ्रांसीसी प्लास्टिक के पारंपरिक कक्ष रूपों को दूर करने की उनकी इच्छा के दृढ़ संकल्प की गवाही देता है। इन मूर्तियों को बनाकर, हौडॉन छवि के आंतरिक महत्व, मुद्रा और आंदोलन के सख्त संयम को प्राप्त करना चाहते थे। यह ध्यान देने योग्य है कि उन्होंने बारोक प्रभाव से परहेज किया। फिर भी, सांता मारिया डिगली एंजेली की मूर्तियाँ, जो हौडॉन की कला में महत्वपूर्ण प्रवृत्तियों को दर्शाती हैं, स्वयं बहुत ही नीरस और शुष्क हैं; उनमें गुरु के परिपक्व कार्य को देखना अतिशयोक्ति होगी। बोर्गीस गैलरी के प्लास्टर मॉडल से ज्ञात जॉन द बैपटिस्ट की आकृति में, रचना की कृत्रिमता और प्लास्टिक के रूप की सुस्ती को महसूस किया जा सकता है।

1768 के अंत में मूर्तिकार पेरिस लौट आया। उन्हें अकादमी को सौंपा गया था, सैलून में रोमन कार्यों और चित्रों की एक श्रृंखला दिखाई गई थी। एक मुरलीवादक के रूप में कुछ कौशल के साथ इटली से लौटने पर, हौडॉन ने इस मार्ग का अनुसरण नहीं किया। एक ओर, उन्हें लगभग आधिकारिक आदेश नहीं मिले, कला का नेतृत्व करने वाले शाही अधिकारियों के बीच कोई संरक्षक नहीं था। उन्हें फ्रांस के बाहर ऑर्डर की तलाश करनी पड़ी - उन्होंने विशेष रूप से 1770 के दशक में कैथरीन II, कोबर्ग-गोथा के जर्मन ड्यूक और रूसी रईसों के लिए बहुत काम किया। कई स्मारकीय रचनाएँ हम तक नहीं पहुँची हैं - पैंथियन के पेडिमेंट की राहत से लेकर नेपोलियन की विशाल कांस्य प्रतिमा तक; इस अर्थ में, हौडॉन विशेष रूप से बदकिस्मत था। लेकिन, दूसरी ओर, हौडॉन के काम की प्रकृति चित्र के प्रति उनके निरंतर आकर्षण को आश्वस्त करती है। यह उनके काम की सबसे मजबूत शैली है, और यह व्यर्थ नहीं है कि यह हौडॉन की कला में है कि चित्र एक स्मारकीय, समस्याग्रस्त शैली बन जाता है।

1777 में हौडॉन को शिक्षाविद की उपाधि मिली। डायना (गोथा) का प्लास्टर मॉडल एक साल पहले का था। उसके रूप का बहुत प्रभाव था। हौडॉन पुरातनता से प्रेरित था। हल्के ढंग से लिपटी हुई कोक्वेटिश अप्सराओं और रोकोको बैचैन्ट्स के विपरीत, उसने डायना को नग्न प्रस्तुत किया, जिससे उसकी नग्नता को एक विशेष गंभीरता, यहां तक ​​कि शीतलता भी दी गई। क्लासिकवाद की प्रवृत्ति, जो 1770 के दशक में विकसित हुई, सिल्हूट की स्पष्टता और रूप की पीछा की गई स्पष्टता दोनों में प्रकट होती है। 18 वीं शताब्दी के अन्य उस्तादों के कार्यों की पृष्ठभूमि के खिलाफ। डायना एक बहुत ही बौद्धिक कार्य प्रतीत होता है; और साथ ही, एक अच्छी तरह से तैयार धर्मनिरपेक्ष महिला की उपस्थिति, डायना के लिए अजीब, मुद्रा की सुरुचिपूर्ण कृपा शताब्दी की कुलीन संस्कृति की भावना से प्रभावित होती है।

हौडॉन के यथार्थवादी चित्र का उदय क्रांति की पूर्व संध्या पर दशकों, 1770-1780 के दशक में आता है। इस अवधि के सैलून में उनके काम नियमित रूप से दिखाई देते थे; उदाहरण के लिए, 1777 की प्रदर्शनी में हौडॉन द्वारा निष्पादित लगभग बीस आवक्ष प्रतिमाएं थीं। उनके काम के एक सौ पचास से अधिक चित्र हैं। उसके पैटर्न विविध हैं। लेकिन उस समय के उन्नत लोगों, विचारकों, सेनानियों, इच्छाशक्ति और ऊर्जा के लोगों को चित्रित करने में हौडॉन की रुचि विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। इसने उनके चित्र कार्य को एक महान सामाजिक महत्व दिया।

इस अवधि के दौरान हौडॉन की कला रूप की किसी भी विशेषता, इसकी नवीनता से प्रभावित नहीं होती है। नवीनता छिपी हुई है क्योंकि इसमें सभी प्रकार की विशेषताओं, अलंकारिक रूपांकनों, आभूषणों और पर्दे के उन्मूलन में अधिकतम सादगी शामिल है। लेकिन यह बहुत कुछ है। इसने हौडॉन को चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की आंतरिक दुनिया पर ध्यान केंद्रित करने की अनुमति दी। उनका रचनात्मक तरीका लातौर के करीब है।

हौडॉन 18वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला की सर्वश्रेष्ठ यथार्थवादी परंपराओं का उत्तराधिकारी है - इसकी विश्लेषणात्मकता और सूक्ष्म मनोविज्ञान। हौडन ने जिसे भी चित्रित किया, उसके चित्र सदी की आध्यात्मिक सर्वोत्कृष्टता बन गए, जो हर चीज पर सवाल और विश्लेषण करता है।

आंतरिक जीवन की तीव्रता मार्क्विस डी सबरन (टेराकोटा, सी। 1785; बर्लिन) के चित्र की विशेषता है। दाहिने कंधे तक जाने वाले कपड़ों की हल्की तह, कर्लिंग कर्ल, गर्दन का एक गतिशील मोड़ सिर के थोड़े तीखे मोड़ की अभिव्यक्ति को व्यक्त करता है। इसे एक ऊर्जावान और मोबाइल चरित्र की विशेषता, जल्दी से प्रतिक्रिया करने की क्षमता के रूप में माना जाता है। प्रकृति की जीवंतता एक रिबन द्वारा अवरोधित मुक्त केश के सुरम्य "स्ट्रोक" और चेहरे और कपड़ों पर प्रकाश प्रतिबिंबों के खेल में प्रकट होती है। उच्च चीकबोन्स चौड़ा चेहरा बदसूरत है; एक तीक्ष्ण, ठट्ठा करने वाला मन एक कास्टिक मुस्कान और एक स्थिर नज़र में चमकता है; मार्क्विस डी सबरन की बौद्धिकता में उनके समय की कुछ विशेषता है।

हौडॉन के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक - शायद पूर्व-क्रांतिकारी वर्षों के उनके रचनात्मक फूल का शिखर - वोल्टेयर की मूर्ति (लेनिनग्राद, हर्मिटेज; एक अन्य विकल्प पेरिस में फ्रेंच कॉमेडी थियेटर का फ़ोयर है)। हौडॉन ने 1778 में इस चित्र पर काम करना शुरू किया, "फर्नी के कुलपति" की मृत्यु से कुछ समय पहले, जो पेरिस में विजयी होकर लौटे थे। यह ज्ञात है कि हौडॉन द्वारा तुरंत मुद्रा और आंदोलन नहीं पाया गया था - सत्र के दौरान, जल्दी थके हुए चौरासी वर्षीय व्यक्ति में विजयी भव्यता को देखना मुश्किल था, जो समकालीनों को मूर्तिकार से उम्मीद थी। हौडॉन की कल्पना, जो उनकी प्रतिभा का एक मजबूत बिंदु नहीं थी, को संयोग से मदद मिली - टिप्पणियों का एक जीवंत आदान-प्रदान जिसने यादों को पुनर्जीवित किया, वोल्टेयर के दिमाग को फिर से प्रज्वलित किया। इसलिए, दार्शनिक की मुद्रा इतनी अभिव्यंजक है। वह एक काल्पनिक वार्ताकार के पास गया, दायाँ हाथइस तेज गति में मदद करता है - कुर्सी की बांह पर जकड़ी हुई लंबी लंबी उंगलियां। मोड़ का तनाव दोनों पैरों की स्थिति में, और धड़ के प्रयास में, और यहां तक ​​​​कि कुर्सी के आकार में भी महसूस किया जाता है - तल पर खांचे लंबवत होते हैं, ऊपर से वे एक सर्पिल में मुड़ते प्रतीत होते हैं, हाथ की गति को संचारित करना। वोल्टेयर के झुर्रीदार चेहरे में ध्यान और केंद्रित विचार दोनों हैं - भौंहों को नाक के पुल पर स्थानांतरित कर दिया जाता है। लेकिन उनमें सबसे उल्लेखनीय बात व्यंग्यात्मक मुस्कराहट है, जो वोल्टेयर की प्रकृति की विशेषता है, मन की छिपी ऊर्जा की अभिव्यक्ति है, जो शानदार नीतिशास्त्री की विडंबना की घातक आग के साथ वैचारिक दुश्मन को हराने के लिए तैयार है। हौडॉन के काम में वोल्टेयर की छवि तत्कालीन फैशनेबल "एपोथियोस" से बहुत दूर है। इसकी ताकत इस तथ्य में निहित है कि यह प्रबुद्धता की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं को प्रकट करती है, जो इसके सबसे महान प्रतिनिधियों में से एक के चरित्र में, साहसिक क्रांतिकारी विचार के युग, पूर्वाग्रहों की निर्दयी आलोचना के रूप में प्रकट होती है।

हौडॉन द्वारा बनाई गई वोल्टेयर की मूर्ति को एक ऐतिहासिक चित्र कहा जा सकता है - इसमें एक संपूर्ण युग शामिल है। इसके लिए हौडॉन ने बयानबाजी और रूपक के पारंपरिक मार्ग का अनुसरण नहीं किया। यहां तक ​​​​कि प्राचीन टोगा, क्लासिकवाद की एक स्पष्ट तकनीक, एक प्राचीन दार्शनिक की विशेषता के रूप में नहीं, बल्कि साधारण ढीले कपड़ों के रूप में माना जाता है जो सफलतापूर्वक बूढ़ा पतलापन छुपाता है और स्मारकीय मूर्ति को रूप का आवश्यक सामान्यीकरण देता है।

हौडॉन ने मूर्तिकार के महान अवसर के बारे में लिखा "उन लोगों की छवियों को पकड़ने के लिए जिन्होंने अपनी जन्मभूमि की महिमा या खुशी बनाई"; यह पूरी तरह से उस पोर्ट्रेट गैलरी पर लागू होता है जिसे उन्होंने प्रबुद्धजनों वोल्टेयर और रूसो, डिडेरॉट और डी'अलेम्बर्ट, और 18 वीं शताब्दी के कई प्रमुख वैज्ञानिकों और राजनेताओं से बनाया था।

संगीतकार ग्लक (1775; वीमर) का चित्र बस्ट, संगीत में एक महान क्रांतिकारी, जिसका काम वीर पथ और नाटक से संतृप्त है, क्रांति की पूर्व संध्या की विशेषता है, उल्लेखनीय है। संगीतकार की मुद्रा में, उसके कपड़ों की चौड़ी, ढीली सिलवटों में, व्यक्ति एक विशेष दायरे और आध्यात्मिक शक्ति के उदय का अनुभव करता है। सिर की बारी दृढ़ है, इसमें साहस और ऊर्जा का अनुमान लगाया जाता है; बालों के बड़े तार उलझे हुए हैं। ऊँचे माथा को मानो विचार के तनाव से ढँका हुआ है; टकटकी दर्शक के ऊपर मुड़ जाती है, उसका जुनून एक दुखद अंतर्दृष्टि, मन की उत्साही स्थिति को व्यक्त करता है। ग्लुक को इस तरह चित्रित किया गया है जैसे कि वह असाधारण संगीत सुन रहा हो, लेकिन जो इच्छा और साहस उसे प्रेरित करता है, वह चित्र की आलंकारिक ध्वनि का विस्तार करता है, आपको उस समय के महान विचारों की सांस का एहसास कराता है। चेहरे के बदलते जीवन की स्वाभाविकता के बावजूद, संगीतकार की छवि को एक विशेष उदात्त क्षेत्र - रचनात्मक प्रेरणा के क्षेत्र में ऊंचा किया जाता है।

और ग्लक और हौडॉन के अन्य कार्यों का चित्र लोकतांत्रिक है। हंसती हुई पत्नी (जिप्सम, सी। 1787; लौवर) के जीवंत और आकर्षक चित्र में जोरदार ढंग से कुछ है। उनके मॉडल रैंक या स्थिति में श्रेष्ठ होने का दावा नहीं करते हैं। उनकी महानता उनकी गतिविधियों के सामाजिक महत्व में निहित है, और यह हौडॉन की रचनात्मक अवधारणा की मुख्य विशेषताओं में से एक है, जो चित्र में अपने नायक की "सामाजिक कार्रवाई" को व्यक्त करता है। इसलिए, उदाहरण के लिए, मिराब्यू (1790 के दशक; वर्साय) के चित्र में एक अनुभवी वक्ता की विशेषताएं इतनी सूक्ष्मता से पकड़ी जाती हैं।

एक मॉडल की मदद से वास्तविक चेहरे के आकार को बहुत सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत करते हुए, हौडॉन ने चरित्र के सार को सरलता से पकड़ लिया। मास्टर के चित्र यथार्थवाद के सबसे मजबूत पहलुओं में से एक चित्र में रूप की अभिव्यक्ति है। पुतली में उन्होंने संगमरमर का एक टुकड़ा छोड़ दिया, जो चमक रहा था और लुक को एक विशेष अभिव्यक्ति दे रहा था। रॉडिन ने हौडॉन के बारे में कहा: "उसकी तलाश अभिव्यक्ति के आधे से अधिक है। उसकी आँखों में, उसने आत्मा को खोल दिया।

फ़्रांस में क्रांतिकारी उभार के साथ संबद्ध, क्रांति के बाद हौडॉन की यथार्थवादी कला अपने पूर्व महत्व को खो देती है। शाही परिवार के सदस्यों के क्लासिक चित्र, अलेक्जेंडर I (1814) की प्रतिमा ठंडी और अमूर्त है, साम्राज्य की औपचारिकता हौडॉन की पद्धति के प्रतिकूल थी। 1803 में, उन्होंने स्कूल ऑफ़ फाइन आर्ट्स में पढ़ाना शुरू किया और 1814 से उन्होंने मूर्तिकला को पूरी तरह से छोड़ दिया।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के हौडॉन, रॉबर्ट और कई अन्य उस्तादों के काम की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताएं। फ्रांसीसी कलात्मक संस्कृति में क्लासिकवाद के विकास के कारण। इस नई शैली के निर्माण की संभावनाएं सदी के मध्य में पहले से ही ध्यान देने योग्य थीं। नई पुरातात्विक खोजों के बाद पुरातनता में रुचि अधिक जीवंत हो गई, यह हरकुलेनियम की खुदाई से प्रेरित था, जिसे कई कलाकारों ने देखा था। लेकिन यह इस तथ्य की व्याख्या नहीं कर सकता है कि एक सदी की अंतिम तिमाही तक नया क्लासिकवाद प्रमुख प्रवृत्ति बन गया है। कला में उनकी अग्रणी भूमिका तब आवश्यक हो गई, जब जी.वी. प्लेखानोव के शब्दों में, "पुरानी व्यवस्था के विरोधियों को वीरता की आवश्यकता महसूस हुई" ( जीवी प्लेखानोव, सिलेक्टेड फिलॉसॉफिकल वर्क्स, वॉल्यूम वी, एम।, 1958।) सपनों की भावना में पारिवारिक सद्गुण के उपदेश को नागरिक सद्गुण की पुष्टि, वीर कर्मों के आह्वान से बदल दिया गया था। ठीक इसके लिए पुरातनता की आवश्यकता थी, जिसमें वे वीरता, गणतंत्रात्मक आदर्शों के एक मॉडल की तलाश में थे, क्योंकि, जैसा कि के। मार्क्स ने कहा, "चाहे कितना भी वीर बुर्जुआ समाज हो, वीरता, आत्म-बलिदान, आतंक, नागरिक इसके जन्म के लिए युद्ध और लोगों की लड़ाई की आवश्यकता थी »( के. मार्क्स आई.एफ. एंगेल्स, सोच।, खंड 8, पृष्ठ 120।).

क्लासिकवाद की पहली अभिव्यक्तियाँ अभी तक पूर्व-क्रांतिकारी वर्षों के ऊर्जावान कलात्मक आंदोलन के समान नहीं हैं। 1760-1770 के दशक की अंतरंग स्थापत्य सजावट के भीतर प्राचीन रूपांकनों, तकनीकों, भूखंडों का विकास हुआ। इस प्रवृत्ति की पेंटिंग को डेविड (1763; फॉनटेनब्लियू) के शिक्षक विएन (1716-1809) द्वारा "कामदेव के विक्रेता" की विशेषता है। चित्र पुरातनता से प्रेरित है, लेकिन इसकी साजिश मनोरंजक है, और पात्रों की "सुखद कृपा" वास्तव में, बहुत पारंपरिक है।

विशेष रूप से 1760 के दशक के मध्य से सजावटी और अनुप्रयुक्त कलाओं में भी नए रुझान दिखाई दिए। इंटीरियर विवर्तनिकता प्राप्त करता है, विभाजनों की स्पष्टता, एक निरंतर सजावटी पैटर्न को दीवार की एक शांत सतह से बदल दिया जाता है, जिसे संयमित ग्राफिक रूपांकनों के साथ सजाया जाता है, साथ ही साथ ह्यूबर्ट रॉबर्ट द्वारा सजावटी परिदृश्य जैसी चित्रफलक रचनाएं। फ़र्नीचर निर्माता - रीसेनर से लेकर जैकब तक - पुरातन रूपों का इस्तेमाल करते थे, उन्हें पुरातात्विक प्रकाशनों से स्कूप करते थे। फर्नीचर रचनात्मक हो जाता है, यह फर्श पर मजबूती से खड़ा होता है; सनकी रूपरेखा के बजाय, अब यह सख्त सीधी रेखाओं की विशेषता है। चिकनी सतह को उभरा हुआ पदकों से सजाया गया है, आभूषण में प्राचीन रूपांकनों की प्रधानता है। इस अवधि के सबसे अच्छे अंदरूनी हिस्सों में जे.-ए द्वारा वर्साय के महल के अंदरूनी भाग हैं। गेब्रियल (उदाहरण के लिए, लुई सोलहवें का पुस्तकालय, 1774)।

इस समय तक, निरपेक्षता की कलात्मक नीति बदल रही थी। कला अकादमी और शाही भवन निदेशालय - आधिकारिक संस्थान - कला को विनियमित करने का प्रयास करते हैं। रोकोको देहाती अब शाही अधिकारियों को संतुष्ट नहीं करते हैं, "राजसी शैली" को पुनर्जीवित करने की आवश्यकता है जो कि निरंकुश निरपेक्षता का समर्थन कर सकती है। ऐतिहासिक शैली के स्वामी रोकोको की "वीरतापूर्ण पौराणिक कथाओं" के पारंपरिक रूपों को त्याग रहे हैं। गेब्रियल फ्रांकोइस डोयेन (1726-1806), लुई लैग्रेन द एल्डर (1725-1808) और अन्य बड़े भारी और भव्य चित्रों को "राजसी" विषयों में जोड़ते हैं। चित्रांकन में आदर्शीकरण की प्रवृत्ति तेज होती है (एलिजाबेथ विगी-लेब्रून)। शिक्षाविदों की ऐतिहासिक पेंटिंग अच्छे सम्राटों के "नागरिक गुणों" का महिमामंडन करने लगती है। 1780 में, चित्रकार सुवेट को एक भव्य नाम के साथ एक पेंटिंग के लिए शिक्षाविद की उपाधि मिली: "मिस्टर डी'एंगिलियर की देखभाल द्वारा लुई सोलहवें के शासनकाल में कला को दी गई स्वतंत्रता"।

1774 में रॉयल बिल्डिंग निदेशालय के प्रमुख बनने वाले काउंट डी एंजिविलियर ने कला में सर्वश्रेष्ठ का सख्ती से पीछा किया। अपने पूर्ववर्ती के दिनों में, कोचीन अकादमी के सचिव, मार्क्विस ऑफ मारिग्नी ने चित्रकारों के लिए चापलूसी वाले वफादार भूखंडों का आविष्कार किया। : "अगस्त, जानूस के मंदिर के दरवाजे बंद करना", "टाइटस कैदियों को मुक्त करता है", "मार्कस ऑरेलियस लोगों को भूख और प्लेग से बचाता है।" डी "एंजिविलियर अधिक निर्णायक रूप से कार्य करता है। प्राचीन कहानियां खतरनाक हैं - वे बहुत अत्याचारी लगती हैं। और शाही अधिकारी इतिहास चित्रकला को प्रोत्साहित करते हैं राष्ट्रीय विषयइसे एक प्रतिक्रियावादी, राजशाहीवादी चरित्र देना। कलात्मक जीवन के नियमन से अकादमी को छोड़कर, कला के सभी संस्थानों को जबरन समाप्त कर दिया जाता है। 1776 में, सेंट ल्यूक की अकादमी को "श्री डी की देखभाल" एंजिविलियर द्वारा समाप्त कर दिया गया था, उत्पीड़न के बाद, कॉलिज़ और पत्राचार सैलून बंद कर दिए गए थे; यह सब "नैतिकता को शुद्ध करने" की आवश्यकता के झूठे बहाने के तहत किया गया था। शाही भवनों के निदेशक इस युग के सबसे बड़े प्रगतिशील कलाकारों - मूर्तिकार हौडॉन और चित्रकार डेविड के प्रति मित्रवत नहीं थे।

इन परिस्थितियों में, बढ़ती प्रतिक्रिया के वर्षों के दौरान, लोकप्रिय विद्रोह, सामाजिक अंतर्विरोधों की वृद्धि और क्रांति की ओर फ्रांसीसी समाज के तेज आंदोलन, क्रांतिकारी क्लासिकवाद की प्रगतिशील कला ने आकार लिया, जिसका नेतृत्व जैक्स लुई डेविड ने किया।

डेविड का काम, पूर्व-क्रांतिकारी दशकों में, अगले खंड में माना जाता है, क्लासिकवाद के अखिल-फ्रांसीसी कलात्मक आंदोलन का एक अभिन्न अंग था: 1780 के दशक में डेविड द्वारा बनाई गई वीर छवियों को एक फ्रांसीसी में एक नागरिक को जगाना था; उनके गंभीर जुनून ने दिलों को खुश कर दिया। कोई आश्चर्य नहीं कि 1790 में जैकोबिन्स में से एक ने डेविड को एक कलाकार कहा, "जिसकी प्रतिभा ने क्रांति को करीब ला दिया।" डेविड का क्लासिकवाद 18वीं शताब्दी की फ्रांसीसी चित्रकला की प्रगतिशील प्रवृत्तियों से विकसित हुआ; उसी समय, उन्होंने रोकोको की कुलीन संस्कृति की परंपराओं का खंडन किया, जो 19 वीं शताब्दी की कला में नई समस्याओं के विकास की शुरुआत बन गई।