Nepochopiteľné umenie od Moneta po Banksyho na čítanie. nepochopiteľné umenie

Mojej manželke Kate a deťom Arthurovi, Nedovi, Mary a Georgeovi

NA ČO SA POZERÁŠ?

150 rokov moderného umenia mihnutím oka

Prvýkrát publikované vo Veľkej Británii v anglickom jazyku spoločnosťou Penguin Books Ltd. Toto vydanie vyšlo po dohode s Penguin Books Ltd. a Literárna agentúra Andrew Numberg

Preklad z angličtiny Irina Litvinová

Predslov

Existuje mnoho úžasných diel histórie umenia, od klasických Dejín umenia Ernsta Gombricha až po namyslený a bystrý Novelty Shock Roberta Hughesa (Hughes sa moderné umenie, kým Gombrich švihol na všetko naraz, hoci niekde v roku 1970 mu došla para). Nejdem súťažiť s takýmito autoritami - kde som! - ale ja chcem ponúknuť niečo iné: vlastnú poučnú, zábavnú a ľahko čitateľnú knihu, pokrývajúcu chronologické dejiny moderného umenia (od impresionistov až po súčasnosť), no prezentovanú z pohľadu dnes. Aby sme, povedzme, vysvetlili, prečo je taký trend ako konštruktivizmus, ktorý vznikol už v roku 1915, stále aktuálny, keďže kombinácia umeleckých, politických, technologických a filozofických okolností, ktoré ho viedli k jeho vzniku, určila budúcnosť umenia a našej spoločnosti. - a zároveň sa sviežimi očami pozrieť na to, čo tomuto smerovaniu predchádzalo.

Mojim vedomostiam, s ktorými som sa zhostil tejto úlohy, jednoznačne chýba akademickosť a praktická stránka nie je taká horúca: štvorročné dieťa kreslí lepšie ako ja. Všetka nádej je v mojich schopnostiach novinára a rozhlasového moderátora. Ako povedal o svojich esejach veľký zosnulý David Foster Wallace, popularizácia je odvetvie služieb, kde človek, ktorý nie je zbavený inteligencie, dostane čas a priestor, aby sa ponoril do rôznych vecí v prospech iných ľudí, ktorí majú lepšie veci na práci. Navyše mojou výhodou sú skúsenosti, nie nadarmo som toľko rokov pôsobil v podivnom a uhrančivom svete súčasného umenia.

Počas siedmich rokov, čo som bol riaditeľom Tate Gallery, som mohol navštíviť obe najväčšie múzeá sveta, ako aj menej známe zbierky, ktoré ležia mimo vychodených turistických chodníkov. Navštevoval som umelcov doma, pozorne som študoval bohaté súkromné zbierky a sledoval niekoľkomiliónové aukcie súčasného umenia. Vrhol som sa do toho po hlave. Keď som začínal, nič som nevedel; teraz niečo viem. Samozrejme, je sa ešte veľa čo učiť, ale dúfam, že to málo, čo sa mi aspoň trochu podarilo vstrebať (a udržať v sebe), vám pomôže oceniť a pochopiť súčasné umenie. A toto, ako som videl, je jedným z najväčších potešení v živote.

Úvod
nepochopiteľné umenie

V roku 1972 Londýnska galéria Tate kúpil sochu Ekvivalent VIII od amerického minimalistu Carla Andreho. Vytvorené v roku 1966 a pozostáva zo 120 žiaruvzdorných tehál, ktoré je možné pri dodržaní pokynov umelca poskladať do ôsmich rôznych tvarov rovnakého objemu (odtiaľ názov Ekvivalent VIII). V galérii vystavený v polovici 70. rokov 20. storočia mal kompozíciu rovnobežník hlboký dve tehly.

Na týchto tehlách nebolo nič zvláštne – presne tie isté si mohol kúpiť ktokoľvek za pár centov za kus. Ale Tate Gallery za nich vyčlenila viac ako dvetisíc libier. Anglická tlač sa zbláznila. "Národné financie sa plytvajú na hromadu tehál!" kričali papiere. Dokonca aj vysoko intelektuálny časopis o histórii umenia Burlington Magazine premýšľal: "Stratila Tate rozum?" Každý chcel vedieť, prečo Tate tak bezohľadne míňa verejné peniaze na to, čo „môže urobiť každý murár“.

"Baby, nehovor, že 'derivát' nie je dobré slovo!"

Prešli ďalšie tri desaťročia a Tate opäť minul peniaze britských daňových poplatníkov na nezvyčajné umelecké dielo. Tentoraz sa rozhodla kúpiť ľudskú frontu. Nie však celkom tak. Nie samotní ľudia – v dnešnej dobe je to v rozpore so zákonom – ale len línia. Alebo presnejšie kus papiera, na ktorom slovenský výtvarník Roman Ondak načrtol svoju predstavu. Jeho plánom bolo najať niekoľkých hercov a postaviť ich do radu pred zamknutými dverami. Po aranžmáne, alebo v reči galeristov a umelcov „inštalácii“, museli herci obrátiť zrak k dverám a zamrznúť v póze pokorného očakávania. To malo zaujať okoloidúcich, ktorí sa buď zaradili do radu (spravidla sa to stáva), alebo prešli okolo, zmätene krčili čelo a snažili sa zistiť, ktorý umelecký zmysel im chýbal.

Nápad je to vtipný, ale je to umenie? Ak murár dokáže vytvoriť analóg ku ekvivalentu VIII od Carla Andreho, potom by sa Ondakov falošný front mohol považovať za výstredný trik v duchu hlúpych vtipov. Teoreticky mala tlač v tomto prípade upadnúť do úplnej hystérie.

Ale záležitosť sa obmedzila na nespokojné reptanie: žiadna kritika, žiadne rozhorčenie, dokonca ani dvojzmyselné titulky od tých najvtipnejších členov bulvárnej komunity – absolútne nič! Jedinou reakciou na dohodu bolo pár schvaľovacích riadkov v úctyhodnom časopise pod hlavičkou diania vo svete umenia. Čo sa teda za tých tridsať rokov stalo? čo sa zmenilo? Prečo sa vyspelé súčasné umenie, ktoré sa spočiatku javilo ako hlúpy vtip, začalo vnímať nielen s rešpektom, ale s úctou?

Peniaze tu zohrali dôležitú úlohu. Za posledné desaťročia sa do sveta umenia investovalo obrovské množstvo opovrhnutiahodného kovu. Štátne prostriedky sa štedro vynakladali na „zušľachťovanie“ starých múzeí a vytváranie nových. Pád komunizmu a odmietnutie štátnych zásahov do trhovej ekonomiky (a v dôsledku toho aj globalizácia) viedli k nárastu populácie multimilionárov, pre ktorých sa akvizícia súčasného umenia stala veľmi výhodnou investíciou. S poklesom akciových trhov a kolapsom bánk hodnota ikonických diel súčasného umenia neustále rástla, rovnako ako počet účastníkov tohto trhu. Pred pár rokmi medzinárodné aukčný dom Sotheby's počítali s kupujúcimi z troch krajín. Teraz je takýchto krajín viac ako dve desiatky a nikoho neprekvapíte prítomnosťou nových bohatých zberateľov z Číny, Indie a Južná Amerika. Hlavné trhové ekonomiky vstúpili do hry ponuky a dopytu, pričom prvé z nich výrazne predbehli druhé. Náklady na diela mŕtvych umelcov (ktorí už preto nebudú vytvárať nové diela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettiho a ďalších - stále rýchlo rastú.

"Je pre nás pohodlnejšie pracovať s mŕtvymi umelcami!"

Rastie vďaka novým bohatým bankárom a tieňovým oligarchom, ako aj ctižiadostivým provinčným mestám a krajinám orientovaným na cestovný ruch, ktoré si chcú „vytvoriť svoje vlastné Bilbao“ – inými slovami, zmeniť svoj imidž a zvýšiť svoju atraktivitu pôsobivou umeleckou galériou. Každý už dávno pochopil: nestačí kúpiť obrie sídlo alebo architektonickú pamiatku. Naplnená škandalóznymi umeleckými dielami bude pre návštevníkov oveľa zaujímavejšia. A takých diel nie je až tak veľa.

Ak nie je možné zohnať „klasikov“ súčasného umenia, pomáhajú „súčasníci“. Ide o diela žijúcich umelcov, ktorí pokračujú v tradícii moderného umenia (za začiatok ktorého sa zhodneme považovať prácu impresionistov sedemdesiatych rokov 19. storočia). Ale aj v tomto segmente ceny prudko vzrástli: náklady na diela významných umelcov, akým je napríklad americký majster pop-artu Jeff Koons, sú dnes príliš vysoké.

Koons je známy svojím obrovským, kvetmi zdobeným „Šteniatkom“ (1992), ako aj množstvom karikatúrnych sôch vyrobených z hliníka, ktoré napodobňujú figúrky vyrobené z balónov. V polovici 90. rokov sa Koonsove diela dali kúpiť za niekoľko tisíc dolárov. V roku 2010 sa už jeho skladby, svetlé ako cukríky, predávali za milióny. Jeho meno sa stalo značkou a jeho diela sú okamžite rozpoznateľné ako logo. Nike. Na vlne dnešného zberateľského boomu rozprávkovo zbohatol – spolu s mnohými ďalšími umelcami súčasnosti.

Kedysi chudobní umelci sú teraz multimilionári so všetkými znakmi očarujúcej hviezdy: priatelia celebrít, súkromné lietadlá a pozornosť senzáciechtivej tlače sledujúcej každý ich pohyb. Segment lesklých časopisov, neuveriteľne rozšírený na konci 20. storočia, s nadšením pomáha novej generácii tvorcov pri vytváraní verejného obrazu – výmenou za právo zverejňovať fotografie z ich súkromných večierkov. Fotografie umelcov na pozadí vlastné diela v oslnivých dizajnérskych interiéroch, kde sa zhromažďujú bohatí a slávni, je to ako pozerať sa cez kľúčovú dierku a čitatelia glosátorov nenásytne prehĺtajú takéto informácie (dokonca aj Tate si najal vydavateľa Vogue vydávať vlastný časopis tzv Členovia Tate).

Tieto druhy časopisov spolu s farebnými prílohami novín vytvorili módne kozmopolitné publikum pre módne kozmopolitné umenie – sviežeho diváka, ľahostajného k „temnej“ maľbe minulosti, ktorú uctievala predchádzajúca generácia. Mnohí návštevníci galérií dnes chcú dnešné umenie – svieže, dynamické a živé. Umenie „tu a teraz“. Moderné a žiadané umenie, ako oni sami, je podobné rock and rollu: hlučné, rebelské, zábavné a cool.

Noví diváci čelia rovnakému problému, s ktorým sa stretávame všetci zoči-voči umeniu – problémom zmyslu. Či už ste skúsený obchodník s umením, popredný akademik alebo kurátor múzea, každého môže ohromiť pohľad na plátna alebo sochy čerstvo dodané z dielne tvorcu. Dokonca aj Nicholas Serota, svetoznámy riaditeľ britskej Tate Imperial Gallery, je z času na čas zmätený. Raz sa mi priznal, že sa trochu zľakol, keď vošiel do umelcovho ateliéru a uvidel ho Nová práca. "Ani neviem, čo si mám myslieť," povedal. "Niekedy je to strašidelné." Ak sa svetová autorita v oblasti nového súčasného umenia stráca, ako potom môžu všetci ostatní posudzovať toto umenie?

Myslím, že je to stále možné. Problém predsa nie je v tom, či je toto dielo majstrovským dielom alebo nie – to za nás rozhodne až čas. Dôležitejšie je pochopiť, ako a prečo toto dielo zapadá do dejín umenia. Toto je paradox nášho koketovania so súčasným umením: na jednej strane milióny ľudí navštevujú Pompidou Center, New York Museum of Modern Art a Tate Gallery v Londýne, no na druhej strane najčastejší komentár v r. rozhovory o súčasnom umení sú: "Ach, tomu vôbec nerozumiem."

Toto radostné priznanie vlastnej nevedomosti neznamená nedostatok kultúry alebo inteligencie. Počul som povedať to isté slávnych spisovateľov, úspešní filmári, vysokí politici a univerzitní profesori. Samozrejme, všetci, až na zriedkavé výnimky, sa mýlia. Sú veľmi dobre informovaní o umení. Vedia, že Michelangelo je autorom fresiek v Sixtínska kaplnka a Leonardo da Vinci namaľoval Monu Lisu. A určite takmer každý vie, že Auguste Rodin bol sochár a väčšina z nich bude vedieť vymenovať jedno alebo dve jeho diela. V skutočnosti tým myslia, že nerozumejú súčasný umenie. Aj keď to nie je celkom pravda. Veď napríklad vedia, že Andy Warhol namaľoval 32 plechoviek Campbellovej polievky, len tieto obrázky nevnímajú. Nedokážu pochopiť, prečo je niečo, čo dieťa dokáže, bezpodmienečne uznávané ako majstrovské dielo. A v hĺbke duše majú podozrenie, že ide o čistý podvod - len to, že teraz, keď sa móda zmenila, nie je zvykom to hovoriť.

Nepripadá mi to ako podvod. Nové umenie (pojem pokrývajúci obdobie od 60. do 70. rokov 20. storočia) a súčasné umenie (pojem aplikovaný najmä na súčasnosť a len príležitostne na diela vytvorené po 1. svetovej vojne) nie je dlhodobým podvrhom, vykonávaným pred dôverčivé publikum niekoľkými dobre informovanými odborníkmi. Mnoho diel vytvorených dnes neobstojí v skúške času, ale medzi nimi sú diela, ktoré dnes, keď si ich nikto nevšimol, budú zajtra uznávané ako majstrovské diela. Takéto skutočne jedinečné umelecké diela, ktoré vznikli dnes a v minulom storočí, skutočne sú najväčšie úspechyľudskosť. Len blázon by spochybňoval genialitu Pabla Picassa, Paula Cezanna, Barbary Hepworthovej, Vincenta van Gogha a Fridy Kahlo. Nemusíte byť sofistikovaný milovník hudby, aby ste vedeli, že Bach vedel zložiť melódiu a Sinatra ju vedel zaspievať.

Myslím si, že pokiaľ ide o uznanie súčasného umenia, východiskom by nemalo byť posúdenie, či je dobré alebo nie, ale pochopenie jeho vývoja od klasických Leonardových diel až po dnešné formalizované žraloky a neustlané postele. Ako to už pri väčšine zdanlivo nepochopiteľných predmetov býva, umenie je do istej miery ako hra – akonáhle si osvojíte základné pravidlá, spočiatku nepochopiteľné hneď nadobudne nejaký význam. A ak zoberiete konceptualizmus ako také pravidlo súčasného umenia – ktoré nikto nedokáže pochopiť ani stručne vysvetliť pri šálke kávy – potom je všetko prekvapivo jednoduché.

Všetko, čo potrebujete na pochopenie základov, nájdete v navrhovanej histórii za posledných 150 rokov, keď umenie zmenilo svet a svet premenil umenie. Všetky umelecké smery, všetky „izmy“ sú navzájom zložito prepletené, sú neoddeliteľné, ako články jednej reťaze. Ale každý smer má svoj kánon, svoj prístup, svoj kreatívna metóda, ktorý vznikol ako spojenie najrôznejších umeleckých, spoločenských, politických a technologických vplyvov.

Čaká vás vzrušujúci príbeh, vďaka ktorému bude vaša ďalšia cesta do Tate, Múzea moderného umenia alebo miestnej galérie o niečo menej strašidelná a oveľa zaujímavejšia.

A veci dopadli asi takto...

Kapitola 1
Fontána, 1917

Pondelok 2. apríla 1917 Americký prezident Woodrow Wilson vo Washingtone presviedča Kongres, aby oficiálne vyhlásil vojnu Nemecku. Medzitým v New Yorku traja dobre oblečení mladí páni opúšťajú svoj dvojposchodový byt na 33 West 67th Street a smerujú do centra mesta. Rozprávajú sa, usmievajú sa, niekedy sa potichu smejú. Pre tenkého, elegantného Francúza v strede a jeho zavalitých priateľov na bokoch sú takéto prechádzky vždy radosťou. Monsieur je umelec, nežije v tomto meste ani dva roky: dosť na to, aby sa dobre orientoval, ale príliš krátky na to, aby sa nabažil jeho magických, zmyselných kúziel. Stále sa vzrušuje zakaždým, keď prechádza cez Central Park na juh na Columbus Square. Obraz toho, ako stromy postupne nahrádzajú budovy, mu pripadá ako jeden z divov sveta. Samotný New York je podľa jeho názoru veľkým umeleckým dielom; je to akýsi park sôch, plný nádherných moderných foriem, oveľa živší a relevantnejší ako budovy Benátok - ďalší veľký architektonický výtvor ľudstva.

Trojica pomaly kráča po Broadwayi. Toto je osamelý dechtový tulák, ktorý číha medzi bohatými a inteligentnými ulicami, ale obaja podsadití - uznávaní americkí estéti - nemajú ani poňatia o jeho extravagantnej povahe. A len Francúz so svojou precitlivenosťou má jasno: toto je osud Broadwaya a žiadna reštrukturalizácia, úpravy a iniciatívy starostu nezmenia to, čo už poznačilo budúcnosť tejto ulice – vrodenú sprostosť, nad ktorou je bezmocný ani čas. Napriek tomu v tom Francúz nachádza isté čaro. Presnejšie, určité čaro prirodzenosti.

Keď sa trojica priblíži k stredu mesta, slnko klesá nižšie a čoskoro jeho lúče nedokážu preraziť sklenené a betónové bariéry; tiene miznú a ich mŕtve duše sú chladné. Zavalité sa rozprávajú nad Francúzovou hlavou, vlasy má stiahnuté dozadu, aby odhalili vysoké čelo a ustupujúcu líniu vlasov. Dvaja sa rozprávajú, kým on premýšľa. Idú ďalej a on sa zastaví. Pohľad do výkladu železiarstva. Prikladá ruky do pohára a chráni sa pred slnečným žiarením, takže sú viditeľné dlhé šľachovité prsty s dobre upravenými nechtami: je v ňom niečo z čistokrvného žrebca.

Pauza netrvá dlho. Francúz sa vzďaľuje od výkladu a obzerá sa. Jeho priatelia sú už preč. Zmätene pokrčí plecami a zapáli si cigaretu. Potom prejde cez cestu, ale nie preto, aby dobehol svojich spoločníkov, ale aby hľadal teplé objatie slnka. Je už 16:50 a Francúzom sa zmieta vlna úzkosti. Obchody sa čoskoro zatvoria a budete musieť počkať do pondelka rána, ale potom už bude neskoro.

Zrýchli tempo, ale nie príliš. Snaží sa nereagovať na vonkajšie podnety, ale mozog sa tomu bráni – je toho toľko, čo treba pochopiť, premýšľať, ochutnať. Niekto naňho zavolá – Francúz sa obzerá: toto je Walter Arensberg, jeden z jeho dvoch spoločníkov, ten, ktorý je nižšie. Arensberg neustále podporoval všetky umelecké snahy Francúza v Amerike, odkedy v roku 1915 vo veternom júnovom ráno vystúpil z parníka. Arensberg naznačil svojmu priateľovi, aby sa vrátil na druhú stranu cesty a po prejdení Madison Square vyšiel na Piatu Avenue. No syn notára z Normandie už hľadel hore a hľadel na obrovský betónový plátok syra - Flatiron Building fascinoval francúzsky umelec dávno pred príchodom do New Yorku ako vizitka mesta, v ktorom sa človek chcel hneď usadiť.

Francúzovo prvé zoznámenie sa s 22-poschodovým majstrovským dielom sa uskutočnilo ešte v Paríži z fotografie Alfreda Stieglitza z roku 1903 a následne uverejnenej vo francúzskom časopise. A teraz, o štrnásť rokov neskôr, Flatiron Building aj Stieglitz, americký fotograf a majiteľ galérie, sú súčasťou nového života v Novom svete.

Z umelcovho snenia sa ozýva ďalší výkrik, v ktorom sa tentoraz ozýva určitá nespokojnosť. Portly Arensberg, patrón umenia a zberateľ umenia, rázne mávne rukou. Tretí spoločník stojí neďaleko a smeje sa. Toto je Joseph Stella (1877-1946), je tiež umelcom a so svojím priateľom si rozumie s bystrým galským rozumom a schopnosťou mraziť v obdive pred tým, čo ho zaujíma. Sama Stella pozná tento nemý úžas zoči-voči vzrušujúcemu predstaveniu – takto sa otec pozerá na novonarodené dieťa a vidí budúcu krásu a talent v zdanlivo nešťastnom malom čudákovi.

Zjednotené trio sa presunie ďalej na juh na Piatu Avenue a zastaví sa na čísle 118, kde sa nachádza inštalatérsky obchod J. L. Motta. Vnútri sa Arensberg a Stella nemôžu ubrániť smiechu, keď ich galský spoločník tápavo medzi kúpeľňovými zariadeniami a kľučkami dverí vystavenými na okne. Tu zavolá predajcovi a ukáže prstom na ten najobyčajnejší biely nástenný fajansový pisoár. Na výstrahu predajca informuje troch súdruhov, že tento model je vyrobený v Bedfordshire. Francúz prikývne, Stella sa uškrnie a Arensberg, ktorý predavača hlasno potľapká po chrbte, hovorí, že kupuje pisoár.

Vychádzajú. Arensberg a Stella idú zavolať taxík. A filozoficky zmýšľajúci francúzsky priateľ stál na chodníku s ťažkým nákupom v rukách a očakával nadchádzajúci trik s pisotière, ktoré som počala so svojimi priateľmi. Touto šašovkou určite rozprúdia zatuchnutý umelecký svet. Marcel Duchamp (1887 – 1968) sa pri pohľade na lesknúcu sa bielu plochu sám pre seba usmieva: Bude tu neporiadok!

Duchamp priniesol zakúpený produkt do svojho ateliéru, všetko na tej istej West 67th Street, kde boli aj luxusné byty, ktoré Arensberg súhlasil zaplatiť za Duchampa výmenou za právo prvého výberu budúcich (vrátane zatiaľ neznámych) majstrovských diel. Francúz položil ťažký fajansový predmet na podlahu plochou stranou a otočil ho tak, aby bol akoby hore nohami.

Potom si povzdychol a na ľavej strane vonkajšieho okraja pisoára s čiernym náterom vytiahol svoj pseudonym s dátumom: „R. Matt 1917". Na dokončenie projektu už zostáva len jediné: pomenovať ho. Nech je to „Fontána“. Takže objekt, ktorý bol pred pár hodinami len štandardným, nevýrazným sanitárnym zariadením, sa v dôsledku Duchampových manipulácií zmenil na umelecké dielo. (obr. 1).

Il. 1. Marcel Duchamp. "Fontána" (1917)

Aspoň to si Duchamp myslel. Bol si istý, že vynašiel nový formulár sochárstvo, čo znamená, že umelec si bez zjavnej estetickej hodnoty vyberie sériovo vyrábaný predmet a zbaví ho jeho funkčného účelu – inak povedané, robí ho zbytočným – po čom priradením mena a zmenou kontextu a uhla otáča do skutočného umeleckého diela. Svoj vynález nazval „ready-made“, teda hotový výrobok.

Duchamp túto myšlienku rozvíjal už niekoľko rokov - vo Francúzsku začal pripevňovaním kolesa na vidlicu bicykla k stoličke. Dizajn bol určený pre ich vlastnú zábavu. Marcel rád točil kolesom a sledoval, ako sa točí. Neskôr však začal tento produkt považovať za umelecké dielo.

Keď sa náš hrdina presťahoval do Ameriky, pokračoval v experimentoch tohto druhu: raz si kúpil lopatu na sneh a nakreslil na ňu nápis, kým ju zavesil zo stropu za rukoväť. Lopatu podpísal vlastným menom, ale naznačil, že to bolo „Duchampom“ a nie „vyrobil Duchamp“, čím jasne definoval svoju vlastnú úlohu v tomto procese: umelecký zámer, nie skutočná realizácia. Fontána posunula túto myšlienku na inú, verejnejšiu a konfrontačnú úroveň. Duchamp ho zamýšľal predstaviť na výstave nezávislých umelcov v roku 1917, najväčšej výstave moderného umenia, aká sa kedy v Amerike konala. Samotnú výstavu – výzvu pre americký umelecký establishment – zorganizovala Spoločnosť nezávislých umelcov – skupina voľnomyšlienkárskych intelektuálov, orientovaných na budúcnosť a proti Národná akadémia umenia s jeho konzervativizmom, dusiacim podľa nich súčasné umenie.

Zakladatelia Spoločnosti oznámili, že za jeden dolár sa môže stať členom ktorýkoľvek umelec a každý má právo prezentovať dve zo svojich diel na Výstave nezávislých umelcov v roku 1917 po zaplatení piatich dolárov za exponát. Marcel Duchamp bol šéfom Spoločnosti a členom organizačného výboru výstavy, čo aspoň čiastočne vysvetľuje jeho rozhodnutie vystavovať svoj chuligánsky exponát pod pseudonymom. A toto je celý Duchamp – milovník slovnej hry a ostrých vtipov o vysoko uletenom svete umenia.

Koniec koncov, pomocou pseudonymu „Mutt“ (čo v angličtine znamená „blázon“) jednoducho zmenil názov obchodu Mott, kde bol pisoár zakúpený. Hovorilo sa, že pseudonym je narážkou na komiks o Muttovi a Jeffovi, ktorý prvýkrát vyšiel v San Francisco Chronicle v roku 1907: jedna z jeho postáv, A. Mutt, je úzkoprsý podvodník so záľubou v dobrodružstvách a vymýšľa hlúpe spôsoby, ako rýchlo zbohatnúť, a jeho dôverčivý priateľ Jeff je obyvateľom azylového domu pre duševne chorých. Vzhľadom na to, že Duchamp s pomocou „Fontány“ zamýšľal prilákať chamtivých zberateľov a neznalých, no domýšľavých galeristov, podobný výklad alias vyzerá celkom opodstatnene. Rovnako ako predpoklad, že "R." znamená „Richard“ – francúzsky hovorový názov pre mešec. S Duchampom to vo všeobecnosti nebolo vždy príliš jednoduché; nie nadarmo dal nakoniec pred umením prednosť šachu.

Zámerným výberom pisoára, ktorý sa má premeniť na sochu, Duchamp sledoval aj iné ciele. Mal v úmysle spochybniť samotný pojem „umelecké dielo“, ako ho interpretovali odborní kritici, ktorých považoval za samozvané autority a nie veľmi profesionálnych rozhodcov. O tom, čo je umelecké dielo a čo nie, rozhoduje sám umelec. Duchampov postoj bol nasledovný: ak umelec, vedomý si súvislostí a významov, vyhlásil svoje dielo za umelecké dielo, tak je to tak. Pochopil, že tento návrh môže pri všetkej svojej jednoduchosti a dostupnosti spôsobiť revolúciu umelecký svet len čo si získa popularitu a stane sa všeobecne uznávaným.

Duchamp sa snažil vyvrátiť koncept, že materiál – či už plátno, mramor, kartón alebo kameň – diktuje umelcovi, čo má robiť. Verilo sa, že materiál je prvoradý a umelec doň smie zhmotniť svoje nápady iba pomocou štetca, pera alebo sochy. Duchamp chcel toto poradie zvrátiť. Materiálu pripisoval druhoradý význam: hlavná vec bola myšlienka. Až po tom, čo ju umelec sformuluje a rozvinie, si vyberie materiál, ktorý dokáže túto myšlienku sprostredkovať najúspešnejšie. A ak na to potrebujete fajansový pisoár, nevadí. V skutočnosti môže byť umením čokoľvek, ak si to umelec myslí, a to je základný princíp kreativity.

Bol tu ešte jeden spoločný názor, ktorý chcel Duchamp odhaliť ako falošný, a to: že umelec je akousi vyššou formou. ľudský život. Že si zaslúži majestátne postavenie, ktoré mu spoločnosť udeľuje pre jeho výnimočnú inteligenciu, prehľad a múdrosť. Duchamp veril, že to všetko je nezmysel: umelci berú sami seba a ostatní ich berú príliš vážne.

Skryté významy „Fontány“ sa neobmedzovali len na slovné hry a provokáciu. Duchamp si zámerne vybral pisoár, keďže tento objekt je nejednoznačný predovšetkým zo sexuálneho hľadiska, čo je téma, ktorú Duchamp často používa vo svojich dielach. Pisoár prevrátený hore dnom nevyžadoval od diváka veľkú predstavivosť, aby si všimol jeho podobnosť s nádobou teplej životodarnej sily vytekajúcej z penisu – ženských pohlavných orgánov. K tým, ktorí sedeli vedľa Duchampa, sa však tento náznak nedostal, takže odmietli ukázať „Fontánu“ na Výstave nezávislých umelcov v roku 1917 z tohto dôvodu.

Raz uvedená práca bol doručený do showroom na Lexington Avenue (len pár dní po tom, čo sa trojica prešla po Broadwayi), okamžite vyvolal u všetkých zmes šoku a znechutenia. A napriek tomu, že obálka so sprievodným listom od pána R. Mutta obsahovala potrebných šesť dolárov (jeden na účasť na výstave a päť na predvedenie exponátu), väčšina vedenia Spoločnosti (ktorá však medzi nimi aj Arensberg a, samozrejme, Duchamp, ktorý dokonale poznal pôvod a účel majstrovského diela a vášnivo ho obhajoval), vyvolávali dojem, že sa im pán Matt vysmieva, čo v skutočnosti zodpovedalo pravde.

Bola to výzva pre zvyšok vedenia Spoločnosti, skúška sily jej charty. Duchamp vyzval svojich kolegov, či budú skutočne nasledovať myšlienky, ktoré sami hlásali, a to: napriek autoritárskemu názoru konzervatívnej Národnej akadémie dizajnu, aby obhajovali nový, liberálny prístup: ak ste umelec a platíte si peniaze, potom by mala byť vaša práca vystavená. A bod.

Konzervatívci túto bitku vyhrali, ale ako už všetci vieme, vojnu prehrali nešťastne. Exponát pána R. Mutta bol považovaný za príliš urážlivý a vulgárny už len z toho dôvodu, že išlo o pisoár, teda predmet nie príliš vhodný na konverzáciu puritánskych filištínov. Duchamp a jeho spoločníci okamžite opustili vedenie Spoločnosti. Fontána nebola nikdy predstavená verejnosti. Nikto nevie, čo sa stalo s týmto dielom. Predpokladá sa, že jeden z vodcov Spoločnosti ho rozbil, čím vyriešil problém, či vystaviť pisoár alebo nie. Medzitým, o pár dní neskôr, vo svojej galérii „291“ Alfred Stieglitz odfotil notoricky známy objekt, hoci by to už mohla byť nová, narýchlo vyrobená kópia „konfekcie“. Čo tiež zmizlo.

Ale veľká sila otvárania spočíva v tom, že ho nemôžete zavrieť späť. A Stiglitzova fotografia tu zohrala rozhodujúcu úlohu. Skutočnosť, že fotografiu Fontány urobil jeden z najuznávanejších fotografov vo svete umenia, ktorý vlastní aj slávnu avantgardnú umeleckú galériu na Manhattane, bola významná z dvoch dôvodov. Po prvé, potvrdilo štatút „Fontány“ ako plnohodnotného umeleckého diela, a teda ako takého podliehajúceho povinnej registrácii. Po druhé, jeho existencia bola teraz zdokumentovaná, takže oponenti mohli Duchampovo dielo rozbíjať, koľko chceli, pretože sa mohol kedykoľvek vrátiť do obchodu J. L. Motta, kúpiť si ďalší pisoár a urobiť presnú kópiu autogramu pomocou Stieglitzovej fotografie. Tak sa to vlastne aj stalo. V zbierkach roztrúsených po celom svete sa nachádza pätnásť exemplárov „Fontány“, overených podpisom autora.

– Naľavo je „hotové“, v strede je kópia a napravo je vec založená na „hotovom“ ...

Keď je jedna z týchto kópií vystavená, je celkom zábavné sledovať, ako vážne ju jej návštevníci berú. Davy fajnšmekrov bez tieňa úsmevu obklopujú odporný predmet a naťahujúc krky naň donekonečna hľadia, z času na čas cúvajú, aby sa pozreli z iného uhla. A je to len pisoár! A ani nie originál. Pretože umenie je myšlienka, nie téma.

Úcta, s akou sa dnes Fountain správa, by zrejme pobavila Marcela Duchampa. Pisoár si napokon vybral práve pre jeho neestetickú príťažlivosť (to, čo nazýval „umením pre sietnicu“). Toto hotové umelecké dielo, ktoré nebolo nikdy predstavené širokej verejnosti, bolo koncipované čisto ako provokácia, ale stalo sa určujúcim umeleckým dielom 20. storočia, ktoré zmenilo svet. Idey v ňom obsiahnuté ovplyvnili niekoľko umeleckých smerov naraz: dadaizmus, surrealizmus, abstraktný expresionizmus, pop art a konceptualizmus. Marcel Duchamp je bezpochyby najuznávanejším a najčastejšie citovaným zo všetkých modernistických umelcov od Aj Wej-weja po Damiena Hirsta.

Áno, ale je to umenie? Alebo si Duchamp len žartoval? Prinútil nás všetkých, aby sme vyzerali ako blázni, zamyslene sa škrabali na brade, „ocenili“ najnovšiu výstavu moderného koncepčné umenie? Oklamaní légiou ctihodných zberateľov a dôverčivých boháčov, ktorí boli zaslepení vlastnou chamtivosťou a zmenili ich na hrdých majiteľov kopy haraburdia? A jeho výzva kurátorom múzeí, aby sa na veci pozerali širšie a progresívnejšie, neviedla k opačnému efektu? Vyhlásením, že myšlienka je dôležitejšia ako spôsob jej prenosu, tým, že filozofiu uprednostnil pred technickými metódami, nevnucoval kolegom umelcov novú dogmu a nenútil ich zaobchádzať s remeslom opatrne a povýšenecky? Alebo je stále géniom, ktorý zachránil umenie zo stredovekého žalára, ako Galileo o tri storočia skôr oslobodil vedu, položil základy jej prosperity a v konečnom dôsledku vyvolal intelektuálnu revolúciu s ďalekosiahlymi následkami?

Mojej manželke Kate a deťom Arthurovi, Nedovi, Mary a Georgeovi

NA ČO SA POZERÁŠ?

150 rokov moderného umenia mihnutím oka

Prvýkrát publikované vo Veľkej Británii v anglickom jazyku spoločnosťou Penguin Books Ltd. Toto vydanie vyšlo po dohode s Penguin Books Ltd. a Literárna agentúra Andrew Numberg

Preklad z angličtiny Irina Litvinová

Predslov

Existuje mnoho úžasných diel histórie umenia, od klasických Dejín umenia od Ernsta Gombricha až po namyslený a náučný Šok z novosti Roberta Hughesa (Hughes pokrýval iba moderné umenie, zatiaľ čo Gombrich sa pustil do všetkého naraz, hoci okolo roku 1970 zlyhal) . Nejdem súťažiť s takýmito autoritami - kde som! - Chcem však ponúknuť niečo iné: vlastnú informačnú, zábavnú a ľahko zrozumiteľnú knihu, ktorá pokrýva chronologické dejiny moderného umenia (od impresionistov po súčasnosť), ale podávanú z pohľadu dneška. Aby sme, povedzme, vysvetlili, prečo je taký trend ako konštruktivizmus, ktorý vznikol už v roku 1915, stále aktuálny, keďže kombinácia umeleckých, politických, technologických a filozofických okolností, ktoré ho viedli k jeho vzniku, určila budúcnosť umenia a našej spoločnosti. - a zároveň sa sviežimi očami pozrieť na to, čo tomuto smerovaniu predchádzalo.

Za sedem rokov ako riaditeľ Tate som mohol navštíviť najväčšie svetové múzeá aj menej známe zbierky mimo turistických trás. Navštevoval som umelcov doma, pozorne som študoval bohaté súkromné zbierky a sledoval niekoľkomiliónové aukcie súčasného umenia. Vrhol som sa do toho po hlave. Keď som začínal, nič som nevedel; teraz niečo viem. Samozrejme, je sa ešte veľa čo učiť, ale dúfam, že to málo, čo sa mi aspoň trochu podarilo vstrebať (a udržať v sebe), vám pomôže oceniť a pochopiť súčasné umenie. A toto, ako som videl, je jedným z najväčších potešení v živote.

Úvod

nepochopiteľné umenie

V roku 1972 Tate Gallery v Londýne kúpila Equivalent VIII od amerického minimalistu Carla Andreho. Vytvorené v roku 1966 a pozostáva zo 120 žiaruvzdorných tehál, ktoré je možné pri dodržaní pokynov umelca poskladať do ôsmich rôznych tvarov rovnakého objemu (odtiaľ názov Ekvivalent VIII). V galérii vystavený v polovici 70. rokov 20. storočia mal kompozíciu rovnobežník hlboký dve tehly.

"Baby, nehovor, že 'derivát' nie je dobré slovo!"

Prešli ďalšie tri desaťročia a Tate opäť minul peniaze britských daňových poplatníkov na nezvyčajné umelecké dielo. Tentoraz sa rozhodla kúpiť ľudskú frontu. Nie však celkom tak. Nie samotní ľudia – v dnešnej dobe je to v rozpore so zákonom – ale len línia. Alebo presnejšie kus papiera, na ktorom slovenský výtvarník Roman Ondak načrtol svoju predstavu. Jeho plánom bolo najať niekoľkých hercov a postaviť ich do radu pred zamknutými dverami. Po aranžmáne, alebo v reči galeristov a umelcov „inštalácii“, museli herci obrátiť zrak k dverám a zamrznúť v póze pokorného očakávania. To malo zaujať okoloidúcich, ktorí sa buď zaradili do radu (čo sa bežne stáva), alebo prešli okolo, zmätene krčili čelo a snažili sa prísť na to, aký umelecký význam im chýba.

Peniaze tu zohrali dôležitú úlohu. Za posledné desaťročia sa do sveta umenia investovalo obrovské množstvo opovrhnutiahodného kovu. Štátne prostriedky sa štedro vynakladali na „zušľachťovanie“ starých múzeí a vytváranie nových. Pád komunizmu a odmietnutie štátnych zásahov do trhovej ekonomiky (a v dôsledku toho aj globalizácia) viedli k nárastu populácie multimilionárov, pre ktorých sa akvizícia súčasného umenia stala veľmi výhodnou investíciou. S poklesom akciových trhov a kolapsom bánk hodnota ikonických diel súčasného umenia neustále rástla, rovnako ako počet účastníkov tohto trhu. Pred niekoľkými rokmi, medzinárodný aukčný dom Sotheby's počítali s kupujúcimi z troch krajín. Teraz existuje viac ako dve desiatky takýchto krajín a nikoho neprekvapíte prítomnosťou nových bohatých zberateľov z Číny, Indie a Južnej Ameriky. Hlavné trhové ekonomiky vstúpili do hry ponuky a dopytu, pričom prvé z nich výrazne predbehli druhé. Náklady na diela mŕtvych umelcov (ktorí už preto nebudú vytvárať nové diela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettiho a ďalších - stále rýchlo rastú.

Pamätáte si, že vo filme 1+1 medzi dvoma hlavnými postavami prebieha dialóg o súčasnom umení. Keď Drissov asistent nevie prísť na to, ako kúpiť biele plátno s červenou škvrnou za 30 000 dolárov.

A koľko takýchto rozhovorov možno počuť medzi ľuďmi, ktorí nepoznajú umenie: „Áno, moja trojročný kreslí rovnako ako umelec N, ktorý svoju mazanicu predáva za niekoľko tisíc dolárov.

Kto má teda pravdu? Ako pochopiť, prečo sa tá či oná kreativita nazýva umenie a prečo stojí také rozprávkové peniaze?

K tomu môže pomôcť kniha s jednoduchým názvom: nepochopiteľné umenie".

Will Gompertz je nielen milovníkom umenia, ale aj umeleckým redaktorom BBC. Predtým pôsobil viac ako 7 rokov v Tate Gallery. Mimochodom, najnavštevovanejšie a najvplyvnejšie múzeum moderného umenia.

Táto kniha bude vaším sprievodcom svetom súčasného umenia. Už dlho som chcel študovať umenie, ale nevedel som pochopiť, ako začať študovať umenie a ako pochopiť, čo znamená taký smer ako modernizmus a ako sa líši od postmoderny.

Dlho som hľadal knihu, ktorá by mi toto všetko vysvetlila prístupným jazykom. A tak sa našla.

Obálka knihy nám dáva odkaz na paradajkovú polievku Campbell od Andyho Warhola.

Ešte v 19. storočí bol svet umenia relatívne pokojný. Umelci maľovali bucľatých anjelikov a overovali každý ťah štetcom. A potom prišli impresionisti a všetko im pokazili.

Moderné umenie urobilo taký veľký prelom vo svojom vývoji, že pre väčšinu ľudí sa slovo „súčasné umenie“ spája s niečím veľmi zložitým a nie pre každého.

Pri pohľade do galérie moderného umenia si človek mimovoľne pomyslí: nie je to hlupák, keď nerozumie tomu, čo je na obrázku zobrazené, alebo možno umelecký priemysel len oblbuje ľudí a vydiera od hlupákov mnohomiliónové sumy? ?

Keď Claude Monet (impresionista) v roku 1872 vytvoril obraz „Impression“, kritik časopisu „Le Charivari“ Louis Leroy povedal:

Tapety a tie by vyzerali dokončenejšie ako tento "dojem"

Bol to Leroy, kto nazval impresionizmus novým trendom.

Presne o 100 rokov neskôr kúpi Tate Gallery sochu Equivalent VIII za viac ako 2 000 libier. Socha je vyrobená z obyčajných tehál, ktoré by mohol položiť každý murár.

Po 30 rokoch Tate opäť šokuje ľudí a kupuje si ľudskú frontu (papier, na ktorom bol prezentovaný nápad slovenského umelca).

A toto je umenie? Áno. Ak chcete vedieť prečo, nahliadnite do knihy „Nepochopiteľné umenie“.

Kniha je písaná zrozumiteľným jazykom. Jasné a logické.

Dozviete sa, prečo nemôžete zopakovať Malevičov čierny štvorec a ako sa stalo, že obyčajný pisoár je považovaný za hlavné majstrovské dielo 20. storočia.

Kniha rozpráva o umení od polovice 19. storočia až po súčasnosť.

Kniha obsahuje ilustrácie.

V knihe sa nedozviete úplný príbeh o umelcoch a trendoch. Tu sa zbiera len najviac slávnych umelcov, architekti, sochári, ktorí boli zakladateľmi smerov.

Túto knihu môžem nazvať základom moderného umenia. Po nej sa môžete vydať na ďalšiu cestu za umením.

Dokážete odlíšiť Moneta od Maneta? Prečo je Duchampova „Fontána“ dôležitá pre súčasné umenie. Rozlišujte syntetický kubizmus od analytického. Pochopte rozdiel medzi modernizmom a postmodernizmom.

Kniha je ideálna pre začiatočníkov. Je nepravdepodobné, že by sofistikovaný umelec našiel pre seba niečo zaujímavé. Ale bude to užitočné pre začiatočníkov.

Will Gompertz

Nepochopiteľné umenie. Od Moneta po Banksyho

Mojej manželke Kate a deťom Arthurovi, Nedovi, Mary a Georgeovi

NA ČO SA POZERÁŠ?

150 rokov moderného umenia mihnutím oka

Prvýkrát publikované vo Veľkej Británii v anglickom jazyku spoločnosťou Penguin Books Ltd. Toto vydanie vyšlo po dohode s Penguin Books Ltd. a Literárna agentúra Andrew Numberg

Preklad z angličtiny Irina Litvinová

Predslov

Úvod

nepochopiteľné umenie

"Baby, nehovor, že 'derivát' nie je dobré slovo!"

Prešli ďalšie tri desaťročia a Tate opäť minul peniaze britských daňových poplatníkov na nezvyčajné umelecké dielo. Tentoraz sa rozhodla kúpiť ľudskú frontu. Nie však celkom tak. Nie samotní ľudia – v dnešnej dobe je to v rozpore so zákonom – ale len línia. Alebo presnejšie kus papiera, na ktorom slovenský výtvarník Roman Ondak načrtol svoju predstavu. Jeho plánom bolo najať niekoľkých hercov a postaviť ich do radu pred zamknutými dverami. Po aranžmáne, alebo v reči galeristov a umelcov „inštalácii“, museli herci obrátiť zrak k dverám a zamrznúť v póze pokorného očakávania. To malo zaujať okoloidúcich, ktorí sa buď zaradili do radu (čo sa bežne stáva), alebo prešli okolo, zmätene krčili čelo a snažili sa prísť na to, aký umelecký význam im chýba.

Peniaze tu zohrali dôležitú úlohu. Za posledné desaťročia sa do sveta umenia investovalo obrovské množstvo opovrhnutiahodného kovu. Štátne prostriedky sa štedro vynakladali na „zušľachťovanie“ starých múzeí a vytváranie nových. Pád komunizmu a odmietnutie štátnych zásahov do trhovej ekonomiky (a v dôsledku toho aj globalizácia) viedli k nárastu populácie multimilionárov, pre ktorých sa akvizícia súčasného umenia stala veľmi výhodnou investíciou. S poklesom akciových trhov a kolapsom bánk hodnota ikonických diel súčasného umenia neustále rástla, rovnako ako počet účastníkov tohto trhu. Pred niekoľkými rokmi, medzinárodný aukčný dom Sotheby's počítali s kupujúcimi z troch krajín. Teraz existuje viac ako dve desiatky takýchto krajín a nikoho neprekvapíte prítomnosťou nových bohatých zberateľov z Číny, Indie a Južnej Ameriky. Hlavné trhové ekonomiky vstúpili do hry ponuky a dopytu, pričom prvé z nich výrazne predbehli druhé. Náklady na diela mŕtvych umelcov (ktorí už preto nebudú vytvárať nové diela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettiho a ďalších - stále rýchlo rastú.

Will Gompertz

Nepochopiteľné umenie. Od Moneta po Banksyho

Mojej manželke Kate a deťom Arthurovi, Nedovi, Mary a Georgeovi

NA ČO SA POZERÁŠ?

150 rokov moderného umenia mihnutím oka

Prvýkrát publikované vo Veľkej Británii v anglickom jazyku spoločnosťou Penguin Books Ltd. Toto vydanie vyšlo po dohode s Penguin Books Ltd. a Literárna agentúra Andrew Numberg

Preklad z angličtiny Irina Litvinová

Predslov

Úvod

nepochopiteľné umenie

"Baby, nehovor, že 'derivát' nie je dobré slovo!"

Prešli ďalšie tri desaťročia a Tate opäť minul peniaze britských daňových poplatníkov na nezvyčajné umelecké dielo. Tentoraz sa rozhodla kúpiť ľudskú frontu. Nie však celkom tak. Nie samotní ľudia – v dnešnej dobe je to v rozpore so zákonom – ale len línia. Alebo presnejšie kus papiera, na ktorom slovenský výtvarník Roman Ondak načrtol svoju predstavu. Jeho plánom bolo najať niekoľkých hercov a postaviť ich do radu pred zamknutými dverami. Po aranžmáne, alebo v reči galeristov a umelcov „inštalácii“, museli herci obrátiť zrak k dverám a zamrznúť v póze pokorného očakávania. To malo zaujať okoloidúcich, ktorí sa buď zaradili do radu (čo sa bežne stáva), alebo prešli okolo, zmätene krčili čelo a snažili sa prísť na to, aký umelecký význam im chýba.

Peniaze tu zohrali dôležitú úlohu. Za posledné desaťročia sa do sveta umenia investovalo obrovské množstvo opovrhnutiahodného kovu. Štátne prostriedky sa štedro vynakladali na „zušľachťovanie“ starých múzeí a vytváranie nových. Pád komunizmu a odmietnutie štátnych zásahov do trhovej ekonomiky (a v dôsledku toho aj globalizácia) viedli k nárastu populácie multimilionárov, pre ktorých sa akvizícia súčasného umenia stala veľmi výhodnou investíciou. S poklesom akciových trhov a kolapsom bánk hodnota ikonických diel súčasného umenia neustále rástla, rovnako ako počet účastníkov tohto trhu. Pred niekoľkými rokmi, medzinárodný aukčný dom Sotheby's počítali s kupujúcimi z troch krajín. Teraz existuje viac ako dve desiatky takýchto krajín a nikoho neprekvapíte prítomnosťou nových bohatých zberateľov z Číny, Indie a Južnej Ameriky. Hlavné trhové ekonomiky vstúpili do hry ponuky a dopytu, pričom prvé z nich výrazne predbehli druhé. Náklady na diela mŕtvych umelcov (ktorí už preto nebudú vytvárať nové diela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettiho a ďalších - stále rýchlo rastú.

"Je pre nás pohodlnejšie pracovať s mŕtvymi umelcami!"

Rastie vďaka novým bohatým bankárom a pochybným oligarchom, ako aj ctižiadostivým provinčným mestám a krajinám orientovaným na cestovný ruch, ktoré si chcú „vytvoriť vlastné Bilbao“ – inými slovami, zmeniť svoj imidž a zvýšiť svoju atraktivitu pôsobivou umeleckou galériou. Každý už dávno pochopil: nestačí kúpiť obrie sídlo alebo architektonickú pamiatku. Naplnená škandalóznymi umeleckými dielami bude pre návštevníkov oveľa zaujímavejšia. A takých diel nie je až tak veľa.

Kedysi chudobní umelci sú teraz multimilionári so všetkými znakmi očarujúcej hviezdy: priatelia celebrít, súkromné lietadlá a pozornosť senzáciechtivej tlače sledujúcej každý ich pohyb. Segment lesklých časopisov, neuveriteľne rozšírený na konci 20. storočia, s nadšením pomáha novej generácii tvorcov pri vytváraní verejného obrazu – výmenou za právo zverejňovať fotografie z ich súkromných večierkov. Fotografie umelcov na pozadí ich vlastnej tvorby v oslnivých dizajnérskych interiéroch, kde sa stretávajú bohatí a slávni, pripomínajú pohľad cez kľúčovú dierku a čitatelia glosy takéto informácie nenásytne prehĺtajú (dokonca aj Tate Gallery najala vydavateľa Vogue vydávať vlastný časopis tzv Členovia Tate).

Ženský portál Flero

Predslov

Úvod nepochopiteľné umenie

Kapitola 1 Fontána, 1917

SÚVISIACE ČLÁNKY

Úvod
nepochopiteľné umenie

Kapitola 1
Fontána, 1917