Kiedy została napisana monolisa i przez kogo. Główne sekrety, które skrywa Mona Lisa

Spędził na nim sporo czasu, a opuszczając Włochy w wieku dorosłym, zabrał ze sobą do Francji, między innymi wybrane obrazy. Da Vinci miał szczególne przywiązanie do tego portretu, a także wiele myślał w trakcie jego tworzenia, w „Traktacie o malarstwie” i w tych notatkach o technikach malarskich, które w nim nie zostały zawarte, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie patrz „Gioconda » .

Przesłanie Vasariego

„Studio Leonarda da Vinci” w rycinie z 1845 roku przedstawiającej Giocondę zabawianą przez błaznów i muzyków

Możliwe, że ten rysunek z Hyde Collection w Nowym Jorku jest autorstwa Leonarda da Vinci i jest wstępnym szkicem do portretu Mona Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał włożyć w jej ręce wspaniałą gałązkę.

Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał opowieść o błaznach dla rozrywki czytelników. Tekst Vasariego zawiera również dokładny opis brak brwi na zdjęciu. Ta nieścisłość mogłaby powstać tylko wtedy, gdyby autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych. Aleksey Dzhivelegov pisze, że wskazówka Vasariego, że „praca nad portretem trwała cztery lata, jest wyraźnie przesadzona: Leonardo nie przebywał we Florencji tak długo po powrocie z Cezara Borgii, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari pewnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat. Naukowiec pisze też o błędnym wskazaniu niekompletności portretu - „portret był niewątpliwie malowany przez długi czas i doprowadzony do końca, bez względu na to, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w zasadzie nie mógł zakończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został skończony, ale jest to jedna z najstaranniej wykończonych rzeczy Leonarda.

Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo między modelem a obrazem. Wydaje się, że to właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła pozostała głębokie wrażenie od odwiedzających pracownię artysty i prawie pięćdziesiąt lat później dotarł do Vasari.

Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo wyjechał z Włoch do Francji w 1516 roku, zabierając go ze sobą. Według źródeł włoskich od tego czasu znajduje się w kolekcji francuskiego króla Franciszka I, ale nie jest jasne, kiedy i jak go nabył i dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.

Inne

Być może artysta tak naprawdę nie dokończył obrazu we Florencji, ale zabrał go ze sobą, gdy wyjeżdżał w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym powiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył go na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos-Luce w pobliżu zamku królewskiego Amboise).

Chociaż informacje o tożsamości kobiety podaje Vasari, od dawna nie ma co do niej pewności i wyrażono wiele wersji:

Krańcowa kontrola potwierdza poprawną identyfikację modelu Mona Lisy

Według jednej z wysuniętych wersji „Mona Lisa” to autoportret artystki

Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modela z 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu przestudiowali notatki na marginesach księgi należącej do florenckiego urzędnika, osobistego znajomego artysty Agostino Vespucci. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonarda do słynnego starożytnego greckiego malarza Apellesa i zauważa, że "da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden jest portretem Lisy Gherardini". Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisy Gherardini. Obraz, jak dowodzą w tym przypadku naukowcy, powstał na zamówienie Leonarda dla nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna o imieniu Andrea.

Obraz

Opis

Kopia „Mona Lisy” z kolekcji Wallace (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala zobaczyć zagubione kolumny

Obraz o prostokątnym formacie przedstawia kobietę w ciemnych ubraniach, obracającą się do połowy. Siedzi w fotelu ze splecionymi rękoma, jedną ręką opierając się na jego podłokietniku, a drugą kładąc na nim, obracając się na krześle prawie twarzą do widza. Rozdzielone przedziałkiem, gładko i płasko leżące włosy, widoczne przez narzuconą na nie przezroczystą zasłonę (według niektórych przypuszczeń atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch rzadkich, lekko pofalowanych pasmach. Zielona sukienka w cienkie falbany, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycinana na niskiej białej piersi. Głowa jest lekko odwrócona.

Fragment „Mona Lisy” z pozostałościami podstawy kolumny

Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, dzięki czemu portret jest prawie do połowy długości. Fotel, w którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub na loggii, której linia attyki jest widoczna za łokciami. Jak się uważa wcześniejsze zdjęcie mogłaby być szersza i pomieścić dwie boczne kolumny loggi, z której ten moment pozostały dwie podstawy kolumn, których fragmenty widoczne są wzdłuż krawędzi attyki.

Loggia wychodzi na opustoszałą dzicz wijących się strumieni i jezioro otoczone ośnieżonymi górami, które rozciąga się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa przedstawiona jest siedząca w fotelu na tle pejzażu, a samo porównanie jej postaci, która jest bardzo bliska widzowi, z pejzażem widocznym z daleka, niczym ogromna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie potęguje kontrast zwiększonej namacalności plastycznej postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z oddalającym się w mglisty dystans niczym wizja pejzażu, z przedziwnymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi.

Kompozycja

Portret Giocondy jest jednym z najwspanialszych przykładów portretu włoskiego renesansu.

Boris Vipper pisze, że mimo śladów Quattrocento „w ubraniach z małym wycięciem na piersi i z rękawami w luźnych fałdach, tak jak przy wyprostowanej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym geście dłoni , Mona Lisa należy całkowicie do epoki stylu klasycznego” . Michaił Alpatow zwraca uwagę, że „La Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy całość, złożone dłonie dopełniają jej obrazu. Teraz, oczywiście, nie mogło być mowy o dziwacznych lokach wczesnego Zwiastowania. Jednak bez względu na to, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Giocondy współgra z przezroczystą zasłoną, a wisząca tkanina przerzucona przez ramię odbija się echem w gładkich zakolach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo pokazuje swoją zdolność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.

Stan obecny

„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik skłonności jej autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk Ostatnia Wieczerza praktycznie umarł. Współcześni artyście zdołali jednak wyrazić swój entuzjazm nie tylko kompozycją, rysunkiem i grą światłocienia - ale także kolorem dzieła. Zakłada się na przykład, że początkowo rękawy jej sukni mogły być czerwone - co widać na kopii obrazu z Prado.

Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru zapowiedzieli, że nie będą go już oddawać na wystawy: „Na obrazie powstały pęknięcia, a jedna z nich zatrzymuje się kilka milimetrów nad głową Mony Lizy”.

Analiza

Technika

Jak zauważa Dzhivelegov, do czasu powstania Mona Lisy umiejętność Leonarda „weszła już w fazę takiej dojrzałości, kiedy wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym zostały ustalone i rozwiązane, kiedy Leonardo zaczął myśleć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania warsztatu artystycznego zasługują na to, by się nimi zająć. A kiedy znalazł w obliczu Mony Lisy model, który zaspokajał jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych zadań techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał, z pomocą technik już opracowanych i przetestowanych przez niego wcześniej, zwłaszcza z pomocą jego słynnej sfuma, który wcześniej dawał niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywej osoby i odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy w taki sposób, aby do końca odsłaniały wewnętrzny świat człowieka.

Krajobraz za Mona Lisą

Boris Whipper zadaje pytanie: „W jaki sposób osiąga się tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości na obraz Mona Lisy, więc należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest cudowne sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mówić, że „modelowanie to dusza malarstwa”. To właśnie sfumato tworzy mokry wygląd Giocondy, jej uśmiech, lekki jak wiatr i niezrównaną pieszczotę w dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka, która otula twarz i sylwetkę, zmiękczając kontury i cienie. Leonardo zalecał w tym celu umieszczenie pomiędzy źródłem światła a ciałami, jak to określa, „rodzajem mgły”.

Rotenberg pisze, że „Leonardo zdołał wnieść do swojego dzieła ten stopień uogólnienia, który pozwala nam traktować go jako obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach obrazowego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w tym, jak lekka, przezroczysta zasłona, zakrywająca głowę i ramiona Mony Lizy, łączy starannie narysowane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienki we wspólny gładki kontur; jest wyczuwalny w modelowaniu twarzy, nieporównywalny w swojej delikatnej miękkości (na której w ówczesnych czasach usunięto brwi) i pięknych zadbanych dłoniach.

Alpatov dodaje, że „w miękko topniejącej mgiełce spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że poczuje się nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy spoglądają na widza z uwagą i spokojem, to ze względu na zacienione jej oczodoły można by pomyśleć, że lekko marszczą brwi; usta ma ściśnięte, ale w ich kącikach zarysowują się ledwo dostrzegalne cienie, które każą wierzyć, że co minutę się otworzą, uśmiechną, przemówią. Już sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niekonsekwencji jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym przez kilka lat, dbając o to, by na obrazie nie pozostało ani jedno ostre pociągnięcie, ani jeden kanciasty kontur; i chociaż krawędzie przedmiotów w nim są wyraźnie dostrzegalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półmroku.

Krajobraz

Krytycy sztuki podkreślają organiczność, z jaką połączył się artysta charakterystyka portretu osobowości z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu.

Wczesna kopia „Mona Lisy” z Prado pokazuje, jak bardzo obraz portretowy jest tracony, gdy jest umieszczony na ciemnym, neutralnym tle.

W 2012 roku kopia "Mona Lisy" z Prado została wyczyszczona, a pod późniejszymi nagraniami okazało się, że tło pejzażowe - wrażenie płótna natychmiast się zmienia.

Vipper uważa pejzaż za drugi środek, który tworzy duchowość obrazu: „Drugim środkiem jest relacja między postacią a tłem. Fantastyczny, skalisty, jakby widziany przez morską wodę pejzaż na portrecie Mony Lizy ma inną rzeczywistość niż sama jej postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się tak niesamowicie bliska i namacalna, a krajobraz odbieramy jako promieniowanie jej własnego snu.

Badacz sztuki renesansowej Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo, w tym dzięki krajobrazowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale uniwersalny obraz: „W tym tajemniczy obraz stworzył coś więcej niż portretowy wizerunek nieznanej florenckiej Mony Lisy, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są im przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm koresponduje z kosmiczną abstrakcją pejzażu, niemal całkowicie pozbawioną jakichkolwiek śladów ludzkiej obecności. W zadymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko wszystkie kontury postaci i krajobrazu oraz wszystkie odcienie kolorystyczne. W najsubtelniejszych przejściach od światła do cienia, niemal niezauważalnych dla oka, w wibracji Leonarda „sfumato”, wszelka doskonałość indywidualności i jej stan psychiczny zostaje zmiękczona do granic możliwości, rozpływa się i jest gotowa do zniknięcia. (...) "La Gioconda" nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawionych abstrakcyjnie od ich indywidualnej konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym lekkie fale przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można się domyślać całego bogactwa możliwości fizycznej i duchowej egzystencji.

„Mona Lisa” utrzymana jest w złotobrązowych i czerwonawych tonach pierwszego planu i szmaragdowozielonej tonacji dystansu. „Przezroczyste, jak szkło, farby tworzą stop, jakby stworzony nie ludzką ręką, ale dzięki tej wewnętrznej sile materii, która z roztworu daje kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele prac Leonarda, ta praca z czasem pociemniała, a jej proporcje kolorystyczne nieco się zmieniły, jednak nawet teraz wyraźnie widać przemyślane porównania tonów goździków i ubrań oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym. „podwodny” ton krajobrazu .

Miejsce obrazu w rozwoju gatunku portretowego

„Mona Lisa” uważana jest za jedno z najlepszych dzieł gatunku portretowego, które wpłynęło na dzieła Wielkiego Renesansu i pośrednio przez nie na cały późniejszy rozwój gatunku, który „powinien zawsze wracać do Giocondy jako nieosiągalny, ale model obowiązkowy” .

Historycy sztuki zauważają, że portret Mona Lisy był decydującym krokiem w rozwoju renesansowej sztuki portretowej. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie szereg znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia portretowe były niejako niewspółmierne do dokonań w głównych gatunkach malarskich – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretowego była już widoczna w samej „ikonografii” portretów. Faktycznie, dzieła portretowe z XV wieku, ze wszystkimi niezaprzeczalnymi podobieństwami fizjonomicznymi i poczuciem wewnętrznej siły, którą emanują, nadal wyróżniały się zewnętrznymi i wewnętrznymi ograniczeniami. Całe to bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, które charakteryzuje biblijne i… obrazy mitologiczne malarzy XV wieku, zwykle nie była własnością ich dzieł portretowych. Echa tego można dostrzec we wcześniejszych portretach samego Leonarda, tworzonych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) W porównaniu z nimi portret Mony Lizy odbierany jest jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy w swoim znaczeniu stał się na równi z najżywszymi obrazami innych gatunków malarskich.

„Donna Nuda” (czyli „Nude Donna”). Nieznany artysta, koniec XVI wiek, Ermitaż

W swojej pionierskiej pracy Leonardo przeniósł się główny ośrodek grawitacja na twarzy portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego środka charakterystyki psychologicznej. Uczyniwszy portret w formacie pokoleniowym, artysta mógł zademonstrować szerszą gamę technik malarskich. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów idei przewodniej. „Głowa i ręce to niewątpliwe centrum obrazu, któremu poświęca się resztę jego elementów. Bajkowy krajobraz jakby prześwituje przez morskie wody, wydaje się tak odległy i nieuchwytny. Jej głównym celem nie jest odciąganie uwagi widza od twarzy. I ta sama rola jest wezwana do spełnienia szaty, która rozpada się na najdrobniejsze fałdy. Leonardo świadomie unika ciężkich draperii, które mogłyby zasłaniać wyrazistość dłoni i twarzy. Tym samym sprawia, że te ostatnie występują ze szczególną siłą, tym bardziej skromny i neutralny jest pejzaż i ubiór, asymilowany do cichego, ledwie wyczuwalnego akompaniamentu.

Studenci i zwolennicy Leonarda stworzyli liczne repliki Mona Lisy. Niektóre z nich (z kolekcji Vernon, USA; z kolekcji Walter, Baltimore, USA; przez pewien czas Isleworth Mona Lisa, Szwajcaria) są uznawane przez ich właścicieli za autentyczne, a obraz w Luwrze jest kopią. Istnieje również ikonografia „Nagiej Mony Lisy”, reprezentowana przez kilka wariantów („Piękny Gabriel”, „Monna Vanna”, Pustelnia „Donna Nuda”), podobno wykonana przez własnych uczniów artysty. Wiele z nich dało początek nie do udowodnienia wersji, że istniała wersja nagiej Mony Lisy, napisana przez samego mistrza.

Reputacja obrazu

„Mona Lisa” za kuloodpornym szkłem w Luwrze i tłumy odwiedzających muzeum w pobliżu

Pomimo tego, że „Mona Lisa” była bardzo ceniona przez współczesnych artystce, w przyszłości jej sława przygasła. Obraz nie został szczególnie zapamiętany, dopóki połowa dziewiętnastego wieku, kiedy artyści bliscy ruchowi symbolistycznemu zaczęli ją chwalić, kojarząc go ze swoimi pomysłami na kobiecą mistykę. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako rodzaj mitycznego ucieleśnienia wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „wielokrotnie umierała i poznałem sekrety życia pozagrobowego” .

Dalszy wzrost sławy obrazu wiąże się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później (patrz rozdział Kradzieże poniżej), dzięki czemu nie opuścił on stron gazet.

Współczesny jej przygodom krytyk Abram Efros pisał: „...strażnik muzeum, który od powrotu do Luwru po uprowadzeniu w 1911 roku nie odszedł od obrazu ani kroku, nie strzeże portretu swojej żony Francesca del Giocondo, ale obraz jakiegoś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za jego plecami.

Mona Lisa jest jedną z najbardziej znane obrazy Sztuka zachodnioeuropejska. Jej głośna reputacja związana jest nie tylko z jej wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.

Wszyscy wiedzą, jaką nierozwiązywalną zagadkę Mona Lisa zadaje od czterystu lat wielbicielom tłoczącym się przed jej wizerunkiem. Nigdy wcześniej artystka nie wyrażała istoty kobiecości (cytuję słowa wyrafinowanego pisarza ukrywającego się pod pseudonimem Pierre Corlet): inni kontemplowali tylko jej blask. (Eugeniusz Muntz).

Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim przywiązaniem autora do tego dzieła. Oferowano różne wyjaśnienia, na przykład romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych ekstaz. Ta wersja jest uważana za zwykłe spekulacje. Dzhivelegov uważa, że to przywiązanie wynika z tego, że znalazł w nim cel zastosowania wielu swoich twórczych poszukiwań (patrz rozdział Technika).

Uśmiech Giocondy

Uśmiech Mona Lisy jest jednym z najbardziej słynne zagadki obrazy. Ten lekki, wędrowny uśmiech można znaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardów, ale to w Mona Lisie osiągnęła doskonałość.

Demoniczny urok tego uśmiechu szczególnie fascynuje widza. Setki poetów i pisarzy pisało o tej kobiecie, która wydaje się uwodzicielsko uśmiechnięta, a potem zastygła, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie odgadł jej uśmiechu, nikt nie interpretował jej myśli. Wszystko, nawet pejzaż, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburza mgła zmysłowości (Muter).

Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że „niewiele jest portretów w sztuce światowej, które dorównują Mona Lisie pod względem siły wyrażania osobowości człowieka, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. Od portretowych wizerunków Quattrocento odróżnia go niezwykła intensywność intelektualna portretu Leonarda. Ta jego cecha jest dostrzegana tym ostrzej, że odnosi się do: portret kobiety, w którym charakter modela został wcześniej ujawniony w zupełnie innym, przeważnie lirycznym tonie figuratywnym. Poczucie siły emanujące z „Mona Lisy” to organiczne połączenie wewnętrznego opanowania i poczucia wolności osobistej, duchowej harmonii człowieka opartej na jego świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości ani pogardy; jest postrzegana jako wynik spokojnej pewności siebie i pełnej samokontroli.

Boris Whipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło, być może nieświadomie, potęguje dziwną tajemniczość jej wyrazu twarzy. Dalej pisze o sile oddziaływania obrazu: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka atrakcyjna moc Mona Lisy, jej naprawdę nieporównywalny efekt hipnotyczny, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwstawne interpretacje zostały umieszczone w uśmiechu Mona Lisy. Chcieli wyczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błędem było, po pierwsze, to, że w obrazie Mony Lizy szukali za wszelką cenę indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo osiągnął właśnie typową duchowość. Po drugie, i to może nawet ważniejsze, starano się nadać duchowości Mony Lizy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mona Lizy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie odczuwamy obecność istoty obdarzonej rozumem, z którą można rozmawiać i od której można oczekiwać odpowiedzi.

Łazariew przeanalizował to jako historyk sztuki: „Ten uśmiech jest nie tyle indywidualną cechą Mony Lizy, ile typową formułą psychologicznego odrodzenia, formułą, która jak czerwona nić biegnie przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formułą, która później przekształcił się w rękach swoich uczniów i wyznawców w tradycyjny stempel. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, zbudowany jest na najdoskonalszych matematycznych pomiarach, na ścisłym uwzględnieniu wyrazistych walorów poszczególnych części twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i w tym właśnie tkwi siła jego uroku. Zabiera wszystko twarde, napięte, zamrożone z twarzy, zamienia je w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych przeżyć emocjonalnych, w swej nieuchwytnej lekkości można porównać tylko z płynącą po wodzie falą.

Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko krytyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Ktokolwiek przedstawia obrazy Leonarda, pojawia się w nim wspomnienie dziwnego, urzekającego i tajemniczego uśmiechu, który czai się na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zamrożony na wydłużonych, drgających ustach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „Leonarda”. W przedziwnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda przede wszystkim ujmuje i dezorientuje widza. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł najbardziej różnorodną, z której żadna nie satysfakcjonuje. (…) Przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lizy połączyły się dwa różne elementy, zrodziło się wielu krytyków. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentki dostrzegli najdoskonalszy obraz antagonizmu rządzącego życiem miłosnym kobiety, powściągliwości i uwodzenia, ofiarnej czułości i lekkomyślnie domagającej się zmysłowości, pochłaniającej mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w obliczu Mony Lizy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicy bezgranicznej czułości i złowieszczej groźby.

Kopia z XVI wieku, znajdująca się w Ermitażu w Petersburgu

Demoniczny urok tego uśmiechu szczególnie fascynuje widza. Setki poetów i pisarzy pisało o tej kobiecie, która wydaje się uwodzicielsko uśmiechnięta, a potem zastygła, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie odgadł jej uśmiechu, nikt nie interpretował jej myśli. Wszystko, nawet pejzaż, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburza mgła zmysłowości (Muter).

Historia malarstwa w czasach nowożytnych

W dniu jego śmierci w 1525 roku asystent Leonarda (i prawdopodobnie kochanek) o imieniu Salai posiadał, sądząc po odniesieniach w jego osobistych papierach, portret kobiety zwanej „Gioconda” ( quadro de una dona aretata), którą przekazał mu jego nauczyciel. Salai zostawił obraz swoim siostrom mieszkającym w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, jak w tym przypadku portret dotarł z Mediolanu z powrotem do Francji. Nie wiadomo też, kto i kiedy dokładnie odciął brzegi obrazu kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w pierwotnej wersji. W przeciwieństwie do innego przyciętego dzieła Leonarda - „Portret Ginevry Benci”, którego dolna część została odcięta, ponieważ ucierpiała od wody lub ognia, w ta sprawa Powody miały najprawdopodobniej charakter kompozycyjny. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.

Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, dzisiaj

Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim Château de Fontainebleau, gdzie pozostawał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przetransportował ją do Pałacu Wersalskiego, a potem rewolucja Francuska Wylądowała w Luwrze. Napoleon zawiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wróciła do muzeum.

W czasie II wojny światowej obraz został przewieziony dla bezpieczeństwa z Luwru do zamku Amboise (miejsce śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a na koniec do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.

Wandalizm

W 1956 roku dolna część obrazu została uszkodzona, gdy gość oblał ją kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (utrata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które uchroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Jednak w kwietniu 1974 roku kobieta, sfrustrowana polityką muzeum dotyczącą osób niepełnosprawnych, próbowała spryskać czerwoną farbę z puszki z aerozolem, gdy obraz był wystawiany w Tokio, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała francuskiego obywatelstwo wrzuciło gliniany kubek do szklanki. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.

W sztuce

Kazimierza Malewicza. Kompozycja z Mona Lisą.

obraz:

Kazimierz Malewicz w 1914 wykonał „Kompozycje z Mona Lizą”.
Dadaista Marcel Duchamp w 1919 stworzył dzieło „L.H.O.O.Q”. , który był reprodukcją słynnego płótna z dołączonym wąsem.
Fernand Léger namalował Mona Lisę z kluczami w 1930 roku.
Rene Magritte w 1960 roku stworzył obraz „La Gioconda”, w którym nie ma Mony Lisy, ale jest okno.
Andy Warhol w latach 1963 i 1978 wykonał kompozycję „Cztery Mona Lisa” i „Trzydzieści lepszych niż jeden Andy Warhol” (1963), „Mona Lisa (dwa razy)” ().
Salvador Dali namalował Autoportret jako Mona Lisa w 1964 roku.
Przedstawiciel sztuki figuratywnej

Mona Lisa wielkiego Leonarda da Vinci, znana również jako Gioconda, to jedno z najbardziej tajemniczych dzieł w historii sztuki. Od kilku stuleci nie ucichły spory o to, kto tak naprawdę jest przedstawiony na portrecie. Za pomocą różne wersje, to żona florenckiego kupca, transwestyta w stroju kobiecym, matka artysty i wreszcie sam artysta przebrany za kobietę... Ale to tylko część tajemnic związanych z obrazem.

„Mona Lisa” to nie „La Gioconda”?

Uważa się, że obraz powstał w latach 1503-1505. Model dla niej oficjalna wersja, służyła jako rówieśniczka wielkiej malarki z domu Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, której portret został rzekomo zamówiony przez jej męża, florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo. Pełna nazwa płótna to „Ritratto di Monna Lisa del Giocondo” - „Portret pani Lisy Giocondo”. Gioconda (la Gioconda) oznacza również „wesoły, grający”. Więc może to przezwisko, a nie nazwisko.

Jednak w środowisku historii sztuki krążą pogłoski, że słynna „Mona Lisa” Leonarda da Vinci i jego „La Gioconda” to dwa zupełnie różne obrazy.

Faktem jest, że żaden ze współczesnych wielkiemu malarzowi nie widział ukończenia portretu. Giorgio Vasari w swojej książce Żywoty artystów twierdzi, że Leonardo pracował nad obrazem przez cztery lata, ale nigdy nie zdążył go dokończyć. Jednak portret wystawiony obecnie w Luwrze jest w pełni ukończony.

Inny artysta, Raphael, zeznaje, że widział La Giocondę w warsztacie da Vinci. Narysował portret. Na nim model stoi między dwiema greckimi kolumnami. W znanym portrecie nie ma kolumn. Sądząc po źródłach, Gioconda była również większy rozmiar niż znana nam oryginalna Mona Lisa. Ponadto istnieją dowody na to, że niedokończone płótno zostało przekazane klientowi - mężowi modelki, florenckiemu kupcowi Francesco del Giocondo. Następnie był dziedziczony z pokolenia na pokolenie.

Portret, zwany „Mona Lisa”, podobno przedstawia ulubioną przez księcia Giuliano de' Medici, Constance d'Avalos. W 1516 artysta przywiózł ten obraz ze sobą do Francji. Do samej śmierci da Vinci obraz znajdował się w jego posiadłości niedaleko Amboise. W 1517 roku znalazła się w kolekcji francuskiego króla Franciszka I. To właśnie ją można teraz oglądać w Luwrze.

W 1914 roku brytyjski antykwariusz za zaledwie kilka gwinei kupił na rynku odzieżowym w Bass wizerunek Mona Lisy, który uważał za udaną kopię dzieła Leonarda. Następnie portret ten stał się znany jako „Iuor Mona Lisa”. Wygląda na niedokończoną, w tle dwie kolumny greckie, jak we wspomnieniach Rafaela.

Następnie płótno trafiło do Londynu, gdzie w 1962 roku zostało kupione przez konsorcjum szwajcarskich bankierów.

Czy istnieje takie podobieństwo między dwiema różnymi kobietami, że były zdezorientowane? A może jest tylko jeden obraz, a drugi to tylko kopia wykonana przez nieznanego artystę?

ukryty obraz

Nawiasem mówiąc, francuski ekspert Pascal Cotte ogłosił niedawno, że inny obraz, prawdziwa Lisa Gherardini, kryje się pod warstwą farby na zdjęciu. Doszedł do tego wniosku po dziesięciu latach studiowania portretu przy użyciu opracowanej przez siebie technologii opartej na odbijaniu promieni świetlnych.

Według naukowca udało się „rozpoznać” drugi portret pod „Moną Lisą”. Przedstawia również kobietę siedzącą dokładnie w tej samej pozycji co Gioconda, jednak w przeciwieństwie do tej ostatniej wygląda trochę w bok i nie uśmiecha się.

fatalny uśmiech

A słynny uśmiech Mony Lisy? Jakie tylko hipotezy na ten temat nie zostały postawione! Niektórym wydaje się, że Gioconda wcale się nie uśmiecha, komuś, że nie ma zębów, a komuś wydaje się, że w jej uśmiechu jest coś złowieszczego…

Powrót w XIX wieku francuski pisarz Stendhal zauważył, że po długim podziwianiu obrazu doznał niewytłumaczalnego załamania ... Pracownicy Luwru, gdzie teraz wisi płótno, mówią, że widzowie często mdleją przed Mona Lizą. Ponadto pracownicy muzeum zauważyli, że kiedy publiczność nie jest wpuszczana do holu, obraz zdaje się blednąć, ale gdy tylko pojawiają się zwiedzający, kolory wydają się jaśniejsze, a tajemniczy uśmiech pojawia się wyraźniej… Parapsychologowie wyjaśniają fenomen polegający na tym, że Gioconda jest obrazem -wampir, pije siłę życiową człowieka ... Jednak to tylko założenie.

Kolejną próbę rozwikłania zagadki podjął Nitz Zebe z Uniwersytetu w Amsterdamie i jego amerykańscy koledzy z Uniwersytetu Illinois. Użyli specjalnego programu komputerowego, który porównywał obraz ludzkiej twarzy z bazą danych ludzkich emocji. Komputer dał rewelacyjne wyniki: okazuje się, że na twarzy Mony Lisy wyczytane są skrajnie mieszane uczucia, a wśród nich tylko 83% szczęścia, 9% należy do wstrętu, 6% do strachu i 2% do złości…

Tymczasem włoscy historycy odkryli, że jeśli spojrzysz na oczy Mony Lisy pod mikroskopem, niektóre litery i cyfry stają się widoczne. Tak więc w prawym oku widać litery LV, które jednak mogą przedstawiać tylko inicjały imienia Leonardo da Vinci. Symbole w lewym oku nie zostały jeszcze rozpoznane: albo są to litery CE, albo B ...

W łuku mostu, znajdującym się w tle obrazu, liczba 72 „powinie się”, chociaż istnieją inne wersje, na przykład, że jest to 2 lub litera L ... Liczba 149 (czwórka jest wymazana ) jest również widoczny na płótnie. Może to wskazywać na rok powstania obrazu - 1490 lub później...

Tak czy inaczej, tajemniczy uśmiech Giocondy na zawsze pozostanie wzorem najwyższej sztuki. W końcu boski Leonardo był w stanie stworzyć coś, co będzie ekscytować potomków przez wiele, wiele stuleci…

kultura

Mona Lisa jest jedną z najbardziej znane prace sztuka w historii kryje w sobie więcej niż jeden portret.

Francuski naukowiec Pascal Cotte stwierdził, że odkrył ukryte portrety przy użyciu technologii odbicia światła.

Naukowiec powiedział, że od ponad 10 lat bada i analizuje obraz.

"Rezultat obala wiele mitów i na zawsze zmienia nasze rozumienie arcydzieła Leonarda.", powiedział Kotte.

Obraz „Mona Lisa” Leonarda da Vinci

Naukowiec uważa, że jeden z ukrytych portretów to prawdziwy portret Lisa de Giocondo, kobiety, z którymi malowała „Mona Lisa”.

Za pomocą rekonstrukcji można zobaczyć obraz modelu, który wygląda z boku.

Zamiast słynnego bezpośrednie spojrzenie, na zdjęciu modelki bez śladu tajemniczego uśmiechu która od ponad 500 lat intryguje koneserów sztuki.

Leonardo pracował nad obrazem w latach 1503-1517 we Florencji, a następnie we Francji.

Przez długi czas trwały spory o tożsamość Mona Lisy. Przez wiele stuleci wierzono, że jest to Lisa Gherardini, żona florenckiego kupca jedwabiu.

Jednak, gdy pan Cotte dokonał rekonstrukcji Lisy Gerardini, odkrył: zupełnie inna „Mona Lisa”.

Ponadto twierdzi, że pod powierzchnią obrazu znajdują się jeszcze dwa obrazy - niewyraźny zarys portretu z większą głową i nosem, większymi dłońmi, ale mniejszymi ustami. Naukowiec odkrył również inny obraz w stylu Madonny wyryty przez Leonarda w formie perłowego obrzeża.

Pascal Cottet zastosował technikę znaną jako metoda wzmacniania warstw, rzucając na obraz intensywne promieniowanie i mierząc odbicie, pozwalając na odtworzenie tego, co znajdowało się między warstwami farby. Dzięki tej metodzie naukowiec mógł zajrzeć w samo serce słynnego obrazu.

Opis dzieła „Mona Lisa”

Mona Lisa jest uważana za jedną z największe skarby sztuki renesansowej. Obraz znany jest również jako „Gioconda” i jest uważany za jeden z najwspanialszych przykładów sztuki portretowej.

Mimo swojej sławy „Mona Lisa”, podobnie jak wszystkie dzieła Leonarda da Vinci, nie została podpisana i nie było na niej daty. Nazwa została zaczerpnięta z biografii Leonarda napisanej przez biografa Giorgio Vasariego, opublikowanej w latach pięćdziesiątych XVI wieku, w której mówiono, że artysta zgodził się namalować portret Lisy Gherardini, żony kupca jedwabiu Francesco del Giocondo.

Leonardo długo pracował nad dziełem, zwłaszcza nad ułożeniem rąk modelki. Tajemniczy uśmiech i tajemnica tożsamości modelki jest źródłem ciągłych badań i podziwu.

Cena obrazu „Mona Lisa”

Obraz Mona Lisy znajduje się obecnie w Luwrze w Paryżu i jest uważany za najcenniejszy obraz na świecie, jest ubezpieczony od inflacji na 782 miliony dolarów.

Jean Franck, francuski badacz i konsultant w Leonardo da Vinci Center w Los Angeles, ogłosił niedawno, że był w stanie powtórzyć unikalną technikę wielkiego mistrza, dzięki której Gioconda wydaje się żyć.

„Pod względem technicznym Mona Lisa zawsze była uważana za coś niewytłumaczalnego. Teraz myślę, że mam odpowiedź na to pytanie”, mówi Frank.

Odniesienie: Technika sfumato to technika malarska wymyślona przez Leonarda da Vinci. Polega na tym, że przedmioty na obrazach nie powinny mieć wyraźnych granic. Wszystko powinno być jak w życiu: rozmazane, wnikające w siebie, oddychające. Da Vinci ćwiczył tę technikę, patrząc na wilgotne plamy na ścianach, popiele, chmurach lub brudu. Celowo palił pokój, w którym pracował, aby szukać obrazów w klubach.

Według Jeana Francka główna trudność tej techniki tkwi w najmniejszych pociągnięciach (około ćwierć milimetra), których nie można rozpoznać ani pod mikroskopem, ani za pomocą promieni rentgenowskich. Tak więc namalowanie obrazu da Vinci zajęło kilkaset sesji. Wizerunek Mona Lisy składa się z około 30 warstw płynnej, prawie przezroczystej farby olejnej. Do takiej pracy jubilerskiej da Vinci najwyraźniej musiał używać szkła powiększającego w tym samym czasie, co pędzla.
Według badacza udało mu się osiągnąć tylko poziom wczesne prace mistrzowie. Jednak nawet teraz jego badania mają zaszczyt znajdować się obok płócien wielkiego Leonarda da Vinci. Muzeum Uffizi we Florencji umieściło obok arcydzieł mistrza 6 tablic Francka, które etapami opisują, jak da Vinci namalował oko Mony Lisy, oraz dwa obrazy Leonarda odtworzone przez niego.

Wiadomo, że kompozycja „Mona Lisy” zbudowana jest na „złotych trójkątach”. Te trójkąty z kolei są kawałkami regularnego pięciokąta gwiaździstego. Ale naukowcy nie widzą żadnego tajne znaczenia, są raczej skłonni tłumaczyć ekspresję Mona Lisy techniką perspektywy przestrzennej.

Da Vinci był jednym z pierwszych, który zastosował tę technikę, uczynił tło obrazu niewyraźnym, lekko rozmytym, zwiększając w ten sposób nacisk na kontury pierwszego planu.

Zagadki Mona Lisy

Unikalne techniki pozwoliły da Vinci stworzyć tak żywy portret kobiety, że ludzie, patrząc na niego, inaczej postrzegają jej uczucia. Jest smutna czy uśmiechnięta? Naukowcy rozwiązali tę zagadkę. Program komputerowy Urbana-Champaign, stworzony przez naukowców z Holandii i USA, pozwolił wyliczyć, że uśmiech Mony Lisy jest w 83% szczęśliwy, 9% zniesmaczony, 6% przestraszony i 2% zły. Program przeanalizował główne cechy twarzy, krzywiznę ust i zmarszczki wokół oczu, a następnie sklasyfikował twarz w sześciu głównych grupach emocji.

Chcę śpiewać z uśmiechem
M n y L i z y.
O na - zagadka ze zmartwychwstaniem -
Przez wieki .
W t e n t e s z y ,
So t v o r i l i
E h e wielki mas t e r i m e l -
Żona

Ego t a l a n t u v e l v n e y
prosty obywatel,
W h e m u t i n s o n
Jeszcze ,
B a u s u s u s h e v n u o g n i ,
P o n i l t a i n u
Kobiety i matki, patrzące
In g a z a e .

O
T r e c a e t
L o w i m a t e r n s t v a
pierwsze połączenie
I nic wokół,
k r o m e t a y n y ,
C o t o r a i f i v e t
w u t r i n e .

„Mona Lisa”, ona jest „La Gioconda”; (włoski Mona Lisa, La Gioconda, francuskie La Joconde), imię i nazwisko - Portret pani Lisy del Giocondo, włoski. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) to obraz Leonarda da Vinci znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie, uważany za portret Lisy Gherardini, żony florenckiego jedwabiu kupiec Francesco del Giocondo, napisany około 1503-1505.

Niedługo miną cztery stulecia, odkąd Mona Lisa pozbawia wszystkich, którzy, widząc dość tego, zaczynają o tym mówić.

Pełna nazwa obrazu jest włoska. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo - "Portret pani Lisy Giocondo". W języku włoskim ma donna oznacza „my lady” (por. angielskie „my lady” i francuskie „madame”), w skróconej wersji wyrażenie to zostało przekształcone w monna lub mona. Druga część imienia modelki, którą uważa się za nazwisko jej męża – del Giocondo, również ma bezpośrednie znaczenie w języku włoskim i tłumaczy się jako „wesoła, bawiąca się” i odpowiednio la Gioconda – „wesoła, grająca” (por. z angielskimi żartami).

Nazwa „La Joconda” została po raz pierwszy wymieniona w 1525 r. w spisie spuścizny artysty Salaia, spadkobiercy i ucznia da Vinci, który pozostawił obraz swoim siostrom w Mediolanie. Napis opisuje go jako portret damy o imieniu La Gioconda.

Już pierwsi włoscy biografowie Leonarda da Vinci pisali o miejscu, jakie ten obraz zajmował w twórczości artysty. Leonardo nie stronił od pracy nad Mona Lizą - jak to było w przypadku wielu innych zamówień, ale wręcz przeciwnie, oddał się jej z jakąś pasją. Cały czas, który mu pozostał, poświęciła na pracę nad bitwą pod Anghiari. Spędził na nim sporo czasu, a opuszczając Włochy w wieku dorosłym, zabrał ze sobą do Francji, między innymi wybrane obrazy. Da Vinci miał szczególne przywiązanie do tego portretu, a także wiele myślał w procesie jego tworzenia, w „Traktacie o malarstwie” i w tych notatkach o technikach malarskich, które w nim nie zostały zawarte, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie patrz „Gioconda”.

Przesłanie Vasariego

„Studio Leonarda da Vinci” w rycinie z 1845 roku przedstawiającej Giocondę zabawianą przez błaznów i muzyków

Według Giorgio Vasari (1511-1574), biografa włoskich artystów, który pisał o Leonardo w 1550 roku, 31 lat po jego śmierci, Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była żoną florentyńczyka o imieniu Francesco del Giocondo (włoski: Francesco del Giocondo), którego portret Leonardo spędził 4 lata, ale pozostawił go niedokończonym.

„Leonardo zobowiązał się do wykonania dla Francesco del Giocondo portretu Mony Lisy, jego żony, a po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niekompletny. Ta praca jest teraz u francuskiego króla w Fontainebleau.
Obraz ten, każdemu, kto chciałby zobaczyć, w jakim stopniu sztuka potrafi naśladować naturę, pozwala zrozumieć ją w najprostszy sposób, ponieważ odwzorowuje wszystkie najdrobniejsze szczegóły, jakie może przekazać subtelność malarstwa. Dlatego oczy mają ten blask i tę wilgoć, które zwykle widać u żywej osoby, a wokół nich odbijają się wszystkie te czerwonawe refleksy i włosy, które można przedstawić tylko z największą subtelnością. Rzęsy, zrobione jak włosy, naprawdę wyrastają na ciele, tam gdzie są gęstsze, a gdzie rzadziej i umiejscowione zgodnie z porami skóry, nie mogły być przedstawione z większą naturalnością. Nos z uroczymi otworami, różowawy i delikatny, wydaje się żywy. Usta, lekko otwarte, o krawędziach połączonych zaczerwienieniem ust, z fizycznością wyglądu, nie wydają się być farbą, lecz prawdziwym ciałem. W pogłębieniu szyi, przy uważnym spojrzeniu, widać bicie pulsu. I rzeczywiście można powiedzieć, że dzieło to zostało napisane w taki sposób, że pogrąża się w zamęcie i lęku przed zarozumiałym artystą, kimkolwiek by on nie był.
Nawiasem mówiąc, Leonardo zastosował następującą sztuczkę: ponieważ Mona Lisa była bardzo piękna, malując portret, trzymał ludzi, którzy grali na lirze lub śpiewali, a zawsze byli błazny, którzy utrzymywali ją w radości i usuwali melancholię, o której zwykle mówi się malowanie do wykonywanych portretów. U Leonarda, w tej pracy, uśmiech jest tak przyjemny, że wydaje się, że kontemplujesz istotę boską, a nie ludzką; sam portret jest czczony jako dzieło niezwykłe, bo samo życie nie mogło być inaczej”.

Możliwe, że ten rysunek z Hyde Collection w Nowym Jorku jest autorstwa Leonarda da Vinci i jest wstępnym szkicem do portretu Mona Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał włożyć w jej ręce wspaniałą gałązkę.

Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał opowieść o błaznach dla rozrywki czytelników. Tekst Vasariego zawiera również dokładny opis brakujących brwi na obrazie. Ta nieścisłość mogłaby powstać tylko wtedy, gdyby autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych. Aleksey Dzhivelegov pisze, że wskazówka Vasariego, że „praca nad portretem trwała cztery lata, jest wyraźnie przesadzona: Leonardo nie przebywał we Florencji tak długo po powrocie z Cezara Borgii, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari pewnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat. Naukowiec pisze też o błędnym wskazaniu niekompletności portretu – „portret był niewątpliwie pisany przez długi czas i doprowadzony do końca, bez względu na to, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w zasadzie nie mógł zakończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest to jedna z najdokładniej ukończonych rzeczy Leonarda”.

Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo między modelem a obrazem. Wydaje się, że ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na zwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasari prawie pięćdziesiąt lat później.

W 1517 r. kardynał Luigi d „Aragona odwiedził Leonarda w jego francuskim warsztacie. Opis tej wizyty sporządził sekretarz kardynała Antonio de Beatis: „10 października 1517 r. prałat i inni jemu podobni odwiedzili w jednym z odległych fragmenty Amboise Messire Leonarda da Vinci, Florentyńczyka, siwego starca po siedemdziesiątce, najwybitniejszego malarza naszych czasów, który pokazał Jego Ekscelencji trzy obrazy: jeden przedstawiający florencką damę, namalowany z natury na zamówienie brata Wawrzyńca Wspaniałego Giuliano de' Medici, kolejny przedstawiający św. prawa ręka, nie można było już oczekiwać nowych dobrych uczynków. Według niektórych badaczy „pewna florencka dama” oznacza „Mona Lisa”. Możliwe jednak, że był to inny portret, z którego nie zachowały się żadne dowody ani kopie, w wyniku czego Giuliano Medici nie mógł mieć nic wspólnego z Mona Lizą.

XIX-wieczny obraz Ingresa w przesadnie sentymentalny sposób ukazuje smutek króla Franciszka na łożu śmierci Leonarda da Vinci

Problem z identyfikacją modelu

Vasari, urodzony w 1511 roku, nie mógł zobaczyć Mona Lizy na własne oczy i zmuszony był odwołać się do informacji podanych przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. To on pisze o kupcu jedwabiu Francesco Giocondo, który zamówił u artysty portret swojej trzeciej żony. Pomimo słów tego anonimowego współczesnego, wielu badaczy wątpiło w możliwość, że Mona Lisa została namalowana we Florencji (1500–1505), gdyż wyrafinowana technika może wskazywać na późniejsze malarstwo. Argumentowano również, że w tym czasie Leonardo był tak zajęty pracą nad „Bitwą pod Anghiari”, że nawet odmówił markizie Mantui Isabelli d’Este przyjęcia jej zamówienia (jednak miał bardzo trudne relacje z tą damą).

Dzieło naśladowcy Leonarda to obraz świętego. Być może Izabela Aragońska, księżna Mediolanu, jedna z kandydatek do roli Mony Lizy, zostaje uchwycona w jej wyglądzie.

Francesco del Giocondo, wybitny ksiądz florencki, w wieku trzydziestu pięciu lat w 1495 ożenił się po raz trzeci z młodą neapolitką ze szlacheckiej rodziny Gherardini - Lisą Gherardini, pełne imię i nazwisko Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini (15 czerwca 1479 - 15 lipca 1542 lub około 1551).

Chociaż informacje o tożsamości kobiety podaje Vasari, od dawna nie ma co do niej pewności i wyrażono wiele wersji:
Caterina Sforza, nieślubna córka księcia Mediolanu, Galeazzo Sforza
Izabela Aragońska, księżna Mediolanu
Cecilia Gallerani (model kolejnego portretu artystki – „Kobiety z gronostajem”)
Constanza d'Avalos, która również miała przydomek „Merry”, czyli po włosku La Gioconda. Venturi w 1925 zasugerował, że „Gioconda” to portret księżnej Costanza d'Avalos, wdowy po Federigo del Balzo, zaśpiewany w krótkim wierszu Eneo Irpino, w którym wspomina się również jej portret namalowany przez Leonarda. Costanza była kochanką Giuliano de' Medici.
Pacifica Brandano - kolejna kochanka Giuliano Medici, matka kardynała Ippolito Medici (według Roberto Zapperiego portret Pacifica został zamówiony przez Giuliano Medici w celu ich późniejszej legalizacji Nieślubnym synem który pragnął zobaczyć swoją matkę, która w tym czasie już umarła. Jednocześnie, zdaniem krytyka sztuki, klient jak zwykle pozostawił Leonardo pełną swobodę działania).
Izabela Gualanda
Po prostu idealna kobieta
Młody mężczyzna w kobiecym stroju (np. Salai, ukochany Leonarda)
Autoportret Leonarda da Vinci
Retrospektywny portret matki artysty Kateriny (1427-1495) (oferowany przez Freuda, następnie przez Serge'a Bramly'ego, Rinę de "Firenze).

Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modela z 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu przestudiowali notatki na marginesach księgi należącej do florenckiego urzędnika, osobistego znajomego artysty Agostino Vespucci. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonardo ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „teraz da Vinci pracuje nad trzema obrazami, z których jeden jest portretem Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisy Gherardini. Obraz, jak dowodzą w tym przypadku badacze, powstał na zamówienie Leonarda dla nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna o imieniu Andrea.

Według jednej z wysuniętych wersji „Mona Lisa” to autoportret artystki

Krańcowa kontrola potwierdza poprawną identyfikację modelu Mona Lisy

Historyk sztuki Boris Vipper, opisując zdjęcie, zwraca uwagę, że twarz Mony Lisy nosi ślady mody Quattrocento: jej brwi i włosy na czubku czoła są wygolone.

Kopia „Mona Lisy” z kolekcji Wallace (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala zobaczyć zagubione kolumny.

Fragment „Mona Lisy” z pozostałościami podstawy kolumny

Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, dzięki czemu portret jest prawie do połowy długości. Fotel, w którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub na loggii, której linia attyki jest widoczna za łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i mieścić dwie boczne kolumny loggii, z której obecnie znajdują się dwie podstawy kolumn, których fragmenty widoczne są wzdłuż krawędzi attyki.

Boris Vipper pisze, że mimo śladów Quattrocento „w ubraniach z małym wycięciem na piersi i z rękawami w luźnych fałdach, tak jak przy wyprostowanej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym geście dłoni , Mona Lisa należy całkowicie do epoki stylu klasycznego.” Michaił Alpatow zwraca uwagę, że „La Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy całość, złożone dłonie dopełniają jej obrazu. Teraz, oczywiście, nie mogło być mowy o dziwacznych lokach wczesnego Zwiastowania. Jednak bez względu na to, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Giocondy współgra z przezroczystą zasłoną, a wisząca tkanina przerzucona przez ramię odbija się echem w gładkich zakolach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo pokazuje swoją zdolność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.

Mona Lisa stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk Ostatnia Wieczerza prawie umarł. Współcześni artyście zdołali jednak wyrazić swój entuzjazm nie tylko kompozycją, rysunkiem i grą światłocienia - ale także kolorem dzieła. Zakłada się na przykład, że początkowo rękawy jej sukni mogły być czerwone - co widać na kopii obrazu z Prado.

Jak zauważa Dzhivelegov, do czasu powstania Mona Lisy umiejętność Leonarda „weszła już w fazę takiej dojrzałości, kiedy wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym zostały ustalone i rozwiązane, kiedy Leonardo zaczął myśleć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania warsztatu artystycznego zasługują na to, by się nimi zająć. A kiedy znalazł w obliczu Mony Lisy model, który zaspokajał jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych zadań techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Za pomocą technik, które już wcześniej opracował i wypróbował, zwłaszcza przy pomocy swojego słynnego sfumato, które wcześniej dawało niezwykłe efekty, chciał zrobić więcej niż robił wcześniej: stworzyć żywą twarz żywej osoby i odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy w taki sposób, że wewnętrzny świat człowieka został odsłonięty do końca.

Boris Whipper zadaje pytanie: „W jaki sposób osiąga się tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości na obraz Mona Lisy, więc należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest cudowne sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mówić, że „modelowanie to dusza malarstwa”. To właśnie sfumato tworzy mokry wygląd Mona Lisy, jej uśmiech, lekki jak wiatr i niezrównaną pieszczotę w dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka, która otula twarz i sylwetkę, zmiękczając kontury i cienie. Leonardo zalecał w tym celu umieszczenie pomiędzy źródłem światła a ciałami, jak to określa, „rodzajem mgły”.

Rotenberg pisze, że „Leonardo zdołał wnieść do swojego dzieła ten stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach obrazowego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w tym, jak jasny, przezroczysty welon, zakrywający głowę i ramiona Mony Lizy, łączy starannie narysowane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienka we wspólny gładki kontur; jest wyczuwalny w modelowaniu twarzy, nieporównywalny w swojej delikatnej miękkości (na której w ówczesnych czasach usunięto brwi) i pięknych zadbanych dłoniach.

Krajobraz za Mona Lisą

Krytycy sztuki podkreślają organiczny charakter, z jakim artysta połączył cechy portretowe osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to godność portretu.

Wczesna kopia Mona Lisy z Prado pokazuje, jak bardzo obraz portretowy traci, gdy jest umieszczony na ciemnym, neutralnym tle.

Vipper uważa pejzaż za drugi środek, który tworzy duchowość obrazu: „Drugim środkiem jest relacja między postacią a tłem. Fantastyczny, skalisty, jakby widziany przez morską wodę pejzaż na portrecie Mony Lizy ma inną rzeczywistość niż sama jej postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się tak niesamowicie bliska i namacalna, a my postrzegamy krajobraz jako blask jej własnego snu”.

Badacz sztuki renesansowej Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo, w tym dzięki krajobrazowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczym obrazie stworzył coś więcej niż portret portretowy nieznanej Mony florenckiej Lisa, trzecia żona Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są im przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm koresponduje z kosmiczną abstrakcją pejzażu, niemal całkowicie pozbawioną jakichkolwiek śladów ludzkiej obecności. W zadymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko wszystkie kontury postaci i krajobrazu oraz wszystkie odcienie kolorystyczne. W najsubtelniejszych, niemal niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonarda „sfumato”, cała pewność indywidualności i jej stanu psychicznego zostaje zmiękczona do granic możliwości, rozpływa się i jest gotowa do zniknięcia. (...) "La Gioconda" nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawionych abstrakcyjnie od ich indywidualnej konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym lekkie fale przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można się domyślać całego bogactwa możliwości fizycznej i duchowej egzystencji.

W 2012 roku kopia "Mona Lisy" z Prado została wyczyszczona, a pod późniejszymi nagraniami okazało się, że tło pejzażowe - wrażenie płótna natychmiast się zmienia.

„Mona Lisa” utrzymana jest w złotobrązowych i czerwonawych tonach pierwszego planu i szmaragdowozielonej tonacji dystansu. „Przezroczyste jak szkło, farby tworzą stop, jakby stworzony nie ludzką ręką, ale dzięki tej wewnętrznej sile materii, która z roztworu daje kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele prac Leonarda, ta praca pociemniała z czasem, a jej proporcje kolorów nieco się zmieniły, ale nawet teraz przemyślane zestawienia tonów goździków i ubrań oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodnym” tonem krajobraz są wyraźnie postrzegane.

Wcześniejszy kobiecy portret Leonarda „Dama z gronostajem”, choć jest wspaniała praca sztuka, ale w swojej prostszej strukturze figuratywnej należy do jeszcze wcześniejszej epoki.

„Mona Lisa” uważana jest za jedno z najlepszych dzieł gatunku portretowego, które wpłynęło na dzieła wielkiego renesansu i pośrednio przez nie cały dalszy rozwój gatunku, który „powinien zawsze wracać do Giocondy jako nieosiągalny, ale model obowiązkowy."

Historycy sztuki zauważają, że portret Mona Lisy był decydującym krokiem w rozwoju renesansowej sztuki portretowej. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie szereg znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia portretowe były niejako niewspółmierne do dokonań w głównych gatunkach malarskich – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretowego była już widoczna w samej „ikonografii” portretów. Faktycznie, dzieła portretowe z XV wieku, ze wszystkimi niezaprzeczalnymi podobieństwami fizjonomicznymi i poczuciem wewnętrznej siły, którą emanują, nadal wyróżniały się zewnętrznymi i wewnętrznymi ograniczeniami. Całe to bogactwo ludzkich odczuć i przeżyć, które charakteryzuje biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV wieku, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego można dostrzec we wcześniejszych portretach samego Leonarda, tworzonych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) W porównaniu z nimi portret Mony Lizy odbierany jest jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy w swoim znaczeniu stał się na równi z najżywszymi obrazami innych gatunków malarskich.

„Portret kobiety” Lorenzo Costy powstał w latach 1500-06 – mniej więcej w tych samych latach co „Mona Lisa”, ale w porównaniu z nim wykazuje niesamowitą bezwładność.

Zgadza się z nim Łazariew: „Prawie nie ma na świecie innego obrazu, o którym krytycy sztuki napisaliby taką otchłań nonsensu, jak to słynne dzieło pędzla Leonarda. (...) Gdyby Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, cnotliwa matrona i żona jednego z najbardziej szanowanych obywateli Florencji, usłyszała to wszystko, z pewnością byłaby naprawdę zdziwiona. A jeszcze bardziej zdziwiłby się Leonardo, który postawił sobie tu o wiele skromniejsze, a jednocześnie znacznie trudniejsze zadanie – dać taki obraz ludzkiej twarzy, który ostatecznie rozpuści w sobie resztki quattrocentist. nieruchomość psychiczna. (...) I dlatego ten krytyk sztuki miał po tysiąckroć rację, gdy zwrócił uwagę na bezużyteczność rozszyfrowywania tego uśmiechu. Jej istota polega na tym, że jest to jedna z pierwszych prób w sztuce włoskiej przedstawienia naturalnego stanu psychicznego dla niego samego, jako celu samego w sobie, bez motywacji religijnych i etycznych. W ten sposób Leonardo zdołał tak bardzo ożywić swój model, że w porównaniu z nim wszystkie starsze portrety wydają się zamrożonymi mumiami.

Rafael, Dziewczyna z jednorożcem, ok. 1930 r. 1505-1506, Galleria Borghese, Rzym. Ten portret, namalowany pod wpływem Mony Lizy, zbudowany jest według tego samego schematu ikonograficznego - z balkonem (bardziej z kolumnami) i pejzażem.

W swojej pionierskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego środka charakterystyki psychologicznej. Uczyniwszy portret w formacie pokoleniowym, artysta mógł zademonstrować szerszą gamę technik malarskich. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów idei przewodniej. „Głowa i ręce to niewątpliwe centrum obrazu, któremu poświęca się resztę jego elementów. Bajkowy krajobraz jakby prześwituje przez morskie wody, wydaje się tak odległy i nieuchwytny. Jej głównym celem nie jest odciąganie uwagi widza od twarzy. I ta sama rola jest wezwana do spełnienia szaty, która rozpada się na najdrobniejsze fałdy. Leonardo świadomie unika ciężkich draperii, które mogłyby zasłaniać wyrazistość dłoni i twarzy. Tym samym sprawia, że te ostatnie występują ze szczególną siłą, tym bardziej skromny i neutralny jest pejzaż i ubiór, asymilowany do cichego, ledwie wyczuwalnego akompaniamentu.

Reputacja obrazu

„Mona Lisa” za kuloodpornym szkłem w Luwrze i tłumy odwiedzających muzeum w pobliżu

Pomimo tego, że „Mona Lisa” była bardzo ceniona przez współczesnych artystce, w przyszłości jej sława przygasła. Obraz zapadł w pamięć dopiero w połowie XIX wieku, kiedy artyści bliscy symbolistom zaczęli go chwalić, kojarząc go ze swoimi wyobrażeniami na temat kobiecej tajemnicy. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako rodzaj mitycznego ucieleśnienia wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „wielokrotnie umierała”. i poznałem sekrety życia pozagrobowego” .

Współczesny jej przygodom krytyk Abram Efros pisał: „...strażnik muzeum, który od powrotu do Luwru po uprowadzeniu w 1911 roku nie odszedł od obrazu ani kroku, nie strzeże portretu swojej żony Francesca del Giocondo, ale obraz jakiegoś pół-człowieka, pół-węża, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią, która rozciągała się za nim.

„Mona Lisa” jest dziś jednym z najsłynniejszych obrazów sztuki zachodnioeuropejskiej. Jej głośna reputacja związana jest nie tylko z jej wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.

Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim przywiązaniem autora do tego dzieła. Oferowano różne wyjaśnienia, na przykład romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych ekstaz. Ta wersja jest uważana za zwykłe spekulacje. Dzhivelegov uważa, że to przywiązanie jest związane z tym, że znalazł w nim cel zastosowania wielu swoich twórczych poszukiwań (patrz rozdział Technika).

Uśmiech Giocondy

Leonardo da Vinci. "Jan Chrzciciel". 1513-1516, Luwr. Ten obraz ma też swoją tajemnicę: dlaczego Jan Chrzciciel uśmiecha się i wskazuje w górę?

Leonardo da Vinci. „Św. Anna z Madonną i Dzieciątkiem” (szczegół), ok. 1930 r. 1510, Luwr.
Uśmiech Mony Lisy to jedna z najsłynniejszych tajemnic obrazu. Ten lekki, wędrowny uśmiech można znaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardów, ale to w Mona Lisie osiągnęła doskonałość.

Grashchenkov pisze: „Nieskończona różnorodność ludzkich uczuć i pragnień, przeciwstawnych namiętności i myśli, wygładzonych i połączonych ze sobą, odpowiada w harmonijnie beznamiętnym wyglądzie Mona Lizy tylko niepewnością jej uśmiechu, ledwo pojawiającego się i znikającego. Ten bezsensowny, ulotny ruch kącików jej ust, niczym odległe echo zlane w jeden dźwięk, przekazuje nam z nieskończonej odległości barwną polifonię życia duchowego człowieka.
Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że „niewiele jest portretów w sztuce światowej, które dorównują Mona Lisie pod względem siły wyrażania osobowości człowieka, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. Od portretowych wizerunków Quattrocento odróżnia go niezwykła intensywność intelektualna portretu Leonarda. Ta jego cecha jest dostrzegana tym ostrzej, że odnosi się do portretu kobiecego, w którym postać modelki została wcześniej ujawniona w zupełnie innym, przeważnie lirycznym tonie figuratywnym. Poczucie siły emanujące z „Mona Lisy” to organiczne połączenie wewnętrznego opanowania i poczucia wolności osobistej, duchowej harmonii człowieka opartej na jego świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości ani pogardy; jest postrzegana jako wynik spokojnej pewności siebie i pełnej samokontroli.

Odkrywca terminu mikroekspresja, psycholog Paul Ekman (prototyp dr Cal Lightman z telewizyjnego serialu Lie to Me) pisze o wyrazie twarzy Giocondy, analizując go z punktu widzenia jego znajomości ludzkiej mimiki:” pozostałe dwa rodzaje [uśmiech] łączą szczery uśmiech z charakterystycznym wyrazem oczu. Zalotny uśmiech, choć jednocześnie uwodziciel odwraca wzrok od obiektu jego zainteresowania, by znów rzucić mu chytre spojrzenie, które znowu natychmiast odwraca się, gdy tylko zostanie zauważony. Niezwykłe wrażenie słynnej Mony Lisy polega po części na tym, że Leonardo chwyta swoją naturę właśnie w momencie tego żartobliwego ruchu; odwracając głowę w jedną stronę, spogląda w drugą - na interesujący ją przedmiot. W życiu ten wyraz twarzy jest ulotny – ukradkowe spojrzenie trwa nie dłużej niż chwilę.

Historia malarstwa w czasach nowożytnych

W dniu jego śmierci w 1525 roku asystent Leonarda (i prawdopodobnie kochanek) o imieniu Salai posiadał, sądząc po odniesieniach w jego osobistych papierach, portret kobiety zwanej „La Gioconda” (quadro de una dona aretata), który został przekazany go przez swojego nauczyciela. Salai zostawił obraz swoim siostrom mieszkającym w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, jak w tym przypadku portret dotarł z Mediolanu z powrotem do Francji. Nie wiadomo też, kto i kiedy dokładnie odciął brzegi obrazu kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w pierwotnej wersji. W przeciwieństwie do innego wykadrowanego dzieła Leonarda - "Portretu Ginewry Benci", którego dolna część została odcięta z powodu wody lub ognia, w tym przypadku przyczyny miały najprawdopodobniej charakter kompozycyjny. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.

Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, dzisiaj

Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku Fontainebleau, gdzie pozostał do tej pory Ludwik XIV. Ten ostatni przeniósł ją do Pałacu Wersalskiego, a po rewolucji francuskiej trafiła do Luwru. Napoleon zawiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wróciła do muzeum.

Kradzież

1911 Pusta ściana, na której wisiała Mona Lisa
Mona Lisa byłaby od dawna znana tylko koneserom sztuk pięknych, gdyby nie wyjątkowa historia, która zapewniła jej światową sławę.

Vincenzo Perugii. Arkusz ze sprawy karnej.

21 sierpnia 1911 obraz został skradziony przez pracownika Luwru, włoski mistrz na lustrach Vincenzo Perugii (włoski Vincenzo Peruggia). Cel tego porwania nie jest jasny. Być może Perugia chciała przywrócić Giocondę do swojej historycznej ojczyzny, wierząc, że Francuzi ją „porwali” i zapominając, że sam Leonardo przywiózł obraz do Francji. Rewizje policyjne zakończyły się niepowodzeniem. Zamknięto granice państwa, zwolniono administrację muzeum. Poeta Guillaume Apollinaire został aresztowany pod zarzutem popełnienia przestępstwa, a następnie zwolniony. Pablo Picasso również był podejrzany. Obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech. Co więcej, winę za to ponosił sam złodziej, który odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaoferował sprzedaż Giocondy reżyserowi Galerie Uffizi. Zakłada się, że zamierzał zrobić kopie i uchodzić za oryginał. Perugia z jednej strony była chwalona za włoski patriotyzm, z drugiej dali mu krótki wyrok w więzieniu.

Ostatecznie 4 stycznia 1914 obraz (po wystawach w miastach włoskich) powrócił do Paryża. W tym czasie „Mona Lisa” nie opuściła okładek gazet i czasopism na całym świecie, a także pocztówek, nic więc dziwnego, że „Mona Lisa” była kopiowana częściej niż wszystkie inne obrazy. Obraz stał się obiektem kultu jako arcydzieło światowej klasyki.

Wandalizm

W czasie II wojny światowej obraz został przewieziony ze względów bezpieczeństwa z Luwru do zamku Amboise (miejsce śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a na koniec do Muzeum Ingres w Montauban, z gdzie po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.

W XX wieku obraz prawie nie opuścił Luwru, odwiedzając USA w 1963 i Japonię w 1974. W drodze z Japonii do Francji obraz został wystawiony w Muzeum. A. S. Puszkina w Moskwie. Podróże tylko ugruntowały sukces i sławę obrazu.

Przesłanie Vasariego

Inne

Obraz

Opis

Kompozycja

Stan obecny

Analiza

Technika

Krajobraz

Miejsce obrazu w rozwoju gatunku portretowego

Reputacja obrazu

Uśmiech Giocondy

Historia malarstwa w czasach nowożytnych

Wandalizm

W sztuce

„Mona Lisa” to nie „La Gioconda”?

ukryty obraz

fatalny uśmiech

Obraz „Mona Lisa” Leonarda da Vinci

Opis dzieła „Mona Lisa”

Cena obrazu „Mona Lisa”

POWIĄZANE ARTYKUŁY