RYGA, 20 września - Sputnik, Aleksiej Stefanow. Moskwa teatr akademicki nazwany na cześć Władimira Majakowskiego wyrusza w trasę do Rygi, Lipawy, Windawy i Tallina. Od 10 do 17 października na festiwalu Złota Maska w dniach 10-17 października widzowie łotewscy i estońscy zobaczą spektakl „Rosyjski romans” na podstawie sztuki litewskiego dramaturga Mariusa Iwaszkiewicza w reżyserii dyrektora artystycznego Teatru Majakowskiego Mindaugasa Karbauskiego.

„Ostatnim razem przywieźliśmy spektakl „Talenty i Wielbiciele” na Łotwę i Estonię w ramach „Złotej Maski”. Było to dokładnie pięć lat temu – jesienią 2012 roku. Ale ponieważ sceneria tego spektaklu jest bardzo duża- skali, występowaliśmy tylko w Rydze i Tallinie.Scenografia „Powieści rosyjskiej” jest bardziej mobilna i pozwala przenieść ją do Lipawy i Windawy, choć w kilku teatrach trzeba będzie zdemontować część do spektaklu. audytorium, powiększając tym samym przestrzeń sceniczną – w końcu pokazujemy nasze spektakle dokładnie w takiej formie, w jakiej ogląda je moskiewska publiczność” – powiedział w przededniu trasy Leonid Osharin, dyrektor Teatru Majakowskiego.

Z archiwum Teatru Majakowskiego

Wybór spektaklu nie jest przypadkowy - na ostatniej rosyjskiej narodowej nagrodzie „Złota Maska” otrzymał nagrody w trzech nominacjach jednocześnie - „Najlepszy kobieca rola", "Najlepsza praca dramaturga” i „Najlepsze przedstawienie dramatyczne w dużej formie”. Teraz „Rosyjski romans” jest bardzo wyczekiwany nie tylko w Moskwie, ale także w innych miastach Rosji, gdzie koncertować będzie Teatr Majakowskiego.

Scenariusz „Powieści rosyjskiej”, oparty na biografii i twórczości Lwa Tołstoja, napisał słynny litewski dramaturg Marius Ivashkevičius, a wystawił dyrektor artystyczny Teatru Majakowskiego Mindaugas Karbauskis. Jednak to właśnie na Litwie nie zobaczymy „rosyjskiego romansu”.

Z archiwum Teatru Majakowskiego

"Szczerze, nie wiem dlaczego. To bardziej pytanie do organizatorów. Pomimo tego, że trasa odbywa się w ramach festiwalu Złota Maska, strona rosyjska bierze na siebie tylko część kosztów, reszta jest na po stronie gospodarzy. Być może nie wyszło, żeby nawiązać kontakt. Chociaż to tylko przypuszczenia. Wiem, że Litwini przyjadą na nasze występy na Łotwie: litewscy widzowie kupili już około 300 biletów na Rosyjski Romans” – powiedział Osharin. .

Ale nie tylko wyrafinowani widzowie czekają na przybycie artystów Teatru Majakowskiego - sami artyści, a także wszyscy, którzy biorą udział w programie wycieczki, chcą jak najszybciej być w Rydze i Tallinie.

"Podczas naszej ostatniej wizyty byliśmy zachwyceni starymi miastami - tam wszystko spędziliśmy czas wolny bo tam atmosfera jest po prostu szalona, ​​każdy zakątek jest pełen historii. I świetnie, że to wszystko jest tak dobrze wkomponowane w miejskie środowisko – nie zamknięte, ale otwarte dla wszystkich. Myślę więc, że tym razem przed i po występach z przyjemnością będziemy spacerować wśród przytulnej starożytności - przyznał Osharin.

Z archiwum Teatru Majakowskiego

„W Rydze na pewno będziemy spacerować uliczką w pobliżu Opera Narodowa, odwiedzimy drzewo Teatru Majakowskiego, które uroczyście posadziliśmy dokładnie pięć lat temu podczas poprzedniego zwiedzania Złotej Maski – dodał dyrektor teatru.

Leonid Osharin podzielił się również wspomnieniami o tym, jak podczas poprzedniej podróży przechodnie w Rydze dosłownie na każdym kroku zatrzymywali Swietłanę Niemolyajewą i prosili o zdjęcie z nią „i nie odmówiła nikomu, potulnie się zgodziła, nawet ustawiały się w kolejce. "

1 / 4

Z archiwum Teatru Majakowskiego

Scena ze spektaklu „Powieść rosyjska”

Przerwa między trasami w krajach bałtyckich była bardzo długa, ale jest całkiem możliwe, że Teatr Majakowskiego już niedługo powróci na Łotwę i do Estonii.

„Mamy bardzo popularny, niecodzienny spektakl na podstawie książki amerykańskiego neuropsychologa Olivera Sacksa – „Człowiek, który pomylił żonę z kapeluszem”. To premiera ubiegłego sezonu. Graliśmy go w sali kameralnej dla stu osób. miejsc i dopiero pod koniec sezonu nastąpiła transformacja, zwiększając liczbę widzów do 250 osób, ponieważ wszystkie bilety są wyprzedane z dwu-, trzymiesięcznym wyprzedzeniem. Całkiem możliwe, że ten spektakl wkrótce obejrzą Łotysze i Estońska publiczność. Jeśli w końcu zgodzimy się z gospodarzem, wrócimy do Was z trasą w przyszłym roku. I najprawdopodobniej ponownie do Rygi, Lipawy, Windawy i Tallina” – obiecał Leonid Osharin.

05.05.2017 15:22

Zdjęcie: Sputnik/Scanpix

Od 3 do 14 października widzowie z Rygi, Windawy i Lipawy zobaczą 9 spektakli, które zdobyły miłość publiczności i uznanie krytyków w Rosji.

Po raz pierwszy w historii festiwalu jego uczestnikami będą jednocześnie dwa spektakle, które otrzymały Rosyjską Nagrodę Narodową „ ” w kategorii „Dramat / Spektakl w dużej formie” – „Sen w noc letnia" Warsztaty Piotra Fomenko (sezon 2014/2015) i "Powieść rosyjska" Moskiewskiego Akademickiego Teatru Majakowskiego (sezon 2015/2016). Znów po raz pierwszy zostaną pokazane jednocześnie dwie prace, które przyciągnęły uwagę w kategorii „Taniec nowoczesny”: „Cafe Idiot” z Teatru Baletu Moskiewskiego (wygrana w nominacji „Taniec nowoczesny/Performance”, sezon 2014/2015) oraz The_Marusya z trupy Kostroma „Dialog Dance” (nominacja „Taniec nowoczesny/Performance”, sezon 2015/2016).

Piątym tytułem na afiszu „Złotej Maski na Łotwie” jest przedstawienie Teatru Narodów „Iwanow”, wystawione przez młodego reżysera Timofieja Kulabina na podstawie sztuki Antoniego Pawłowicza Czechowa. Premiera odbyła się 23 grudnia 2016 roku i stała się najjaśniejszym wydarzeniem w życiu artystycznym stolicy Rosji.

W programie festiwalu jest wszystko, czego publiczność tradycyjnie oczekuje od „Złotej Maski” na Łotwie”: błyskotliwe aktorstwo, ciekawe decyzje reżyserskie i scenograficzne, możliwość spotkania z uznanymi mistrzami i odkrywania nowych nazwisk. Jak zwykle” Złota Maska na Łotwie” zaoferuje profesjonalistom teatralnym, studentom wyspecjalizowanych uniwersytetów i miłośnikom teatru projekty edukacyjne, charytatywne i artystyczne.

Szczegóły dotyczące występów

Komplementariuszami „Złotej Maski na Łotwie” od 12 lat są firmy „Severstal” i Rietumu Banka. Festiwal jest wspierany przez Ministerstwa Kultury Republiki Łotewskiej i Federacja Rosyjska, ambasady Republiki Łotewskiej i Federacji Rosyjskiej, Państwowy Fundusz Kulturalnej Kapitału Łotwy, Rada Miejska Rygi, Rada Miejska Liepaja, Rada Miejska Ventspils i Wolny Port Rygi. Generalnym partnerem medialnym jest Pierwszy Kanał Bałtycki.

Organizatorem festiwalu „Złota Maska na Łotwie” jest firma „ART Forte”.

Bilety na spektakle festiwalu „Złota Maska na Łotwie” będą dostępne w całości od 8 maja kasa biletowa oraz sieci Biļešu Paradīze, www.bilesuparadize.lv.

Dodatkowe informacje znajdują się w aplikacji oraz na stronach internetowych www.goldenmask.lv, www.artforte.lv.

Zdjęcie: RUST2D

na podstawie powieści F. M. Dostojewskiego „Idiota”

Teatr „Balet Moskwa”, Moskwa

Nagroda „Złota Maska” 2016 – „Taniec nowoczesny / performance”

Nominacje: „Taniec nowoczesny / praca choreografa-choreografa” (Aleksander Pepelyaev), „Praca artysty w Teatr Muzyczny”,„ Praca projektanta kostiumów w teatrze muzycznym ”(Sergey Illarionov)

Muzyka: Nick Burch i przeboje ubiegłego wieku
Produkcja: Alexander Pepelyaev
Artysta: Sergey Illarionov
Projektant oświetlenia: Andrey Rebrov

Z teatru

Co to jest Cafe Idiot? To pewne miejsce, do którego widz trafia, być może nawet nie myśląc o żadnej powieści, gdzie różne rzeczy zaczynają mu się dziać w sposób mistyczny, Dostojewski. Fascynuje go ruch myśli, emocji czy ciała aktora, zagląda w ekran, śledzi ruchy postaci. Stara się odróżnić licznych Rogozhinów od Myszkinów i Nastasyę Filippovnę od Aglayi.

To droga upadku i poszukiwania równowagi, wykreowana metodami teatru wizualnego, przez którą wspólnie przechodzą zarówno widz, jak i aktorzy. Ta praca opowiada o tym, jak można wizualizować te stany, które są osadzone w legendarnej powieści i budzą się w nas, gdy ją czytamy.

Bohaterowie pozostaną, ale będzie ich kilku. Każdy aktor spróbuje na sobie pewnej dwoistości, odradzając się najpierw jako książę-epileptyk, potem jako handlarz awanturą, a następnie całkowicie przechodząc na stronę obserwatora. Zadawanie pytań „Czy jestem Chrystusem czy Antychrystem?”, „Idiotą czy świętym?”, „Czy mogę przymierzyć te role, czy zostać na uboczu?”.

Wykorzystując potencjał i elastyczność tancerzy nowoczesnego trupy teatru Balet Moskwa, a także metody teatru tańca współczesnego, Aleksander buduje swoją pracę tak, aby widz mógł nie tylko czerpać estetyczną przyjemność z piękna i grafiki ciała, ale także sama przeżywam mikrokatharsis rozpoznania wraz z tancerzami.

"Nie chcemy i nie możemy opowiedzieć powieści Dostojewskiego Idiota w spektaklu, to jest ćwiczenie bez sensu. W teatrze wciąż nie umiemy niczego wyjaśnić. Możemy zagrać fabułę i będzie jasne, że takie i takie postacie coś zrobiły. Ale najważniejsza rzecz nie dzieje się w tekście.

Dlatego „Cafe Idiot” nie jest powtórzeniem ani interpretacją Dostojewskiego. Oto kilka myśli o myślach. Próba refleksji nad klimatem powieści i uczuciami, które opanowują bohaterowie. Ale z naszego przedstawienia nie poznasz treści powieści.

O czym jest sztuka? Mogę powiedzieć, że chodzi o to, jak człowiek się torturuje, odcina własne szczęście. Ale to wszystko są puste frazy. Chcę, żeby te uczucia same się w widzu pojawiły. Aby publiczność wyszła z plątaniną nierozwiązanych myśli i emocji. Z pewnym efektem po, jakbyś patrzył na jasny ekran przez długi czas, zamknął oczy, aw oczodołach nadal pojawiały się białe plamy.
Aleksander Piepielejew

Cytat

Alexander Pepelyaev oczywiście nie opowiada powieści: seria rytmicznie i emocjonalnie kontrastujących scen pozwala tylko odgadnąć znane epizody. Reżyser w spektaklu trzykrotnie umieszcza cytaty z Dostojewskiego: odczytane naiwnym, dziecinnym głosem bez śladu patosu i udręki, nadają tanecznym epizodom upiorną, bezlitosną przejrzystość. Podobnie jak powieść, przedstawienie balansuje na krawędzi okrutnego melodramatu, Thriller psychologiczny, kronika kryminalna, karnawałowe szaleństwo i targi. Oto nóż okryty zielonkawym blaskiem, powoli pełzający w powietrzu, by wbić się w klatkę piersiową ofiary; tutaj i biegnąc po ścianach - w dosłownym sensie - Rogozhins; i Myszkinowie, wyglądający jak duchy prosto z zielonej tapety; i zrelaksowany, rozgrzany haj piekielnej dyskoteki; i atmosfera niedrogiego burdelu z satyrycznym erotyzmem pokazu mody na wysokich obcasach.

Ale najsilniejszą rzeczą w tym guignole jest oczywiście sam taniec - emocjonalnie hojny, dość złożony technicznie, rozbudowany leksykalnie, ponieważ mieszanka ciężkiej muzyki Nicka Burcha i nostalgicznych zachodnich hitów ubiegłego wieku pozwala na eksperymentowanie w różne style i gatunki. Choreograf znajduje niezbędne słowa ruchowe dla każdej postaci w każdym konkretnym przypadku. (gazeta „Kommiersant”)

Zdjęcie: L. Gerasimchuk

William Szekspir

Teatr „Warsztat PN Fomenko”, Moskwa

Nagroda Złota Maska 2016 – „Dramat / spektakl w dużej formie”
Nominacje: „Praca reżysera” (Ivan Popovsky), „Rola kobieca” (Irina Gorbaczowa)
Spektakl - uczestniczka programu „Sprawa Rosyjska” 2016

Reżyseria: Ivan Popovski
Artysta: P.O.P.
Projektantka kostiumów: Angelina Atlagich
Projektant oświetlenia: Vladislav Frolov
Wideo: Aleksander Marczenko
Choreograf: Oleg Głuszkow

Obsada: Karen Badałow, Galina Tyunina, Oleg Niryan, Ambartsum Kabanyan, Serafima Ogareva, Irina Gorbaczowa, Alexander Michkov, Yuri Butorin, Nikita Tiunin, Andrey Kazakov, Rustem Yuskaev, Kirill Pirogov, Stepan Pyankov

Z teatru

Helena jest zakochana w Demetriuszu, Demetrius jest zakochany w Hermii, a Hermia w Lysanderze. Jest to jednak wzajemne. Jest też ojciec Hermii, który miesza wszystkie karty, próbując przedstawić swoją córkę jako niekochany Demetrius. A książę Tezeusz wydaje się nawet mu w tym pobłażać. Nocą młodzi ludzie uciekają od ateńskiego prawa i porad rodziców – do książęcego lasu, gdzie zostaną całkowicie uwikłani (i rozplątani!) pod wpływem czaru króla elfów Oberona i jego roztargnionego asystenta Robina.

Wszystko tutaj jest grą - teatralną, miłosną, czasem trochę naiwną, czasem skomplikowaną i zagmatwaną. Może być ostra, a nawet niebezpieczna – lepiej oglądać taką grę z boku, bez ingerencji. Czasami jest to dziecinnie proste – angażujesz się w to dobrowolnie lub mimowolnie. Ale to wszystko w tym przedstawieniu jest niezwykle żywotne, niewiarygodnie lekkomyślne. W chaosie gry, w ciemności nocy zaciera się granica między snem a rzeczywistością. Granice świata, rozległe, niezrozumiałe, odnajduje się i rozsuwa dotykiem. Tam, gdzie „łóżko z mchu” kusi swoją świeżością, jak chłodne prześcieradła. Tam, gdzie kochankowie mylą się, wplatają się w żywą kulę, oddychając zazdrością, młodością, strachem i - miłością. To jest jak muzyka, jak magiczny sok, tutaj samo powietrze jest nasycone, ono i tylko porusza się „zarówno morze, jak i Homer”…

Od Szekspira

„Sen nocy letniej” Iwana Popowskiego jest przyjmowany przez publiczność z zachwytem i radością. Strasznie uwielbiam patrzeć w oczy aktorom na smyczkach. Oni promieniują taką ulgą, szczęściem, taką wiarą w nieodparty charakter ich sztuki. Jeśli chcesz zobaczyć szczęśliwi ludzie, nie zostawiaj łuków. Ale głównym cudem jest to, że czujesz, jak odradza się duch tej magicznej gry, którą nosił w sobie Piotr Fomenko.

Z rozmowy z przewodniczącym Komisji Szekspirowskiej Rady Naukowej Historii Kultury Świata Rosyjskiej Akademii Nauk, członkiem Komitetu Wykonawczego Międzynarodowego Stowarzyszenia Szekspirowskiego, kierownikiem Katedry Historii Teatru Zagranicznego RATI (GITIS), profesor Aleksiej Bartoszewicz
magazyn „Ekran i Scena”

Cytat

„Sen nocy letniej” był śniony przez publiczność w czasach, gdy wydawałoby się, że nic nie sprzyja radosnej grze teatralnej – i dał efekt poduszki tlenowej dla duszących się. Dla samego teatru, który przeżył śmierć swojego lidera, aby znaleźć grunt pod nogami, przedstawienie stało się powrotem do normalności, ale na nowej rundzie rozwoju. Iwan Popowski „uszył” spektakl jakby według starego schematu, zmuszając do pamiętania o psychologicznej koronce, o swobodnym oddychaniu, o zwycięskim aktorstwie, ale na skale premiery teatralne jego praca jest po prostu niesamowita.

Iwan Popowski dziedziczy nie tylko swojego nauczyciela Petera Fomenko. W cyrkowym szaleństwie jego „Snu” nie sposób nie rozpoznać śladów słynnego spektaklu Petera Brooka, który na próbach domagał się od aktorów całkowitej emancypacji, którą następnie za pomocą cyrkowych sztuczek okiełznał. (Dziennik " Afisz teatralny")

Zdjęcie: Siergiej Pietrow

Antoni Czechow

Teatr Narodów, Moskwa

Spektakl -- uczestniczka programu „Sprawa Rosyjska” 2017

Reżyser: Timofey Kulyabin

Artysta: Oleg Golovko

Projektant oświetlenia: Denis Solntsev

Obsada: Jewgienij Mironow, Chulpan Chamatowa, Elizaveta Boyarskaya, Igor Gordin, Viktor Verzhbitsky, Alexander Novin, Dmitrij Serdyuk i inni.

Z teatru

„Wielbiciele teatru mówią, że nigdy nie widzieli takiej fermentacji w teatrze, takiego ogólnego oklasków i nigdy w innym czasie.
nigdy nie słyszeli tylu sporów, ile widzieli i słyszeli w mojej sztuce”.
Z listu Czechowa do brata, 20 listopada 1887 r.

Pierwsza sztuka Antona Pawłowicza Czechowa została napisana przez niego na zlecenie przedsiębiorcy Fiodora Korsha - 19 listopada 1887 r. Jej premiera odbyła się w pierwszym prywatnym teatrze w Rosji, w tym samym historyczny budynek gdzie dziś mieści się Teatr Narodów.

10 lat temu dyrektor artystyczny Teatr Narodów został mianowany Jewgienijem Mironowem. Jewgienij Mironow postanowił uczcić tę datę, uczestnicząc w nowa produkcja sztuki A.P. Czechowa „Iwanow”.

„To nie jest opowieść o osiedlach z pawilonami. Chodzi o Iwanowa z sąsiedniego wejścia. To znaczy, postawiliśmy sobie to samo zadanie, co Czechow: opowiedzieć historię z dzisiejszej rzeczywistości – i wprowadzić na scenę przeciętnego człowieka. teraz pewien dramaturg pisał o przeciętnym urzędniku, który jest w depresji i nie radzi sobie z okolicznościami. No cóż, zakochał się w swojej żonie - a ona nadal jest śmiertelnie chora. Zaciągnął długi, ale nie ma co spłacać No cóż, pojawiła się kochanka, ale nie dał rady - wypalony, a potem to już nie ma znaczenia, serce zatrzymało się lub strzeliło.

Muszę powiedzieć, że Jewgienij Mironow od samego początku zadawał sobie pytanie: jak grać tę apatię, brak chęci do życia i zmęczenie? Jak: chodzić po scenie i się męczyć? Nie leży to w jego naturze, nie jest ciężkim artystą, ale wybuchowym, impulsywnym. Pod wieloma względami nasza praca z nim opiera się na tym, że staramy się bazować na okolicznościach, a nie zgadywać. I od samego początku starałem się powstrzymać go od wymyślenia, jak grać Iwanowa i jak wszystko zbudować. Nie ma potrzeby grać ani ostrego, ani zdezorientowanego: ma w sobie i drugiego - sam autor wrzuca go w różne strony. Rola jest bardzo trudna - z powodu tej podwójnej optyki: człowieka nie dręczy tylko pytanie „Dlaczego żyję?”. To taki pas Möbiusa, idący po zamkniętej trajektorii. W końcu pytanie dotyczy nie tyle sensu życia, ile czegoś innego: „Dlaczego nie mogę żyć bez odpowiedzi na pytanie, dlaczego żyję?”

Timofey Kulyabin

cytaty

Reżyser wydaje się stawiać wcześniej audytorium lustro, w którym ty i ja odbijamy się razem z bohaterami spektaklu. Ale spójrz, jaki jest tu zakres i głębia opieki - w innych epokach, inne aluzje. Wydaje się, że coraz głębiej schodzimy po drabinie czasu. Akt pierwszy to nasze czasy, w których bohaterowie Czechowa wciąż dręczą i biegają. Święto imienin Shurochki pochłonęło Shukshin, dźwięczne i jasne, komiczne odmiany „dziwaków”. W trzecim, „biurowym” akcie, brzmią absolutnie tragiczne, wampirze intonacje. I wreszcie ostatnie przygotowania do ślubu na tle zielonego sukna ponownie prowadzą nas do Czechowa (ale od czasów „Tatyany Repiny”), a stamtąd już niedaleko do Dostojewskiego z jego „łzami” . I okazuje się, że Czechow dramaturg jest dziś nie tylko testowany, ale także wpleciony w kontekst rosyjskiego dramatu, literatury i teatru. ("Petersburg magazyn teatralny")

Za każdym razem ma swojego Iwanowa. W Teatrze Narodów genialnie pokazano nam bohatera słabego, ociężałego, nieciekawego, żyjącego w ogóle inercją. Tak nowy mały człowiek, czego nawet nie szkoda. I bez przeczucia zmiany. I żadnej nadziei na życie podobne do „delikatnych, pełnych wdzięku kwiatów”. Niewolnik w środku został zdecydowanie pokonany. Jedyne, co pozostaje w dolnej linii - jak za czasów Czechowa - nowy piękny teatr. (Magazyn „Teatr”)

Zdjęcie: Evgenia Babskaya

Mariusz Iwaskiewicz

Teatr. Wł. Majakowski, Moskwa
Złota Maska 2017: „Dramat / przedstawienie w dużej formie”, „Rola kobieca” (Evgenia Simonova), „Dzieło dramaturga” (Marius Ivaskevicius).

Nominacje: „Praca reżysera” (Mindaugas Karbauskis), „Rola drugoplanowa” (Tatiana Orłowa).

Reżyseria: Mindaugas Karbauskis
Artysta: Sergey Barkhin
Projektantka kostiumów: Maria Danilova
Projektant oświetlenia: Igor Kapustin
Obsada: Evgeniya Simonova, Tatyana Orlova, Alexey Dyakin, Vera Panfilova, Sergey Udovik, Alexey Sergeev, Pavel Parkhomenko, Julia Silaeva, Julia Solomatina, Miriam Sekhon, Maya Polyanskaya, Maxim Glebov

Z teatru

Sztuka Mindaugasa Karbauskisa to subtelne, metafizyczne połączenie biografii i twórczości Lwa Tołstoja. Wraz z autorem spektaklu Marius Ivashkevicius reżyser kilkakrotnie splata i realia: dzieła i wydarzenia z życia osobistego Tołstoja, w centrum których znajduje się jego żona Sofya Andreevna. Ich miłość, dręczona geniuszem pisarza, staje się odzwierciedleniem uczuć jego bohaterów. Sofia Andreevna wraz ze swoimi synami i córkami próbuje odzyskać miejsce w losach swojego męża z Obłońskich i Kareninów i dowiedzieć się, czyja historia jest najważniejsza: jego literackich kochanków czy własna. Sergei Barkhin wpisuje kultowe detale codzienności w monumentalną, zwróconą ku niebu przestrzeń, w której prywatna historia miłosna dwojga ludzi, dzięki skali osobowości Tołstoja, zamienia się w prorocze zjawisko. Rymy rzeczywistości i sceny z Anny Kareniny ocierają się o szaleństwo żony geniusza, która zagubiła się gdzieś na kartach powieści.

„Rosyjski romans” to rodzaj sagi rodzinnej, wariacja na temat powieści „Anna Karenina”, w której Lew Nikołajewicz Tołstoj występuje nie tylko jako autor swojego arcydzieła, ale także jako autor własnego dramatu rodzinnego. Istnieją powieści oparte na życiu autora. Ale są tacy, którzy budują życie autora w przyszłości. Albo go łamią. I wtedy, w tym połączeniu rzeczywistości i sztuki, autor staje się najbardziej tragiczną postacią w swoich kreacjach.

Mariusz Iwaskiewicz

cytaty

Łączenie prawdy z delikatnością jest bardzo trudne. Jest to możliwe przede wszystkim dzięki Evgenii Simonovej, która gra Sophię Tolstayę. Aktorka czekała na rolę w swoim rodzimym teatrze. Ani razu nie pozwoliła sobie, grając nerwową, niezrównoważoną, wręcz histeryczną kobietę, popaść w bolesną neurastenię, upokorzyć swoją postać drobnymi interpretacjami w najtrudniejszych scenach, jak w walce z Czertkowem, w skandalach z córką. Wręcz przeciwnie, Simonova gra Zofię jako postać, pod pewnymi względami równą Tołstojowi. W końcu jest gotowa odejść przed nim i opuszcza Jasną Polanę, odwraca swoją modlitwę, by razem opuścić majątek i przeżyć starość w szczęśliwej samotności. Udręczona kobieta maluje ten duszpasterski obraz, gdy wokół niej szaleje piekło. („Niezależna gazeta”)

„Rosyjski romans” poświęcony jest Lwowi Tołstojowi i wytworom jego umysłu i serca – od rodziny (w szerokim znaczeniu – Iwaszkiewicz obejmuje Czertkowa, dr Duszana i Babę Aksinię) po nowe postacie kierowane przez Annę Kareninę. Wirujące nurty spektaklu i wielkiego, trzyipółgodzinnego, gęsto zaludnionego występu zespołowego kształtują się jednak nie tyle wokół filaru literatury rosyjskiej, ile wokół jego żony, znakomicie granej przez Jewgienię Simonową - i nawet wokół ledwie dostrzegalnej materii powstałej z resztek idei, kłopotów i absurdów sprzed wieku. (Colta.ru)

Zdjęcie: Andrey Migunov

Firma „Dialog Dance”, Kostroma

Nominacje: „Taniec nowoczesny / performance”, „Balet– taniec nowoczesny/ rola kobieca ”(Marusya Sokolnikova)
Produkcja: Aleksander Andrijashkin
Oświetlenie: Ivan Estegneev, Natalia Kuznetsova
Wykonawca: Marusya Sokolnikova

Z teatru

Pomysł na spektakl zrodził się około półtora roku temu, kiedy choreograf Aleksander Andrijashkin żartobliwie zasugerował, aby manager PR jednej z najsłynniejszych rosyjskich grup tanecznych, Dialogue Dance, wyszedł na scenę i porozmawiał o tańcu współczesnym. Początkowo żart przerodził się w negocjacje, laboratorium, a następnie w próbę i pełnoprawne przedstawienie, w którym główną i jedyną rolę odgrywa nie profesjonalny artysta, ale osoba, która jest stale w pobliżu, ale pozostaje w tyle sceny.
W efekcie stajemy się świadkami małego cudu – w ciągu godziny, na naszych oczach, zwykły pracownik biurowy wchodzi na scenę i za pomocą słów i ruchów odgrywa sceny z życia, dzieli się doświadczeniami i zadaje pytania daleko wykraczające poza ramy tańca. Jeśli spróbujesz sprowadzić wszystko do jednego zdania, otrzymasz coś w stylu: „Dlaczego wszyscy nadal robimy to, co robimy?”. Ale w spektaklu nie chodzi o nudę i obsesyjną introspekcję, ale o krok, który każdy powinien podjąć. Przynajmniej raz w życiu.

„Ważne i interesujące było dla mnie połączenie doświadczenia tanecznego, teatralnego i performatywnego, ale w taki sposób, że na końcu był to tylko spektakl. Nie tylko osoba-dokument na scenie, ale zrozumienie artystyczne, wypowiedź zrealizowana metodami artystycznymi. Oznacza to, że wykonanie w końcu stanie się ważniejsze niż dokument, a nie odwrotnie. I w tym sensie miałam szczęście do Marusyi, jej perfekcjonizmu i postawy. To, że dla niej to pierwsze doświadczenie, dla mnie to raczej działało jako nieumiejętność zaplanowania czasu próby. Wydaje ci się, że teraz popracujemy nad tą częścią przez dwadzieścia minut, a potem pojedziemy dalej, a tym razem zajmuje to trzy godziny i całą siłę. Ale jednocześnie, jeśli starannie i żmudnie pracujesz ze swoim zainteresowaniem i umiejętnościami, to dzięki pewnym narzędziom osoba, która wcześniej ich nie opanowała, jest w stanie złożyć cenne oświadczenie. I w rezultacie jesteśmy obecni przez godzinę, ogólnie rzecz biorąc, przy małym cudzie, kiedy na scenę wchodzi osoba, która tak naprawdę siedziała w biurze i nagle robi wszystko - ciągnie temat, utrzymuje formę, trzyma swoją uwaga tak bogata, że ​​ja i ja czasami zapominamy, że Marusya nie jest profesjonalistką."

Aleksander Andrijashkin

cytaty

Naukowcy twierdzą, że umiejętność śmiania się z siebie przedłuża życie. Jeśli tak, to ten spektakl jest kluczem do długowieczności rosyjskiego tańca współczesnego. "the_Marusya" jest żartem, zmiennokształtnym, w którym menedżer staje się artystą, a artyści stają się producentami. PR-manager zespołu tanecznego „Dialogue Dance” Marusya Sokolnikova po raz pierwszy w życiu występuje jako solowy wykonawca i tancerka. Jak na ironię nad incydentami w kuchni za kulisami, nad kliszami, jakie rosyjski taniec współczesny zdołał przyswoić w swoim nie tak długim życiu, zastanawia się nad poważnymi sprawami. O człowieku na rozdrożu, o pasji do biznesu i zmęczeniu z zawodu. O lękach i wątpliwościach. O słuszności i odwadze pewnego dnia, by nagle wszystko wywrócić do góry nogami. (Magazyn „Twój wypoczynek”)

Sokolnikova pracuje całkowicie bez strachu, ale czuje miarę. Mówi za siebie, trochę flirtuje z widzem, rzuca lawinę uroku na publiczność, przypomina bohaterkę Nonny Mordyukovej z filmu ” prosta historia”, który został wybrany na przewodniczącego kołchozu. Marusya nie ma nic do ukrycia, Marusya rozumie, że to nie bogowie palą garnki. się, jest napisane wyłącznie po to, by zwrócić na siebie uwagę, każdy potrzebuje piękna bajka o stworzeniu projektu, jeśli zaczniesz mówić prawdę, to twoje włosy się ruszą, tak naprawdę nikt nie wie „z czego wyrasta poezja”. Ale Marusya wie. (Sub-cult.ru)

formularz komentarza

Spektakl stał się jedną z najbardziej „gwiazd” na festiwalu i konkursie „Złota Maska” 2017 – o główną nagrodę teatralną nowoczesna Rosja był nominowany w pięciu nominacjach! A w trzech z nich „Rosyjski romans” naprawdę ma swoje „Maski”. Spektakl został nagrodzony za najlepszą inscenizację dramatyczną w dużej formie, a także za najlepszą rolę kobiecą (zagrała Zofia Andriejewna Tołstaja Artysta ludowy Rosja Evgeny Simonov i za pracę dramaturga (Marius Ivashkevicius).

Scena ze spektaklu "powieść rosyjska"

... Bez względu na to, jak bardzo chcesz zobaczyć słynny spektakl, o którym dużo mówiono w teatralnej Moskwie, ale kiedy czytasz w programie, że „Rosyjski romans” trwa trzy i pół godziny, trochę się wzdrygasz - jak długo to trwa!..

Ale pod koniec pierwszego aktu seria następujących po sobie odcinków już chwyta i fascynuje, więc nie podążasz już za czasem.

W przestrzeni sceny, zaaranżowanej nieco ascetycznie, działa wiele postaci. Brakuje tylko samego Tołstoja. Choć zakłada się niewidzialną obecność klasyka i prowokuje resztę – do słów, czynów, napadów złości i rewelacji. Nawet portret klasyka jest tylko w programie teatralnym. To prawda, że ​​popiersie papieża-geniusza jest odgadywane w tym, co próbuje wyrzeźbić, a potem Lew Tołstoj Jr. rozbija się na strzępy - kolejny główny bohater„Powieść rosyjska”. Sam pisarz nie pojawia się na scenie.

„Powieść rosyjska”, scena ze spektaklu

ZDJĘCIE: Zdjęcie prasowe „Złota Maska” na Łotwie

Ale główny Tołstoj w każdym momencie przedstawienia jest gdzieś blisko i niedaleko, choć pozostaje niewidoczny. Ale to wokół niego gotują się namiętności. główny bohater zostaje żoną rosyjskiego geniusza Sofii Andreevny, wypartej z życia męża i przeżywającej rodzinny dramat, który prawie pozbawił ją rozumu.

Akcja nie ogranicza się do faktów biograficznych, wpisów do pamiętników i świadectw współczesnych o życiu rodziny Tołstojów, które stanowią podstawę spektaklu. w fantastyczny sposób splecione z domownikami i postacie literackie dzielenie z nimi przestrzeni życiowej na scenie.

Anna Karenina i Kitty, Wroński i Lewin pojawiają się na scenie obok Sofii Andreevny. Wygląda na to, że żona geniusza jest zazdrosna o męża nie tylko o wieśniaczki i jego osobistą sekretarkę – „przyjaciela rodziny” Władimira Czertkowa (w tej roli znakomicie gra aktorka Tatiana Orłowa) – ale także o bohaterki wymyślone przez pisarza .

W końcu wątki jego powieści i życie Tołstoja i jej własne życie są tak splecione, że rzeczywistości nie da się odróżnić od fikcji...

„Rosyjski romans”, w roli Anny Kareniny, aktorki Miriam Sekhon

ZDJĘCIE: Zdjęcie prasowe „Złota Maska” na Łotwie

W końcu pisarze nie tylko pożyczają z życia podstawy postaci literackich i fabuły. Zdarza się, że ich własna fikcja dodatkowo ingeruje w ich prawdziwe życie, zmieniając ją, deformując relacje, burząc drogie marzenia, złudzenia, nadzieje. Pomysł popularnego litewskiego dramatopisarza Mariusza Iwaszkiewicza, który swoją pierwszą sztukę napisał po rosyjsku, składa się z fabuł.

„Nasza wydajność jest bardzo wszechstronna. Niektórym ta forma współistnienia żywych ludzi i postaci literackich może wydawać się skomplikowana, ktoś jej po prostu nie akceptuje. Ale to pojęcie Ivaskevicius jest genialne” – mówi Evgenia Simonova, Artystka Ludowa Rosji.

W związku z tym gra Sofię Andreevnę jako postać tragiczną, pod pewnymi względami równą Tołstojowi. Ani na chwilę na scenie bohaterka Simonovej jawi się widzowi jako banalna histeryczka...

Czy to usprawiedliwienie dla żony geniusza, wielokrotnie potępianej przez opinię Tołstojaków i potomków, którzy niebawem mają być osądzeni za domowe piekło, w którym oboje małżonkowie musieli egzystować?

Wielu przyznało, że to działa teatr. Wł. Majakowski kazał im przemyśleć swój osobisty stosunek do żony Tołstoja. „Rosyjski romans” to spektakl wielowymiarowy w tym sensie, że każdy z widzów wydobywa coś własnego, co jest absolutnie zgodne z jego osobistymi dramatami i radościami.

Nawiasem mówiąc, festiwal „Rosyjski romans” „Złota Maska” na Łotwie pokazuje nie tylko mieszkańców Rygi. 12 października spektakl zostanie zagrany w teatr Ventspils Jūras Vārti, a 14 października w Teatrze Liepaja.

Foto: Publikuje foto

Ryga, Liepaja i Ventspils zobaczą w październiku najlepszy rosyjski spektakl sezonu 2015-2016 - „Rosyjski romans” Moskiewskiego Teatru Akademickiego im. Majakowskiego.

Na ostatnia ceremonia wręczenie rosyjskiej narodowej nagrody teatralnej „Rosyjski romans” okazało się prawdziwym triumfem - otrzymał „Złotą Maskę” w trzech kategoriach jednocześnie: „Dramat / przedstawienie w dużej formie”; „Rola kobieca” (Evgenia Simonova) i „Dzieło dramaturga” (Marius Ivashkyavichyus).

Foto: Publikuje foto

Decyzja jury nie była dla nikogo zaskoczeniem. Zaraz po premierze „Russian Romance” zyskał reputację znaczącej produkcji, z wybitnymi osiągnięciami aktorskimi (swoją drogą, oprócz Evgenii Simonovej, Tatiana Orłowa, która grała w spektaklu jednocześnie dwie role drugoplanowe) i znakomitą scenografią (zaprojektowany przez legendarnego projektanta teatralnego Siergieja Barkhina). Ale przede wszystkim publiczność i krytykę uderzyło to, że przedstawienie poświęcone Lwu Tołstojowi zostało stworzone w Moskiewskim Teatrze Akademickim im. Majakowskiego przez dwóch Litwinów: reżysera Mindaugasa Karbauskiego i dramaturga Mariusza Iwaszkiowicza. I że wielkiego rosyjskiego pisarza nie było na liście aktorów.

„Początkowo Lew Tołstoj istniał również jako postać w naszym kraju” – przyznał później Iwaszkiewicz – „Kiedyś uderzyła mnie ich historia o Sofii: to Romeo i Julia, odpowiednio 82 i 67 lat. Takie szekspirowskie pasje między ludźmi w bardzo zaawansowanym wieku… Ale wkrótce Zofia zajęła całą przestrzeń spektaklu, uniemożliwiając pojawienie się Lwa Nikołajewicza.

Foto: Publikuje foto

Ale obok Sofii Andreevny na scenie pojawili się Anna Karenina i Kitty Szczerbatskaja, Wroński i Lewin. Żona geniusza próbuje dowiedzieć się, czyja historia jest najważniejsza - bohaterki wymyślone przez jej męża lub jej własne, ale praca Tołstoja i jego życie są tak splecione, że rzeczywistości nie można już odróżnić od fikcji, a to doprowadza Sofię Andreevnę do krawędź szaleństwa ...

„Nasz spektakl jest bardzo wielowymiarowy. Dla niektórych ta forma, w której współistnieją żywi ludzie i postaci literackie, może wydawać się skomplikowana, ktoś po prostu tego nie akceptuje. Ale ten pomysł Iwaszkiewicza jest genialny” – mówi Artysta Ludowy Rosja Evgenia Simonova, która gra postać Sofii Andreevny w czymś na miarę Tołstoja.

Foto: Publikuje foto

„Rosyjski romans” to rodzaj sagi rodzinnej, wariacja na temat powieści „Anna Karenina”, w której Lew Nikołajewicz Tołstoj występuje nie tylko jako autor swojego arcydzieła, ale także jako autor własnego dramatu rodzinnego. Istnieją powieści oparte na życiu autora. Ale są tacy, którzy budują życie autora w przyszłości. Albo go łamią. I wtedy, w tym połączeniu rzeczywistości i sztuki, autor staje się najtragiczniejszą postacią swoich dzieł”. Tym cytatem Mariusa Ivashkevičiusa, najsłynniejszego litewskiego dramatopisarza, który jako pierwszy napisał sztukę po rosyjsku i otrzymał Złotą Maskę na to, Teatr Akademicki im. Majakowskiego w Moskwie prezentuje na swojej stronie „powieść rosyjską”.

Widzowie wszystkich trzech miast, w których odbywa się festiwal Złota Maska na Łotwie, będą mogli obejrzeć „Rosyjski romans”: 10 października – w Rydze, na scenie Dailes Theatre, 12 października – w Ventspils Theatre House Jūras Vārti , a 14 października - w teatrze Liepaja.

Komplementariuszami „Złotej Maski na Łotwie” od 12 lat są firmy „Severstal” i Rietumu Banka. Festiwal jest wspierany przez Ministerstwa Kultury Republiki Łotewskiej i Federacji Rosyjskiej, Ambasady Republiki Łotewskiej i Federacji Rosyjskiej, Państwowy Fundusz Kultury Kulturalnej Łotwy, Radę Miejską Rygi, Radę Miejską Liepaja, Rada Miejska Ventspils i Urząd Wolnego Portu Rygi. Generalnym partnerem medialnym jest Pierwszy Kanał Bałtycki Partnerem festiwalu jest legendarna ormiańska brandy „ARARAT”.

11.10.2017

najpopularniejszy teatr Rosyjski festiwal od dawna podbija serca łotewskich koneserów rosyjskiego sztuka teatralna. Bilety na wszystkie spektakle są wyprzedane na kilka miesięcy przed otwarciem sezonu, spektakle odbywają się nie tylko w Rydze, ale także w Lipawie i Windawie mi.

Mieszkańcy Rygi, którzy nie mieli czasu na zakup biletów w stolicy Łotwy, w ten weekend jadą dwieście kilometrów samochodem do tych miast z jednym celem - zobaczyć „Rosyjski romans” wystawiony przez Teatr Moskiewski. Majakowski.

A wcześniej ryska publiczność doceniła premierowy spektakl Państwowego Teatru Narodów - „Iwanow”, z udziałem Jewgienija Mironowa, Elizavety Boyarskiej, Chulpana Chamatowej i innych aktorów. I nie mogłem się doczekać nowego - "Russian Romance", najbardziej gwiezdnego występu obecnego festiwalu, który w zeszłym roku zdobył jednocześnie trzy Złote Maski w nominacjach "Dramat", "Najlepsza aktorka" (Evgenia Simonova) i " Najlepsze dzieło dramaturga” (Marius Ivaskevicius). Teatr Majakowskiego nie zawiódł, po raz kolejny potwierdzając swoją sławę jako jednego z najbardziej odważnych i interesujących kreatywne zespoły Moskwa.

Po południu, na kilka godzin przed pojawieniem się artystów na scenie stołecznego Teatru Daile, dziennikarze mogli porozmawiać z twórcami spektaklu i aktorami trupy.

Konferencja prasowa przed spektaklem „Rosyjski romans”, Ryga. Zdjęcie autora

Dramat „Rosyjski romans” o trudnym losie Zofii Andreevny – żony wielkiego rosyjskiego geniusza Lwa Tołstoja – napisał stosunkowo młody, ale już dość znany nie tylko na Litwie, ale i w Rosji dramaturg Marius Ivashkevicius . To nie jest jego pierwsza sztuka, stworzona specjalnie dla teatru. Majakowski, którego dyrektor artystyczny od siedmiu lat jest popularny w Moskwie (nawiasem mówiąc, także rodem z Litwy) Mindaugas Karbauskis.

Zapytany, czy litewski reżyser czuje się bardziej w Rosji – Scytem czy Waregą, Mindaugas przyznał, że nie ma wielkiego wyboru. Pod koniec studiów w GITIS był cały czas poszukiwany i prawie nigdy nie siedział bezczynnie przez jeden dzień. W przeciwnym razie oczywiście wróciłbym na Litwę.

– Tak się zdarzyło w moim życiu, że urodziłem się w rejonie Siauliai, od dzieciństwa dość dobrze znałem język rosyjski, brałem nawet udział w olimpiadach w szkole, – mówi Mindaugas Karbauskis. – Język rosyjski był w moim życiu bardzo ważny. Na Litwie uczono nas szacunku do języka litewskiego, do słowa w ogóle. Byliśmy tak dręczeni różnymi językowymi subtelnościami i niuansami, że sami mogliśmy uczyć tego przedmiotu w szkole! Dlatego zrozumiałem język rosyjski jako naukę ...

Mimo to, choć zarówno reżyser, jak i dramaturg bardzo płynnie posługiwali się językiem rosyjskim, to według nich oczywiście podjęcie interpretacji dzieł największego rosyjskiego geniuszu było dla dwóch Litwinów dużym ryzykiem. " Zrozumiałem, że może się to przerodzić w wielkie fiasko, nawet pomimo wyniku. Odrzucenie może wynikać z samego faktu, że obcy przyjmują na siebie najświętszą rzecz, jaka jest w kultura rosyjska, – podzielił się reżyser. – Ale muszę powiedzieć, że Moskwa i Rosjanie teatralny świat traktował nas bardzo tolerancyjnie i sądząc po recenzjach i opiniach publiczności, a także po nagrodach, nasza przygoda z Mariusem została bardzo dobrze przyjęta.

Marius Ivashkevicius powiedział, że rozpoczął pracę nad nową sztuką od całkowitego zanurzenia się w języku rosyjskim. Ale nie ten, którym sam mówi całkiem dobrze, ale ten - Tołstoj, język jego epoki, jego wewnętrzny krąg, jego bohaterowie literaccy. Ten przypadek okazał się niełatwy. Odgarnął mnóstwo materiałów, skrupulatnie przestudiował pamiętniki Sofii Andreevny, jej listy, notatki przyjaciół Lwa Tołstoja i jego powierników. Jeden dzień mieszkał w Jasna Polana, wyobrażał sobie z różnych punktów widzenia, próbując niemalże widocznie zobaczyć żonę geniusza, jego dzieci, ich służących i innych mieszkańców posiadłości... A potem zupełnie inaczej zobaczył całą głębię cierpienia Sofii Andreevny, która została zmuszona do dzielenia się swoim ukochanym mężem z całym światem, ojcem jej 13 dzieci, z których pięcioro zmarło w dzieciństwie.

Scena ze spektaklu „Rosyjski romans”. Zdjęcie: ru.sputniknewslv.com

Zagłębiając się coraz bardziej w losy swoich bohaterów przyszła gra, jego autor niespodziewanie „natknął się” na syna Lwa Tołstoja, nazwanego na cześć jego ojca – Lwa. Marius studiował jego biografię, zapoznał się z jego utopijnymi dziełami. Lew Tołstoj – młodszy nie miał talentu ojca. I to stało się tragedią całego jego życia, podczas którego szukał, jak się zrealizować, a także zostać geniuszem… niestety, zawiódł. Ale Lyovushka stała się postacią w rosyjskiej powieści.

Nawiasem mówiąc, była to pierwsza sztuka napisana przez litewskiego dramaturga w języku rosyjskim. Wcześniej pisał w swoim ojczystym języku, potem przekazywał teksty tłumaczowi Georgy Efremovowi, któremu ufał iz którym potem wszystko dokładnie sprawdzali i rozpisywali.

– Dla mnie to spektakl o tym, jak twórczość zaczyna wpływać na swojego twórcę, choć zwykle dzieje się na odwrót,- powiedział Mariusz Iwaszkiewicz. „Tu widziałem proces odwrotny. Kiedy Tołstoj pisał „Annę Kareninę”, żył prawie idealnie życie rodzinne. Po tej powieści o nieszczęśliwej rodzinie jego własne małżeństwo nagle zaczyna staczać się w otchłań. Powieść okrutnie mści się na autorze, wkracza w jego życie, a sam autor staje się powtarzającą jej drogę Anną Kareniną. Dla mnie było to odwrotność pracy Tołstoja, która wydawała mi się ciekawsza niż cokolwiek innego...

Podczas spektaklu aktorzy odgrywają kilka ról. Aktorka Tatiana Orłowa, którą znamy z kina jako odtwórczyni ról surowych, a nawet brutalnych kobiet, dostała w Rosyjskim romansie dwie postacie, z których według niej była nieskończenie szczęśliwa.

- Podziwiam tego reżysera, jego talent i ludzkie cechy tak bardzo, że nie obchodzi mnie, co gra. Nawet noga z krzesła. W tej sztuce gram wieśniaczkę - kochankę Tołstoja, aw drugiej - przyjaciela Tołstoja, 55-letniego Czertkowa. Tak, męska rola - ale co to jest? Grałem już w sztuce prawnika, więc oferta mnie nie zaskoczyła. Praca z Mindaugasem była bardzo łatwa i przyjemna. Do naszego teatru przyszedł reżyser, który nie jest niegrzeczny, nie krzyczy, nie poniża. Jestem całkowicie zachwycony, że współpracowałem z tym reżyserem przy jego przedstawieniu. Dwie role! Mogę zagrać w trzecią, mogę udawać walizkę. Na litość Boską!

Złota Maska to jedno z głównych wydarzeń kulturalnych na Łotwie. Zdjęcie autora

Miriam Sekhon, która grała w rosyjskiej powieści nie tylko Annę Kareninę, ale także damę z towarzystwa i wiejską dziewczynę, w pełni podzielała zachwyt koleżanki z warsztatu teatralnego.

- To był dla mnie ogromny dar losu - pracować w takim Teatr Bolszoj i z tak niesamowitym reżyserem, - powiedziała aktorka. - Wiesz, kiedy pierwszy raz oglądałem „Talenty i wielbicieli” w Majakowskim, w drugiej części tak szlochałem, że nie mogłem przestać… To było tak mocne i cudowne! „Powieść rosyjska”, którą pokazaliśmy w różnych miastach Rosji, w Azerbejdżanie, w Izraelu, wszędzie na zakończenie spektaklu publiczność owacjami na stojąco. Kobiety płaczą, bo w sztuce są bardzo głębokie rzeczy – o rodzinie, o miłości. Zadziwiająco przedstawiona jest historia Anny Kareniny, która być może pozostawia nam przymierze miłości. Jej śmierć to nie tylko samolubny wybór, ale próba porzucenia miłości, gdy jest w niej najwyższy punkt…

Na pożegnanie zapytałem Mariusza Iwaszkiewicza, bo ten cały trudny materiał dramatyczny musiał przepuścić przez siebie na prośbę reżysera, kim był w chwili, gdy pisał o cierpieniach Zofii Andreevny i Anny Kareniny? Czy to nie Tołstoj?

„Początkowo Lew Nikołajewicz był również obecny w sztuce jako postać” – powiedział. – Uderzyła mnie historia ich związku z żoną, takie szekspirowskie namiętności między osobami w podeszłym wieku… Ale tak się złożyło, że Sofya Andreevna wypełniła sobą całą przestrzeń spektaklu, a Lew Tołstoj musiał pozostać w roli obserwatora. Jest tam niewidoczny. A ja też byłem obserwatorem, w tym sensie – tak, byłem Tołstojem.

A wieczorem w Rydze odbył się „Rosyjski romans”, w którym gwiazda i czołowa aktorka teatru imienia I. Majakowski Evgenia Simonova, która podbiła serca ryskiej publiczności swoim talentem, niesamowitą charyzmą, miłością - ogromną i głęboko nieszczęśliwą. Na sympatię mieszkańców Rygi, sądząc po aplauzie i ciepłych reakcjach na portalach społecznościowych, zasłużyła również Tatiana Orłowa, która zadziwiła publiczność błyskotliwą przemianą w męską esencję.