Stefano Torelli. "Portrait du couronnement de Catherine II"

Diego Velazquez (?), copie de l'original de Rubens, Portrait équestre de Philippe IV

Portrait de cérémonie, portrait représentatif- un sous-type de portrait, caractéristique de la culture de cour. A reçu un développement spécial dans la période de l'absolutisme développé. Sa tâche principale n'est pas seulement de transmettre une similitude visuelle, mais aussi d'exalter le client, en comparant la personne représentée à une divinité (dans le cas de la représentation d'un monarque) ou à un monarque (dans le cas de la représentation d'un aristocrate).

Caractéristique

En règle générale, il s'agit de montrer à une personne pleine hauteur(à cheval, debout ou assis). Dans un portrait formel, la figure est généralement donnée sur un fond architectural ou paysager; une plus grande élaboration le rapproche de l'image narrative, ce qui implique non seulement des dimensions impressionnantes, mais aussi une structure figurative individuelle.

L'artiste représente un modèle, focalisant l'attention du spectateur sur le rôle social du représenté. Le rôle principal du portrait d'apparat étant idéologique, cela provoqua une certaine caractérisation unidimensionnelle : une théâtralité accentuée de la pose et un entourage assez magnifique (colonnes, draperies, insignes, symboles de pouvoir dans le portrait du monarque), qui éclipsé les propriétés spirituelles du modèle. Néanmoins, dans les meilleures œuvres du genre, le modèle apparaît dans une version emphatiquement donnée, qui s'avère très expressive.

Le portrait d'apparat se caractérise par une franche démonstrative et la volonté « d'historiciser » le représenté. Cela affecte la gamme de couleurs, qui est invariablement élégante, décorative et répond aux caractéristiques coloristiques de l'intérieur (bien qu'elle change selon le style de l'époque, devenant locale et lumineuse dans le baroque, adoucie et pleine de demi-teintes dans le rococo, sobre dans Classicisme).

Sous-types

Selon les attributs, le portrait de face peut être :

• • Couronnement (trône moins courant)
  • équestre
  • Sous la forme d'un commandant (militaire)
  • Le portrait de chasse jouxte celui de devant, mais il peut aussi être de chambre.
    • Semi-cérémonial - a le même concept que le portrait formel, mais a généralement une coupe demi-longueur ou générationnelle et des accessoires assez développés

Établissement d'enseignement municipal

L'éducation supplémentaire enfants

"Enfants école d'art»

IMAGES FÉMININES DANS LES PORTRAITS DU XVIIIe SIÈCLE

(F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Terminé : classe 4-A de l'élève.

École d'art pour enfants MOU DOD Zelenogorsk

Grigorieva Anastasia Vladlenovna

Conseiller scientifique : enseignant

Histoire de l'art MOU DOD DKhSh

Solomatina Tatyana Leonidovna

Zelenogorsk

La place de la femme dans la société russe du XVIIIe siècle et l'art du portrait …………………………………………………………………………………… 3

L'image d'une femme russe dans un portrait art XVIIIème siècle…………4

2.1. Portrait féminin d'apparat de la première moitié du XVIIIe siècle :

2.1. Caractéristiques du portrait de face ;

2.2. ET MOI. Vishnyakov

2.3. DG Lévitski

Portrait féminin de chambre de la seconde moitié du XVIIIe siècle :

Caractéristiques d'un portrait de chambre

2.2.2. V.L. Borovikovski

2.2.3. F.S. Rokotova

Le portrait féminin du XVIIIe siècle est l'une des plus hautes réalisations du portrait russe…………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………

Liste de la littérature utilisée……………………………………17

Liste des illustrations………………………………………………………18

Candidatures……………………………………………………………….19

La place de la femme dans la société russe du XVIIIe siècle

Et l'art du portrait

DE début XVIII siècles, à partir d'une représentation plutôt primitive d'un visage humain, les artistes ont amené leurs compétences à une perfection extraordinaire. Apprendre des peintres étrangers, maîtres domestiques non seulement ont adopté leurs connaissances, mais les ont également dépassées et ont ajouté une saveur profondément russe à leur art (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Les portraits du début du siècle dépeignent principalement l'appartenance sociale d'une personne, ses meilleurs côtés, sa pompe, sa beauté parfois fictive. Mais tout au long du siècle, l'état, l'humeur du public, ainsi que l'attitude de l'artiste envers la personne représentée, ont beaucoup changé. Les maîtres ne se fixent plus pour tâche de faire ressembler le portrait à un modèle. Ils n'étaient pas tellement intéressés par la solennité de la présentation, mais par le monde intérieur d'une personne, son essence, sa prédisposition à la spiritualité. À fin XVIII siècle, les peintres traduisent l'âme de leurs modèles, les humeurs les plus subtiles, la variabilité des personnages.

Le but de mon travail est de prouver cette tendance, c'est-à-dire une transition progressive des caractéristiques externes d'une personne au transfert de son état interne.

Pour résoudre ce problème, je me suis concentré sur le travail de portrait des artistes russes exceptionnels suivants :

ET MOI. Vishniakova;

F.S. Rokotova ;

DG Lévitsky ;

V.L. Borovikovski.

Pour caractériser le travail de portrait de ces artistes, j'ai utilisé un éventail assez large de sources dont la liste est donnée à la fin de l'ouvrage. Parmi les livres que j'ai utilisés, il y a des ouvrages sur l'art de la période choisie (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), ainsi que des monographies consacrées à l'œuvre de artistes individuels (2,3, 9,13,15).

L'image d'une femme russe dans l'art du portrait du XVIIIe siècle

Portrait féminin d'apparat de la première moitié du XVIIIe siècle

Le rôle principal dans la peinture de la première moitié du XVIIIe siècle appartenait au portrait. L'art du portrait s'est développé en deux genres : d'apparat et de chambre.

Caractéristiques du portrait de face

Le portrait d'apparat est en grande partie un produit du style baroque, avec sa lourde splendeur et sa sombre grandeur. Sa tâche est de montrer non seulement une personne, mais une personne importante dans toute la splendeur de sa position hautement sociale. D'où la profusion d'accessoires destinés à souligner cette position, la splendeur théâtrale de la pose. Le modèle est représenté sur fond de paysage ou d'intérieur, mais certainement au premier plan, souvent en pleine croissance, comme s'il supprimait l'espace environnant avec sa grandeur. (12)

C'est avec des portraits d'apparat que l'un des principaux portraitistes de cette époque, I.Ya. Vishnyakov.

"L'œil" impeccable de l'artiste et son goût impeccable ont placé Vishnyakov parmi les meilleurs portraitistes de l'époque. Non sans raison, il a été autorisé non seulement à copier, mais aussi à peindre des portraits des personnes régnantes, puis à les "reproduire" pour de nombreux palais, institutions publiques et des dignitaires privés. (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn.html)

L'artiste aimait le luxe décoratif des tenues d'apparat de son époque, leur théâtralité et leur festivité. Avec admiration, il transmet la matérialité et l'objectivité du monde, écrit avec soin et amour des costumes étonnants du XVIIIe siècle, avec leurs tissus aux motifs complexes, aux couleurs et textures variées, avec les plus belles broderies et dentelles et décorations. En tant que maître décorateur, Vishnyakov crée une gamme de couleurs exceptionnelle. Et bien que le motif semble se superposer aux plis rigides des vêtements, il est tangible, et ressemble, selon l'historienne de l'art T.V. Ilyina, (6) à la source « le champ d'une luxueuse miniature russe ancienne du XVIIe siècle ». ou ornement floral fresques de cette époque. Et surtout cette richesse du monde matériel, les visages des gens regardent et respirent.

En 1743, Vishnyakov a peint un portrait de l'impératrice Elizabeth - représentant, ces magnifiques. Elizabeth - dans une couronne, avec un sceptre et un hurlement, dans une luxueuse robe moirée brillante. Il est curieux que ce portrait ait été tellement apprécié que Vishnyakov a été chargé de continuer à concilier le style des autres portraits d'Elizabeth, quel qu'il soit - il est devenu, pour ainsi dire, l'arbitre suprême en matière d'iconographie impériale. Pendant ce temps, lui-même, malgré la splendeur de la situation en contraste avec elle, dépeint Elizabeth comme une femme ordinaire - sang et lait, une beauté russe aux sourcils noirs et vermeil, plus amicale et accessible que majestueuse ou royale. S'étant approprié les attributs du pouvoir, Elizabeth ne s'y est jamais habituée. Quelque chose de simple, chaleureux, souriant-rustique, bien sûr, non sans ruse ni sans esprit, a toujours été préservé dans son apparence, et Vishnyakov l'a définitivement ressenti.

Les portraits d'enfants de Vishnyakov étaient les mieux obtenus.

L'un des plus intéressants est le portrait de Sarah Fermor. (ill.3) Il s'agit d'une image formelle typique de cette époque. La jeune fille est représentée en pied, à la jonction d'un espace ouvert et d'un fond de paysage avec une colonne obligatoire et un lourd rideau. Elle porte une robe élégante, un éventail à la main. Sa posture est contrainte, mais dans cette solennité glacée il y a beaucoup de poésie, un sentiment de vie frémissante, attisé par un grand art et une grande chaleur d'âme. Le portrait combine, ce qui est typique pour Vishnyakov, des traits apparemment fortement contrastés: on peut y sentir la tradition médiévale russe encore vivante - et l'éclat de la forme de la porte d'entrée. Art européen 18ème siècle La figure et la pose sont conditionnelles, la toile de fond est interprétée de manière plate - c'est ouvert paysage décoratif, - mais le visage est sculpté en volume. L'écriture exquise de la robe gris-vert-bleu frappe par la richesse de la peinture multicouche et a une tradition d'aplatissement. Il est véhiculé illusoirement-matériellement, on devine même le type de tissu, mais les fleurs sont éparpillées le long du moiré sans tenir compte des plis, et ce "motif" repose sur le plan, comme dans une vieille miniature russe. Et au-dessus de tout le schéma du portrait d'apparat - et c'est là le plus étonnant - le visage sérieux et triste d'une petite fille au regard pensif vit une vie intense.

La solution de couleur - peinture argentée, rejet des taches locales lumineuses (ce qui était en fait caractéristique du pinceau de ce maître) - est due à la nature du modèle, fragile et aéré, semblable à une fleur exotique. (http:/ /www.bestreferat.ru /referat-101159.html) À partir d'une tige, sa tête pousse sur un cou fin, les bras sont abaissés impuissants, plus d'un chercheur a écrit sur la longueur excessive de ceux-ci. C'est bien vrai si l'on considère le portrait sous l'angle de la justesse académique du dessin : on constate que les mains étaient généralement plus difficiles pour les maîtres qui n'ont pas reçu une éducation "éducative" systématique, qui étaient les artistes du milieu de du XVIIIe siècle, et Vishnyakov en particulier, mais leur longueur souligne également harmonieusement la fragilité du modèle, ainsi que les arbres fins en arrière-plan. Sarah Farmer ne semble pas incarner le vrai 18e siècle, mais l'éphémère 18e siècle, mieux exprimé dans les sonorités bizarres du menuet, dont on ne faisait que rêver, et elle-même, sous le pinceau de Vishnyakov, est comme un rêve devenu réalité .

Vishnyakov a réussi à combiner dans ses œuvres l'admiration pour la richesse du monde matériel et un sens élevé de la monumentalité, non perdu dans le souci du détail. Chez Vishnyakov, ce monumentalisme remonte à l'ancienne tradition russe, tandis que l'élégance et la sophistication de la structure décorative témoignent d'une excellente maîtrise des formes de l'art européen. La combinaison harmonique de ces qualités fait d'Ivan Yakovlevich Vishnyakov l'un des artistes les plus brillants d'une période de transition aussi complexe dans l'art, qui était en Russie au milieu du XVIIIe siècle.

DG Lévitski

Dans l'œuvre de Levitsky, un portrait d'apparat occupe une grande place. Ici, la décoration inhérente à sa peinture se révèle dans toute sa splendeur.

Dans les portraits cérémoniels de la période de maturité, Levitsky est libéré de la rhétorique théâtrale, ils sont imprégnés d'un esprit de gaieté, d'un sentiment de vie festif, d'un optimisme brillant et sain.

Une attention particulière doit être accordée aux grands portraits de cérémonie (en pied) qui forment un ensemble décoratif unique d'élèves de l'Institut Smolny pour Noble Maidens.

"Portrait de Khovanskaya et Khrushchova", 1773, Musée russe (Fig. 8)

Sur ordre de Catherine II, Levitsky a peint un certain nombre de portraits d'élèves de l'Institut Smolny pour Noble Maidens. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Les deux filles représentées dans ce portrait jouent des rôles de l'opéra comique "Caprices of Love, or Ninetta at Court" sur la scène de l'institut.

Khrushchova, célèbre sur les hanches, touche de manière ludique le menton de sa petite amie. Un sourire moqueur joue sur le visage laid mais très expressif de la jeune fille. Elle joue avec confiance le rôle masculin. Sa partenaire, Khovanskaya, regarde timidement le "cavalier", sa confusion se lit dans le tour maladroit de sa tête, dans l'impuissance de sa main sur le satin brillant de la jupe. On y voit des scènes de paysage représentant un parc à l'anglaise, des ruines classiques, la silhouette d'un château. Sur la gauche, un arbre tentaculaire est l'arrière-plan de la figure de Khrushchova, sur premier plan- un faux monticule qui couvre la lumière supplémentaire du public. Les filles sont éclairées par la lumière de la rampe, c'est pourquoi les ombres au sol et les contours des personnages sont si distincts. Khrouchtcheva porte une camisole en soie gris foncé ornée d'un galon d'or. Dans le théâtre de l'institut, où les garçons ne se produisaient jamais, Khrushchova était considérée comme une interprète inégalée de rôles masculins. Mais après l'institut, son destin a échoué et elle n'a pas pu prendre une place importante dans le monde. Et Katya Khovanskaya commencera à attirer l'attention de tous, deviendra l'épouse du poète Neledinsky-Meletsky et la première interprète de chansons écrites par son mari.

"Portrait de Nelidova" 1773 (Fig. 7)

C'est le plus ancien des goudrons. Alors qu'elle étudiait encore à Smolny, elle s'est fait connaître pour ses excellentes performances sur scène, elle a particulièrement brillé dans la danse et la chanson. Dans le portrait, elle joue un rôle dans la pièce "The Servant - Mistress". Elle est déjà consciente de son propre charme, elle a besoin de plaire, les compétences du comportement théâtral sont parfaitement maîtrisées. La figurine se tenait en toute confiance dans une pose de ballet, la poignée soulève gracieusement le tablier en dentelle, des rubans roses ornent le chapeau de paille du berger - tout crée une sensation de poupée en porcelaine. Et un visage vif, des yeux rieurs, un sourire expliquent que tout ceci n'est qu'un jeu. Sur le fond se trouvent des touffes d'arbres vert tendre, des nuages ​​élégants et légers

Portraits de E. I. Nelidova (1773), (Il. 7) E. N. Khrushchova et E. N. Khovanskaya (1773), (Il. 8), G. I. Alymova (1776) (Ill. 2) et autres. La structure figurative de ces œuvres est associée à la caractéristique du portrait d'apparat du XVIIIe siècle. l'image d'une femme comme un être "enjoué, n'aimant que le rire et l'amusement". Mais sous le pinceau de Levitsky, cette formule générale était remplie d'un contenu vital réaliste et convaincant.

Haut classicisme en peinture - "Catherine II - le législateur dans le temple de la déesse de la Justice" 1783, Musée russe. (Fig. 3)

Il s'agit d'une véritable ode picturale avec toutes les caractéristiques inhérentes à ce genre. Le personnage est l'impératrice, en grande tenue, juste, raisonnable, souveraine idéale. L'impératrice est présentée dans une robe blanche argentée scintillante de coupe stricte avec une couronne de laurier sur la tête et une ceinture sur la poitrine. Elle porte un lourd manteau tombant de ses épaules et soulignant la grandeur de l'impératrice.

Catherine est représentée sur fond d'un rideau solennel, enveloppant de larges colonnes et un piédestal à larges plis, sur lequel est posée une statue de Thémis, la déesse de la justice. Derrière la colonnade, derrière une balustrade stricte, un ciel orageux et une mer avec des navires naviguant dessus sont représentés. Catherine étendit la main sur l'autel éclairé d'un geste large. Un aigle, l'oiseau de Zeus, est assis sur d'épais feuillets à côté de l'autel. La mer rappelle les succès de la flotte russe au XVIIIe siècle, le volume de lois que Catherine a créé la Commission législative, la statue de Thémis - sur la législation de l'impératrice glorifiée par les poètes. Mais ce n'est bien sûr pas l'apparence réelle de Catherine, mais l'image d'un monarque idéal, comme les Lumières voulaient le voir. Le tableau a été un grand succès et de nombreuses copies en ont été tirées.

V.L. Borovikovski

La particularité du portrait de cérémonie russe dans l'œuvre de Borovikovsky, conçu pour glorifier, tout d'abord, la position d'une personne dans une société de classes, était le désir de révéler le monde intérieur d'une personne.

"Catherine II pour une promenade dans le parc Tsarskoïe Selo" - un portrait de Catherine II par Vladimir Borovikovsky, peint dans le courant dominant du sentimentalisme, l'une des images les plus célèbres de l'impératrice.

Borovikovsky a peint un portrait inhabituel pour cette époque et imprégné de l'esprit d'un nouveau courant de sentimentalisme - contrairement au classicisme qui dominait à cette époque dans les portraits impériaux. Traits de caractère cette direction - l'idéalisation de la vie au sein de la nature, le culte de la sensibilité, l'intérêt pour la vie intérieure de l'homme. Le sentimentalisme se manifeste dans le rejet par l'auteur des intérieurs de grands palais et la préférence pour la nature, qui est "plus belle que les palais". « Pour la première fois dans l'art russe, l'arrière-plan d'un portrait devient un élément important dans la caractérisation d'un héros. L'artiste chante l'existence humaine dans l'environnement naturel, interprète la nature comme une source de plaisir esthétique.

Ekaterina, 65 ans, est représentée marchant dans le parc Tsarskoïe Selo, appuyée sur un bâton à cause de ses rhumatismes. Ses vêtements sont soulignés de manière informelle - elle est vêtue d'une robe de chambre, ornée d'un volant en dentelle avec un nœud en satin et d'un bonnet en dentelle, un chien s'ébattant à ses pieds. La souveraine n'est pas représentée par une déesse, mais par une simple "propriétaire terrienne de Kazan", qu'elle aimait faire apparaître dans les dernières années de sa vie comme une contemplative, sans aucune formalité, solennité et attributs cérémoniels. Le portrait est devenu une version domestique du type anglais du "portrait-walk". Dans la pénombre du parc, une jetée avec des sphinx est visible, des cygnes nagent dans le lac. Le visage du modèle est écrit de manière généralisée et conditionnelle, l'âge est adouci.

Ainsi, la «simplicité naturelle» pénètre dans le portrait d'apparat, outre le sentimentalisme, elle rapproche en partie l'image du classicisme des Lumières. Cependant, la posture de l'impératrice est pleine de dignité, le geste avec lequel elle désigne le monument à ses victoires est sobre et majestueux.

Contrairement à Ekaterina - Themis Levitsky, Ekaterina Borovikovsky - est représentée comme une "vieille dame" du "propriétaire terrien de Kazan" marchant dans le jardin avec son lévrier italien bien-aimé. Borovikovsky a créé un portrait inhabituel pour cette époque. Ekaterina est présentée en promenade dans le parc Tsarskoïe Selo en robe de chambre et casquette, avec son lévrier italien préféré à ses pieds. Pas Felice, pas une reine divine descendue du ciel, elle apparaît devant le spectateur, mais un simple «propriétaire terrien de Kazan», qu'elle aimait apparaître dans les dernières années de sa vie.

L'artiste a représenté la figure de Catherine avec une sympathie inégalée. Ce n'est pas une impératrice dans sa vieillesse, mais avant tout une personne, une femme, un peu fatiguée des affaires d'État, de l'étiquette de la cour, qui, dans ses temps libres, ne craint pas d'être seule, de se livrer à des souvenirs et d'admirer la nature . « Dans l'art russe, c'est le premier exemple de portrait royal essentiellement intimiste, se rapprochant d'une peinture de genre.

Cependant, même dans ce portrait intime, il y a un «motif emblématique d'une colonne« pilier »- la colonne Chesme (obélisque de Kahul - sur la version du portrait du Musée d'État russe), qui, malgré toute la sentimentalité de l'image de Catherine de toute l'intrigue du portrait, symbolise « la fermeté ou la constance », « l'esprit inébranlable », « l'espoir fort ». Les toiles de l'artiste sont très élégantes grâce à la mise en scène gracieuse des modèles, aux gestes gracieux et au maniement habile du costume.

Les portraits cérémoniels de Vishnyakov se caractérisent par un sens élevé de la monumentalité, non perdu dans le souci du détail. Chez Vishnyakov, ce monumentalisme remonte à l'ancienne tradition russe, tandis que l'élégance et la sophistication de la structure décorative témoignent d'une excellente maîtrise des formes de l'art européen.

La particularité du portrait de cérémonie russe dans l'œuvre de Borovikovsky, conçu pour glorifier, tout d'abord, la position d'une personne dans une société de classes, était le désir de révéler le monde intérieur d'une personne. Ses portraits sont imprégnés de l'esprit de la nouvelle tendance du sentimentalisme - contrairement au classicisme qui dominait à cette époque dans les portraits impériaux.

Levitsky était aussi doué pour les portraits de chambre que pour les portraits de cérémonie en pied.

Les portraits d'apparat de Levitsky révèlent l'effet décoratif inhérent à sa peinture dans toute sa splendeur.

Dans les portraits cérémoniels de la période de maturité, Levitsky est libéré de la rhétorique théâtrale, ils sont imprégnés d'un esprit de gaieté.

2. Caractéristiques du portrait de chambre de la seconde moitié du XVIIIe siècle :

Portrait de chambre - un portrait qui utilise une image demi-longueur, poitrine ou épaule de la personne représentée. Habituellement, dans un portrait de chambre, la figure est représentée sur un fond neutre.

Un portrait de chambre n'est pas seulement un ensemble de caractéristiques externes, c'est - nouvelle façon vision d'une personne. Si dans l'image cérémonielle le critère de la valeur d'une personnalité humaine était ses actes (dont le spectateur a pris connaissance par le biais d'attributs), alors dans la chambre une qualités morales viennent au premier plan.

Le désir de transmettre les qualités individuelles d'une personne et en même temps de faire une évaluation éthique d'elle.

Borovikovsky s'est tourné vers diverses formes de portrait - intime, cérémonial, miniature Vladimir Lukich Borovikovsky était l'artiste sentimental russe le plus frappant. Livre A.I. Arkhangelskaya "Borovikovsky" (3) raconte les principales étapes du travail de ce merveilleux artiste russe, qui était en russe beaux-Arts expression de la sentimentalité. Selon l'auteur, V. L. Borovikovsky est "un chanteur de la personnalité humaine, s'efforçant de donner l'idéal d'une personne telle que lui et ses contemporains l'imaginaient". Il fut le premier parmi les portraitistes russes à révéler la beauté de la vie émotionnelle. La place prédominante dans l'œuvre de Borovikovsky est occupée par les portraits de chambre.

Borovikovsky devient populaire parmi un large éventail de la noblesse de Saint-Pétersbourg. L'artiste dépeint des "clans" familiaux entiers - Lopukhins, Tolstoï, Arsenyevs, Gagarins, Bezborodko, qui ont répandu sa renommée par les canaux familiaux. Cette période de sa vie comprend des portraits de Catherine II, de ses nombreux petits-enfants, du ministre des Finances AI Vasiliev et de sa femme. Les toiles de l'artiste sont très élégantes grâce à la mise en scène gracieuse des modèles, aux gestes gracieux et au maniement habile du costume. Les héros de Borovikovsky sont généralement inactifs, la plupart des modèles sont intoxiqués par leur propre sensibilité. Ceci est exprimé par le portrait de M.I. Lopukhina (1797) et le portrait de Skobeeva (milieu des années 1790), et l'image de la fille de Catherine II et A.G. Potemkin - E.G. Temkina (1798) .

«Le portrait de M.I. Lopukhina (Fig. 7) (5) appartient à l'époque où, parallèlement à la domination du classicisme, le sentimentalisme s'installe. Attention aux nuances du tempérament individuel, le culte de l'existence solitaire-privée agit comme une sorte de réaction à la normativité du classicisme qui est de nature sociale. L'aisance naturelle transparaît dans le geste artistiquement insouciant de Lopukhina, l'inclinaison capricieuse de la tête, la flexion magistrale des lèvres douces, la distraction rêveuse de son regard.

L'image de M.I. Lopukhina captive le spectateur avec une douce mélancolie, une douceur inhabituelle des traits du visage et une harmonie intérieure. Cette harmonie est véhiculée par toute la structure artistique de l'image : à la fois par le tour de tête et l'expression du visage de la femme, elle est également soulignée par des détails poétiques individuels, tels que des roses cueillies et déjà tombantes sur la tige. Cette harmonie est facile à saisir dans la douceur mélodieuse des lignes, dans la prévenance et la subordination de toutes les parties du portrait.
Le visage de M.I. Lopukhina, peut-être, est loin de l'idéal classique de la beauté, mais elle est pleine d'un charme si inexprimable, d'un tel charme spirituel qu'à côté de nombreuses beautés classiques apparaîtront comme un schéma froid et inanimé. L'image captivante d'une femme tendre, mélancolique et rêveuse est véhiculée avec beaucoup de sincérité et d'amour, l'artiste la révèle avec une étonnante force de persuasion. tranquillité d'esprit.
Un regard pensif, langoureux, triste et rêveur, un doux sourire, l'aisance libre d'une pose un peu fatiguée ; lignes douces et rythmées; formes douces et arrondies; robe blanche, une écharpe lilas et des roses, une ceinture bleue, une couleur de cheveux cendrée, un fond vert de feuillage, et enfin une douce brume aérée qui remplit l'espace - tout cela forme une telle unité de tous les moyens d'expression picturale, dans laquelle la création de l'image se révèle plus pleinement et plus profondément.

Le portrait de Lopukhina est peint sur fond de paysage. Elle est debout dans le jardin, appuyée sur une vieille console en pierre. La nature, parmi laquelle l'héroïne s'est retirée, ressemble à un coin d'un parc paysager domaine noble. Elle personnifie beau monde pleine de beauté naturelle et de pureté. Les roses fanées, les lys évoquent une légère tristesse, des réflexions sur la beauté sortante. Ils font écho à l'ambiance de tristesse, d'inquiétude, de mélancolie dans laquelle Lopukhina est plongée. À l'ère du sentimentalisme, l'artiste est particulièrement attiré par les états complexes et transitoires du monde intérieur d'une personne. La rêverie élégiaque, la tendresse langoureuse imprègnent tout le tissu artistique de l'œuvre. La prévenance et un léger sourire de Lopukhina trahissent son immersion dans le monde de ses propres sentiments.

Toute la composition est imprégnée de rythmes lents et fluides. La courbe douce de la figure, la main doucement baissée, font écho aux branches inclinées des arbres, aux troncs blancs des bouleaux, aux épis de seigle. Des contours flous indistincts créent une sensation d'environnement léger et aéré, une brume transparente dans laquelle la figure du modèle et la nature qui l'entoure sont "immergées". Le contour coulant autour de sa silhouette - maintenant perdu, puis émergeant sous la forme d'une ligne fine et flexible - évoque les contours dans la mémoire du spectateur statues antiques. Tombant, convergeant ou formant des plis lisses, les traits les plus fins et les plus spirituels du visage - tout cela constitue, pour ainsi dire, non pas la peinture, mais la musique. Le bleu délicat du ciel, le vert feutré du feuillage, l'or des oreilles aux taches lumineuses de bleuets font écho aux couleurs d'une robe blanc perle, d'une ceinture bleue et d'un bijou étincelant au bras. Des nuances de roses fanées font écho à l'écharpe lilas.

Dans les portraits de Borovikovsky, "Lizanka et Dashenka" (Il. 6) (3) incarnent le type des filles sensibles de cette époque. Leurs visages tendres sont pressés joue contre joue, leurs mouvements sont empreints d'une grâce juvénile. La brune est sérieuse et rêveuse, la blonde est vive et drôle. Complémentaires les uns des autres, ils fusionnent en une unité harmonieuse. La nature des images correspond aux tons délicats des couleurs froides bleu-lilas et chaudes rose doré.

Borovikovsky a surtout réussi à représenter des "jeunes filles" de familles nobles. Tel est le "Portrait d'Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva" (4), qui était une élève de l'Institut Smolny pour Noble Maidens, la demoiselle d'honneur de l'impératrice Maria Feodorovna. Une jeune Smolyanka est représentée en costume peyzan : elle porte une robe ample, un chapeau de paille avec des épis de maïs et une pomme en gelée dans les mains. Chubby Katenka ne se distingue pas par la régularité classique de ses traits. Cependant, un nez retroussé, des yeux pétillants de ruse et un léger sourire de lèvres fines donnent à l'image un aspect guilleret et coquet. Borovikovsky a parfaitement capturé l'immédiateté du modèle, son charme vif et sa gaieté.

F.S. Rokotov

Créativité F.S. Rokotov (1735-1808) est l'une des pages les plus charmantes et les plus difficiles à expliquer de notre culture.

L'image cérémonielle n'était pour Rokotov ni un favori ni le domaine le plus typique de la créativité. Son genre de prédilection est le portrait en buste, dans lequel toute l'attention de l'artiste est focalisée sur la vie d'un visage humain. Son schéma de composition se distinguait par sa simplicité, frisant quelque peu la monotonie. Parallèlement, ses portraits se caractérisent par une habileté picturale subtile.

Il est attiré par d'autres tâches picturales : la création de toiles de chambre, intimes, qui reflètent les idées du maître sur la sublime structure mentale

Se tournant vers les travaux de F.S. Rokotov, en tant qu'adhérent d'un portrait de chambre, les auteurs notent que cet artiste combine le début idéal avec les caractéristiques d'une apparence individuelle, ainsi qu'une représentation magistrale des caractéristiques du visage, des vêtements, des bijoux de la personne représentée, du l'artiste est capable de révéler les qualités spirituelles du modèle.

Dans la caractérisation de l'image par Rokotov, l'expressivité des yeux et des expressions faciales est très importante, et l'artiste ne s'efforce pas d'obtenir un transfert d'humeur spécifique, mais plutôt de créer un sentiment d'insaisissabilité, des sentiments fugaces d'une personne. œuvres surprennent par la beauté délicate et sophistiquée de la palette de couleurs. La coloration, qui est généralement basée sur trois couleurs, grâce aux transitions, exprime la richesse et la complexité de la vie intérieure de la personne représentée. L'artiste utilise le clair-obscur d'une manière particulière, mettant en évidence le visage et, pour ainsi dire, dissolvant des détails mineurs.

Les portraits de Rokotov sont l'histoire des visages. Grâce à eux, nous avons la possibilité d'imaginer les images d'une époque révolue.

A la fin des années 1770-1780.

Ces caractéristiques de la créativité de Rokotov se sont pleinement manifestées dans les portraits féminins, qui occupaient une place particulière dans l'art du XVIIIe siècle. A l'apogée de sa créativité, le peintre crée une galerie de beaux images féminines: A. P. Struiskaya (1772) (Ill. 13), V. E. Novosiltseva. (Fig. 14)

Le prochain portrait féminin est "Inconnu en robe rose" peint dans les années 1770. Il est considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de Rokotov. Les plus fines gradations de rose - saturées dans l'ombre, puis chaudes, lumineuses, créent l'effet de scintillement, de flottement de la lumière et de l'air les plus fins, comme en harmonie avec les mouvements spirituels intérieurs cachés indispensables dans les portraits du XVIIIe siècle. sourire gentil, translucide au fond de ses yeux. Cette image est remplie d'un charme lyrique particulier.

"Portrait d'une femme inconnue dans une robe rose" est particulièrement remarquable. L'ouverture d'une personne à l'autre et au monde implique intimité, attention et intérêt cachés, peut-être quelque part indulgence, sourire à soi-même, puis enthousiasme et gaieté, élan plein de noblesse - et cette ouverture, confiance en l'autre et en la monde dans son ensemble - les propriétés de la jeunesse, de la jeunesse, en particulier à une époque où de nouveaux idéaux de bonté, de beauté, d'humanité sont dans l'air, comme un souffle de printemps. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

Le portrait d'une jeune femme inconnue aux yeux pensivement plissés, vêtue d'une robe rose clair (Inconnu en rose), peinte par Fyodor Stepanovich Rokotov, attire la subtilité, la richesse spirituelle. Rokotov écrit doucement, avec légèreté. Demi-allusion, sans rien dessiner jusqu'au bout, il traduit la transparence de la dentelle, la masse douce des cheveux poudrés, un visage lumineux aux yeux ombragés.

F. Rokotov «Portrait d'A.P. Strouïskaïa" (Il. 13)

1772, huile sur toile, 59.8x47.5cm

Le portrait d'Alexandra Struyskaya est sans aucun doute l'image la plus brillante d'une femme idéalement belle dans tous les portraits russes. Une charmante jeune femme est représentée, pleine d'une grâce captivante. Un ovale gracieux du visage, de fins sourcils volants, un léger rougissement et un regard pensif et absent. A ses yeux - fierté et pureté spirituelle. Le portrait est peint avec des teintes de couleur et de lumière. Les ombres se fondent subtilement dans la lumière, les tons gris cendré au bleu et les tons rosés à l'or pâle. Les débordements de lumière et les dégradés de couleurs ne sont pas perceptibles et créent une légère brume, peut-être une sorte de mystère.

La légende de l'amour de Rokotov pour Struiska a été préservée, apparemment inspirée par le ton particulier du charme et la chance du talent de l'artiste qui a créé son portrait. (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html)

Lévitski

Dans ses portraits de chambre, une attitude objective envers le modèle prévaut sensiblement. La caractéristique de l'individualité devient plus généralisée, les traits typiques y sont soulignés. Levitsky reste un grand psychologue et un peintre brillant, mais ne montre pas son attitude envers le modèle.

Le même type de sourires, un blush trop vif sur les joues, une technique pour arranger les plis. Par conséquent, la joyeuse maîtresse E.A. Bakunina (1782) et la guindée et sèche Dorothea Schmidt (début des années 1780) en allemand deviennent subtilement similaires l'une à l'autre.

Portrait d'Ursula Mnishek (Fig. 12)

1782, huile sur toile,

État Galerie Tretiakov, Moscou

Le portrait d'Ursula Mnishek a été peint au zénith du talent et de la renommée de l'artiste. L'ovale était rare dans la pratique du portrait de D. G. Levitsky, mais c'est cette forme qu'il a choisie pour une image exquise d'une beauté profane. Avec une nature illusoire grandeur nature, le maître a transmis la transparence de la dentelle, la fragilité du satin, les cheveux gris de la poudre d'une perruque haute à la mode. Les joues et les pommettes "brûlent" avec la chaleur du blush cosmétique superposé.

Le visage est peint en traits fusionnés, indiscernables grâce au glacis transparent allégé et donnant au portrait une surface laquée lisse. Sur le fond sombre les tons gris bleuté, argenté cendré et doré pâle sont avantageusement combinés.

La tournure détachée de la tête et le sourire bienveillant et savant donnent au visage une expression laïque polie. Le regard froid et direct semble évasif, cachant le "je" intérieur du modèle. Ses yeux clairs et ouverts sont délibérément secrets, mais pas mystérieux. Cette femme suscite involontairement l'admiration, ainsi que la peinture virtuose du maître.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Conclusion:

Borovikovsky dans ses portraits de chambre capture parfaitement la spontanéité du modèle, son charme vif et sa gaieté. Borovikovsky a été le premier parmi les portraitistes russes à révéler la beauté de la vie émotionnelle. Les toiles de l'artiste sont très élégantes grâce à la mise en scène gracieuse des modèles, aux gestes gracieux et au maniement habile du costume.Les héros de Borovikovsky sont généralement inactifs, la plupart des modèles sont enivrés de leur propre sensibilité.

Les portraits créés par Levitsky d'une qualité «intime» de chambre sont marqués par la profondeur et la polyvalence des caractéristiques psychologiques, ils se caractérisent par une grande retenue des moyens artistiques.

Dans ses portraits de chambre, une attitude objective envers le modèle prévaut sensiblement. La caractéristique de l'individualité devient plus généralisée, les traits typiques y sont soulignés.

F.S. Rokotov, adepte du portrait de chambre

Un trait distinctif de Rokotov est un intérêt accru pour le monde intérieur d'une personne; dans le portrait, l'artiste souligne la présence d'une vie spirituelle complexe, la poétise, focalise l'attention du spectateur sur elle, affirmant ainsi sa valeur.

L'expression même de «portrait d'apparat» évoque l'idée de quelque chose d'extraordinairement solennel. Les hommes apparaissent immédiatement avec un œil d'aigle, dans de riches costumes, pendus d'insignes, couronnés de couronnes de laurier ou de couronnes royales. Ou belles dames dans des tenues luxueuses, des diamants, des fans de plumes d'autruche et de minuscules chiens fabuleusement chers.

En fait, "cérémonial" - cela signifie solennel, avant que ce ne soit un passage solennel de troupes, et avec l'avènement d'un portrait - une immobilité solennelle.

Le portrait d'apparat est né à l'ère de l'absolutisme, lorsque les monarques, cherchant à s'élever et à se perpétuer, ordonnaient leur image majestueuse aux artistes de cour. La tâche principale du portrait d'apparat était la glorification des personnes de haut rang, des personnes royales et de leur entourage. L'attention était portée sur les mérites et les réalisations du client, l'artiste recherchait l'exaltation, parfois proche de la déification. Les premiers portraits d'apparat se distinguaient par une certaine raideur et "raideur",

mais plus tard, lorsque les portraits d'apparat ont commencé à être commandés non seulement par des monarques et des courtisans, mais aussi par des gens simplement riches, le portrait d'apparat est devenu beaucoup plus vivant.
Les photos étaient pour la plupart grandes tailles, et la personne était représentée en pleine croissance, debout ou assise. L'arrière-plan du portrait d'apparat était soit un intérieur magnifique, soit un champ de bataille, s'il s'agissait du portrait d'un militaire. Dans tous les cas, le cadre doit être solennel, soulignant l'importance du personnage. Dans le même but, les héros des peintures sont vêtus de magnifiques costumes d'apparat, nécessairement décorés d'insignes et d'insignes, symbolisant le pouvoir et la puissance.
Initialement, la tâche du portrait d'apparat n'était pas, au fond, de refléter l'individualité du client, mais d'affirmer son statut social et social. Cependant, des artistes exceptionnels de ce genre étroit ont réussi à refléter l'individualité d'une personne, son caractère et son mode de vie.

Un exemple frappant d'un portrait de cérémonie, où l'artiste a réussi à franchir la frontière du genre, est le portrait de P.A. Demidov, entrepreneur et mécène des arts, peint par Levitsky.

Le portrait est incroyablement charmant en raison de la combinaison contrastée de Demidov, vêtu d'une robe et d'une casquette, debout avec un arrosoir à la main, mais dans une pose cérémonielle et sur fond d'un intérieur en bronze spectaculaire et de lourdes draperies. Le vieil homme sourit ironiquement, comme s'il reconnaissait la curiosité d'une telle interprétation du portrait de face. Cependant, cette combinaison étrange contient une allusion subtile, compréhensible pour les contemporains de Demidov. Les fleurs en pot, les bulbes de plantes et un livre de jardinage ne sont pas des objets aléatoires. Cet entourage contient une allégorie des activités caritatives de l'industriel Prokopiy Demidov. Au fond de l'image se trouve la construction de l'orphelinat de Moscou, à l'organisation duquel il a participé. Les enfants qui y ont trouvé refuge sont les « fleurs de la vie », et Demidov, qui s'occupe d'eux, est jardinier. Une telle image du personnage ne le rabaissait pas, mais au contraire l'exaltait. Devant nous apparaît un homme magistral et excentrique, mais en même temps généreux et intelligent.

Comme vous pouvez le voir, un portrait formel peut être très diversifié, et si vous décidez de commander un portrait formel, mais vous n'avez aucune idée du style de siècle que vous devriez choisir, et en général à quoi il devrait ressembler, alors l'artiste sélectionnera un grande variété d'options pour vous. Tout portrait historique peut être utilisé comme base pour un portrait formel, et les détails intérieurs, les costumes, les bijoux et les insignes peuvent être sélectionnés selon vos préférences. Il est en votre pouvoir d'être à toutes les époques, de vous entourer d'une gamme de couleurs élégantes et décoratives, que vous recherchiez le luxe de l'époque baroque, le décor rococo intime adouci et plein de demi-tons, ou le style sobre de classicisme - tout choix sera votre environnement. Vous pouvez choisir un portrait à cheval, sur un fond architectural ou paysager, dans un costume luxueux, ou la façon dont Dmitry Levitsky a réussi à représenter son client - avec une subtile allusion à votre travail. Contactez-nous, et votre portrait peut devenir une décoration non seulement pour votre maison, mais aussi pour notre galerie.

Le plus souvent, les représentations picturales de la royauté (et en particulier au XVIIIe siècle) sont formées sur la base de portraits de cérémonie, dont des copies ont été activement retirées et distribuées. De tels portraits peuvent être «lus», car le modèle sur eux est toujours placé dans un tel environnement qui contribue à créer un sentiment d'importance, d'insolite, de solennité de l'image, et chacun des détails contient une allusion aux mérites réels ou imaginaires et les qualités de la personne que nous voyons devant nous.
La plupart des portraits formels sont impossibles à ne pas admirer. Mais la question de la véracité du portrait reste ouverte.

Ainsi, par exemple, l'image de Catherine I, créée par Jean Marc Nattier en 1717 :

Mais le portrait plus intime de Catherine en peignoir, écrit par Louis Caravacom dans les années 1720.
Il semble que les chercheurs soient arrivés à la conclusion qu'au départ, l'impératrice était représentée dans le portrait avec un décolleté, puis un ruban bleu est apparu, ce qui peut être compris comme un indice du ruban de l'Ordre de Saint-André le premier appelé. et le statut élevé de la personne. Le seul indice.

Louis Caravaque a reçu la nomination du peintre officiel de la cour - Hoffmaler uniquement sous Anna Ioannovna, mais avant cela, il a réussi à peindre un certain nombre de portraits de la famille de Pierre le Grand. Parmi eux, certains sont inhabituels selon les normes modernes.
Premièrement, je me souviens personnellement immédiatement du portrait Le tsarévitch Peter Petrovitch dans le rôle de Cupidon

Ici, bien sûr, il faut dire que la Russie a repris de l'Europe la galanterie du rococo, ainsi que son atmosphère particulière de mascarade, jouant les héros et les dieux. mythologie antique, des mœurs, qui ne pouvaient qu'affecter la tradition picturale.
Et pourtant, il y a quelque chose de particulier dans le fait que le petit Peter, "Knob", comme on l'appelait parents aimants qui avait de grands espoirs pour lui, nous voyons juste cela. Mais la naissance de ce garçon, qui n'a même pas vécu quatre ans, ainsi que sa santé relativement solide au début, ont en fait scellé le sort du tsarévitch Alexei.
On peut également imaginer la sœur aînée de Pyotr Petrovich Elizaveta, se souvenant du portrait de l'œuvre du même Caravak, écrit en 1750 :

Ou un portrait de son élève Ivan Vishnyakov, peint en 1743 :

Mais même du vivant de l'impératrice, un autre portrait d'Elizabeth Petrovna peint au milieu des années 1710 par Caravak, dans lequel elle est représentée sous la forme de la déesse Flora, connut un grand succès :

La future impératrice est représentée nue et allongée sur une robe bleue doublée d'hermine, signe d'appartenance à la famille impériale. À main droite elle tient une miniature avec un portrait de Pierre Ier, au cadre duquel est attaché le ruban bleu de Saint-André.
Oui, une tradition, mais il y a un certain piquant dans une telle image. N. N. Wrangel a laissé une remarque intéressante sur le portrait : "Voici une petite fille, une enfant de huit ans déshabillée avec le corps d'une fille adulte. Elle est allongée, tenant coquettement un portrait de son père et souriant si affectueusement et tendrement , comme si elle pensait déjà à Saltykov, Shubin, Sievers , Razumovsky, Shuvalov et tous les autres que cette belle créature aimait après."
Cependant, il a également noté qu'Elizabeth avait de nombreuses images.
Voici Elizaveta Petrovna dans un costume d'homme qui lui allait comme ça :

AL. Weinberg considérait le portrait comme l'œuvre de Caravaque et le datait de 1745. SV Rimskaya-Korsakova pensait qu'il s'agissait de la copie de l'étudiant de Levitsky du travail d'Antropov, remontant au type iconographique de Caravak.

Et voici un autre portrait d'Elizabeth en costume d'homme - le manuel "Portrait de l'impératrice Elizabeth Petrovna sur un cheval avec un enfant noir", écrit par Georg Christoph Groot en 1743 :

Ce portrait peut être appelé de face. Voici l'Ordre de Saint-André le Premier Appelé, une ceinture moirée bleue avec un insigne, un bâton de maréchal dans la main de l'impératrice, un uniforme de la Transfiguration, et aussi le fait qu'Elizaveta Petrovna est assise sur un cheval comme un homme , et la marine vue dans la baie.
Caravak a aussi un "Portrait d'un garçon en tenue de chasse", sur lequel ils ont construit différentes versions. Ils l'ont appelé à la fois le Portrait de Pierre II, et le portrait de Pierre III et ... le portrait d'Elisabeth. Pour une raison quelconque, la dernière version est très proche de moi.

Il y a beaucoup de portraits d'apparat de Catherine II. Ils ont été peints à la fois par des étrangers invités en Russie et par des artistes russes. On peut rappeler, par exemple, le portrait de Catherine peint par Vigilius Eriksen devant un miroir, dans lequel l'artiste utilise une technique particulière qui lui permet de montrer l'impératrice à la fois de profil et de face.

L'image de profil de l'impératrice a été utilisée pour le portrait d'apparat peint par Rokotov :

Catherine elle-même aimait apparemment un autre portrait peint par Eriksen, la représentant à cheval :

Je le ferais encore ! Après tout, le portrait symbolise le jour fatidique pour l'impératrice le 28 juin 1762, lorsqu'elle, à la tête des conspirateurs, se rend à Oranienbaum pour mener un coup d'État de palais. Catherine est assise à califourchon sur son célèbre cheval Brilliant et est habillée à la manière militaire - elle porte l'uniforme d'officier de l'infanterie de la garde.
Le portrait a été un énorme succès à la cour, sur ordre de l'impératrice a répété son travail trois fois, en faisant varier la taille de la toile.

Eriksen a également peint un portrait de Catherine II en shugay et kokoshnik :

On se souvient du portrait informel de Catherine II en costume de voyage, peint par Mikhail Shibanov, un artiste dont on ne sait presque rien. Est-ce juste qu'il était proche de Potemkine ? :

Je me souviens des portraits non cérémoniels de Catherine la Grande, il est impossible de passer à côté de l'image créée par Borovikovsky.

L'artiste a montré Catherine II « chez elle », en manteau de fourrure et bonnet. Une dame âgée marche lentement le long des allées du parc Tsarkaselsky, appuyée sur un bâton. À côté d'elle se trouve son chien bien-aimé, un lévrier anglais.
L'idée d'une telle image est probablement née dans le cercle littéraire et artistique de Nikolai Lvov et est étroitement liée à une nouvelle tendance artistique, appelée sentimentalisme. Il est significatif que le portrait de Catherine II n'ait pas été exécuté d'après nature. Il est prouvé que l'artiste a été vêtue de la robe de l'impératrice par son appareil photo bien-aimé jungfer (servante de chambre) Perekusikhina, qui a posé pour l'artiste.
Soit dit en passant, le fait qu'au XVIIIe siècle seuls 8 peintres officiels de la cour aient travaillé en Russie, parmi lesquels un seul était russe, et même alors a mis fin à sa vie presque tragiquement, est assez intéressant. Il n'est donc pas surprenant que les artistes russes n'aient pas eu l'occasion de peindre des empereurs et des impératrices vivants.
Pour ce travail, Borovikovsky, à propos duquel Lumpy s'est occupé, a reçu le titre de "nommé" à l'académicien. Cependant, malgré la reconnaissance de l'Académie des Arts, l'impératrice n'a pas aimé le portrait et n'a pas été acquise par le département du palais.
Mais c'est dans cette image que Pouchkine l'a capturée dans le "conte d'honneur" "La fille du capitaine".

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Diego Velazquez (?), copie de l'original de Rubens, Portrait équestre de Philippe IV

Portrait de cérémonie, portrait représentatif- un sous-type de portrait, caractéristique de la culture de cour. A reçu un développement spécial dans la période de l'absolutisme développé. Sa tâche principale n'est pas seulement de transmettre une similitude visuelle, mais aussi d'exalter le client, en comparant la personne représentée à une divinité (dans le cas de la représentation d'un monarque) ou à un monarque (dans le cas de la représentation d'un aristocrate).

Caractéristique

En règle générale, il s'agit de montrer une personne en pleine croissance (à cheval, debout ou assise). Dans un portrait formel, la figure est généralement donnée sur un fond architectural ou paysager; une plus grande élaboration le rapproche de l'image narrative, ce qui implique non seulement des dimensions impressionnantes, mais aussi une structure figurative individuelle.

L'artiste représente un modèle, focalisant l'attention du spectateur sur le rôle social du représenté. Le rôle principal du portrait d'apparat étant idéologique, cela provoqua une certaine caractérisation unidimensionnelle : une théâtralité accentuée de la pose et un entourage assez magnifique (colonnes, draperies, insignes, symboles de pouvoir dans le portrait du monarque), qui éclipsé les propriétés spirituelles du modèle. Néanmoins, dans les meilleures œuvres du genre, le modèle apparaît dans une version emphatiquement donnée, qui s'avère très expressive.

Le portrait d'apparat se caractérise par une franche démonstrative et la volonté « d'historiciser » le représenté. Cela affecte la gamme de couleurs, qui est invariablement élégante, décorative et répond aux caractéristiques coloristiques de l'intérieur (bien qu'elle change selon le style de l'époque, devenant locale et lumineuse dans le baroque, adoucie et pleine de demi-teintes dans le rococo, sobre dans Classicisme).

Sous-types

Selon les attributs, le portrait de face peut être :

• • Couronnement (trône moins courant)
  • équestre
  • Sous la forme d'un commandant (militaire)
  • Le portrait de chasse jouxte celui de devant, mais il peut aussi être de chambre.
    • Semi-cérémonial - a le même concept que le portrait formel, mais a généralement une coupe demi-longueur ou générationnelle et des accessoires assez développés

Portrait du couronnement

Portrait de couronnement - une image solennelle du monarque "le jour de son couronnement", accession au trône, en insignes de couronnement (couronne, manteau, avec un sceptre et un orbe), généralement en pleine croissance (il y a parfois un portrait de trône assis ).

« Le portrait impérial a été conçu comme une capture pendant des siècles des plus importants ce moment idée d'état. rôle essentiel formes immuables jouées pour démontrer la valeur durable du présent, la stabilité du pouvoir d'État, etc. En ce sens, une position particulière était occupée par les soi-disant. « portrait du couronnement », qui évoque l'image du souverain doté d'attributs de pouvoir et se revendique d'une constance aussi sacrée que la cérémonie du couronnement elle-même. En effet, depuis l'époque de Pierre le Grand, où Catherine I fut couronnée pour la première fois selon les nouvelles règles, jusqu'à l'époque de Catherine II, ce type de portrait ne connut que de légères variations. Les impératrices - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catherine II - s'élèvent majestueusement au-dessus du monde, devenant comme une pyramide inébranlable en silhouette. L'immobilité royale est également soulignée par la lourde robe de couronnement avec un manteau, dont le poids significatif équivaut à la couronne, au sceptre et à l'orbe, qui accompagnait invariablement l'image de l'autocrate.