„Witalij Wołowicz to legendarna osobowość, podsycana chwałą, mitami, kultem. Można powiedzieć, że chociaż Volovich mieszka w Jekaterynburgu, miasto ma przyszłość”.

Tak w przenośni scharakteryzował artystę jego przyjaciel i kolega Misha Brusilovsky. Rzeczywiście, lista wystaw w naszym kraju i za granicą, w których uczestniczył Volovich, jest nie do wyliczenia. Twórczość artysty prezentowane są w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkina i Państwowa Galeria Tretiakowska (Moskwa), Państwowe Muzeum Rosyjskie (Petersburg), muzea sztuki Jekaterynburg, Irbit, Nowosybirsk, Perm, Saratów, Jarosław, a także w muzeach i kolekcjach prywatnych w Czechach, Niemczech, Anglii, Austrii, USA, Izraelu, Francji, Hiszpanii.

W atmosferze kreatywności, miłości i przyjaźni

Witalij wychował się w atmosferze kreatywności, miłości do słowa artystycznego: matka, Claudia Vladimirovna Filippova - dziennikarka, prozaika, dramaturg; ojczym, Konstantin Wasiliewicz Bogolyubov - słynny uralski pisarz i krytyk literacki. Pisarze Elena Khorinskaya, Bella Dizhur, Yuri Chazanovich, Joseph Likstanov często odwiedzali ich dom, a czasami przychodził Paweł Pietrowicz Bazow. Rodzina kochała muzykę i teatr, kiedyś Witalij Wołowicz chciał nawet zostać artystą. Jednak w wieku 15 lat wstąpił do Szkoły Artystycznej w Swierdłowsku.

Koledzy z klasy Aleksiej Kazantsev i Jurij Istratow zostali przyjaciółmi na całe życie. Z czasem krąg przyjaciół, podobnie myślących ludzi zajmujących się problematyką sztuki, poszerzył się o Ernsta Neizvestnego, Miszę Brusilovsky'ego, Giennadija Mosina, niemieckiego Meteleva i innych uralskich i moskiewskich artystów. Witalij Michajłowicz zawsze był w centrum tej twórczej społeczności, był jego duszą. Wołowicz miał w tym środowisku zająć szczególne miejsce, dając przykład bezinteresownego stosunku do swojej pracy, niestrudzenie doskonaląc swoje umiejętności, pracując codziennie po dziesięć i więcej godzin, studiując w muzeach i bibliotekach.

Po studiach Volovich współpracował z Wydawnictwem Centralnym Uralu, ale sukces nie przyszedł natychmiast. Książkowy i intelektualny Wołowicz rozpoczął swoją karierę od ilustrowania przypowieści i opowieści ludowych. Podstawą jego przyszłego sukcesu stał się projekt bajek narodów świata, a zwłaszcza opowieści Ural P. Bazhova „The Malachite Box”. Autor tej pracy, Michaił Priszwin, nazwał ilustracje do opowiadania „Spiżarnia Słońca” wielkim sukcesem.

„Ani jednego konfliktu z Cervantesem czy Szekspirem…”

Podobnie jak wielu utalentowanych artystów, Witalij Michajłowicz miał trudności z oficjalną pracą w Swierdłowsku: wydawnictwo oskarżyło go o formalizm, nie pozwoliło mu wystawiać, a nawet wycofało dyplomy otrzymane na różnych konkursach książkowych.

„Jakoś zebrałem swoje obrazy i rysunki i pojechałem do Moskwy. Tam od razu zamówiono mi ilustracje do „Pieśń o sokoła” i „Pieśń o Petrelu” Maksyma Gorkiego. Książka zdobyła wiele nagród i zostałam zaproszona do udziału w międzynarodowym konkursie ilustracji w Lipsku. Wybrałem powieści Stevensona - i dostałem srebrny medal! … nie ma nic lepszego niż praca z nieżyjącymi autorami: nigdy nie miałem ani jednego konfliktu ani z Cervantesem, ani z Szekspirem, ani z nikim innym” – uśmiecha się artysta.

Zaskakujące jest to, że do każdej książki, ilustracji, do których Volovich tworzy, znajduje adekwatne tylko do tego dzieła środki malarskie i techniki wykonawcze, charakteryzujące epokę, postacie i relacje między nimi: może to zrobić tylko wielki mistrz. Tak więc ilustracje do „Richarda III” są wykonane w surowy sposób grawerowania na metalu, a styl ten doskonale charakteryzuje okrutną erę wojen dynastycznych średniowiecznej Anglii oraz projekt średniowiecznej legendy o miłości rycerza Tristana i Królowa Izolda wykonana jest w technice litograficznej, malowniczej i miękkiej.

Te dzieła mistrza spotkały się z wielkim odzewem publicznym, były aktem obywatelskiej odwagi. Pod względem artystycznym stanowiły niepodważalny wkład w rozwój sztuki.

W 1982 roku V. M. Volovich otrzymał zaszczyt zilustrowania Opowieści o kampanii Igora, arcydzieła literatury rosyjskiej. Fotografując sceny najazdów, bitew i masakr, podkreślał antywojenne brzmienie wiersza.

Aby zrozumieć podstawy wszechświata

Na początku lat 90. zawód ilustratora okazał się niepotrzebny i praktycznie zniknął. Z ekonomicznego punktu widzenia ilustracje tylko podnoszą wartość książki. Przez 14 lat Volovich pozostawał bez pracy jako ilustrator. Dopóki nie wpadłem na pomysł stworzenia albumów artystycznych. W tym formacie ukazały się książki Medieval Romance, Parade Alle, Through the Pages of European Erotic Literature, zawierające wybrane fragmenty dzieł Apulejusza, Katullusa, Owidiusza, Boccaccia, Henry'ego Millera, Lawrence'a, Owidiusza, de Sade'a, Casanovy i wiele innych. I oczywiście ilustracje Witalija Wołowicza.

V. M. Volovich ma również cykle malarskie - „Chusovaya. Tavatui. Wołyń” i „Stary Jekaterynburg”. Wstęp do książki „Stary Jekaterynburg” kończy się tak:

„Malowałem, więc kochałem”. Cały swój czas zajmuje praca. Twórca nie narzeka na swoją zajętość, wręcz przeciwnie, uważa za szczęście: „Wszystko co najlepsze w moim życiu dzieje się w warsztacie!”.

Zaskakujące jest to, że nagromadzone przez artystę umiejętności, potężnie rozwinięty talent, nie zagłuszyły w jego duszy kosmicznej muzyki sfer brzmiących jak w młodości. Jego etyka pracy i samodyscyplina są niesamowite. Witalij Wołowicz jest nie tylko artystą, jest także wojownikiem - razem ze swoim przyjacielem Miszą Szajewiczem Brusilovskym walczyli o stworzenie muzeum Ernsta Neizvestnego, innego wielkiego Uralajczyka. I wygrali!

ważne wydarzenie w życiu artysty było wydanie książki „Warsztat. Notatki artysty. Historia pisania książki jest dramatyczna: po śmierci żony, z którą Witalij Michajłowicz mieszkał przez 47 lat, artysta, aby przeżyć stratę, zaczął pisać wieczorami. Witalij Wołowicz nakreślił w książce historię swojego życia. Sam autor uważa książkę za „…próbę zrozumienia siebie, w zawodzie, być może w psychologii twórczości…” Ale jej treść jest niezmiernie głębsza, bardziej znacząca.

Artyści muszą żyć długo, aby zrozumieć i zrozumieć swoją epokę oraz wyrazić swoje zdanie na jej temat. Witalij Michajłowicz - człowiek o rzadkiej kulturze i wykształceniu - nie ocenia naszej epoki. Rozumie, że tylko Wszechmogący ma do tego prawo.

Uznanie i nagrody V.M. Volovicha:

• Akademik Rosyjskiej Akademii Sztuk
• Artysta Ludowy Rosji
• Laureat Nagrody G.S. Mosina oraz Nagrody Gubernatora Obwodu Swierdłowskiego za wybitne osiągnięcia w literaturze i sztuce
• Złoty medal Rosyjskiej Akademii Sztuk za serię arkuszy graficznych do tragedii Ajschylosa „Orestei”
• Honorowy obywatel miasta Jekaterynburg i miasta Irbit

Witalij Michajłowicz Wołowicz (08.03.1928 - 20.08.2018) - sowiecki i rosyjski artysta, harmonogram. Artysta ludowy Rosji.

Biografia

Witalij Wołowicz urodził się 3 sierpnia 1928 r. w Spassku Dalnym w Kraju Nadmorskim w rodzinie pisarzy. Mama Claudia Filippova jest dziennikarką (współpracowała z Ural Worker, Ural Contemporary, Literary Almanac), pisarką (powieści W gimnazjum (1938), Między ludźmi (1940)). W 1932 roku przeniosła się z synem do Swierdłowska (dzisiejszy Jekaterynburg).

Niedługo po tym, jak Witalij skończył dziesięć lat, jego matka wyszła za mąż (pisarka, krytyk literacki, badaczka literatury uralskiej), a rodzina powiększyła się o kolejne trzy osoby - jego ojczym miał syna i córkę.

Jako dziecko Volovich marzył o śpiewaniu w operze i ćwiczeniu arii w parku Pavlika Morozova. Ale przeziębił się i zachorował z bólem gardła, ale gdy był chory, wziął ołówek. Rysowanie było jednym z jego ulubionych zajęć w domu obok czytania. Volovich bardzo lubił czytać o Rycerzach Okrągłego Stołu. Matka literat trzymała w domu wiele książek, sama aktywnie publikowała, a w Teatrze Operowym wystawiano sztuki według jej scenariuszy. Gościem w ich domu był pisarz Pavel Pietrowicz Bazow. Tak więc literatura i malarstwo w przyszłości znalazły nierozerwalne połączenie, a Volovich stał się graficznym ilustratorem.

Kiedy miał trzynaście lat, nadeszła wojna. Trudno było znaleźć jedzenie, nie mówiąc już o malowaniu. Artysta wspominał, jak przyniósł do domu proszek jajeczny, a matka rozcieńczyła go wodą i upiekła duże ciasto. Żyli więc cztery długie lata. A pod koniec wojny wydarzyło się coś ważnego - Witalij zrobił pierwszy krok w kierunku swojego powołania, zapisując się do Szkoły Artystycznej w Swierdłowsku.

„W 1945 roku uczniowie szkoły artystycznej zostali wysłani „na wysyłkę” obrazów z Ermitażu - arcydzieła, które przetrwały wojnę, wracały do ​​Leningradu od tyłu. Chłopiec zręcznie podniósł kolejne pudełko, gdy nagle pracownik Ermitażu wykrzyknął: „Na miłość boską, bądź ostrożny, młody człowieku! Oto syn marnotrawny Rembrandta!”, pisze Anna Matveeva w swojej książce Obywatele.

Jak wszyscy studenci w tamtych latach, Volovich źle się odżywiał. „Przyszedł do szkoły na początku zajęć wieczorowych, kupił osiemnaście ciastek z dżemem i zjadł je wodą z karafki”, pisze Matveeva na podstawie wspomnień artysty. A rok po ukończeniu studiów zmarła matka Klavdiya Filippowej i przez długi czas nikt nie śledził obiadów i kolacji.

Wołowicz W.M. Otella. Od serii ilustracji do tragedii W. Szekspira. „Otello. Maur wenecki. 1966. EMI

Po ukończeniu Swierdłowska Art College w 1948 r. Witalij Wołowicz rozpoczął współpracę z Wydawnictwem Książek Środkowego Uralu: projektuje okładki do książek N. Kushtuma „Moja droga strona” (1953), B. Dizhura „Refleksje” (1954) ), M. Pilipenko „Drogi” (1955 ) i inni. Do najbardziej uderzających dzieł tego okresu należą ilustracje do Spiżarni Słońca M. Priszwina, które sam pisarz zatwierdził: „Spiżarnia Słońca była publikowana niezliczoną ilość razy różnych krajów, a na półce mam Spiżarnie we wszystkich rozmiarach i kolorach. Ale twoja jest najlepsza.

Pierwsze prace powstały w technice rysunku piórkiem tuszem, następnie artystka sięga po technikę linorytu, akwaforty, litografii, grafiki książkowej i sztalugowej; ostatnio używa tempery, akwareli, gwaszu. Oryginalność stylistyczną wyznacza wyrazistość, wyrazistość linii i cieniowania, pragnienie monumentalności.

Sława Witalij Wołowicz przyniósł ilustracje literatura średniowieczna: „Słowa o kampanii Igora”, „Ryszard III”, „Romans Tristana i Izoldy” i inne prace.

Wołowicz W.M. Ryszard III z koroną. Arkusz z serii ilustracji do tragedii W. Szekspira „Richard III”. 1967. EMI

Od 1952 uczestniczy w wystawach sztuki, pierwsze prace wystawiano w Irbit (obwód Swierdłowsku). W 1956 został przyjęty do Związku Artystów Plastyków ZSRR.

W sumie w twórczości uralskiego artysty wyróżnia się kilka głównych serii - „Medieval Mysteries”, „Kobiety i potwory”, „Workshop”, „Jerusalem”, a także „Parade, Alle!” i Stare Miasto.

„Cyrk to kolejna z jego pasji. Artysta bardzo lubił odwiedzać stary drewniany cyrk na rogu ulic Kujbyszewa i Rosy Luxembourg” – mówi Irina Riznyok. „W starym cyrku nie było oddzielnych pomieszczeń dla zwierząt, garderoby, a on lubił patrzeć, jak klaun opowiada dowcipy gimnastykom, tutaj artyści szykują się do wyjazdu, w pobliżu są zwierzęta i wszystko jest takie żywe”. Początkowo były to szkice, a potem pojawiła się seria rycin.

Wołowicz W.M. „Parada, Alle!”. Centralna część tryptyku. 1979. EMII

Teraz prace uralskiego artysty można oglądać w Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina w Moskwie, Praskiej Galerii Narodowej, Morawskiej Galerii w Brnie, w muzeum Sztuka współczesna w Kolonii, w Muzeum I.V. Goethego w Weimarze, galeriach w Jekaterynburgu, Saratowie, Nowosybirsku, Permie, Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu, Jekaterynburskiej Galerii Sztuki Współczesnej itp.; w prywatnych kolekcjach w Rosji, Ameryce, Niemczech, Francji, Izraelu, Austrii, Hiszpanii itp.

Śmierć

Wyróżnienia i nagrody

1973 - Czczony Artysta RSFSR
1995 - Laureat Nagrody im. G.S. Mosina
1999 - laureat nagrody gubernatora obwodu swierdłowskiego za wybitne osiągnięcia w dziedzinie literatury i sztuki
2005 - Złoty medal Rosyjskiej Akademii Sztuk za serię arkuszy graficznych do tragedii Ajschylosa „Orestei”
2007 - Członek Korespondent Rosyjskiej Akademii Sztuk
2007 - Honorowy obywatel miasta Jekaterynburg
2008 - grupa rzeźbiarska „Obywatele. Rozmowa”, przedstawiająca trzech znanych uralskich artystów Witalija Wołowicza, Miszę Brusilowskiego i niemieckiego Metelewa
2008 - Honorowy Obywatel miasta Irbit
2012 - Akademik Rosyjskiej Akademii Sztuk.
2016 - Artysta Ludowy Rosji.
Oraz liczne medale i dyplomy ogólnorosyjskich, ogólnounijnych i międzynarodowych przeglądów sztuki książkowej.

Pamięć

W Jekaterynburgu, gdzie Volovich mieszkał tu przez całe swoje świadome życie, wzniesiono mu pamiątkową rzeźbę. Pomnik „Obywateli” Witalija Wołowicza, Miszy Brusilowskiego i niemieckiego Metelewa stoi na Alei Lenina 81.

kreacja

Cykle

• "Cyrk"
• „Kobiety i potwory”
• „Średniowieczne tajemnice”
• „Jerozolima” (1995)
• „Jekaterynburg” (1997)

Ilustracje

• „Opowieść o kampanii Igora”
• „Oresteia” Ajschylosa
• Ryszard III, Otello Szekspira (1972. Akwaforta)
• „Romans Tristana i Izoldy” J. Bediera (1972. Autolitografia)
• „Egmont” JW Goethe (1980)
• „Strach i rozpacz w Trzecim Cesarstwie” B. Brechta (1970. Trawienie)
• irlandzkie sagi
• Opowieści P. P. Bazhov

Bibliografia

• Orlova E. Kiedy książka ożywa // Wieczór Swierdłowsku. 1965. 11 października
• Neznansky L. Grafika Witalija Wołowicza // Art. 1966. Nr 7. S. 32-36.
• Voronova O. Jego własne czytanie Szekspira // Tvorchestvo. 1968. Nr 8. S. 15-16.
• Pavlovsky B. Volovich ilustruje Szekspira // Pracownik Uralu. 20 lutego 1969
• Hubsher A. Figura - Bilder zur Literatur // Bildende Kunst. 1971. Nr 10. S. 520-523.
• Volovich Vitaly Mikhailovich // Artyści narodów ZSRR: słownik bio-bibliograficzny. M., 1972. T. 2. S. 328.
• Voronova O. Witalij Wołowicz. Grafika książkowa. M.: Sow. artysta, 1973. 140 s., il.
• Voronova O. Głębokość myśli i uczuć // Recenzja książki. 1974. Nr 24.
• Vladimirova G. Grafika Witalija Wołowicza // Kultura radziecka. 1974. 29 listopada
• Sbyrchog V. Artysta i prawda społeczna i humanistyczna // Kultura (Kiszyniów). 1974. 29 listopada (w języku mołdawskim)
• Golynets S. Przeplatanie rzeczywistości i fantazji: Wystawa prac V. Volovicha w Moskwie // Wieczór Swierdłowsku. 1975. 29 grudnia
• Witalij Michajłowicz Wołowicz: Szesnaście reprodukcji / Enter. Sztuka. L.
• Diakonitsyn. L .: Artysta RSFSR, 1975.
• Voronova O. Stvaralastvo Vitalia Valovica // Knjiga i svet. Belgrad, 1975.
• Bisti D. Romans starych legend // Sov. kultura. 1976. 16 stycznia
• Lebedeva V. Monumentalność grafiki // Sztuka. 1976. Nr 6. S. 22-28.
• Shatskikh A. Mistrz ilustracji książkowej // artysta moskiewski. 1976. 29 stycznia.
• Czczony Artysta RSFSR Witalij Michajłowicz Wołowicz: Katalog wystawy [w Moskwie] / Comp. i autor wejdzie. Sztuka. SV Golynets. L. Artysta RFSRR, 1977. 32 s., il.
• Witalij Michajłowicz Wołowicz: Katalog wystawy/ [Wstępy. Sztuka. S. V. Golyntsa].
• Galeria Sztuki. Karlowe Wary, 1977. 25 s., il. (Po czesku)
• Golynets S. Vitaly Volovich // Literatura i ty. M., 1977. Kwestia. 6. S. 213-216.
• Golynets S. Przeszłość i teraźniejszość // Pracownik Uralu. 1978. 30 grudnia
• Golynets G., Golynets S. Vitaly Volovich // grafika radziecka, 78. M., 1980. s. 60-68.
• Butorina E. Vitaly Volovich // Artyści książki: VAAP-Inform. M., 1981.
• Witalij Wołowicz. Alexey Kazantsev Artyści podróżują. Wstaw katalog / Comp. i autor wejdzie. artykuły N. F. Gorbaczowa. Swierdłowsk, 1982. s., il.
• Gerd G. Witali Wolowich // Ausstellung Haus der Kultur und Bildung. Nowa Brandenburgia, 1982. 20.07 - 15.08.
• Witalij Wołowicz: Grafika. Broszura / komp. i autor wejdzie. artykuły. SV Golynets. Swierdłowsk, 1984. 16 s., il.
• Tubin Ya Utwardzone strzały latają. Ural. 1984. Nr 6. S. To samo: Tydzień. 1985. Nr 19.
• Tubin Ya Seria sztalugowych sztalug V. Volovicha na podstawie „Opowieści o kampanii Igora”. Grafika sowiecka. Kwestia. 9. M., 1985. S.
• Witalij Wołowicz. Książka, grafika sztalugowa. Katalog wystawy / Comp. i autor wejdzie. Sztuka. N. Gorbaczow. Swierdłowsk, 1985. s., il.
• Urozhenko O. Witalij Wołowicz: problemy kształtowania się stosunków światowych (lata 50. - połowa lat 60.) // Z historii kultury artystycznej Uralu: sob. naukowy tr. Swierdłowsk, 1985, s. 107-121.
• Petrova N. W obecnym złożonym świecie // Pracownik Uralu. 1986. 22 stycznia
• Galeeva T. Graficzna polifonia // Wieczór w Swierdłowsku. 24 lutego 1986
• Nazarova M. Vitaly Volovich // Pracownik Uralu. 1986. 20 kwietnia
• Voronova O. Vitaly Volovich // Sztuka książki: 1972-1980. M., 1987. Wydanie. 10. S. 169-181.
• Witalij Wołowicz. Grafika sztalugowa książkowa: Katalog wystawy / Comp. i autor wejdzie. Sztuka. A. I. Korczak. Magnitogorsk, 1988.
• Krichovets A. Ostrzeżenie // Pracownik Uralu. 1988. Sty 29
• Panfilova O., Urozhenko O. Lekcje odwagi // Ural Worker. 1988. 3 sierpnia.
• Urozhenko O. Witalij Wołowicz: fenomen dojrzałość twórcza(połowa lat 60. - 80.) // Z historii kultury artystycznej Uralu. sob. naukowy tr. Swierdłowsk, 1988, s. 98-121.
• Volovich V. Moda i wolność // Ural. 1993. Nr 5. S. 3-9.
• Abelskaya R. Volovich // Vita. 1997. Nr 10. S. 28-32.
• Gorbaczow N. „Oresteia” V. Volovich // Gorbaczowa N. Na palecie pamięci: czas. Malarze. Wystawy. Jekaterynburg, 1996. S. 42-43.
• Matafonova Y. Nie jest trudno spaść z Pegaza, trudniej jest pozostać w siodle: Nowe prace Witalija Wołowicza // Pracownik Uralu. 1997. 14 stycznia
• Klepikov V. Volovich to imię, a nie tylko nazwisko // Gazeta regionalna. 1998. 1 sierpnia
• Witalij Wołowicz: Grafika książkowa i sztalugowa. Katalog kolekcji / Rep. do wydania, komp. wist. oraz katalog, autor layoutu i redaktor. V. Karpow. [Przedmowa W. Wołowicza, posłowie N. Gorbaczowej]. Irbit Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. Irbit, 1998. 80 s., il.
• Witalij Wołowicz: Stary Jekaterynburg. [Album] / Artykuły A. Mosina, V. Volovich, S. Golynts. Koordynator projektu S. Prudkova. Jekaterynburg: Promdesign 1998. S. 119, il. (Z częściowym tłumaczeniem na język angielski)
• Siedmiu artystów z Jekaterynburga: Witalij Wołowicz. Aleksander Aleksiejew-Swinkin. Niemiecki Metelev. Olga Sztukaturowa. Władimira Chursina. Michaiła Sażajewa. Jurij Filonenko / Comp., projekt: V.V. Tynkarze. Autorzy wejdą. Sztuka. G.S. Chołodowa, A.V. Stiepanow. Kierownik Projektu Yu.A.Kukarskikh. Jekaterynburg: Promdesign, 1999. 127 s., il. (Z częściowym tłumaczeniem na język angielski)
• Galeria „Autograf”: obrazy, rysunki z kolekcji T.F. Nabrosova-Brusilovskaya / Comp. katalog T.F. Nabrosova-Brusilovskaya. Autor wejdzie. artykuły autorstwa V.M. Volovich i G.S. Metelew. Wyd. W.W. Roizmana. Jekaterynburg: Wydawnictwo Uniwersytetu Uralskiego, 2000. 166 s., il. (Z tłumaczeniem na język angielski)

Zmarł honorowy obywatel artysty z regionu Swierdłowska Witalija Wołowicza. Niedawno legendarny artysta obchodził swoje 90. urodziny. Volovich był wieloletnim przyjacielem i ekspertem UR, częstym gościem tematycznych dyskusji i okrągłych stołów. Podczas jednego ze spotkań przeprowadzono ten wywiad.

Witalij Wołowicz jest dumą Jekaterynburga, utalentowanego artysty, grafika, członka pełnoprawnego Rosyjskiej Akademii Sztuki, którego prace prezentowane są w Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Puszkina, największych galeriach i muzeach w Europie. Ma prawie 90 lat, ale jest młodzieńczo zabawny i żwawy: „Jestem całkiem nowoczesnym facetem”. Witalij Michajłowicz codziennie spędza w swoim warsztacie 10 godzin, jest trochę zakłopotany swoim wiekiem: „już przeżył, to jakoś krępujące”. A także z pomnikiem w życiu. Rozmowa z nim była łatwa i przyjemna. Nawet w smutnych rzeczach Volovich niezmiennie znajduje powód do żartów i opowiadania zabawnej historii.

Dziennikarka i pisarka Klavdia Filippova przywiozła swojego czteroletniego syna Vitalika do Swierdłowska ze Spasska na Dalekim Wschodzie.

- Mogę być jednym z nielicznych, którzy nie wiedzą absolutnie nic o swoich przodkach. Wątpię nawet, że je miałem, mówi Volovich. - Mama bardzo wcześnie straciła rodziców, mieszkała z ciotką w Nerczynsku, potem przeniosła się do Spasska, gdzie poznała swojego przyszłego ojca, który powiedział: „albo ja, albo dziecko”. Wybrała dziecko iw 1932 wylądowała w Swierdłowsku. Moja mama zapytała mnie, czy chcę wiedzieć coś o moim ojcu. Z dumą powiedziałem nie.

W 1937 roku Klavdiya Vladimirovna Filippova opublikowała swoją pierwszą książkę W gimnazjum. Leonid Dikowski wystawił go w swoim teatrze w Pałacu Pionierów. Kolejny „Między ludźmi” - o pisarzu raznochinets Reshetnikov - został opublikowany w Moskwie. Ojczymem chłopca był pisarz, krytyk literacki Konstantin Wasiljewicz Bogolubow.

„W domu była niesamowita biblioteka, w korytarzu stały szafy z matowymi, błyszczącymi złotymi oprawami: publikacje Brockhausa i Efrona, sześć tomów Szekspira z ilustracjami sir Gilberta, historia wypraw krzyżowych” – wspomina Volovich. I wszystkie te książki były cudownie ilustrowane. Byłem bardzo zafascynowany jednym z klasyków ilustracji Szekspira, Sir Gilbertem, rysownikiem piór Doré i oczywiście Picasso. Dorastałem w takiej atmosferze, więc później zająłem się grafiką książkową. Historia jest naprawdę tragiczna. Wkrótce zaczęła się wojna, moja mama miała dystrofię wojskową, była niesamowicie chora, potem wszystko przerodziło się w straszną gruźlicę. Nasze mieszkanie znajdowało się w drewnianym domu niedaleko obecnej ulicy Mamin-Sibiryak, okna zasłonięte, początek wojny. Mama była strasznie zmarznięta, nie było drewna na opał, a mój ojczym, profesor uniwersytecki, i ja poszliśmy na dworzec Szartaska, gdzie przywieźliśmy węgiel. Czekaliśmy na ciemność i podczołgaliśmy się do dużego stosu, wartownik z pistoletem poszedł w drugą stronę, a gdy go nie było, wsypaliśmy ten pył węglowy do worków, żeby wrócić do domu i ogrzać piec. Potem wrócił mężczyzna z karabinem, zamarliśmy... Kiedy już postanowiłem ukraść, wziąłem kłodę ze stosu drewna na podwórku. Mama, szczupła, przerażająca, podniosła się na łokciu na łóżku i dała mi niewyobrażalną rozgrywkę za wzięcie cudzego. Ja, 12-latek, zostałem zmuszony do odebrania tego dziennika, to była potężna lekcja na całe życie. Potem nadeszły bardzo trudne czasy, zimno było szalone. Zimy wojskowe były bardzo surowe. Musieliśmy sięgnąć po publikacje Brockhausa i Efrona – to przerażające – żeby roztopić piec brzucha. Widzieliśmy też arkusze z ilustracjami Doré, Sir Gilberta i innych znikających w piekarniku. To jedno z najtragiczniejszych doświadczeń z dzieciństwa.

Matka Witalija Michajłowicza pracowała jako konsultant literacki w Ural Worker, odpowiadała na wysłane do niej listy i wiersze. Pewnego razu, śmiejąc się, pokazała synowi wiersz poświęcony ucieczce dwóch psów w kosmos. Wiersz zaczynał się od słów: „Dwa sowieckie psy wróciły z kosmosu”…

Mieliśmy otwarty dom. – wspomina artysta. - Zgromadzili się wszyscy pisarze, w tym Pavel Pietrowicz Bazow i Marietta Sergeevna Shaginyan, którzy mieszkali tutaj w ewakuacji. Była wojna i wszyscy goście przynieśli trochę proszku jajecznego, moja mama wrzuciła to wszystko do rondla, zalała wodą, a na patelni okazał się ogromny żółty naleśnik. Goście przynieśli alkohol, jakiś okropny bimber. Wszyscy byli głodni i natychmiast się upili... Ja, mała, chodziłem i słuchałem. Później, pracując w wydawnictwie, projektowałem książki dla prawie wszystkich pisarzy uralskich, w tym Bazhova, Bondina, Naiditscha...

Predysponowany do tragedii. ... Ale także dla zabawy!

- Powiedziałeś kiedyś, że artysta jest skazany na samego siebie. W prawie wszystkich twoich pracach jest jakaś tragedia. Nawet w krajobrazach. Czy można uznać, że to twoja osobowość?

- Może. Powiedzmy, że człowiek rodzi się i śpiewa tylko tenorem i tylko partiami lirycznymi, lub odwrotnie w basie. Są ludzie, którzy mają skłonność do życzliwości, poświęcenia, a nawet kataru. Mam predyspozycje do tragedii. Jeśli pogoda jest ładna, świeci słońce, niebo jest niebieskie, maluję bez natchnienia. Ale jeśli wezbrała burza, wiał burza, wiał wiatr, czuję dzikie wewnętrzne odrodzenie, to jest dla mnie interesujące. Dramaturgia jest zawsze ciekawsza, bo kojarzy się z doznaniami z pogranicza. Etiudy są zabawne. Pamiętam, jak rysowałem na Tavatui spalone wzgórze w pobliżu jeziora, na którym są białe kikuty, dawno ścięte i białe jak kości. Tworzę obraz, maluję czarną, brązową i białą farbą. Podchodzi mężczyzna i długo stoi za mną. Jego milczenie jest ciężkie. Odwracam się, a on mówi: „Człowieku, co ty robisz, niebo jest niebieskie!”. Mówię: „Tak, nie mam niebieskiej farby…”. „Ach…” odpowiada. Więc mamy zrozumienie. Wyjaśniłem mu dziwność.

Ogólnie rzecz biorąc, kiedy rysujesz w naturze, otrzymujesz wspaniałe komentarze! Kiedyś w Kourovskaya Sloboda podszedł do mnie starzec z kijem. Zatrzymał się, stał długo: „Chciałbym się czegoś takiego nauczyć dla starego człowieka: żyłbym jednak dłużej... - Dlaczego dłużej? Pytam. - Więc czy wystarczy mi długo kosić? I tak z pędzlem szirk-szirk wyglądasz i zarabiasz.

Kiedyś moja przyjaciółka Lesha Kazantsev i ja pisaliśmy wtedy o Swierdłowsku. Podeszły dwie dziewczyny w wieku 17 lat i nie zwracając na nas uwagi, kłócą się, mówią, wow, mężczyźni w tym wieku piją wódkę, ale tarzają się jak świnie. A te rysują. Wciąż lepiej.

Komunikacja z publicznością jest bardzo ciekawa. Lesha była akademikiem, rysowałem swobodniej. Podeszli chłopcy, jeden z nich powiedział, wskazując na Leshę, mówią, że ten jest bardziej poprawny, a ten (wskazując na mnie) jest ciekawszy.

- Brusilovsky napisał kiedyś, że kochasz podobać się kobietom i co najważniejsze, oni cię lubią. Jak kobiece widzowie ocenili Twój serial Kobiety i potwory?

- W księdze gości jeden napisał: „Wychodzę z wystawy brudny i spoliczkowany”, drugi: „Artysta moim zdaniem jest po prostu maniakiem seksu”. Ale była kobieta, która napisała, że ​​najbardziej lubi serial „Kobiety i potwory”. „To dreszczyk emocji, to mężczyzna!” Byłem bardzo dumny.

Wiele lat temu miałem wystawę grafiki w sali Kasli Casting w Czelabińskiej Galerii Sztuki. A jeden z widzów napisał: „Drogi towarzyszu Volovich, naprawdę podobała mi się twoja grafika, ale jeszcze bardziej podobał mi się twój casting Kasli”. (śmiech - Yu.G.).

Kiedyś był taki zapis: „Drogi towarzyszu Volovich, z wielkim zainteresowaniem patrzyłem na twoją pracę i miałem poważne pragnienie z tobą porozmawiać. Mieszkam w Moskwie, adres i numer telefonu są takie a takie.” Podpis poniżej: Psychiatra taki i taki. Lub codziennie: „Masza i ja się kochamy, dlatego nawet spodobała nam się twoja wystawa”. Księga gości jest absolutnie cudowna. Informacja zwrotna!

- Teraz nie ma nikogo. Wcześniej bardzo chciałem zrobić Cyrano de Bergerac, Makbet. W młodości - Zielony. Ale tak się nie stało. Miałem szczęście, „Opowieść o kampanii Igora”, „Romans Tristana i Izoldy”, „Ryszard III” – wszystko to było twórczej aplikacji i za zgodą wydawcy. Wcześniej interpretacja materiału artystycznego była sposobem na wyrażenie swojej postawy, wszystkich „fig” w kieszeni. Jasne jest, że „Ryszard III” był protestem przeciwko władzy totalitarnej. W prasie centralnej pojawiła się recenzja o „Egmoncie”, w której pisali: „Artysta nie dba o Goethego, realizuje swoje wyobrażenia o braku wolności”. Teraz interpretacja Praca literacka niewiele osób jest zainteresowanych. Pojawiły się jasne interpretacje sceniczne, do których artyści są daleko. A oto nowy typ książki, w której staję na równi z autorem literackim. Jest to niesamowicie ekscytujące i pojawia się już wtedy, gdy nagromadziła się pewna ilość pracy i trzeba ją wdrożyć.

Artysta i wiek

Jestem tak przyzwyczajona do książki, że jeśli książki nie wychodzą, czuję się samotna. - Przyznaje. —Złośliwy nawyk robienia książek. Więc teraz martwię się, że nie dam rady opublikować „Ship of Fools”… (książka ukazała się kilka miesięcy po wywiadzie – jesienią 2016 r. – wyd.). Orestea ma trudną historię. Zrobiłem to w 1989 roku na zamówienie wydawcy. Książka nigdy nie została wydana, istnieje jako arkusze sztalugowe. Tymczasem artysta, który dożył pewnego wieku, naprawdę chce realizować się do granic możliwości, takie dziwactwo! Tragiczna jest historia związku artysty z wiekiem. Z reguły jest jakaś praca, której artysta nie ma czasu na ukończenie. Przypomnijmy historię Korina, który całe życie pisał szkic do Odchodzącej Rosji, ale nigdy go nie dokończył. Gena Mosin, która zrobiła Opowieść o Uralu, przygotowała ogromne płótno, rysunek został przetłumaczony na komórki, ale nie dokończony. Takich przykładów jest wiele. A ponieważ mam trochę fantazji, by myśleć, że „Statek głupców” jest dla mnie najważniejszą książką, naprawdę chcę ją wydać. Dla mnie to realizacja najważniejszego pomysłu. Do pewnego stopnia synteza tego, co robiłem przez całe życie.Rozumiem, że sytuacja się zmieniła i to, co mnie interesuje, może nie być zbyt interesujące dla większości widzów. Zastąpi ich zupełnie inne pokolenie artystów, o innych ideach i ideałach. Sztuka figuratywna ustępuje miejsca sztuce sytuacyjnej - instalacjom, artefaktom.Następuje zmiana orientacji i zainteresowań. To, co dotyczy znaczącej grafiki, nikogo nie interesuje.

— Książka blednie. Czy jest coś jeszcze z przeszłości, nawyki, cechy charakterystyczne za co ci przykro? Niektórzy życzą sobie więcej odręcznych listów. Posner żałuje, że inteligencji już nie ma, rozpuściła się...

- Wszystko tak jest. Żyję teraz dłużej niż „okres przetrwania” (to około 12 lat), bardzo oszukałem państwo, wkroczyłem na cudze terytorium. Czuję pewną niestosowność i polegam głównie na tych, którzy również przekroczyli średnią długość życia i podzielają moje poglądy. Tak, artysta jest skazany na siebie. Oczywiście jedynym warunkiem prawdziwej artystycznej egzystencji jest szczerość. Mamy dziwny zawód w tym sensie, że im bardziej artysta jest samolubny, tym większe prawdopodobieństwo, że będzie dla kogoś interesujący. Socjologowie mówią, że artysta powinien studiować popyt, trendy, myślę, że nic z tego nie jest konieczne. Artysta musi być absolutnym egoistą i wyrażać tylko siebie wszelkimi dostępnymi mu sposobami, starać się zadowolić siebie. To nie jest arogancja, to wynika z beznadziei. Jeśli coś wezmę pod uwagę, poszukam jakichś przeciętnych sposobów na zadowolenie widza, to znaczy, że po prostu nie będę dla nikogo interesujący.

- Powiedziałeś, że nie ma nic lepszego niż praca z nieżyjącymi autorami - nie było konfliktów ani z Cervantesem, ani z Szekspirem. Czy była praca, której nie chciałeś wykonać, nie lubiłeś, na odporności materiału?

„Po ukończeniu szkoły artystycznej miałem reputację malarza. Wszystkie moje dziecięce wrażenia z książek zostały zapomniane, podróżowałem ze szkicownikiem i pisałem. Potem w wieku 48 lat zmarła moja mama, miała ogromny dług, musiałem go spłacić. Potrzebujesz zmuszony. Przyjaciel mojej matki, Alexander Solomonovich Ass, szef produkcji w wydawnictwie Swierdłowsku, zasugerował, abym zrobił ilustracje do tekstu opowiadania „Suworowiec” z magazynu Fighting Guys. Bardzo się starałem, wstyd było nie usprawiedliwiać zaufania. I przyniosłem te rysunki do najbardziej przyjaznej mi osoby 13 razy! A on, lamentując, po raz trzynasty, powiedział, no cóż, jest źle, ale nie ma wyjścia. Więc mam historię. To był horror. Obiecałem sobie, że już nigdy nie zbliżę się do wydawnictwa. Gdzieś w warsztacie jest ten rysunek - partyzanci wysadzający pociąg i dzieci rzeźbiące bałwana. Okropna rzecz. Gdyby młody artysta przyszedł do mnie z tym i rysunkami, radziłbym mu zająć się powiedzmy pszczelarstwem...

Minęły lata, a ja spędziłem półtorej dekady w wydawnictwie, wykonując codzienną pracę. Tworzył przewodniki i czasopisma. „Spiżarnia Słońca” według Prishvina stała się fatalna. Te rysunki wykonałem z szaloną miłością. Malował wrony, stogi siana, naturę z natury. Książka wyszła i całkiem nieoczekiwanie przyszedł list od Prishvina z wdzięcznością. Napisał, że moje ilustracje do jego książki są najlepsze. Potem odwiedziłem nawet jego dom na Lavrushinsky Lane. Dużo później moja wnuczka była w piątej klasie, przeszli przez „Spiżarnię Słońca”. Właśnie przyszedł do mnie dziennikarz z Uralskiego i poprosił o list od Prishvina. - Dziadku, znałeś Prishvina?! zapytała wnuczka. — Robiłem ilustracje do jego książki. Odpowiedziałem. Więc znałeś go osobiście? Oczy Anny rozszerzyły się. - Dziadku, czy ty też znałeś Puszkina?

Nadal było zabawna historia z autorami „na żywo”. Przyjechał tu poeta Stepan Shchipachev, a ponieważ miałem już reputację malarza krajobrazu w wydawnictwie, zaproponowano mi napisanie jego książki pt. Sok z brzozy. Myślałem, że chodzi o naturę. Szczipaczow wezwał mnie do krewnych, były pierogi i wódka. Potem zaczął czytać rozdziały z soku brzozowego. Stopniowo wytrzeźwiałem, bo była to książka o rewolucyjnych majowych dniach, o kamiennych namiotach, w których gromadzili się rewolucjoniści. I to było straszne. W drodze powrotnej mamrocząc coś wyjaśniłem, dlaczego nie mogę...

O FORMALIZMIE

- Nazywasz się lata sześćdziesiąte. Czujesz się jak oni?

- Oczywiście, że tak, zwłaszcza, że ​​wszystkie te oskarżenia o formalizm pojawiły się dopiero w latach 60-tych. Wszystko zaczęło się od Miszy Brusilovsky'ego. We wszystkich przypadkach rzuciłem się w jego obronę, Gena Mosin narysowała nawet mój romantyczny portret: stoję w czarnym swetrze, dookoła są korzenie i plakat Don Kichota. Na jednym ze studiów redaktor wydawnictwa książkowego wstał i powiedział, że Brusiłowski powinien zostać sam i zajmować się swoimi prawnikami. I zaopiekowali się mną. Bardzo się o to martwiłem… W tym samym czasie, począwszy od lat 50., otrzymywaliśmy dyplomy na zawodach ogólnounijnych. W kolejnym konkursie komisja nagrodziła moją książkę „Pokonany wieloryb. Dyplom z bajki maltańskiej, który został anulowany za formalizm. W następnym roku dyplom odebrano również nowo nagrodzonej „Skrzyni Malachitu”. W jury zasiadł artysta Dementy Shmarinov, który był oburzony tym faktem. Później, na zebraniu w komitecie okręgowym, naczelnik Jermasz pytał, czy to prawda, że ​​lubię artystów formalistycznych. Wyznałam, że tak i że lubię też polski plakat. Przestali dawać mi pracę i zostałem zmuszony do wyjazdu do Moskwy. Tam od razu otrzymałem zamówienie na Pieśń Sokoła i Pieśń Petrla. Był to czas rewizji ideałów rewolucyjnych. Stalin miał już odpowiednią reputację, ale Lenin, rewolucja, sztuki Szatrowa wciąż były w aureoli świętości. Później otrzymałem srebrny medal za „Scottish Ballad” na konkursie w Lipsku, aw wydawnictwach moskiewskich zrobiłem „Ryszarda III”, „Sagi islandzkie”. Życie się zmieniło. Tak więc kampanie mają minus i to było dla mnie błogosławieństwem.

O PRIORYTECIE WYGODNEJ SZTUKI i umiejętności „mydlania”

— Jak może dziś żyć artysta, jeśli z jednej strony musi być w harmonii ze sobą, az drugiej zarabiać? Jak nie wpaść w dobra konsumpcyjne?

- Dziś jest absolutna wolność, możesz pisać, co chcesz. Inna sprawa, że ​​nikt tego nie potrzebuje. Cała sztuka została poprawiona, ale sztuka piękna bardziej niż cokolwiek innego. W końcu świat jest wypełniony obrazami wizualnymi - telewizją, prasą, błyszczącymi czasopismami. Artysta, aby znaleźć swoje miejsce, musi odejść od wizualnej wiarygodności, wymyślić własną, bardziej złożoną metodę odzwierciedlania tego, co widzi i czuje. Pociąga to za sobą komplikację języka. I - całkowita obojętność widza. Dlatego artysta jest teraz zdany na łaskę losu, państwo nie bierze w tym udziału. Jest pewna historia związana z Rewolucją Francuską. Artysta Gustave Curbet był osobą bardzo brutalną, brał udział w obaleniu kolumny Vendome, ale potem się uspokoił i pod koniec życia został odznaczony Orderem legion honorowy. Uroczyście odmówił i napisał notatkę do gazety, w której w szczególności były takie słowa: „Państwo wtedy spełni swój obowiązek wobec sztuki, gdy pozostawi o nią wszelką troskę”. Pomyśleliśmy, Panie, bez cenzury... to jest szczęście! Nastały czasy, państwo pozostawiło nas pod opieką, a my zostaliśmy oddani w ręce nie elity, ale ludzi, którzy nagle stali się bogaci. Mają własne gusta i preferencje. A zależność ekonomiczna artysty od egzystencji w tej warstwie jest wielokrotnie bardziej upokarzająca i gorsza niż jakakolwiek cenzura, bo cenzurę można obejść. Zaproponowała metaforę, brak bezpośredniości, objazdy. Niekiedy służyło to sztuce. Teraz osoba, która ma środki, wybiera to, co lubi: uczyń mnie piękną. Artysta został tapicerem Jego Królewskiej Mości, dekoratorem wnętrz w domach zamożnych ludzi. Zniknęła potrzeba indywidualności artysty. Wcześniej, nawet w najstraszniejszych czasach, ten, który wyrażał swój stosunek do świata, był uważany za artystę. Teraz to nie jest potrzebne. Musi być piękny i wygodny. Pamiętam, że przyjechał tu właściciel galerii z Tuluzy, towarzyszyłem mu, komentując obrazy. A w warsztacie Vityi Reutova, wspaniałego mistrza hiperrealistycznego magazynu, właściciel galerii mówi: „Wszystko to jest cudowne, ale dlaczego cały czas jest tam pochmurno?!”. Popyt jest słoneczne krajobrazy, wygodna sztuka. Sztuka zdegenerowała się i jest tylko sposobem na dekorację wnętrz. Dramaturgia, sztuka konfliktu, indywidualność twórcza nie są dziś potrzebne. Młodzi, utalentowani faceci dorastają w atmosferze potrzeby posiadania klienta, robienia tego, co modne i pożądane. A to, oczywiście, jest dzikim ciosem dla sztuk pięknych, czy to się odrodzi? W naszym kraju, podobnie jak na Zachodzie, tylko nieliczni artyści zarabiają dzięki swojej sławie, statusowi, całej reszcie - wzornictwu, wydawnictwom, pedagogice czy sztuce użytkowej. Aby robić to, co lubisz, musisz mieć dodatkowe zarobki.

Kolejka po sztukę

- Zjawisko kolejek do sztuki. Co o tym myślisz?

— Chciałbym pomyśleć o pojawieniu się zainteresowania sztuką. Ale pamiętam, że na wystawie Głazunowa kolejka była równie krótka, wręcz przeciwnie. To zainteresowanie sztuką klasyczną, spowodowane głodem, jaki rodzi się w widzu z powodu tego, że artyści nie tworzą przedmiotów. Tworzą interpretacje. Na wystawie w Hotelu Iset była ogromna liczba młodych ludzi, ale myślę, że wytłumaczeniem tego jest moda. Przychodząc na wystawę zyskujesz status osoby postępowej, nowoczesnej, należysz do elity. Z Sierowem prawdopodobnie tęskni za prawdziwą sztuką. Tutaj oczywiście jest jakaś masowa hipnoza, ale są ludzie, którzy są nią naprawdę zainteresowani.

— Gdzie przebiega granica między sztuką współczesną a materią, którą rzekomo tworzą artyści?

- Została wymazana. Sztuka współczesna nie rości sobie prawa do tworzenia przedmiotu ani nie jest następcą sztuki wizualnej. Mają nawet sformułowanie: „Poza pracą ręczną”. To są inwencje intelektualne, sposób interpretacji. Na Biennale pojawiła się imitacja ściany płaczu, gdzie zamiast banknotów do Pana wsunięto banknoty. To było wywrotowe, ale ciekawe: więź z Bogiem została zastąpiona własnym interesem. To sztuka, która przeniosła się w sferę intelektualisty. Sztuka figuratywna w coraz większym stopniu przechodzi w sferę klasyki. I coraz mniej wyraża związek, problemy, które pojawiają się we współczesnym społeczeństwie. Zwłaszcza w związku z utratą prawdziwego znaczenia, przejściem do komercyjnej hipostazy, która nie interesuje nikogo poza właścicielami wnętrza. Zawsze są utalentowane interpretacje, są też przeciętne. Tak jest w przedstawieniach. Któregoś dnia oglądałem „Eugeniusza Oniegina” Wachtangowa. Bardzo utalentowany reżyser. Widziałem też „Króla Leara” reżysera Butusowa. Całe przedstawienie składa się z napiętego zestawu reżyserskich wynalazków, Szekspir ponosi straty. W prostocie nie ma słowa! Cały czas metafory, zagadki do rozwiązania. Jeśli są utalentowani, to ciekawe, jeśli nie... W naszej operze Oniegin przyjeżdża na skuterze do Larinów. Mam dobry stosunek do opery, która potrzebuje reformy bardziej niż inne. A teraz Lensky śpiewa „Kocham cię, Olga!” i, przepraszam, czuje ją jak chłopak w ostatnim rzędzie kina. To nie wzbudza we mnie współczucia. Obejrzałem też „Próżne środki ostrożności”. Scenografię narysował artysta z Teatru Bolszoj, wykorzystując motywy Van Gogha. Byłem zdumiony. Jedynym połączeniem jest to, że akcja rozgrywa się w Prowansji, o czym pisał Van Gogh. Ma uczucie bólu, tragedii. A potem, w drugim akcie, kurtyna otwiera się i widzimy „salę bilardową” Van Gogha, miejsce popełnienia samobójstwa, najbardziej ekstatyczny i złowieszczy obraz artysty. Na tle pasterskiego pasterstwa? Samowola artystyczna jest ograniczona. Intencja reżysera powinna naświetlać niektóre momenty akcji, ale nie być denerwującą demonstracją obecności reżysera w każdym fragmencie spektaklu. Choć jestem dość nowoczesnym facetem, potrafię docenić samowolę reżysera.

O rodzinie i wieku

Czy ktoś z Twojej rodziny poszedł w Twoje ślady?

Dzięki Bogu nikomu. Menedżer wnuczki, niedawno urodziła prawnuka. Wnuk Zhenya przez długi czas pracował w telewizji, teraz zajmuje się fotografią, miał wystawę portretów w Cinema House. Kto chce mieć swój zawód dla dzieci lub wnuków? To zbyt trudna praca. Może to łatwiejsze niż bycie piosenkarzem. Artysta zawsze może powiedzieć: „Tak to widzę, nie rozumiem”. Ale ogólnie praca artystyczna wiąże się z wielką cierpliwością i miłością. Aby znieść te wszystkie zastrzyki dumy, ambicji, niezadowolenia, rozczarowania, wystarczy bardzo kochać swój zawód. Moje wnuki to dobrzy ludzie. Mój wnuk dał mi prawnuczkę. Mam duży zestaw. Rzadko spotykamy się jako rodzina. W rzeczywistości nie miałem krewnych, więc nie ma tradycji gromadzenia się przy rodzinnym stole. Ale wnuk i wnuczka przychodzą do warsztatu. Wnuczka gotuje zupę, sprząta... W naszych firmach nawet świętujemy Nowy Rok, to normalne i naturalne. Chociaż mam najczulsze relacje z dziećmi, pewnie dlatego, że wiem, jak nie ingerować w ich życie. Ogólnie uważam, że dziadek powinien pomagać dzieciom, oczyszczać je z kłopotów, zdrapywać wszelkiego rodzaju muszle, które mimowolnie przywierają i - nie ingerują w ich życie.

- Możesz zostać postawiony w honorowym rzędzie: wreszcie Pozner, Żvanetsky, Shirvindt, Zeldin. To mężczyźni, którzy mimo swojego wieku nie stracili na atrakcyjności, także dla kobiet, pewnego rdzenia. Jak ty to robisz?

— Trochę popisuję się swoim wiekiem, oszczędzam trochę energii. A za mną ugruntowała się reputacja lokalnej dzielnicy Zeldin (śmiech). Po prostu bardzo interesuje mnie praca. To nie moja zasługa. Genetycznie organizm jest ułożony w taki sposób, że wciąż się trzyma. Ale czasami zdarza się, że człowiek wygląda znacznie młodziej niż jego lata - pod względem energii, inteligencji, a potem pojawia się pewien okres i nagle raz i natychmiast osiąga swój wiek.Mam dość skomplikowaną relację z wiekiem. Prowadzę tryb życia niezgodny z moim wiekiem. Przypomnij sobie żart o dwóch staruszkach, którzy opowiadali o dwóch niebezpieczeństwach: Alzheimera i Parkinsona. Preferowana jest choroba Parkinsona. Lepiej wylać kilka kropel ze szklanki, niż całkowicie zapomnieć, gdzie schowałaś butelkę wódki. Wciąż pamiętam. Praca! Oczywiście to ratunek. A warsztat to reanimacja nie w metaforycznym sensie, ale w absolutnie pełnym tego słowa znaczeniu. Czasami budzisz się, myślisz, tak, idź do piekła. Wkrótce 90! A potem przychodzisz na warsztaty, 10-15 minut i tyle, 10 godzin bardzo aktywnie pracuję. Praca trwa.

Dziś mija 90 lat artysta ludowy Rosja, legenda Jekaterynburga Witalij Wołowicz. To jego postać, wraz z Mishą Brusilovsky i niemieckim Metelevem, jest przedstawiona w grupie rzeźbiarskiej „Obywatele. Rozmowa” w parku na rogu Alei Lenina i Michurina. Poprosiliśmy ludzi, którzy go znają, aby powiedzieli nam na czym polega wyjątkowość artysty Wołowicza.

Witalij Wołowicz mieszka na Uralu od czwartego roku życia. Jak pisze Anna Matveeva w książce Obywatele, w dzieciństwie Vitya, jak nazywano go w domu, nie tylko dobrze rysował, ale także dobrze śpiewał. Ale los sprawił, że mimo wszystko został artystą. Sam Witalij Michajłowicz powiedział, że bardzo wcześnie zdecydował się na zawód.

W szkole marzyłem o wstąpieniu do szkoły artystycznej, a w szkole marzyłem o wstąpieniu do instytutu. Po przybyciu z instytutu marzyłem o robieniu rzeczy, które są dla mnie interesujące i przyjemne. Zrobiwszy jedno, marzyłem o innym, jeszcze ciekawszym.

Jewgienij Roizman, który zna dobrze zarówno Volovicha, jak i Mishę Brusilovsky, mówi, że obaj są jedną z największych osób, które ukształtowały kulturowy wizerunek Jekaterynburga:

Ten Wołowicz, że Brusiłowski przez całe życie szli swoją drogą, nie nadepnęli nikomu na gardło, nie zabrali cudzego, nie dołączyli do partii, nie zdradzili swoich przyjaciół, a przy tym przez całe życie dorastali, dawali ludziom radość i poprawiali się. Zgadzasz się, że jest ich już dużo?

Witalij Wołowicz jest uważany za jednego z najlepszych rosyjskich grafików książkowych, jest znany w całej Europie, a może nawet bardziej niż tutaj, mówi Jewgienij Roizman.

Uważany jest za najlepszego ilustratora Brechta, jest jednym z najlepszych ilustratorów Szekspira, jest człowiekiem świata. kultura książki, nie ma teraz nikogo bliskiego jego poziomowi. Volovich wykonał najlepsze ilustracje do The Malachite Box. I oczywiście Tristan i Izolda, Heather Honey są przykładami grafiki książkowej, uważa Roizman. - Volovich jest bardzo dokładnym artystą, udało mu się wiele naprawić. Na przykład jego szkice Tawatui mają po prostu znaczenie naukowe, ponieważ ta wioska Tawatui już nie istnieje. To właśnie prawdziwy mistrz, który w ogóle nie był od renesansu. Do niedawna wykonywał ryciny, umiał robić mozaiki, umiał tworzyć grafikę, malować i jest dla nas bardzo ważne, że całe życie był związany z Jekaterynburgiem.

Po śmierci żony Witalij Michajłowicz prawie co wieczór odwiedzał swojego bliskiego przyjaciela Brusiłowskiego, a po śmierci Miszy Szajewicza do Tatiany, jego żony. Brusilovsky i Volovich byli bliskimi przyjaciółmi.

„Witalij Wołowicz to legendarna osobowość, podsycana chwałą, mitami, kultem. Możemy śmiało powiedzieć, że chociaż Volovich mieszka w Jekaterynburgu, miasto ma przyszłość” – napisał Misha Brusilovsky. - Trudno znaleźć nazwisko tak pasujące do jego posiadacza. Wysoki mężczyzna, lekko przygarbiony, jego ręce to potężne pazury, duże okulary osadzone na dużym haczykowatym nosie. Osoba jest bardzo inteligentna, ale intelekt wyczerpuje się w zależności od okoliczności i stopnia przygotowania rozmówcy. Uwielbia zadowalać kobiety i naprawdę lubi. W towarzystwie osoba uprawia hazard, hałaśliwa, wesoła, dowcipna, pojedynkująca się w sporze. Artysta o światowej renomie, ale to dziedzina historii sztuki. Ograniczę się do stwierdzenia najważniejszego: jest moim przyjacielem i jestem z tego dumny.

Dzieła Witalija Wołowicza są poszukiwane wśród kolekcjonerów na całym świecie, Valery Suvorov, właściciel domu aukcyjnego Suvorov, potwierdził portal.

Wspaniała praca na światowym poziomie, powiedział. - Volovich jest jednym z najlepszych współczesnych grafików na świecie. [Jego praca] zawsze była i będzie pożądana wśród intelektualnie rozwiniętej części populacji, wśród tych, którzy kochają literatura klasyczna przygotowany na wysokim poziomie i humanitarny.

Tamara Galeeva, kierownik Departamentu Historii Sztuki i Studiów Muzealnych UrFU, zauważyła „fantastyczną zdolność do pracy i twórczą energię Witalija Michajłowicza”.

Witalij Wołowicz rysował od zawsze, odkąd pamięta. Jakby mu przeznaczone było zostać artystą, a ponadto ilustratorem książek, bo książki otaczały go od dzieciństwa. W domu rodziców znajdowała się bogata biblioteka, zawierająca nie tylko współczesne publikacje radzieckie, ale także przedrewolucyjne, w tym te „wywrotowe” w tym czasie. To znaczy, urzeczywistnienie siebie jako artysty nastąpiło bardzo wcześnie, w dzieciństwie - powiedziała. - Teraz wystawy poświęcone Wołowiczowi spróbują podsumować niektóre wyniki jego twórcze życie, a to jest niesamowicie trudne, bo to osoba, która ciągle się rozwija, artysta, który zawsze jest z siebie niezadowolony, zawsze pełen wątpliwości, autoironiczny. A to wszystko są nasiona dalszego wzrostu.

- Dobrze znasz Witalija Michajłowicza, jakim on jest osobą?

Witalij Michajłowicz jest towarzyszem i osobą absolutnie niesamowitej życzliwości, wyjątkowo przyjemnie i wygodnie się z nim komunikować. Ma genialne poczucie humoru, niesamowitego gawędziarza, człowieka, którego bagaż życiowy zawiera tyle niezapomnianych i zabawne historie o spotkaniach z ciekawi ludzie. Powiedziałbym, że urlopowicz.

Jeśli wyobrazisz sobie galerię za 100 lat, w której będą gromadzone obrazy różne epoki. Obok czyjej pracy powiesiłbyś dzieło Volovicha?

Szczerze mówiąc powiesiłbym go obok Picassa. Absolutnie zunifikowana przestrzeń artystyczna. Tak, być może Picasso był bardziej zróżnicowany, ponieważ pracował w teatrze, zajmował się rzeźbą i ceramiką, ale jeśli mówimy o obszarze, w którym Volovich jest absolutnym profesjonalistą, o grafice, to myślę, że wyglądali z boku obok byłoby całkowicie organiczne.

Dziś w Jekaterynburgu - w Bibliotece Bielińskiego i Muzeum Ernsta Neizvestnego otworzą się wystawy prac Wołowicza poświęcone jego 90. urodzinom.

Redaktorzy strony gratulują Witalijowi Wołowiczowi jego rocznicy, życzą mu zdrowia i szczęścia!

Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej Urodzony w 1928 roku w Spassku, Kraj Nadmorski. W 1948 ukończył Swierdłowsk Art College. Od 1950 roku uczestnik wystaw miejskich, regionalnych, strefowych, republikańskich, ogólnounijnych i międzynarodowych, wielokrotny laureat krajowych i zagranicznych konkursów książkowych. Od 1956 jest członkiem Związku Artystów Plastyków ZSRR. W 1973 otrzymał honorowy tytuł Honorowego Artysty RFSRR. W 1995 roku przyznano im Nagrodę. G.S. Mosin. W 1998 otrzymał Nagrodę Gubernatora Obwodu Swierdłowskiego za wybitne osiągnięcia w dziedzinie literatury i sztuki. W 2005 roku został odznaczony Złotym Medalem Rosyjskiej Akademii Sztuk pod hasłem „Godni”. W 2007 roku otrzymał tytuł naukowy członka korespondenta Rosyjskiej Akademii Sztuk. W 2007 roku otrzymał tytuł „Honorowego Obywatela Jekaterynburga”. W 2008 roku po raz drugi przyznano Nagrodę Gubernatora Obwodu Swierdłowskiego za wielki osobisty wkład w rozwój sztuk pięknych i wieloletnią owocną działalność. Zajmuje się grafiką książkową i sztalugową. Ulubione techniki to akwaforta, miękki werniks, litografia, a także akwarela, gwasz, tempera... Mieszka i pracuje w Jekaterynburgu. Prace znajdują się w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina, Państwowa Galeria Tretiakowska, Państwowe Muzeum Rosyjskie, muzea sztuki w Jekaterynburgu, Iwanowie, Magnitogorsku, Niżnym Tagilu, Nowosybirsku, Permie, Saratowie, Czelabińsku, Jarosławiu. Galeria Narodowa w Pradze, Galeria Morawska w Brnie, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Kolonii, Muzeum J.W. Goethego i F. Schillera w Weimarze, Centrum Szekspirowskie w Stratfort-on-Avon oraz inne kolekcje publiczne i prywatne w Rosja, Austria, Niemcy, Izrael, Hiszpania, Włochy, USA i Francja. Kolekcja Muzeum Irbita Puszkina jest największą i najbardziej kompletną kolekcją dzieł artysty.

Witalij Wołowiczu

G. Golynets, S. Golynets

Najlepszym świadectwem Wołowicza są portrety namalowane przez jego przyjaciół i współpracowników Giennadija Mosina i Mishę Brusilovsky'ego. Pierwsza przedstawia protestującego młodzieńca, pełnego energii, gotowego, jak Don Kichot, odeprzeć siły zła, druga ukazuje zmęczonego, ale nie złamanego mistrza filozofa. W samym wyglądzie Wołowicza jest coś przeciwnego „człowiekowi mas”. Wcześnie dojrzały duchowo, zawsze starał się być niezależny zarówno od rządzących, jak i od modnych społecznych mód i społecznych złudzeń. Niemniej artysta został ukształtowany przez czas. Jego dzieciństwo i młodość przypadły na lata 30-40, z ich tragediami politycznymi i heroizmem Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, trudami życia codziennego i całkowitym stłumieniem indywidualności. Pasja do rysowania pierwotnie żyła w Witaliju Lovich wraz z pasją do historii i literatury. Przyszły artysta dorastał i wychowywał się w środowisku literackim1. Świat obrazów literackich zawsze był dla niego jakby drugą rzeczywistością, zarówno przeciwstawną realnemu życiu, jak i wewnętrznie z nim porównywaną. Po ukończeniu Swierdłowskiego Art College w 1948 roku dwudziestoletni Wołowicz od razu poświęcił się książce2. W sumiennych rysunkach piórem, w intymnych motywach pejzażowych i zwierzęcych trudno przewidzieć przyszłego twórcę monumentalnych obrazów, artystę o orientacji społeczno-filozoficznej. Ale to właśnie kameralne, liryczne motywy pozwalały w tamtych latach uchronić się przed atakiem oficjalnej ideologii.

Spiżarnia Słońca została opublikowana niezliczoną ilość razy, a ja mam spiżarnie we wszystkich rozmiarach i kolorach, ale Twoja jest najlepsza. Te słowa, napisane przez Michaiła Priszwina w 1953 roku, pomogły początkującemu rysownikowi, który wtedy jeszcze musiał znaleźć własną drogę, która zbiegła się w czasie z nadejściem nowego etapu w naszej historii - okresu odwilży. Odtąd człowiek nie chciał się czuć jak trybik w machinie państwowej. Nie osłabiło to jednak aspiracji obywatelskich, a wręcz przeciwnie, je wzmocniło. Afirmację osobowości i zarazem patos kolektywizmu wyrażał w sztuce przełomu lat 50. i 60. tzw. surowy styl, który próbował w nowy sposób łączyć prawdę o życiu z wzniosłymi ideałami. Surowy styl przeciwstawiał zewnętrzne podobieństwo do natury obrazów upiększonej rzeczywistości z ekspresją, działaniem uogólnionej formy artystycznej, co odpowiadało charakterystycznemu dla tamtych lat zdecydowanemu pragnieniu szybkiej przemiany świata. Surowy styl przejawiał się żywo w Swierdłowsku, mieście, z którym związane jest całe świadome życie Wołowicza i w którym od końca lat 50. rozwija się prawdziwie twórcze środowisko. Wołowicz w tym środowisku miał zająć miejsce szczególne, dając przykład ascetycznego stosunku do swojej twórczości. Niestrudzenie doskonalił swoje umiejętności, pracował codziennie po dziesięć i więcej godzin, wiele czerpał z natury, zwłaszcza podczas podróży po kraju, wyjazdów do Czechosłowacji, Niemiec, Chin, Korei, studiował w muzeach i bibliotekach. Sam czas zbliżał się do artysty: przewartościowywano całe warstwy kultury rosyjskiej i obcej, ujawniano zapomniane nazwiska, rozwijały się niewyobrażalne wcześniej ekspozycje. Zarówno dziedzictwo dawnych mistrzów, jak i osiągnięcia sztuki nowoczesnej, od monumentalnych uogólnień Rockwella Kenta po kubizm Picassa, były postrzegane przez pokolenie Volovich nie abstrakcyjnie, z zewnątrz, ale jako źródło własnych poszukiwań. Na przełomie lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych Volovich entuzjastycznie ilustrował legendy i baśnie różnych narodów: bajkę chińską „Małpa i żółw”3, arabski „Kalif bocian”, czeski „Pasterz i rycerz”, Nieńcy „Pokonany wieloryb”, „Opowieści Mansi”. Przyciągnęły dzieła sztuki ludowej młody artysta integralność postrzegania świata, klarowność idei estetycznych. Baśnie i legendy pozwoliły mu pokazać swoją wyobraźnię, poczuć atmosferę różnych krajów i epok i przekazać ją, dyskretnie posługując się technikami sztuki dawnej w ilustracjach. Odtąd Volovich nie przenosi szkiców z natury do książki, ale je przetwarza, podporządkowując płaszczyznę kartki książki, dążąc do stylistycznej jedności obrazu, ornamentu i czcionki. Poszukiwanie wyrazistości skłoniło do eksperymentowania w różnych technikach: od rysowania piórem i akwarelą artysta doszedł do grawerowania na linoleum, którego lapidarny język wyraźnie ujawniał cechy surowego stylu. Edycje bajek z ilustracjami Wołowicza adresowane były do ​​dzieci, ale artystą dziecięcym nie został. Odzwierciedlając trendy stylistyczne swoich czasów, te cienkie zeszyty okazały się dla Volovicha szkołą profesjonalizmu i przygotowały go do pracy nad innymi publikacjami. Po raz pierwszy artysta zetknął się z problemem dużego zespołu książkowego, ilustrując i projektując „Pudełko malachitowe” Pavla Bazhova (1963), publikację zawierającą dziewięć opowieści. Kiedyś pisarz narzekał na ilustratorów, że „nie patrzą w fantastycznym kierunku”. W linorytach Volovicha, powstałych nie bez wpływu współczesnej grafiki litewskiej, magiczne obrazy uralskich legend wznoszą się ponad codzienność. Dynamiczną kompozycją, przemieszczeniem przestrzennych rozszerzeń artysta, nie naśladując wzoru kamienia, wzmocnił skojarzenia kolorowego druku z szlifem malachitu czy jaspisu.

Mimo wielokrotnych zwycięstw Wołowicza na republikańskich i ogólnounijnych przeglądach sztuki książki, lokalne władze były podejrzliwe wobec poszukiwań i eksperymentów artysty. Niezadowolenie nasiliło się, gdy pod koniec 1962 r. przywódcy partyjni odwiedzili wystawę w moskiewskim ujeżdżalni: zaczęli szukać swoich formalistów w Swierdłowsku. Doszło do tego, że Volovich, na wniosek wydziału ideologicznego obwodowego komitetu partyjnego, został pozbawiony dyplomu otrzymanego w ogólnounijnym konkursie na 50 najlepszych książek do ilustracji do Pokonanego wieloryba. Pomyślnie rozpoczęta współpraca z wydawnictwem książkowym w Swierdłowsku została przerwana na kilka lat. Ale Volovich był już znany poza Uralem. W 1965 r. wydawnictwo „ Fikcja „Opublikowany ze swoimi ilustracjami jako osobna książka Gorkiego „Song of the Falcon” i „Song of the Petrel”. Romantyczna interpretacja wydarzeń rewolucyjnych, plakatowy montaż obrazów alegorycznych i rzeczywistych, wyrazistość formy sylwetki czynią te ryciny na tekturze typowym przykładem surowego stylu. Idąc za nimi, w tej samej technice wykonał ilustracje do ballady Roberta Stevensona Heather Honey (1965), zaprojektowanej specjalnie na Międzynarodową Wystawę Sztuki Książki w Lipsku i nagrodzonej tam srebrnym medalem. Cienka księga, dobitnie wydłużona w pionie, zawierała serię rozkładówek, w których skontrastowane są dwa światy: naiwnych, wzruszających miodosytników, których szkarłatne postacie, niczym kwiaty wrzosu, tworzą żywy, ruchomy ornament na śnieżnobiałych kartkach, oraz bezwzględnych zdobywców, postrzegane przez słabo podzieloną czarno-szarą masę. Ilustracje do „Heather Honey” zdawały się skupiać całe dotychczasowe doświadczenie młodego artysty: młodzieńczą pasję do literatury romantycznej XIX wieku, dzięki której odsłoniła się przed nim europejska starożytność i średniowiecze, praca nad książką dla dzieci, kontakt z próbkami ludowej fantazji. Jednocześnie nowe ryciny mówiły o zbliżaniu się do dojrzałości, artysta odnalazł w nich własny temat, wskazywały na główny cel twórczości: potępienie przemocy, okrucieństwa, gloryfikację hartu ducha. Nazywamy Volovicha człowiekiem z lat sześćdziesiątych. To prawda. Trzeba jednak pamiętać, że znalazł się w pełni dopiero w drugiej połowie dekady, kiedy sytuacja społeczna w kraju zmieniła się już pod wieloma względami. W pewnym sensie pozycja artysty zaczęła się poprawiać: czepianie się formalnych poszukiwań i innowacji złagodniało nawet na prowincji, wydawałoby się, że spojrzenie na sztukę się poszerzyło, ale jednocześnie rodzą się romantyczne nastroje. zniknęła odwilż i nasilił się dyktat polityczny. W tym okresie ujawniła się społeczna wrażliwość Wołowicza: nie porzucił on wzniosłych ideałów swojej młodości, ale odtąd afirmował je poprzez tragiczne zderzenia. W lustrze historii, w lustrze światowej klasyki literatury, artysta widzi palące problemy naszego życia. „Dla mnie ważna jest zasada działania w dwóch wymiarach – czasu wydarzeń z książki i tego, w którym mieszkam. Wydaje mi się, że idee czasu, odbierane jako osobiste, dają możliwość spojrzenia na przeszłość świeżym, aktualnym spojrzeniem – wyjaśnia Volovich. Nie, ilustrator nie korzysta z żadnych zewnętrznych aktualizacji. Wielki znawca historii kultury materialnej, broni, architektury, potrafi za pomocą wybranych, charakterystycznych detali oddać barwę przedstawianej epoki, a jednocześnie podkreślić w tragediach Szekspira, Goethego, Ajschylosa, w średniowiecznej epopei i poezja rycerska myśli, które dziś brzmią na aktualne. Zmieniają się również koleje fabuły dla artysty, a szczegóły cech portretu, tworzone przez niego obrazy nabierają bezosobowego charakteru, stają się nośnikami odwiecznych idei. W interpretacji Wołowicza bohaterowie Otella postrzegani są jako symbole ludzkich namiętności i cierpienia - tragedii miłości, w obliczu zazdrości, oszczerstw i bezwzględności. W tej serii artysta doprecyzował obraną wcześniej przez siebie metodę stylizacji światłocienia. Szeroko znana w sztuce średniowiecznej - fresk, ikona - ta technika, twórczo rozumiana przez Volovicha, stała się być może głównym środkiem wyrazu mistrza: obraz jest odtwarzany przez cudowną linię - granicę między światłem a ciemnością, teraz wibruje pogrążając się w ciemności, a następnie błyskając ostrym blaskiem. Formy surowego stylu pozostały organiczne dla Volovicha, ale jego odważna sztuka została wzbogacona o nowe cechy. Zachowując płaskość obrazu, wrażenie kartki książki, mistrz przeszedł do bardziej skomplikowanych rozwiązań przestrzennych i plastycznych, co doprowadziło również do zmiany techniki wykonania. Po raz kolejny demonstrując możliwości grawerowania na tekturze w ilustracjach do Otella (1966), Volovich zwrócił się następnie do klasycznej akwaforty, a nieco później do litografii. W ilustracjach do tragedii Szekspira „Ryszard III” (1966) artysta jest pozornie powściągliwy, a nawet racjonalny. Igła akwaforty zagęszcza pociągnięcia w czarną siatkę cieni, rysuje kraciastą podłogę, dając ślad przebicia płaszczyzny w głąb, a horyzonty nieba, przeciwnie, utrwalają tę płaszczyznę. W takiej warunkowej, pozbawionej powietrza przestrzeni groteskowe, teatralne postaci nabierają materialności. kronika historyczna oraz przedmioty symboliczne: korona królewska, sztylety skrytobójców, waga sprawiedliwości, topór kata. Interpretując „Richarda III” jako tragedię polityczną, Volovich konsekwentnie ujawniał krwawą ścieżkę swojego bohatera
władze.

Akwaforty do tragedii Szekspira przypominają, że obok literatury teatr był źródłem inspiracji dla Wołowicza. Artystę pociągają dzieła dramaturgiczne. I nie tylko w ilustracjach do nich, ale iw większości kompozycji zaskakuje umowność podestu scenicznego i teatralność mise-en-scen. „Cały świat działa” – słowa Terence'a, zapisane na „Globe” Szekspira, mogłyby stać się mottem swojej twórczości Wołowicz. Doceniając tę ​​cechę talentu artysty, był wielokrotnie zapraszany do projektowania spektakli w teatrach - ludowych i akademickich, dramatycznych i muzycznych, lokalnych i metropolitalnych. Jednak on, mimo zamiłowania do sceny, do środowiska teatralnego, mimo że sam miał kiedyś zostać aktorem, odrzucił te propozycje. Oczywiście Volovich nie potrzebuje współautorów. W książkach i kompozycjach sztalugowych tworzy swoje spektakle zgodne z poszukiwaniem współczesnego teatru4. Tragedia światopoglądu Wołowicza narastała z roku na rok. Nieubłagany los, który prześladuje człowieka, staje się Główny temat ilustracje do sag islandzkich i irlandzkich (1968), w których ludzie są przedstawieni w kosmosie utkani w ciasną kulę ze złowrogimi chimerami. Jednak nawet tutaj artysta zachował swoją postawę etyczną i, wchodząc w spór z tekstem sag, który odzwierciedlał poglądy społeczeństwa plemiennego, przeciwstawił się kultowi brutalnej siły jasnymi ludzkimi uczuciami. Zasadę czynnej interpretacji klasyków realizują także ilustracje do „Romansu Tristana i Izoldy” Josepha Bediera (1972), nagrodzonego w 1976 r. na Wystawa międzynarodowa w Brnie z brązowym medalem. W ta sprawa przyczynił się do tego sam materiał literacki: nie zachował się oryginalny tekst z XII wieku, wersje, które do nas dotarły, odzwierciedlały idee i gusta z czasów, kiedy powstały, w niektórych bardziej związanych ze starożytną epopeją celtycką, w innych z dworską poezją rycerską. Volovich podążył za lekturą powieści Wagnera i zintensyfikował mroczne, tragiczne nuty. Brak jedności bohaterów, ich niemożność zjednoczenia i bezinteresowne marzenie o szczęściu – to główna idea serii graficznej stworzonej przez artystę XX wieku. W celu uzyskania plastycznego wyrazu Volovich posługuje się techniką, którą polubił - powtarzaniem we wszystkich ilustracjach jednego schematu konstrukcyjnego: postacie są skrępowane i oddzielone od siebie przez umieszczone frontalnie kamienne ściany i łuki, za którymi pusta odległość otwiera się. Litograficzne sfumato, okrągłość form, zastępująca charakterystyczną dla poprzednich prac sztywność krawędzi, sprawiła, że ​​arkusze stały się bardziej przestrzenne, detale bardziej obszerne, a jednocześnie uzyskano jeszcze większą monumentalność. W litografiach Volovicha nie ma urzekającej prostoty legendy. O ile powieść pełna jest barwnych opisów bitew, pojedynków, biesiad, polowań, jakby przeznaczona do malarskiego wcielenia, o tyle grafika, oddająca wrażenie wczesnego średniowiecza i surowego kornwalijskiego krajobrazu, ogranicza się do skąpych środków. W wyborze tematów Volovich nie trzymał się ściśle logiki rozwoju fabuły, pomijał znaczące epizody, przekazywane przez wiele postaci. Właściwie funkcję ilustracyjną pełnią głównie wygaszacze ekranu, a ilustracje stronicowe służą jako metaforyczny wyraz toczących się wydarzeń, ich treść ujawnia się nie tyle podczas czytania, ile podczas myślenia o tym, co przeczytane, zapamiętywania. Wchodzenie do sztuki w czasie, gdy aktualne problemy zespołowe rozwiązanie książki, Volovich w pracach z przełomu lat 50. i 60. dążył do dekoracyjnej jedności jej elementów. Zawsze z uwagą podchodził do szaty graficznej i projektu publikacji, ale specyficzne zagadnienia sztuki książki spychane są dla niego na dalszy plan. Już pod koniec lat 60. w twórczości Wołowicza pojawił się nurt, który wówczas określano mianem „dziesiątkowania” grafiki książkowej.

Artysta czuł się w książce ciasny: litografie i akwaforty z lat 70., inspirowane mitologią pogańską, poezją średniowieczną i literaturą współczesną, postrzegane są jako dzieła niezależne. Niekiedy przybierały nietypowe dla grafiki wymiary i były formowane zgodnie z prawami sztuki monumentalnej w tryptyki i poliptyki („Strach i rozpacz w Trzecim Cesarstwie” na podstawie Zongów do sztuki Bertolta Brechta, 1970; „Teatr Absurd, czyli metamorfozy faszyzmu” na podstawie tragicznej farsy Eugeniusza Ionesco „Rhino, 1974; Conquerors, 1975). Częściej jednak tworzyli sztalugowe wieloarkuszowe serie tematyczne, nad którymi prace trwały w kolejnych dekadach. Dla wielu artystów pokolenia Wołowicza język alegorii był jedynym sposobem na opowiedzenie o palących problemach naszych czasów. W ten sposób średniowiecze, z pustymi rycerskimi muszlami, płonącymi księgami, ginącymi poetami i naukowcami, stało się rozwiniętym przez Wołowicza symbolem antyludzkiego reżimu.

Motywy cyrkowe od lat 70. zajmują w twórczości mistrza szczególne miejsce. Miłość do tego rodzaju widowiskowej sztuki, która okazała się nie mniej silna niż miłość do teatru, dała początek serii akwafort, a później gwaszu i tempery. Artystę, który pragnął wyjść z kręgu znanych tematów i rozwiązań kompozycyjnych, uchwycił barwny, karnawałowy przedstawienie cyrkowe gdzie „wszystko jest możliwe”, gdzie twórczość artystów na niebezpiecznej krawędzi sprawia, że ​​serce zatrzymuje się ze strachu, gdzie w klaunowych przerywnikach żart jest przez łzy, gdzie samoobjawienie i mistyfikacja, życie i twórczość są nierozłączne. Na początku Volovich zetknął się z Lotrekską tradycją groteskowego, ale wciąż wprost naturalnego doświadczenia spektaklu, ale wkrótce temat cyrkowy zabrzmiał jak alegoria. Swoistym uwerturą do serii był arkusz „Muzyczny ekscentryczny” (1974). Na szaroczarnym, oscylującym tle unosi się postać w kostiumie klauna, pomiędzy której butami do tańca, gwałtownie kurcząc się do linii niskiego horyzontu, biegnie tor szachowy. W rozdwojonych rękach - harmonijka ustna, klarnet i lutnia. Biała maska, posłuszna ruchowi drugiej ręki, która pojawiła się nad prawym ramieniem, obraca się poziomo i niejako dmucha w podniesioną trąbkę. Kompozycja połączyła pustkę przestrzeni scenicznej „Richarda” i kosmiczny charakter elementów „Sag”. Pozem jest tu jednocześnie ziemią i areną, wibrująca mgła tła to niebo i nieskończoność, pochłaniająca teatralną kurtynę. W plastycznym rozwiązaniu „Musical Eccentric” afirmuje się coś uniwersalnego, a jednocześnie po raz pierwszy tak wyraźnie brzmi liryczna, osobista nuta. Czerń przenika z tła do postaci, dematerializuje ją, przełamuje formy, które mają się rozpaść w lalkowym tańcu. Ostre linie parowania ciemności i światła, podobnie jak oświetlone krawędzie konstrukcji, powstrzymują rozpad eterycznej postaci. Jakby przed nami nie był klaun, ale jego dusza, a nie ręce i instrumenty muzyczne oraz ich ruchy i dźwięki. Na kolejnych arkuszach, rysunkach z igłą do trawienia, czasami wykonanych bez wstępnego szkicu, Volovich jest bardziej zrelaksowany. Zmienna akwatinta, rezerwa, miękki lakier, łączenie różne techniki akwaforta kolażem papieru i tkanin, uzyskuje wyjątkową różnorodność i bogactwo faktur, malowniczą wyrazistość monochromatycznej gamy. Akwaforty, jak numery wielkiego programu, następują jedna po drugiej. Ale to nie tylko cyrkowe atrakcje: zakochani smutni klauni, aroganckie, zadowolone z siebie osły, bezduszne manekiny, królewskie, ale upokorzone lwy i mądre małpy stały się bohaterami przypowieści o otaczającej rzeczywistości. Bez sugerowania bezpośredniego wpływu, nie można nie przypomnieć akwafort Francisco Goi. Jeśli pamiętamy o rzeczywistych motywach cyrkowych, które swoją dwuznacznością urzekły tak wielu mistrzów XX wieku, to Volovich przywołuje analogie raczej niż z malarstwem i grafiką, ale z kinem, z Cyrkiem Chaplina, z Błaznami Federico Felliniego. Podsumowując temat w poliptyku „Parade-alle!” (1978) Volovich ponownie poddaje się ścisłej strukturalnej organizacji form stereometrycznych, pewności konturów i wyrazistości kreski. Poliptyk jest pięcioczęściową symetryczną kompozycją z uroczystą paradą w centrum i wąskimi pionowymi pasami przedstawiającymi antypodalne osły trzymające na krawędziach chwiejne piramidy zwierząt i ptaków. Motyw rotacji (a „koło” to pierwotne znaczenie słowa „cyrk”), kalejdoskopowa zmiana wydarzeń zdeterminowała konstrukcję prześcieradeł, połączenie w nich epizodów z różnych czasów i różnych przestrzeni. Na drugim i czwartym arkuszu arenę, na której rozgrywa się główna akcja, otaczają ekrany przedstawiające wydarzenia z życia cyrkowego i czarne awarie wyjść.

Od pojedynczych przypowieści-bajek Volovich przeszedł do uogólnionego obrazu świata, którego naiwnym wzorem jest cyrk z okrągłą areną i przewróconą kopułą. Konflikty tutaj są rażąco absurdalne: głupi osioł z łatwością żongluje majestatycznymi lwami, kruchy biały klaun jeździ po okręgu potężnymi ciężkimi nosorożcami i wydaje się, że gonią go same nosorożce, inny klaun łapie motyla, nadepnie na boa dusiciela, muzycy śpiewają niedbale, rozkładając nuty na zębach krokodyla z otwartymi ustami. Paradoks, absurdalność świata ujawnia się nie tylko w licznych posunięciach fabularnych, ale także w naruszeniu utartych przedstawień przestrzennych, ostrości plastycznych porównań. Problemy, które Volovich rozwiązuje w oparciu o materiał literacki i historyczny, nabierają w Cyrku ekscentrycznego, a przez to bardziej osobistego, z nutką autoironii brzmienia: są to refleksje nad światem i miejscem w nim Artysty.

Starając się poszerzyć zakres swojej twórczości, urozmaicić środki wyrazu artysta zaczął w latach 70. systematycznie pracować z naturą. Wcześniej odwołując się do rysunku tylko jako materiał przygotowawczy Teraz, podróżując po Uralu, Azji Środkowej, Pamirze, Dagestanie, Pskowie i Rosji Włodzimierza, tworzy ołówkiem i akwarelą samodzielne pejzaże sztalugowe. Podobny zwrot w kierunku rysunku zaczął pojawiać się w naszej sztuce pod koniec lat sześćdziesiątych. Arkusze Wołowicza w niewielkim stopniu przypominają jednak „ciche”, intymne grafiki, które od tamtego czasu upowszechniły się, z miłością zanurzając się w wyjątkowości konkretnego obiektu, utrwalając sam proces postrzegania i pojmowania natury. U Wołowicza chęć oddania bezpośredniego wrażenia czasami wchodziła w konflikt z wewnętrznym programowaniem kompozycji, swobodne pociągnięcie lub pociągnięcie było niezgodne z racjonalną logiką konstrukcji graficznej. Artysta osiągnął integralność poprzez odrzucenie wszystkiego, co ulotne, nieuchwytne. Przedstawianie starożytna kraina z jakby stopionym z nią konstrukcje architektoniczne, świadkowie wielowiekowej historii ludzkości, widział już ukończone dzieło w naturze i natychmiast odrzucił przypadkowe, wykonał niezbędne ruchy. Rysunki wykonane przez Wołowicza w latach 70., z szerokim pokryciem przestrzennym, sztywnością konturów i starannym cieniowaniem, przypominającym litografię, noszą wyraźny ślad wcześniejszej pracy w grafice książkowej, w technice druku autorskiego. Po ukończeniu w 1980 r. ilustracji do tragedii Goethego „Egmont”, które wkrótce zostały nagrodzone brązowym medalem w Lipsku, Volovich powrócił do książki po ośmioletniej przerwie. Ale teraz woli, aby nad układem i projektem pracowali profesjonalni projektanci i projektanci czcionek. W książce dziesięć dyptyków umieszczonych jest na specjalnych wkładkach, których fragmentami są wąskie pionowe szarfy przedstawiające konstrukcje gigantycznych krzyży i szubienic, tracących swoją stabilność i gotowych do grzebania pod nimi ludzi jak marionetki. Motywy inspirowane obrazami Bruegla i rycinami Dürera pozwalają poczuć epokę rewolucji holenderskiej i wojen kościelnych. Ale dla Volovicha znowu ważne jest, aby powtórzyć własne słowa, nie tylko czas wydarzeń z książki, ale także czas, w którym żyje. Opowiadając o inkwizycji XVI wieku, artysta nie zapomina o okropnościach faszyzmu na Zachodzie, o zbrodniach systemu totalitarnego we własnym kraju. Ciasne przestrzenie, migoczące „cynkowe” światło kojarzą się z atmosferą stagnacji i braku wolności. Na początku lat 80., po raz pierwszy przed ilustratorem, arcydzieło literatury rosyjskiej – „Opowieść o kampanii Igora”. Powodem powstania pracy było zbliżające się 800-lecie świeckich, przygotowanie wydania będącego efektem pracy uralskich historyków, krytyków literackich i tłumaczy, w skład którego wchodziło szesnaście akwafort Wołowicza (1982). Uwieczniając sceny najazdów, bitew i masakr, podkreślali antywojenne brzmienie wiersza. Artysta, który pamięta cierpienia ludu Wielkiego Wojna Ojczyźniana a nienawiść do tych „małych” bezsensownych wojen, których musiał być współczesny, pokazała tutaj jego obywatelską pozycję. Zderzenie starożytnych rosyjskich motywów, począwszy od zarysów łuku, które determinowały rozwiązanie kompozycyjne arkuszy, z ekspresyjnym językiem graficznym XX wieku potęguje dramatyczne napięcie serialu. Ilustracje do tragedii Ajschylosa „Orestei” (1987) są wynikiem rozumienia przez Wołowicza światowej klasyki literatury. Odwołanie się do twórczości wielkiego greckiego dramatopisarza pozwala w sposób najogólniejszy opowiedzieć o tym, do czego prowadzi ślepota moralna, zniszczenie naturalnych więzi międzyludzkich. Tak jak pojemny obraz zdepersonalizowanego człowieka-robota sugerowały Wołowiczowi w swoim czasie rycerskie muszle wystawione w Ermitażu, tak teraz fragmenty starożytności pomogły, za pomocą środków metonimicznych, przekazać obraz rozpadającego się świata. Ilustracje do Orestei, które zachwycały widza pięknem i logiką konstrukcji graficznej, skłoniły samego mistrza do aktualizacji.

Tradycyjne podróże w naszym kraju zostały dodane w latach pierestrojki i w post okres sowiecki wyjazdy do Francji, RFN, Austrii, Włoch, Palestyny, podczas których, w miarę możliwości, artysta działał z natury. W nowych akwarelach i temperach, ukazujących miasta Wschodu z piętrzącymi się płaskimi dachami, kopułami i minaretami, rosyjskimi pagórkowatymi równinami pod wirującymi chmurami, gotyckimi ulicami, głazami Tavatui i bojownikami Czusowoj, Wołowicz zademonstrował umiejętność łączenia metafizycznej wyjątkowości różnych regionów i krainy z malowniczą swobodą i artyzmem... Tymczasem myśl o książce nigdy nie opuściła Wołowicza. Łącząc arkusze sztalugowe w cykle „Cyrk”, „Zagadki średniowieczne”, „Kobiety i potwory”, marzył o książkach-albumach, w których jego kompozycje można by przeplatać na zasadzie swobodnego skojarzenia z fragmentami prozy i teksty poetyckie. Ale niezależnie od takich pomysłów, sztalugi Wołowicza są bliskie jego grafice książkowej. Podobnie jak ilustracje rozwijają temat w czasie, budowane są na historycznych paralelach, alegorii. W sowieckim okresie Ezopów język artysty stymulowały zakazy cenzury, choć było to oczywiście spowodowane nie tylko nimi. Przecież do dziś Volovich nie rozstaje się z alegoriami, teatralnymi i cyrkowymi metaforami. Pozwalają mu tworzyć uogólniony obraz świata, dotykać odwiecznych wątków ludzkich namiętności, wad i słabości.

Cykle tematyczne, które ewoluowały przez kilkadziesiąt lat, przekonują nas, że Volovich, przy całej swojej wierności swoim ulubionym obrazom i technikom plastycznym, nie pozostaje niezmieniony. I oczywiście nie chodzi tylko o to, że czarno-białe akwaforty zastąpiono monotypią, a potem gwaszem i akwarelą, które, jak w pejzażach, w kompozycje fabularne wzrasta rola koloru, ale przede wszystkim przez to, że twórczość mistrza napełnia się nowymi myślami i nastrojami. Tak więc obraz gotyckiej katedry, który pojawił się w latach 80. jako model wszechświata, pozwalał wyrazić uczucia inne niż te, które Wołowicz zwykle wypełniał motywami średniowiecznymi. W jednej z kompozycji, wykonanych w technice grawerowania na kartonie i kalce, postać biskupa pogrążona w głębokiej myśli przebija się przez dziwaczne formy świątyni. Zaprojektowane z myślą o spójnej percepcji, nadruki różnią się od siebie kolorem. Obraz pojawia się w złocistym lub srebrnym blasku lub prawie znika, rozpuszczając się w szeregu stonowanych kolorów. Prześcieradła układają się w żałobną, ale majestatyczną suitę obrazowo-graficzną, która opowiada o życiu ludzkiego ducha, o bolesnym poszukiwaniu prawdy. W Volovich problem dobra i zła nabiera coraz bardziej złożonego rozwiązania. Zwracając się do pogańskiego świata w prześcieradłach z lat 90. z cyklu „Kobiety i potwory”, artystka podejmuje próbę wzniesienia się ponad te kategorie, ponad kajdany postaw. Ale to tylko gra: Volovich nie może całkowicie uciec od ocen etycznych i oczywiście nie chce; patrząc w nieświadomość, chroni się tylko przed moralizacją. Volovich jest ironiczny, a czasem bezlitosny przede wszystkim dla siebie. O nim, o artyście, o jego świecie opowiada niedawno ukończony kolorowy cykl „Mój warsztat”, o którym przekonująco mówi sobie Volovich: „Warsztat to przestrzeń życia, jego sceniczna platforma. W tej przestrzeni prawdziwe życie przeplata się z fikcją. Wzniosły - z nieistotnym. Głęboko - z chwilowym. Życie jest nierozerwalnie związane z grą, a gra jest w istocie życiem. Wszystko. Od głęboko intymnego do ostentacyjnego. Od „wszystko dla siebie” po „wszystko na sprzedaż”. To są przypowieści z życia artysty. Najważniejsze z niego sceny: refleksje. Porażka twórcza. Pragnienie perfekcji. Ambicja... To cykl, w który można włączać coraz to nowe historie. To jest powieść na zdjęciach. Powieść z sequelem. Całe dzieło Volovicha jawi się jako taka powieść lub wieloaktowe nieprzerwane przedstawienie. „Warsztat” właśnie się zakończył, a gigantyczne „Tragiczne farsy” są już na sztalugach…

Uwagi
1. Matka artysty, Claudia Vladimirovna Filippova (1902-1950), była dziennikarką i pisarką, autorką artykułów, dramatyzacji, opowiadań, powieści. Największą popularnością cieszyły się wielokrotnie przedrukowywane opowiadania „W gimnazjum” (1938) i „Między ludźmi” (1940). Współpracował w prasie swierdłowskiej: w gazecie „Ural robotnik”, magazynie „Ural Sovremennik” iw „Almanachu Literackim”. Ojczym Konstantin Wasiliewicz Bogolubow (1897-1975), pisarz i krytyk literacki, badacz literatury uralskiej.

2. W Swierdłowsku Szkoła Artystyczna V. M. Volovich studiował na wydziale malarstwa. Jego nauczycielami byli AA. Żukow (1901-1978) i OD Korovin, który jako doświadczony grafik książkowy wpłynął na Volovicha w latach poszkolnych. Duże znaczenie dla Wołowicza miała komunikacja w młodości z malarzem S.A. Michajłowem (1905-1985), mieszkającym obok na ulicy Mamin-Sibiryak.

3 Projekt i ilustracje do książki „Małpa i żółw”, nagrodzonej dyplomem
na ogólnounijnym konkursie „Najlepsze książki ZSRR w 1959 roku” i duży srebrny medal na Wystawie Osiągnięć Gospodarki Narodowej wykonał V.M. Volovich wraz z żoną Tamarą Siergiejewną Wołowicz (1928-1999), artysta zajmujący się grafiką książkową i użytkową.

4. Ideę „Teatru Wołowicza” wielokrotnie wyrażał krytyk teatralny ze Swierdłowska Jakow Solomonowicz Tubin (1925-1989), z którym przyjacielska komunikacja wiele znaczyła dla artysty - interpretatora literatury światowej.