- 26.07.2019 27 lipca Dom Aukcyjny„Fundusz Literacki” zorganizuje aukcję obrazów, rysunków oraz rękodzieła artystycznego. Katalog aukcyjny zawiera 155 pozycji, z pierwszych rzadkich przedmiotów połowa XIX wieki przed dziełami stworzonymi przez naszych współczesnych
- 26.07.2019 Sprzedano 55% partii. Kupujący - Moskwa i Petersburg
- 23.07.2019 Tradycyjne dwadzieścia aukcji AI to dziesięć obrazów, cztery arkusze oryginalnych i trzy drukowane grafiki oraz trzy prace w mieszanych mediach
- 19.07.2019 Sprzedane 50% - 10 z 20 partii
- 18.07.2019 W najbliższą sobotę 20 lipca ArtLiterary Fund przedstawi kolejną aukcję na Winzavod Sztuka współczesna, którego katalog zawiera ponad 200 prac artystów z lat 80-2010
- 13.06.2019 Kup za pięć dolarów i sprzedaj za milion. Pragnienie wyciągnąć kupon nawiedza wielu niedoświadczonych kupujących. Nie oszukuj mnie swoimi książkami i muzeami! Odpowiedz po prostu: jak kupić arcydzieło na pchlim targu?
- 06.06.2019 Przeczucie nie zawiodło. Kupujący byli w dobrych humorach, a aukcja poszła znakomicie. Pierwszego dnia Tygodnia Rosyjskiego zaktualizowano 10 najlepszych wyników aukcji rosyjskiej sztuki. Za Pietrow-Wodkinę zapłacono prawie 12 milionów dolarów
- 04.06.2019 Nie mając jeszcze do czynienia z „millennialsami”, profesjonaliści światowego rynku sztuki zaczęli dzielić skórę następnego pokolenia 7-22-latków – tych, których pokrótce nazywa się Gen Z. Dlaczego? Za dużo pieniędzy, by przestać prosić młodych ludzi o radę
- 23.05.2019 Będziesz zaskoczony, ale tym razem mam dobre przeczucia. Myślę, że aktywność zakupowa będzie wyższa niż ostatnio. A ceny mogą Cię zaskoczyć. Czemu? Na sam koniec będzie o tym kilka słów.
- 13.05.2019 Wielu uważa, że tak duża koncentracja bardzo zamożnych ludzi nieuchronnie tworzy odpowiedni popyt na krajowym rynku sztuki. Niestety, skala zakupów obrazów w Rosji bynajmniej nie jest wprost proporcjonalna do sumy osobistych fortun
- 30.07.2019 Wspólna wystawa Ermitażu i Luwru czynna jest w Maneżu Małej Ermitażu do 20 października 2019 r.
- 30.07.2019 W budynku Benois do 2 września czynna jest wystawa pierwszego zarejestrowanego stowarzyszenia rosyjskich artystów awangardowych – petersburskiego Związku Młodzieży, który istniał od 1910 do 1919 roku
- 13.06.2019 Przywieźli do Petersburga dzieła sztuki stworzony przy użyciu sztucznej inteligencji. Wśród uczestników jest francuska grupa artystyczna OBVIOUS, której udało się skutecznie spieniężyć tę pracę.
- 11.06.2019 W Galerii Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX wieku. od 19 czerwca można oglądać wybrane prace A. Giacomettiego, I. Kleina, Basquiata, E. Warhola, G. Richtera, Z. Polke, M. Cattelana, A. Gursky'ego i innych z kolekcji Fondation Louis Vuitton, Paryż
- 11.06.2019 Od 19 czerwca do 15 września kolejki ustawią się na wystawę około 150 prac z kolekcji Siergieja Schukina - obrazy Moneta, Picassa, Gauguina, Deraina, Matisse'a i innych ze zbiorów Muzeum Puszkina im. Puszkina, Ermitażu, Muzeum Wschodu itp.
W Petersburgu pokażą rosyjskich symbolistów, którzy stali się zwiastunami awangardy
Nikołaj Krymow. „Po wiosennym deszczu” 1908. Fot. Państwowe Muzeum Rosyjskie
Trudno uwierzyć, że w Muzeum Rosyjskim nie było wystaw Wiktora Borysowa-Musatowa i artystów Błękitnej Róży. Ale starzy muzealnicy tego nie zapamiętają. Duży projekt muzealny „Symbolizm w Rosji” oczywiście reprezentował Borysowa-Musatowa i jego naśladowców: Pawła Kuzniecowa, Nikołaja Sapunowa, Siergieja Sudejkina, Piotra Utkina. Ale był już 20 lat temu!
Zainteresowanie artystami tego środowiska przemawiają za dwoma ważnymi okolicznościami. Pierwszym jest rola symboliki jako jednego z początków rosyjskiej awangardy. Drugi to stałe zainteresowanie symboliką wśród ogółu społeczeństwa. Tych, którzy chcą oderwać się od problematycznej rzeczywistości w świat marzeń, zawsze zainteresuje to, jak artyści zbudowali swój wirtualny raj 100 lat temu lub, jak to określił Fiodor Sologub, stworzyli „słodką legendę”.
Wiktor Borysow-Musatow. „Nad zbiornikiem”. 1902. Fot. Państwowe Muzeum Rosyjskie
Nieformalne stowarzyszenie artystów powstało na przełomie XIX i XX wieku w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Jej przywódca Paweł Kuzniecow umiejętnie rozpoczął działalność wystawienniczą ze swojego rodzinnego Saratowa pod bardziej zrelaksowaną etykietą „Szkarłatna Róża”, gdzie pierwsze miejsce zajęły dzieła Borysowa-Musatowa, którego młodzi autorzy nazywali swoim nauczycielem, stawiając sobie za zadanie rozwijając, podobnie jak on, idee impresjonizmu, odnajdując drogę od ulotnych do wiecznych wartości leżących poza światem widzialnym. Nowi symboliści zostali natychmiast zauważeni. „Prawie wszystko to przydymiono-różowe sny i wglądy” – powiedział krytyk Nikołaj Tarowaty po obejrzeniu „Kuznetsovites” na 12. wystawie Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów. W 1906 Siergiej Diagilew wezwał ich do Petersburga. Władimir Stasow był ironiczny w duchu, że mogli, ale dekadencki statut na to nie pozwala. Michaił Niestierow stanął w obronie symboliki: „Wystawa jest bardzo dobra”. „Niebieska Róża” została otwarta dokładnie 110 lat temu, w marcu 1907 roku w Moskwie, w domu handlowym producenta porcelany Matvey Kuznetsov na Myasnitskaya. Sfinansował ją Nikołaj Riabuszynski, artysta-amator i spadkobierca fortuny ojca, którą jednak szybko i bez śladu przeznaczył na kulturę. W projekcie wzięło udział 15 autorów, a także sam sponsor.
Spory o pochodzenie nazwy wystawy nie ustępują do tej pory. Najbardziej popularną wersją pozostaje ta, że została wymyślona przez Walerego Bryusowa, który powiedział, że umiejętność samodzielnego rysowania nie czyni artysty artystą, wymagana jest nadwrażliwa intuicja. Inna wersja: artyści wykorzystali wiersz Konstantina Balmonta „Niebieska róża”. Zawiera w szczególności wersy dotyczące górskiego kwiatu, którego nikt nigdy nie zerwie.
Wasilij Milioti. "Poranek". 1905. Fot. Państwowe Muzeum Rosyjskie
Później Pavel Kuzniecow i jego towarzysze uczestniczyli w salonach Siergieja Makowskiego w Petersburgu i Paryżu, ich prace objeżdżały różne miasta z salonem Władimira Izdebskiego. Ale bardziej pod znakiem „Błękitnej Róży” nie zebrali się, z wyjątkiem wystawy z 1925 r. W Galerii Trietiakowskiej. W tym czasie zmarł Sapunow, Sudeikin i Nikołaj Milioti wyemigrowali.
Muzeum Rosyjskie postanowiło ograniczyć się do wystawienia Borysowa-Musatowa i artystów Błękitnej Róży z własnej kolekcji i prywatnych kolekcji w Petersburgu. Główne przeboje Musatowa – „Autoportret z siostrą”, „Haft”, „Wiosna”, „Spacer o zachodzie słońca” – pokazują drogę od szkicu do obrazu symbolicznej procesji do nadzmysłowego świata Bryusowa. Delikatna topiąca się paleta Musatova została wykorzystana przez Milioti do stworzenia dużego (2 x 4 m) płótna „Narodziny Wenus”, na którym mała dziewczynka wyłania się z ogromnej morskiej mgły. Ten sam smak w „Strzyżeniu owiec”, „Sprzedawcy ptaków” Pawła Kuzniecowa, „Do źródła” Martirosa Saryana. Sapunow będzie prezentowany na różne sposoby: estetyczną „Maskaradę”, fowistowską „Karuzelę” z międzynarodową obsadą jeżdżącą na łyżwach do muzyki dziwnej orkiestry tamburynu i skrzypiec oraz neoklasyczną kwiatowe martwe natury. Ostatnim punktem wystawy jest „Dywan orientalny” Sudeikina i „Krajobraz z kąpiącymi się” Nikołaja Krymowa. A od nich rzut kamieniem do postaci Larionowa i Gonczarowej.
W połowie kwietnia 1917 r. Abram Efros na łamach Russkije Vedomosti zastanawiał się, dlaczego tak „wielkie wydarzenie” jak osobista wystawa V.E. Borisov-Musatov, prawie niezauważony, napisał: „Ten wspaniały mistrz ma dziwny los!
Krytyk wymienił te „uciszające” wydarzenia: śmierć artysty zbiegła się z rewolucją 1905 roku, pierwsza pośmiertna wystawa z pierwszą Dumą Państwową, druga – w 1915 ze straszliwym odwrotem wojsk rosyjskich, w 1917 znów huk fali rewolucyjnej. Efros, jak zawsze, okazał się wizjonerem dalekowzrocznym.
Nieco wcześniej niż Efros, w marcu 1917, inny recenzent tej samej wystawy, z urzekającą szczerością, umotywował tę całkowitą obojętność publiczności na piękne płótna mistrza: „Teraz tak trudno się na nich skoncentrować i oderwać od życia . .. Po co nam bajki i smutek, kiedy cierpimy” (2) .
Y. Tepin niemal tekstowo powtarza odpowiedź Efrosa: Muzeum Rumiancewa. Dziwny los! Każda wystawa tego cichego romantyka wciśnięta w sam środek politycznych namiętności. Szum rewolucji głucho dociera jednak do Muzeum Rumiancewa „...(3)
Istotna jest ostatnia uwaga: malarstwo Musatowa zaczyna „zagrzewać się do muskulatury”, traci chwilową aktualność, w końcu staje się „przeszłością” sztuki rosyjskiej i dlatego jest bardziej interesujące dla historyka sztuki niż dla krytyka. Jest to całkiem naturalne dla nadchodzącej epoki rewolucyjnej, kiedy obok chwytliwych deklaracji zwolenników nowej sztuki drukowano nie mniej deklaratywne wersety: „Rząb, siekiery, Wiśniowy Sad Przeszłość” (4).
Sztuka Borysowa-Musatowa już na przełomie lat 1910-1920 postrzegana była jako odbicie epoki pogrążonej w niepamięci, jako według I. Evdokimova „pewna warstwa artystyczna w historii malarstwa rosyjskiego” ( 5).
Książka tego autora o Borysowie-Musatowie została opublikowana w 1924 roku, a przed kolejną monografią, napisaną przez A.A. Rusakova, minęło ponad cztery dekady. Twórczość wybitnego malarza okazała się zupełnie niezgodna z epoką wojen, konwulsji społecznych i wymuszonego optymizmu. Częściowo sprawę pogorszyła wykształcona w przedrewolucyjnej krytyce idea twórczego wizerunku artysty, tzw. „legenda Musatowa” (6).
Autor pierwszej monografii o Borysowie-Musatowie, Władimir Staniukowycz, ćwierć wieku później żałował, że zrodził tę legendę i zaraził N.N. Wrangla. „W legendach jest prawda - pisał - ale często nie jest to prawda osoby, o której legenda mówi, ale prawda biografa lub plotki. Legenda jest cenna, ale wypacza i tylko wiele lat później, jeśli artysta pozostawi wiele pomników”, uważny historyk sztuki przywróci prawdziwe rysy swojej ukochanej twarzy. Ale często zdarza się, że z pokolenia na pokolenie przekazuje się legendę, wypaczając twarz artysty i czyniąc wiele niezrozumiałymi cechy jego pracy „(7).
Lew Moczałow wierzył, że legenda ta powstała w epoce porewolucyjnego kaca na przełomie lat 1900-1910, która tak naprawdę odkryła artystę i „jakby go przywłaszczyła”, że to właśnie percepcja jego twórczego dziedzictwa i jego poetyka, która zwyciężyła w krytyce tamtych lat, długie lata przesłoniła twarz mistrza”, który w późniejszych czasach „nadal nazywany był „Orfeuszem zaginionej piękności” (8).
Wydaje się, że legenda ta zaczęła nabierać kształtu nie w przedrewolucyjnej dekadzie, którą wcześniej nazywano „haniebną”, a obecnie nazywa się „złotym czasem naszej srebrnej ery”, ale nieco wcześniej, w ostatnie latażycie artysty. A co znacznie ważniejsze – w jego bardzo dojrzałej twórczości miało to obiektywne przesłanki. Nieprzypadkowo okazała się tak stabilna, przetrwała zmianę tylu okresów rozwoju kultury narodowej.
I trzeba zastrzec, że chociaż Stanukowycz był jednym z pierwszych twórców legendy, to bynajmniej nie był jedyny. Wystarczy wymienić wielu artystów, pisarzy i krytyków tamtych czasów: Sredina, Szesterkina, Lipkina, Wołoszyna, Andrieja Bielego, Wrangla, Siergieja Makowskiego i częściowo Grabara, Aleksandra Benois, Muratov, Tugendhold i wielu innych.
Patriarcha rosyjskiej krytyki Władimir Stasow mimowolnie przyczynił się do jej powstania, choć w tonie czysto potępiającym i szyderczym, charakterystycznym dla jego pism o niektórych mistrzach przełomu wieków: „Młody moskiewski dekadencki Musatow, który niedawno zmarł, wraz z innymi towarzyszami uwielbiał przedstawiać damy i dżentelmenów w XVII-wiecznych czołgach i kaftanach, ale też wyznaczył sobie specjalny kącik, osobną mikroskopijną specjalność: są to Rosjanki w lokach i z nieskończenie rozłożonymi spódnicami. w symetrycznych procesjach, spacerach, siedzeniu. A jednak poza lokami i spódnicami nie można odkryć w ich twarzach i postaciach ani jednej linii artyzmu i natury. Te same lalki z XVIII wieku! Ale tylko z jakimś dodatkiem "duchów", stojących w ogrodzie, w pobliżu bezprecedensowych, obrzydliwych, martwych "świątyń". Cóż za szlachetny zysk dla sztuki rosyjskiej! Ile "wiadomości", ile ytie nieznane "drogi"!" (dziewięć).
Stasov oczywiście w swojej roli. Ciekawe tylko, co powiedziałby o „bezprecedensowych” świątyniach, widząc zdjęcie Pałacu Zubrilowskiego, który stał się bardzo realnym tłem dla „Duchów” Musatowa? Zaskakuje kolejna rzecz: namiętne zaprzeczenie skierowane przeciwko zmarłemu już autorowi. Doświadczony krytyk musiał wyczuć trafność i skuteczność swojej sztuki, jej atrakcyjność dla nowego pokolenia malarzy. Wydaje się, że ma do czynienia z żywym uczestnikiem ówczesnego życia artystycznego.
Borisov-Musatov zmarł nagle i bardzo młodo, na samym początku swojej początkowej sławy i szerokiego uznania. Nie można powiedzieć, że krytyka sztuki całkowicie go ominęła za jego życia, ale prawdziwe zrozumienie twórczości Musatowa rozpoczęło się pośmiertnie. Jednocześnie był postrzegany jako realnie uczestniczący w procesie artystycznym epoki: pewien dystans i stosunek do niego jako do spuścizny nastąpił później, nie wcześniej niż w połowie lat dwudziestych. Jednak w połowie XX wieku nie nadszedł czas na krytykę sztuki: twórczość Musatowa nie przeszła jeszcze do historii. „Dziwnie jest myśleć o śmierci artysty na tej„ żywej ”wystawie ... To, co zrobił Musatov, to kwiaty, które zakwitły ostatniej nocy; jeszcze nie zwiędły; to jest dzisiaj” - napisał Boris Lipkin. „Dlatego wystawa dzieł Musatowa trudno uznać za pośmiertne, jego artystyczne wyniki, nawet historia jego rozwoju, umyka naszej uwadze.Schematy: realista czy mistyk, romantyk, autor tekstów są zbyt ogólne, by określić go w pełnym wymiarze. Nie jest ani jednym, ani drugim, ani trzecim. Jest poszukiwaczem: to jest zjawisko” (dziesięć).
Nikołaj Tarowaty pisał o tym samym: „… od razu rozumiesz, jakie znaczenie ma Borysow-Musatow dla ostatniego okresu malarstwa rosyjskiego, jakie otworzył horyzonty i jakie nowe obszary twórczości nakreślił. Widzisz, że wielu młodych artystów wywodzi się z go ...” (jedenaście).
Można też przywołać często cytowane wersety Andrieja Bielego: „Twórczość Musatowa, pękając w nim, niepostrzeżenie odpowiadała w duszach jego wielbicieli: rozlała się jak księżycowy strumień u P. Kuzniecowa, zwinęła się jak podwójne kwiaty u Milioti. Szkoła Musatowa ... ” (12).
W związku z tym zrozumiałe i znaczące wydaje się stwierdzenie dzisiejszego badacza, że w dziele Borysowa-Musatowa „dużo jest skoncentrowane w ukrytej, szczątkowej formie”, że jest to mistrz, od którego „ścieżki idą w przyszłość, zachowuje różne tendencje w formie synkretycznej” (trzynaście).
Wiele dziesięcioleci później zostanie napisana specjalna rozprawa na temat wpływu sztuki Borysowa-Musatowa na rosyjskich artystów początku XX wieku. A dla krytyków na przełomie lat 1900-1910 wpływ ten był postrzegany jako aksjomat niewymagający specjalnego dowodu: wyraźnie świadczyły o tym ekspozycje aktualnych wystaw. Nieprzypadkowo w 1910 r. A. Rostisławow nazwał Musatowa wraz z Vrubelem „źródłem najnowszych trendów i rozgałęzień w naszym malarstwie” (14).
„Szczepienie” Musatowa było znaczące w tworzeniu nie tylko Niebieskich Niedźwiedzi, jest dość namacalne we wczesnej twórczości wielu mistrzów rosyjskiej awangardy. Ciekawe jest jednak to, że w większości krytycznych odpowiedzi z tamtych czasów znacznie większy nacisk kładziono na cechy liryzmu Musatowa, na fabularną stronę jego płócien, na ich szczególną muzykalność, niż na ich obrazową cielesność, na oryginalność. stylu Musatowa.
Najbardziej spostrzegawczy krytycy tamtych czasów dostrzegali niebezpieczeństwo takiego uprzedzenia: „Kiedy malarz ucieka się wyłącznie do urządzenia literackie, - pisał Grabar, - zawsze okazuje się niezmiernie słabszy od pisarza, Musatov nigdy nie opuścił swojej sztuki, jest czystym malarzem, a cała jego poezja jest wynikiem jego malowniczych, a nie literackich emocji ”(15).
W rzeczywistości Muratow mówi to samo: „… powiedzieliśmy, że poeta umarł i niewiele myśleliśmy o dekoracyjnych walorach jego obrazów. Te cechy były prawie nie rozumiane przez nikogo poza artystami…”. , że Musatowici „świadomie i wytrwale dążą do dekoracyjności” (16). Tugendhold wprowadził swój własny cień w rozważania na temat korelacji w samym dziele sztuki poetyckiej i malarskiej Musatowa: „Musatow był jednym z pierwszych i najbardziej konsekwentnych naszych impresjonistów – i jednym z pierwszych, którzy przezwyciężyli ten impresjonizm w imię kontemplacji bardziej uogólniony i liryczny” (17).
Abram Efros, w cytowanym już artykule o osobistej wystawie Borysowa-Musatowa w 1917 roku, gdzie brakowało jego najważniejszych dzieł, które do tego czasu były sprzedawane w muzeach i kolekcjach prywatnych, a prezentowano wiele jego wczesnych obrazów wdowa po artyście podkreślała, że „szczególnie owocna była znajomość z Musatowem Impresjonistą”, podkreślając, że „impresjonizm Musatowa jest niemal bardziej znaczący i subtelniejszy niż jego retrospektywizm, w każdym razie równy mu i wszedł do niego jako najważniejszy element artystyczny którym starożytność Musatowa zawdzięcza swoją wyjątkową oryginalność” (18).
W skromnej recenzji gazety zarysowuje się już takie podejście do postrzegania oryginalności malarstwa Musatowa, które formalną zupełność zyska w „Profilach” Efrosa, gdzie o Musatowie mówi się: malarstwo, świat rozpadł się. zwietrzały i przebity. Został przebity przez światło i rozpuszczony w powietrzu. Obiekty osłabione w fizyczności, obiekty stały się bardziej przezroczyste i upiorne. "<...>„Uzbrojony w swoją metodę Musatow malował wizje swoich snów równie stanowczo, prosto i realistycznie, jak malował z życia ogród w migoczących wieczornych cieniach lub w szmaragdowych odcieniach słonecznego snu” (19).
Mimo całej poetyckiej natury esejów Efrosa, tym precyzyjnym definicjom nadal bliższe są historia sztuki niż właściwa refleksja krytyczna, pochopna, bezpośrednia reakcja na konkretne wydarzenie w obecnym życiu artystycznym. Mają pewną dozę przekonania. Nieprzypadkowo pojawiły się one dopiero wtedy, gdy dzieła Musatowa, znajdujące się poza granicami żywego procesu artystycznego, już dawno stały się dziedzictwem.
Ciekawe, że tę „przezroczystość i upiorność” obrazu Musatowa zauważył w prasie jeden z jego kolegów z Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów, Szesterkin, za życia artysty. Mówiąc o udziale Musatowa w wystawach Stowarzyszenia Moskiewskiego i Związku Artystów Rosyjskich, zwrócił uwagę na odmienne wrażenie, jakie jego płótna wywołują w takim czy innym środowisku wystawienniczym. Jeśli na wystawie MTX, gdzie według recenzenta „wszystko jest spowite jakąś pajęczyną i gazem”, „gdzie dominują artyści niuansów i aluzji”, Borysow-Musatow wydaje się być realistą, to na wystawie Związek Artystów Rosyjskich obok płócien Konstantina Korowina, Maljawina, Grabara, Yuona „wydaje się lekki, zwiewny i nie mniej stylowy niż K. Somow i A. Benois” (20).
Recenzja P. Muratowa pierwszej monografii o artyście brzmiała jak wezwanie do bliższego i bardziej konkretnego przestudiowania poetyki Musatowa. Chwali inicjatywę W.Staniukowicza, który powiedział o malarzu wiele cennych i potrzebnych rzeczy, znalazł na jego temat ważne i wrażliwe słowa, a jednocześnie przestrzega przed chodzeniem po powierzchownych uogólnieniach, przesłaniających prawdziwą oryginalność jego sztuki. Na przykład obszerna dyskusja autora na temat muzykalności malarstwa Musatowa, odnotowana przez poprzednią krytykę. „Oczywiście”, wykrzykuje Muratov, „kto teraz nie wie, kto nie odnosi się sensownie do „symfonii” Whistlera? wchodzą w życie? Blok i A. Bely? Czy muzykalność wyczerpuje wewnętrzne znaczenie? nowoczesne malarstwo? Obyśmy obawiali się ogólnych teorii, które zbyt często stają się banalne.
Recenzenta nie mniej denerwuje kultywowana legenda o izolacji artysty, o absolutnej wyjątkowości jego twórczej świadomości: „Więcej o „samotności” Musatowa. Jako malarz nie był sam, i tutaj autor się myli. ... A Maurice Denis i Guerin nadal mieszkają we Francji. Ten obraz "Maternit", o którym marzył artysta według V.Staniukowicza, czy rzeczywiście jest inspirowany głupią powieścią Zoli? Czy autor zna wspaniałe szkice na ten sam temat Maurice'a Denisa, gdzie jest „rozkwitający ogród, rozległy jak świat” i matka z dzieckiem, a nawet gama niebiesko-zielonych odcieni? Wydaje się, że V. E. Borisov-Musatov nie powinien być rozdzielany jako poeta. Chwała samotności waszej!” – woła kończąc książkę W. Staniukowicz. Powiedzmy, że lepiej – pokój tej duszy, która w Pięknie nas zjednoczyła” (21).
Szczegółowe i uzasadnione uzasadnienie szczególnej muzykalności malarstwa Musatowa pojawiło się dopiero wiele dekad później w twórczości Olgi Kochik, ale notoryczna „samotność” artysty nigdy nie została zabsolutyzowana przez współczesną krytykę, nie mówiąc już o publikacjach pośmiertnych. Wręcz przeciwnie, Musatov jest zawsze czczony wśród współczesnych malarzy, zarówno rosyjskich, jak i zagranicznych, a jego wpływ na młodych mistrzów, jak już wspomniano, był niewątpliwy.
Tylko kilka przykładów. Jeszcze za życia Borysowa-Musatowa w czasopiśmie „Vesy” nr 7 z 1904 r. pojawiła się wiadomość o osobistej wystawie jego obrazów w Galerii Paula Cassirera w Berlinie i o ciepłych reakcjach na nią ze strony niemieckich krytyków, którzy zwrócił uwagę na ścisły związek sztuki Musatowa z wysoko cenioną twórczością Konstantina Somowa. Nazwiska te były porównywane więcej niż raz w krytyce krajowej, a niektórzy recenzenci postrzegali Musatowa jako jego epigona.
Artysta Michaił Szesterkin zdecydowanie sprzeciwił się temu na łamach tego samego magazynu: „W. Musatow został ogłoszony zwolennikiem i naśladowcą Somowa tylko dlatego, że odważył się czerpać inspirację z tego samego źródła. K. Somow i W. Musatow są w tym istota, między nimi Jeden to artysta z wyczuciem literackim, archeolog i subtelny estetyk, zakochany w zabytkach kultury rosyjskiej XVIII wieku, który chce tę kulturę kontynuować i mówić o niej we własnym języku, który ma wybrał najbardziej wdzięczny sposób, aby być zawsze stylowym: żmudne rysunki starych albumów, pożółkłe „jak antyczny pergamin, obrazy nieznanych mistrzów, naiwne, wyblakłe, są dla niego inspiracją i kamertonem. Drugi jest z natury malarzem; jasne, opalizujące kolory nowoczesności zagłuszają melancholijny smutek jego wspomnień, a myślenie za nim oznacza myślenie o kolorach.”
Zostało to napisane za życia Borysowa-Musatowa i przez osobę z jego otoczenia, być może w porozumieniu z nim. W każdym razie artykuł Shesterkina wyraźnie podkreśla fundamentalną różnicę między tradycjami artystycznymi dwóch rosyjskich stolic - Petersburga, głównie grafiki linearnej, stylizowanej, i Moskwy - nieskrępowanej malowniczych. Było to odczuwalne w analizie „Harmonia”, „Gobelin”, „Staw”, „Szmaragdowy naszyjnik”, „Duchy” i inne obrazy Musatowa.
Według Szesterkina retrospektywne szczegóły obrazów Musatowa są tylko podtekstem ogólnej harmonii motywu, nic więcej: „On, podobnie jak Charles Guerin - jedyny, z którym jest teraz spokrewniony - uwielbia wypełniać płaszczyznę obrazu jakimś rodzajem krynoliny ze względu na piękną plamę starej materii”, pisze (22).
Nazwisko Charlesa Guerina, obok imion Puvis de Chavannes, impresjonistów, Gauguina, Maurice'a Denisa, wymienił także Paweł Muratow w artykule o pośmiertnej wystawie artysty. W tym celu krytyka Guerina jest „tak blisko niego (Musatov - E.V.) w duchu jest niesamowitym kolorystą i poetą przeszłości”. „Jakie szerokie pole dla wszelkiego rodzaju trendów, jaka różnorodność całkowicie naturalnych hobby!” wykrzykuje (23). Ciekawe jest również porównanie Musatowa z Pierrem Bonnardem, należącym do Jakova Tugendholda: „Czasami wydaje się, że coś nam się w Bonnardzie jest znajome; wiersz o blaknącym stylu życia. Liryzm Bonnarda nie wykracza poza tymczasowe sypialnie i jadalnie i nędzne miejskie ogrody. Nie ma w nim Musatowa mgły przeszłości, nie ma Musatowa dystansów duszy "(24).
Jak widać, akcent nieco się przesunął: jeśli Shesterkin, w przeciwieństwie do stylizacji World of Art, podkreśla w twórczości Musatova, że jest z nim spokrewniony Artyści francuscy czysta malowniczość, wtedy Tugendhold, porównując rosyjskiego artystę ze wspaniałym francuskim dekoratorem, widzi przewagę Borysowa-Musatowa właśnie w jakości jego liryzmu. Nie jest przypadkiem, że krytyk ten pięć lat później sformułował: „Problem Borysowa-Musatowa to połączenie rosyjskiego światopoglądu z zewnętrznymi osiągnięciami Zachodu” (25).
I ostatnia rzecz, którą chciałbym powiedzieć, to niesamowita ewolucja stosunku do Borysowa-Musatowa w rosyjskiej krytyce. W połowie lat 90. jego nazwisko prawie nie pojawiło się wśród młodych malarzy krajobrazu, pasjonujących się impresjonizmem, obok Żukowskiego, Germaszewa, Seregina i innych uczniów Szkoły Moskiewskiej. Jeden z recenzentów, wymieniając plenerowe szkice artysty, widzi w nich jedynie „masę niezgrabnych plam bez wzoru, naszkicowanych szeroką dekadencką ręką” (26).
Już na początku 1900 roku, oceniając „Autoportret z siostrą” i „Motyw jesienny” Borysowa-Musatowa, dziennikarz zgadza się, że artysta potrafi rysować, ale jego talent jest nierówny, kapryśny, denerwujący, a fabuła niezrozumiała: dobrze, że ten jesienny motyw. Po prostu nie możesz zrozumieć, o co chodzi” – narzeka (27).
Dwa lata później, w artykule o 9. wystawie MTX, felietonista Russkije Wiedomosti, aprobujący wielokrotnie nagradzany Gobelin Musatowa, protekcjonalnie zauważa: „Całe zainteresowanie obrazem tkwi w delikatnych tonach, bardzo przyjemnie i harmonijnie zaaranżowanych”. Jednocześnie znajduje na tym obrazie i wielu innych „wiele poważnych niedociągnięć: popiersia kobiet są słabo napisane, ramiona są krótkie, a ręce bardzo duże ...” (28).
W prasie tego okresu było wiele takich uwag, zarówno w stolicy, jak iw Saratowie. Niespodziewanie na początku 1904 r. twórczość Borysowa-Musatowa została wysoko oceniona na łamach Świata Sztuki. Tym bardziej nieoczekiwane, że według Siergieja Makowskiego (29 l.) diagilewitowie odmówili przyjęcia jego Pond Pond na swoją wystawę w 1903 roku. Mówiąc o kolejnej wystawie MTX, A. Rostislavov „wśród utalentowanych, a nawet wybitnych artystów” wymienia przede wszystkim Borysowa-Musatowa, szczególnie podkreślając przy okazji jego „Rezerwuar” i podkreślając, że takie płótna „z pewnością powinny być nabytkami muzealnymi jako charakterystyczne i piękne przykłady współczesnego malarstwa.
Przy wszystkich zastrzeżeniach do pewnej niedbałości rysunku i nierówności sztuki Musatowa było to poważne uznanie. Co więcej, krytyk odgadł prawdziwy stosunek do jego malarstwa znacznej części ówczesnej publiczności i ówczesnej artystycznej oficjeli: „Oczywiście – pisał – że obrazy Borysowa-Musatowa wywołują autentyczne oburzenie lub śmiech lokaja wśród najbardziej szanowanej publiczności i że żaden z nich nie został uhonorowany uzyskaniem prowizji od Akademii” (30).
Rostislavov spojrzał w wodę: wkrótce musiał odpowiedzieć na wyrzuty jednego z czytelników za nadmierną i niebezpieczną pochwałę młodego malarza: „Im bardziej chcę pochwalić artystę, niewątpliwie utalentowanego, tak chętnie besztanego i wyśmiewanego ”- napisał krytyk. podobne przypadki przechwalać niż niedoceniać? Jest mało prawdopodobne, aby pochwały i drukowane recenzje w ogóle mogły być szkodliwe dla prawdziwego i utalentowanego artysty, jeśli nawet przywiązuje on wagę i jest przez nich chwilowo porywany ”(31).
Od tego czasu narastały pochwały, a nawet entuzjastyczne recenzje twórczości Musatowa: „Niedostępny dla powierzchownej kontemplacji, ten artysta posiada tajemnice ukrytych uwodzeń i cudownie upiornych snów” – napisał na początku 1905 r. Nikołaj Tarowaty (32). W następnym roku Muratow wymienił go wśród tych mistrzów, dzięki którym początek XX wieku nazwano by „promienną erą malarstwa rosyjskiego” (33). Igor Grabar zauważa w 1907 „hipnotyzujący urok” (34) swojej sztuki.
W 1908 roku krytyk Złotego Runa pisał entuzjastycznie: „Borysow-Musatow to jedno z najnowocześniejszych wspomnień przeszłości. Jego obrazy staną się w końcu przykładem nie tylko jego wrażliwej, utalentowanej natury, ale całego świata uczuć i pomysły” (35). W 1909 Siergiej Makowski zaliczy Pietrowa-Wodkina do tej pięknej galaktyki saratowskich artystów, „wśród których jest już nieśmiertelne imię Musatowa” (36).
W 1910 r. najwyższą ocenę wkładu Musatowa w powstanie krajowy krajobraz: „Borysow-Musatow sprawił, że rozpoznaliśmy głęboką i abstrakcyjną kontemplację - ten element, z którego wspaniale pejzaż. W jego liryzmie wszystko doczesne i lokalne znika, a poezję sposobu życia zastępuje najczystsza i najbardziej subtelna poezja życia duchowego ”(37). Tak twierdził Paweł Muratow.
A w 1911 r. Jakow Tugendhold, mówiąc o międzynarodowej wystawie w Londynie, żałował, że Rosja „nie pokazała obcokrajowcom dzieła swojego najwięksi mistrzowie- Musatov i Vrubel "(38). "Geniusz malarza zaczyna się ujawniać pośmiertnie. Jest to kwestia kolekcjonerów i czasu: pierwsi wybierają najlepsze płótna, drugie niszczy najgorsze ”(39). Nie jest to powiedziane o Musatowie, ale ma to do niego zastosowanie. Pośmiertna wystawa ujawniła nie tylko najwyższy poziom jego kultury malarskiej, ale także całego znaczenia jego dziedzictwa w. Ale zrodziło to również szereg nieuniknionych pytań, które zawsze pojawiają się, gdy artysta odchodzi tak wcześnie i na takim szczycie swoich twórczych dokonań, które Musatow miał w swoich ostatnich latach.
Zostały one sformułowane w recenzji pośmiertnej wystawy artysty Pawła Muratowa: „Czy artysta zdołał się odnaleźć, czy zdołał w swoich pracach wyrazić ukochaną jego duszę; czy wyczerpał swój dar, czy wręcz przeciwnie, czy jego śmierć złapała go dopiero na progu otwartego skarbca? Muratow zastanawia się nie tylko nad tym, co ukończył Musatow, ale także nad swoimi ostatnimi przedsięwzięciami i planami, których nie był przeznaczony do realizacji: „Zamiast ogromnych fresków tylko szkice akwarelowe, zamiast dużych obrazów tylko szkice i rysunki przygotowawcze. Wiele intencji , możliwości, sił i jak nieskończenie żal, że to wszystko nie było przeznaczone do połączenia się w harmonijnie wykończone dzieła. Jednak ten, kto umie przeniknąć życie duchowe artystów i poetów poprzez kolory i słowa, komu książka lub płótno, czy marmur wydaje się być zrozumiałym językiem dla rozmów dusz, może znaleźć ukojenie. W spuściźnie pozostawionej po Musatowie żyje już całkowicie integralny i wyraźnie zarysowany jego obraz. Bo istnieje "Musatow" stosunek do rzeczy i symboli - szczególny kąt widzenia świata, szczególna piękna strona w księdze artystycznej”(40) .
I w tej całości i wewnętrznej pełni sztuki Musatowa kładł się pewien program dalsza droga Malarstwo rosyjskie nie tylko o bezpośrednich porach, ale także o dość odległych skutkach, to zanikanie, to znów nasilające się echa, których słychać nawet teraz. „Musatow! Elegijna gałąź rosyjskiego modernizmu! Gdyby jej najcichszy baldachim nie znajdował się nad Kuzniecowem, należałoby go wymyślić, aby wyjaśnić, jak rozwinęło się oblicze obrazu Kuzniecowa” – wykrzyknął Abram Efros (41). To samo można powiedzieć o twórczości P. Utkina i wszystkich Goluborowitów, a także Pietrowa-Wodkina, A. Sawinowa, A. Kareva, rzeźbiarza A. Matwiejewa i wielu ich naśladowców i naśladowców. Ciągłość tradycji nie gwarantuje jej wznoszącego rozwoju, a jedynie świadczy o żywotności źródła, ukrytych w nim najbogatszych możliwościach twórczych. I to już na początku XX wieku dobrze zrozumieli najwrażliwsi krytycy sztuki.
Rossius (A.M. Efros) Life of Art // Rosyjski Wiedomosti. 1917. 17 kwietnia
2. Syn króla, 6 prog. Wystawa malarstwa V.E. Borisova-Musatova // Rampa i życie. 1917. 19 marca. S. 12.
3. Tepin Ya List z Moskwy //Apollo. 1917. Nr 2-3. s. 86.
4. Pustynin M. Niech żyje „W dół!” // Sztuka (Witebsk). 1921. nr 1 (marzec). S. 13.
5. Jewdokimow I. Borysow-Musatow. M., 1924. S. 66.
6. Stanukovich V.K. W.E. Borysow-Musatow. Maszynopis niepublikowanej monografii przechowywanej w archiwum Muzeum Radishcheva: „Istnieje legenda o Musatowie, przedstawiająca go jako żałosnego nieszczęsnego garbusa, urażonego od urodzenia, który opuścił ludzi, którzy stworzyli romantyczny świat w jego zakątku, w którym żył , w obawie przed życiem: „Był chory – mówi legenda – a jego twórczość też była chora, rozklekotana, romantyczna, przepojona ciszą starożytności, pełna uroku upiornych, uschniętych kobiet w krynalinach”. Wielu współczesnych było winnych o tworzeniu tej legendy, w tym autora tych wierszy, który kiedyś napisał pracę o artyście. Najbardziej uproszczonym wyrazem tej legendy jest pamflet barona Wrangela, napisany niedbale i pospiesznie, oparty na zgłoszonym przeze mnie dokumencie.<...>Legenda odzwierciedlała jedną stronę twórczości artysty, a ja winny m.in. jej powstania mam obowiązek, zanim będzie za późno, nie obalić, ale uzupełnić. Kiedy pisałem swoją pierwszą pracę o Musatowie, ból straty kochany jeszcze nie minęło, a mój smutek zabarwił dzieło, przesadzając akordy spółgłoskowe, które znalazłem w kreacjach, w listach i notatkach artysty” (s. 3). „mówiąc, że dzieciństwo artysty ma w sobie cień wyobcowania i smutku” (s. 11).
7. Tamże. s. 3-4.
8. Mochałow L.W. Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. L., 1976. S. 5.
9. Stasov W.W. Nasi obecni dekadenci // Kraj. 1906. 25 marca.
10. Lipkin B. Odnośnie pośmiertnej wystawy Borysowa-Musatowa w Moskwie // Złote Runo. 1907. Nr 3. S. 84.
11. Tarovaty N. Na wystawie „Świat sztuki” // Złote runo. 1906. Nr 3. S. 123.
12. Bely Andriej. Różowe girlandy // Złote runo. 1906. Nr 3. S. 65.
13. Sarabianow D.V. E. Borisov-Musatov i artyści z grupy Nabis // Zagadnienia sztuki rosyjskiej i radzieckiej. M., 1977. Wydanie. 3. S. 293.
14. Rostislavov A. Złote runo // Apollo. 1910. Nr 9. S. 44.
15. Grabar I. Dwie wystawy // Wagi. 1907. Nr 3. S. 103.
16. Muratov P. O malowaniu // Przełęcz. 1907. Nr 5. S. 44.
17. Tugendhold Ya Młode lata Musatowa // Apollo. 1915. Nr 7-8. S. 19.
18. Rossciy (A. M. Efros) Life of Art // Rosyjski Vedomosti. 1917. 17 kwietnia
19. Efros Abram. profile. M., 1930. S. 122, 123.
20. Kusza (MI Shesterkin) Na wystawach // Wagi. 1905. Nr 1.S.45.
21. Muratov P. „Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov”. Monografia Władimira Stanukowicza. SPb., 1906. // Pass. 1907. Nr 5. S. 54.
22. Kusza (MI Shesterkin) V. Borisov-Musatov. // Waga. 1905. Nr 2. S. ZD-32.
23. Muratov P.V.E. Borisov-Musatov (1870-1905) Odnośnie pośmiertnej wystawy jego prac // Myśl rosyjska. 1907. (kwiecień). Książka. IV. s. 144.
24. Tugendhold J. List z Paryża. Wystawy // Apollo. 1910. Nr 6 (marzec). s. 4-5.
25. Tugendhold Ya Młode lata Musatowa // Apollo. 1915.No.7-8.S. dziewiętnaście.
26. St. A. XVII wystawa studencka Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury // Moskwa Listok. 1895. 7 stycznia
27. Wystawa Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów // Moscow News. 1900. 28 lutego
28. St. V. IX wystawa obrazów Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów // Russkiye Vedomosti. 1902. 3 marca
29. Makovsky S. Sylwetki rosyjskich artystów. Praga. 1922. S. 137.
30. Rostislavov A. Wystawa Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów // Świat Sztuki. 1904. Nr 1. Kronika. S. 12.
31. Rostislavov A. Sztuka sezonowa // Świat sztuki. 1904. Nr 3. Kronika. s. 69.
32. N.T. [Nikołaj Tarowaty]. Wystawa Związku Artystów Rosyjskich w Moskwie // Art. 1905. Nr 2. S. 54.
33. Muratow P.P. O nas kultura artystyczna// Tygodnik moskiewski. 1906. Nr 38. S. 35.
34. Grabar I. Dwie wystawy // Wagi. 1907. Nr 3. S. 101.
35.N.N. Wystawy // Złote Runo. 1908. Nr 3. Kronika. s. 123.
36. Wystawa Makovsky S. K.S. Pietrow-Wodkin w redakcji „Apollo” // Apollo. 1909. Nr 3. S. 12.
37. Muratov P. Krajobraz w malarstwie rosyjskim (1900-1910) // Apollo. 1910. Nr 4z.8 (styczeń). S. 15.
38. Tugendhold Ya. Międzynarodowa Wystawa w Rzymie // Apollo. 1911. Nr 9. S. 91
39. Aksjonow I. Picasso i okolice. M., 1917. S. 29.
40. MuratowP. W.E. Borysow-Musatow (1870-1905). O pośmiertnej wystawie jego prac. // Myśl rosyjska. 1907. Kwiecień. Książka. IV. s. 142, 143.
41. Efros Abram. profile. S. 121
Odpowiedzieliśmy na najpopularniejsze pytania - sprawdź, może odpowiedzieli na Twoje?
- Jesteśmy instytucją kultury i chcemy nadawać na portalu Kultura.RF. Gdzie powinniśmy się zwrócić?
- Jak zaproponować wydarzenie do „Plakatu” portalu?
- Znaleziono błąd w publikacji na portalu. Jak powiedzieć redaktorom?
Zapisałem się na powiadomienia push, ale oferta pojawia się codziennie
Używamy plików cookie na portalu, aby zapamiętać Twoje wizyty. Jeśli pliki cookie zostaną usunięte, oferta subskrypcji pojawi się ponownie. Otwórz ustawienia swojej przeglądarki i upewnij się, że w pozycji „Usuń pliki cookie” nie ma pola wyboru „Usuń za każdym razem, gdy wychodzisz z przeglądarki”.
Chcę być pierwszym, który dowie się o nowych materiałach i projektach portalu Kultura.RF
Jeżeli masz pomysł na nadawanie, ale nie ma technicznej możliwości jego realizacji, proponujemy wypełnienie elektronicznego formularza zgłoszeniowego w terminie projekt krajowy„Kultura”: . Jeśli wydarzenie zaplanowano między 1 września a 30 listopada 2019 r., zgłoszenia można składać od 28 czerwca do 28 lipca 2019 r. (włącznie). Wyboru wydarzeń, które otrzymają wsparcie, dokonuje komisja ekspercka Ministerstwa Kultury Federacji Rosyjskiej.
Naszego muzeum (instytucji) nie ma na portalu. Jak to dodać?
Możesz dodać instytucję do portalu za pomocą systemu Zunifikowanej Przestrzeni Informacji w Sferze Kultury: . Dołącz do niego i dodaj swoje miejsca i wydarzenia zgodnie z . Po weryfikacji przez moderatora informacje o instytucji pojawią się na portalu Kultura.RF.
„Niebieska Róża” – stowarzyszenie artystów, które istniało na początku XX wieku. W tamtych latach bardzo popularna była symbolika - kierunek w sztuce, który powstał w późny XIX wieki. Artyści „Niebieska róża” - Pavel Kuznetsov, Peter Utkin, Alexander Matveev. Stali się założycielami związku twórczego. Później dołączyli do nich inni malarze i rzeźbiarze. O przedstawicielach stowarzyszenie twórcze„Niebieska róża” zostanie omówiona w tym artykule.
Symbolizm
Przedstawicielami tego nurtu, który zasłynął na początku XX wieku, są Pierre Puvis de Chavannes, Paul Serusier, Henri Fantin-Latour. Byli też dobrze znani w Rosji, gdzie symbolika była wtedy dopiero w powijakach.
Malarzem, którego twórczość jest zbliżona do twórczości wspomnianych wyżej mistrzów francuskich, jest Michaił Vrubel, znany przede wszystkim ze swojego „Demona”. Ten artysta był ekscentryczną, tajemniczą osobą, dodatkowo cierpiał na zaburzenia psychiczne. Ale Vrubel był jedną z najwybitniejszych postaci w sztuce przełomu wieków i to on zainspirował młodego Kuzniecowa, Utkina i Matwiejewa do stworzenia twórczego stowarzyszenia symbolistów. Płótna tego artysty przyciągały swoją subtelnością, kolorowością i nasyceniem palety. Wszystkie jego prace przesycone są pragnieniem nierealnego świata.
Viktor Borisov-Musatov również wpłynął na powstanie związku twórczego. Obrazy na obrazach tego mistrza wydają się uśpione, jego bohaterowie żyją w niezwykłym świecie spokoju i błogości.
Wiktor Borysow-Musatow
Pochodził z Saratowa. Po maturze wyjechał do Paryża, gdzie wstąpił akademia sztuki. Borisov-Musatov często odwiedzał swoje rodzinne strony, gdzie rozmawiał z początkującymi malarzami. Wśród nich byli przyszli założyciele stowarzyszenia twórczego Blue Rose. Boris-Musatov udzielił Kuzniecowa, Matwiejewa i Utkina kilku lekcji z ekspresjonizmu i symboliki. Tak rozpoczęła się wieloletnia przyjaźń.
Młodzi artyści wyjechali do stolicy. Wszyscy trzej zostali studentami Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. W przedrewolucyjnej Rosji to instytucja edukacyjna był jednym z najlepszych wśród tych, które przygotowały profesjonalni artyści. Przez lata studiów przyszli uczestnicy „Błękitnej Róży” zbliżyli się do innych artystów. Wielu uczniów szkoły było w jakiś sposób związanych ze stowarzyszeniem twórczym.
"Czerwona róża"
Stowarzyszenie twórcze zostało założone w 1907 roku. A w 1904 Kuzniecow i Utkin zorganizowali wystawę „Szkarłatna Róża”. Zaprezentowano nie tylko ich obrazy, ale także prace Vrubela, Borysa-Musatowa. Młodzi artyści podkreślali w ten sposób wpływ doświadczonych malarzy na ich twórczość.
Dlaczego wystawa została nazwana „Szkarłatna Róża”? Ten kwiat od wieków uważany jest za najbardziej romantyczny. Jeśli chodzi o stowarzyszenie artystów „Niebieska Róża”, założone trzy lata po wystawie, to być może istnieje związek z romantycznymi poetami, którzy śpiewali niebieski kwiat – symbol nieosiągalnego ideału.
Wczesne prace artystów
Członkowie „Błękitnej Róży” pracowali nad wspólnymi projektami jeszcze przed założeniem stowarzyszenia twórczego. Sapunow, inny członek związku artystycznego, współpracował z Kuzniecowem przy scenografii do opery Wagnera Walkiria. Nieco później dramaturg Siergiej Mamontow, ten sam, w którego domu pisał Vrubel sławny obraz„Siedzący Demon” zasugerował przyszłym „Niebieskim Niosącym” zaaranżowanie przedsiębiorstwa w teatrze „Ermitaż”.
Założycielami „Błękitnej Róży” byli bardzo modni artyści w Rosji. Ale nie można powiedzieć, że wywołały one jednoznaczną reakcję na krytykę. Tak więc w 1902 r. Utkin, Kuzniecow i Pietrow-Wodkin stworzyli freski dla kościoła Matki Bożej Kazańskiej - słynnej świątyni w Saratowie. Jednak ich praca została odrzucona i zniszczona.
Artyści Unii „Niebieska Róża”
Zdjęcia najbardziej sławni członkowie skojarzenia twórcze są dziś przechowywane w słynne muzea Rosja. Praca Utkina i Kuzniecowa została opisana bardziej szczegółowo poniżej. W pierwszej kolejności warto wspomnieć o innych członkach związku twórczego. Wśród nich byli: Martiros Saryan, Nikołaj Sapunow, Siergiej Sudeikin, Nikołaj Krymow, Anatolij Arapow, Nikołaj i Wasilij Milioti, Iwan Knabe, Nikołaj Feofilaktow.
Maritor Saryan, podobnie jak inni członkowie Związku Błękitnej Róży, rozpoczął swoją kreatywny sposób jako artysta teatralny. Znany był także z pejzaży, które przedstawiały malownicze ormiańskie pejzaże. Niektóre obrazy Saryana są przechowywane w Galerii Trietiakowskiej.
Nikołaj Sapunow zasłynął po zaprojektowaniu spektaklu opartego na pracy Bloka „Balaganchik”. W Moskwie na moście Kuznieckiego stoi zabytkowy budynek Opłacalny dom Sokół. Poddasze tego budynku zdobią mozaiki z majoliki autorstwa Nikołaja Sapunowa. Pierwsze obrazy w Moskwie zostały zaprezentowane na wystawie zorganizowanej przez Utkina i Kuzniecowa. Wśród późniejszych prac artysty głównie martwe natury.
Nikołaj Riabuszynski
Znany rosyjski filantrop, założyciel magazynu Golden Fleece, odegrał znaczącą rolę w twórczości artystów Blue Rose. Ryabushinsky jest często nazywany organizatorem stowarzyszenia. To on założył pierwszą wystawę, po której zaczęli mówić o Niebieskich Niedźwiedziach w Moskwie i Petersburgu.
Głównym pomysłem patrona w tym czasie był magazyn „Złote runo”. Tego projektu nie można nazwać komercyjnym. Riabuszynski zainwestował w to więcej, niż otrzymał. Wydanie zawierało kolorowe ilustracje, każda strona została ozdobiona złotymi wstawkami. Opublikowano ponad trzydzieści numerów. Ponadto magazyn nie miał jasnej koncepcji. Leonid Andreev, Konstantin Balmont, Ivan Bunin, Fedor Sologub, Korney Chukovsky publikowali tam swoje prace. Pierwsze numery poświęcone były pracy członków Związku Błękitna Róża.
Wystawa Artystów Symbolistów
Nie można podać dokładnej daty powstania stowarzyszenia. Uważa się, że związek twórczy powstał po wystawie o tej samej nazwie, czyli w 1907 roku. Obrazy artystów Błękitnej Róży były wystawiane w galerii mieszczącej się w budynku przy ulicy Miaśnickiej.
Publiczności zaprezentowano prace szesnastu malarzy. Większość malarzy później stała się częścią Błękitnej Róży. Głównym inspiratorem wystawy był Borisov-Musatov, ale odbyła się ona już po śmierci mistrza. Pomysł nazwy należy do Sapunowa, artysty, na którego twórczość wpłynął Aubrey Beardsley.
Prezentowane na wystawie obrazy zostały wykonane w tym samym stylu: pastelowych, niebieskawych tonach, dążących do "poza". Odpowiadający duchowi twórczemu i wnętrzu hali, w której zorganizowano wystawę. Wszędzie stały wazony z różami, a ściany pomalowano na jasny lazur.