Quand la monolisa a-t-elle été écrite et par qui. Les principaux secrets que cache la Joconde

Il y consacra beaucoup de temps et, quittant l'Italie à l'âge adulte, il emmena avec lui en France, parmi quelques autres peintures choisies. Da Vinci avait une affection particulière pour ce portrait, et a également beaucoup réfléchi au cours du processus de sa création, dans le "Traité de la peinture" et dans les notes sur la technique de peinture qui n'y étaient pas incluses, vous pouvez trouver de nombreuses indications qui sans aucun doute se référer à la "La Gioconda" .

Le message de Vasari

"Studio of Leonardo da Vinci" dans une gravure de 1845 de Gioconda divertie par des bouffons et des musiciens

Peut-être que ce dessin de la collection Hyde à New York est de Léonard de Vinci et est une esquisse préliminaire pour un portrait de la Joconde. Dans ce cas, il est curieux qu'il ait d'abord eu l'intention de lui mettre entre les mains une magnifique branche.

Très probablement, Vasari a simplement ajouté une histoire sur les bouffons pour le divertissement des lecteurs. Le texte de Vasari contient également description exacte sourcils manquants sur la photo. Cette inexactitude ne pourrait survenir que si l'auteur décrivait l'image de mémoire ou à partir des histoires des autres. Aleksey Dzhivelegov écrit que l'indication de Vasari selon laquelle "le travail sur le portrait a duré quatre ans est clairement exagérée : Léonard n'est pas resté à Florence aussi longtemps après son retour de César Borgia, et s'il avait commencé à peindre un portrait avant de partir pour César, Vasari aurait probablement, je dirais qu'il l'a écrit pendant cinq ans. Le scientifique écrit également sur l'indication erronée de l'incomplétude du portrait - «le portrait a sans aucun doute été peint pendant longtemps et a été mené à son terme, quoi qu'en dise Vasari, qui dans sa biographie de Léonard l'a stylisé comme un artiste qui , en principe, ne pouvait terminer aucun travail majeur. Et non seulement c'était fini, mais c'est l'une des choses les plus soigneusement finies de Léonard.

Un fait intéressant est que dans sa description, Vasari admire le talent de Léonard pour transmettre les phénomènes physiques, et non la similitude entre le modèle et la peinture. Il semble que ce soit cette caractéristique « physique » du chef-d'œuvre qui a laissé impression profonde des visiteurs de l'atelier de l'artiste et atteint Vasari près de cinquante ans plus tard.

Le tableau était bien connu des amateurs d'art, bien que Léonard ait quitté l'Italie pour la France en 1516, emportant le tableau avec lui. Selon des sources italiennes, il fait depuis partie de la collection du roi de France François Ier, mais on ne sait pas quand et comment il l'a acquis et pourquoi Léonard ne l'a pas rendu au client.

Autre

Peut-être que l'artiste n'a pas vraiment terminé le tableau à Florence, mais l'a emporté avec lui lorsqu'il est parti en 1516 et a appliqué le dernier trait en l'absence de témoins qui pourraient en parler à Vasari. Si tel est le cas, il l'achève peu de temps avant sa mort en 1519. (En France, il vivait au Clos-Luce près du château royal d'Amboise).

Bien que Vasari donne des informations sur l'identité de la femme, il y a encore eu longtemps des incertitudes à son sujet et de nombreuses versions ont été exprimées :

Un contrôle marginal prouve l'identification correcte du modèle de Mona Lisa

Selon l'une des versions proposées, "Mona Lisa" est un autoportrait de l'artiste

Cependant, la version sur la correspondance du nom généralement accepté du tableau avec la personnalité du modèle en 2005 est considérée comme ayant trouvé une confirmation définitive. Des scientifiques de l'Université de Heidelberg ont étudié les notes en marge d'un tome appartenant à un fonctionnaire florentin, une connaissance personnelle de l'artiste Agostino Vespucci. Dans des notes en marge du livre, il compare Léonard au célèbre peintre grec ancien Apelles et note que "da Vinci travaille actuellement sur trois peintures, dont l'une est un portrait de Lisa Gherardini". Ainsi, Mona Lisa s'est avérée être l'épouse du marchand florentin Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. La peinture, comme le prouvent les scientifiques dans ce cas, a été commandée par Leonardo pour la nouvelle maison de la jeune famille et pour commémorer la naissance de leur deuxième fils, nommé Andrea.

Peinture

La description

Une copie de la "Mona Lisa" de la Wallace Collection (Baltimore) a été réalisée avant que les bords de l'original ne soient coupés, et permet de voir les colonnes perdues

L'image d'un format rectangulaire représente une femme en vêtements sombres, tournant à demi-tournée. Elle est assise dans un fauteuil, les mains jointes, posant une main sur son accoudoir et plaçant l'autre sur le dessus, se tournant sur la chaise presque pour faire face au spectateur. Séparés par une raie, les cheveux couchés en douceur et à plat, visibles à travers un voile transparent jeté sur eux (selon certaines hypothèses, un attribut du veuvage), tombent sur les épaules en deux mèches clairsemées et légèrement ondulées. Une robe verte à volants fins, à manches plissées jaunes, découpée sur une poitrine basse blanche. La tête est légèrement tournée.

Fragment de la "Mona Lisa" avec les restes de la base de la colonne

Le bord inférieur de la peinture coupe la seconde moitié de son corps, de sorte que le portrait est presque à mi-longueur. Le fauteuil dans lequel le modèle est assis se dresse sur un balcon ou sur une loggia dont la ligne de parapet est visible derrière ses coudes. Comme il est considéré photo précédente pourrait être plus large et accueillir deux colonnes latérales de la loggia, d'où ce moment il reste deux bases de colonnes dont les fragments sont visibles le long des bords du parapet.

La loggia surplombe une nature sauvage désolée de ruisseaux sinueux et un lac entouré de montagnes enneigées qui s'étend jusqu'à une haute ligne d'horizon derrière la figure. "Mona Lisa est représentée assise dans un fauteuil sur fond de paysage, et la comparaison même de sa silhouette, qui est très proche du spectateur, avec un paysage visible de loin, comme une immense montagne, donne à l'image une grandeur extraordinaire. La même impression est facilitée par le contraste de la tangibilité plastique accrue de la figure et de sa silhouette lisse et généralisée avec un paysage s'éloignant dans un lointain brumeux, comme une vision, avec des rochers bizarres et des canaux d'eau qui serpentent entre eux.

Composition

Le portrait de Gioconda est l'un des plus beaux exemples de l'art du portrait italien de la Haute Renaissance.

Boris Vipper écrit que, malgré les traces du Quattrocento, "avec ses vêtements avec une petite découpe sur la poitrine et avec des manches à plis libres, tout comme avec une posture droite, une légère rotation du corps et un geste doux des mains , la Joconde appartient entièrement à l'ère du style classique". Mikhail Alpatov précise que « La Gioconda s'inscrit parfaitement dans un rectangle strictement proportionnel, sa demi-figure forme quelque chose d'entier, les mains jointes complètent son image. Maintenant, bien sûr, il ne pouvait être question des boucles bizarres de la première Annonciation. Cependant, si adoucis que soient tous les contours, la mèche ondulée des cheveux de la Gioconda s'accorde avec le voile transparent, et le tissu suspendu jeté sur l'épaule trouve un écho dans les sinuosités lisses de la route lointaine. Dans tout cela, Léonard montre sa capacité à créer selon les lois du rythme et de l'harmonie.

État actuel

"Mona Lisa" est devenue très sombre, ce qui est considéré comme le résultat de la tendance de son auteur à expérimenter avec des peintures, à cause de laquelle la fresque de la Cène est pratiquement morte. Les contemporains de l'artiste ont cependant réussi à exprimer leur enthousiasme non seulement pour la composition, le dessin et le jeu du clair-obscur - mais aussi pour la couleur de l'œuvre. On suppose, par exemple, qu'initialement les manches de sa robe pourraient être rouges - comme on peut le voir sur une copie du tableau du Prado.

L'état actuel du tableau est assez mauvais, c'est pourquoi le personnel du Louvre a annoncé qu'il ne le donnerait plus aux expositions : "Des fissures se sont formées sur le tableau, et l'une d'elles s'arrête à quelques millimètres au-dessus de la tête de Mona Lisa."

Une analyse

Technique

Comme le note Dzhivelegov, au moment de la création de la Joconde, la compétence de Léonard "est déjà entrée dans une phase d'une telle maturité, lorsque toutes les tâches formelles de nature compositionnelle et autre ont été définies et résolues, lorsque Léonard a commencé à penser que seul les dernières tâches les plus difficiles de la technique artistique méritent d'être de s'en occuper. Et lorsqu'il a trouvé dans le visage de Mona Lisa un modèle qui satisfaisait ses besoins, il a essayé de résoudre certaines des tâches les plus élevées et les plus difficiles de la technique de peinture qu'il n'avait pas encore résolues. Il voulait, à l'aide de techniques déjà développées et testées par lui auparavant, notamment avec l'aide de son célèbre sfumato, qui donnait auparavant des effets extraordinaires, à faire plus qu'il ne faisait auparavant : créer un visage vivant d'une personne vivante et reproduire les traits et l'expression de ce visage de manière à ce qu'ils révèlent jusqu'au bout le monde intérieur d'une personne.

Paysage derrière la Joconde

Boris Whipper pose la question, « par quel moyen cette spiritualité est-elle atteinte, cette étincelle de conscience éternelle à l'image de Mona Lisa, alors deux moyens principaux doivent être nommés. L'un est le merveilleux sfumato de Leonard. Pas étonnant que Leonardo ait aimé dire que "le modelage est l'âme de la peinture". C'est le sfumato qui crée le regard mouillé de la Gioconda, son sourire léger comme le vent et l'incomparable douceur caressante du toucher de ses mains. Sfumato est une brume subtile qui enveloppe le visage et la silhouette, adoucissant les contours et les ombres. Léonard recommandait à cet effet de placer entre la source de lumière et les corps, comme il le dit, "une sorte de brouillard".

Rotenberg écrit que « Leonardo a réussi à introduire dans sa création ce degré de généralisation qui nous permet de le considérer comme une image d'une personne de la Renaissance dans son ensemble. Ce degré élevé de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural de l'image, dans ses motifs individuels - dans la façon dont un voile léger et transparent, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, combine les mèches de cheveux soigneusement dessinées et les petites plis de la robe en un contour lisse commun; il est palpable dans le modelé du visage, incomparable dans sa douce douceur (sur laquelle les sourcils ont été enlevés à la mode de l'époque) et ses belles mains soignées.

Alpatov ajoute que « dans une brume doucement fondante enveloppant le visage et la silhouette, Léonard a réussi à faire ressentir la variabilité illimitée des expressions faciales humaines. Bien que les yeux de la Gioconda regardent attentivement et calmement le spectateur, en raison de l'ombrage de ses orbites, on pourrait penser qu'ils sont légèrement froncés ; ses lèvres sont comprimées, mais des ombres à peine perceptibles se dessinent près de leurs commissures, qui font croire qu'à chaque minute elles vont s'ouvrir, sourire, parler. Le contraste même entre son regard et le demi-sourire sur ses lèvres donne une idée de l'incohérence de ses expériences. (...) Léonard y a travaillé pendant plusieurs années, s'assurant qu'il ne reste pas un seul trait net, pas un seul contour angulaire dans l'image; et bien que les bords des objets y soient clairement perceptibles, ils se dissolvent tous dans les transitions les plus subtiles de la pénombre à la pénombre.

Paysage

Les critiques d'art soulignent l'organicité avec laquelle l'artiste a combiné caractéristique du portrait personnalité avec un paysage plein d'ambiance particulière, et combien cela a augmenté la dignité du portrait.

Une première copie de la "Mona Lisa" du Prado montre à quel point l'image du portrait est perdue lorsqu'elle est placée sur un fond sombre et neutre.

En 2012, une copie de la "Mona Lisa" du Prado a été effacée et un fond de paysage s'est avéré être sous les enregistrements ultérieurs - la sensation de la toile change immédiatement.

Vipper considère le paysage comme le second moyen qui crée la spiritualité de l'image : « Le second moyen est la relation entre la figure et l'arrière-plan. Le fantastique, rocheux, comme vu à travers le paysage d'eau de mer dans le portrait de Mona Lisa a une autre réalité que sa figure elle-même. La Joconde a la réalité de la vie, le paysage a la réalité du rêve. Grâce à ce contraste, Mona Lisa semble si incroyablement proche et tangible, et nous percevons le paysage comme le rayonnement de son propre rêve.

Le chercheur en art de la Renaissance Viktor Grashchenkov écrit que Leonardo, y compris grâce au paysage, a réussi à créer non pas le portrait d'une personne spécifique, mais une image universelle: «Dans ce image mystérieuse il a créé quelque chose de plus qu'un portrait de l'inconnue Florentine Mona Lisa, la troisième épouse de Francesco del Giocondo. L'apparence et la structure mentale d'une personne particulière leur sont transmises avec une synthèse sans précédent. Ce psychologisme impersonnel correspond à l'abstraction cosmique du paysage, presque totalement dépourvu de tout signe de présence humaine. Dans le clair-obscur enfumé, non seulement tous les contours de la figure et du paysage et toutes les tonalités de couleur sont adoucis. Dans les transitions les plus subtiles de la lumière à l'ombre, presque imperceptibles à l'œil, dans la vibration du « sfumato » de Léonard, toute précision de l'individualité et de son état psychologique est adoucie à la limite, fond et est prête à disparaître. (...) "La Gioconda" n'est pas un portrait. C'est un symbole visible de la vie même de l'homme et de la nature, unis en un tout et présenté abstraitement à partir de leur forme concrète individuelle. Mais derrière le mouvement à peine perceptible qui, comme des ondulations légères, parcourt la surface immobile de ce monde harmonieux, on devine toute la richesse des possibilités d'existence physique et spirituelle.

"Mona Lisa" est soutenue dans les tons brun doré et rougeâtre du premier plan et les tons vert émeraude du lointain. "Les peintures transparentes, comme le verre, forment un alliage, comme si elles n'avaient pas été créées par une main humaine, mais par cette force intérieure de la matière qui, à partir d'une solution, donne naissance à des cristaux de forme parfaite." Comme beaucoup d'œuvres de Léonard, cette œuvre s'est assombrie avec le temps et ses rapports de couleurs ont quelque peu changé, cependant, même maintenant, des comparaisons réfléchies dans les tons d'œillet et de vêtements et leur contraste général avec le vert bleuâtre sont clairement perçues. tonalité "sous-marine" du paysage .

La place de la peinture dans le développement du genre du portrait

"Mona Lisa" est considérée comme l'une des meilleures œuvres du genre du portrait, qui a influencé les œuvres de la Haute Renaissance et indirectement à travers elles - sur tout le développement ultérieur du genre, qui "devrait toujours revenir à la Gioconda comme un inaccessible, mais modèle obligatoire".

Les historiens de l'art notent que le portrait de Mona Lisa a été une étape décisive dans le développement de l'art du portrait de la Renaissance. Rotenberg écrit : « Bien que les peintres du Quattrocento aient laissé un certain nombre d'œuvres significatives de ce genre, leurs réalisations dans le domaine du portrait étaient, pour ainsi dire, disproportionnées par rapport aux réalisations dans les principaux genres picturaux - dans les compositions sur des thèmes religieux et mythologiques. L'inégalité du genre du portrait était déjà évidente dans l'"iconographie" même des images de portrait. En effet, les portraits du XVe siècle, avec toutes leurs similitudes physionomiques indéniables et le sentiment de force intérieure qu'ils dégagent, se distinguaient encore par leur contrainte externe et interne. Toute cette richesse de sentiments et d'expériences humaines qui caractérise les images mythologiques peintres du XVe siècle, n'était généralement pas la propriété de leurs portraits. Des échos de cela peuvent être vus dans les portraits antérieurs de Léonard lui-même, créés par lui dans les premières années de son séjour à Milan. (...) Par rapport à eux, le portrait de Mona Lisa est perçu comme le résultat d'un gigantesque glissement qualitatif. Pour la première fois, l'image du portrait dans sa signification est devenue à égalité avec les images les plus vives des autres genres picturaux.

"Donna Nuda" (c'est-à-dire "Nude Donna"). Artiste inconnu, fin XVI siècle, Ermitage

Dans son travail de pionnier, Léonard a transféré centre principal gravité sur le visage du portrait. En même temps, il a utilisé ses mains comme un puissant moyen de caractérisation psychologique. Ayant rendu le portrait au format générationnel, l'artiste a pu démontrer un plus large éventail de techniques picturales. Et la chose la plus importante dans la structure figurative du portrait est la subordination de tous les détails à l'idée directrice. "La tête et les mains sont le centre incontestable de l'image, auquel le reste de ses éléments est sacrifié. Le paysage de conte de fées, pour ainsi dire, brille à travers les eaux de la mer, il semble si lointain et intangible. Son objectif principal n'est pas de détourner l'attention du spectateur du visage. Et le même rôle est appelé à remplir la robe, qui se décompose en ses plus petits plis. Léonard évite consciemment les draperies lourdes qui pourraient obscurcir l'expressivité des mains et du visage. Ainsi, il fait jouer ce dernier avec une force particulière, d'autant plus modeste et neutre que le paysage et les vêtements sont assimilés à un accompagnement silencieux, à peine perceptible.

Les étudiants et disciples de Léonard ont créé de nombreuses répliques de la Joconde. Certains d'entre eux (de la collection Vernon, USA ; de la collection Walter, Baltimore, USA ; et depuis quelque temps la Joconde d'Isleworth, Suisse) sont considérés comme authentiques par leurs propriétaires, et le tableau du Louvre est une copie. Il existe également une iconographie de la « Joconde nue », représentée par plusieurs variantes (« Beautiful Gabriel », « Monna Vanna », l'Ermitage « Donna Nuda »), apparemment réalisées par les propres élèves de l'artiste. Un grand nombre d'entre eux ont donné lieu à une version indémontrable selon laquelle il existait une version de la Joconde nue, écrite par le maître lui-même.

La réputation de la peinture

"Mona Lisa" derrière une vitre pare-balles au Louvre et les visiteurs du musée se pressent à proximité

Malgré le fait que la "Mona Lisa" était très appréciée des contemporains de l'artiste, sa renommée s'est estompée à l'avenir. L'image n'a pas été particulièrement rappelée jusqu'à ce que milieu XIXe siècle, lorsque des artistes proches du mouvement symboliste ont commencé à la louer, l'associant à leurs idées sur la mystique féminine. Le critique Walter Pater a exprimé son opinion dans son essai de 1867 sur da Vinci, décrivant la figure du tableau comme une sorte d'incarnation mythique de l'éternel féminin, qui est "plus vieux que les rochers entre lesquels elle est assise" et qui "est mort plusieurs fois et appris les secrets de l'au-delà".

La poursuite de l'ascension de la notoriété du tableau est liée à sa mystérieuse disparition au début du XXe siècle et à son heureux retour au musée quelques années plus tard (voir rubrique Vol ci-dessous), grâce à quoi il ne quitta pas les pages des journaux.

Contemporain de ses aventures, le critique Abram Efros écrit : "... le gardien du musée, qui ne s'est pas écarté d'un pas de l'image depuis son retour au Louvre après l'enlèvement en 1911, n'a pas gardé un portrait de sa femme Francesca del Giocondo, mais l'image d'une sorte de créature mi-humaine, mi-serpent, soit souriante, soit sombre, dominant l'espace glacé, nu et rocheux qui s'étendait derrière son dos.

La Joconde est l'une des plus des peintures célèbres Art d'Europe occidentale. Sa réputation de haut niveau est associée non seulement à sa grande valeur artistique, mais aussi à l'atmosphère de mystère qui entoure cette œuvre.

Tout le monde sait quelle énigme insoluble Mona Lisa demande depuis quatre cents ans aux admirateurs qui se pressent devant son image. Jamais un artiste n'a exprimé l'essence de la féminité (je cite les lignes écrites par un écrivain raffiné se cachant derrière le pseudonyme de Pierre Corlet) : d'autres pour n'en contempler que l'éclat. (Eugène Muntz).

L'un des mystères est lié à la profonde affection que l'auteur portait à cette œuvre. Diverses explications ont été proposées, par exemple romantiques: Leonardo est tombé amoureux de Mona Lisa et a délibérément retardé le travail afin de rester plus longtemps avec elle, et elle l'a taquiné avec son sourire mystérieux et l'a amené aux plus grandes extases créatives. Cette version est considérée comme une simple spéculation. Dzhivelegov estime que cet attachement est dû au fait qu'il y a trouvé le point d'application de nombre de ses recherches créatives (voir la section Technique).

Le sourire de Gioconda

Le sourire de Mona Lisa est l'un des plus énigmes célèbres peintures. Ce léger sourire vagabond se retrouve dans de nombreuses œuvres du maître lui-même et des Léonardesques, mais c'est dans Mona Lisa qu'elle a atteint sa perfection.

Le charme démoniaque de ce sourire fascine particulièrement le spectateur. Des centaines de poètes et d'écrivains ont écrit sur cette femme, qui semble sourire de manière séduisante, puis figée, regardant froidement et sans âme dans l'espace, et personne n'a deviné son sourire, personne n'a interprété ses pensées. Tout, même le paysage, est mystérieux, comme un rêve, tremblant, comme un brouillard de sensualité avant l'orage (Muter).

Le critique d'art Rotenberg estime qu '«il y a peu de portraits dans le monde de l'art qui soient à la hauteur de la Joconde en termes de pouvoir d'expression de la personnalité humaine, incarnée dans l'unité du caractère et de l'intellect. C'est l'extraordinaire charge intellectuelle du portrait de Léonard qui le distingue des portraits-images du Quattrocento. Ce trait qui est le sien est perçu avec d'autant plus d'acuité qu'il renvoie à portrait d'une femme, dans lequel le caractère du modèle était auparavant révélé dans un ton figuratif complètement différent, à prédominance lyrique. Le sentiment de force émanant de la "Mona Lisa" est une combinaison organique de sang-froid intérieur et d'un sentiment de liberté personnelle, l'harmonie spirituelle d'une personne basée sur sa conscience de sa propre signification. Et son sourire lui-même n'exprime nullement la supériorité ou le dédain ; il est perçu comme le résultat d'une confiance en soi sereine et d'une maîtrise de soi complète.

Boris Whipper souligne que l'absence susmentionnée de sourcils et de front rasé renforce peut-être involontairement l'étrange mystère de son expression. Plus loin, il écrit sur le pouvoir d'influence de l'image : « Si nous nous demandons quel est le grand pouvoir d'attraction de la Joconde, son effet hypnotique vraiment incomparable, alors il ne peut y avoir qu'une seule réponse - dans sa spiritualité. Les interprétations les plus ingénieuses et les plus opposées ont été mises dans le sourire de la Joconde. Ils voulaient y lire orgueil et tendresse, sensualité et coquetterie, cruauté et pudeur. L'erreur était, premièrement, qu'ils recherchaient à tout prix des propriétés spirituelles individuelles et subjectives à l'image de Mona Lisa, alors qu'il ne fait aucun doute que Léonard a atteint précisément la spiritualité typique. Deuxièmement, et c'est peut-être encore plus important, ils ont essayé d'attribuer un contenu émotionnel à la spiritualité de Mona Lisa, alors qu'en fait elle a des racines intellectuelles. Le miracle de la Joconde réside précisément dans le fait qu'elle pense ; que, devant une planche jaunie et craquelée, on sent irrésistiblement la présence d'un être doué de raison, un être avec qui on peut parler et dont on peut attendre une réponse.

Lazarev l'a analysé en tant qu'historien de l'art : « Ce sourire n'est pas tant une caractéristique individuelle de Mona Lisa, mais une formule typique de renaissance psychologique, une formule qui parcourt comme un fil rouge toutes les images de jeunesse de Léonard, une formule qui plus tard transformé, entre les mains de ses étudiants et disciples, en cachet traditionnel. Comme les proportions des figures de Leonard, il est construit sur les mesures mathématiques les plus fines, sur une stricte considération des valeurs expressives des différentes parties du visage. Et pour autant, ce sourire est absolument naturel, et c'est justement la force de son charme. Il prend tout ce qui est dur, tendu, figé du visage, il le transforme en un miroir d'expériences émotionnelles vagues et indéfinies, dans sa légèreté insaisissable, il ne peut être comparé qu'à une houle qui traverse l'eau.

Copie du XVIe siècle, située à l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Le charme démoniaque de ce sourire fascine particulièrement le spectateur. Des centaines de poètes et d'écrivains ont écrit sur cette femme, qui semble sourire de manière séduisante, puis figée, regardant froidement et sans âme dans l'espace, et personne n'a deviné son sourire, personne n'a interprété ses pensées. Tout, même le paysage, est mystérieux, comme un rêve, tremblant, comme un brouillard de sensualité avant l'orage (Muter).

L'histoire de la peinture à l'époque moderne

Au jour de sa mort en 1525, l'assistant (et peut-être amant) de Léonard nommé Salai possédait, à en juger par les références dans ses papiers personnels, un portrait d'une femme appelée "Gioconda" ( quadro de una dona aretata), qui lui a été légué par son professeur. Salai a laissé le tableau à ses sœurs qui vivaient à Milan. Il reste un mystère comment, dans ce cas, le portrait est revenu de Milan en France. On ne sait pas non plus qui et quand exactement ont coupé les bords du tableau avec des colonnes, qui, selon la plupart des chercheurs, sur la base d'une comparaison avec d'autres portraits, existaient dans la version originale. Contrairement à une autre œuvre recadrée de Léonard - "Portrait de Ginevra Benci", dont la partie inférieure a été coupée, car elle a souffert de l'eau ou du feu, dans ce cas Les raisons étaient très probablement de nature compositionnelle. Il existe une version selon laquelle cela a été fait par Léonard de Vinci lui-même.

Foule au Louvre près du tableau, aujourd'hui

Le roi François Ier aurait acheté le tableau aux héritiers de Salai (pour 4 000 écus) et l'aurait conservé dans son château de Fontainebleau, où il est resté jusqu'à l'époque de Louis XIV. Ce dernier la transporta au château de Versailles, et après Révolution française Elle a fini au Louvre. Napoléon a accroché le portrait dans sa chambre du palais des Tuileries, puis elle est retournée au musée.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le tableau est transporté en toute sécurité du Louvre au château d'Amboise (lieu de la mort et de la sépulture de Léonard), puis à l'abbaye de Loc-Dieu, et enfin au musée Ingres de Montauban, d'où , après la victoire, il est revenu sain et sauf à sa place.

Vandalisme

En 1956, la partie inférieure du tableau a été endommagée lorsqu'un visiteur a versé de l'acide dessus. Le 30 décembre de la même année, le jeune bolivien Hugo Ungaza Villegas lui lança une pierre et abîma la couche picturale au niveau du coude (la perte fut enregistrée par la suite). Après cela, la Joconde a été protégée par du verre pare-balles, qui l'a protégée de nouvelles attaques graves. Pourtant, en avril 1974, une femme, frustrée par la politique du musée envers les personnes handicapées, tente de vaporiser de la peinture rouge à l'aide d'une bombe aérosol alors que le tableau est exposé à Tokyo, et le 2 avril 2009, une femme russe qui n'a pas reçu le français la citoyenneté a lancé une tasse d'argile dans le verre. Ces deux cas n'ont pas nui à l'image.

Dans l'art

Kazimir Malevitch. Composition avec Mona Lisa.

La peinture:

Kazimir Malevich en 1914 a fait "Composition avec Mona Lisa".
Le dadaïste Marcel Duchamp crée en 1919 l'œuvre "L.H.O.O.Q." , qui était une reproduction de la célèbre toile avec une moustache attachée.
Fernand Léger peint La Joconde aux clés en 1930.
René Magritte en 1960 a créé le tableau "La Gioconda", où il n'y a pas de Mona Lisa, mais il y a une fenêtre.
Andy Warhol en 1963 et 1978 a fait la composition "Four Mona Lisa" et "Thirty Are Better Than One Andy Warhol" (1963), "Mona Lisa (Two Times)" ().
Salvador Dali a peint l'Autoportrait en Mona Lisa en 1964.
Représentant de l'art figuratif

La Joconde du grand Léonard de Vinci, également connue sous le nom de Gioconda, est l'une des œuvres les plus mystérieuses de l'histoire de l'art. Depuis plusieurs siècles maintenant, les disputes ne se sont pas apaisées quant à savoir qui est réellement représenté dans le portrait. Par différentes versions, il s'agit de l'épouse d'un marchand florentin, d'un travesti en vêtements féminins, de la mère de l'artiste et, enfin, de l'artiste lui-même, déguisé en femme... Mais ce n'est qu'une partie des secrets liés à l'image.

"Mona Lisa" n'est pas "La Gioconda" ?

On pense que le tableau a été peint vers 1503-1505. Modèle pour elle version officielle, a été contemporaine du grand peintre née Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, dont le portrait aurait été commandé par son mari, le marchand de soie florentin Francesco del Giocondo. Le nom complet de la toile est "Ritratto di Monna Lisa del Giocondo" - "Portrait de Mme Lisa Giocondo". Gioconda (la Gioconda) signifie aussi "joyeux, jouant". Alors peut-être que c'est un surnom, pas un nom de famille.

Cependant, il y a des rumeurs dans la communauté de l'histoire de l'art selon lesquelles la célèbre Mona Lisa de Léonard de Vinci et sa Gioconda sont deux peintures complètement différentes.

Le fait est qu'aucun des contemporains du grand peintre n'a vu le portrait achevé. Giorgio Vasari, dans son livre Lives of Artists, affirme que Leonardo a travaillé sur le tableau pendant quatre ans, mais n'a jamais eu le temps de le terminer. Cependant, le portrait actuellement exposé au Louvre est entièrement achevé.

Un autre artiste, Raphaël, témoigne qu'il a vu La Gioconda dans l'atelier de Vinci. Il a esquissé un portrait. Sur celle-ci, le modèle pose entre deux colonnes grecques. Il n'y a pas de colonnes dans le portrait bien connu. A en juger par les sources, la Joconde était aussi plus grande taille que la Joconde originale que nous connaissons. De plus, il est prouvé que la toile inachevée a été remise au client - le mari du modèle, le marchand florentin Francesco del Giocondo. Ensuite, il a été hérité de génération en génération.

Le portrait, appelé "Mona Lisa", représenterait la favorite du duc Giuliano de' Medici, Constance d'Avalos. En 1516, l'artiste apporta ce tableau avec lui en France. Jusqu'à la mort même de da Vinci, le tableau était dans son domaine près d'Amboise. En 1517, elle se retrouve dans la collection du roi de France François Ier. C'est elle que l'on peut aujourd'hui voir au Louvre.

En 1914, un antiquaire britannique pour quelques guinées acheta une image de la Joconde au marché de vêtements de Bass, qu'il considérait comme une copie réussie de la création de Léonard. Par la suite, ce portrait est devenu connu sous le nom de "Iuor Mona Lisa". Il semble inachevé, en arrière-plan il y a deux colonnes grecques, comme dans les mémoires de Raphaël.

Puis la toile est arrivée à Londres où, en 1962, elle a été achetée par un syndicat de banquiers suisses.

Y a-t-il une telle ressemblance entre deux femmes différentes qu'elles se confondent ? Ou n'y a-t-il qu'un seul tableau, et le second n'est qu'une copie réalisée par un artiste inconnu ?

image cachée

Soit dit en passant, l'expert français Pascal Cotte a récemment annoncé qu'une autre image, la vraie Lisa Gherardini, se cache sous une couche de peinture dans l'image. Il en est venu à cette conclusion après avoir passé dix ans à étudier le portrait à l'aide d'une technologie qu'il a développée basée sur la réflexion des rayons lumineux.

Selon le scientifique, il était possible de "reconnaître" le deuxième portrait sous la "Mona Lisa". Il représente également une femme assise exactement dans la même position que Gioconda, cependant, contrairement à cette dernière, elle regarde un peu de côté et ne sourit pas.

sourire fatal

Et le fameux sourire de Mona Lisa ? Que d'hypothèses n'ont pas été avancées à son sujet ! Il semble à certains que Gioconda ne sourit pas du tout, à quelqu'un qu'elle n'a pas de dents, et à quelqu'un quelque chose de sinistre semble être dans son sourire ...

Retour au 19ème siècle écrivain français Stendhal a noté qu'après avoir admiré le tableau pendant une longue période, il a eu une dépression inexplicable... Les ouvriers du Louvre, où la toile est maintenant accrochée, disent que les spectateurs s'évanouissent souvent devant la Joconde. De plus, les employés du musée ont remarqué que lorsque le public n'est pas autorisé à entrer dans la salle, l'image semble s'estomper, mais dès que les visiteurs apparaissent, les couleurs semblent devenir plus lumineuses et le sourire mystérieux ressort plus clairement ... Les parapsychologues expliquent le phénomène par le fait que la Gioconda est une image -vampire, elle boit la force vitale d'une personne... Cependant, ce n'est qu'une supposition.

Une autre tentative pour percer le mystère a été faite par Nitz Zebe de l'Université d'Amsterdam et ses collègues américains de l'Université de l'Illinois. Ils ont utilisé un programme informatique spécial qui comparait l'image d'un visage humain à une base de données d'émotions humaines. L'ordinateur a produit des résultats sensationnels : il s'avère que des sentiments extrêmement mitigés se lisent sur le visage de Mona Lisa, et parmi eux seulement 83% de bonheur, 9% appartiennent au dégoût, 6% à la peur et 2% à la colère...

Pendant ce temps, les historiens italiens ont découvert que si vous regardez les yeux de Mona Lisa au microscope, certaines lettres et certains chiffres deviennent visibles. Ainsi, dans l'œil droit, vous pouvez voir les lettres LV, qui peuvent cependant ne représenter que les initiales du nom Léonard de Vinci. Les symboles dans l'œil gauche n'ont pas encore été reconnus : soit ce sont les lettres CE, soit B...

Dans l'arche du pont, située à l'arrière-plan de l'image, le nombre 72 «affiche», bien qu'il existe d'autres versions, par exemple, qu'il s'agit de 2 ou de la lettre L ... Le nombre 149 (le quatre est effacé ) est également visible sur la toile. Cela peut indiquer l'année de création du tableau - 1490 ou plus tard...

Quoi qu'il en soit, le sourire mystérieux de la Gioconda restera à jamais un modèle de l'art le plus élevé. Après tout, le divin Léonard a pu créer quelque chose qui passionnera les descendants pendant de très nombreux siècles…

Culture

Mona Lisa est l'une des plus oeuvres célébres l'art dans l'histoire cache plus d'un portrait.

Le scientifique français Pascal Cotte a déclaré que découvert des portraits cachés utilisant la technologie de réflexion de la lumière.

Le scientifique a déclaré qu'il étudiait et analysait la peinture depuis plus de 10 ans.

"Le résultat démystifie de nombreux mythes et change à jamais notre compréhension du chef-d'œuvre de Léonard.", a déclaré Kotte.

Tableau "Mona Lisa" de Léonard de Vinci

Le scientifique croit que l'un des portraits cachés est vrai portrait Lisa de Giocondo, les femmes avec qui ont peint "Mona Lisa".

Avec l'aide de la reconstruction, vous pouvez voir l'image du modèle, qui regarde sur le côté.

Au lieu du fameux regard direct, sur l'image du modèle aucune trace d'un sourire mystérieux qui intrigue les connaisseurs d'art depuis plus de 500 ans.

Léonard a travaillé sur la peinture entre 1503 et 1517 à Florence puis en France.

Pendant longtemps, il y a eu des disputes sur l'identité de la Joconde. Pendant de nombreux siècles, on a cru qu'il s'agissait de Lisa Gherardini, l'épouse d'un marchand de soie florentin.

Cependant, lorsque M. Cotte a fait une reconstruction de Lisa Gerardini, il a découvert "Mona Lisa" complètement différente.

De plus, il affirme qu'il y a deux autres images sous la surface de la peinture - un contour flou d'un portrait avec une tête et un nez plus grands, des mains plus grandes, mais des lèvres plus petites. Le scientifique a également découvert une autre image dans le style de la Madone gravée par Léonard sous la forme d'un bord de perle.

Pascal Cottet a utilisé une technique connue sous le nom de méthode d'amélioration des couches, projetant un rayonnement intense sur une peinture et mesurant la réflexion, permettant de reconstruire ce qui se trouvait entre les couches de peinture. Grâce à cette méthode, le scientifique a pu se pencher au cœur même du célèbre tableau.

Description de l'oeuvre "Mona Lisa"

La Joconde est considérée comme l'une des les plus grands trésors de l'art de la Renaissance. La peinture est également connue sous le nom de "Gioconda" et est considérée comme l'un des plus beaux exemples d'art du portrait.

Malgré sa renommée, "Mona Lisa", comme toutes les œuvres de Léonard de Vinci, n'était pas signée, et il n'y avait pas de date dessus. Le nom a été tiré d'une biographie de Leonardo écrite par le biographe Giorgio Vasari, publiée dans les années 1550, où il était dit que l'artiste avait accepté de peindre un portrait de Lisa Gherardini, l'épouse de Francesco del Giocondo, un marchand de soie.

Léonard a longuement travaillé la pièce, notamment sur la position des mains du modèle. Le sourire mystérieux et le secret de l'identité du modèle est une source de recherche constante et d'admiration.

Le prix du tableau "Mona Lisa"

La peinture de Mona Lisa est maintenant au Louvre à Paris et est considérée comme la peinture la plus précieuse au monde, elle est assurée contre l'inflation pour 782 millions de dollars.

Jean Franck, chercheur français et consultant au Leonardo da Vinci Center de Los Angeles, a récemment annoncé qu'il était capable de répéter la technique unique du grand maître, grâce à laquelle la Gioconda semble être vivante.

"En termes de technique, la Joconde a toujours été considérée comme quelque chose d'inexplicable. Maintenant, je pense avoir une réponse à cette question", déclare Frank.

Référence: La technique du sfumato est une technique de peinture inventée par Léonard de Vinci. Cela consiste dans le fait que les objets dans les peintures ne doivent pas avoir de limites claires. Tout devrait être comme dans la vie : flou, pénétrer l'un dans l'autre, respirer. Da Vinci a pratiqué cette technique en regardant les taches humides sur les murs, les cendres, les nuages ou la saleté. Il a délibérément enfumé la pièce où il travaillait afin de chercher des images dans les clubs.

Selon Jean Franck, la principale difficulté de cette technique réside dans les plus petits traits (environ un quart de millimètre), qui ne sont pas accessibles à la reconnaissance ni au microscope ni aux rayons X. Ainsi, il a fallu plusieurs centaines de séances pour peindre un tableau de Vinci. L'image de la Joconde se compose d'environ 30 couches de peinture à l'huile liquide, presque transparente. Pour un tel travail de bijouterie, da Vinci devait apparemment utiliser une loupe en même temps qu'un pinceau.
Selon le chercheur, il n'a réussi à atteindre que le niveau premiers travaux maîtrise. Cependant, même maintenant, ses recherches ont été honorées d'être à côté des toiles du grand Léonard de Vinci. Le musée des Offices de Florence a placé à côté des chefs-d'œuvre du maître 6 tableaux de Frank, qui décrivent par étapes comment da Vinci a peint l'œil de Mona Lisa, et deux tableaux de Léonard recréés par lui.

On sait que la composition de "Mona Lisa" est construite sur des "triangles d'or". Ces triangles, à leur tour, sont des morceaux d'un pentagone étoilé régulier. Mais les chercheurs ne voient aucun significations secrètes, ils sont plutôt enclins à expliquer l'expressivité de la Joconde par la technique de la perspective spatiale.

Da Vinci a été l'un des premiers à utiliser cette technique, il a rendu l'arrière-plan de l'image peu clair, légèrement flou, augmentant ainsi l'accent mis sur les contours du premier plan.

Les énigmes de la Joconde

Des techniques uniques ont permis à da Vinci de créer un portrait si vivant d'une femme que les gens, en le regardant, perçoivent ses sentiments différemment. Est-elle triste ou souriante ? Les scientifiques ont résolu cette énigme. Le programme informatique Urbana-Champaign, créé par des scientifiques des Pays-Bas et des États-Unis, a permis de calculer que le sourire de Mona Lisa est à 83% heureux, 9% dégoûté, 6% plein de peur et 2% en colère. Le programme a analysé les principales caractéristiques du visage, la courbe des lèvres et les rides autour des yeux, puis a classé le visage en six principaux groupes d'émotions.

Je veux chanter avec un sourire
M o n y L i z y.
O na - une énigme avec la résurrection -
Depuis des siècles .
I n t p e r e s n e s i n s ,
S o t v o r i l i
E il grand maître i m e l -
Épouse

E g o t a l a n t u v e l v n e y
simple citoyen,
W h e m u t i o n s o n
Toujours ,
B a u s u s h e v n u u o g n i ,
P o n i l t a i n u
Femmes et mères, regardant
Dans g a z a e .

À propos de
T r e c a e t
L o w i m a t e r n s t v a
premier appel
Et rien autour,
kr o m e t a y n y ,
C o t o r a i f i v e t
dans u t r i n e .

"Mona Lisa", elle est "La Gioconda" ; (Mona Lisa italienne, La Gioconda, La Joconde française), nom complet - Portrait de Mme Lisa del Giocondo, italienne. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) est un tableau de Léonard de Vinci situé au Louvre (Paris, France), l'un des tableaux les plus célèbres au monde, considéré comme un portrait de Lisa Gherardini, l'épouse de la soie florentine marchand Francesco del Giocondo, écrit vers 1503-1505.

Cela fera bientôt quatre siècles que la Joconde prive tous ceux qui, en ayant assez vu, se mettent à en parler.

Le nom complet du tableau est italien. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo - "Portrait de Mme Lisa Giocondo". En italien, ma donna signifie « ma dame » (cf. anglais « my lady » et français « madame »), dans une version abrégée, cette expression a été transformée en monna ou mona. La deuxième partie du nom du modèle, qui est considérée comme le nom de famille de son mari - del Giocondo, a également une signification directe en italien et se traduit par "joyeux, jouant" et, par conséquent, la Gioconda - "joyeux, jouant" (cf. avec plaisanterie anglaise).

Le nom "La Joconde" a été mentionné pour la première fois en 1525 dans la liste de l'héritage de l'artiste Salai, héritier et élève de da Vinci, qui a laissé le tableau à ses sœurs à Milan. L'inscription le décrit comme le portrait d'une dame nommée La Gioconda.

Même les premiers biographes italiens de Léonard de Vinci ont écrit sur la place qu'occupait ce tableau dans l'œuvre de l'artiste. Leonardo n'a pas hésité à travailler sur la Joconde - comme ce fut le cas pour de nombreuses autres commandes, mais, au contraire, s'est donné à elle avec une sorte de passion. Elle a consacré tout le temps qui lui restait du travail sur la bataille d'Anghiari. Il y consacra beaucoup de temps et, quittant l'Italie à l'âge adulte, il emmena avec lui en France, parmi quelques autres peintures choisies. Da Vinci avait une affection particulière pour ce portrait, et a également beaucoup réfléchi au cours du processus de sa création, dans le "Traité de la peinture" et dans les notes sur la technique de peinture qui n'y étaient pas incluses, vous pouvez trouver de nombreuses indications qui sans aucun doute se référer à la "La Gioconda".

Le message de Vasari

"Studio of Leonardo da Vinci" dans une gravure de 1845 de Gioconda divertie par des bouffons et des musiciens

Selon Giorgio Vasari (1511-1574), un biographe d'artistes italiens qui a écrit sur Léonard en 1550, 31 ans après sa mort, Mona Lisa (abréviation de Madonna Lisa) était l'épouse d'un florentin nommé Francesco del Giocondo (italien : Francesco del Giocondo), dont le portrait de Léonard a passé 4 ans, mais l'a laissé inachevé.

"Leonardo entreprit de terminer pour Francesco del Giocondo un portrait de Mona Lisa, sa femme, et après y avoir travaillé pendant quatre ans, il le laissa inachevé. Cet ouvrage est aujourd'hui chez le roi de France à Fontainebleau.
Cette image, à qui voudrait voir à quel point l'art peut imiter la nature, permet de l'appréhender de la manière la plus aisée, car elle reproduit tous les moindres détails que la subtilité de la peinture peut véhiculer. Par conséquent, les yeux ont cet éclat et cette humidité que l'on voit habituellement chez une personne vivante, et tous ces reflets et cheveux rougeâtres sont véhiculés autour d'eux, ce qui ne peut être représenté qu'avec la plus grande subtilité d'habileté. Les cils, faits comme les poils qui poussent réellement sur le corps, où plus épais, où moins souvent, et situés en fonction des pores de la peau, ne sauraient être représentés avec plus de naturel. Le nez, avec ses belles ouvertures, rosées et tendres, semble vivant. La bouche, légèrement ouverte, avec des bords reliés par la rougeur des lèvres, avec la physicalité de son apparence, ne semble pas être de la peinture, mais de la vraie chair. Dans l'approfondissement du cou, avec un regard attentif, vous pouvez voir le battement du pouls. Et vraiment on peut dire que cet ouvrage a été écrit de telle manière qu'il plonge dans la confusion et fait peur à tout artiste présomptueux, quel qu'il soit.
Soit dit en passant, Léonard a recouru à l'astuce suivante : comme Mona Lisa était très belle, tout en peignant le portrait, il a gardé des gens qui jouaient de la lyre ou chantaient, et il y avait toujours des bouffons qui la gardaient gaie et supprimaient la mélancolie habituellement rapportée de la peinture aux portraits performés. Chez Léonard, dans cette œuvre, le sourire est rendu si agréable qu'il semble que vous considériez un être divin plutôt qu'un être humain ; le portrait lui-même est vénéré comme une œuvre extraordinaire, car la vie elle-même ne pourrait en être autrement.

Peut-être que ce dessin de la collection Hyde à New York est de Léonard de Vinci et est une esquisse préliminaire pour un portrait de la Joconde. Dans ce cas, il est curieux qu'il ait d'abord eu l'intention de lui mettre entre les mains une magnifique branche.

Très probablement, Vasari a simplement ajouté une histoire sur les bouffons pour le divertissement des lecteurs. Le texte de Vasari contient également une description précise des sourcils absents du tableau. Cette inexactitude ne pourrait survenir que si l'auteur décrivait l'image de mémoire ou à partir des histoires des autres. Aleksey Dzhivelegov écrit que l'indication de Vasari selon laquelle "le travail sur le portrait a duré quatre ans est clairement exagérée : Léonard n'est pas resté à Florence aussi longtemps après son retour de César Borgia, et s'il avait commencé à peindre un portrait avant de partir pour César, Vasari aurait probablement, je dirais qu'il l'a écrit pendant cinq ans. Le scientifique écrit également sur l'indication erronée de l'incomplétude du portrait - «le portrait a sans aucun doute été écrit pendant longtemps et a été mené à son terme, quoi qu'en dise Vasari, qui dans sa biographie de Léonard l'a stylisé comme un artiste qui , en principe, ne pouvait terminer aucun travail majeur. Et non seulement c'était fini, mais c'est l'une des choses les plus méticuleusement finies de Leonardo."

Un fait intéressant est que dans sa description, Vasari admire le talent de Léonard pour transmettre les phénomènes physiques, et non la similitude entre le modèle et la peinture. Il semble que cette caractéristique "physique" du chef-d'œuvre ait laissé une profonde impression sur les visiteurs de l'atelier de l'artiste et ait atteint Vasari près de cinquante ans plus tard.

Le tableau était bien connu des amateurs d'art, bien que Léonard ait quitté l'Italie pour la France en 1516, emportant le tableau avec lui. Selon des sources italiennes, il fait depuis partie de la collection du roi de France François Ier, mais on ignore quand et comment il l'a acquis et pourquoi Léonard ne l'a pas rendu au client.

En 1517, le cardinal Luigi d'Aragona rendit visite à Léonard dans son atelier français. Une description de cette visite fut faite par le secrétaire du cardinal Antonio de Beatis : « Le 10 octobre 1517, monseigneur et d'autres comme lui visitèrent l'un des lointains parties d'Amboise Messire Léonard de Vinci, Florentin, vieillard à barbe grise de plus de soixante-dix ans, le plus excellent peintre de notre temps, qui montra à Son Excellence trois tableaux : l'un représentant une dame florentine, peint d'après nature à la demande du frère Lorenzo le Magnifique Giuliano de 'Medici, un autre représentant Sainte Anne avec Marie et l'enfant Jésus, tous extrêmement beaux, du maître lui-même, en raison du fait qu'il était paralysé à cette époque main droite, il n'était plus possible d'attendre de nouvelles bonnes œuvres. Selon certains chercheurs, "une certaine dame florentine" signifie "Mona Lisa". Il est possible, cependant, qu'il s'agisse d'un portrait différent, dont aucune preuve ni copie n'ont été conservées, à la suite de quoi Giuliano Medici n'aurait rien à voir avec Mona Lisa.

Une peinture du XIXe siècle d'Ingres montre d'une manière exagérément sentimentale le chagrin du roi François au lit de mort de Léonard de Vinci

Problème d'identification du modèle

Vasari, né en 1511, n'a pas pu voir la Joconde de ses propres yeux et a été contraint de se référer aux informations fournies par l'auteur anonyme de la première biographie de Léonard. C'est lui qui écrit sur le marchand de soie Francesco Giocondo, qui a commandé un portrait de sa troisième épouse à l'artiste. Malgré les paroles de ce contemporain anonyme, de nombreux érudits ont douté de la possibilité que la Joconde ait été peinte à Florence (1500-1505), car la technique raffinée peut indiquer une peinture ultérieure. Il a également été avancé qu'à cette époque, Léonard était tellement occupé à travailler sur la "Bataille d'Anghiari" qu'il a même refusé à la marquise de Mantoue Isabelle d'Este d'accepter sa commande (cependant, il avait une relation très difficile avec cette dame).

L'œuvre d'un disciple de Léonard est l'image d'un saint. Peut-être qu'Isabelle d'Aragon, duchesse de Milan, l'une des candidates au rôle de Mona Lisa, est capturée dans son apparence.

Francesco del Giocondo, un éminent prêtre florentin, à l'âge de trente-cinq ans en 1495, épousa pour la troisième fois une jeune napolitaine de la noble famille Gherardini - Lisa Gherardini, nom et prénom Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini (15 juin 1479 - 15 juillet 1542, soit vers 1551).

Bien que Vasari donne des informations sur l'identité de la femme, il y a encore eu longtemps des incertitudes à son sujet et de nombreuses versions ont été exprimées :
Caterina Sforza, fille illégitime du duc de Milan, Galeazzo Sforza
Isabelle d'Aragon, duchesse de Milan
Cecilia Gallerani (modèle d'un autre portrait de l'artiste - "Ladies with an Hermine")
Constanza d'Avalos, qui avait aussi le surnom de "Merry", c'est-à-dire La Gioconda en italien. Venturi en 1925 a suggéré que "La Gioconda" est un portrait de la duchesse de Costanza d'Avalos, la veuve de Federigo del Balzo, chanté dans un court poème d'Eneo Irpino, qui mentionne également son portrait peint par Leonardo. Costanza était la maîtresse de Giuliano de' Medici.
Pacifica Brandano - une autre maîtresse de Giuliano Medici, mère du cardinal Ippolito Medici (Selon Roberto Zapperi, le portrait de Pacifica a été commandé par Giuliano Medici pour les légaliser plus tard fils illégitime qui aspirait à voir sa mère, qui à cette époque était déjà décédée. Dans le même temps, selon le critique d'art, le client, comme d'habitude, a laissé à Léonard une totale liberté d'action).
Isabelle Gualanda
Juste la femme parfaite
Un jeune homme en tenue de femme (par exemple, Salai, bien-aimé de Léonard)
Autoportrait de Léonard de Vinci
Portrait rétrospectif de la mère de l'artiste Katerina (1427-1495) (offert par Freud, puis par Serge Bramly, Rina de "Firenze).

Cependant, la version sur la correspondance du nom généralement accepté du tableau avec la personnalité du modèle en 2005 est considérée comme ayant trouvé une confirmation définitive. Des scientifiques de l'Université de Heidelberg ont étudié les notes en marge d'un tome appartenant à un fonctionnaire florentin, une connaissance personnelle de l'artiste Agostino Vespucci. Dans des notes sur les marges du livre, il compare Léonard au célèbre peintre grec ancien Apelles et note que « maintenant da Vinci travaille sur trois tableaux, dont l'un est un portrait de Lisa Gherardini ». Ainsi, Mona Lisa s'est avérée être l'épouse du marchand florentin Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. La peinture, comme le prouvent les érudits dans ce cas, a été commandée par Léonard pour la nouvelle maison de la jeune famille et pour commémorer la naissance de leur deuxième fils, nommé Andrea.

Selon l'une des versions proposées, "Mona Lisa" est un autoportrait de l'artiste

Un contrôle marginal prouve l'identification correcte du modèle de Mona Lisa

Le critique d'art Boris Vipper, décrivant le tableau, indique que des traces de la mode du Quattrocento sont visibles sur le visage de Mona Lisa : ses sourcils et les cheveux sur le haut de son front sont rasés.

Une copie de la "Mona Lisa" de la Wallace Collection (Baltimore) a été réalisée avant que les bords de l'original ne soient coupés, et vous permet de voir les colonnes perdues.

Fragment de la "Mona Lisa" avec les restes de la base de la colonne

Le bord inférieur de la peinture coupe la seconde moitié de son corps, de sorte que le portrait est presque à mi-longueur. Le fauteuil dans lequel le modèle est assis se dresse sur un balcon ou sur une loggia dont la ligne de parapet est visible derrière ses coudes. On pense qu'auparavant, l'image aurait pu être plus large et accueillir deux colonnes latérales de la loggia, dont il reste maintenant deux bases de colonnes, dont les fragments sont visibles le long des bords du parapet.

Boris Vipper écrit que, malgré les traces du Quattrocento, « avec ses vêtements avec une petite découpe sur la poitrine et avec des manches à plis libres, tout comme avec une posture droite, une légère rotation du corps et un geste doux des mains , la Joconde appartient entièrement à l'ère du style classique. Mikhail Alpatov précise que « La Gioconda s'inscrit parfaitement dans un rectangle strictement proportionnel, sa demi-figure forme quelque chose d'entier, les mains jointes complètent son image. Maintenant, bien sûr, il ne pouvait être question des boucles bizarres de la première Annonciation. Cependant, si adoucis que soient tous les contours, la mèche ondulée des cheveux de la Gioconda s'accorde avec le voile transparent, et le tissu suspendu jeté sur l'épaule trouve un écho dans les sinuosités lisses de la route lointaine. Dans tout cela, Léonard montre sa capacité à créer selon les lois du rythme et de l'harmonie.

La Joconde est devenue très sombre, ce qui est considéré comme le résultat de la tendance de l'auteur à expérimenter avec des peintures, à cause de laquelle la fresque de la Cène a failli mourir. Les contemporains de l'artiste ont cependant réussi à exprimer leur enthousiasme non seulement pour la composition, le dessin et le jeu du clair-obscur - mais aussi pour la couleur de l'œuvre. On suppose, par exemple, qu'initialement les manches de sa robe pourraient être rouges - comme on peut le voir sur une copie du tableau du Prado.

Comme le note Dzhivelegov, au moment de la création de la Joconde, la compétence de Léonard "est déjà entrée dans une phase d'une telle maturité, lorsque toutes les tâches formelles de nature compositionnelle et autre ont été définies et résolues, lorsque Léonard a commencé à penser que seul les dernières tâches les plus difficiles de la technique artistique méritent d'être de s'en occuper. Et lorsqu'il a trouvé dans le visage de Mona Lisa un modèle qui satisfaisait ses besoins, il a essayé de résoudre certaines des tâches les plus élevées et les plus difficiles de la technique de peinture qu'il n'avait pas encore résolues. A l'aide de techniques qu'il avait déjà développées et essayées auparavant, notamment avec l'aide de son célèbre sfumato, qui avait auparavant donné des effets extraordinaires, il a voulu faire plus qu'il n'avait fait auparavant : créer un visage vivant d'une personne vivante et reproduisent les traits et l'expression de ce visage de telle sorte qu'ils révèlent jusqu'au bout le monde intérieur de l'homme.

Boris Whipper pose la question, « par quel moyen cette spiritualité est-elle atteinte, cette étincelle de conscience éternelle à l'image de Mona Lisa, alors deux moyens principaux doivent être nommés. L'un est un merveilleux sfumato de Leonard. Pas étonnant que Leonardo ait aimé dire que "le modelage est l'âme de la peinture". C'est le sfumato qui crée le regard mouillé de la Joconde, son sourire léger comme le vent et l'incomparable douceur caressante du toucher de ses mains. Sfumato est une brume subtile qui enveloppe le visage et la silhouette, adoucissant les contours et les ombres. Léonard recommandait à cet effet de placer entre la source de lumière et les corps, comme il le dit, "une sorte de brouillard".

Rotenberg écrit que « Leonardo a réussi à introduire dans sa création ce degré de généralisation qui lui permet d'être considéré comme une image d'une personne de la Renaissance dans son ensemble. Ce degré élevé de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural de l'image, dans ses motifs individuels - dans la façon dont le voile léger et transparent, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, combine les mèches de cheveux soigneusement dessinées et les petits plis de la robe dans un contour lisse commun; il est palpable dans le modelé du visage, incomparable dans sa douce douceur (sur laquelle les sourcils ont été enlevés à la mode de l'époque) et ses belles mains soignées.

Paysage derrière la Joconde

Les critiques d'art soulignent la nature organique avec laquelle l'artiste a combiné les caractéristiques du portrait d'une personne avec un paysage plein d'humeur particulière, et combien cela a augmenté la dignité du portrait.

Une première copie de la Joconde du Prado montre combien l'image du portrait perd lorsqu'elle est placée sur un fond sombre et neutre.

Vipper considère le paysage comme le second moyen qui crée la spiritualité de l'image : « Le second moyen est la relation entre la figure et l'arrière-plan. Le fantastique, rocheux, comme vu à travers le paysage d'eau de mer dans le portrait de Mona Lisa a une autre réalité que sa figure elle-même. La Joconde a la réalité de la vie, le paysage a la réalité du rêve. Grâce à ce contraste, la Joconde semble si incroyablement proche et tangible, et nous percevons le paysage comme le rayonnement de son propre rêve.

Le chercheur en art de la Renaissance Viktor Grashchenkov écrit que Leonardo, notamment grâce au paysage, a réussi à créer non pas le portrait d'une personne spécifique, mais une image universelle: «Dans cette image mystérieuse, il a créé quelque chose de plus qu'une image de portrait d'une Mona florentine inconnue Lisa, la troisième épouse de Francesco del Giocondo. L'apparence et la structure mentale d'une personne particulière leur sont transmises avec une synthèse sans précédent. Ce psychologisme impersonnel correspond à l'abstraction cosmique du paysage, presque totalement dépourvu de tout signe de présence humaine. Dans le clair-obscur enfumé, non seulement tous les contours de la figure et du paysage et toutes les tonalités de couleur sont adoucis. Dans les transitions les plus subtiles, presque imperceptibles à l'œil, de la lumière à l'ombre, dans la vibration du "sfumato" de Léonard, toute la certitude de l'individualité et de son état psychologique s'adoucit à l'extrême, fond et est prête à disparaître. (...) "La Gioconda" n'est pas un portrait. C'est un symbole visible de la vie même de l'homme et de la nature, unis en un tout et présentés abstraitement à partir de leur forme individuelle. Mais derrière le mouvement à peine perceptible qui, comme des ondulations légères, parcourt la surface immobile de ce monde harmonieux, on devine toute la richesse des possibilités d'existence physique et spirituelle.

En 2012, une copie de la "Mona Lisa" du Prado a été effacée et un fond de paysage s'est avéré être sous les enregistrements ultérieurs - la sensation de la toile change immédiatement.

"Mona Lisa" est soutenue dans les tons brun doré et rougeâtre du premier plan et les tons vert émeraude du lointain. "Transparentes comme du verre, les peintures forment un alliage, comme si elles n'avaient pas été créées par une main humaine, mais par cette force intérieure de la matière qui, à partir d'une solution, donne naissance à des cristaux de forme parfaite." Comme beaucoup d'œuvres de Léonard, cette œuvre s'est assombrie avec le temps et ses rapports de couleurs ont quelque peu changé, mais même maintenant, les juxtapositions réfléchies dans les tons d'œillet et de vêtements et leur contraste général avec le ton bleu-vert, "sous-marin" du paysage sont clairement perçus.

Un portrait féminin antérieur de Léonard "Dame à l'hermine", bien qu'il soit très bon travail l'art, mais dans sa structure figurative plus simple appartient à une époque encore plus ancienne.

"Mona Lisa" est considérée comme l'une des meilleures œuvres du genre du portrait, qui a influencé les œuvres de la Haute Renaissance et, indirectement à travers elles, tout le développement ultérieur du genre, qui "devrait toujours revenir à la Gioconda comme un inaccessible, mais modèle obligatoire."

Les historiens de l'art notent que le portrait de Mona Lisa a été une étape décisive dans le développement de l'art du portrait de la Renaissance. Rotenberg écrit : « Bien que les peintres du Quattrocento aient laissé un certain nombre d'œuvres significatives de ce genre, leurs réalisations dans le domaine du portrait étaient, pour ainsi dire, disproportionnées par rapport aux réalisations dans les principaux genres picturaux - dans les compositions sur des thèmes religieux et mythologiques. L'inégalité du genre du portrait était déjà évidente dans l'"iconographie" même des images de portrait. En effet, les portraits du XVe siècle, avec toutes leurs similitudes physionomiques indéniables et le sentiment de force intérieure qu'ils dégagent, se distinguaient encore par leur contrainte externe et interne. Toute cette richesse de sentiments et d'expériences humaines qui caractérise les images bibliques et mythologiques des peintres du XVe siècle n'était généralement pas la propriété de leurs portraits. Des échos de cela peuvent être vus dans les portraits antérieurs de Léonard lui-même, créés par lui dans les premières années de son séjour à Milan. (...) Par rapport à eux, le portrait de Mona Lisa est perçu comme le résultat d'un gigantesque glissement qualitatif. Pour la première fois, l'image du portrait dans sa signification est devenue à égalité avec les images les plus vives des autres genres picturaux.

"Portrait d'une femme" de Lorenzo Costa a été écrit en 1500-06 - à peu près les mêmes années que la "Mona Lisa", mais en comparaison, il fait preuve d'une inertie étonnante.

Lazarev est d'accord avec lui: «Il n'y a pratiquement aucune autre image au monde sur laquelle les critiques d'art écriraient un tel abîme d'absurdités que cette célèbre œuvre du pinceau de Leonard. (...) Si Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, matrone vertueuse et épouse de l'un des citoyens florentins les plus respectés, entendait tout cela, elle serait sans aucun doute véritablement surprise. Et Leonardo aurait été encore plus surpris, qui s'est fixé ici une tâche beaucoup plus modeste et, en même temps, beaucoup plus difficile - donner une telle image d'un visage humain qui dissoudrait finalement en lui-même les derniers vestiges de la statique quattrocentiste et l'immobilité psychologique. (...) Et donc, ce critique d'art avait mille fois raison de pointer l'inutilité de déchiffrer ce sourire. Son essence réside dans le fait qu'il s'agit ici de l'une des premières tentatives de l'art italien de dépeindre l'état mental naturel pour lui-même, comme une fin en soi, sans aucune motivation religieuse ou éthique. Ainsi, Léonard a tellement réussi à faire revivre son modèle que, par rapport à lui, tous les portraits plus anciens ressemblent à des momies figées.

Raphaël, Fille à la licorne, v. 1505-1506, Galerie Borghèse, Rome. Ce portrait, peint sous l'influence de Mona Lisa, est construit selon le même schéma iconographique - avec un balcon (plus avec des colonnes) et un paysage.

Dans son travail de pionnier, Léonard a transféré le centre de gravité principal sur le visage du portrait. En même temps, il a utilisé ses mains comme un puissant moyen de caractérisation psychologique. Ayant rendu le portrait au format générationnel, l'artiste a pu démontrer un plus large éventail de techniques picturales. Et la chose la plus importante dans la structure figurative du portrait est la subordination de tous les détails à l'idée directrice. "La tête et les mains sont le centre incontestable de l'image, auquel le reste de ses éléments est sacrifié. Le paysage de conte de fées, pour ainsi dire, brille à travers les eaux de la mer, il semble si lointain et intangible. Son objectif principal n'est pas de détourner l'attention du spectateur du visage. Et le même rôle est appelé à remplir la robe, qui se décompose en ses plus petits plis. Léonard évite consciemment les draperies lourdes qui pourraient obscurcir l'expressivité des mains et du visage. Ainsi, il fait jouer ce dernier avec une force particulière, d'autant plus modeste et neutre que le paysage et les vêtements sont assimilés à un accompagnement silencieux, à peine perceptible.

La réputation de la peinture

"Mona Lisa" derrière une vitre pare-balles au Louvre et les visiteurs du musée se pressent à proximité

Malgré le fait que la "Mona Lisa" était très appréciée des contemporains de l'artiste, sa renommée s'est estompée à l'avenir. La peinture n'est restée dans les mémoires qu'au milieu du XIXe siècle, lorsque des artistes proches du mouvement symboliste ont commencé à en faire l'éloge, l'associant à leurs idées sur le mystère féminin. Le critique Walter Pater a exprimé son opinion dans son essai de 1867 sur da Vinci, décrivant la figure du tableau comme une sorte d'incarnation mythique de l'éternel féminin, qui est "plus vieux que les rochers entre lesquels elle est assise" et qui "est mort plusieurs fois et appris les secrets de l'au-delà".

Contemporain de ses aventures, le critique Abram Efros écrit : "... le gardien du musée, qui ne s'est pas éloigné d'un pas du tableau depuis son retour au Louvre après l'enlèvement en 1911, n'a pas gardé un portrait de sa femme Francesca del Giocondo, mais l'image d'une sorte de créature mi-humaine mi-serpent, soit souriante, soit sombre, dominant l'espace glacé, nu et rocheux qui s'étendait derrière lui.

"Mona Lisa" est aujourd'hui l'une des peintures les plus célèbres de l'art d'Europe occidentale. Sa réputation de haut niveau est associée non seulement à sa grande valeur artistique, mais aussi à l'atmosphère de mystère qui entoure cette œuvre.

L'un des mystères est lié à la profonde affection que l'auteur portait à cette œuvre. Diverses explications ont été proposées, par exemple romantiques: Leonardo est tombé amoureux de Mona Lisa et a délibérément retardé le travail afin de rester plus longtemps avec elle, et elle l'a taquiné avec son sourire mystérieux et l'a amené aux plus grandes extases créatives. Cette version est considérée comme une simple spéculation. Dzhivelegov estime que cet attachement est lié au fait qu'il y a trouvé le point d'application de nombre de ses recherches créatives (voir la section Technique).

Le sourire de Gioconda

Léonard de Vinci. "Jean le Baptiste". 1513-1516, Louvre. Cette image a aussi son propre mystère : pourquoi Jean-Baptiste sourit-il et pointe-t-il vers le haut ?

Léonard de Vinci. "Sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Jésus" (détail), c. 1510, Louvre.
Le sourire de Mona Lisa est l'un des mystères les plus célèbres du tableau. Ce léger sourire vagabond se retrouve dans de nombreuses œuvres du maître lui-même et des Léonardesques, mais c'est dans Mona Lisa qu'elle a atteint sa perfection.

Grashchenkov écrit: «L'infinie variété des sentiments et des désirs humains, des passions et des pensées opposées, lissées et fusionnées, ne répond dans l'apparence harmonieusement impassible de la Joconde que par l'incertitude de son sourire, à peine émergeant et disparaissant. Ce mouvement fugace sans signification des coins de sa bouche, comme un écho lointain fusionné en un seul son, nous transmet de la distance sans limites la polyphonie colorée de la vie spirituelle d'une personne.
Le critique d'art Rotenberg estime qu '«il y a peu de portraits dans le monde de l'art qui soient à la hauteur de la Joconde en termes de pouvoir d'expression de la personnalité humaine, incarnée dans l'unité du caractère et de l'intellect. C'est l'extraordinaire charge intellectuelle du portrait de Léonard qui le distingue des portraits-images du Quattrocento. Cette caractéristique est perçue avec d'autant plus d'acuité qu'elle se réfère à un portrait féminin, dans lequel le personnage du modèle se révélait auparavant dans un tout autre ton figuratif à prédominance lyrique. Le sentiment de force émanant de la "Mona Lisa" est une combinaison organique de sang-froid intérieur et d'un sentiment de liberté personnelle, l'harmonie spirituelle d'une personne basée sur sa conscience de sa propre signification. Et son sourire lui-même n'exprime nullement la supériorité ou le dédain ; il est perçu comme le résultat d'une confiance en soi sereine et d'une maîtrise de soi complète.

Boris Whipper souligne que l'absence susmentionnée de sourcils et de front rasé renforce peut-être involontairement l'étrange mystère de son expression. Plus loin, il écrit sur le pouvoir d'influence de l'image : « Si nous nous demandons quel est le grand pouvoir d'attraction de la Joconde, son effet hypnotique vraiment incomparable, alors il ne peut y avoir qu'une seule réponse - dans sa spiritualité. Les interprétations les plus ingénieuses et les plus opposées ont été mises dans le sourire de la Joconde. Ils voulaient y lire orgueil et tendresse, sensualité et coquetterie, cruauté et pudeur. L'erreur était, premièrement, qu'ils recherchaient à tout prix des propriétés spirituelles individuelles et subjectives à l'image de Mona Lisa, alors qu'il ne fait aucun doute que Léonard a atteint précisément la spiritualité typique. Deuxièmement, et c'est peut-être encore plus important, ils ont essayé d'attribuer un contenu émotionnel à la spiritualité de Mona Lisa, alors qu'en fait elle a des racines intellectuelles. Le miracle de la Joconde réside précisément dans le fait qu'elle pense ; que, debout devant une planche jaunie et craquelée, on sent irrésistiblement la présence d'un être doué de raison, un être avec qui on peut parler et dont on peut attendre une réponse.

Son analyse a attiré l'attention non seulement des critiques d'art, mais aussi des psychologues. Sigmund Freud écrit : « Quiconque présente les peintures de Léonard, le souvenir d'un sourire étrange, captivant et mystérieux qui se cache sur les lèvres de ses images féminines surgit en lui. Le sourire, figé sur des lèvres allongées et frémissantes, devient caractéristique de lui et est le plus souvent appelé "Léonard". Dans l'apparence particulièrement belle de la Florentine Mona Lisa del Gioconda, elle capture et confond surtout le spectateur. Ce sourire demandait une interprétation, mais trouvait la plus diverse, dont aucune ne satisfait. (…) La conjecture selon laquelle deux éléments différents étaient combinés dans le sourire de Mona Lisa est née par de nombreux critiques. Par conséquent, dans l'expression du visage de la belle florentine, ils ont vu l'image la plus parfaite de l'antagonisme qui régit la vie amoureuse d'une femme, la retenue et la séduction, la tendresse sacrificielle et la sensualité imprudemment exigeante, absorbant un homme comme quelque chose d'étranger. (...) Léonard face à Mona Lisa a réussi à reproduire le double sens de son sourire, la promesse d'une tendresse sans bornes et d'une menace menaçante.

Le philosophe A.F. Losev écrit à son sujet de manière très négative: ... "Mona Lisa" avec son "sourire démoniaque". "Après tout, il suffit de regarder dans les yeux de la Joconde, car vous pouvez facilement remarquer qu'en fait, elle ne sourit pas du tout. Ce n'est pas un sourire, mais un visage prédateur aux yeux froids et une connaissance claire de l'impuissance de la victime que Gioconda veut maîtriser et dans laquelle, en plus de la faiblesse, elle compte aussi sur l'impuissance devant le mauvais sentiment qui a pris possession d'elle.

Le découvreur du terme micro expression, le psychologue Paul Ekman (prototype du Dr Cal Lightman de la série télévisée Lie to Me) écrit sur l'expression faciale de Gioconda, l'analysant du point de vue de sa connaissance des expressions faciales humaines : « les deux autres types [sourires] combinent un sourire sincère avec une expression caractéristique des yeux. Un sourire coquet, bien qu'en même temps le séducteur détourne le regard de l'objet de son intérêt, pour lui jeter à nouveau un regard narquois, qui, là encore, est instantanément détourné, dès qu'il est remarqué. Une partie de l'impression inhabituelle de la célèbre Mona Lisa réside dans le fait que Léonard saisit sa nature précisément au moment de ce mouvement ludique ; tournant la tête dans un sens, elle regarde dans l'autre - le sujet qui l'intéresse. Dans la vie, cette expression faciale est éphémère - un regard furtif ne dure pas plus d'un instant.

L'histoire de la peinture à l'époque moderne

Le jour de sa mort en 1525, l'assistant (et peut-être amant) de Léonard nommé Salai possédait, à en juger par les références dans ses papiers personnels, un portrait d'une femme appelée "La Gioconda" (quadro de una dona aretata), qui a été légué à lui par son professeur. Salai a laissé le tableau à ses sœurs qui vivaient à Milan. Il reste un mystère comment, dans ce cas, le portrait est revenu de Milan en France. On ne sait pas non plus qui et quand exactement ont coupé les bords du tableau avec des colonnes, qui, selon la plupart des chercheurs, sur la base d'une comparaison avec d'autres portraits, existaient dans la version originale. Contrairement à une autre œuvre recadrée de Leonardo - "Portrait de Ginevra Benci", dont la partie inférieure a été coupée car elle souffrait de l'eau ou du feu, dans ce cas, les raisons étaient très probablement de nature compositionnelle. Il existe une version selon laquelle cela a été fait par Léonard de Vinci lui-même.

Foule au Louvre près du tableau, aujourd'hui

Le roi François Ier aurait acheté le tableau aux héritiers de Salai (pour 4 000 écus) et l'aurait conservé dans son château de Fontainebleau, où il est resté jusqu'au temps Louis XIV. Ce dernier l'a transférée au château de Versailles et, après la Révolution française, elle s'est retrouvée au Louvre. Napoléon a accroché le portrait dans sa chambre du palais des Tuileries, puis elle est retournée au musée.

Vol

1911 Le mur vide où la Joconde était accrochée
Mona Lisa n'aurait longtemps été connue que des connaisseurs des beaux-arts, si ce n'était pour son histoire exceptionnelle, qui lui a assuré une renommée mondiale.

Vincenzo Pérouse. Feuille de l'affaire criminelle.

Le 21 août 1911, le tableau est volé par un employé du Louvre, Maître italien sur les miroirs de Vincenzo Perugia (Italien Vincenzo Perugia). Le but de cet enlèvement n'est pas clair. Peut-être que Pérouse voulait rendre la Gioconda à sa patrie historique, croyant que les Français l'avaient « kidnappée » et oubliant que Léonard lui-même avait apporté le tableau en France. Les recherches policières ont été infructueuses. Les frontières du pays ont été fermées, l'administration du musée a été licenciée. Le poète Guillaume Apollinaire a été arrêté, soupçonné d'avoir commis un crime, puis relâché. Pablo Picasso était également suspecté. Le tableau n'a été retrouvé que deux ans plus tard en Italie. De plus, le voleur lui-même était à blâmer pour cela, répondant à une annonce dans un journal et proposant de vendre la Gioconda au directeur Galeries des Offices. On suppose qu'il allait faire des copies et se faire passer pour l'original. Pérouse, d'une part, a été louée pour le patriotisme italien, d'autre part, ils lui ont donné une courte peine de prison.

Finalement, le 4 janvier 1914, la peinture (après des expositions dans les villes italiennes) revient à Paris. Pendant ce temps, "Mona Lisa" n'a pas quitté les couvertures des journaux et des magazines du monde entier, ainsi que les cartes postales, il n'est donc pas surprenant que la "Mona Lisa" ait été copiée plus que toutes les autres peintures. La peinture est devenue un objet de culte en tant que chef-d'œuvre des classiques mondiaux.

Vandalisme

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le tableau est transporté pour des raisons de sécurité du Louvre au château d'Amboise (lieu de la mort et de la sépulture de Léonard), puis à l'abbaye de Loc-Dieu, et enfin au musée Ingres de Montauban, de où, après la victoire, il retourna sain et sauf à sa place.

Au XXe siècle, l'image a failli ne pas quitter le Louvre, visitant les États-Unis en 1963 et le Japon en 1974. Sur le chemin du Japon vers la France, le tableau a été exposé au Musée. A. S. Pouchkine à Moscou. Les voyages n'ont fait que consolider le succès et la notoriété de l'image.

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La place de la peinture dans le développement du genre du portrait

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Vandalisme

Dans l'art

"Mona Lisa" n'est pas "La Gioconda" ?

image cachée

sourire fatal

Tableau "Mona Lisa" de Léonard de Vinci

Description de l'oeuvre "Mona Lisa"

Le prix du tableau "Mona Lisa"

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