Le nom d'Iskra Lawrence est peut-être connu de tous ceux qui s'intéressent à la mode. Des photos de ce modèle britannique peuvent être vues dans des publications sur papier glacé. Spark attire invariablement l'attention avec sa beauté lumineuse et ses paramètres non standard. Le fait est que la fille est un mannequin grande taille. Cependant, les kilogrammes et les centimètres qui sont supplémentaires selon les normes du modèle ne dérangent pas du tout la blonde sûre d'elle.

Enfance et jeunesse

Futur mannequin Iskra Arabella Lawrence (comme nom et prénom filles) est née dans la ville britannique de Wolverhampton le 11 septembre 1990. À l'école, la fille était parmi les meilleures élèves, mais les rêves d'Iskra étaient loin de la science - Lawrence rêvait de devenir actrice.

Immédiatement après l'école, la blonde déterminée a décidé de réaliser ce rêve et a même trouvé un emploi dans un théâtre pour jeunes. Cependant, le destin en a décidé autrement et la biographie de la jeune fille s'est rapidement avérée être liée au monde de la mode.

Entreprise modèle

Lawrence a signé son premier contrat à l'âge de 13 ans. Les rédacteurs en chef du magazine ELLE ont remarqué une beauté éclatante et ont proposé une coopération fructueuse. Il semblait que la chance et la renommée étaient déjà dans votre poche, mais après un certain temps, Iskra a été horrifiée de constater qu'elle avait commencé à prendre du poids. Quelque temps plus tard, le contrat avec la jeune fille a été résilié - la silhouette modifiée du modèle a semblé aux représentants du magazine ne pas convenir aux pages brillantes.

Au début, Iskra, de son propre aveu, était très inquiète. La fille ne pouvait pas faire face aux pensées d'imperfection, a essayé des dizaines de régimes populaires et a même presque ruiné sa santé. Cependant, j'ai vite compris que cette "imperfection" est l'essentiel - le charme et l'individualité.

Un nouveau sens de soi a aidé Iskra à se redresser. La jeune fille a envoyé des photos à des magazines de mode et à des agences, et après un certain temps, Lawrence a été invitée à une séance photo pour une campagne publicitaire.

Les maillots de bain étaient censés être annoncés, mais celui-ci fait juteux n'a pas effrayé Iskra Lawrence. La jeune fille a fait face à la tâche avec dignité et est rapidement devenue un modèle à part entière d'une entreprise qui crée de la lingerie et des maillots de bain pour les filles de tailles non modèles.

Après un certain temps, les représentants du célèbre magasin de lingerie American Eagle Outfitters ont attiré l'attention sur Lawrence. Le nouveau contrat a apporté renommée et reconnaissance au modèle, dont la beauté rêvait depuis l'enfance. Des photos de Sparks en sous-vêtements sont réapparues sur des pages brillantes de publications de mode, mais cette fois, la fille n'a pas eu à être gênée par sa propre taille et sa propre forme : elle a été acceptée avec joie pour qui elle est.

En même temps, le mannequin n'encourage pas du tout les femmes à abandonner le sport et à se jeter sur les sucreries. Aimer son corps, souligne la jeune fille, signifie en prendre soin. Lawrence fait constamment de l'exercice, nage et s'assure que le menu du jour contient beaucoup de légumes et de fruits frais. Cependant, elle n'a plus recours aux régimes et au jeûne.

Vie privée

Vie personnelle, contrairement au succès professionnel, Lawrence préfère se cacher des regards indiscrets des fans et des journalistes. On sait seulement que la fille n'est pas encore mariée. Peut-être que la beauté n'a pas encore rencontré l'amour, ou peut-être que les fans seront bientôt ravis de la nouvelle du prochain mariage de Lawrence.

Une chose est sûre: la silhouette du modèle (la taille de la fille est de 173 cm et son poids de 80 kg) a trouvé ses fans. Il y a quelque temps, des photos de Lawrence sont même apparues dans le magazine masculin culte "Maxim" sous le titre "Citrouille de la semaine", provoquant une vague de commentaires admiratifs.

Iskra Lawrence maintenant

Maintenant, Iskra Lawrence partage constamment de nouvelles photos en elle "Instagram", motivant les filles à aimer leur propre corps et à ne pas rechercher la perfection imaginaire, ce qui est tout simplement impossible à atteindre. Le mannequin a appris à ignorer les commentaires envieux et même méchants des ennemis omniprésents et est heureux de montrer de nouvelles images aux fans.

Lawrence a également proposé son propre hashtag #HeartNotHate, qui se traduit en russe par « cœur, pas haine ». Sur ce hashtag, ceux qui le souhaitent envoient des commentaires gentils et encourageants aux personnes qui en ont besoin, se soutiennent et s'assurent juste encore et encore qu'aucune imperfection d'apparence ne doit affecter l'estime de soi.

Début 2018, Lawrence a ravi les fans avec une autre séance photo. Cette fois, la jeune fille a joué en compagnie d'un mannequin danois ( ex-amant acteur de cinéma). Curvy Iskra et mince Nina avaient l'air originaux côte à côte, et après le tournage, Lawrence a de nouveau souligné qu'elle n'avait pas éprouvé le moindre complexe à propos d'une silhouette non standard.

Dans une interview, le mannequin admet qu'elle a l'intention de continuer à jouer. Les plans de la jeune fille incluent d'autres tournages et, éventuellement, même des rôles de film, dont le modèle rêve depuis son enfance. Plans de Laurent propre biographie pour prouver que la taille ne joue aucun rôle, l'essentiel est la confiance en soi et l'amour de son propre corps.

Iskra Arabella Laurent célèbre mannequin anglais modèle grande taille. Elle est née le 11 septembre 1990 à Worcester, en Angleterre.

Actuellement engagé dans les affaires de modélisation. Elle est mannequin pour la ligne de lingerie American Eagle Outfitters de la marque Aerie. De plus, elle est le visage de la société de publicité de la National Eating Disorders Association. Elle dirige également le site Web Runway Riot pour les femmes de toutes formes et tailles qui veulent bien paraître. C'est un mannequin grande taille, c'est-à-dire un mannequin tout en courbes. Fait intéressant, Iskra n'améliore jamais ses photos avec des retouches et interdit aux autres de retoucher leurs photos.

Il convient de noter qu'Iskra Lawrence est connue pour son activité postes de vie et déclarations. Par exemple, elle estime que le terme "", qui est utilisé pour désigner des modèles aux formes plus magnifiques que les standards, est incorrect et s'oppose à une telle classification. En raison de ses déclarations et de sa silhouette, Iskra est souvent ridiculisée, mais sa popularité n'en souffre pas.

Beaucoup ne sont pas encore habitués au fait que des filles avec une silhouette «non standard» sont apparues dans le secteur du mannequinat. Pendant longtemps, sur les couvertures des magazines glamour, on ne voyait que des filles minces à la taille de guêpe, mais récemment, les normes de beauté ont commencé à changer au profit de formes plus magnifiques. Beaucoup appellent cela une bonne tendance, car les filles ordinaires, essayant d'atteindre l'idéal "inventé" par les magazines de mode, se tourmentent avec des régimes et minent souvent leur santé. Avec l'avènement de la mode grande taille, les filles n'auront plus de complexe sur leur silhouette, et au lieu de s'asseoir sur des régimes stricts et d'utiliser des médicaments dangereux pour perdre du poids, elles pourront penser à manger sainement, à faire du sport et aux joies simples de la vie.

Photo du mannequin grande taille Iskra Lawrence

L'impressionnisme (impressionnisme) est un style de peinture apparu à la fin du XIXe siècle en France puis diffusé dans le monde entier. L'idée même de l'impressionnisme réside dans son nom : empreinte - empreinte. Les artistes qui étaient fatigués des techniques traditionnelles de l'académisme de la peinture, qui, à leur avis, ne transmettaient pas toute la beauté et la vivacité du monde, ont commencé à utiliser des techniques et des méthodes de représentation complètement nouvelles, censées exprimer de la manière la plus accessible ne forment pas un regard « photographique », mais une impression à partir de ce que vous voyez. Dans sa peinture, l'artiste impressionniste, utilisant la nature des traits et la palette de couleurs, tente de transmettre l'atmosphère, chaleur ou froid, vent fort ou silence paisible, matin pluvieux brumeux ou après-midi ensoleillé et lumineux, ainsi que ses expériences personnelles de ce qu'il vu.

L'impressionnisme est un monde de sentiments, d'émotions et d'impressions fugaces. Ce n'est pas le réalisme extérieur ou le naturel qui est valorisé ici, mais le réalisme des sensations exprimées, l'état intérieur de l'image, son atmosphère, sa profondeur. Au départ, ce style a été fortement critiqué. Les premières peintures impressionnistes ont été exposées au Salon des Misérables à Paris, où des œuvres d'artistes rejetés par le Salon d'art officiel de Paris ont été exposées. Pour la première fois, le terme "impressionnisme" a été utilisé par le critique Louis Leroy, qui a écrit une critique désobligeante dans le magazine "Le Charivari" sur l'exposition des artistes. Comme base du terme, il a pris le tableau de Claude Monet « Impression. Soleil levant". Il a qualifié tous les artistes d'impressionnistes, ce qui peut être grossièrement traduit par "impressionnistes". Au début, les peintures ont en effet été critiquées, mais bientôt de plus en plus de fans de la nouvelle direction de l'art ont commencé à venir au salon, et le genre lui-même est passé d'un paria à un reconnu.

A noter que les artistes fin XIX siècles en France, ils ont inventé un nouveau style qui n'est pas parti de rien. Ils se sont inspirés des techniques des peintres du passé, y compris des artistes de la Renaissance. Des peintres tels que El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner et d'autres, bien avant l'émergence de l'impressionnisme, ont essayé de transmettre l'ambiance de l'image, la vivacité de la nature, l'expressivité particulière du temps à l'aide de divers tons intermédiaires , des traits brillants ou vice versa ternes qui ressemblaient à des choses abstraites. Dans leurs peintures, ils l'ont utilisé avec parcimonie, donc technique inhabituelle pas visible pour le spectateur. Les impressionnistes, quant à eux, ont décidé de prendre ces méthodes de représentation comme base de leurs œuvres.

Une autre spécificité des œuvres des impressionnistes est une sorte de quotidien superficiel, qui contient pourtant une profondeur incroyable. Ils n'essaient pas d'exprimer des thèmes philosophiques profonds, des tâches mythologiques ou religieuses, historiques et événements importants. Les peintures des artistes de cette direction sont intrinsèquement simples et quotidiennes - paysages, natures mortes, personnes marchant dans la rue ou faisant leurs choses habituelles, etc. Ce sont précisément ces moments où il n'y a pas de thématisme excessif qui détourne une personne, des sentiments et des émotions de ce qu'elle voit venir au premier plan. De plus, les impressionnistes, du moins au début de leur existence, ne dépeignaient pas de sujets "lourds" - la pauvreté, les guerres, les tragédies, la souffrance, etc. Les peintures impressionnistes sont le plus souvent les œuvres les plus positives et joyeuses, où il y a beaucoup de lumière, couleurs vives, clair-obscur lissé, contrastes lisses. L'impressionnisme est une impression agréable, la joie de vivre, la beauté de chaque instant, le plaisir, la pureté, la sincérité.

Les impressionnistes les plus célèbres étaient de grands artistes tels que Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro et bien d'autres.

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Alfred Sisley - Pelouses au printemps

Camille Pissarro - Boulevard Montmartre. Après-midi, ensoleillé.

Pour moi, le style de l'impressionnisme, c'est d'abord quelque chose d'aérien, d'éphémère, qui s'éclipse inexorablement. C'est ce moment étonnant que l'œil parvient à peine à fixer et qui reste ensuite longtemps dans la mémoire comme un moment de la plus haute harmonie. Les maîtres de l'impressionnisme étaient célèbres pour leur capacité à transférer facilement ce moment de beauté sur la toile, en la dotant de sensations tangibles et de vibrations subtiles qui surgissent avec toute la réalité lors de l'interaction avec l'image. Lorsque vous regardez les œuvres d'artistes exceptionnels de ce style, il y a toujours un certain arrière-goût d'humeur.

Impressionnisme(de impression - impression) est un mouvement artistique né en France à la fin des années 1860. Ses représentants se sont efforcés de saisir le monde réel dans sa mobilité et sa variabilité de la manière la plus naturelle et la plus impartiale, pour transmettre leurs impressions éphémères. Attention particulière prêté attention à la transmission de la couleur et de la lumière.

Le mot "impressionnisme" vient du nom du tableau Impression de Monet. Sunrise, présenté à l'exposition de 1874. Le journaliste méconnu Louis Leroy, dans son article de magazine, a qualifié les artistes "impressionnistes" pour exprimer son dédain. Cependant, le nom est resté et a perdu sa signification négative d'origine.

La première grande exposition des impressionnistes a lieu du 15 avril au 15 mai 1874 dans l'atelier du photographe Nadar. Il y avait 30 artistes présentés, au total - 165 œuvres. On reprochait aux jeunes artistes "l'incomplétude" et le "lapsus de la peinture", le manque de goût et de sens dans leur travail, "une tentative d'art véritable", des humeurs rebelles et même l'immoralité.

Les principaux représentants de l'impressionnisme sont Alfred Sisley et Frederic Basil. Avec eux, Edouard Manet et ont exposé leurs peintures. Joaquin Sorolla est également considéré comme un impressionniste.

Les paysages et les scènes de la vie urbaine - peut-être les genres les plus caractéristiques de la peinture impressionniste - ont été peints "en plein air", c'est-à-dire directement de la vie, et non sur la base de croquis et d'esquisses préparatoires. Les impressionnistes regardaient attentivement la nature, remarquant des couleurs et des nuances habituellement invisibles, comme le bleu dans l'ombre.

Leur méthode artistique consistait en la décomposition de tons complexes en leurs couleurs pures constitutives du spectre. Des ombres colorées et une peinture frémissante de lumière pure ont été obtenues. Les impressionnistes ont appliqué de la peinture en traits séparés, utilisant parfois des tons contrastés dans une zone de l'image. La principale caractéristique des peintures impressionnistes est l'effet de scintillement vif des couleurs.

Pour rendre compte des changements de couleur du sujet, les impressionnistes ont commencé à préférer utiliser des couleurs qui se renforcent mutuellement : rouge et vert, jaune et violet, orange et bleu. Les mêmes couleurs créent un effet de contraste constant. Par exemple, si nous regardons le rouge pendant un moment, puis regardons le blanc, il nous semblera verdâtre.

L'impressionnisme n'a pas soulevé de problèmes philosophiques et n'a même pas tenté de pénétrer la surface colorée de la vie quotidienne. Au lieu de cela, les artistes se concentrent sur la superficialité, la fluidité du moment, l'ambiance, l'éclairage ou l'angle de vue. Leurs peintures ne représentaient que les aspects positifs de la vie, sans toucher aux problèmes sociaux aigus.

Les artistes ont souvent peint des personnes en mouvement, tout en s'amusant ou en se relaxant. Ils ont pris des sujets de flirt, de danse, de séjour dans des cafés et des théâtres, des excursions en bateau, sur les plages et dans les jardins. A en juger par les peintures des impressionnistes, la vie est une suite ininterrompue de petites vacances, de fêtes, de passe-temps agréables en dehors de la ville ou dans une ambiance conviviale.

L'impressionnisme a laissé un riche héritage dans la peinture. C'est d'abord un intérêt pour les problèmes de couleur et les techniques non standards. L'impressionnisme exprime le désir d'actualiser le langage artistique et de rompre avec la tradition, comme une protestation contre la technique minutieuse des maîtres. école classique. Eh bien, nous pouvons maintenant admirer ces magnifiques œuvres d'artistes exceptionnels.

C'est difficile à trouver aujourd'hui personne cultivée qui ne connaît pas les ballerines gracieuses de Degas, les beautés bouffies de Renoir ou les paysages aux nénuphars de Claude Monet. L'impressionnisme est né en France à la fin du XIXe et au début du XXe siècle et s'est ensuite répandu dans le monde entier. Aujourd'hui, les impressionnistes se sont tenus à égalité avec les classiques, contre lesquels ils se sont autrefois rebellés, mais à une époque, c'était une tendance progressiste et révolutionnaire dans la peinture.

Crise de l'art au XIXe siècle

À milieu XIXe Pendant des siècles, trois styles se sont battus en peinture - le classicisme, le romantisme et le réalisme. Tous ont exigé de l'artiste une grande habileté dans le dessin et la copie exacte de l'objet représenté. Pendant ce temps, le classicisme et le romantisme montraient le monde trop idéalisé, et le réalisme, au contraire, trop banal.

Un artiste en herbe en France, pour réussir, devait certainement étudier à l'École beaux-Arts ou à artistes célèbres et exposé au Salon - une exposition patronnée par l'État représenté par des académiciens reconnus. Si le peintre voulait se vendre et avoir du succès auprès du public, il lui fallait recevoir le prix du Salon, c'est-à-dire plaire aux goûts de la commande exigeante. Si le jury rejetait l'œuvre, l'artiste pourrait être sanctionné d'une médiocrité reconnue.

En 1863, après que le jury du Salon ait rejeté environ 3 000 tableaux, l'indignation des artistes atteint son paroxysme. Des plaintes parvinrent à l'empereur Napoléon III, qui ordonna l'organisation d'une exposition d'œuvres rejetées, qui s'appelait le Salon des rejetés. L'exposition a été suivie par des auteurs tels qu'Edouard Manet, Camille Pissarro, Paul Cézanne. L'exposition alternative a été un succès retentissant. Certes, l'essentiel du public s'y rendait pour se moquer des artistes « hors format ».

Pendant longtemps, Edouard Manet a été considéré comme un tel renégat. Ses peintures "Petit déjeuner sur l'herbe" et "Olympia" ont choqué le public respectable. Une avalanche de critiques et d'indignations des champions de la morale s'abattit sur l'auteur.

Qu'en est-il de ces œuvres ? Du point de vue de la modernité, les toiles sont assez traditionnelles, des femmes nues ont déjà été peintes. Pour le spectateur du temps de Manet, il y a un défi. Dans "Petit déjeuner sur l'herbe", ils étaient gênés par l'image d'une femme complètement nue en compagnie d'hommes habillés. Giorgione a une intrigue similaire dans le tableau "Country Concert", et "Olympia" est une copie repensée de "Venus of Urbino" de Titien. Les femmes nues de Giorgione et Titien sont idéalisées, elles sont quelque part au loin, dans d'autres mondes. Et les tableaux de Manet représentaient des courtisanes, modernes et contentes de vivre. Cela choque le public bourgeois, habitué aux déesses et reines peintes.

Tout cela témoignait de la crise imminente de l'art de la France du IIe siècle. moitié du XIX siècle. L'impressionnisme était une tentative de trouver une nouvelle voie, même si cela s'est avéré s'apparenter à une thérapie de choc pour beaucoup.

Contexte de l'impressionnisme

Cela ne veut pas dire que l'impressionnisme est né tout seul. Au moment de leur première exposition, bon nombre des participants étaient déjà à l'âge adulte, ayant de longues années enseignement de la peinture.

Les conditions préalables à cette nouvelle tendance, si vous le souhaitez, peuvent être trouvées dans les maîtres de la Renaissance Velasquez, El Greco, Goya, Rubens, Titien, Rembrandt. Mais une impression directe sur les impressionnistes a été faite par des artistes contemporains tels que Delacroix, Courbet, Daubigny, Corot.

Le style des impressionnistes a été influencé par peinture japonaise, dont les expositions se tenaient constamment à Paris. Les œuvres raffinées d'Utamaro, Hokusai, Hiroshige ont poétisé chaque instant de la vie, si caractéristique de la mentalité de l'Orient. La forme simplifiée, la composition déplacée, la pureté des couleurs des estampes japonaises captivent les jeunes artistes et leur ouvrent de nouveaux horizons.

De plus, l'émergence de la photographie a influencé le travail des impressionnistes. Avec son aide, il était possible de faire des angles inattendus, des gros plans, des images en mouvement. La photographie est devenue l'art de capturer l'instant, quelque chose qui était proche des artistes innovants. Avec l'avènement de la photographie, il n'était plus possible de suivre la justesse de l'image, mais de privilégier son état intérieur, sa coloration émotionnelle. La spontanéité est devenue une des règles de la nouvelle peinture.

Caractéristiques de l'impressionnisme

Les plaintes des critiques ne portaient pas seulement sur les sujets des peintures, mais aussi sur la manière de peindre des impressionnistes. C'était radicalement différent de ce qui était enseigné à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris.

Les impressionnistes n'adhéraient pas à un contour clair, ils appliquaient des traits avec insouciance, sans se soucier du dessin soigné de chaque sujet. Les peintures ont été mélangées immédiatement sur la toile, obtenant la pureté de l'ombre. La perspective a été construite non pas selon des lois géométriques, mais en raison de la profondeur du ton de la peinture, de la diminution de l'intensité de la couleur à mesure que l'objet s'éloignait.

Ils ont abandonné l'image contrastée du clair-obscur. Les noirs, les blancs, les gris ont disparu de leur palette, couleurs marron dans sa forme la plus pure. Les ombres pourraient être vertes, bleues et violettes, selon la façon dont l'artiste les a vues.

Les impressionnistes ont largement utilisé la technique du mélange optique : des coups de pinceau de deux couleurs sont placés côte à côte sur la toile, ce qui, vu par le spectateur, donne l'effet d'une troisième. Par exemple, le vert et le jaune se transforment en Couleur bleue, bleu et rouge - au violet, etc.

Les sujets des peintures n'étaient pas la mythologie ou événements historiques, et paysages, portraits, natures mortes - tout cela était considéré comme un genre "bas". Les artistes ont essayé de représenter la nature ou un objet à un certain moment, en transmettant une émotion vive. C'est ainsi qu'est apparue une série d'œuvres, où le même motif était représenté, mais à différents moments de l'année ou de la journée dans des conditions d'éclairage différentes. Par exemple, les oeuvres de Claude Monet : meules de foin, peupliers, cathédrale de Rouen, etc.

Pour ce faire, les impressionnistes peignaient souvent d'après nature, en plein air, pour capturer avec précision ce qu'ils voyaient. Les académiciens, quant à eux, passaient la plupart de leur temps en atelier, perfectionnant leur technique de dessin.

Cette approche rendait les peintures plus émotionnelles, poétiques, permettait de voir la beauté dans les choses les plus ordinaires, la simplicité de l'instant, chaque instant de la vie était apprécié. L'image des choses ordinaires à travers le prisme de la perception de l'artiste rend chaque tableau unique.

Histoire du flux

Le 15 avril 1874, une compagnie de jeunes artistes novateurs organise son exposition au salon du photographe Félix Nodar sur le boulevard des Capucines à Paris.

L'idée même d'une exposition indépendante, contournant le Salon officiel, était déjà insoumise, mais les toiles montrées au public suscitaient encore plus d'indignation. Après tout, elles allaient à l'encontre de tous les canons académiques et s'opposaient aux œuvres idéalisées des représentants du classicisme ou du romantisme alors en vogue en France.

30 artistes et 165 œuvres ont participé à l'exposition. Parmi eux, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Manet, Degas, Cézanne, Berthe Morisot. Après un certain temps, des fortunes seront données pour leurs peintures, mais un déluge de critiques s'abat sur les casse-cou. On leur reprochait de choquer, pour attirer l'attention du public, on leur reprochait du "bâcle", du travail "inachevé", voire de l'immoralité.

Le célèbre critique et journaliste Louis Leroy, décrivant dans un article satirique le tableau de Claude Monet « Impression. Rising Sun », appellera les artistes impressionnistes (du français impression – impression). Sans s'en douter, il va donner un nom à tout un courant de la peinture mondiale.

La deuxième exposition a eu lieu deux ans après la première légendaire - en avril 1876. Elle a provoqué un rejet encore plus grand de la part des critiques et du public. Les artistes étaient comparés aux malades mentaux. On ne peut que s'émerveiller devant le courage et l'autosatisfaction de ces casse-cou, qui ont continué à créer, malgré le manque d'argent, dans une atmosphère de ridicule et de dérision constante.

En mars 1875, une vente aux enchères d'œuvres de Sisley, Monet, Renoir et Berthe Morisot a lieu. Il est passé avec un scandale, le public a hué les tableaux présentés à la vente. De nombreux tableaux ont été vendus pour presque rien. Les artistes et leurs amis devaient acheter eux-mêmes certaines œuvres, afin de ne pas les donner pour rien.

Cependant, les impressionnistes avaient aussi des admirateurs dévoués. Il s'agit notamment du galeriste et collectionneur Paul Durand-Ruel, qui aide invariablement les artistes à organiser des expositions et à vendre des tableaux. Et aussi le collectionneur Victor Choquet, tombé sous le charme des oeuvres des impressionnistes au premier regard.

De 1877 à 1886, 6 autres expositions impressionnistes ont eu lieu en France. Tous, sauf le dernier, ont fait l'objet d'une vague de critiques et de moqueries.

Pendant ce temps, il y avait des désaccords entre les artistes eux-mêmes. Ainsi, Manet et Renoir ont participé aux expositions du Salon en 1879 et 1880. Leurs peintures ont été sélectionnées par un jury exigeant. Claude Monet a également présenté son travail au Salon, mais ses peintures n'ont pas été acceptées. Cela a rencontré le mépris de Degas et la condamnation des autres artistes.

À l'automne 1885, Durand-Ruel reçoit une offre pour organiser une exposition des impressionnistes à New York. Au début, les artistes étaient sceptiques quant à cette entreprise. Mais en mars 1886, Durand-Ruel quitte la France pour l'Amérique avec une collection de tableaux de ses protégés. Aux États-Unis, les œuvres des impressionnistes sont traitées avec intérêt et l'exposition est très appréciée. Il y avait des critiques positives et négatives dans la presse. Plusieurs tableaux ont été vendus à des collectionneurs locaux.

Pendant ce temps, les divisions parmi les impressionnistes grandissaient. Monet a commencé à se quereller avec Durand-Ruel et à vendre ses peintures par l'intermédiaire d'autres marchands d'art. Pissarro et Renoir rejoignent Monet. Les artistes se sont également affrontés.

Une fois uni dans la lutte contre l'académisme, le groupe impressionniste perdit son idée commune et cessa d'exister.

La dernière exposition en 1886 impliquait des artistes que l'on appellerait les postimpressionnistes. Il s'agit de Georges Seurat et de Paul Signac. Les post-impressionnistes comprennent également des maîtres tels que Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Henri Matisse et d'autres.

L'idée d'impressionnisme est devenue obsolète, mais a ouvert la voie à un art différent, encore plus innovant, de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.

Peintres impressionnistes

Il est impossible de considérer l'impressionnisme isolément du destin des maîtres eux-mêmes. Envisager courtes biographies plusieurs artistes.

Édouard Manet

Manet est né en 1832 dans une famille respectable d'un avocat et de la fille d'un diplomate. À l'école, le garçon n'était pas fort, mais il s'intéressait au dessin. Cependant, ses parents ne soutenaient pas son passe-temps. Son père voulait qu'Edward suive ses traces. L'oncle a aidé le jeune homme, il a payé des cours d'art.

En 1847, un jeune homme décide d'entrer dans une école nautique, mais échoue à l'examen. En tant que garçon de cabine, il embarque sur un bateau pour Amérique du Sud. Au cours de ses voyages, il réalise de nombreux dessins et croquis.

De retour en France, Edouard décide de se mettre à la peinture. Il étudie dans l'atelier de Tom Couture depuis 6 ans. Parallèlement, il parcourt l'Europe, se familiarisant avec les monuments de l'art. Parmi les impressionnistes, Manet serait considéré comme l'artiste le plus "académique". Il repensera plus d'une fois le travail des maîtres de la Renaissance dans ses œuvres. Ses peintres préférés étaient Velazquez, Titien, Goya.

Manet propose à de nombreuses reprises son œuvre au jury du Salon et est invariablement refusé. De ce fait, il participe à l'exposition "Salon des Rejetés". Là, son tableau "Petit déjeuner sur l'herbe" fait scandale. Dans le même 1863, l'artiste peint un autre de ses tableaux scandaleux, Olympia. Manet se trouva invariablement sous un déluge de critiques. Son ami Emile Zola s'est levé pour défendre l'artiste. Un autre de ses amis proches était Charles Baudelaire.

En 1866, Manet se lie d'amitié avec les impressionnistes, également rejetés par les universitaires. Il ne s'est jamais considéré comme l'un d'entre eux. Il a utilisé le noir dans sa palette et n'a pas reconnu le style divisionniste de la peinture. Mais c'est Edouard Manet qui est considéré comme le fondateur de l'impressionnisme.

Manet, qui n'accepte pas l'académisme, envoie néanmoins invariablement son œuvre au Salon. Il était très contrarié par les refus et l'indifférence du public à son travail. L'artiste peint de nombreux portraits et scènes de genre, sa palette n'est pas aussi gaie que celle des autres impressionnistes. Il travaille également en plein air et peint des natures mortes.

A la fin des années 70, l'oeuvre d'Edouard Manet gagne progressivement en reconnaissance. Ses oeuvres sont exposées dans les Salons, à l'un d'eux il recevra même une médaille. En 1881, Manet sera décoré de l'Ordre de la Légion d'Honneur. À cette époque, l'artiste était déjà malade d'ataxie (manque de coordination des mouvements). Il ne peut plus peindre de grandes toiles.

En 1883, la jambe de Manet a été amputée à cause de la gangrène, mais l'opération n'a pas aidé. Quelques mois plus tard, l'artiste décède.

Claude Monet

Claude Monet est né en 1840 dans la famille d'un marchand épicier. Le garçon est devenu célèbre dans son Havre natal, grâce au dessin de caricatures et de dessins animés. A 17 ans, le destin le rapproche de l'artiste Eugène Boudin. Boudin emmène le jeune Monet avec lui au grand air et lui inculque l'amour de la peinture.

En 1859, Claude se rendit à Paris. Il commence ses études à l'Académie de Suisse, puis suit les cours de Charles Gleyre. En 1865, Monet expose au Salon. Son travail a été bien accueilli. Puis il rencontre sa future épouse Camille.

Monet, avec Renoir et d'autres impressionnistes, voyage souvent au grand air, dessiner des paysages le captive de plus en plus.

En 1870, Monet part pour Londres. En Angleterre, il rencontre Paul Durand-Ruel. Après 2 ans, de retour en France, Monet s'installe à Arzhentey. Pendant 4 ans vécu dans ce lieu cosy, Monet a écrit de nombreuses oeuvres.

En 1874, Claude Monet participe à la première exposition des Impressionnistes. Ses peintures ont été critiquées, tout comme les œuvres des autres participants.

En 1878, la famille Monet s'installe dans la ville de Vitey. Il y crée de nombreux tableaux. Mais un an plus tard, sa femme Camilla meurt. Monet, un temps navré, renonce aux paysages, peignant des natures mortes dans son atelier.

En 1883, Monet trouve enfin un lieu où il vivra plus de 40 ans. Cet endroit s'avère être une maison à Giverny. Le nouveau propriétaire y aménagera un magnifique jardin et en fera un célèbre bassin, qui écrira inlassablement au coucher du soleil.

En 1892, Claude Monet épouse la veuve de son ami, Alice Hoshede.

Monet dessine une série d'œuvres, représentant la même vue à différents moments de l'année et de la journée, sous différentes conditions d'éclairage. Ses séries sont nombreuses : « Meule de foin », « Peupliers », « Bassin aux nénuphars », « Cathédrale de Rouen », etc. sa perception. Ses toiles sont un succès, elles sont achetées avec plaisir par les collectionneurs, y compris hors de France.

Tout au long de sa vie, Monet a peint la nature. Vers la fin de sa vie, il se concentre sur son jardin de Giverny, qu'il transforme en une autre œuvre d'art. Le maître peint inlassablement ses vues : les fleurs, les ruelles ombragées et le célèbre étang. En 1919, Monet donne à l'état 12 grandes peintures de la série Nymphée. Deux pavillons leur sont réservés au musée de l'Orangerie.

Pendant ce temps, l'artiste a commencé à devenir aveugle. Après avoir subi une chirurgie oculaire en 1925, il a pu retourner au travail. Claude Monet est décédé en 1926, devenu un classique de son vivant. Il n'était pas seulement le fondateur de l'impressionnisme, mais aussi le précurseur de art abstrait, en avance sur son temps et ouvrant toute une époque par sa créativité.

Auguste Renoir

Auguste est né dans une famille nombreuse et pauvre en 1841. Adolescent, il peint de la vaisselle. En 1862, il entre à l'École des beaux-arts et suit également les cours de Charles Gleyre. En 1864, ses toiles sont agréées pour participation au Salon. Avec ses amis impressionnistes, Renoir voyage au grand air. L'artiste a sa propre écriture unique - de larges traits audacieux, un jeu joyeux de lumière et de couleur.

Après la première exposition des impressionnistes, Renoir subit une critique sans merci. Par la suite, il a participé à 3 autres expositions. En 1879, il expose au Salon, malgré les reproches de ses amis. Son tableau "Madame Charpentier aux enfants" est reconnu et l'entreprise de l'artiste monte en flèche. Les citoyens riches ont commencé à lui donner des commandes de portraits. Renoir a particulièrement réussi images féminines, il a écrit et de nombreux portraits d'enfants. Ils ressentent une chaleur et une aisance particulières.

Les années 1870-80 sont l'apogée du travail de l'artiste. Il peint de grandes toiles complexes avec de nombreux héros. Cette période comprend son des peintures célèbres"Bal au Moulin de la Galette", "Petit déjeuner des Rameurs". Renoir croyait que la peinture devait embellir la vie des gens. Son art était lumineux, sincère, ensoleillé, comme la France elle-même.

En 1890, il épouse son modèle Alina Sharigo, ils ont trois enfants. En 1881, Renoir se rend en Italie. De retour, il change de style de peinture, pour un style plus "académique". Les tableaux « Parapluies », « Grandes Baigneuses » appartiennent à cette période. Renoir accordait beaucoup d'attention au nu. Revenant aux principes de l'impressionnisme, il peint une série de tableaux avec des baigneuses - une ode beauté féminine et grâces.

Renoir, contrairement à de nombreux impressionnistes, a été reconnu de son vivant. Il est salué par la critique, il a de nombreux clients et ses tableaux se vendent bien. Dans la vieillesse, Renoir souffrait d'arthrite. Il écrivait en se liant les mains aux mains, défiguré par les rhumatismes. "La douleur passe, mais la beauté reste", a déclaré l'artiste. Auguste Renoir meurt en 1919 d'une maladie pulmonaire.

Camille Pissarro

Né sur l'île de Saint-Thomas dans les Caraïbes en 1831. À l'âge de 25 ans, il s'installe en France, à Paris, étudie avec Suis et Corot. Participation au Salon des Rejetés. En même temps il rencontre Manet, Cézanne, Monet, Sisley. Pissarro peint des paysages, accordant une grande attention à l'éclairage des objets. En 1868, il expose au Salon. L'année suivante, en raison du déclenchement de la guerre, il est contraint de partir pour Londres. Là, Pissarro a rencontré son ami Claude Monet. Ensemble, ils sont allés au grand air, étudiant la nature de l'Angleterre.

De retour en France, Camille Pissarro s'installe à Pontoise. En 1872, Cézanne vient le voir avec sa famille. Les artistes deviennent des amis inséparables. Et en 1881, Paul Gauguin les rejoint. Pissarro a volontiers aidé de jeunes artistes, partagé son expérience avec eux. Il a exhorté à ne pas accorder beaucoup d'attention au dessin du contour des objets, l'essentiel est de transmettre l'essence. Vous devez écrire ce que vous voyez et ressentez, sans vous concentrer sur la précision de la technique d'exécution. Seule la nature peut être un enseignant qu'il faut toujours consulter.

Au cours de sa vie à Pontoise, Pissarro a pu développer son propre style de peinture. L'artiste y a vécu 10 ans. Il se tourne souvent vers des scènes de la vie rurale. Ses œuvres sont remplies de lumière et de paroles.

Cependant, les peintures de Pissarro ne se vendent pas bien et il lui est difficile de subvenir aux besoins de sa nombreuse famille. En 1884, l'artiste s'installe dans le village d'Eragny, se rendant occasionnellement à Paris dans l'espoir de vendre ses toiles ou de trouver un mécène. Une telle personne était Paul Durand-Ruel, qui a reçu le droit de monopole pour acheter les œuvres du maître.

En 1885, Camille Pissarro décide de rejoindre les post-impressionnistes Georges Seurat et Paul Signac, il tente une nouvelle direction - le pointillisme. A cause de la participation de Seurat et Signac à la huitième exposition des Impressionnistes, Pissarro se brouille avec Monet, Renoir, Sisley. En conséquence, Pissarro et ses nouveaux amis exposent dans une salle séparée. Cependant, le public n'a pas apprécié la nouvelle direction.

En 1889, Pissarro abandonne le pointillisme et revient à son ancien style. Peindre avec des points ne pouvait satisfaire son désir de transmettre l'immédiateté et la fraîcheur de la sensation intérieure. Ses toiles recommencent à s'acheter. Durand-Ruel organise plusieurs expositions de l'artiste.

À dernières années La vie de Pissarro s'est sérieusement intéressée au graphisme, à la lithographie et à la gravure. L'artiste est décédé à Paris à l'âge de 73 ans. Au cours de sa vie, il n'a reçu aucune récompense de l'État. Pissarro a toujours aidé de jeunes artistes et tenté de réconcilier les impressionnistes en guerre. Il était le seul à participer à toutes leurs expositions.

Edgar Degas

Degas est né en 1834. Son père, banquier, n'autorise guère Edgar à étudier la peinture. A 21 ans. le jeune homme entre à l'Ecole des Beaux-Arts. En 1865, le tableau de Degas "Une scène de la vie au Moyen Âge" est approuvé pour être exposé au Salon. La connaissance des impressionnistes change la vision du monde de l'artiste. Il s'éloigne de l'académisme. Degas préfère peinture de genre, représentant les gens ordinaires autour de lui.

Depuis les années 1870, Degas s'essaye à l'écriture au pastel. L'artiste aimait ce matériau, car il associait la peinture au graphisme. Le style de Degas était différent du reste des impressionnistes, qui mettaient la lumière en premier lieu. De plus, Degas n'allait pas au grand air, préférant faire des croquis dans les cafés, aux courses et dans les magasins. Il a essayé d'exprimer l'expression à travers la ligne et le dessin, ce qui n'a pas toujours été compris par les autres impressionnistes.

Degas a toujours participé activement à l'organisation d'expositions des impressionnistes en France. Il n'en manqua qu'un pour des raisons idéologiques. Cependant, il ne se considérait pas comme un impressionniste.

Les œuvres de Degas ne sont pas aussi joyeuses que les peintures de ses camarades. Souvent, il dépeint la vie sans fioritures, comme dans le tableau "Les buveurs d'absinthe".

Autour de Degas, un cercle de jeunes artistes s'est réuni - Vidal, Cassette, Raffaelli, Tillo, Forain, etc. Cela a divisé la société impressionniste et a conduit à un conflit inévitable et, à terme, à la désintégration du partenariat.

Dans les années 1880, Degas réalise une série d'oeuvres : "Dans la chapellerie", "Femmes nues aux toilettes". la dernière série les pastels ont provoqué l'indignation du public, car les femmes étaient représentées de manière réaliste, de manière intime, dans les activités quotidiennes.

Les séries "Sauts" et "Danseurs" ont permis à l'artiste de rendre le dessin en mouvement. Le thème du ballet était proche de Degas. Personne, comme lui, ne pouvait transmettre l'essence de la danse. Edgar a peint des danseurs fragiles sur scène et dans les coulisses. Il réalise souvent des dessins de mémoire en atelier, ce qui est également inhabituel pour les impressionnistes.

Degas n'a jamais créé de famille. Il était célèbre pour son caractère difficile et querelleur. Sa seule passion était l'art, auquel il consacrait tout son temps.

Après 1890, Degas souffre d'une maladie des yeux et perd partiellement la vue. Le maître se tourne vers la sculpture. Il a sculpté des danseurs et des chevaux à partir d'argile et de cire, mais nombre de ses figurines sont mortes par la suite en raison de la fragilité du matériau. Cependant, 150 œuvres laissées après la mort de l'artiste ont été transférées en bronze.

Degas a passé ses dernières années aveugle. Ce fut une grande tragédie pour lui. Edgar Degas est mort en 1917 à Paris, laissant derrière lui un grand héritage sous forme de dessins, peintures et sculptures.

D'après les récits de vie des artistes, il est clair que l'impressionnisme a de nombreuses facettes. À un moment donné, il est devenu une révolution dans l'art de la France et du monde entier, ouvrant la possibilité à l'émergence de nombreuses nouvelles tendances. Mais une chose unissait tous les impressionnistes. C'est le désir de rendre compte de la beauté fragile et insaisissable des instants à partir desquels la vie se construit.