La guitare espagnole est considérée comme l'instrument de musique le plus représentatif au monde. On pense qu'elle est apparue à Malaga. Au fil des siècles, la guitare moderne (à six cordes) s'est développée principalement à partir de trois sources : le luth arabe, la vihuela et la guitare à cinq cordes.
Trois des personnalités les plus importantes impliquées dans le développement de la guitare espagnole, en ordre chronologique Personnes : Fernando Sor (à partir du XVIIIe siècle), Francisco Tárrega (XIXe siècle) et Andrés Segovia (XXe siècle).
À la fin du XIXe siècle, la guitare espagnole n'était pas aussi populaire qu'aujourd'hui, mais a été relancée Francisco Tarregui. Sa meilleure œuvre, et maintenant assez connue, est Receurdos de la Alhambra. Tarregui a donné plusieurs concerts publics et a développé une méthode pour apprendre à jouer de la guitare espagnole. Andrés Ségovieétait l'un des nombreux guitaristes qui ont été influencés par lui. Tarrega est le père de la guitare espagnole avec des clous.
La période classique a vu l'émergence de nombreuses publications, compositeurs et interprètes. Fernando Sor, Mauro Guilini, Matteo Carcassi, Fernando Carulli et bien d'autres ont écrit de la musique, publié des techniques pour jouer de la guitare espagnole et donné des concerts. La guitare est devenue très populaire et les concerts de guitare étaient courants.
Sor a joué de la guitare comme instrument solo à l'Orchestre philharmonique de Londres en 1817. Dans les mémoires de George Hogarth, on peut lire : "il a surpris le public avec son interprétation inégalée de Paganinni"
Jusqu'à ce point, l'instrument lui-même était petit et étroit. Antonio de Torres (1817 - 1892) a créé la nouvelle guitare espagnole. Il a augmenté la taille et a expérimenté tout ce qui pouvait améliorer le son. Il était le père de la guitare moderne.
Quelques compositeurs célèbres joué de la guitare tels que : Carl von Weber, Rossini et sa femme, Verdi. Pendant de nombreuses années, Franz Schubert a composé ses œuvres sur la guitare accrochée au-dessus de son lit. A cette époque, il n'avait pas de piano. Berlioz compose également ses œuvres à l'aide de la guitare.
Andres Segovia a encouragé de nombreux compositeurs à écrire pour la guitare. Il devient le premier guitariste à se produire en salle de concert... Avant Ségovie, les gens pensaient que la guitare n'était pas un instrument de concert.
Voyageant et donnant des concerts à travers le monde, il a attiré l'attention et inculqué le respect pour cet instrument étonnant.
Les cordes en nylon étaient une grande amélioration par rapport aux cordes en boyau. Ils les ont remplacés en 1946.
Il y a de nombreux concerts à travers le monde aujourd'hui. musique de guitare. Il existe un grand nombre de sociétés et de magazines dédiés à la guitare espagnole.
Photo : wikipedia.org
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1. Fernando Carulli(Ferdinand Carulli), 1770-1841. Guitariste classique italien, compositeur et professeur. Au début, il apprend à jouer du violoncelle. Ayant appris à jouer de la guitare en autodidacte, il devient l'un des premiers interprètes professionnels sur cet instrument. Le beau son de la guitare, la pureté et la rapidité des passages de guitare assurèrent son succès d'abord à Naples, puis à Paris, où il devint un favori des salons. L'héritage créatif de Carulli est grand, sens spécial a sa "Complete School of Guitar Playing" considérée comme la première guide d'étude pour cet outil. Une attention particulière mérite son travail "Harmonie en relation avec la guitare", dédié à l'arrangement correct de la musique pour la guitare.
2. Matteo Carcassi(Matteo Carcassi) 1792-1853. Guitariste classique et compositeur italien. Carcassi a appris à jouer du piano puis de la guitare. À l'âge de 20 ans, il a acquis la renommée d'un guitariste de première classe, a donné avec succès des concerts à Paris, à Londres et dans certaines villes allemandes, bien qu'il n'ait pas atteint le niveau de popularité de Carulli. De nombreuses de ses oeuvres (sonates, rondos, valses, etc.) sont inscrites au répertoire interprètes contemporains. Grande importance ont ses ouvrages éducatifs et pédagogiques, dont les études (n° 26 et n° 60) et les trois parties « École de guitare »
3. Mauro Giulani(Mauro Giuliani) 1781-1829. Guitariste classique italien, compositeur et professeur. Enfant, il apprend à jouer du violon et de la flûte, en même temps il maîtrise la guitare. Comme il était difficile de faire une carrière de guitariste de concert en Italie en raison du faible intérêt du public pour cet instrument et en raison de la présence d'un grand nombre de guitaristes de première classe (dont Ferdinando Carulli), Giuliani s'installe à Vienne en 1806, où il s'est rapidement imposé comme l'un des meilleurs guitaristes européens. À Vienne, il commence à publier ses compositions, à se produire activement, à jouer dans des ensembles et même dans un orchestre. Des concerts avec sa participation ont été écoutés plus grands compositeurs des siècles. Il est prouvé que Beethoven a été frappé par sa performance, qualifiant la guitare de "petit orchestre". L'héritage de Giuliani en tant que compositeur est très vaste - il s'agit de pièces de théâtre, d'études, de sonates, de concertos pour guitare avec orchestre de chambre.
4. Fernando Sor(Fernando Sor) 1778-1839. Guitariste et compositeur classique espagnol virtuose, l'un des plus grands interprètes de cet instrument au XIXe siècle. Dès son enfance, il a étudié la guitare, le violon et le violoncelle, a reçu son éducation musicale dans une école de chorale d'un monastère catholique et a montré ses premières capacités de composition. En 1799, il s'installe à Madrid, occupant divers postes administratifs à Barcelone et à Malaga. Avec l'invasion des troupes françaises en Espagne, Sor prend une position patriotique, mais le compositeur, comme la plupart de l'intelligentsia espagnole, est contraint de céder et de prendre un poste administratif sous les Français. En 1813, Sor part pour Paris, puis à Londres, où son jeu de guitare fait sensation. À l'automne 1823, Sor et sa femme, une ballerine française, se rendirent en Russie, où ses performances remportèrent également un grand succès. Trois ans plus tard, le compositeur revient à Paris, où il publie plusieurs de ses nouvelles compositions, dont Memories of Russia. En France, Sor rencontre son compatriote guitariste Dionisio Aguado, avec qui il se produit souvent en duo. Les pièces de guitare de Sor ne sont pas conçues pour un effet extérieur, contrairement aux œuvres de Giuliani et Cacassi, elles sont écrites à la manière des classiques viennois - Mozart, Beethoven. Sor traite la guitare comme un instrument polyphonique, ne se limitant pas à la présentation de la mélodie et de l'accompagnement. Sor est également l'auteur d'un traité sur la guitare connu sous le nom de "Sor's Guitar School" et de nombreuses études.
5. François Tarrega(Francisco Tarrega) 1852-1909. Guitariste classique et compositeur espagnol, l'un des fondateurs de l'interprétation moderne sur cet instrument. Il joue de la guitare depuis sa plus tendre enfance. Une famille aisée a attiré l'attention sur ses capacités musicales, avec le soutien desquelles il est entré au Conservatoire de Madrid en piano et en composition (la guitare n'était pas enseignée au conservatoire). Malgré des succès au piano, Tarrega a préféré la guitare et, après un travail acharné, a donné un concert au Théâtre de l'Alhambra à Madrid, qui a été un énorme succès. Après son mariage, Tarrega s'installe à Barcelone, où il exerce des activités pédagogiques et de composition. Là, Tarrega a formé des alliances créatives avec Enrique Granados et Isaac Albéniz, dont il a transcrit de nombreuses compositions pour la guitare. Tarrega n'a que 78 de ses propres compositions et environ 120 arrangements, les plus célèbres sont "Memories of the Alhambra" et "Arabic Capriccio". Tarrega a élevé de nombreux étudiants, dont le plus éminent est Emilio Pujol. Andres Segovia appréciait grandement le talent de Tarrega et interprétait souvent ses œuvres.
6. Émilio Pujol(Emili Pujol) 1886-1980. Guitariste classique espagnol (catalan), joueur de vihuela, compositeur et professeur. Il s'est intéressé à la guitare classique après avoir entendu la performance de Francisco Tarrega et a pris des cours avec lui pendant sept ans. L'école de Tarrega fit de Pujol un brillant guitariste et, en 1912, il se produisit avec grand succès à Londres et à Madrid. Contrairement à Andres Segovia, qui jouait avec ses ongles, Pujol a suivi la technique de Tarrega, qui a préféré produire du son avec la pulpe de ses doigts, obtenant un son plus doux, mais plus limité en timbre. A 60 ans, il devient professeur de guitare et de vihuela aux conservatoires de Barcelone et de Lisbonne. L'héritage de Pujol comprend plus d'une centaine de compositions originales pour guitare et plus de trois cents arrangements pour guitare de musique de luth et de vihuel. Pujol est l'auteur de "School of Guitar Playing" en quatre volumes, dans les deux premières parties dont les principes de Tarrega sont exposés, et dans les troisième et quatrième - ses propres considérations pédagogiques.
7. Agustín Barrios Mangore(Agustin Barrios Mangoré) 1885-1944. Guitariste classique et compositeur paraguayen. Barrios est le premier grand guitariste latino-américain à atteindre le public européen. Il est né dans une famille de 8 enfants. Déjà à l'âge de sept ans, il jouait des accords et petits travaux dans un ensemble familial. À l'âge de 13 ans, il est remarqué par un professeur de musique de l'institut de musique d'Asunción, où il arrangera plus tard pour lui. À l'âge de 23 ans, Barrios est devenu un interprète bien connu et auteur d'œuvres pour guitare. Il quitte le Paraguay et voyage. En Uruguay, il rencontre un avocat, fan de guitare qui héberge Barrios chez lui. Durant cette période, il écrit ses plus oeuvres célébres y compris suite "La Cathédrale". En 1921, en Argentine, Barrios rencontre Ségovie, et des relations amicales s'établissent aussitôt entre eux. Ils exécutent leurs œuvres les uns aux autres, échangent des notes. Puis Barrios s'installe au Brésil, où il rencontre le compositeur brésilien Heitor Villa-Lobos. Au Brésil, il donne des concerts dans tous les états depuis 15 ans, jouant non seulement dans les grandes villes mais aussi dans les petits villages qui n'avaient jamais vu de concert de guitare avant son arrivée. Il est mort au Salvador à l'âge de 59 ans. L'héritage de Barrios en tant que compositeur comprend plus de 300 compositions pour guitare, dont beaucoup n'ont pas été publiées à ce jour. L'œuvre la plus célèbre est la suite "La Cathédrale" en 3 parties, le répertoire de presque tous les guitaristes est inclus. Autres œuvres - valses, préludes, variations sur des thèmes classiques.
8. Andrés Ségovie(Andrés Ségovie) 1893-1987. Guitariste espagnol, considéré comme le père de la guitare académique moderne. Comme de nombreux guitaristes, Segovia a étudié le piano et le violon dès l'enfance, mais inspiré par la musique flamenco, il a commencé à apprendre la guitare par lui-même. A 16 ans, il donne son premier concert à Madrid. Le style de Ségovie différait du style de jeu de guitare de l'époque par l'utilisation des ongles, ce qui rendait le son plus fort et plus net. Au début, le public était cool à propos de son jeu, mais, à partir du milieu des années 1910, les talents d'interprète de Segovia ont été de plus en plus reconnus en Espagne, et après un concert à Paris, il est devenu célèbre. En 1919 et 1921 sa première tournée a eu lieu en Amérique du Sud où il rencontre Agustín Barrios Mangore et Heitor Villa-Lobos. Villa-Lobos lui écrivit par la suite plusieurs ouvrages, dont les fameuses « Douze études ». Segovia a beaucoup transcrit pour la guitare musique classique- dont des œuvres aussi remarquables et complexes que "Asturia" (Légende) d'Isaac Albéniz et Chaconne Bach. Il a activement contribué à la vulgarisation de la guitare, parmi ses élèves figurent de nombreux guitaristes modernes exceptionnels D. Williams, D. Brim (Angleterre), A. Diaz (Venezuela), K. Parkening (USA). En 1958, Ségovie remporte le Grammy Award du meilleur enregistrement de musique académique solo et, en 1981, le roi d'Espagne lui accorde le titre de marquis pour les services à la patrie. Andres Segovia a poursuivi le concert et activité pédagogiqueà un âge avancé. Il est mort à Madrid à l'âge de 94 ans.
9. Jean Williams(John Williams) n. en 1941. Guitariste classique britannique (à ne pas confondre avec Mason Williams - guitariste et compositeur américain). Né en Australie, il a commencé à apprendre à jouer de la guitare à l'âge de 4 ans sous la direction de son père, également guitariste. En 1955, Andres Segovia a entendu Williams jouer et l'a invité à assister à une école d'été à Sienne. Par la suite, Williams est entré au Royal Collège de musiqueà Londres en piano et solfège (il n'y avait alors pas de cours de guitare). Bientôt, sa première représentation a eu lieu, qui a été un énorme succès, puis a tourné en France, en Espagne, en URSS, au Japon et aux États-Unis. La performance de Williams était remarquable pour son grand professionnalisme (son jeu est presque indubitable), sa virtuosité et son bon sens du rythme. En 1973, l'album, enregistré avec Julian Bream, a reçu un Grammy Award, et en 1978, il a acquis une renommée mondiale en tant qu'interprète de la musique de Stanley Myers dans le film The Deer Hunter. Actuellement, Williams continue de tourner, enregistrant des disques (dont le nombre total approche les 100). Williams est le lauréat de nombreux concours et récompenses, dont l'Ordre de l'Empire britannique.
10. Roland Diens(Roland Dyens) b. en 1955. Musicien, compositeur, arrangeur et guitariste classique français. A commencé à jouer de la guitare à l'âge de 9 ans. En 1976, il est diplômé du conservatoire privé de Paris. Diens est le lauréat des plus hautes distinctions de nombreux prestigieux concours de musique. En 1988, il entre dans le top 100 des guitaristes vivants de tous styles et directions. Les compositions de Diens sont populaires auprès de nombreux guitaristes contemporains. Les oeuvres les plus célèbres sont "Tango en skaï" et "Valse en skaï"
1. Introduction
Nous portons à votre connaissance une revue dédiée au choix d'un setup guitare. À ce jour, la gamme de guitares et d'amplificateurs de guitare sur le marché est très large. En conséquence, la palette de sons pouvant être obtenus est pratiquement illimitée. Cependant, vous pouvez regarder cette situation de l'autre côté - pour trouver le bon son, vous devez savoir exactement quoi choisir, quel équipement fera face à la tâche de la meilleure façon.
2. Configuration Blues
Bien que vous puissiez jouer du blues sur presque toutes les guitares, il existe toujours des favoris évidents lors du choix. Tout d'abord, cela s'applique aux guitares semi-acoustiques avec un bloc central solide. Ce type de corps a été utilisé pour la première fois dans la construction de la guitare Gibson ES-335, qui est toujours considérée par beaucoup comme la meilleure option possible. Ces guitares sont généralement équipées de micros humbucker au son chaud et gras (micro manche) ou au son lead mordant (chevalet). Cependant, le blues et ses différents sous-styles sont une sorte de quintessence de l'histoire de la guitare électrique, de sorte que différents interprètes peuvent voir une variété d'instruments : la Fender Stratocaster ( , ) et la Telecaster ( ), et la Gibson Les Paul ( , ).
Amplificateur
La plupart des joueurs de blues préfèrent les amplis qui reproduisent fidèlement les détails subtils d'un son de guitare naturel. De nombreux types classiques de sons de blues appartiennent à ce que les musiciens appellent "crunch" - c'est-à-dire que le son n'est plus propre, mais pas non plus saturé. L'overdrive complet a la propriété de réduire la plage dynamique de la guitare en raison de la compression naturelle. Le crunch, en revanche, est dynamiquement très riche, car les notes calmes sonnent presque pures, tandis que les notes jouées "fortes" sont beaucoup saturées.
Parmi les joueurs de blues, les amplis à lampes sont très populaires, avec un overdrive à lampe doux, ne nécessitant généralement pas de volume élevé et de fonds serrés. Un bon amplificateur combo à lampes avec un seul haut-parleur de 12 pouces au volume maximum a à la fois une plage dynamique très large et des capacités tonales riches.
Le blues n'est pas un style où les effets jouent un rôle décisif. Lors du traitement du son avec des effets de chorus ou de retard, si populaires parmi les musiciens de rock, les détails subtils du son et la profondeur de la dynamique sont « flous ». La plupart des guitaristes de blues célèbres dans le monde n'utilisent rien d'autre qu'une guitare, un ampli et un câble.
Vous pouvez obtenir un overdrive bluesy directement sur l'ampli, vous pouvez utiliser une pédale séparée, ou vous pouvez utiliser les deux. Dans ce dernier cas, la pédale fonctionne comme un soi-disant "booster" ou "chauffage" - elle ne crée pas la surcharge réelle, mais augmente le niveau du signal afin qu'il soit plus facile de surcharger l'amplificateur.
Cependant, certains types d'effets sont assez courants dans le blues, surtout si le groupe effectue un "crossover" avec une touche rock psychédélique. La pédale "wah", introduite dans l'arsenal des guitaristes à la fin des années 60 grâce aux efforts de et, est particulièrement populaire. Le point essentiel pour comprendre le fonctionnement d'une pédale wah est qu'il y a toujours une montée dans la région des fréquences moyennes avec un facteur de qualité variable dans son son. Par conséquent, lorsque vous connectez une pédale wah avant la pédale d'overdrive, le niveau global du signal est amplifié, et le niveau global d'overdrive est également amplifié. Dans ce cas, il y a une sorte de "grognement" dans le son, qui n'arrivera pas si on connecte la pédale à la boucle d'effets - dans ce dernier cas, le son sera plus "lisse", puisque la profondeur de la distorsion sera déterminé uniquement sur le préampli.
Le boom du rock psychédélique à la toute fin des années 60 a popularisé un autre effet caractéristique : le cabinet de Leslie. Dans l'effet Leslie, les haut-parleurs ne sont pas fixes, mais sont montés sur des axes rotatifs, ce qui permet de créer un timbre pulsé "gargouillement" facilement reconnaissable. En plus de leur son unique, les enceintes Leslie sont lourdes, encombrantes et comportent un grand nombre de pièces mobiles, c'est-à-dire des pannes fréquentes et la nécessité d'un entretien régulier. Heureusement, il existe de nos jours de nombreuses pédales qui créent des effets similaires comme le trémolo ou le vibreur, ainsi qu'imitent (et assez fidèlement) les vrais baffles Leslie.
3. Configuration rock classique
Il y a beaucoup de similitudes entre le blues et le rock, à la fois en termes de style et de son, donc les configurations blues et rock sont très similaires à bien des égards. Le son rock classique que nous connaissons et aimons bien a été créé non seulement par l'habileté des guitaristes, mais aussi par les efforts des créateurs des premières guitares électriques et amplificateurs. Il n'est donc pas surprenant que des noms comme Fender, Gibson et Marshall dominent ici.
Très souvent, le choix d'une guitare pour un style aussi diversifié que le rock est déterminé par une simple question - quel genre de musicien voulez-vous imiter, à qui voulez-vous ressembler ? Les "monstres du rock" des années 70 sont très facilement reconnaissables par le choix de l'instrument. Dire, et Kossoff préféré Les Paul, et et - Strat. Avant l'invention des conceptions de guitares électriques hybrides populaires parmi les joueurs de métal aujourd'hui, le niveau de sortie du micro jouait un rôle clé - les guitares Gibson équipées de humbuckers avaient un son plus puissant, lourd et facilement saturé par rapport à Guitares Fender, surtout jusqu'à ce que le contrôle du volume principal des amplificateurs soit inventé. Dans une certaine mesure, cette tendance s'est poursuivie jusqu'à nos jours, malgré les préamplificateurs et les pédales d'effets modernes qui peuvent grandement "réchauffer" même un signal relativement faible des micros à simple bobinage. Dans la musique rock classique, il y avait une place pour presque toutes les conceptions réussies de guitares électriques créées dans les années 50 et 70 du siècle dernier, y compris la Telecaster (), Rickenbacker, ES-335 et SG. Il est préférable de laisser les guitares accordées avec de puissants humbuckers jouer dans des styles plus lourds.
Amplificateur
La tâche principale de la plupart des amplificateurs de guitare est de réaliser l'un ou l'autre, nécessaire pour jouer dans un certain style musical, le type de son. Encore une fois, le problème du choix est, tout d'abord, résolu selon le principe "choisir au goût", en tenant compte de l'inclination de l'interprète à l'une ou l'autre "école de rock". S'il existe un archétype d'amplificateur de guitare pour la musique rock dans la nature, il s'agit très probablement d'une tête à tube de 100 watts avec une armoire pour 4 haut-parleurs de 12 pouces. Cependant, même avec cette approche, vous pouvez obtenir différentes options sonores. Le rock classique se caractérise par un overdrive à lampes organique et chaleureux qui n'a rien à voir avec la distorsion brutale et brûlante caractéristique du style heavy metal. Attention, de nombreux amplis sont conçus spécifiquement pour les styles "métal" !
Vous pouvez opter à la fois pour le combo et la pile de tête et les armoires simples/multiples. Les piles ont généralement un grave plus serré, ce qui est essentiel lors de la lecture de parties rythmiques. La note suivante est que les musiciens et les critiques font bien la distinction entre les types de sons "britanniques" et "américains" ; pratiquement tous les principaux fabricants d'amplificateurs de guitare au monde sont situés au Royaume-Uni ou aux États-Unis, et différents côtés Atlantic a pratiqué une approche différente du son de guitare "rock". Pour la plupart des guitaristes, les principales marques dans ce contexte sont Marshall, Fender et Mesa-Boogie, mais en fait, il existe de nombreux fabricants d'amplis moins connus mais toujours excellents.
Dans la plupart des cas, le rock classique n'est pas enclin à utiliser des effets, à l'exception de la pédale d'overdrive. Si des chansons comme "All Right Now" de Free sont votre standard sonore, alors tout ce dont vous avez besoin est une guitare de type Les Paul et une pile Marshall. Cependant, de nombreux interprètes utilisent un ou plusieurs sons basés sur des effets, l'effet étant généralement utilisé comme «assaisonnement» plutôt que de transformer le son de manière drastique. Par exemple, une solution très pratique est la pédale de guitare Boss, le choix est très large, le plus souvent dans les configurations de guitare rock, vous pouvez trouver le phaser, le chorus et le flanger, et, bien sûr, la pédale wah.
4. Configuration "Métal"
Bien que "métal" désigne désormais une sélection très hétéroclite de styles peu similaires, du point de vue de l'équipement de base, tout est clair ici - il faut les niveaux de gain et de volume les plus élevés possibles!
Il n'y a vraiment pas de ligne de démarcation exacte entre "heavy rock" et "metal" - certainement pas en termes de son. Les premiers groupes de métal sont allés un peu plus loin que les groupes de rock lourd des années 70 - ils ont augmenté le volume, utilisé plus d'overdrive et joué plus fort et plus vite. Quant au matériel, à ce stade c'était à peu près le même pour les uns et pour les autres.
Strat et Les Paul - chacun des types classiques de guitare électrique avait certains avantages, donc les deux étaient très largement utilisés au début du heavy rock / metal. Cependant, cela a pris fin dès que les musiciens et les producteurs de sons ont pensé à croiser le signal puissant des humbuckers avec les capacités expressives du trémolo Floyd Rose. D'abord est venu le soi-disant "Superstrat", c'est-à-dire une guitare de style Stratocaster avec au moins un humbucker. Cependant, le trémolo habituel "Fender's", d'abord perçu par tout le monde comme très radical, à la fin des années 70 - début des années 80 avait déjà cessé de satisfaire les besoins d'interprétation des musiciens. Le système de trémolo Floyd Rose, apparu à cette époque, offrait une stabilité d'accord beaucoup plus élevée, ainsi que la possibilité de "tirer" les notes à la fois vers le haut et vers le bas. En conséquence, le choix des guitaristes "métal", leur "calibre principal", était précisément Superstrat avec trémolo Floyd Rose - et plusieurs fabricants de guitares ont travaillé dans ce domaine à la fois, auparavant complètement invisibles sur fond de Gibson et Fender, par exemple , Charvel / Jackson, ESP et, bien sûr, BC Rich. Leurs conceptions de guitare sont peut-être les plus emblématiques parmi les guitaristes "métal", notamment en raison de leurs grands noms et de leurs formes bizarres. Les instruments produits par Ibanez sont venus au goût des musiciens les plus exigeants et les plus expérimentés. Cette marque est souvent associée à des virtuoses tels que et.
Les guitares Paul Reed Smith (PRS) combinent les meilleures caractéristiques des guitares Gibson et Fender avec de nouvelles normes révolutionnaires en matière de qualité de construction, de flexibilité et de diversité tonale. Malgré le prix élevé et l'accent initial mis sur les guitaristes de styles différents, les guitares PRS sont très populaires parmi les joueurs de nu metal américains.
Amplificateur
Le cas où l'amplificateur combo "ne fonctionne pas" de manière décisive en termes de caractéristiques. Les musiciens jouant du "métal" doivent avoir l'air décent sur fond de pression vocale frénétique et de tambours écrasants avec des cymbales de grand diamètre, un cardan, etc. Le public a besoin d'un véritable "mur" de son qui doit être vu autant qu'entendu. De ce point de vue, le choix idéal pour un petit concert serait un stack de 100 watts avec deux baffles 4x12".
À ce jour, le "vénérable" stack Marshall reste très populaire, cependant, de nombreuses autres sociétés produisent des stacks spécialement adaptés à la scène métal. La plus importante de toutes ces marques est sans aucun doute Mesa-Boogie, dont les têtes à lampes "Dual Rectifier" ont le son traditionnel "Marshallian", mais sont plus agressives et en même temps propres, très lourdes et sans grain. C'est ce son qui est le plus apprécié par les artistes de nu metal.
Bien qu'un son de base bien choisi soit en fait suffisant pour la plupart des jeux de heavy metal, il existe quelques effets spécifiques à la musique lourde et que l'on trouve souvent dans les solos et les instrumentaux. Le flanger et le phaser sont bons pour embellir les sons clairs dans les intros et les couplets, sans ces effets le contraste entre les sons clairs et saturés est trop radical.
Une octave est souvent associée à la musique heavy metal, c'est-à-dire un effet qui, au lieu d'une note, fait sonner deux notes à la fois dans une octave. En combinaison avec la distorsion, il fournit un son très gros et "gras". Pour le son solo "doublé" caractéristique des groupes ou d'Iron Maiden, un effet de décalage de fréquence (Pitch Shifter) est souvent appliqué. Les pitch shifters plus avancés et "plus intelligents" savent même comment jouer la partie harmoniquement correcte dans la tonalité souhaitée.
Lorsque vous travaillez sur un son très lourd, il est extrêmement important de connecter correctement les effets. Certains effets lorsqu'ils sont connectés à une pédale de distorsion, en particulier le chorus ou le flanger, sonnent juste dégoûtant. Ils doivent toujours être connectés soit après la pédale de disto, soit dans la boucle d'effet de l'ampli. Tous les pitch-shifters, y compris les octaves, doivent être connectés avant la distorsion, sinon les harmoniques produites par l'overdrive changeront également de hauteur, ce qui entraînera une configuration sonore très désagréable.
5. Configuration universelle
De nombreux guitaristes, en particulier ceux qui jouent dans des groupes de reprises ou des orchestres, ont besoin du plus large éventail de styles et de sons parmi lesquels choisir, du rock et du jazz au blues et au reggae. C'est pourquoi ils ont besoin d'une configuration extrêmement "flexible".
À ce cas l'option la plus correcte est de miser sur une guitare qui est bonne, mais en aucun cas "exceptionnelle". Donc semi guitares acoustiques ou les Rickenbackers sur mesure sont exclus. Une option décente est le "Superstrat" classique, généralement avec une configuration de micro HSH (c'est-à-dire deux humbuckers, en position manche et chevalet, et une seule bobine au milieu). Les guitares de ce type sont adaptées pour jouer dans la plupart des différents styles, du heavy metal à la fusion et au jazz. Une attention particulière doit être accordée aux conceptions modernes des blocs de timbre de PRS et Parker. Des fonctions souvent très intéressantes y sont implémentées, par exemple, la commutation de micros de type "humbucker" en mode de fonctionnement "simple".
Une nouvelle invention est ce qu'on appelle les guitares à modélisation; ils méritent la plus grande attention. Le micro-ordinateur intégré utilise la technologie de modélisation physique, qui permet à une même guitare de sonner comme une Strat, une Les Paul, une guitare semi-acoustique voire acoustique, un banjo, etc. Line6 est précurseur dans ce domaine avec le " Variax" famille de guitares. ", cependant, il existe d'autres fabricants sur le marché, comme Alesis ou Roland avec des systèmes "V-Guitar" (dans ce dernier cas, une approche légèrement différente du concept de modélisation de guitare est utilisée). Certains partisans de la "pureté du genre" considèrent que les résultats de la modélisation numérique ne méritent pas l'attention, cependant, à notre avis, de tels outils en valent la peine, et même une attention particulière.
Amplificateur
Pour les joueurs polyvalents, un ampli à trois canaux est idéal, capable de fournir à la fois un son clair et crunch, ainsi qu'un son solo à gain élevé. Pour les performances dans des salles compactes, il est préférable de regarder un amplificateur combo petit mais puissant. Faisons attention à son avantage suivant : il est assez facile de le transporter sans impliquer une équipe de chargeurs ! Une alternative très intéressante est les amplificateurs numériques dits "à modélisation", qui sont capables de simuler presque n'importe quel amplificateur matériel, plus souvent équipés d'une unité d'effets programmable et sont capables de passer en appuyant sur la pédale d'un timbre à l'autre - disons, d'une pile Marshall surchargée avec un retard et un chorus à un petit ampli clair avec un phaser.
Dans ce cas, nous soulignons à nouveau, l'essentiel est la flexibilité, donc plus le choix d'effets est large, mieux c'est. Au lieu de transporter environ deux douzaines de pédales et un pédalier lourd, il est préférable d'obtenir un processeur multi-effets numérique avec la possibilité de sauvegarder et de rappeler rapidement les préréglages. De nombreux processeurs multi-effets contiennent tous les effets dont vous avez besoin pour traiter le son d'une guitare - chorus, flanger, delay, reverb, phaser, octaver, pitch shifter, ainsi qu'une variété d'options d'overdrive et de distorsion. De nombreux processeurs de sol ont également souvent une pédale d'expression qui peut être utilisée comme pédale de volume ou wah-wah.
6. Configuration jazz
La plupart des musiciens de jazz modernes jouent du jazz-rock ou du jazz-rock fusion. De plus, bien sûr, ils ont aussi besoin d'un son jazz "classique". Ainsi, notre configuration devrait "fermer" les besoins des trois styles énumérés ci-dessus.
Presque tous les joueurs de jazz modernes optent pour des guitares semi-acoustiques avec un corps large et un micro humbucker en position manche (beaucoup de ces instruments sont équipés de deux micros, mais en pratique le chevalet est rarement utilisé). La Gibson ES-175 classique - jouée par presque tout le monde de et vers - est considérée par la plupart des joueurs de jazz comme la norme pour un son chaud et riche. Les instruments semi-acoustiques avec un "micro flottant" monté sur le manche ont un timbre légèrement différent, également très réactif - ces guitares se caractérisent par un son "virtuose" précis et lisible avec une bonne dynamique dans l'esprit de .
Amplificateur
Les joueurs de jazz ont une vision très négative du "grit" et ont tendance à opter pour des amplis à semi-conducteurs, qui ont un son clair plus agréable. Ils veulent généralement un son chaud avec de "gros" bas médiums et des aigus atténués. Polytone domine le domaine des amplis jazz presque parfaitement accordés depuis de nombreuses années maintenant.
Moins c'est plus dans ce style de musique - la plupart des musiciens branchent simplement leur guitare sur un ampli et commencent à jouer. Un vrai son de jazz est le son d'une guitare et d'un ampli, rien d'autre. Des variations légèrement embellies sont parfois populaires, comme l'astuce de Pat Matheny dans laquelle deux amplificateurs sont connectés avec un léger retard pour produire un "pseudo-chorus" stéréo. Dans le cas où les guitaristes de jazz utilisent des éléments d'autres styles dans leur musique, l'utilisation de certains effets caractéristiques est également acceptable. Cependant, les interprètes de jazz-rock préfèrent toujours un overdrive doux et chaud, plutôt un crunch uniforme, plutôt qu'un overdrive, qui préserve soigneusement le son naturel de la guitare et a une grande marge sur le son solo "bruyant".
7. Conclusion
La grande quantité d'informations disponibles sur Internet aujourd'hui permet de savoir facilement quel équipement utilise votre artiste préféré. Il n'y a rien de mal à copier, vous pouvez donc obtenir un très bon résultat en peu de temps.
Merci d'avoir pris le temps de lire notre avis ! Quel que soit votre style de jeu, nous espérons que nos conseils vous aideront à prendre la bonne décision ! Succès créatif à vous !
La guitare est l'une des plus populaires instruments de musique, ce qui n'a rien d'étonnant : c'est simple en formation de base, et toute une couche de culture est liée à cet instrument particulier. Même en ne maîtrisant que trois accords, vous n'éprouverez plus de difficultés à la question « quoi chanter ? ». Au fur et à mesure que les compétences grandissent, de nombreuses techniques et styles de performance s'ouvriront, révélant de plus en plus de nouvelles possibilités d'une guitare apparemment simple.
Mais pour cela, vous devez choisir l'outil approprié. Le terme "bobrovka" a longtemps été réservé à l'acoustique de mauvaise qualité parmi les guitaristes - hélas, les produits de l'usine de meubles et d'instruments de musique (oui, c'est vrai !) de la ville de Bobrov sont déjà devenus si célèbres pour leur fabrication dégoûtante et qualité sonore qu'ils sont devenus un nom familier. Vous devez donc immédiatement savoir quelles guitares de l'entreprise sont les meilleures, dont vous pouvez acheter la production de guitares en toute confiance, et ensuite seulement choisir l'instrument que vous aimez et abordable dans la gamme de modèles.
Quelle guitare est la meilleure - acoustique ou classique ?
Une marque est une marque, mais vous choisissez vous-même un outil spécifique. Définissons d'abord la structure :
- guitares classiques est le meilleur choix pour les débutants. Les manches larges et fins sont pratiques pour travailler les doigtés, sur les manches plus étroits des guitares acoustiques et surtout électriques, les doigts vont interférer les uns avec les autres et les cordes beaucoup plus longtemps. Les cordes en nylon doux utilisées sur le "classique" ne causent pas de douleur dans les doigts jusqu'à ce que les callosités se développent, elles sont facilement serrées et tirées avec des virages. Mais plus tard, il ne fonctionnera pas de passer à l'acier - la force est faible pour les cordes à haute tension, toutes les guitares classiques ne peuvent pas supporter les cordes en acier, il vaut donc mieux ne pas expérimenter.
- Guitares acoustiques grâce à des ressorts rigides (un ensemble de racks-amplificateurs en bois) sous le pont supérieur et à la présence d'une ancre dans le manche, des cordes en acier peuvent être utilisées, donc plus riches en son et plus fortes, en particulier les dreadnoughts (guitares western). Les cordes en acier facilitent l'utilisation des micros, c'est pourquoi de nombreux modèles de guitares acoustiques en sont initialement équipés, éventuellement avec un égaliseur de préampli intégré, ce qui est plus pratique pour les performances que de capter le son avec un microphone.
Les meilleurs fabricants de guitares acoustiques et classiques
Compilation d'une note des meilleurs fabricants d'acoustique et guitares classiques, nous sommes confrontés à une difficulté compréhensible : de nombreuses entreprises produisent une large gamme d'outils de différentes classes. Par conséquent, nous avons spécifiquement dû créer une catégorie pour les "généralistes" - ce sont des marques qui ont des instruments pour les musiciens de tout niveau dans leur assortiment, et en même temps, tous ces instruments peuvent être achetés dans notre pays. Le reste des catégories a également été rempli en fonction des guitares de ces sociétés qui sont les plus courantes dans notre vente.
Les guitares acoustiques sont demandées dans tous les genres de musique, elles peuvent donner à chaque composition intimité et mélodie. Cet instrument est autosuffisant, il n'est pas nécessaire d'acheter des amplificateurs et autres ajouts coûteux. Le son est fort à cause du trou (résonateur). Distinguer différents types guitares, selon la forme du corps et du manche :
- Dreadnought (western) - le modèle le plus populaire, il a un son fort, le plus souvent il est joué avec un médiator;
- Classique - son calme et doux, cordes en nylon, idéales pour les performances dans de petites salles ;
- Jumbo - maintenant rare, a un grand corps et un volume incroyable, le mieux adapté pour l'accompagnement ;
- Électro-acoustique - équipé d'un bloc de timbre pouvant être connecté à un amplificateur; certains modèles ont un tuner et un égaliseur intégrés.
Choisir une bonne guitare acoustique peut sembler une tâche incroyablement difficile pour les débutants. Le marché regorge d'entreprises qui copient les produits de marques bien connues et établies, créant ainsi des doublons de mauvaise qualité. C'est pourquoi il arrive souvent que deux guitares, presque identiques en apparence, diffèrent radicalement en prix et en sonorité. Lors de l'achat d'un outil dans une boutique en ligne, vous devez faire attention à la note du vendeur et de son produit, au nombre d'avis détaillés.
Meilleures guitares acoustiques bon marché
5 VOL C-250NA
Le meilleur outil d'apprentissage
Pays : Chine
Prix moyen : 9500 roubles.
Note (2019) : 4,8
Flight a pris de l'importance dans les années 1980 à mesure que la demande de guitares acoustiques de qualité adaptées aux débutants augmentait. enseignants écoles de musique et les écoles ont unanimement préféré les produits de cette marque. L'un des modèles les plus populaires était le C-250 NA, développé sur la base du célèbre Flight C-100, qui était autrefois reconnu comme la meilleure guitare pour l'apprentissage. Elle a repris presque tous les éléments de base du prototype, à l'exception du matériau du corps - ici cet élément est en acajou massif, ce qui donne à la guitare un son plus volumineux.
L'outil n'a qu'un seul inconvénient majeur : la finition brillante a tendance à s'user rapidement, surtout avec une utilisation fréquente et un manque d'entretien approprié. Il est nécessaire d'essuyer régulièrement le corps de la guitare avec une serviette, parfois on peut lubrifier le manche avec de l'huile végétale. N'oubliez pas le remplacement rapide des chaînes.
4 Cort AC250
Idéal pour les longs exercices ou performances
Pays: États-Unis (fabriqué en Indonésie)
Prix moyen : 13773 roubles.
Note (2019) : 4,7
Cort AC250 est le fruit d'une société américaine qui produit des guitares acoustiques économiques pour tous les goûts. Tous ont un design élégant, des matériaux d'excellente qualité et un son décent. L'AC250 attire également l'attention avec ses chevilles de réglage chromées. Trois types de bois ont été utilisés pour fabriquer la guitare. La table en cèdre offre un son doux et chaleureux avec des notes de tête arrondies et une emphase sur les médiums. Le palissandre et l'acajou ajoutent de la profondeur et du volume.
De nombreux débutants ont convenu que c'était avec cet instrument qu'ils trouvaient le plus facile d'apprendre à jouer. Il a une peinture fine, donc le son est plus réactif. La courbe de la tête a été choisie pour que les doigts ne se fatiguent pas même après de longs exercices. Certains acheteurs ont des doutes sur la durabilité de la platine, mais avec une utilisation prudente, la Cort AC250 dure très longtemps.
3 Martínez C-95
Le prix le plus agréable
Pays : Chine
Prix moyen : 6760 roubles.
Note (2019) : 4,8
Martinez C-95 - peut-être la meilleure option pour ceux qui veulent obtenir une bonne qualité sonore et long terme opération au moindre coût. Ce modèle a une structure traditionnelle : six cordes et 19 frettes, placées de manière classique. L'acajou et une petite quantité de palissandre (pour le manche) ont été utilisés pour fabriquer la guitare acoustique. Tous les instruments de la marque Martinez sont assemblés en Chine, mais cela n'affecte en rien la qualité. Si elle est bien entretenue, votre guitare durera très longtemps.
Les musiciens professionnels critiquent souvent ce modèle à cause de son son plutôt plat. Il n'y a pas de profondeur et de velours, si vous comparez le son avec des options coûteuses d'entreprises bien connues. Mais les débutants peuvent très bien se débrouiller avec un tel outil budgétaire, il est parfait pour apprendre.
2 YAMAHA C-70
Son riche et velouté
Pays : Japon
Prix moyen : 9990 roubles.
Note (2019) : 4,9
Le C-70 est un excellent instrument pour les guitaristes débutants et confirmés, créé par la grande marque japonaise Yamaha. Ce modèle est fabriqué en meilleures traditions Classiques instrumentaux espagnols. Le matériau utilisé pour les côtés et le dos est du bois meranti massif, connu pour ses hautes performances et son amortissement des harmoniques parasites. Le pont et le manche sont en palissandre - non seulement résistant à l'usure, mais aussi un beau matériau. Il offre une excellente qualité sonore.
Yamaha C-70 appartient à la gamme de produits budgétaires de la société japonaise. Elle a un ton propre et timbré, les notes de tête sont sonores, les basses sont riches, certains utilisateurs appellent le son velouté. L'instrument a aussi des inconvénients : selon les utilisateurs, il est assez difficile à maîtriser pour les guitaristes débutants. Après une utilisation prolongée, les chevilles de réglage peuvent devenir ternes et certaines vis se desserrer, mais cela est facile à réparer.
Les meilleurs fabricants de guitares acoustiques
Yamaha. Les produits du géant japonais sont connus non seulement pour leur polyvalence, mais aussi pour leur rapport qualité-prix idéal. Peu importe : qu'il s'agisse d'une guitare économique pour débutant ou d'un instrument professionnel coûteux, le fabricant garantit une excellente qualité sonore.
artisan. Entreprise coréenne qui développe des guitares acoustiques pour le jeu et la performance professionnels. Dans l'assortiment de ce fabricant, il y a des outils pour tous les goûts et tous les budgets. Par conséquent, même les musiciens les plus pointilleux pourront trouver un modèle de guitare parfaitement adapté au prix et aux performances.
Martínez. Une entreprise chinoise dont le nom ne correspond pas du tout au pays gagne de l'argent en publiant des copies exactes de guitares acoustiques de fabricants renommés. Couvre tous les segments du marché - des modèles les plus simples pour les débutants aux outils professionnels.
Ibanez. Une autre marque japonaise, devenue célèbre principalement grâce à la sortie de guitares électriques et de basses, produit une acoustique de qualité et compétitive. Une sorte de marque de fabrique de l'entreprise était l'utilisation généralisée de l'acajou et du bois de rose comme matériau principal pour la fabrication d'outils.
Gibson. Caractéristique principale Ces guitares acoustiques ont toujours été relativement légères et faciles à fabriquer. Le modèle Les Paul le plus populaire est venu dans de nombreuses variantes, y compris le cas sensationnel avec deux découpes. En mai 2018, les représentants de Gibson ont déclaré la faillite de l'entreprise, mais les connaisseurs et les collectionneurs achètent toujours de vieilles guitares.
Aile. Ce fabricant américain, contrairement à Gibson, continue d'exister à ce jour. C'est Leo Fender qui a créé la première basse électrique Precision Bass. Quelques années plus tard, la légendaire Stratocaster d'une forme inhabituelle est apparue. Les guitares acoustiques de cette marque ne sont pas aussi populaires que les modèles électriques, mais de nombreux musiciens les préfèrent en raison des matériaux de haute qualité et du bon son.
Ovation. La première guitare de cette marque a été créée par Charles Kaman. De profession, il était un expert en aérodynamique, et ce sont ses connaissances dans ce domaine qui ont aidé l'Américain à proposer un pont arrière original. Une autre caractéristique est le matériau de l'outil - initialement, le corps était en plastique ordinaire, qui est également utilisé pour la production de pales d'hélicoptère.
1 garde-boue ESC80
La meilleure guitare pour les débutants
Pays : États-Unis
Prix moyen : 9500 roubles.
Note (2019) : 4,9
La Fender ESC80 est une guitare classique à six cordes sans micro monté. Le modèle a l'air très soigné en raison de la taille réduite (3/4). Le fabricant a sélectionné des matériaux exceptionnellement fiables pour la fabrication de l'outil (solides d'épicéa, nato, agatis), réputés pour leur grande résistance à l'usure. Les cordes ici sont en nylon, elles sont suffisamment souples pour que même les enfants puissent jouer sans médiator. L'ensemble du corps est recouvert d'un vernis mat, il ne laissera pas de traces de doigts.
Cette guitare acoustique a une sonorité agréablement riche grâce à son bon équilibre et sa construction de qualité. Il est très demandé par les musiciens débutants et fait partie de la gamme d'équipements éducatifs en série de la série éducative. Le prix bas rend la guitare abordable pour un large éventail consommateurs. Grâce à sa sonorité douce et forte, l'instrument convient à l'exécution des compositions les plus diverses.
Meilleures guitares acoustiques haut de gamme
3 Gibson J-45
La meilleure finition. Durée de vie maximale
Pays : États-Unis
Prix moyen : 216 000 roubles.
Note (2019) : 4,8
La J-45 est une guitare acoustique électrique à six cordes, l'un des meilleurs modèles de Gibson. Des technologies uniques ont été utilisées pour le créer, offrant un son particulièrement doux, brillant et profond. Le pont supérieur est en épicéa massif, les côtés, le cou et le pont inférieur sont en bois d'acajou. Le manche présente un profil arrondi original avec une touche en palissandre, les frettes sont incrustées de nacre en forme de parallélogrammes.
Du papier de verre fin et de la pâte à polir ont été utilisés pour finir l'instrument, et le chevalet et le manche ont été huilés à la main. En raison du traitement, la vibration naturelle du bois augmente, ce qui affecte la qualité sonore et la durée de vie. La guitare est connectée à l'ampli grâce au micro de L.R. Bagg VTC. Le principal inconvénient du modèle, bien sûr, est le prix. Gibson a toujours été une marque d'élite, il est donc rare que des musiciens prometteurs mettent la main sur leurs produits.
2 Yamaha NTX700
Son vintage avec une bonne résonance
Pays : Japon
Prix moyen : 42900 roubles.
Note (2019) : 4,9
La NTX700 est une guitare électro-acoustique d'une marque japonaise idéale pour les performances. Il a un corps assez fin (sa profondeur est de 80 à 90 mm), un manche étroit et un micro intégré. Ce modèle peut remplacer une dreadnought ou une guitare électrique, quel que soit le genre de musique dans lequel travaille l'interprète. Grâce au système spécial de connexions du pont supérieur, tout le potentiel est révélé cordes en nylon. Utilisé pour fabriquer une guitare acoustique meilleurs matériaux: épicéa massif, nato (mora) et palissandre.
Le son de l'instrument est souvent qualifié de vintage : prétendument il s'avère moyennement tranchant, avec une excellente résonance, la dissonance dans les hautes fréquences est parfaitement maîtrisée. Grâce au résonateur ovale et à la faible profondeur de l'enceinte, le son est également très clair et doux. Enfin et surtout, la technologie d'amélioration de la résonance du bois A.R.E. de Yamaha.
1 Antonio Sanchez S-1005
Haute qualité sonore. Fait main
Pays : Espagne
Prix moyen : 37751 roubles.
Note (2019) : 5,0
Le S-1005 est un instrument de haute qualité de l'atelier espagnol Antonio Sanchez. La principale caractéristique de cette entreprise est que chaque guitare acoustique est fabriquée à la main. Les virtuoses du métier suivent des techniques anciennes qui ont été brevetées il y a de nombreuses années. Bien sûr, les modèles en série sont de qualité inférieure aux exemplaires uniques, mais leur prix est assez modeste. En production, des essences de bois d'élite sont utilisées. Ce modèle particulier se compose d'un solide massif d'épicéa d'Oregon (table), de magohani (dos, manche, éclisses) et de palissandre (touche et chevalet).
Cela n'a aucun sens d'acheter une telle guitare pour les débutants qui ne connaissent pas toutes les subtilités du son et ne sont même pas sûrs qu'ils envisagent de s'engager sérieusement dans la musique. Mais les professionnels apprécieront le S-1005. Elle a un excellent débogage, équilibrage et son. Grâce à la conception renforcée du corps, l'outil durera le plus longtemps possible.
Meilleures guitares acoustiques occidentales
4 Yamaha F310
Le plus beau ton
Pays : Japon
Prix moyen : 9990 roubles.
Note (2019) : 4,7
Le F310 est l'un des dreadnoughts les plus abordables de Yamaha pour les guitaristes débutants. Le son est brillant, profond et riche, le timbre est incroyablement beau, comparé à d'autres marques de guitares acoustiques. La Yamaha F310 reste très bien accordée, vous ne pouvez pas la régler pendant environ une semaine, même si vous jouez de la guitare tous les jours. Les frettes sont bien polies, l'instrument convient donc aux transitions rapides et complexes dans différentes positions, les doigts ne se fatigueront pas.
Les cordes ici sont en métal, le corps est en épicéa laminé. La production a utilisé une technologie de bois mince à trois couches, qui a fourni une bonne résonance. Les utilisateurs attribuent une couche de vernis trop fine aux inconvénients du modèle, ainsi qu'aux mauvaises cordes d'origine. Pour de nombreux acheteurs, ils se sont cassés ou ont commencé à bourdonner dans les tout premiers jours après l'achat. De telles cordes ne révèlent pas la plénitude du son, il est donc préférable de les changer pour de meilleures, mais pas pour des cordes en nylon.
3 Fender Squier SA-150
La construction la plus durable
Pays : États-Unis
Prix moyen : 8500 roubles.
Note (2019) : 4,7
On dit le plus souvent que cette guitare est idéale pour une pratique régulière et intense. Bien sûr, le modèle est également acheté par des professionnels, mais il est généralement préféré par les débutants en raison de son prix bas et de son apparence présentable. C'est pratique pour jouer de l'instrument, les cordes ici sont assez douces, bien qu'elles soient en acier (D'Addario). Des ressorts festonnés ont été utilisés dans la conception pour une plus grande dynamique et résonance de la table d'harmonie.
Le manche est en acajou, la touche est en érable peint. Tous les raccords sont chromés. Le plateau supérieur est en tilleul (stratifié) : ce matériau est considéré comme le plus budgétaire, il est utilisé dans la production de guitares bon marché. De ce fait, de nombreux utilisateurs critiquent la Squier SA-150, bien que sa qualité sonore soit tout à fait correcte, elle est riche et même "mature". Les critiques conseillent également de remplacer les cordes par un jeu plus cher, mais il n'est pas nécessaire de le faire immédiatement après l'achat.
2 Crafter MD-40/N
Le rapport qualité/prix optimal
Pays : Corée du Sud
Prix moyen : 27900 roubles.
Note (2019) : 4,8
La société Crafter est un véritable ancien du marché des instruments de musique et a réussi à sortir de nombreuses guitares acoustiques à succès tout au long de son histoire. Parmi eux se trouve le Crafter MD-40/N, un dreadnought classique au design élégant et aux performances élevées. Les tables d'harmonie sont en épicéa et en acajou, le chevalet et la touche sont en palissandre indien. La finition de la coque est brillante, la laque souligne parfaitement la beauté du bois. Le kit comprend un étui de marque, ainsi qu'une clé d'ancrage pour le réglage.
Le modèle a une caractéristique plutôt controversée. Afin de ne pas augmenter encore plus le prix d'une guitare chère, les développeurs ont décidé de modifier le plan de fabrication d'origine et de fabriquer le plateau supérieur non pas en bois massif, mais en placage d'épicéa. Bien sûr, à cause de cela, la durée de vie de l'instrument a légèrement diminué, mais le son est resté le même. De plus, le placage est plus résistant à l'humidité et à la température que le bois massif.
1 IBANEZ PF15
Meilleure glisse des doigts
Pays : Japon
Prix moyen : 16 000 roubles.
Note (2019) : 4,9
PF15 est un digne représentant de la série PF économique de la société japonaise Ibanez. Malgré relativement bas prix, le modèle est considéré comme l'une des meilleures guitares occidentales pour le folk. Grâce à la table en épicéa massif, les hautes fréquences sont particulièrement brillantes. Les éléments restants sont en acajou nyato, c'est ce matériau qui procure un son chaud et velouté, enveloppant. La texture du bois est très douce et agréable au toucher, ce qui facilite le glissement des doigts sur la touche.
Le modèle a un autre avantage important : il est disponible dans la version électro-acoustique PF15ECE. Bien sûr, le prix et les caractéristiques de l'outil seront légèrement différents, mais haute qualité Marque Ibanez garantie. L'accord initial de la guitare peut sembler gênant, mais l'instrument peut être facilement ajusté à votre convenance à l'aide d'une clé à treillis. Certains utilisateurs notent également les frettes saillantes comme un inconvénient.
Meilleures guitares acoustiques électriques
3 Ibanez TCY10E
Forme de corps originale. Installation rapide
Pays : Japon
Prix moyen : 18600 roubles.
Note (2019) : 4,8
Ce modèle attire immédiatement l'attention avec son apparence inhabituelle. La finition brillante assure la durabilité même après des années d'utilisation. Le pont supérieur est en épicéa massif, le reste des éléments est en acajou et palissandre. La guitare électro-acoustique a 19 frettes, les chevilles chromées sont vernies. Il y a un micro piézo propriétaire et un préamplificateur Ibanez AEQ-2T. Grâce à l'égaliseur et au tuner intégré, vous pouvez accorder rapidement votre guitare même lorsque vous jouez devant un public bruyant.
À en juger par les avis, l'Ibanez TCY10E convient mieux aux professionnels qu'aux guitaristes débutants. Entre les mains d'un musicien expérimenté, cet instrument saura se révéler au maximum. Le son est équilibré : des harmoniques brillantes, des médiums riches et des aigus solides. Le seul inconvénient du modèle est qu'il a une taille plutôt petite, il peut ne pas être très pratique à jouer si vous n'y êtes pas habitué.
2 Ovation CS24
Modèle populaire avec plate-forme ronde en fibre de carbone
Pays : États-Unis
Prix moyen : 37991 roubles.
Note (2019) : 4,9
Ovation fabrique principalement guitares acoustiques électriques gamme de prix moyenne. Les utilisateurs considèrent à juste titre CS24 (Celebrity) comme l'un des modèles les plus réussis. La table est en épicéa massif, avec de la fibre de carbone Ovation Lyrachord pour le dos et les éclisses. Tous les éléments sont fixés à l'aide du système X-bracing. Un micro piezo Ovation Slimline avec un préampli OP-4BT est utilisé pour un son clair et riche. Il y a un égaliseur à trois bandes, des commandes de volume et de gain, un tuner intégré et une alerte de batterie faible.
Les critiques notent la haute qualité des cordes américaines, mais l'accord de la guitare a soulevé des questions de la part des utilisateurs. Certains d'entre eux ont dû redresser le manche, régler la hauteur du sillet et polir les frettes après l'achat, soit seuls, soit avec l'aide d'un maître. Tous les acheteurs n'ont pas été confrontés à ce problème, mais il a quand même sa place.
1 Fender CD-60SCE
Accordeur de meilleure qualité
Pays : États-Unis
Prix moyen : 28200 roubles.
Note (2019) : 5,0
Le Fender CD-60SCE appartient à la gamme budgétaire de Fender. C'est l'un des modèles qui se vendent à un prix réduit en raison de matériaux peu coûteux et d'un assemblage en Chine ou en Indonésie. Beaucoup sont biaisés vers ces produits, bien qu'en qualité ils soient presque aussi bons que leurs homologues coûteux. Le plateau supérieur est en épicéa, le manche et les éclisses sont en acajou. Vingt frettes incrustées, réalisées sous forme de points, sont situées sur une doublure en palissandre.
Le boîtier est recouvert d'un vernis brillant qui brille même au crépuscule. Pour qu'une guitare acoustique conserve longtemps son aspect commercial, il est nécessaire de la polir régulièrement. Les utilisateurs louent le jeu de cordes signature D'Addario, ils notent également un bon accordeur qui convient aux musiciens débutants et expérimentés. Le CD-60SCE est équipé d'un préampli dynamique actif et d'un micro piézo Fishman. Les inconvénients comprennent la fixation peu pratique de la guitare sur la ceinture.