L'artisanat(du lat. déco - décorer) - une large section d'art qui couvre diverses branches d'activité créative visant à créer des produits d'art avec des fonctions utilitaires et artistiques. Le terme collectif unit conditionnellement deux grands types d'arts : décoratifs et appliqués. Contrairement aux œuvres d'art, destinées à la jouissance esthétique et appartenant à l'art pur, de nombreuses manifestations d'art et d'artisanat peuvent avoir une utilité pratique dans Vie courante.

Les œuvres d'art et d'artisanat répondent à plusieurs caractéristiques : elles ont une qualité esthétique ; conçu pour un effet artistique; servir pour la décoration de la vie quotidienne et de l'intérieur. Ces œuvres sont : les vêtements, les tissus vestimentaires et décoratifs, les tapis, les meubles, le verre d'art, la porcelaine, la faïence, les bijoux et autres produits d'art. Dans la littérature académique, depuis la seconde moitié du XIXe siècle, la classification des branches des arts et métiers par matière(métal, céramique, textile, bois), selon la technique d'exécution(sculpture, peinture, broderie, impression, moulage, gaufrage, intarsia (peintures de différents types de bois), etc.) et par des signes fonctionnels d'utilisation de l'objet(meubles, vaisselle, jouets). Cette classification est due au rôle important du principe constructif-technologique dans les arts et l'artisanat et à son lien direct avec la production.

Types d'art et d'artisanat

Tapisserie -(fr. gobelins), ou alors treillis, - l'un des types d'artisanat, un tapis mural unilatéral non pelucheux avec un tracé ou une composition ornementale, tissé à la main avec un tissage croisé de fils. Le tisserand passe le fil de trame à travers la chaîne, créant à la fois l'image et le tissu lui-même. Dans le dictionnaire encyclopédique de Brockhaus et Efron, la tapisserie est définie comme "un tapis tissé Fait main, sur lequel une image et un carton spécialement préparé d'un artiste plus ou moins connu sont reproduits avec de la laine multicolore et en partie de la soie.

BATIK - peint à la main sur tissu à l'aide de compositions de réserve.

Sur le tissu - soie, coton, laine, synthétiques - la peinture correspondant au tissu est appliquée. Pour obtenir des limites claires à la jonction des peintures, un fixateur spécial est utilisé, appelé réserve (composition de réserve à base de paraffine, d'essence, à base d'eau - selon la technique choisie, le tissu et les peintures).

La peinture batik est connue depuis longtemps parmi les peuples d'Indonésie, d'Inde, etc. En Europe - depuis le XXe siècle.

IMPRIMER -(farce) - un type d'art et d'artisanat; obtenir un motif, des dessins monochromes et en couleur sur le tissu à la main en utilisant des formes avec un motif en relief, ainsi qu'un tissu avec un motif (tissu imprimé) obtenu par cette méthode.

Les formes pour le talon sont en bois sculpté (manières) ou en composition (plaques de cuivre de composition avec goujons), dans lesquelles le motif est tapé à partir de plaques de cuivre ou de fil. Lors du rembourrage, une forme recouverte de peinture est appliquée sur le tissu et frappée dessus avec un marteau spécial (maillet) (d'où le nom de «talon», «rembourrage»). Pour les motifs multicolores, le nombre de plaques d'impression doit correspondre au nombre de couleurs.

La fabrication d'un talon est l'un des anciens types d'arts et d'artisanats populaires, que l'on retrouve chez de nombreux peuples: Asie occidentale et centrale, Inde, Iran, Europe et autres.

L'impression est inefficace et presque entièrement remplacée par l'impression d'un motif sur du tissu sur des machines d'impression. Il n'est utilisé que dans certains travaux manuels, ainsi que pour reproduire de grands motifs dont la partie répétitive ne peut pas tenir sur les arbres des machines à imprimer, et pour colorer des pièces (rideaux, nappes). Les motifs caractéristiques du rembourrage folklorique sont utilisés pour créer des tissus décoratifs modernes.

PERLER - type d'art et d'artisanat, travaux d'aiguille; la création de bijoux, de produits artistiques à partir de perles, dans lesquels, contrairement à d'autres techniques où il est utilisé (tissage avec des perles, tricot avec des perles, tissage à partir de fil avec des perles - le soi-disant tissage de perles, mosaïque de perles et broderie de perles), perles ne sont pas seulement un élément décoratif, mais aussi un élément constructif et technologique. Tous les autres types de travaux d'aiguille et de DPI (mosaïque, tricot, tissage, broderie, tissage au fil) sont possibles sans perles, mais ils perdront une partie de leurs possibilités décoratives, et le perlage cessera d'exister. Cela est dû au fait que la technologie du perlage est originale.

BRODERIE - art de la couture bien connu et répandu pour décorer toutes sortes de tissus et de matériaux avec une grande variété de motifs, des plus rugueux et des plus denses, tels que le tissu, la toile, le cuir, aux tissus les plus fins - batiste, mousseline, gaz, tulle, etc. Outils et matériel pour la broderie : aiguilles, fils, cerceaux, ciseaux.

TRICOT - le processus de fabrication d'un tissu ou de produits (généralement des vêtements) à partir de fils continus en les pliant en boucles et en reliant les boucles les unes aux autres à l'aide d'outils simples manuellement (crochet, aiguilles à tricoter, aiguille, fourchette) ou sur une machine spéciale (mécanique tricot). Le tricot, en tant que technique, fait référence aux types de tissage.

Crocheter

tricot

MACROME -(fr. Macramé, de l'arabe - tresse, frange, dentelle ou du turc. - foulard ou serviette à franges) - technique de tissage nodulaire.

DENTELLE - production de tissu maillé à partir de motifs de fils tissés (lin, papier, laine et soie). Il y a des dentelles cousues à l'aiguille, tissées au fuseau, au crochet, au tambour et à la machine.

TISSAGE DE TAPIS – la fabrication de textiles artistiques, généralement avec des motifs multicolores, qui servent principalement à décorer et à isoler les pièces et à assurer le silence. Les caractéristiques artistiques du tapis sont déterminées par la texture du tissu (velours, non pelucheux, feutré), la nature de la matière (laine, soie, lin, coton, feutre), la qualité des teintures (naturelles dans l'antiquité et Moyen Âge, chimique de la seconde moitié du XIXe siècle), format, rapport des bordures et du champ central du tapis, ensemble ornemental et composition des motifs, palette de couleurs.

QUILLING - Roulage de papier(aussi quilling quilling anglais - du mot quill (plume d'oiseau)) - l'art de faire des compositions plates ou volumineuses à partir de longues et étroites bandes de papier tordues en spirales.

Les spirales finies reçoivent une forme différente et ainsi des éléments de quilling, également appelés modules, sont obtenus. Déjà, ils sont le matériau "de construction" dans la création d'œuvres - peintures, cartes postales, albums, cadres photo, figurines diverses, montres, bijoux, épingles à cheveux, etc. L'art du quilling est venu en Russie de Corée, mais s'est également développé dans un certain nombre de pays européens.

Cette technique ne nécessite pas de coûts matériels importants pour démarrer son développement. Cependant, le laminage du papier ne peut pas être qualifié de simple, car pour obtenir un résultat décent, il est nécessaire de faire preuve de patience, de persévérance, de dextérité, de précision et, bien sûr, de développer les compétences de torsion de modules de haute qualité.

SCRAPBOOKING -(Scrapbooking anglais, du scrapbooking anglais : scrap - clipping, book - book, lit. "book of scraps") - un type d'art artisanal, qui consiste en la fabrication et la conception d'albums photo familiaux ou personnels.

Ce type de créativité est un moyen de stocker l'histoire personnelle et familiale sous forme de photographies, de coupures de journaux, de dessins, d'enregistrements et d'autres souvenirs, en utilisant une manière particulière de préserver et de communiquer des histoires individuelles en utilisant des techniques visuelles et tactiles spéciales au lieu de l'histoire habituelle. . L'idée principale du scrapbooking est de conserver longtemps les photos et autres souvenirs de tous les événements pour les générations futures.

CÉRAMIQUE -(grec ancien κέραμος - argile) - produits fabriqués à partir de matériaux inorganiques (par exemple, l'argile) et leurs mélanges avec des additifs minéraux, fabriqués sous l'influence d'une température élevée, suivi d'un refroidissement.

Au sens étroit, le mot céramique fait référence à l'argile qui a été cuite.

La poterie la plus ancienne était utilisée comme poterie faite d'argile ou de ses mélanges avec d'autres matériaux. À l'heure actuelle, la céramique est utilisée comme matériau dans l'industrie (ingénierie, instrumentation, industrie aéronautique, etc.), la construction, l'art, et est largement utilisée en médecine et en science. Au XXe siècle, de nouveaux matériaux céramiques ont été créés pour être utilisés dans l'industrie des semi-conducteurs et dans d'autres domaines.

MOSAIQUE -(fr. mosaïque, italien mosaïque de lat. (opus) musivum - (travail) consacré àmuses) - art décoratif, appliqué et monumental de divers genres, dont les œuvres impliquent la formation d'une image en disposant, tapant et fixant sur la surface (généralement sur un plan) des pierres multicolores, du smalt, des carreaux de céramique et d'autres matériaux.

BIJOUX D'ART - est un terme qui désigne le résultat et le processus de créativité des artistes joailliers, ainsi que l'ensemble des objets et œuvres de joaillerie créés par eux, destinés principalement à la parure personnelle des personnes, et fabriqués à partir de matériaux précieux, tels que les métaux précieux et pierres précieuses. Pour qu'un bijou ou un objet soit sans équivoque qualifié de joaillier, ce bijou doit remplir trois conditions : au moins une matière précieuse doit être utilisée dans ce bijou, ce bijou doit avoir une valeur artistique, et il doit être unique - c'est-à-dire qu'il ne doit pas être reproduit par l'artiste-bijoutier qui le fabrique.

Dans le jargon professionnel des bijoutiers, ainsi que des étudiants et des étudiants des établissements d'enseignement de la spécialité "bijoux", la version argotique du mot "bijoutier" est souvent utilisée.

Bien que l'on pense que le concept de "bijoux" inclut tous les bijoux fabriqués à partir de matériaux précieux, et que le concept de "bijoux" inclut les bijoux fabriqués à partir de matériaux non précieux, mais, comme nous pouvons le voir, à l'heure actuelle, la différence entre les bijoux et les costumes la joaillerie devient quelque peu floue, et l'appréciation de l'opportunité de classer un produit donné en bijouterie ou en bijouterie fantaisie est à chaque fois prise par des experts individuellement dans chaque cas spécifique.

LAQUE MINIATURE - La peinture miniature sur de petits objets : boîtes, coffrets, boîtes à poudre, etc. est une sorte d'artisanat d'art et d'art populaire. Une telle peinture est appelée laque car les vernis colorés et transparents servent non seulement de matériaux de peinture à part entière, mais également de moyen d'expression artistique le plus important de l'œuvre. Ils ajoutent de la profondeur et de la force aux peintures et en même temps les adoucissent, les unissent, comme s'ils fondaient l'image dans la chair même du produit.

Le berceau des vernis artistiques sont les pays d'Extrême-Orient et d'Asie du Sud-Est : Chine, Japon, Corée, Vietnam, Laos, où ils sont connus depuis l'Antiquité. En Chine, par exemple, au 2e millénaire av. e. la sève de l'arbre à laque servait à recouvrir les coupes, les coffrets, les vases. Puis est née la peinture sur laque, qui a atteint le plus haut niveau en Orient.

Ce type d'art est venu en Europe de l'Inde, de l'Iran, des pays d'Asie centrale, où aux XV-XVII siècles. la miniature en laque, exécutée avec des peintures à la détrempe sur des objets en papier mâché, était populaire. Les artisans européens ont considérablement simplifié la technologie et ont commencé à utiliser des peintures à l'huile et des vernis.

Les vernis artistiques sont connus en Russie depuis 1798, lorsque le marchand P.I. Korobov a construit une petite usine de laque en papier mâché dans le village de Danilkovo près de Moscou (plus tard, il a fusionné avec le village voisin de Fedoskin). Sous ses successeurs, les Lukutins, les maîtres russes ont développé des méthodes uniques de peinture Fedoskino. Ils n'ont pas été perdus à ce jour.

 Miniature de Palek - artisanat folklorique qui s'est développé dans le village de Palekh, région d'Ivanovo. La miniature en laque est exécutée à la détrempe sur du papier mâché. Les coffrets, coffrets, capsules, broches, panneaux, cendriers, pinces à cravate, étuis à aiguilles, etc. sont généralement peints.

 Miniature Fedoskino - un type de peinture miniature russe traditionnelle en laque avec des peintures à l'huile sur papier mâché, développée à la fin du XVIIIe siècle dans le village de Fedoskino près de Moscou.

 Miniature de Kholuy - artisanat folklorique qui s'est développé dans le village de Kholui, région d'Ivanovo. La miniature en laque est exécutée à la détrempe sur du papier mâché. Les cercueils, capsules, étuis à aiguilles, etc. sont généralement peints.

Établissement d'enseignement budgétaire municipal

éducation supplémentaire pour les enfants

"Centre Boksitogorsk pour l'éducation complémentaire des enfants"

Développement méthodique

Gladysheva N.V., professeur d'enseignement complémentaire

Pikalevo

Table des matières

Introduction

Ce manuel révèle l'histoire de l'art populaire russe.

Objectif de ce guide :

Se familiariser avec l'histoire de l'artisanat populaire russe.

Familiariser les enfants avec les traditions et la vision du monde de leurs ancêtres.

Faire prendre conscience d'un lien personnel avec les racines de leur terre.

Les œuvres d'art et d'artisanat répondent à plusieurs exigences : elles ont une qualité esthétique ; conçu pour un effet artistique; servir pour la décoration de la vie quotidienne et de l'intérieur. Ces œuvres sont : les vêtements, les tissus vestimentaires et décoratifs, les tapis, les meubles, le verre d'art, la porcelaine, la faïence, les bijoux et autres produits d'art. Dans la littérature scientifique de la seconde moitié du XIXe siècle, la classification des branches des arts décoratifs et appliqués est établie selon le matériau (métal, céramique, textile, bois) ou la technique d'exécution (sculpture, peinture, broderie, impression). , moulage, gaufrage, intarsia, etc.) . Cette classification est due au rôle important du principe constructif-technologique dans les arts et l'artisanat et à son lien direct avec la production. Le concept d'« artisanat d'art » est assez large et multiforme. C'est un art paysan unique, enraciné dans l'épaisseur des siècles ; et ses "adeptes" modernes - l'artisanat d'art traditionnel, reliés par un concept commun - l'art populaire ; et classiques - monuments du monde art décoratif, qui sont universellement reconnus et conservent la valeur d'un standard élevé ; et l'artisanat moderne dans un large éventail de ses manifestations : des petites formes de chambre aux formes significatives à grande échelle, des objets uniques aux ensembles multi-objets qui entrent en synthèse avec d'autres objets, l'environnement architectural et spatial, et d'autres types d'arts plastiques.

L'étude des œuvres d'art et d'artisanat, de leurs caractéristiques artistiques permet d'éduquer :

attitude prudente envers les choses;

le respect du patrimoine national et de la culture nationale ;

le respect du travail créatif des personnes ;

élève le niveau culturel.

Pour la formation de la vision du monde des adolescents, il est particulièrement important de se familiariser avec l'art populaire et paysan, qui préserve et transmet le plus pleinement aux nouvelles générations les traditions nationales, les formes d'attitude esthétique envers le monde développées par le peuple.

En se familiarisant avec les traditions folkloriques, les enfants réalisent un lien personnel avec les racines de leur terre natale. L'art populaire a toujours été principalement domestique. Et pour étudier ses techniques, ses traditions, sa structure artistique particulière, il faut certainement travailler avec des choses utiles et nécessaires au quotidien.

Un cycle de cours sur le thème :

"L'art populaire dans les arts décoratifs et appliqués"

Leçons conçues

prof

l'éducation supplémentaire

Gladysheva N.V.

Réalisé

dans l'association "Frivolité".

Thème : « Artisanat d'art populaire. Leurs origines et leur développement moderne.

Cibler: Donner le concept d'artisanat, comme forme particulière d'existence des arts et métiers populaires ; à propos de la céramique - comme l'un des matériaux les plus courants pour les arts décoratifs et appliqués, à propos de la poterie. Le développement de la créativité, de l'imagination.

Matériel et matériel pour le cours :

cartes avec les noms des centres de pêche;

albums: "Gjel", "Khokhloma", "Gorodets";

cartes de la prochaine mots;

vaisselle en céramique;

argile.

Pendant les cours.

Conversation

Pourquoi les arts et l'artisanat sont-ils appelés art populaire ?

Oui, l'art décoratif et appliqué est un art populaire à l'origine : les gens créent des choses, les gens leur trouvent une forme et une expression, les gens préservent la beauté qu'ils ont en eux et nous transmettent toutes leurs réalisations en héritage. Dans les œuvres d'art décoratif et appliqué, nous voyons la sagesse des gens, leur caractère, leur mode de vie. Ils contiennent l'âme des gens, leurs sentiments et leurs idées sur une vie meilleure. C'est pourquoi ils ont une si grande valeur pédagogique. Les archéologues déterminent par les choses époque historique, relations publiques, conditions naturelles et sociales, capacités matérielles et techniques, croyances et traditions populaires, mode de vie, occupations, intérêts et goûts des gens, leur attitude envers l'environnement.

Selon V. Favorsky: "La perception du monde, la connaissance des lois de l'esthétique et l'éducation du goût commencent chez une personne ... à partir de perles de verre autour du cou de la mère. D'une cruche pour l'eau. De plats sur le table à manger."

Quand pensez-vous que les arts et l'artisanat folkloriques ont vu le jour ? Oui, dans les temps anciens, mais au début, ce n'était pas reconnu comme un art. C'est juste que les gens faisaient les choses dont ils avaient besoin dans la vie quotidienne, créant, comme on dit maintenant, un sujet-environnement : la conception traditionnelle d'une maison, un costume, des ustensiles ménagers, des outils et des armes militaires. L'ensemble des travailleurs a créé ce monde objectif, reflétant en lui leur mode de vie social et quotidien, une perception particulière du monde, une idée du bonheur et de la beauté et un caractère national unique.

Un connaisseur du critique d'art V. S. Voronov a bien écrit sur l'art populaire:

« Toute sa richesse formelle a été créée par une répétition constante : la lente accumulation de paraphrases, d'ajouts, d'amendements, de changements… et de variations a conduit à la création de formes fortes et mûres. aléatoire, sans talent et farfelu n'a pas résisté à une vérification collective plus approfondie, est tombé et a disparu.

Derrière chaque chose - qu'il s'agisse d'un rouet sculpté ou d'une serviette brodée, d'une cuillère peinte ou d'une nappe tissée - il y a le talent, le travail et l'unanimité de nombreuses personnes, idéalement - tout un peuple ! Et la beauté vient aussi de cette source. Et bien sûr, de la nature indigène, dont le maître apprend sans relâche. Et elle prend des couleurs, des rythmes et des formes - pour rappeler au moins typiques des louches du nord de la Russie sous la forme d'un oiseau flottant. Le maître reproduisait l'image du monde tel qu'il l'imaginait. Ou une louche - scoop: en regardant, vous pouvez voir la tête d'un cygne. Ci-dessus - un cercle et un losange décorés d'encoches radiales. Et la figure d'un cheval couronne l'ensemble du produit. Pas un cheval paysan, mais un cheval - le feu. Quels concepts le maître a-t-il mis dans le produit ? Quels motifs anciens avez-vous utilisés ? Pourquoi?

(Il a reproduit l'image du monde tel qu'il l'imaginait. Il y avait une idée poétique parmi les gens que pendant la journée les chevaux tiraient le luminaire dans une charrette, et la nuit ils étaient transplantés dans un bateau, qui était traîné le long du métro océan par des cygnes ou des canards.)

Quel autre symbolisme utilisé dans l'art populaire connaissez-vous ?

(Le soleil sous la forme d'une croix, d'un losange ou d'une rosette ; les chevaux et les oiseaux ; les sirènes fermement associées à l'élément eau ; l'Arbre de Vie, symbolisant la croissance éternelle et sans fin des fruits de la terre ; la Terre Mère - Fromage sous la forme d'une femme).

La vie a changé, l'art populaire a changé aussi, laissant place à de nouvelles traditions. Peu à peu, la signification mythologique des symboles anciens a été oubliée, le lien avec les concepts agricoles et les rituels s'est affaibli. A la fin du XIXème siècle. souvent le maître ne savait plus ce que signifiaient certaines images, et pourtant il ne les refusait pas : il couronnait le toit de la case d'un faîte, sculptait des rosaces solaires sur les volets. Peu à peu, les symboles anciens ont acquis un caractère décoratif de plus en plus perceptible, mais quelque chose d'important pour les gens de leur signification d'origine a toujours été préservé, bien qu'il ait acquis un nouveau look. (Lions sur les rebords des fenêtres des cabanes de Nizhny Novgorod).

Sur leur base, un nouvel art décoratif et appliqué, empreint d'une véritable nationalité, s'est créé. Il existe aujourd'hui sous 2 formes. D'une part, l'art traditionnel du village est toujours vivant, associé au mode de vie unique de tel ou tel peuple, aux particularités de la nature environnante.

D'autre part, l'artisanat d'art populaire se développe, dont beaucoup ont une riche histoire. Arts et métiers populaires formulaire spécial l'existence d'arts et d'artisanats populaires.

Comment les industries émergent-elles ?

Les maîtres, vivant dans la même région, exerçant un type d'artisanat artistique, ont commencé à créer des produits non pas pour leurs propres besoins, mais pour le marché, ont commencé à s'unir pour faciliter le travail.

Ainsi, l'artisanat populaire est né.

En Russie, après la réforme de 1861, de nombreux métiers acquièrent le caractère d'ateliers privés travaillant pour le marché panrusse. Ils ont dû concurrencer les grandes usines capitalistes, ce qui a entravé le développement fructueux de l'art populaire. La technique du métier devenait de plus en plus virtuose, car il fallait travailler vite et économiquement. Par exemple, chaque tour rapide de pinceau de l'artiste Zhostovo, porté presque à l'automatisme, donnait naissance à un pétale, voire à une fleur entière dans un bouquet qui ornait le plateau. La division du travail en opérations de plus en plus petites, la volonté de simplifier et d'uniformiser au maximum le processus de fabrication d'un produit (c'est moins cher ainsi) ont entraîné une diminution de la qualité artistique des produits, le déplacement progressif de la créativité vers l'artisanat . La rupture avec la vision du monde traditionnelle a entraîné une perte de goût - l'imitation des pires modèles urbains a commencé. Dans ces conditions, de nombreux métiers tombent en décadence, d'autres adoptent un style commercial étranger à la conception populaire de la beauté, perdant la face.

La créativité des artisans populaires a reçu un soutien en 1919, lorsque le Comité exécutif central panrusse a adopté une résolution "Sur les mesures visant à promouvoir l'industrie artisanale". Dans les années 40-50 d'après-guerre, beaucoup a été fait pour assurer que l'art original vive et se développe. L'artisanat d'art délabré a été relancé: la sculpture de Bogorodsk (des cartes avec les noms des centres d'artisanat folklorique sont attachées sur un tableau magnétique) et la peinture de Khokhloma sur bois, le tissage de dentelle Vologda et Yelets, Dymkovo, Gorodets, Sergiev Posad se sont déclarés à nouveau. À quel art populaire ces noms vous rappellent-ils ! .

Essentiellement de nouveaux métiers d'art ont été créés, tels que l'os sculpté de Tobolsk, l'émail de Rostov, le niello de Veliky Ustyug, la miniature en laque basée sur des peintres d'icônes. Avec l'aide de scientifiques, de nouveaux types de produits ont été développés, des travaux auxiliaires, préparatoires et autres ont été mécanisés (Pavlov Posad). Aujourd'hui, l'artisanat populaire existe sous 2 formes. Le premier d'entre eux peut être appelé libre-échange. Un exemple intéressant d'un métier né spontanément à l'époque soviétique est l'art de p. Polkhov - Maidan dans la région de Gorky (Nizhny Novgorod), où depuis plusieurs décennies, ils fabriquent des "cadeaux" ciselés et peints avec des couleurs vives, comme les appellent les artisans eux-mêmes. Ce sont des poupées gigognes, des fournitures, des salières, des champignons tirelire, des jouets pour enfants, etc. En hiver, littéralement tout le village et le village voisin de Krutets se transforment en un immense atelier. Ici, les traditions se transmettent "de main en main", de père - tourneur en fils, de mère - teinturière en filles.

Une autre forme est l'art et l'artisanat populaires organisés, qui comprennent la plupart de nos centres d'art populaire de renommée mondiale. Par exemple, l'usine de peinture décorative de Zhostovo, l'association de dentelle Snezhinka à Vologda, deux entreprises de Khokhloma, l'association de production de Gjel, des centres de miniatures en laque ... Ce sont des entreprises solides où la mécanisation des travaux auxiliaires a été réalisée, il existe des écoles professionnelles qui former de jeunes artisans talentueux.

Les produits de l'artisanat d'art populaire traditionnel sont notre fierté nationale, ils sont largement connus à l'étranger et sont en demande dans notre pays.

La principale condition pour la poursuite de l'épanouissement des anciens métiers d'art et l'émergence de nouveaux est l'art populaire de masse dans les villages.

Dans un passé très lointain, lorsque le feu s'est éteint dans la grotte et que nos ancêtres, qui ont retrouvé le feu, ont commencé à mettre le feu à des herbes et des branches sèches à un autre endroit, ils ont accidentellement remarqué que la terre sur l'ancien feu était devenue dure , comme une pierre, et les mottes de terre restant sur les rhizomes calcinés durcirent aussi et se transformèrent en cailloux. Ainsi, la propriété de l'argile à durcir au feu, à se transformer en un matériau semblable à la pierre, est devenue connue. Ensuite, l'homme a commencé à sculpter de l'argile et à brûler les récipients les plus simples. C'est ainsi que les historiens et les historiens de l'art expliquent l'apparition du premier matériau artificiel - la céramique (au tableau, il est écrit "Céramique"), qui à notre époque est le matériau le plus courant pour les arts décoratifs et appliqués.

"Céramique", céramique du mot grec "keramos" - argile, le nom de la banlieue d'Athènes, où vivaient les potiers, a commencé à être appelé le même mot pour tous les produits en terre cuite.

Ce sont des produits fabriqués à partir de n'importe quel matériau argileux et argileux, cuits jusqu'à ce que les tessons soient complètement frittés (à une température supérieure à 1000 °).

Les produits céramiques en argile colorée, recouverts d'une glaçure vitreuse colorée opaque, l'émail, sont appelés majoliques. Le mot "majolica" (affichage de la carte) vient du nom de l'île espagnole de Majorque, où l'une des anciennes productions de majolique a été lancée.

La faïence comprend toutes les céramiques de parement recouvertes d'émaux. Un tel carreau de céramique de parement s'appelle un carreau (montrant une carte avec le mot suivant). Les tuiles sont utilisées depuis les Xe-XIIe siècles. dans. à Kievan Rus. Au XVIe siècle, les poêles des chambres royales et des chambres des boyards étaient revêtus de tuiles "rouges" (faites d'argile rouge). Ensuite, les modestes "rouges" ont été remplacés par des carreaux en relief recouverts de glaçure verte - les soi-disant "anted".

L'apogée des carreaux russes - la seconde moitié du XVIIe siècle, lorsque la glaçure est apparue en 5 couleurs - jaune, blanc, bleu, vert, marron. Parmi ceux-ci, divers fruits, oiseaux, lions, cavaliers, etc. étaient représentés.

Près de Moscou, dans le monastère, un atelier est apparu sous la direction de Pyotr Ivanovich Zaborsky, un maître biélorusse, "toutes sortes de trucs artisanaux d'un prospecteur équitable". Ils ont commencé à fabriquer des colonnes, des corniches, des cadres de fenêtres, des portails de portes. Puis ils ont commencé à travailler à l'Armurerie. (Le maître St. Ivanov, surnommé Polubes, s'est distingué).

Au XVIIIe siècle. les carreaux n'étaient utilisés que pour la décoration intérieure de la maison - des poêles élégants à colonnes. Ces carreaux sont lisses, sans relief, avec peinture. Avant que milieu XIXe Pendant des siècles, de nombreuses usines ont produit des tuiles peintes, mais ensuite, avec l'avènement du chauffage à la vapeur et à l'eau dans les villes, le poêle est devenu inutile et la production de tuiles a progressivement cessé.

Dans la construction moderne, la céramique de parement trouve toujours l'application la plus large.

La poterie est aussi appelée poterie.

Les premiers bols, plats, cruches en argile étaient grossiers et primitifs. Peu à peu, leur forme se complexifie, devient élégante, et une simple poterie se transforme en art.

Avec l'avènement de la main, puis du tour de potier au pied, l'argile pouvait prendre toutes les formes souhaitées.

Selon vous, quel est le moment le plus important dans le processus de préparation des plats ?

Brûlant. Auparavant, ils étaient brûlés dans des feux ordinaires. Puis vinrent les fours à poterie. Le four à poterie moderne a été inventé au XIXe siècle.

Les produits noirs dits tachés sont intéressants. Ils ont été brûlés sur une flamme fumeuse, ce qui les a rendus noirs. Ils ont été polis avant cuisson. Les kumgans polis en noir, de hautes cruches avec un bec long, fin et incurvé, se distinguaient par une sophistication particulière.

Ils ont également fait des plats de fourmis, c'est-à-dire quel genre? - émaillé, mais pas seulement vert, comme les carreaux, mais aussi marron, jaune

Presque partout où il y avait des gisements d'argile, ils se livraient à la poterie. Les potiers de la ville de Skopin, région de Riazan, sont célèbres pour leurs grands récipients figurés recouverts de glaçure verte, jaune et brune. Des images d'oiseaux et d'animaux fabuleux et réels ornent cette poterie inhabituelle.

(Une illustration du livre "Folk Art" est montrée)

Sculpture d'argile de votre choix(à partir de pâte à modeler).

Les étapes de travail sur les plats sont démontrées.

Travail indépendant.

Résumé de la leçon.

De quels nouveaux mots et concepts vous souvenez-vous ?

Qu'est-ce que la céramique ? Majolique? Tuile?

Littérature:

B. Nosik "Art populaire" ;

Kosterin "Dessin pédagogique";

A. Rogov "Garde-manger de la joie."

Thème : "L'art de la dentelle"

Cibler: raconter l'histoire du tissage de la dentelle russe, de l'artisanat de la dentelle moderne.

Tâches:

Développer les capacités créatives des enfants, susciter l'intérêt pour le travail artistique.

Equipement et matériel :

croquis de dentelle reliés, crochet;

échantillons de "richelieu", dentelle Vologda;

cartes avec les noms des centres de dentelle.

Pendant les cours.

Les enfants entrent dans le bureau où se tient une exposition de produits en dentelle.

La séance commence par une conversation.

La vraie dentelle est apparue au début du XVe siècle à Venise, pendant la grande Renaissance. Ces dentelles, plus tard appelées guipure, coûtaient un prix fabuleux.

Au XVIe siècle, commence quelque chose dont aucun des arts appliqués ne peut se vanter. De l'Italie à l'Europe, comme une grande peste de dentelle, roulée. Ils étaient portés sous forme de cols et de manchettes, des robes et des capes en étaient cousues, des camisoles pour hommes et des vêtements de prêtres en étaient décorés, ils encadraient des chapeaux, des cuissardes, des gants et toutes sortes de linge, ils étaient rembourrés avec meubles, karels, même les murs des salons et des chambres, et les soldats ont été fabriqués à partir de là sont des bandages luxuriants sur une armure d'acier. Pendant près de 3 siècles, une européenne plus ou moins riche ne pouvait même pas imaginer comment il était possible de vivre sans dentelle. Ils étaient considérés comme la même première, la même nécessité naturelle, comme la nourriture, comme les chaussures ou l'air.

Ils sont devenus fous de dentelle, ont fait faillite, les rois, les cardinaux et les ministres ont discuté des problèmes de dentelle. La dentelle, - comme on dit, a même sauvé la Flandre de la pauvreté.

La dentelle russe a été mentionnée pour la première fois dans la Chronique d'Ipatiev sous 1252, et elle y est appelée dorée. Dans les documents historiques, on trouve des descriptions de dentelles avec de telles épithètes : forgées, tressées, cousues, filées, traînées, enfilées, serties de perles... C'est tellement, donc il y avait des façons de les fabriquer.

Autrefois, la fabrication de la dentelle s'appelait «la conception des femmes» et les dentellières elles-mêmes étaient appelées «cils».

Une autre caractéristique de la dentelle russe: jusqu'au siècle actuel, elle était divisée en empruntés - pour la noblesse et les siens, folkloriques, non moins communs.

À Vologda au début du siècle dernier, personne ne pouvait penser que leur ville deviendrait bientôt incroyablement célèbre pour la dentelle. Ici, ils seront engagés dans plusieurs dizaines de milliers de personnes.

Cet ancien travail d'aiguille était courant dans de nombreux endroits, mais ici le motif était particulièrement lisse et mélodieux. C'est-à-dire que déjà dans la plus haute antiquité, ils sont allés en ornement à la fois du modèle russe traditionnel et de leurs chansons du nord.

Il était une fois, la bourgeoise de Vologda Anfiya Bryantseva a pris et tissé (montrer) une tresse blanche sur des bobines, a fait les étoiles de fond - des flocons de neige - elle s'est avérée d'une beauté inhabituelle et ne ressemblait à aucune autre.

Avec la main légère de quelqu'un, cette manière s'appelait Vologda, et la bande elle-même -

VILYOUCHKA.

Et la mère et la fille ont décidé de tisser des colliers pour femmes avec de longues extrémités. Cette mode a pris racine, de nombreuses commandes sont passées. Et voici quelques chiffres curieux: en 1880, dans la région de Vologda, il y avait 1 100 dentellières travaillant à vendre, et en 1912, il y avait déjà 9 000 artisanes, l'artisanat a été multiplié par plus de 30 en 30 ans. Et les Bryantsev en étaient l'une des raisons importantes. La mode de la dentelle en Russie a grandi comme une boule de neige et elle a été tissée à partir des meilleurs fils de lin.

Dans la première moitié du XIXe siècle, des usines de dentelle sont apparues avec des artisans qualifiés de serfs, leurs propres centres de fabrication de dentelle: Vologda, Yelets, Mikhailov, Balakhna, Vyatka, Arzamas, Kalyazin, Torzhok.

À Mikhailov, une dentelle étroite et dense a été tissée et est tissée à partir de fils de couleur vive, la couleur rouge y prévalant.

Chez les Yelets également, le motif géométrique le plus courant est plus gaufré et plus dense. Le bord de la dentelle Yelets se termine par des dents ovales douces, entre la bordure et le fond il y a un léger treillis.(Fig.1)

La dentelle de Vologda était de 2 types: dentelle de couplage sans treillis, plus tard le motif a été tissé sur le fond de beaux treillis ajourés, des fils de soie colorés de tons sobres ont été introduits. (fig.2)

À Balakhna, dans la région de Nizhny Novgorod, la dentelle noire et crème était tissée à l'occidentale. La dentelle avait un fond de tulle et un motif dense.

(Montrant des illustrations) Le plus grand centre de dentelle aujourd'hui est l'association de dentelle Snezhinka à la périphérie de Vologda.

Si à Mikhailovo le nombre d'artisanes est d'environ 200, alors à Snezhinka, y compris les travailleuses à domicile, il y en a plus de 8 000. Il y a aussi une école de dentelle à Vologda.

(Des photos du livre "Vologda" sont présentées).

Les enfants lisent les poèmes de P. Sinyavsky.

Vologda est inondé

Neiges blanches.

Blizzard pose de la dentelle

Juste sous vos pieds.

Dispersez des étincelles

couleurs du nord,

motifs de neige

Contes de dentelle.

Les filles sont des beautés

Pris, regardé

Siècle entrelacé

Blizzards exprimés

Et les filles dessinent

Images blanches.

La dentelle est tissée

Toiles d'araignées plus fines.

Apprenons-en plus -

Les copines huent, -

La dentelle se révélera

Mieux qu'un blizzard.

Dans le froid - froid

Le givre est argenté

Dans la ville de Vologda

Miracle - dentelle.

Toutes les dentellières ont une grâce et une harmonie incompréhensibles. Mais tous ont une variété de lignes et de détails.

N'écoutez que le nom de certains motifs de dentelle, pensez-y !

paons; Feuille de CHENE; navires; Courez, rivière; Tambours; Filet d'argent ; chaussures de raphia; Broches - beignets - villes. Bord tournant - roses, couperets, cornes de mouton. Les araignées. Crêpes. Yeux de corbeau, pattes de poulet, concombres, pavoi après pavoi. Pyshechki, ryzhechki, ryabushka, forêt de pins, roues dures, lâches. Jarrets. Nœuds étroits.

Toute la magie des motifs dans la plasticité et les rythmes - comment raconter leur beauté. La dentelle est à voir absolument. Il faut les regarder !

Malgré les caractéristiques artistiques et les distances, il n'y a pas de différence entre les métiers de la dentelle. Partout des oreillers ronds et serrés pendaient de la coqueluche. Partout le sol sous le tragus est assommé. Toutes les dentellières ont les ongles du pouce et de l'index cassés, il faut arracher des épingles et en mettre des centaines chaque jour. Les bobines tapent constamment et uniformément partout. En général, c'est un travail monotone. Bien que le tintement des fuseaux soit comme le brouhaha d'un moineau quand il sonne, heure, jour, mois et années d'affilée, bien que les dentellières écoutent de la musique et aiment beaucoup chanter. Ils soutiennent que sans chant, la vraie dentelle ne se tisse pas, que les hommes ne pourraient pas supporter ce travail...

Chaque dentellière se transforme en artiste et vit dans cet état de bonheur indescriptible lorsqu'elle produit une beauté inexprimable à partir de fils ordinaires. Elle rend les gens heureux. Fête éternelle. Et demain fera l'affaire. Et toute ma vie !

Travaux pratiques.

Composez un motif de dentelle ou de produits en dentelle. Peut être fait en noir (aquarelle, encre, encre) sur blanc. Vous pouvez utiliser un motif blanc sur un fond coloré (gouache, pinceau).

Résumé de la leçon.

Sujet : "Peinture de Gorodets"

Cibler: Racontez brièvement l'histoire d'origine, le développement de l'artisanat, les caractéristiques de composition et de couleur de la peinture de Gorodets. Apprendre à fabriquer des ornements pour peindre des articles ménagers (planches à découper, vaisselle) à partir de motifs Gorodets.

Équipement, matériel et documentation :

Dossier - un lit pliant avec des éléments de la peinture Gorodets et ses étapes;

Travaux d'étudiants des années précédentes;

cartes de vocabulaire;

Carte avec le nom du centre de pêche des Gorodets ;

A. Baradulin "Fondamentaux de l'artisanat d'art" ;

X. Makhmutov "Peinture sur bois".

Pendant les cours.

Les enfants lisent des poèmes pré-préparés "Gorodets Painted Carriage", 19ème siècle.

Trois chevaux noirs et forts,

Peint et en bois !

Gorodetsky maître sur elle

Il s'est renseigné, travaillant sans relâche.

Et les chauffeurs, - regardez, - debout

Vierges majestueuses et élancées :

A la fois droites et sévères, elles ont l'air

Sur la route, en forêt, dans les cultures.

Incroyable petit wagon.

Ne faites pas de chariot, c'est un rêve,

Il est orné de fleurs, grand,

Et il y a un oiseau peint dessus.

Trois déesses de la terre vierge

Et l'eau, et le grand ciel

Dans le char sont représentés

La promesse de la prospérité et du pain.

Les voici en voiture,

Sur le char divin :

Chevaux - les animaux courent léger,

Et un oiseau bleu foncé s'envole.

Ce poème a été écrit par le professeur de l'Université d'État de Moscou, docteur ès arts, le plus grand spécialiste dans le domaine des arts décoratifs et appliqués Viktor Mikhailovich Vasilenko. Il a été touché, fasciné par ce jouet Gorodets sans prétention. (Figure illustrée).

Les artisans folkloriques de Gorodets sont-ils célèbres uniquement pour les jouets amusants ? Que faisaient-ils avant et maintenant ? Quelle caractéristique, quelle richesse de couleur distingue la peinture de Gorodets ? Vous l'apprendrez aujourd'hui.

L'histoire du professeur :

Kurtsevo, Koskovo, Repino, Savino, Okhlebaikha - ces villages s'étendent le long de l'Uzola, sinueux et clair comme une larme, à 15 - 20 km au-dessus de Gorodets. Les lieux sont très beaux. La rive droite est haute, ravinée, et tous les villages y sont. A proximité des villages de forêts de bouleaux et de pins. Les cases des villages sont belles, hautes, avec de grandes fenêtres, richement sculptées, peintes gaiement.

Mais maintenant il ne s'agit plus de ça.

Rooks, kerbass, chans, butts, barks, belyans, barks, mokshans - tels étaient les noms des navires qui naviguaient autrefois le long de la Volga sous des voiles colorées. Et près de la moitié d'entre eux ont été construits ici, près de Gorodets depuis des temps immémoriaux. De plus, les navires étaient spéciaux, les plus beaux de Russie, parce que les maîtres Gorodets l'avaient: même une pause peu profonde et celle-là, de la proue à la poupe, était recouverte des sculptures les plus riches et les plus profondes. Parfois ils l'ont peint après coup, parfois ils l'ont laissé propre. Ces constructeurs navals ont jeté les bases de l'artisanat Gorodets depuis un siècle.

Ici, à partir du milieu du siècle dernier, ils fabriquaient les seuls fonds tournants incrustés et sculptés. Le quartier était également célèbre pour un autre artisanat, ou plutôt, il était particulièrement célèbre, car ils « faisaient du commerce » ici dans presque tous les villages. Et les choses étaient faites partout aussi, excellentes : planches de pain d'épice, jouets en bois, traîneaux, arcs, balalaïkas, ainsi que poterie et dentelle. Même de vieux livres ont été illustrés ici et copiés manuellement pour les vieux croyants.

Les frères Melnikov d'Okhlebaikha au milieu du siècle dernier ont combiné la sculpture avec de la vraie peinture.

Ils ont commencé à placer sur le fond des rouets non conditionnellement - des images symboliques, comme auparavant, mais des scènes de genre tout à fait vitales: chasseurs, chevaux apprivoisés, épouses en visite. Les figurines étaient marquées d'un contour sculpté, chacune était également peinte, parfois en plusieurs couleurs, et avec de petits ornements. Le fond était généralement pris en jaune vif, et dessus un peu de taches rouges, brunes et même bleues sonores d'oiseaux, de fleurs, de parapluies pour dames. Ils ont travaillé avec seulement quatre couleurs et ont obtenu des effets décoratifs et une harmonie étonnants : le fond des rouets semblait plein, rayonnant de soleil.

Le frère cadet, Anton, a alors complètement abandonné la sculpture et n'a peint que le bas du rouet. Et comment il a peint ! Il y avait des scènes de goûters solennels, des rendez-vous, des promenades, des chevaux flambant neufs, des oiseaux aux couleurs vives. Il y avait un cadre d'images avec des branches de houx et de grandes fleurs, semblables à des roses, parmi lesquelles il y en avait des assez inhabituelles - noires.

La peinture est beaucoup plus rentable, elle se fait plus rapidement, et peu à peu elle remplace la sculpture. Entre les fenêtres avec des images sur chaque fond, des soi-disant treillis sont apparus - des intermédiaires, une bande d'un motif de roses et de tasses. Mais ils ne ressemblaient pas à des roses. C'étaient des fleurs avec des coeurs animés brillants - des cercles.

Kupavki - un dérivé de kupava, (Kupala est selon Dahl) ressemble à ceci: sur une large coupe à pétales ovales se trouve un bourgeon rond, et dessus se trouve une boule à rayures élastiques blanches - des réveils; une fleur s'est avérée être à ressort, elle est sur le point d'éclater, elle va s'ouvrir. Et les fleurs sont parfois écarlates, parfois jaunes, parfois bleues, parfois même noires. Et autour des fleurs se trouvent des feuilles d'éventail vertes - une fougère (montrer les illustrations). Il n'y a pas de fleurs noires vivantes, mais la peinture de Gorodets est largement conditionnelle, comme tout art populaire est conditionnel, ici tout repose, d'abord, sur la couleur, sur ses relations décoratives.

Le maître n'a fait aucun croquis préliminaire au crayon. Il a simplement pris un pinceau, l'a accroché à une chebelashka (ce sont de telles tasses) avec de la peinture à la détrempe et d'un coup il a marqué le cou, de l'autre - le corps du cheval. De même, un oiseau.

Des points noirs disperseront tout sur le tableau, puis rouges, verts. Bien qu'il n'y ait pas de liens entre eux, chaque point se trouve séparément, l'image globale n'est que dans la tête du maître. Imaginez quel flair, quelle expérience et quel coup de main vous avez dû avoir pour ne pas vous égarer.

Lorsque les gros avions se sont asséchés, toutes sortes de détails et d'éléments de connexion ont été introduits. Puis tous les éléments ont été modelés et développés avec la pointe du pinceau : les pétales ont été soulignés de croissants. Les animations ont été placées au-dessus du ton principal au tout dernier tour avec de la peinture blanche (traits, points, etc.)

Trois artistes ont déterminé à la veille de la révolution les principales directions de la peinture de Gorodets. (fig.3)

Brillamment lyrique - Ignatius Andreevich Mazin.

Narratif - philosophique - Fedor Semenovich Krasnoyarov.

Formellement froid - Ignatiy Klementievich Lebedev.

Tous les autres maîtres - Vasily Lebedev, Alexander Sundukov, Yegor Kryukov, Gavrila Polyakov - ont suivi.

Vasily Lebedev aimait le conte de fées sur Ivan Tsarevich et Elena la Belle, les dépeint souvent; les meilleures roses ont été peintes par Alexander Sundukov, Gavrila Polyakov - des batailles militaires à plusieurs figures. Ignatius Mazin, dans sa jeunesse, pouvait représenter n'importe quoi, chaque image - une scène de la vie - portait une sorte de nouvelle humeur, de nouvelles pensées, et toute vie avait ses propres couleurs. Et seules de rares unités pouvaient reproduire le secret de ces fleurs, même chez les artistes. Ignatius Mazin était doué de cette compétence au plus haut degré.

Ignatiy Lebedev était engagé dans le rembourrage, la peinture, le vernissage de traîneaux de voyage, de trantas et de taxis, lisait beaucoup, racontait parfaitement "Ruslan et Lyudmila", une épopée sur Ilya Muromets, se souvenait de beaucoup de poèmes, d'icônes mises à jour.

Fyodor Krasnoyarov construit des compositions comme des iso-récits, sans proportion ni perspective, entasse le tout en multicolore coloré. En 1937, les trois maîtres, ainsi que des maîtres d'autres métiers russes, ont conçu une exposition d'art populaire dans la galerie Tretiakov dans six salles.

De nos jours, les artisans Gorodets, préservant les formes traditionnelles de la peinture Gorodets, créent de nouveaux types de compositions et de motifs qui décorent les tables d'enfants, les chaises hautes, les tabourets, les coffres, les chevaux à bascule, les panneaux décoratifs en forme d'assiettes rectangulaires et d'assiettes rondes.

Les peintures sont faites avec des peintures à la colle. Tout d'abord, un fond coloré est préparé (souvent jaune), les figures principales, bouquets, guirlandes, couronnes sous la forme de grandes taches de couleur, magnifiquement coordonnées dans le ton et la couleur, y sont appliquées, en utilisant hardiment des rouges vifs, des roses, des bleus, des bleus et des verts, voire des lilas et des violets et leurs combinaisons sonores inattendues. Le travail se fait dans cet ordre. Couleurs sonores, combinaisons harmonieuses, bouquets luxuriants, oiseaux fabuleux - tout exprime avec éclat la beauté de la nature et la joie de vivre. (démonstration de produits finis). Faites attention à ces compositions complexes réalisées selon les traditions des maîtres Gorodets.

Aujourd'hui, nous devons également compléter une composition basée sur des motifs Gorodets pour peindre une planche à découper ou un plat. Tout d'abord, entraînez-vous avec un pinceau sur une page séparée de l'album (moitié). Passez ensuite au travail principal.

Travaux pratiques.

En résumé. Mini exposition.

Sujet : "Vêtements de vacances folkloriques"

Cibler: Familiarisation avec les vêtements de fête folkloriques comme moyen d'exprimer les idées de nos ancêtres sur la structure du monde; comme source pour créer des modèles de vêtements modernes; improvisation à partir d'anciens vêtements de fête, réalisation de projets de costumes de fête avec ornements (création modèle moderne basé sur l'antiquité).

Équipement et matériel: papier de couleur, tissu, ciseaux, colle, gouache, feutres.

Conversation

Le vêtement a parcouru un long chemin dans son développement.

Qu'est-ce qui a influencé la formation du costume folklorique russe?

(La formation de la composition, de la coupe, du décor a été influencée par l'environnement géographique, les conditions climatiques, les caractéristiques des traditions culturelles, la nature des coutumes, les processus historiques et sociaux).

russe costume folklorique est avant tout un monument d'art populaire, un élément de la culture matérielle, l'art décoratif du peuple.

Pourquoi?

(Le meilleur dans les traditions de coupe, de décoration, a été transmis de génération en génération. Les vêtements russes dans le passé avaient une grande valeur artistique, étaient fabriqués par les mains de maîtres, richement décorés avec une signification particulière, portaient d'anciennes traditions artistiques) .

Aujourd'hui, vous découvrirez les principaux éléments du costume folklorique, leur signification sémantique, le décor des éléments du costume, vous ferez des travaux pratiques sur la modélisation du costume folklorique russe.

Comment était-ce, un costume folklorique russe ?

Les vêtements de tous les jours étaient simples et modestes, tandis que ceux de fête et de cérémonie étaient riches et habillés.

Pendant de nombreux siècles, les gardiens des traditions nationales en costume étaient principalement des villageois, des agriculteurs, car la noblesse, les marchands, les citadins ont été contraints de s'habiller en costume européen par décret de Pierre Ier.

Vêtements pour femmes surprenez par leur beauté originale et l'abondance d'options, dans chaque province, ils se sont habillés à leur manière. Les scientifiques distinguent 2 complexes: le nord de la Russie et le sud de la Russie. Mais pour tous les états et toutes les classes, pour toutes les provinces, pour les hommes comme pour les femmes, la chemise était la base du costume. Comme d'habitude, les garçons et les filles du village reviennent au 19ème siècle. à certains endroits, jusqu'au mariage même, ils portaient les mêmes chemises, interceptés par une ceinture. Nos ancêtres portent la chemise depuis des temps immémoriaux, et de nombreuses croyances lui sont associées. Par exemple, vous ne pourriez pas vendre votre chemise, sinon vous vendriez votre bonheur en même temps. C'est pourquoi les personnes qui sont prêtes à donner la dernière chemise aux nécessiteux ont été valorisées.

Autrefois, une chemise était cousue à partir d'un seul morceau de tissu du col à l'ourlet, d'où le nom du voleur, mais une telle chemise ne reste alors qu'un mariage ou un enterrement. Plus tard, ils ont commencé à porter une chemise en 2 parties, la partie supérieure - les manches et la partie inférieure - le camp.

En préparant une chemise élégante, les couturières ont montré tout ce dont elles étaient capables. Les manches, les épaules, les cols étaient brodés de fils rouges et l'ourlet était souvent décoré. Dans les chemises spéciales, qui étaient portées avec une ceinture pour tondre ou récolter, l'ourlet entier était presque entièrement recouvert d'un motif brodé ou tissé. Quel est le sens de la broderie ? Que pourraient-ils représenter ? Pourquoi?

(L'idée de la structure du monde; un losange, un méandre, des carrés avec des points, une bande de terre, une croix de feu et une croix crochue sont des pensées sur la vie et le bien).

(Des illustrations du livre "Folk Costume" sont présentées)

Il y avait une élégante pleureuse - une chemise, ou makhavka, à manches très longues et longues, dans laquelle la mariée le jour de son mariage a dit au revoir à ses parents, agitant ses manches, se lamentait ...

L'ensemble pour femmes de Russie du Nord comprend une chemise et une robe d'été.

(Le mot "sarafan" a été trouvé pour la première fois en Russie au XIVe siècle en relation avec les vêtements pour hommes).

Les robes d'été étaient cousues à partir de différents tissus, de différentes coupes et s'appelaient différemment: klinnik, sukman, damassé, dolnik, lyamoshnik, inflate, moskovich, etc.)

Un tablier était porté par-dessus la robe d'été, élément indispensable du costume. Ils ont des noms différents : binges, chasuble, tablier.

Sur une robe d'été et un tablier, ils ont mis un chauffe-douche, froncé en plis sur le dos. Il a également des noms différents: avec manches - epanechka, sur bretelles - court, court, plume.

En automne et en hiver, des avirons shugai (comme une veste) avec une bordure en fourrure étaient portés par-dessus.

Le costume sud-russe est sensiblement différent - il est plus brillant et plus coloré. Trois panneaux cousus sont placés sur la chemise avec un cordon enfilé à travers le haut - un amortisseur (gasnik). Ils sont enroulés autour des hanches et attachés à la taille, les sols ne convergent pas, une chemise est visible dans l'espace, qui a été tirée jusqu'aux genoux, et un grand tour s'est formé sur la ceinture.

Il est impossible d'imaginer un costume folklorique russe sans ceinture. La ceinture, comme la croix, était donnée au baptême; marcher sans elle était considéré comme indécent, surtout prier Dieu. Il était impossible de dormir sans lui. Déceinturer un homme signifiait le déshonorer. Les ceintures étaient tressées, tissées, avec un ornement spécial, parfois avec une inscription. La ceinture était nouée sous la poitrine ou sous le ventre. Si la robe d'été était cousue à partir de tissus coûteux, la ceinture était nouée en dessous sur la chemise.

Il portait une grande charge sémantique (le rôle d'un talisman).

Une variété de ceintures sont connues: tissées, tricotées, en osier. Large - pour les vêtements d'extérieur, plus étroit - pour la femme de chambre, festive et quotidienne.

Enfin, une coiffe, sans laquelle le costume folklorique russe est impensable.

lim. Selon l'ancienne coutume, une femme mariée n'apparaissait pas en public avec un simple cheveu - cela était considéré comme un grand péché. Les filles ne pouvaient pas couvrir leurs cheveux. D'où la différence des robes : pour une femme mariée, c'est un bonnet sourd, (Fig. 4) pour une fille - un pansement, (Fig. 5) laissant le haut de sa tête découvert. Les bandeaux de la fille avaient une forme rectangulaire et étaient attachés sur la tête avec des rubans et des rubans. Il y avait des robes de fille en forme de couronne ou de cerceau. Lors de la cérémonie de mariage, la mariée a été mise sur une couronne - un bord serré avec une tresse et une couronne ajourée. La base de toutes les variétés de coiffes du sud de la Russie était la kichka - une partie frontale dure portée directement sur la tête, elle avait généralement les soi-disant cornes (kichka à cornes). Au-dessus de la kichka, ils ont mis une couverture brodée d'or et de perles - une pie, l'arrière de la tête était recouvert d'une bande droite de tissu - l'arrière de la tête. Autour de ces trois éléments, une coiffe multicouche complexe a été créée. Parfois, il comprenait jusqu'à 12 pièces et pesait jusqu'à 7 kg. Décoré de peluches, plumes, rubans, paillettes, boutons. Les coiffes des femmes des provinces du nord, qui portaient le nom commun de kokoshnik, différaient de celles du sud. Ils étaient souvent décorés de nacre et de perles d'eau douce, de perles blanches, de papier d'aluminium, de perles de verre. Les formes étaient variées. La coiffe - "lentille d'eau" ne couvrait qu'une touffe de cheveux, mais son bas perlé ou perlé et sa nuque - le reste de la tête. Kokoshnik (de l'ancien "kokosh" - poulet) a la forme d'un bonnet, avec des lobes couvrant les oreilles.

Les décorations inhabituelles sous forme de cônes ont un kika (affichage d'illustration).

Shamshura (samshura) avait la forme d'un bonnet à fond dur arrondi et était porté dans la plupart des provinces du nord avec des foulards richement brodés.

À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, les kokoshniks et les shamshuri ont été remplacés par des guerriers et des collections plus simples.

Diverses parures jouaient un rôle important dans les costumes des filles et des femmes: boucles d'oreilles, gaitans, pendentifs au dos et à la taille, "langues" et "seins" pectoraux.

Pour le nord de la Russie, les colliers de type collier ou de type collier en perles et perles blanches sont typiques.

Les filles ont tressé une variété de "kosniks"

Ainsi, vêtue de sa tenue festive à plusieurs niveaux, la femme russe était une image de tout l'univers, tel que les gens l'imaginaient alors. Elle avait l'air majestueuse, représentative, solennelle.

Les vêtements pour hommes étaient plus du même type dans toute la Russie et ne différaient pas par une telle couleur que ceux des femmes.

La composition du costume pour hommes comprenait partout une chemise, des ports (pantalons), une ceinture, des chaussures et une coiffe. La chemise était le plus souvent avec une coupe oblique du col et un soufflet. Les pantalons pour hommes - les ports - les chambars étaient cousus à partir de tissu rayé ou de talon, de tissu blanc ou de tissu fait maison. Très rarement elles étaient décorées (illustration).

Les coiffures des paysans russes sont extrêmement diverses, mais les principales

Il y avait deux types de chapeaux feutrés en laine blanche, grise ou brune - avec une couronne et un petit bord et des bonnets de bottes en feutre sans bord.

Les chapeaux de mariage étaient richement décorés (illustration).

Bientôt, les chapeaux ont été remplacés par une casquette en cuir et en tissu.

Les vêtements d'extérieur étaient uniformes pour les hommes et les femmes. Au printemps et à l'automne, les plus courants étaient les caftans, les zipuns, les armyaks, les azyams, les cortèges, de coupes différentes, mais tous avec une odeur profonde ou un fermoir sur le côté gauche. En hiver, des manteaux en peau de mouton, des manteaux en peau de mouton, des manteaux de fourrure courts étaient utilisés comme vêtements d'extérieur.

Quelconque costume de paysan nécessairement complété par des chaussures, de l'osier ou du cuir. Tout comme les vêtements d'extérieur, les chaussures étaient presque les mêmes pour les hommes et les femmes et ne différaient que par la taille et la décoration.

Parmi les chaussures de liber, les chaussures de liber d'orme étaient considérées comme festives, qui, après la cuisson à la vapeur, ont acquis une couleur rouge. Les chaussures de liber étaient portées sur des onuch (bandes de tissu enroulées autour de la jambe), généralement blanches. Les onuchi étaient fixés sur la jambe avec des cordes blanches ou noires - jusqu'à 4 m de long.Les chaussures en cuir étaient largement utilisées: bottes, bottines, chaussures et

chats femelles avec une bordure rouge sur des talons hauts - quelque chose comme des chaussures, mais plus spacieuses, car elles étaient portées sur des bas épais tricotés, unis, rayés ou à motifs (avec une faute de frappe - un motif sur le dessus). Les hommes portaient également les mêmes bas. En hiver, ils portaient des chaussures roulées ou feutrées. La beauté et l'utilité n'ont jamais divergé du sens dans l'art populaire. Et sur des chemises, des robes d'été, des ponev et des tabliers, des femmes aux mains levées, l'arbre de vie qui ne se fane pas, des losanges solaires avec des croix, des rayures, des méandres, des croix étaient représentés. Ils ont exprimé l'idée de la fertilité de la mère - la terre, si proche de l'âme du paysan; idée de bonté, de prospérité. Fond perlé, les rubans ressemblent à des filets de pluie. Les noms des coiffes - pie, coq, kokoshnik (kokosh) rappellent les oiseaux. L'ensemble du costume en couches est l'idée de l'univers.

Le paysan russe était souvent analphabète. Il ne s'est pas séparé de la nature, de l'histoire, de l'expérience spirituelle et de la culture agricole la plus ancienne - tout cela se reflétait dans le costume.

Malheureusement, aujourd'hui, nous pouvons voir le costume folklorique dans les musées, les expositions, les festivals folkloriques, les reproductions. Il a quitté la vie comme beaucoup de belles traditions. Mais rappelez-vous, nous devons au moins avoir une idée de l'antiquité. Ils doivent connaître l'histoire de leurs ancêtres, respecter leurs traditions culturelles, car, comme l'a dit A. S. Pouchkine.

"Le respect du passé est la ligne qui sépare la civilisation de la sauvagerie."

Il est gratifiant que dans certaines régions du pays, il existe des complexes de vêtements folkloriques, qui sont soigneusement stockés et mis pour un mariage, pour des festivités festives.

Les créateurs de mode se tournent souvent vers le costume folklorique, créant des échantillons de vêtements modernes.

2. Travaux pratiques.

Imaginons que nous sommes des créateurs de mode. Nous travaillerons en groupes. Chaque groupe reçoit sa propre poupée en carton, vous avez du papier de couleur. Un groupe "s'habille" dans le style nord-russe, le deuxième groupe - dans le sud russe, le 3ème - en costume d'homme, le reste des groupes dessine un croquis d'un modèle moderne associé à l'antiquité.

3. Résumé.

Littérature:

Album "Costume folklorique russe" ;

A. Lebedev "costume folklorique russe";

V. Konova. "Tenue d'une paysanne russe"

ANNEXE

Riz. 1 (dentelle d'Elets)

Fig.2 (dentelle de Vologda)

Fig. 3 (Peinture de Gorodets)

Fig. 4 (paysanne mariée)

Fig. 5 (paysanne)

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Arts décoratifs et appliqués - artisanat populaire

L'art de l'artisanat populaire nous apparaît comme un complexe, riche en possibilités décoratives, riche en contenu idéologique et figuratif, un phénomène de la culture moderne. Dans de nombreuses régions de notre pays, les arts et métiers folkloriques traditionnels et les arts et métiers folkloriques, basés sur le travail manuel et provenant des grands-pères et des arrière-grands-pères, ont été préservés. L'origine de l'artisanat populaire est différente. Certains trouvent leur origine dans l'art ménager paysan, associé à l'agriculture de subsistance et à la fabrication d'objets ménagers élégants de tous les jours, quotidiens et festifs pour eux-mêmes et leurs familles. Ainsi, par exemple, le tissage à motifs à la main, la broderie, qui appartenaient aux paysannes depuis l'enfance, fabriquant des vêtements, des serviettes, des comptoirs, etc., est devenu la base de nombreux métiers de tissage et de broderie originaux qui se sont formés plus tard. D'autres artisanats sont issus de l'artisanat villageois. Par exemple, de nombreux types de poterie, de menuiserie, d'impressions sur tissus ont longtemps été le domaine d'activité des artisans locaux. Au fil du temps, se répandant dans des centres individuels et couvrant souvent des zones entières, ils se sont transformés en artisanat.

Certains métiers ont été précédés d'un "éclairage" - travail dans les ateliers du propriétaire (par exemple, la surface blanche de Mstera). D'autres sont nés de l'artisanat urbain. Par exemple, la sculpture sur os Kholmogory ou l'argent niellé Veliky Ustyug est associée à l'art des artisans urbains, à une clientèle privilégiée, dont le goût a influencé le contenu et la nature de la destination des produits. La peinture d'icônes russes anciennes, la peinture de chevalet européenne et les graphiques sont devenus la base de l'art des miniatures en laque russes. Chaque équipe créative a pu créer sa propre système artistique, son langage figuré, son école de savoir-faire, qui ont acquis le sens de la tradition.

Il existe une littérature assez abondante sur l'art populaire russe, y compris l'artisanat, consacrée à la fois aux problèmes généraux et aux problèmes particuliers de leur développement. Les œuvres d'art des arts populaires et de l'artisanat sont collectionnées par les musées.

1.CÉRAMIQUE

La poterie est connue en Russie depuis des temps immémoriaux. L'argile était un matériau improvisé omniprésent, dont les riches possibilités plastiques et artistiques attiraient les gens jusque dans les temps anciens. L'argile est très facile à traiter : tout peut être moulé à partir d'elle.

Et avec la découverte de la cuisson, les produits en argile, principalement la poterie et les ustensiles, sont devenus les plus nécessaires et les plus pratiques dans la vie d'une personne ancienne. Les archéologues trouvent d'innombrables fragments de poterie dans d'anciens tumulus slaves. Plus tôt que d'autres, la céramique de stuc existait, c'est-à-dire produits en argile moulés à la main, sans dispositifs spéciaux.

Une telle poterie en stuc a été conservée chez certains peuples à ce jour. À côté des navires, il y avait d'innombrables figures en stuc d'animaux, d'oiseaux et de personnes. Ils reflétaient clairement les anciennes croyances, superstitions, signes; souvent dans des figurines en argile, ils voyaient les esprits gardiens d'une personne, de son habitation, de son bétail, de ses récoltes. Au fil des siècles, ils se sont transformés en jouets moulés en argile, et c'est sous cette forme qu'ils existent et continuent d'être fabriqués aujourd'hui. Environ aux IX-X siècles. en Russie, un tour de potier est apparu - la machine la plus simple, ou plutôt un appareil, initialement mis en mouvement à la main, plus tard à pied. L'invention du tour de potier est l'étape la plus importante dans le développement des activités de production, et en même temps, technique et capacité artistique de personnes. Le tour du potier a simplifié, accéléré la production de poterie et d'ustensiles, en même temps, le travail du maître potier n'a pas perdu son individualité, et ses vaisseaux n'ont pas perdu leur fabrication humaine, car même avec le tour du potier, le principal chose était entre les mains du potier, et dans son habileté, et dans son imagination. Bien que les récipients en argile n'aient généralement pas une image aussi spécifique que les figurines, ils ont été indirectement identifiés par les potiers avec la faune et même avec l'homme. En témoignent les noms des parties du vase en céramique : corps, col, col, bec, anse.

L'ornement le plus simple sur la faïence sous forme de fosses, les bosses sont apparues dans des temps immémoriaux, peut-être comme une technique pour compacter un tesson pour obtenir sa meilleure cuisson, avant même l'avènement des fours spéciaux. Les anciennes cultures développées des Slaves avaient déjà tout un système d'images sur des navires, dont le contenu révèle les idées des gens sur le monde et la nature, associées au travail de l'agriculteur. Les lignes ondulées, par exemple, sont un signe d'eau, les lignes droites représentent conditionnellement la terre, etc. Sur les céramiques de la nouvelle époque, ainsi que de nombreux motifs ultérieurs, des motifs anciens sont également conservés, mais dans un sens différent, en fait décoratif.

L'une des plus anciennes méthodes de décoration des plats est le brunissage. Ce sont des lamelles brillantes qui, à l'aide d'une pierre lisse ou d'un os - poli - recouvrent une partie ou toute la surface d'un vase qui n'est pas complètement sec, pas encore brûlé. Dans le même temps, le polissage densifie la surface du pot, le rendant moins perméable à l'eau et plus durable. Il existe des céramiques polies rouges et noires. Le premier est la couleur naturelle de l'argile de poterie rouge.

Le second est enfumé, brûlé dans une flamme enfumée sans oxygène. Ces céramiques noires sont également appelées cuites ou colorées. Cet ancien type de poterie est courant dans différentes régions de Russie et a survécu jusqu'à ce jour. Aux XVIIe-XVIIIe siècles. Les potiers de Moscou ont habilement fabriqué des plats noirs - de grandes cruches, des flacons, des fûts sur pieds, décorés avec polissage avec des ornements en relief et en relief.

Leurs formes claires, les détails de finition imitaient souvent ceux en métal. Une autre façon plus simple de décorer - l'échaudage - consiste à sortir les chaudrons du four et à les tremper immédiatement dans de la purée de farine. Dans le même temps, l'éclat devient plus dense, plus fort et des taches brunes concentriques arrondies et des points apparaissent à la surface, formant un ornement naturel. L'un des types d'ennoblissement et de décoration des produits en argile est le revêtement et la peinture avec de l'engobe - une argile liquide diluée d'une couleur différente de celle à partir de laquelle l'article a été fabriqué.

Dans les années 40. 18ème siècle Des plats de valeur russes ont commencé à être produits - avec une peinture bleue et multicolore (jaune-vert-brun), qui a été appliquée sur une surface brute (avant la cuisson) recouverte d'émail blanc (glaçure opaque). Il a été maîtrisé à l'usine du marchand moscovite Afanasy Grebenshchikov (ouverte en 1724), dont le fils Ivan Grebenshchikov a non seulement étudié la technologie de la majolique, mais par l'expérience a réussi à aborder la découverte de la technologie de fabrication de la porcelaine.

A la fin du XVIIIème siècle. dans le processus de lutte concurrentielle, la majolique coûteuse a été remplacée par une semi-faïence plus facile à fabriquer: des produits en argile blanche recouverts d'une glaçure transparente incolore et décorés, en règle générale, d'une peinture sous glaçure bleue unicolore. La porcelaine avec peinture multicolore sur glaçure, découverte en Russie au XVIIIe siècle, a ensuite reçu une sorte de direction décorative de la part des maîtres folkloriques de l'artisanat de la céramique. Parallèlement à la porcelaine et à la faïence, apparentées à la céramique fine, la poterie populaire continue de se développer.

Au XIX - début XX siècles. la décoration de la poterie avec des glaçures colorées, grattées, des ornements en relief à l'aide de tampons et de moulures est caractéristique. L'artisanat russe de la céramique aux XVIII-XIX siècles. existait dans de nombreux villages et villages. Chacun, en règle générale, desservait une petite zone et seuls quelques-uns acquéraient une grande importance.

Dans un certain nombre de régions des provinces de Yaroslavl, Moscou et Kalouga, la tradition de la fabrication de plats polis en noir a été préservée, qui a été dessinée à certains endroits à pied, dans d'autres - sur des roues de potier à la main, décorées de rainures, simple gravure directement sur la machine utilisant des matrices en bois, argile, métal. L'harmonie des proportions, la complétude plastique et la clarté des formes de ces objets simples sont surprenantes : pots à beurre, à lait, pots à kvas, cruches, pots de différentes tailles à bouillie, crème sure, rukomoi, etc. Dans d'autres endroits, des plats non tachés, mais ordinaires de couleur rouge, brune ou jaunâtre étaient fabriqués à partir d'argile locale, décorés de rayures horizontales, de taches et, à certains endroits, de brindilles appliquées avec de l'argile blanche. Ce type de poterie existait à Pskov, Novgorod, Tver et dans d'autres provinces.

Dans certaines régions, un éclat rouge était recouvert d'engobe blanc et un motif simple sous forme de spirales, de rayures, de taches et d'une couche de glaçure transparente incolore lui était appliqué avec de la poudre de glaçure colorée. Dans la province de Voronej, les cruches et les bols en poterie étaient décorés de moulures en relief en forme de boutons et coulés avec une glaçure colorée. L'utilisation de trois émaux fusibles colorés brun (manganèse), vert (cuivre) et jaune (fer) est typique des poteries de différentes régions de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle. L'expressivité artistique de la poterie domestique russe ne réside pas tant dans la couleur ou l'ornement, qui, en règle générale, sont très modestes, mais dans la solution plastique. L'application de ceintures colorées, de rainures ou de flagelles en relief, l'épaississement des bords, soulignant une palette basse ou une jambe annulaire, des poignées qui s'intègrent bien dans la silhouette générale d'une chose - tout cela fait partie d'un ensemble architectural et sculptural complet, harmonieusement s'unir à son environnement domestique apparenté.

Les principaux métiers modernes de la céramique artistique russe sont la porcelaine de Gjel dans la région de Moscou, la majolique de Skopin dans la région de Riazan, le jouet Dymkovo à Kirov, le jouet Filimonov dans la région de Tula, le jouet Kargopol dans la région d'Arkhangelsk, le jouet Abashev dans la région de Penza.

Le grand artisanat en céramique d'art populaire le plus célèbre est Gjel près de Moscou. Cette zone de 30 villages et villages des anciens districts de Bronnitsky et Belgorod, à 60 km de Moscou (actuel district de Ramensky), est depuis longtemps célèbre pour ses argiles et ses potiers.

Le centre de la poterie était le volost de Gjel - les villages de Rechitsa, Gjel, Zhirovo, Turygino, Bakhteevo et autres, où se trouvaient de nombreux ateliers. Dans les œuvres de majolique du XVIIIe siècle, semi-faïence et porcelaine du XIXe siècle. l'art des maîtres folkloriques de Russie est représenté de manière vivante.

Ayant une vaste expérience de la poterie, caractérisée par un esprit vif et vif, les maîtres de Gjel ont rapidement maîtrisé la production de majolique à l'usine de Grebenshchikov, puis ont quitté le propriétaire et ont commencé à fabriquer de tels produits dans leurs ateliers. Ils ont créé des plats élégants: kvasniks - cruches décoratives avec un corps en forme d'anneau, un haut couvercle bombé, un long bec incurvé, une poignée sculptée, souvent sur quatre pieds arrondis massifs; kumgans, vaisseaux similaires, mais sans trou traversant dans le corps; cruches, rukomoi, tasses à craquelins, "enivrez-vous - ne vous renversez pas", plats, assiettes, etc., décorés de peintures ornementales et d'intrigues dans les couleurs vert, jaune, bleu et violet-marron sur fond blanc. Habituellement, au centre d'un plat en majolique ou sur le plan avant du corps annulaire du fermenteur, un oiseau fièrement saillant tel qu'une grue ou un héron était représenté - un mince contour noir avec une légère teinte; cette image principale est complétée et accompagnée d'arbres conditionnels légers, de buissons, d'images parfois extrêmement généralisées et schématisées de personnes, par exemple de dames en crinolines, parfois de structures architecturales. La virtuosité du trait, la liberté d'arrangement et d'équilibre de toutes les images, leur inscription en cercle, l'élégance et la subtilité de la coloration - tout cela indique la très haute qualification et le talent artistique des peintres.

Mais les sculpteurs ne sont pas en reste. Les cintres, les couvercles, les poignées de bocaux et les kumgans sont complétés par de petites sculptures de genre représentant des personnes et des images amusantes d'animaux. De petits plastiques décoratifs ont également été réalisés en dehors de la liaison avec la vaisselle. Les maîtres ont de nouveau dépeint avec humour ce qu'ils ont vu dans la vie : une femme porte un enfant sur un traîneau, un militaire en bicorne, une femme arrache une botte de la jambe de son mari, un vieil homme se bat avec sa vieille femme, un le garçon-guide mène un mendiant, etc.

La majolique de Gjel combine les réalisations plastiques de la poterie folklorique, reflète les caractéristiques du baroque et du classicisme. Dans l'art de la céramique populaire, la semi-faïence de Gjel est l'un des phénomènes les plus brillants. Au début, les plats en semi-faïence avaient une forme proche de la majolique, mais avec une peinture de couleur bleue plus simple. Puis les formulaires se sont simplifiés ; ont été principalement fabriqués des cruches, des rukomoy, des encriers, des salières, etc.. Le système de résolution de la forme plastique et de la peinture décorative créé par les artisans folkloriques de Gjel a la valeur de toute une école artistique de céramique folklorique russe.

La production de semi-faïence a existé à Gjel tout au long du XIXe siècle. ainsi que de la faïence et de la porcelaine fines apparues après lui. Les formes de plats et les motifs imprimés passaient d'une usine à l'autre. Dans les petites usines de porcelaine de Gjel, avec tout leur désir d'imiter des produits coûteux, leur art original de la porcelaine russe lubok est né avec son interprétation folklorique fleurie grossière d'images sculpturales que les maîtres ont créées à leur manière, à partir des images de coûteux porcelaine. Les figurines en porcelaine acquises lors de la mise en œuvre des maîtres de Gjel présentent des caractéristiques communes avec un simple jouet en argile.

Les produits de Gjel ont été distribués non seulement dans toute la Russie, ils ont été exportés vers Asie centrale et les pays du Moyen-Orient. Tenant compte des goûts locaux, les artisans de Gjel ont créé un assortiment stable de porcelaines dites "asiatiques": théières, bols de différentes tailles et d'une certaine forme, avec une peinture florale caractéristique en médaillons, sur fond coloré. Cette vaisselle était également largement utilisée dans les tavernes russes. Avec le développement dans la seconde moitié du XIXème siècle. l'industrie capitaliste, la séparation des grandes usines, la région de Gjel avec ses petits ateliers paysans a perdu de son importance et de nombreux anciens propriétaires d'ateliers et membres de leurs familles ont rejoint les rangs des ouvriers salariés.

Travaillant dans de grandes usines et usines, ils ont contribué à la préservation de la tradition populaire dans la peinture de porcelaine bon marché et ont joué un rôle important dans la formation ultérieure de la porcelaine russe. Peinture au pinceau libre à grande vitesse avec des motifs floraux à la fin du 19e - début du 20e siècle. a reçu le nom "agashka". L'art même de l'artisanat de Gjel était parvenu à un déclin complet à cette époque et était relégué à l'oubli. Ce n'est que dans les années 1940-1950, grâce aux recherches du critique d'art A.B. Saltykov et au travail de l'artiste moscovite N.I. Bessarabova, que l'art de Gjel a commencé à renaître.

La base de ce renouveau était l'héritage de la majolique de Gjel du XVIIIe siècle. Et semi-faïence du 19ème siècle. La peinture a été adoptée en sous-glaçure bleue unicolore (cobalt) selon le type de semi-faïence traditionnelle. Les plats de Gjel avec une peinture au cobalt bleu sur fond blanc ont acquis une grande popularité.

Parmi les centres de poterie d'art populaire, l'artisanat de la céramique décorative, situé dans la ville de Skopin, région de Riazan, est unique. La terre de Riazan, riche en traditions de divers types d'art populaire, est devenue le berceau de la production de sifflets en poterie et en stuc. Il y avait toute une «fin de poterie» dans la ville, et les habitants de la ville étaient appelés «dénonciateurs de Skopin». Jusqu'au milieu du XIXème siècle. Les émaux n'étaient pas utilisés ici, mais des pots ordinaires noirs ("bleuâtres") et échaudés étaient fabriqués.

Avec le développement du vitrage, les produits Skopinsky sont devenus beaucoup plus lumineux et plus décoratifs. Ustensiles ménagers ordinaires des potiers Skopinsky du XIXe au début du XXe siècle. fait d'argile légère, a un contour doux, les bords se terminent souvent par des "volants" festonnés. Les rukomoi, cruches, bols profonds, tasses, corbeilles à pain, etc. étaient moulés sur des tours de potier bas fabriqués à la main, décorés de rayures, de tampons, de moulures et de glaçures colorées dégoulinantes.

Souvent, les glaçures brunes et vertes ou vertes et jaunes étaient combinées de manière pittoresque sur un même objet. Les produits séchés étaient enduits de goudron, saupoudrés de poudre de glaçures colorées moulues de manière inégale et cuits dans une forge à fosse. Vers le milieu du XIXe siècle dans l'industrie, ils ont commencé à fabriquer des céramiques sculpturales décoratives. Des informations ont été conservées selon lesquelles les maîtres fabriquaient d'abord des objets à une seule figure; lion, oiseau, boule, samovar, etc. et ils ont mis une telle chose sur un pilier à la porte de leur maison comme décoration et comme signe qu'un maître éminent habite ici. En même temps, ils rivalisaient de complexité et de fantaisie dans les œuvres. Ensuite, ils ont commencé à exposer de telles figures extravagantes et cruches sculpturales à la foire devant leurs produits habituels afin d'attirer l'attention des acheteurs sur eux. La demande d'objets de décoration incite les artisans à les fabriquer spécifiquement pour la vente.

Des navires figurés ont été emmenés sur des marchés festifs à Moscou, Riazan. Les cruches à col haut, au corps en forme d'ours ou de balbuzard pêcheur, avec une anse et un bec en forme de serpent sont intéressantes. Le couvercle était souvent complété par une figurine d'oiseau, de lièvre ou de chien. Parfois, le vaisseau avait un corps annulaire, et à l'intérieur il était placé la figure d'un ourson ou d'un dragon. Parfois, ils fabriquaient une bouteille sous la forme d'un personnage masculin avec un bâton à la main.

Des chandeliers en forme d'aigle bicéphale, d'oiseau balbuzard pêcheur, d'homme en manteau de peau de mouton, etc. ont été conservés. Parmi les images de la céramique de Skopino figure Polkan le héros avec une massue à la main, provenant clairement d'estampes populaires. L'ornement, la couleur, la silhouette complexe unissent les parties ustensiles des produits aux parties sculpturales, formant des objets décoratifs intégraux. En plus des récipients sculpturaux décoratifs, ils ont également réalisé des sculptures simples: dragons, lions.

Ils disent que l'un des anciens maîtres qui a travaillé à la fin du XIXe siècle, Zhelobov, a même réalisé des portraits de connaissances, les dessinant, comme d'habitude, sur un tour de potier, de mémoire, et finalisant les détails à la main. Pendant la Première Guerre mondiale, la pêcherie Skopinsky est progressivement tombée en décadence. Son renouveau remonte aux années 40-50. A cette époque, les anciens artisans de l'artisanat de Skopino continuaient à travailler, qui se souvenaient bien de toutes les principales caractéristiques et techniques de fabrication de la céramique de Skopino.

Leur expérience et leurs connaissances sont progressivement adoptées et maîtrisées par de jeunes artisans qui se sont lancés dans le métier. Dans les années 60-70. des tentatives sont faites pour créer un type spécial de céramique souvenir de Skopino. Ce sont de petites figurines de lions, d'oiseaux, de scènes de cirque, etc.

Parallèlement à cela, les artisans créent également des fermenteurs avec des oiseaux, des chandeliers, des vases à fruits, traditionnels pour l'artisanat. Les fantastiques vases Skopino figurés, recouverts de glaçure brune ou verte, occupent une place de plus en plus importante dans les expositions d'arts décoratifs et appliqués. L'intérêt pour eux des connaisseurs, des collectionneurs et seulement du grand public ne faiblit pas. L'art des potiers de Skopinsky apporte sa propre touche lumineuse à l'image globale du développement moderne de la céramique décorative folklorique russe.

Jouet Dymkovo.

Parmi les jouets en argile russes modernes, le jouet Dymkovo (anciennement Vyatka) est le plus célèbre et le plus populaire. Il s'agit d'une sculpture d'argile décorative généralisée, proche du folk primitif : figurines de 15-25 cm de haut en moyenne, peintes sur fond blanc avec un ornement géométrique multicolore de cercles, pois, rayures, cellules, lignes ondulées, couleurs vives , souvent avec l'ajout d'or. Les cavaliers, les coqs, les figures féminines en jupes en forme de cloche s'étendant vers le bas et les coiffes hautes - les kokoshniks, appelées nounous, nourrices, maîtresses, porteuses d'eau, sont traditionnels et reviennent constamment dans le jouet Dymkovo. Les dindes et les chevaux de Dymkovo sont à la fois réels et fantastiques. Une dinde avec une magnifique queue en éventail, un cheval aux cercles de pomme bleu vif, une chèvre aux cornes rouges et dorées.

Dans toutes ces images naïves et colorées, on peut voir l'innocence inhérente au peuple russe, l'audace, l'optimisme, un penchant pour une interprétation fabuleuse et chantante de la réalité. Dans les figures féminines, les détails expressifs sont d'une grande importance: coiffures élégantes, coiffes, volants sur les manches, tabliers, capes, manchons, parapluies, sacs à main, etc. Les jouets modélisés sont séchés à température ambiante de deux à trois jours à deux semaines (selon la taille). Ensuite, ils sont licenciés.

Auparavant, la cuisson était effectuée directement dans le four russe. Maintenant - dans les fours à moufle électriques. Cuits au rouge et refroidis au four, les jouets sont recouverts d'une couche de craie blanche éblouissante diluée dans du lait écrémé. Sur ce lait de chaux, une peinture multicolore brillante est réalisée. Sur une figure, 6 à 8 couleurs sont utilisées.

Actuellement, des peintures à la gouache diluées sur un œuf sont utilisées. La préparation traditionnelle consistait à frotter des colorants secs d'aniline sur un œuf dilué avec du vinaigre ou du peroxyde de kvas. Autrefois, le pompon était fait maison à partir d'un patch en toile tendue enroulé autour d'un bâton. Les taches ont été appliquées avec l'extrémité d'une brindille coupée uniformément. Maintenant, ils utilisent des brosses kolinsky ou furet.

La peinture est, en règle générale, un grand motif géométrique, combiné avec des parties aux couleurs douces. Les jupes sont particulièrement variées et élégamment ornées. L'ornement couvre souvent les figures d'animaux, remplaçant les images de laine ou de plumage. Les couleurs de la peinture sont locales, combinées selon le principe du contraste et de la complémentarité mutuelle. Le multicolore est souligné par la présence de couleurs blanches et noires et complété par des carrés brillants de feuilles d'or (maintenant - potasse de cuivre) collés sur les coiffes et les cols des dames, les épaulettes et les cocardes des militaires, les magnifiques queues de dindes, etc. Au fil du temps, la couleur et la luminosité de la peinture ont augmenté. Conservé du XIX - début XX siècles. Les jouets Dymkovo ne sont pas si intensément colorés. Plus tard, avec le développement de l'artisanat, de nombreuses compositions à plusieurs personnages de contes de fées, historiques et quotidiennes sont apparues, y compris l'architecture (maisons, carrousels), des éléments de paysage (arbres symbolisant la forêt, des lits avec des fourches à choux sont représentés dans le "Récolte du chou ” scène), etc. Dans le même temps, la gamme traditionnelle des thèmes n'a pas été perdue; elle aide à préserver l'aspect unique spécifique des jouets et, dans ses limites, laisse une large place à l'imagination créative des auteurs. La signification du jouet Dymkovo a depuis longtemps cessé d'être ludique. Il s'agit d'une sculpture décorative folklorique.

La culture nationale russe est étroitement liée au bois. Des villes entières, des forteresses, des temples, des habitations en ont été construits, des navires fluviaux et maritimes ont été construits, des ustensiles et des articles ménagers ont été sculptés. Dans le même temps, les artisans russes accordaient une grande attention à la décoration artistique sculptée. Il était basé sur un ornement géométrique et floral, qui servait non seulement à des fins de décoration, mais avait un caractère magique et rituel. Les fonctions de l'amulette sont remplies par des images et des symboles inclus dans la gamme artistique, tels que l'arbre de vie, des signes solaires, un oiseau, un cheval, un lion, des créatures mythologiques - Bereginya, Sirin, Alkonost.

Dans la région de Nizhny Novgorod Volga, un style particulier de sculpture a été formé, qui a absorbé les traditions les plus anciennes de l'art populaire russe. Les sculpteurs sur bois de la région de Nizhny Novgorod étaient connus bien au-delà de ses frontières. À l'heure actuelle, ces traditions glorieuses sont poursuivies par des artisans folkloriques modernes, qui sont des maîtres de la sculpture artistique sur bois et sont parmi les meilleurs de Russie. Le système d'artisanat artistique de la région de Nizhny Novgorod comprend deux entreprises à Gorodets et Semenov, qui se consacrent à la sculpture sur bois. Un groupe expérimental de sculpteurs travaille à l'usine "Peinture Gorodets" à Gorodets, parmi lesquels se trouvent de merveilleux artisans Mikhail Loginov et Andrey Kolov. La gamme de produits manufacturés est variée: panneaux et assiettes muraux décoratifs, boîtes, ensembles de souvenirs pour épices avec figures sculptées de personnes et d'animaux, jouets, planches à pain d'épice - tampons sculptés pour appliquer un motif sur la pâte à pain d'épice. Intéressante sculpture Gorodets de petites formes avec des scènes de la vie urbaine et rurale, réalisée avec beaucoup d'humour et d'imagination. Les produits sont coupés à partir d'essences de bois locales - chêne, tilleul, tremble, bouleau, manuellement, à l'aide d'outils - ciseaux, couteaux, ciseaux. Une variété de techniques de sculpture sont utilisées - encoche trièdre, contour, entre parenthèses et autres.

Les œuvres des artisans de Gorodets se caractérisent par une combinaison de sculpture et d'incrustation de chêne des marais. Nous réalisons des commandes d'ouvrages monumentaux pour l'aménagement intérieur et extérieur de bâtiments publics et privés. La deuxième direction de la sculpture artistique sur bois est en cours de développement à l'usine de peinture de Semenov dans la ville de Semenov. L'art ancien de la sculpture sur des ustensiles en bois et des articles ménagers a été relancé ici.

Les louches et cuillères sculptées de Semyonov, les tonneaux ciselés, les bols et les vases et les fournitures - les récipients cylindriques avec couvercles, ainsi que les cercueils et les panneaux décoratifs sont décorés de sculptures en relief plat de nature géométrique et végétative. Au cœur des sculptures de Semenov se trouvent les traditions des objets techniques et la structure ornementale de l'ancienne sculpture de Nizhny Novgorod. La sculpture enrichit la forme de l'objet, révélant la belle texture et la couleur naturelle du bois. Une grande contribution au développement de la sculpture sur bois de Semenov a été apportée par les célèbres maîtres Georgy Matveev, Leonid Levin, Dormidont Mazin, Alexander Shvetsov et d'autres. En plus des usines, de nombreux artisans folkloriques travaillent dans la région de Nizhny Novgorod - des sculpteurs qui créent leurs œuvres à la fois dans les traditions folkloriques et dans un style moderne libre.

Peinture Khokhloma.

La peinture Khokhloma sur bois est l'un des plus anciens types d'art populaire russe. Sa patrie est la région forestière du territoire de Nizhny Novgorod au nord-est de la Volga. L'origine du nom est liée au village commerçant de Khokhloma, où des artisans de 50 villages voisins ont apporté à la vente des ustensiles en bois peints, et de là ils sont allés à différents coins La Russie et au-delà de ses frontières - vers les pays d'Asie et d'Europe. Depuis l'Antiquité, des artisans qualifiés qui vivaient ici fabriquaient de beaux ustensiles en bois, et depuis le XVIIe siècle, cet artisanat d'art s'est développé dans son sens moderne.

La peinture Khokhloma a acquis une renommée mondiale en raison de la technologie originale et du caractère traditionnel des anciens motifs russes. Les produits en bois de tilleul tournés sur un tour ou sculptés avec des couteaux spéciaux sont apprêtés avec de l'argile, frottés avec de l'huile de lin bouillie - "huile de lin" et de la poudre de métal. Après cela, les produits Khokhloma sont peints avec des peintures à l'huile, plusieurs couches de vernis spécial sont appliquées et soumises à un durcissement au four. Sous l'influence d'une température supérieure à 100°, la surface argentée acquiert une couleur dorée. Cette technologie permet l'utilisation de la vaisselle à la maison.

Les couleurs principales de la peinture Khokhloma sont le noir, le rouge, l'or. Cette combinaison classique est complétée par l'introduction de marron, vert, orange, jaune. La peinture est réalisée à la main, au pinceau libre, sans l'utilisation de pochoirs. Toute la variété de la peinture Khokhloma peut être divisée en deux types: la lettre "équitation", dans laquelle l'ornement coloré est situé sur un fond doré, et la lettre "arrière-plan", où le motif est doré et le fond est noir ou rouge . Les ornements préférés des maîtres de Khokhloma sont: "l'herbe" - une image stylisée de l'herbe; "kudrina" - une fabuleuse fleur dorée avec des boucles - des boucles; "sous la feuille" - un motif de feuilles et de baies de fraises, de cassis, de sorbier, de groseilles.

La gamme de produits comprend: bols individuels, vases, "livraisons" - récipients cylindriques avec couvercles, tonneaux, cuillères, ainsi que des meubles, des ensembles de vaisselle et d'ustensiles de thé, des ensembles pour le vin, la crème glacée, le miel, le poisson. Actuellement, les traditions artisanales de la région de Nizhny Novgorod se développent avec succès dans deux grandes usines d'art: "Khokhloma Artist", située dans le village de Semino et "Khokhloma Painting" dans la ville de Semenov, ainsi qu'un certain nombre de petites entreprises . Les anciens maîtres héréditaires de Khokhloma sont connus - les frères Krasilnikov, les Podogov, Fedor Bedin, Arkhip Serov, Stepan Veselov. Ces traditions de pêche sont perpétuées par les artistes Olga Lushina, Olga Veselova, Alexandra Karpova, Ekaterina Dospalova, Nina Salnikova et bien d'autres. Les produits Khokhloma ornent la vie d'un Russe.

Ils sont exportés dans de nombreux pays du monde, ils représentent de manière adéquate l'art populaire russe lors d'expositions et de foires internationales.

Peinture de Gorodets.

Dans les villages situés autour de Gorodets, la plus ancienne ville de la région de Nizhny Novgorod, au milieu du XIXe siècle, un type original de peinture sur des objets ménagers est devenu un artisanat d'art. Il s'agissait de paniers et de boîtes pour le fil d'écorce de tilleul, de chaises et de fauteuils roulants pour enfants, d'arcs pour le harnais des chevaux. Les rouets peints Gorodets étaient particulièrement célèbres. Le rouet, en tant qu'appareil pour filer le fil, est connu dans le monde entier, y compris en Russie, depuis l'Antiquité.

Le rouet Gorodets se compose d'un large "fond" - une planche sur laquelle la femme qui tourne était assise et un peigne en bois inséré dans le fond - un support sur lequel du lin ou de la laine était fixé. Sur Gorodets peint des rouets de la première période, on voit des éléments de symboles anciens : l'Arbre de Vie, des oiseaux, des cavaliers, et dès la fin du XIXe siècle, les artistes Gorodets ont commencé à peindre des scènes de genre de la vie provinciale russe : boire du thé, promenades en calèche, festins, batailles militaires. Le rouet a été apprêté et peint avec de la colle et des peintures végétales de notre propre préparation. Les couleurs principales de la peinture de Gorodets étaient le jaune, le noir, le vert, le rouge et le bleu. La peinture s'est déroulée en deux étapes : l'imposition de points lumineux de peinture sur un fond uniforme, le plus souvent jaune ; développement d'un dessin avec des touches de peinture noire et blanche, qui donnait du volume et accentuait les détails.

Après peinture, les rouets étaient recouverts d'huile de lin bouillie et séchés. Les origines de la peinture de Gorodets remontent à l'ancienne peinture d'icônes russe. Il y a eu plusieurs étapes dans le développement de cette industrie. Les années 1930 se caractérisent par une transition vers les peintures à l'huile et un nouvel assortiment : mobilier, paravents, panneaux décoratifs, tournage. A cette époque, des maîtres bien connus comme Ignatiy Lebedev, Fedor Krasnoyarov, Ignatiy Mazin, Pavel Kolesov et d'autres travaillaient.

L'étape des années 1950 est associée à un nouvel essor et à un renouveau de cet artisanat artistique, grâce aux activités d'organisation et de création du maître héréditaire Aristarkh Konovalov. À l'heure actuelle, les traditions de cet artisanat artistique sont poursuivies par les maîtres de l'usine de peinture Gorodetskaya. Parmi eux se trouvent Alexandra Sokolova, Lydia Kubatkina, Lilia Bespalova, Faina Kasatova. L'assortiment moderne de l'usine est diversifié : panneaux décoratifs, cercueils, coffres, coffrets, boîtes à pain, meubles pour enfants et adultes, ustensiles de tournage, jouets. Les œuvres des maîtres Gorodets attirent par leurs couleurs multicolores, le regard optimiste de l'artiste, les images festives des contes de fées russes et de la vie populaire.

Peinture de Polkhov-Maïdan.

La peinture de Polkhov-Maidan est l'un des métiers d'art les plus jeunes de Russie. Il tire son nom du grand village de Polkhovsky Maidan au sud de la région de Nizhny Novgorod. Presque toutes les familles ici sont engagées dans la fabrication et la vente de jouets en bois peints. Le jouet Polkhov-Maidan, ou, comme l'appellent les artisans eux-mêmes, le "tararushka", est apparu à la fin des années 1920.

Depuis les années 1960, les habitants du village de Krutets, situé près du village de Polkhovsky Maidan, ont commencé à fabriquer un tel jouet. Les jouets sont tournés sur des tours de tilleul ou de tremble. Ils sont ensuite enrobés de fécule de pomme de terre liquide. Ensuite, avec un stylo en métal et de l'encre sur une surface sèche, dessinez ("induisez") le contour du futur motif et peignez avec des peintures à l'aniline: rose, rouge, vert, jaune, bleu. La peinture au pinceau libre est également utilisée.

Après cela, les jouets sont recouverts d'un vernis incolore. En utilisant la technique du "glacis" - l'imposition de couleurs pures en couches les unes sur les autres, et en utilisant des combinaisons de couleurs contrastées (rouge - vert, jaune - bleu, etc.), les artistes obtiennent une luminosité particulière de la peinture . Les motifs principaux des motifs de ce tableau sont des fleurs : rose, coquelicot, camomille, tulipe, églantier.

Il y a aussi une peinture d'intrigue. Le plus souvent, c'est un paysage rural avec une rivière, des maisons, une église et un moulin sur le rivage, ainsi que l'aube rouge obligatoire dans le ciel. L'assortiment de jouets tamarok est varié. Un groupe - jouets pour enfants: poupées gigognes, oiseaux siffleurs, chevaux, plats jouets, champignons tirelire, balalaïkas, boîtes à pommes. Un autre groupe de produits est constitué de plats russes traditionnels: salières, bols, sucriers, "fournitures" - récipients cylindriques pour stocker des produits en vrac, samovars, boîtes.

Les œufs de Pâques sont sculptés et peints en grand nombre. Une caractéristique de l'artisanat est le voisinage harmonieux de la production de jouets artisanaux avec la production en usine. Les artisans travaillent avec toute la famille. Les hommes, dans les ateliers situés à proximité de la maison, transforment les produits, les femmes les peignent. Les enfants participent aussi aux travaux qu'ils peuvent, ils apprennent de leurs parents les bases du tournage et de la peinture.

Parmi eux, les familles Senturaev, Rozhkov, Buzdenkov se distinguent par leur compétence. Dans le village de Voznesenskoïe, il y a une usine d'art "Polkhov-Maidan peinture". Ses produits sont pour la plupart de nature souvenir. Parmi les jouets souvenirs, une large place est occupée par la poupée gigogne Polkhov-Maidan et la sculpture décorative tournante sur les thèmes des contes folkloriques russes et de la vie rurale. Une grande contribution au développement de cet artisanat a été apportée par les artistes Elena Tankova, Elena Goryunova, Antonina Babina.

L'originalité lumineuse de ce jouet folklorique, la couleur joyeusement festive et l'immédiateté naïve de la peinture le rendent très populaire en Russie et à l'étranger.

Filigrane de Kazakov.

Le filigrane ou le filigrane est l'un des plus anciens types de traitement artistique des métaux en Russie. Le nom "filigrane" vient des mots latins filum - fil et granum - grain; "scani" - de l'ancien slave - tordre, tordre.

Les noms indiquent la particularité de la technologie - pour la fabrication de produits en filigrane, des fils torsadés et du "grain" ont été utilisés, c'est-à-dire petites boules. La technique du filigrane est la suivante: un motif de fil de cuivre fin est appliqué sur du papier, collé le long du contour dessiné, saupoudré de soudure à l'argent, puis les éléments du motif sont reliés par soudure. Des formes volumétriques sont également réalisées, mais du papier avec un motif dessiné est collé sur une ébauche de fer.

Dans l'atelier de galvanoplastie, les produits sont recouverts d'argent. La production de produits en filigrane dans le village de Kazachkovo, district de Vachsky, région de Nijni Novgorod, a commencé à être engagée à partir de la fin des années 1930 dans l'artel métaliste. L'organisateur de la production était diplômé de l'école Krasnoselsky de travail artistique des métaux O. I. Tarakanova.

Actuellement, l'art de la joaillerie est pratiqué dans l'entreprise Kazakovsky de produits métalliques artistiques. Au milieu des années 1950, des traits caractéristiques se sont formés qui n'étaient caractéristiques que du filigrane de Kazakov. Une caractéristique des produits de Kazakov est la signification indépendante du filigrane, il n'est pas utilisé dans le cadre de la décoration d'un objet en métal, en tant que superposition sur du métal. Ces produits sont entièrement ajourés. Selon leur objectif, les œuvres des maîtres de Kazakov sont des articles ménagers.

Ce sont des bols à bonbons, des sous-verres, des vases, des cercueils. Dans le même temps, des travaux de joaillerie ont été effectués récemment sur commande de l'Église orthodoxe - cadres d'icônes, encensoirs, cercueils pour les saintes reliques.

Les produits Kazakov se caractérisent principalement par la couleur "blanche" du fil de cuivre argenté. Comme recouvertes de givre, les œuvres ajourées des artisans folkloriques fascinent par la couleur blanc argenté de l'hiver russe, donnant aux choses la sonorité des champs enneigés, la solennité et la pureté de la forêt givrée. L'ornement en filigrane peut être géométrique - zigzags, vagues, cercles, demi-cercles et figures plus complexes, mais le motif floral est prédominant. Les motifs principaux sont une fleur aux pétales allongés et aux longues feuilles veinées de volutes. L'élément principal à partir duquel le motif est créé est la "boucle" - une bobine de fil ovale qui combine des ajours et une bobine dense non translucide.

Les grandes formes qui forment la base du motif se détachent sur le fond de petites boucles faites de fil plus fin. Les produits Kazakov se distinguent par la pureté de la finition du travail et la subtilité du travail manuel en filigrane. Le filigrane est combiné avec succès avec d'autres matériaux - émail, bois, os, pierre sculptée. Beaux maîtres du travail d'art en filigrane à l'entreprise Kazakov. Pour le développement de cet artisanat d'art, les artistes L.

A. Zhestkova, les époux Blotsky, R. V. Balashova, V. I. Tupichkin et d'autres. Les produits en filigrane sont exposés dans des expositions panrusses et internationales, ils ont reçu de nombreux prix, ils sont connus dans de nombreux pays du monde.

Tissage.

Le tissage est l'occupation traditionnelle de la population féminine depuis l'Antiquité. Chaque famille paysanne possédait un atelier de tissage, où les femmes fabriquaient des étoffes à la maison. Des vêtements, des draps, des serviettes, des nappes et d'autres articles ménagers en ont été cousus. En plus de la toile lisse, les artisanes du village fabriquaient également des tissus à motifs.

Dans le même temps, la technique de tissage se complique. Le matériau de tissage était le fil, qui était obtenu à partir de lin et de chanvre, ainsi qu'à partir de laine de mouton et de chèvre. Le fil était souvent teint à la maison dans différentes couleurs, puis les tissus à motifs se sont révélés particulièrement élégants. Un grand centre de tissage à la main dans la région de Nizhny Novgorod était la ville de Shakhunya et les villages environnants. artisanat poterie folklorique sculpture peinture

À l'heure actuelle, les traditions du tissage folklorique se développent activement à l'usine d'art de Shakhun. Depuis le début des années 1970, elle produit une large gamme de produits en laine, lin et coton - plaids, couvre-lits, housses de chaise, serviettes, nappes, nappes et serviettes avec un motif décoratif lumineux de rayures ou de carreaux lisses et ornementaux. Un rôle important dans le développement moderne de l'artisanat appartient à l'artiste, critique d'art Larisa Kozhevnikova. Les artisanes modernes ont maîtrisé les techniques complexes du tissage à la main - multi-arbres, ajouré, trié, grondé. Sur les œuvres des tisserands, en particulier sur les serviettes de fête et les serviettes décoratives, les motifs géométriques tissés sont combinés à la broderie, ce qui confère à ces produits une originalité unique.

La broderie, qui est l'un des plus anciens types d'art populaire, est connue en Russie depuis les Xe-XIIIe siècles. Elle a décoré à la fois des vêtements de tous les jours et de fête et des vêtements de fête - chemises, tabliers, chapeaux, ainsi que des articles ménagers et des objets liés à la décoration décorative de la maison - serviettes, comptoirs, cantonnières, taies d'oreiller. Presque toutes les familles russes savaient broder, au village comme à la ville. Peu à peu, la broderie à partir des devoirs, lorsque les produits étaient fabriqués pour ses propres besoins, devient un artisanat - sur mesure, puis un artisanat - une production destinée à la vente. Les traditions locales et leur connaissance approfondie des brodeurs sont au cœur de l'art de la broderie.

La province de Nizhny Novgorod s'est toujours distinguée par une grande variété de broderies folkloriques, mais les plus appréciées étaient des types tels que le tambour, la ligne et la surface lisse. La broderie continue de se développer dans la région de Nizhny Novgorod et actuellement dans les usines de couture et de broderie. Ils sont situés dans les centres traditionnels d'art populaire - Gorodets, Arzamas, Chkalovsk, Katunki, Nijni Novgorod, Lyskovo, Shakhunye, Prevomaisk et Bor. Ces entreprises produisent une large gamme de produits décorés de broderies, à la fois des vêtements et des articles ménagers. À l'heure actuelle, la région de Nizhny Novgorod occupe l'une des premières places en Russie en termes de développement de l'artisanat de la broderie au point et de la diversité de la broderie.

Dans notre pays et à l'étranger, la broderie "guipure de Nizhny Novgorod" est très célèbre. Cette broderie traversante est réalisée sur une maille dont les mailles peuvent atteindre 1 cm, obtenue sur le tissu en tirant un certain nombre de fils. Dans d'autres régions de Russie, cette broderie est introuvable. Elle s'est formée au tournant des XIXe et XXe siècles et les brodeuses Katun sont considérées comme ses ancêtres. Le motif motif en guipure se plie comme une mosaïque du fait en différentes manières superposition de fils.

En guipure, deux ornements ont été développés - géométrique et floral. Plus de 30 types de fleurs peuvent être fabriquées par des artisanes, tout en conservant les caractéristiques du style ornemental de Nizhny Novgorod. La broderie d'or traditionnelle se développe avec succès dans la région de Nizhny Novgorod. Il est fait avec des fils dorés spécialement conçus. Cette broderie est utilisée pour décorer des vêtements de fête, des écharpes et des châles, ainsi que des objets destinés à la décoration intérieure - coussins décoratifs, panneaux muraux.

Les chemisiers, costumes et robes pour femmes en coton naturel et en soie sont brodés d'élégants motifs légers selon la technique du lissé blanc et coloré. Dans la surface lisse, chaque forme de l'ornement est remplie de points étroitement adjacents les uns aux autres. Cette broderie est également utilisée pour décorer des nappes, des torchons, des serviettes de table, etc. Le motif de broderie tambour se distingue par son léger caractère graphique. Le tambour est une chaîne de petites boucles de fils qui forme une ligne en relief du motif sur le tissu.

Les produits des usines de couture se distinguent par une combinaison de mode moderne et de finitions décoratives dans les traditions de la broderie folklorique de Nizhny Novgorod. Des motifs végétaux particuliers, des images de chevaux solaires, le bonheur des oiseaux sont toujours reconnaissables, que les artisanes folkloriques avaient variés dans la forme et profondément dans leur signification symbolique.

Fabrication de dentelle

La dentelle aux fuseaux s'est largement développée dans la région de Nizhny Novgorod. Balakhna était l'un des centres de dentelle les plus célèbres de Russie. Au 19ème siècle, la moitié de toute la population féminine de Balakhna, ainsi que les habitants des villages voisins, étaient engagés dans le tissage de dentelle.

La dentelle est tissée le long d'une "skolka" - un motif qui est d'abord appliqué sur du papier avec des lignes, puis avec des points dans lesquels des épingles sont collées. La puce est fixée sur un oreiller - un rouleau bourré de foin ou de sciure de bois. La dentelle est tissée à l'aide de bobines - des bâtons en bois sur lesquels des fils sont enroulés. La dentelle était tissée à partir de fins fils de coton et de soie de couleurs dorées, blanches et noires. Lors du tissage, utilisez de 15 à 200 paires de bobines.

Les artisanes de Balakhna tissaient des écharpes, des foulards, des coiffes, des ceintures, des tresses de mouchoirs, des bouts de serviettes, des cols, des robes et des manteaux. Typique de ces produits étaient motifs floraux, mais il y en avait aussi des géométriques en forme de losanges, de cercles, de chaînes. Un type spécial de dentelle a été développé - la "façon sweat à capuche", dont l'originalité résidait dans un fond de tulle léger, sur lequel se trouvaient des bouquets de fleurs.

L'art de la dentelle n'est pas oublié aujourd'hui. Dans les années 1970, un centre de dentelle a été ouvert à Balakhna, où la plus ancienne artisane Varvara Bykova a transmis les secrets de l'art de la dentelle à de jeunes artistes. Actuellement, les enfants et les adultes apprennent la dentelle dans les centres d'art populaire de la région de Nizhny Novgorod.

Pierre sculptée de Bornoukovski.

Le traitement artistique de la pierre est la plus ancienne forme d'art populaire. La large diffusion et la facilité d'accès à des matériaux tels que la pierre, son effet décoratif naturel, sa variété de couleurs et de motifs, y ont longtemps attiré les artisans populaires. Dans la région de Nizhny Novgorod, la sculpture artistique sur pierre est réalisée à l'usine de la grotte Bornukovskaya dans le village de Bornukovo, situé sur la rivière Pyan. La haute rive droite de cette rivière est constituée de coquillages et de pierres d'albâtre. À une faible profondeur, il y a une couche de pierre colorée ornementale.

Se déversant au printemps, la rivière a emporté la côte et au fil du temps, une immense grotte s'est formée ici. Dans les années 1920, un petit artel a été organisé dans le village de Bornukovo pour l'extraction et le traitement de l'albâtre. En même temps que l'albâtre, une pierre colorée ornementale a également été brisée. C'est pourquoi, en 1930, il fut décidé d'ouvrir un atelier de taille de pierre à l'artel. Des artisans de l'Oural - des tailleurs de pierre expérimentés - ont été invités ici pour organiser le travail.

Le principal assortiment de produits d'art a été formé avec la participation de l'artiste de l'Oural Shalnov Pavel Leontyevich. Il s'agissait d'instruments d'écriture et de cendriers, décorés d'images, principalement d'animaux exotiques : lions, léopards, tigres, panthères, éléphants. Au même moment, les premières images sculpturales du peuple soviétique apparaissent: un soldat de l'Armée rouge, un parachutiste, un mineur, un ouvrier de haut fourneau. En 1937, les produits artistiques des maîtres de Bornuk sont récompensés à l'Exposition de Paris. Actuellement, l'usine a développé plus de 70 types de produits hautement artistiques.

Ce sont des articles ménagers : veilleuses, cendriers, tasses, plateaux ; objets de décoration : paravents, sculptures de petits animaux, ainsi que divers souvenirs. La sculpture animalière devient traditionnelle à Bornukovo et occupe une place prépondérante dans l'assortiment. Les artisans de Bornuk fabriquent des produits de roches tendres de pierre - sélénite, calcite, pierre de gypse - anhydrite. La pierre ornementale locale est riche en couleurs, elle peut être bleue, rougeâtre, brune, verte, rose. Les propriétés de cette pierre tendre hautement décorative ont déterminé les caractéristiques stylistiques de la sculpture artistique sur pierre et de l'artisanat en général.

Dans les sculptures des artisans folkloriques, on peut voir la généralisation des formes, les traits caractéristiques des silhouettes, l'articulation douce des détails, la capacité de l'artiste à transmettre avec précision les habitudes et les caractères de divers animaux. Une place particulière dans la sculpture de Bornuk est occupée par l'ours russe, sur l'image duquel l'artiste tailleur de pierre Pavel Kuryshev a travaillé avec succès. Dans l'œuvre d'un autre maître, Pyotr Minaev, les images dynamiques d'un cheval au galop prédominent. Le romantisme sublime et l'exaltation émotionnelle sont les caractéristiques de l'artisanat de taille de pierre de Bornuk à l'étape actuelle.

LITTÉRATURE

Kaplan N.I., Mitlyanskaya T.B. Arts et métiers populaires : Proc. Avantage. - M. : Plus haut. Ecole, 1980. - 176 p., ill.

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Utkin P.I., Koroleva N.S. Arts et métiers populaires. - M. : Plus haut. École, 1992. - 159 p.

Andreeva O., Bezhina I. Jouets de commode à admirer // Art populaire. - 2000. - N° 2. - P.46-47.

Khokhlova E. Poterie Skopinsky // art populaire. - 1997. - N° 6. - P.38-40.

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Mardi 15 février 2011 10h20 + pour citer pad

L'article a été écrit sur la base des matériaux du site "Pays des Maîtres" (principalement).

Étudiant le site récemment découvert "Pays des Maîtres" et ne cessant d'être surpris et admiré par la variété des techniques d'arts appliqués et le talent de nos gens, j'ai décidé de systématiser les techniques.
La liste sera mise à jour au fur et à mesure que de nouvelles techniques seront découvertes.

* Techniques liées à l'utilisation du papier :

1. Pliage d'iris ("pliage arc-en-ciel") - technique de pliage de papier. Apparu en Hollande. La technique demande de l'attention et de la précision, mais en même temps elle permet de réaliser facilement des cartes postales spectaculaires ou de décorer les pages d'un album mémorable (scrapbooking) avec des éléments décoratifs intéressants.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/776

2. Les plastiques en papier en termes de créativité sont très similaires à la sculpture. Mais, dans le papier plastique, tous les produits sont vides à l'intérieur, tous les produits sont des coquilles de l'objet représenté. Et en sculpture, soit le volume est augmenté avec des éléments supplémentaires, soit l'excédent est supprimé (coupé).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/462

3. Tubes ondulés - c'est le nom de la technique de fabrication de produits, dans laquelle pour décorer des surfaces ou pour créer chiffres volumétriques des tubes en papier ondulé sont utilisés. Les tubes ondulés sont obtenus par enroulement d'une bande de papier sur un bâton, un crayon ou une aiguille à tricoter, suivi d'une compression. Le tube ondulé comprimé conserve bien sa forme et offre de nombreuses possibilités d'exécution et d'utilisation.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492

4. Quilling (de l'anglais quilling - du mot quil "plume d'oiseau") - l'art de rouler le papier. Il trouve son origine dans l'Europe médiévale, où les religieuses créaient des médaillons en tordant des bandes de papier aux bords dorés sur la pointe d'une plume d'oiseau, ce qui imitait une miniature en or.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
http://stranamasterov.ru/node/1364

4. L'origami (des lettres japonaises : "papier plié") est l'art ancien de plier des figurines en papier. L'art de l'origami a ses racines dans la Chine ancienne, où le papier a été découvert.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
Sortes :
- Kirigami - un type d'origami qui permet l'utilisation de ciseaux et de papier découpé dans le processus de fabrication d'un modèle. C'est la principale différence entre le kirigami et les autres techniques de pliage de papier, qui est soulignée dans le nom : kiru - coupe, kami - papier.
Le pop-up est toute une tendance dans l'art. Cette technique combine des éléments de techniques.
- Kirigami et découpes et vous permet de créer des dessins et des cartes postales en trois dimensions qui se plient en une figure plate.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama (japonais : "médecine ball") - un modèle en papier, qui est généralement (mais pas toujours) formé en cousant ensemble les extrémités de nombreux modules pyramidaux identiques (généralement des fleurs stylisées pliées à partir d'une feuille de papier carrée), de sorte qu'un corps sphérique est obtenu des formes. Alternativement, des composants individuels peuvent être collés ensemble (par exemple, le kusudama sur la photo du bas est complètement collé, pas cousu). Parfois, comme décoration, un pompon est attaché par le bas.
L'art du kusudama vient d'une ancienne tradition japonaise où le kusudama était utilisé pour l'encens et un mélange de pétales secs ; ce sont peut-être les premiers vrais bouquets de fleurs ou d'herbes. Le mot lui-même est une combinaison des deux mots japonais kusuri (médecine) et tama (balle). Actuellement, les kusudami sont généralement utilisés pour la décoration ou comme cadeaux.
Kusudama est une partie importante de l'origami, en particulier en tant que précurseur de l'origami modulaire. Il est souvent confondu avec l'origami modulaire, ce qui est incorrect, puisque les éléments qui composent le kusudama sont cousus ou collés, et non imbriqués les uns dans les autres, comme le suggère l'origami modulaire.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- Origami de cercles - pliage d'origami à partir d'un cercle de papier. Habituellement, un appliqué est ensuite collé à partir des parties pliées.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- Origami modulaire - la création de figures tridimensionnelles à partir de modules d'origami triangulaires - inventé en Chine. La figure entière est assemblée à partir de nombreuses pièces identiques (modules). Chaque module est plié selon les règles de l'origami classique à partir d'une feuille de papier, puis les modules sont reliés en les imbriquant les uns dans les autres. La force de frottement qui en résulte ne permet pas à la structure de se désintégrer.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15

5. Le papier mâché (papier mâché français «papier mâché») est une masse facilement façonnable obtenue à partir d'un mélange de matériaux fibreux (papier, carton) avec des adhésifs, de l'amidon, du gypse, etc. Le papier mâché est utilisé pour fabriquer des mannequins , masques, aides pédagogiques, jouets, accessoires de théâtre, boîtes. Dans certains cas, même des meubles.
À Fedoskino, Palekh, le papier mâché Kholui est utilisé pour fabriquer la base des miniatures en laque traditionnelles.
Vous pouvez décorer une ébauche en papier mâché non seulement avec des peintures, en peignant comme des artistes célèbres, mais en utilisant du découpage ou de l'assemblage.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561

7. Gaufrage (un autre nom est "gaufrage") - extrusion mécanique qui crée des images sur papier, carton, matériau polymère ou plastique, feuille, parchemin (la technique est appelée "parchemin", voir ci-dessous), ainsi que sur cuir ou bouleau écorce, dans laquelle le matériau lui-même est gaufré avec un tampon convexe ou concave avec ou sans chauffage, parfois avec l'utilisation supplémentaire de papier d'aluminium et de peinture. Le gaufrage est réalisé principalement sur des couvertures de livres, des cartes postales, des cartons d'invitation, des étiquettes, des emballages souples, etc.
Ce type de travail peut être déterminé par de nombreux facteurs: force, texture et épaisseur du matériau, sens de sa coupe, disposition et autres facteurs.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1626
Sortes :
- Parchemin - le papier parchemin (papier calque ciré épais) est traité avec un outil de gaufrage et devient convexe et blanchit pendant le traitement. Dans cette technique, des cartes postales intéressantes sont obtenues, et cette technique peut également être utilisée pour concevoir une scrappage.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1705
- Texturation - application d'une image à l'aide d'un cliché sur un matériau lisse, généralement du papier métallisé, afin de simuler l'estampage à chaud. Également utilisé pour imiter la peau de certaines races (par exemple, un cliché avec un motif qui imite la peau d'un crocodile, etc.)

* Techniques liées au tissage :
L'homme a appris le tissage bien plus tôt que la poterie. Au début, il tisse des habitations (toits, clôtures, meubles), toutes sortes de paniers pour divers besoins (berceaux, tuesas, chariots, tortues, paniers) et des chaussures à partir de longues branches flexibles. L'homme a appris à tresser ses cheveux.
Avec le développement de ce type de travaux d'aiguille, de plus en plus de matériaux d'application différents sont apparus. Il s'est avéré que vous pouvez tisser à partir de tout ce qui se présente: des vignes et des roseaux, des cordes et des fils, du cuir et de l'écorce de bouleau, du fil et des perles, des journaux ... Des techniques de tissage telles que le tissage, le tissage à partir d'écorce de bouleau et des roseaux sont apparus. , frivolité, tissage de nœuds en macramé, tissage de fuseaux, perlage, ganutel, tissage de cordons kumihimo, tissage de cottes de mailles, tissage de filet, tissage de mandala indien, leurs imitations (tissage à partir de bandes de papier et d'emballages de bonbons, tissage à partir de journaux et de magazines) ...
Il s'est avéré que ce type de couture est toujours populaire, car en l'utilisant, vous pouvez tisser beaucoup de choses belles et utiles, en décorant notre maison avec elles.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/302

1. Le perlage, comme les perles elles-mêmes, a une longue histoire. Les anciens Égyptiens ont été les premiers à apprendre à tisser des colliers à partir de fils perlés, des bracelets à cordes et à recouvrir les robes des femmes de filets perlés. Mais ce n'est qu'au XIXe siècle que le véritable essor de la production de perles a commencé. Pendant longtemps, les Vénitiens ont soigneusement gardé les secrets de la création d'un miracle du verre. Les artisans et les artisanes ont décoré des vêtements et des chaussures, des sacs à main et des sacs à main, des étuis pour les éventails et les lunettes, ainsi que d'autres objets élégants avec des perles.
Avec l'avènement des perles en Amérique, les indigènes ont commencé à les utiliser à la place des matériaux traditionnels indiens familiers. Pour ceinture rituelle, berceau, bandeau, panier, filet à cheveux, boucles d'oreilles, tabatières..
Dans le Grand Nord, la broderie perlée servait à décorer les manteaux de fourrure, les bottes hautes en fourrure, les chapeaux, les harnais de rennes, les lunettes de soleil en cuir...
Nos arrière-grands-mères étaient très inventives. Parmi la grande variété de bibelots élégants, il y a des objets étonnants. Des pinceaux et des housses pour craies, des étuis pour cure-dents (!), un encrier, un stylo et un crayon, un collier pour votre chien préféré, un porte-gobelet, des colliers en dentelle, des œufs de Pâques, des échiquiers et bien, beaucoup, beaucoup plus.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1355

2. Ganutel - couture maltaise exclusive. C'est dans les monastères de la Méditerranée que cette technique de création de belles fleurs pour décorer l'autel a été conservée à ce jour.
Le ganutel utilise de fins fils en spirale et des fils de soie pour enrouler des pièces, ainsi que des perles, des perles ou des rocailles. Les fleurs brillantes sont élégantes et légères.
Au XVIe siècle, un fil spiralé en or ou en argent était appelé en italien « canutiglia », et en espagnol « canutillo », en russe ce mot se transformait probablement en « gimp ».
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1170

3. Macramé (de l'arabe - tresse, frange, dentelle ou du turc - foulard ou serviette à franges) - technique de tissage nodulaire.
La technique de ce tissage nodulaire est connue depuis l'antiquité. Selon certaines informations, le macramé est arrivé en Europe aux VIIIe et IXe siècles en provenance de l'Orient. Cette technique était connue dans l'Égypte ancienne, l'Assyrie, l'Iran, le Pérou, la Chine, la Grèce antique.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/750

4. Tissage de dentelle sur fuseau. En Russie, les métiers Vologda, Yelets, Kirov, Belevsky, Mikhailovsky sont encore connus.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1687

5. La frivolité est une dentelle nodulaire tissée. On l'appelle aussi dentelle navette, car cette dentelle est tissée avec une navette spéciale.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1728

* Techniques liées à la peinture, différents types de peinture et création d'images :

Le dessin est un genre dans les arts visuels et une technique correspondante qui crée une image visuelle (image) sur une surface ou un objet en utilisant des moyens graphiques, en dessinant des éléments (par opposition aux éléments picturaux), principalement à partir de lignes et de traits.
Par exemple : dessin au fusain, dessin au crayon, dessin à l'encre et à la plume...
Peinture - un type d'art associé à la transmission d'images visuelles en appliquant des peintures sur une base solide ou flexible ; créer une image à l'aide de la technologie numérique; ainsi que des œuvres d'art réalisées de cette manière.
Les œuvres de peinture les plus courantes sont réalisées sur des surfaces planes ou presque planes, comme la toile tendue sur châssis, le bois, le carton, le papier, les surfaces murales traitées, etc. formes complexes.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218

1. Batik - peint à la main sur du tissu à l'aide de compositions de réserve.
La technique du batik est basée sur le fait que la paraffine, la colle de caoutchouc, ainsi que certaines autres résines et vernis, lorsqu'ils sont appliqués sur un tissu (soie, coton, laine, synthétiques), ne laissent pas passer la peinture - ou, comme le les artistes disent, "réserve" de tacher des sections individuelles du tissu.
Il existe plusieurs types de batik - chaud, froid, nodulaire, peinture libre, peinture libre utilisant une solution saline, shibori.
Batik - batik est un mot indonésien. Traduit de l'indonésien, le mot "ba" signifie tissu de coton et "-tik" signifie "point" ou "goutte". Ambatik - dessiner, couvrir de gouttes, éclosion.
La peinture "batik" est connue depuis longtemps parmi les peuples d'Indonésie, d'Inde, etc. En Europe - depuis le XXe siècle.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/916

2. Le vitrail (lat. Vitrum - verre) est l'un des types d'art décoratif. Le verre ou un autre matériau transparent est le matériau de base. L'histoire des vitraux commence dès l'Antiquité. Initialement, le verre était inséré dans une fenêtre ou une porte, puis les premières peintures en mosaïque et compositions décoratives indépendantes sont apparues, des panneaux fabriqués à partir de morceaux de verre colorés ou peints avec des peintures spéciales sur du verre ordinaire.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886

3. Soufflage - une technique basée sur le soufflage de peinture à travers un tube (sur une feuille de papier). Cette technique ancienne était traditionnelle tant pour les créateurs d'images anciennes (des tubes en os étaient utilisés).
Les tubes modernes pour le jus ne sont pas pires à utiliser. Ils aident à souffler des dessins reconnaissables, inhabituels et parfois fantastiques à partir d'une petite quantité de peinture liquide sur une feuille de papier.

4. Guilloché - la technique de gravure manuelle d'un motif ajouré sur du tissu à l'aide d'un appareil de gravure a été développée et brevetée par Zinaida Petrovna Kotenkova.
Le guillochage demande de la précision dans le travail. Il doit être réalisé dans une seule palette de couleurs et correspondre au style ornemental d'une composition donnée.
Serviettes, panneaux avec applications, signets pour livres, mouchoirs, cols - tout cela et bien plus encore que votre imagination vous dira, décorera n'importe quelle maison!
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342

5. Grattage (du français gratter - gratter, gratter) - technique de grattage.
Le dessin est mis en évidence en grattant avec un stylo ou un instrument pointu sur du papier ou du carton rempli d'encre (pour qu'il ne soit pas flou, il faut ajouter un peu de détergent ou de shampoing, juste quelques gouttes).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/686

6. La mosaïque est l'un des arts les plus anciens. C'est une façon de créer une image à partir de petits éléments. Assembler le puzzle est très important pour le développement mental de l'enfant.
Il peut s'agir de différents matériaux : capsules de bouteilles, perles, boutons, copeaux de plastique, morceaux de brindilles ou d'allumettes en bois, pièces magnétiques, verre, pièces en céramique, petites pierres, coquillages, thermo-mosaïque, Tetris-mosaïque, pièces de monnaie, morceaux de tissu ou papier, grain, céréales, graines d'érable, pâtes, tout matériau naturel (écailles de cône, aiguilles, graines de pastèque et de melon), copeaux de crayon, plumes d'oiseaux, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/438

7. Monotype (du grec monos - un, unique et tupos - impression) - l'une des techniques graphiques les plus simples.
Par surface lisse verre ou papier glacé épais (il ne doit pas laisser passer l'eau) - un dessin est réalisé avec de la gouache ou des peintures. Une feuille de papier est placée sur le dessus et pressée contre la surface. Le résultat est une image miroir.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/663

8. Graphiques de fil (fil, image de fil, conception de fil) - image graphique, réalisé de manière spéciale avec des fils sur carton ou autre base solide. Les graphiques de fil sont aussi parfois appelés isographie ou broderie en carton. Vous pouvez également utiliser du velours (papier velours) ou du papier épais comme base. Les fils peuvent être de la couture ordinaire, de la laine, du fil dentaire ou autres. Vous pouvez également utiliser des fils de soie colorés.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/452

9. Ornement (latin ornamentum - décoration) - un motif basé sur la répétition et l'alternance de ses éléments constitutifs; destinés à décorer divers objets (ustensiles, outils et armes, textiles, meubles, livres, etc.), des structures architecturales (tant de l'extérieur qu'à l'intérieur), des œuvres d'arts plastiques (principalement appliqués), chez les peuples primitifs ainsi que les corps humain lui-même (coloration, tatouage). Associé à la surface qu'il décore et organise visuellement, un ornement, en règle générale, révèle ou accentue l'architectonique de l'objet sur lequel il est appliqué. L'ornement opère soit avec des formes abstraites, soit stylise des motifs réels, les schématisant souvent au-delà de toute reconnaissance.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222

10. Imprimez.
Sortes :
- Impression à l'éponge. Pour cela, une éponge de mer et une éponge ordinaire destinée à laver la vaisselle conviennent.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1094
Le bois est généralement utilisé comme matériau de départ pour l'estampage avec une impression cliché, de sorte qu'il est pratique de le prendre en main. Un côté est rendu pair, parce que. du carton est collé dessus, et des motifs sur du carton. Ils (motifs) peuvent provenir de papier, d'une corde, d'une vieille gomme, de plantes-racines ...
- Cachet (estampage). Le bois est généralement utilisé comme matériau de départ pour l'estampage avec une impression cliché, de sorte qu'il est pratique de le prendre en main. Un côté est rendu pair, parce que. du carton est collé dessus, et des motifs sur du carton. Ils (motifs) peuvent provenir de papier, d'une corde, d'une vieille gomme, de tubercules, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1068

11. Le pointillisme (fr. Pointillisme, littéralement «pointillisme») est un style d'écriture en peinture qui utilise des peintures pures qui ne se mélangent pas sur la palette, appliquées en petits traits de forme rectangulaire ou ronde, en fonction de leur mélange optique dans le l'œil du spectateur, contrairement au mélange de peintures sur la palette. Le mélange optique de trois couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) et de couples de couleurs supplémentaires (rouge - vert, bleu - orange, jaune - violet) donne une luminosité bien supérieure à un mélange mécanique de pigments.Mélange des couleurs avec formation de nuances se produit au stade de la perception de l'image par le spectateur à distance ou sous une forme réduite.
Georges Seurat est le fondateur du style.
Un autre nom pour le pointillisme est le divisionnisme (du latin divisio - division, écrasement).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700

12. Dessiner avec les paumes. Il est difficile pour les jeunes enfants d'utiliser un pinceau. Il s'agit d'une activité très excitante qui donnera à l'enfant de nouvelles sensations, développera la motricité fine des mains et lui donnera l'occasion de découvrir un monde nouveau et magique. créativité artistique C'est de la peinture à la main. En dessinant avec leurs mains, les petits artistes développent leur imagination et leur pensée abstraite.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315

13. Dessin avec des empreintes de feuilles. Après avoir collecté diverses feuilles tombées, enduisez chaque feuille de gouache du côté des nervures. Le papier sur lequel vous allez imprimer peut être de couleur ou blanc. Appuyez la feuille avec le côté peint contre la feuille de papier, retirez-la délicatement en prenant la "queue" (pétiole). Ce processus peut être répété encore et encore. Et maintenant, après avoir terminé les détails, vous avez déjà un papillon qui survole la fleur.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/667

14. Peinture. L'un des plus anciens types d'artisanat populaire, qui depuis plusieurs siècles fait partie intégrante de la vie quotidienne et culture d'origine personnes. Dans l'art populaire russe, il existe un grand nombre de variétés de ce type d'art et d'artisanat.
En voici quelques uns:
- Peinture Zhostovo - un ancien artisanat folklorique russe, originaire de début XIX siècle, dans le village de Zhostovo, district de Mytishchi, région de Moscou. C'est l'un des types les plus célèbres de la peinture folklorique russe. Les plateaux Zhostovo sont peints à la main. Habituellement, les bouquets de fleurs sont représentés sur un fond noir.
- Peinture Gorodets - Artisanat d'art populaire russe. Il existe depuis le milieu du XIXe siècle. près de la ville de Gorodets. Peinture Gorodets lumineuse et laconique (scènes de genre, figurines de chevaux, coqs, motifs floraux), réalisée d'un coup de pinceau libre avec des traits graphiques blancs et noirs, ornée de rouets, de meubles, de volets et de portes.
- Peinture Khokhloma - un ancien artisanat folklorique russe, né au 17ème siècle dans le district de Nizhny Novgorod.
Khokhloma est une peinture décorative d'ustensiles et de meubles en bois, réalisée en noir et rouge (et, occasionnellement, vert) sur un fond doré. Lors de la peinture d'un arbre, de la poudre d'étain argenté est appliquée sur l'arbre. Après cela, le produit est recouvert d'une composition spéciale et traité trois ou quatre fois au four, ce qui permet d'obtenir une couleur miel-dorée unique, qui donne un effet de masse aux ustensiles en bois légers. Les éléments traditionnels de Khokhloma sont le sorbier rouge juteux et les baies, les fleurs et les branches de fraise. Il y a souvent des oiseaux, des poissons et des animaux.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301

15. Encaustique (du grec ancien. "L'art de brûler") - une technique de peinture dans laquelle classeur les peintures sont de la cire. La peinture se fait avec des peintures sous forme fondue (d'où le nom). Une variété d'encaustique est la détrempe à la cire, qui se distingue par sa luminosité et la richesse de ses couleurs. De nombreuses icônes paléochrétiennes ont été peintes selon cette technique.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1485

*Techniques liées à la couture, à la broderie et à l'utilisation des tissus :
La couture est une forme familière du verbe "coudre", c'est-à-dire ce qui est cousu ou cousu.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1136

2. Patchwork, Quilting, Quilting ou Patchwork est un artisanat folklorique, avec des traditions séculaires et des caractéristiques stylistiques. Il s'agit d'une technique qui utilise des morceaux de tissus multicolores ou des éléments tricotés de formes géométriques à relier dans un couvre-lit, un chemisier ou un sac.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
Sortes :
- L'artichaut est un type de patchwork qui tire son nom de sa ressemblance avec le fruit de l'artichaut. Cette technique a d'autres noms - «dents», «coins», «écailles», «plumes».
En gros, dans cette technique, tout se résume à plier les parties découpées et à les coudre sur la base dans un certain ordre. Ou, à l'aide de papier, composer (coller) divers panneaux de forme arrondie (ou polyédrique) sur un plan ou en volume.
Il existe deux façons de coudre: la pointe des flans est dirigée vers le centre de la partie principale ou vers ses bords. C'est si vous cousez un produit plat. Pour les produits de nature volumétrique - avec une pointe vers une partie plus étroite. Les pièces à plier ne sont pas nécessairement découpées en carrés. Il peut s'agir à la fois de rectangles et de cercles. Dans tous les cas, nous rencontrons le pliage de flans découpés, par conséquent, on peut affirmer que ces techniques de patchwork appartiennent à la famille du patchwork d'origami, et puisqu'elles créent du volume, elles appartiennent donc également à la technique "3d".
Exemple : http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- Couette folle. Je suis également tombé sur celui-ci récemment. Je pense que c'est une multiméthode.
L'essentiel est que le produit soit créé à partir d'une combinaison de différentes techniques : patchwork + broderie + peinture, etc.
Exemple:

3. Tsumami Kanzashi. Tsumami est basé sur l'origami. Seulement ils ne plient pas du papier, mais des carrés de soie naturelle. Le mot « Tsumami » signifie « pincer » : le maître prend un morceau de soie pliée à l'aide d'une pince à épiler ou d'une pince à épiler. Les pétales des futures fleurs sont ensuite collés sur la base.
L'épingle à cheveux (kanzashi), ornée d'une fleur en soie, a donné son nom à un tout nouveau type d'artisanat. Cette technique a été utilisée pour réaliser des décorations pour peignes, et pour des bâtons individuels, ainsi que pour des structures complexes composées d'accessoires divers.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1724

* Techniques liées au tricot :
Qu'est-ce que le tricot ? C'est le processus de fabrication de produits à partir de fils continus en les pliant en boucles et en reliant les boucles les unes aux autres à l'aide d'outils simples à la main (crochet, aiguilles à tricoter).
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/729

1. Tricoter sur une fourchette. Une façon intéressante de crocheter à l'aide d'un appareil spécial - une fourchette, courbée en forme de lettre U. Le résultat est des motifs légers et aérés.
2. Crochet (tambour) - le processus de fabrication de tissu ou de dentelle à la main à partir de fils à l'aide d'un crochet. créant non seulement des motifs denses en relief, mais également des motifs fins et ajourés rappelant un tissu en dentelle. Les modèles de tricot consistent en différentes combinaisons de boucles et de colonnes. Le bon rapport - l'épaisseur du crochet doit être presque le double de l'épaisseur du fil.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/858
3. Le tricot simple (européen) vous permet de combiner plusieurs types de boucles, ce qui crée des motifs ajourés simples et complexes.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1157
4. Tricotage tunisien avec un long crochet (une et plusieurs boucles peuvent participer en même temps pour créer un motif).
5. Tricot jacquard - les motifs sont tricotés sur des aiguilles à tricoter à partir de fils de plusieurs couleurs.
6. Tricot de filet - imite la broderie filet-guipure sur une grille spéciale.
7. Tricot guipure (dentelle irlandaise ou bruxelloise) crochet.

2. Sciage. Un type consiste à scier avec une scie sauteuse. En décorant votre vie et votre maison avec des objets artisanaux ou des jouets pour enfants pratiques pour la vie quotidienne, vous éprouvez la joie de apparence et profitez du processus de création.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1418

3. Sculpture - une sorte d'art et d'artisanat. C'est l'un des types de traitement artistique du bois avec le sciage, le tournage.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1113

* Autres techniques autonomes :
1. L'application (du latin « attacher ») est une façon de travailler avec des pièces colorées de divers matériaux : papier, tissu, cuir, fourrure, feutre, perles colorées, perles, fils de laine, plaques de métal ciselé, toutes sortes de tissus (velours , satin, soie), feuilles séchées... Cette utilisation de divers matériaux et structures afin d'augmenter les possibilités expressives est très proche d'un autre moyen de représentation, le collage.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
Existe aussi :
- Application à partir de pâte à modeler - plasticineographie - le nouveau genre l'artisanat. Il s'agit d'une création de peintures en stuc représentant des objets plus ou moins convexes, semi-volumineux sur une surface horizontale. Il s'agit essentiellement d'un type de « peinture » rare et très expressif.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- Application de "paumes". Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- L'appliqué Breakaway est l'un des types de technique d'appliqué à multiples facettes. Tout est simple et accessible, comme la pose d'une mosaïque. La base est une feuille de carton, le matériau est une feuille de papier de couleur déchirée en morceaux (plusieurs couleurs), l'outil est de la colle et vos mains. Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346

2. Assemblage (fr. assemblage) - une technique d'art visuel, semblable au collage, mais utilisant des détails tridimensionnels ou des objets entiers, disposés de manière appliquée sur un plan comme une image. Permet des ajouts picturaux avec des peintures, ainsi que du métal, du bois, du tissu et d'autres structures. Parfois, il est appliqué à d'autres œuvres, du photomontage aux compositions spatiales, car la terminologie de l'art visuel le plus récent n'est pas bien établie.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1412

3. Tunnel de papier. Le nom anglais original de cette technique est tunnel book, qui peut être traduit par un livre ou un tunnel en papier. L'essence de la technique est bien tracée du nom anglais tunnel - un tunnel - un trou traversant. La nature multicouche des «livres» (livre) en cours de compilation transmet bien le sentiment du tunnel. Il y a une carte postale en trois dimensions. Soit dit en passant, cette technique combine avec succès différents types de techniques, telles que le scrapbooking, l'applique, la découpe, la création de mises en page et de livres volumineux. C'est un peu comme l'origami, parce que. visant à plier le papier d'une certaine manière.
Le premier tunnel en papier date du milieu du XVIIIe siècle. et était la quintessence des scènes théâtrales.
Traditionnellement, les tunnels en papier sont créés pour commémorer un événement ou vendus comme souvenirs aux touristes.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411

4. La coupe est un terme très large.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
Ils sont découpés dans du papier, du plastique mousse, du caoutchouc mousse, de l'écorce de bouleau, des bouteilles en plastique, du savon, du contreplaqué (bien que cela soit déjà appelé sciage), des fruits et légumes, ainsi que d'autres matériaux différents. Divers outils sont utilisés : ciseaux, faux couteaux, scalpel. Ils ont découpé des masques, des chapeaux, des jouets, des cartes postales, des panneaux, des fleurs, des figurines et bien plus encore.
Sortes :
- La découpe de silhouette est une technique de découpe dans laquelle des objets de structure asymétrique sont découpés à l'œil nu, avec des contours curvilignes (poissons, oiseaux, animaux, etc.), avec des contours complexes de figures et des transitions douces d'une partie à l'autre. Les silhouettes sont facilement reconnaissables et expressives, elles doivent être sans petits détails et comme en mouvement. Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- La coupe est symétrique. Avec une découpe symétrique, nous répétons les contours de l'image, qui doivent s'inscrire exactement dans le plan de la feuille de papier pliée en deux, compliquant constamment le contour de la figure afin de transmettre correctement les caractéristiques externes des objets dans les applications dans un stylisé formulaire.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - l'art de découper des motifs ajourés dans du papier coloré, blanc ou noir existe depuis l'époque où le papier a été inventé en Chine. Et ce type de sculpture est devenu connu sous le nom de jianzhi. Cet art s'est répandu dans le monde entier : Chine, Japon, Vietnam, Mexique, Danemark, Finlande, Allemagne, Ukraine, Lituanie et bien d'autres pays.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- Sculpture (voir ci-dessous).

5. Le découpage (du découpage français - nom, "ce qui est découpé") est une technique de décoration, d'application, de décoration avec des motifs en papier découpé. Paysans chinois au XIIe siècle. a commencé à décorer les meubles de cette façon. Et en plus de découper des images dans du papier fin et coloré, ils ont commencé à le recouvrir de vernis pour le faire ressembler à une peinture! Ainsi, avec de beaux meubles, cette technique est également arrivée en Europe.
Aujourd'hui, le matériau le plus populaire pour le découpage est les serviettes à trois couches. D'où l'autre nom - "technologie de la serviette". L'application peut être absolument illimitée - plats, livres, cercueils, bougies, récipients, instruments de musique, des pots de fleurs, des bouteilles, des meubles, des chaussures et même des vêtements ! Toute surface - cuir, bois, métal, céramique, carton, textile, gypse - doit être unie et légère, car. le motif découpé dans la serviette doit être clairement visible.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/722

6. Sculpture (de l'anglais. carvу - couper, couper, graver, couper; sculpture - sculpture, sculpture, ornement sculpté, figure sculptée) en cuisine - c'est la forme la plus simple de sculpture ou de gravure à la surface des légumes et des fruits, une telle table de décorations éphémères.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339

7. Le collage est un genre créatif lorsqu'une œuvre est créée à partir d'une grande variété d'images découpées collées sur du papier, de la toile ou numériquement. Vient du fr. papier collé - papier collé. Très rapidement, ce concept a commencé à être utilisé dans un sens élargi - un mélange de divers éléments, un message lumineux et expressif à partir de fragments d'autres textes, des fragments rassemblés sur le même plan.
Le collage peut être complété par tout autre moyen - encre, aquarelle, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/324

8. Constructeur (du lat. constructeur "constructeur") - un terme ambigu. Pour notre profil, il s'agit d'un ensemble de pièces d'accouplement. c'est-à-dire des détails ou des éléments d'une mise en page future, dont les informations sont collectées par l'auteur, analysées et incorporées dans un beau produit exécuté de manière artistique.
Les concepteurs diffèrent par le type de matériau - métal, bois, plastique et même papier (par exemple, modules d'origami en papier). La combinaison de divers éléments crée des designs intéressants pour les jeux et le plaisir.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/984

9. Modelage - mise en forme de matière plastique (plastique, argile, plastique, pâte à sel, boule de neige, sable, etc.) à l'aide de mains et d'outils auxiliaires. C'est l'une des techniques de base de la sculpture, qui vise à maîtriser les principes fondamentaux de cette technique.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/670

10. Une mise en page est une copie d'un objet avec redimensionnement (généralement réduit), qui est réalisée en préservant les proportions. La mise en page doit également transmettre les principales caractéristiques de l'objet.
Pour créer cette œuvre unique, vous pouvez utiliser divers matériaux, tout dépend de sa destination fonctionnelle (aménagement d'exposition, cadeau, présentation, etc.). Il peut s'agir de papier, de carton, de contreplaqué, de blocs de bois, de pièces en plâtre et en argile, de fil de fer.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1397
Mode Mise en page - un modèle est une mise en page valide qui décrit (imite) toutes les caractéristiques importantes de l'original. De plus, l'attention est focalisée sur certains aspects de l'objet modélisé ou tout aussi détaillé de celui-ci. Le modèle est créé pour être utilisé, par exemple, pour l'enseignement sur modèle visuel des mathématiques, de la physique, de la chimie et d'autres matières scolaires, pour un club de mer ou d'air. Une variété de matériaux sont utilisés dans le modelage : ballons, masse légère et plastique, cire, argile, gypse, papier mâché, pâte à sel, papier, mousse plastique, caoutchouc mousse, allumettes, fils à tricoter, tissu...
La modélisation est la création d'un modèle fiable et proche de l'original.
Les "modèles" sont les mises en page qui sont en vigueur. Et les modèles qui ne fonctionnent pas, c'est-à-dire "strand" - généralement appelé mise en page.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1353

11. Fabrication de savon. Les graisses animales et végétales, les substituts de graisse (acides gras synthétiques, colophane, acides naphténiques, tall oil) peuvent être utilisés comme matières premières pour obtenir le composant principal du savon.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1631

12. Sculpture (lat. sculptura, de sculpo - couper, tailler) - sculpture, plastique - un type d'art dont les œuvres ont une forme tridimensionnelle et sont faites de matériaux solides ou plastiques (métal, pierre, argile , bois, plâtre, glace, neige, sable, caoutchouc mousse, savon). Méthodes de traitement - moulage, sculpture, coulée, forgeage, chasse, coupe, etc.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1399

13. Tissage - production de tissus et de textiles à partir de fils.
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1318

14. Filtrage (ou feutrage, ou feutrage) - laine de feutrage. Il y a "humide" et "sec".
Exemples : http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/736

15. La chasse à plat est l'un des types d'arts et d'artisanat, à la suite de la suppression d'un certain relief ornemental, d'un dessin, d'une inscription ou d'une image ronde figurée, parfois proche de la gravure, sur une plaque, une nouvelle œuvre d'art est créée .
Le traitement du matériau est effectué à l'aide d'une tige - une chasse placée verticalement, à l'extrémité supérieure de laquelle ils frappent avec un marteau. Le déplacement de la monnaie s'est progressivement manifesté nouvelle forme. Le matériau doit avoir une certaine plasticité et la capacité de changer sous l'influence de la force.
Exemples:

cité
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Contrairement aux articles fabriqués en série sans visage, les articles faits à la main sont toujours uniques. Les ustensiles ménagers, les vêtements, les éléments d'intérieur magistralement fabriqués coûtent cher. Et si autrefois de telles choses étaient des objets utilitaires, elles sont aujourd'hui passées dans la catégorie de l'art. Une belle chose faite par un bon artisan aura toujours de la valeur.

Ces dernières années, le développement des arts appliqués a reçu un nouvel élan. Cette tendance est encourageante. De beaux plats en bois, métal, verre et argile, dentelles, textiles, bijoux, broderies, jouets - après plusieurs décennies d'oubli, tout cela est redevenu pertinent, à la mode et en demande.

Histoire du Musée d'art populaire de Moscou

En 1981, le Musée des arts décoratifs, appliqués et populaires a été ouvert à Moscou, rue Delegatskaya. Sa collection était composée d'exemples uniques d'artisanat. maîtres domestiques passé, ainsi que les meilleures œuvres d'artistes contemporains.

En 1999, l'événement important suivant a eu lieu - le Musée panrusse d'art décoratif, appliqué et populaire a accepté dans sa collection les expositions du Musée d'art populaire nommé d'après Savva Timofeevich Morozov. Le noyau de cette collection a été formé avant la révolution de 1917. La base en était les expositions du tout premier musée ethnographique russe. C'était le soi-disant Musée de l'artisanat des arts décoratifs et appliqués, ouvert en 1885.

Le musée dispose d'une bibliothèque spécialisée où vous pourrez vous familiariser avec des livres rares sur la théorie et l'histoire de l'art.

Collection du musée

Les types traditionnels d'art et d'artisanat sont systématisés et divisés en départements. Les principaux domaines thématiques sont la céramique et la porcelaine, le verre, les bijoux et le métal, la sculpture sur os et sur bois, les textiles, les miniatures en laque et les matériaux nobles.

Le Musée des Arts décoratifs et appliqués dans le fonds ouvert et les stockages compte plus de 120 000 expositions. L'Art nouveau russe est représenté par les œuvres de Vrubel, Konenkov, Golovin, Andreev et Malyutin. La collection de porcelaines et de tissus de propagande soviétique du deuxième quart du siècle dernier est vaste.

Actuellement, ce musée des arts et métiers folkloriques est considéré comme l'un des plus importants au monde. Les expositions les plus anciennes de grande valeur artistique remontent au XVIe siècle. La collection du musée a toujours été activement reconstituée par des dons de particuliers, ainsi que par les efforts des responsables de l'appareil d'État pendant les années du pouvoir soviétique.

Ainsi, l'exposition unique de tissus a été formée en grande partie grâce à la générosité du citoyen français P. M. Tolstoy-Miloslavsky, qui a présenté au musée une grande collection de textiles russes, orientaux et européens, collectés par N. L. Shabelskaya.

Deux grandes collections de porcelaine ont été données au musée par des personnalités exceptionnelles de l'art soviétique - Leonid Osipovich Utyosov et ses épouses Maria Mironova et Alexander Menaker.

Le Musée des arts appliqués de Moscou possède des salles consacrées à la vie du peuple russe à différentes époques. Ici, vous pourrez vous familiariser avec les habitations des représentants de différentes classes. Meubles, ustensiles, vêtements de paysans et de citadins, jouets d'enfants ont été conservés, restaurés et exposés à la vue. Les décors sculptés de plateaux et de faîtes de toit, de poêles en faïence, de coffres, qui servaient non seulement de rangement pratique pour les choses, mais aussi de lits, car ils étaient faits de la taille appropriée, évoquent des images de la vie tranquille, mesurée et bien nourrie de l'arrière-pays russe.

Miniature en laque

La miniature en laque en tant qu'art appliqué a atteint son apogée aux XVIIIe et XIXe siècles. Des villes célèbres pour leurs ateliers de peinture d'icônes sont devenues des centres artistiques qui ont donné un permis de séjour aux principaux courants. Ce sont Palekh, Mstyora, Kholuy et Fedoskino. Coffrets, broches, panneaux, coffres en papier mâché étaient peints à la peinture à l'huile ou à la détrempe et vernis. Les dessins étaient des images stylisées d'animaux, de plantes, de personnages de contes de fées et d'épopées. Artistes, maîtres de la miniature en laque, peint des icônes, réalise des portraits sur commande, peint des scènes de genre. Chaque localité a développé son propre style d'écriture, mais presque tous les types d'art appliqué dans notre pays sont unis par des qualités telles que la richesse et la luminosité des couleurs. Élaboration détaillée des dessins, lignes lisses et arrondies - c'est ce qui distingue les miniatures russes. Il est intéressant de noter que les images de l'art décoratif appliqué du passé inspirent également les artistes contemporains. Les motifs vintage sont souvent utilisés pour créer des tissus pour les collections de mode.

Peinture d'art sur bois

Les peintures de Khokhloma, Mezen et Gorodets sont reconnaissables non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger. Les meubles, tuesas, boîtes, cuillères, bols et autres ustensiles ménagers en bois, peints selon l'une de ces techniques, sont considérés comme la personnification de la Russie. Les ustensiles en bois clair, peints avec des peintures noires, rouges et vertes sur fond doré, ont l'air massifs et lourds - c'est un style caractéristique de Khokhloma.

Les produits Gorodets se distinguent par une palette de couleurs multicolores et une rondeur des formes légèrement plus petite que celle de Khokhloma. Comme intrigues, des scènes de genre sont utilisées, ainsi que toutes sortes de représentants fictifs et réels du monde animal et végétal.

Les arts et l'artisanat de la région d'Arkhangelsk, en particulier la peinture sur bois de Mezen, sont des objets utilitaires décorés de motifs spéciaux. Les maîtres de Mezen n'utilisent que deux couleurs pour leur travail - le noir et le rouge, c'est-à-dire la suie et l'ocre, un dessin schématique fractionnaire de mar, de cercueils et de coffres, des frises en forme de bordures à partir de figures tronquées répétées de chevaux et de cerfs. Un petit motif statique, souvent répété, évoque une sensation de mouvement. La peinture de Mezen est l'une des plus anciennes. Les dessins utilisés artistes contemporains, sont des inscriptions hiéroglyphiques utilisées par les tribus slaves bien avant l'émergence de l'État russe.

Les artisans du bois, avant de transformer un objet à partir d'une barre solide, traitent le bois contre la fissuration et le dessèchement, de sorte que leurs produits ont une très longue durée de vie.

Plateaux Zhostovo

Les plateaux en métal peints de fleurs sont l'art appliqué de Zhostovo près de Moscou. Ayant autrefois un but exclusivement utilitaire, les plateaux Zhostovo ont longtemps servi de décoration intérieure. Des bouquets lumineux de grand jardin et de petites fleurs sauvages sur fond noir, vert, rouge, bleu ou argenté sont facilement reconnaissables. Les bouquets caractéristiques de Zhostovo décorent désormais des boîtes en métal avec du thé, des biscuits ou des bonbons.

Émail

Les arts et métiers tels que l'émail font également référence à la peinture sur métal. Les plus célèbres sont les produits des maîtres de Rostov. Les peintures réfractaires transparentes sont appliquées sur une plaque de cuivre, d'argent ou d'or, puis cuites dans un four. Dans la technique de l'émail à chaud, comme on l'appelle aussi l'émail, on fabrique des bijoux, de la vaisselle, des manches d'armes et des couverts. Sous l'influence des températures élevées, les peintures changent de couleur, les artisans doivent donc comprendre les subtilités de leur manipulation. Le plus souvent, les motifs floraux sont utilisés comme parcelles. Les artistes les plus expérimentés réalisent des miniatures avec des portraits de personnes et de paysages.

Majolique

Le Musée des arts appliqués de Moscou offre l'occasion de voir les œuvres de maîtres reconnus de la peinture mondiale, réalisées d'une manière qui ne leur est pas tout à fait caractéristique. Ainsi, par exemple, dans l'une des salles, il y a la majolique de Vroubel - une cheminée "Mikula Selyaninovich et Volga".

La majolique est un produit en argile rouge, peint sur émail cru et cuit dans un four spécial à très haute température. Dans la région de Yaroslavl, les arts et l'artisanat se sont répandus et développés en raison du grand nombre de gisements d'argile pure. Actuellement, dans les écoles de Yaroslavl, on apprend aux enfants à travailler avec cette matière plastique. L'art appliqué des enfants est un second souffle pour les métiers anciens, un nouveau regard sur les traditions folkloriques. Cependant, ce n'est pas seulement un hommage aux traditions nationales. Travailler avec de l'argile développe la motricité fine, élargit l'angle de vision et normalise l'état psychosomatique.

Gjel

Les arts décoratifs et appliqués, contrairement aux beaux-arts, impliquent l'utilisation utilitaire et économique d'objets créés par des artistes. Théières en porcelaine, vases à fleurs et à fruits, bougeoirs, horloges, manches de couverts, assiettes et tasses sont tous extrêmement fins et décoratifs. Basés sur les souvenirs de Gjel, les imprimés sont réalisés sur des matériaux tricotés et textiles. Nous avions l'habitude de penser que Gjel était un motif bleu sur fond blanc, mais au départ, la porcelaine de Gjel était multicolore.

Broderie

La broderie sur tissu est l'un des types de travaux d'aiguille les plus anciens. Initialement, il était destiné à décorer les vêtements de la noblesse, ainsi que les tissus destinés aux rituels religieux. Cet artisanat populaire nous est venu des pays de l'Est. Les robes des riches étaient brodées de soie colorée, de fils d'or et d'argent, de perles, de pierres précieuses et de pièces de monnaie. Le plus précieux est la broderie à petits points, dans laquelle il y a une sensation de douceur, comme si elle était dessinée avec un motif de peinture. En Russie, la broderie est rapidement entrée en vigueur. De nouvelles technologies ont fait leur apparition. En plus du point satin et du point de croix traditionnels, ils ont commencé à broder avec des ourlets, c'est-à-dire à tracer des chemins ajourés le long des vides formés par les fils tirés.

Jouets Dymkovo pour enfants

Dans la Russie pré-révolutionnaire, les centres d'artisanat folklorique, en plus des articles utilitaires, produisaient des centaines de milliers de jouets pour enfants. C'étaient des poupées, des animaux, de la vaisselle et des meubles pour le plaisir des enfants, des sifflets. L'art décoratif et appliqué de cette direction est toujours très populaire.

Le symbole de la terre Vyatka - le jouet Dymkovo - n'a pas d'analogues dans le monde. Des demoiselles, des messieurs, des paons, des carrousels, des chèvres aux couleurs vives sont immédiatement reconnaissables. Pas un seul jouet ne se répète. Sur un fond blanc comme neige, des motifs en forme de cercles, de lignes droites et ondulées sont dessinés avec des peintures rouges, bleues, jaunes, vertes et dorées. Tous les métiers sont très harmonieux. Ils dégagent une énergie positive si puissante que quiconque prend un jouet peut le sentir. Peut-être n'avez-vous pas besoin de placer des symboles chinois du bien-être sous la forme de crapauds à trois pattes, de poissons rouges en plastique ou d'arbres d'argent dans les coins de l'appartement, mais il est préférable de décorer votre maison avec des produits de maîtres russes - l'argile souvenirs de Kargopol, Tula ou Vyatka, sculptures miniatures en bois d'artisans de Nizhny Novgorod. Il est impossible qu'ils n'attirent pas l'amour, la prospérité, la santé et le bien-être dans la famille.

Jouet Filimonov

dans les centres la créativité des enfants Dans de nombreuses régions de notre pays, les enfants apprennent à sculpter à partir d'argile et à peindre des objets artisanaux à la manière de l'artisanat populaire du centre de la Russie. Les enfants aiment beaucoup travailler avec un matériau aussi pratique et plastique que l'argile. Ils proposent de nouveaux dessins dans le respect des anciennes traditions. C'est ainsi que l'art appliqué domestique se développe et reste en demande non seulement dans les centres touristiques, mais dans tout le pays.

Les expositions itinérantes de jouets Filimonovo sont très populaires en France. Ils parcourent le pays tout au long de l'année et sont accompagnés de master classes. Les sifflets sont achetés par des musées au Japon, en Allemagne et dans d'autres pays. Cet artisanat, qui a une résidence permanente dans la région de Tula, a environ 1000 ans. De fabrication primitive, mais peintes de couleurs roses et vertes, elles ont l'air très gaies. La forme simplifiée s'explique par le fait que les jouets ont des cavités à l'intérieur avec des trous sortant. Si vous soufflez dedans en fermant alternativement différents trous, vous obtenez une mélodie simple.

Châles Pavlovo

Les châles confortables, féminins et très lumineux fabriqués par les tisserands de Pavlovo-Posad sont devenus connus dans le monde entier grâce à l'incroyable collection de mode du créateur de mode russe Vyacheslav Zaitsev. Il a utilisé des tissus et des motifs traditionnels pour les robes de femmes, les chemises d'hommes, d'autres vêtements et même des chaussures. Le châle Pavlovsky Posad est un accessoire qui peut être hérité comme un bijou. La durabilité et la résistance à l'usure des mouchoirs sont bien connues. Ils sont fabriqués à partir de laine fine de haute qualité. Les dessins ne se décolorent pas au soleil, ne se décolorent pas au lavage et ne rétrécissent pas. La frange des foulards est fabriquée par des artisans spécialement formés - toutes les cellules de la maille ajourée sont nouées à la même distance les unes des autres. Le dessin représente des fleurs sur fond rouge, bleu, blanc, noir, vert.

Dentelle de Vologda

La dentelle Vologda de renommée mondiale est tissée à l'aide de bobines de bouleau ou de genévrier à partir de fils de coton ou de lin. De cette façon, des rubans à mesurer, des couvre-lits, des châles et même des robes sont fabriqués. La dentelle Vologda est une bande étroite, qui est la ligne principale du motif. Les vides sont remplis de filets et d'insectes. La couleur traditionnelle est le blanc.

L'art appliqué ne s'arrête pas. Le développement et le changement se produisent tout le temps. Il faut dire qu'au début du siècle dernier, sous l'influence d'une industrie en développement, des manufactures industrielles équipées de machines électriques à grande vitesse sont apparues, le concept de production de masse est apparu. Les arts et l'artisanat populaires ont commencé à décliner. Ce n'est qu'au milieu du siècle dernier que l'artisanat traditionnel russe a été restauré. Dans des centres d'art tels que Tula, Vladimir, Gus-Khrustalny, Arkhangelsk, Rostov, Zagorsk et d'autres, des écoles professionnelles ont été construites et ouvertes, des enseignants qualifiés ont été formés et de nouveaux jeunes maîtres ont été formés.

Types modernes de travaux d'aiguille et de créativité

Les gens voyagent, se familiarisent avec les cultures d'autres nations, apprennent le métier. De temps en temps, de nouveaux types d'arts et d'artisanat apparaissent. Le scrapbooking, l'origami, le quilling et autres sont devenus de telles nouveautés pour notre pays.

À une certaine époque, les murs et les clôtures en béton fleurissaient avec une variété de dessins et d'inscriptions réalisés de manière très artistique. Le graffiti, ou spray art, est une interprétation moderne d'un ancien type d'art rupestre. Vous pouvez rire autant que vous le souhaitez des passe-temps des adolescents, ce qui inclut certainement les graffitis, mais regardez les photos sur Internet ou promenez-vous dans votre propre ville et vous trouverez des œuvres vraiment très artistiques.

scrapbooking

La conception de cahiers, de livres et d'albums qui existent en un seul exemplaire s'appelle le scrapbooking. En général, cette activité n'est pas entièrement nouvelle. Des albums destinés à préserver l'histoire d'une famille, d'une ville ou d'un individu pour la postérité ont déjà été créés. La vision moderne de cet art est la création de livres d'art avec des illustrations par les auteurs, ainsi que l'utilisation d'ordinateurs avec divers éditeurs graphiques, musicaux, photo et autres.

Quilling et origami

Le quilling, traduit en russe par "roulage de papier", sert à créer des panneaux, à décorer des cartes postales, des cadres photo, etc. La technique consiste à tordre de fines bandes de papier et à les coller sur la base. Plus le fragment est petit, plus l'artisanat est élégant et décoratif.

L'origami, comme le quilling, est un travail sur papier. Seul l'origami est un travail avec des feuilles de papier carrées, à partir desquelles toutes sortes de formes sont formées.

En règle générale, tous les métiers associés à la fabrication du papier ont des racines chinoises. Les arts et métiers asiatiques étaient à l'origine le divertissement de la noblesse. Les pauvres n'étaient pas engagés dans la création de belles choses. Leur destin est l'agriculture, l'élevage et toutes sortes de travaux subalternes. Les Européens, ayant adopté les bases de la technologie, qui est historiquement un travail très petit et délicat avec du papier de riz, ont transféré l'art dans des conditions qui leur conviennent.

Les produits chinois se distinguent par une abondance de très petits détails qui semblent monolithiques et très élégants. Un tel travail n'est possible que artisans expérimentés. De plus, les rubans de papier minces ne peuvent être torsadés en une bobine serrée et uniforme qu'à l'aide d'outils spéciaux. Les amateurs d'artisanat européens ont quelque peu modifié et simplifié l'ancien artisanat chinois. Le papier, enroulé en spirales de différentes tailles et densités, est devenu une décoration populaire pour les boîtes en carton, les vases pour fleurs séchées, les cadres et les panneaux.

En parlant d'art et d'artisanat, il serait injuste d'ignorer des métiers tels que la peinture sur soie, ou le batik, l'impression ou le gaufrage, c'est-à-dire la peinture sur métal, le tissage de tapis, le perlage, le macramé, le tricot. Quelque chose devient une chose du passé, et quelque chose d'autre devient si à la mode et populaire que même les entreprises industrielles mettent en place la production d'équipements pour ce type de créativité.

Préserver les vieux métiers et présenter les meilleurs exemples dans les musées est une bonne action qui servira toujours de source d'inspiration pour les gens. métiers créatifs et aidera tout le monde à rejoindre la belle.