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- 26.07.2019 Vendu 55% des lots. Acheteurs - Moscou et Saint-Pétersbourg
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- 19.07.2019 Vendu 50% - 10 lots sur 20
- 18.07.2019 Samedi prochain, le 20 juillet, ArtLiterary Fund présentera une autre vente aux enchères au Winzavod art contemporain, dont le catalogue comprend plus de 200 œuvres d'artistes des années 1980 - 2010
- 13.06.2019 Achetez pour cinq dollars et revendez pour un million. Envie de tirer billet de loterie hante de nombreux acheteurs inexpérimentés. Ne me trompez pas avec vos livres et musées ! Répondez simplement : comment acheter un chef-d'œuvre dans une brocante ?
- 06.06.2019 La prémonition n'a pas déçu. Les acheteurs étaient de bonne humeur et la vente aux enchères s'est très bien déroulée. Le tout premier jour de la semaine russe, les 10 meilleurs résultats d'enchères pour l'art russe ont été mis à jour. Près de 12 millions de dollars ont été payés pour Petrov-Vodkin
- 04.06.2019 Ne s'étant pas encore occupés des "millennials", les professionnels du marché mondial de l'art ont commencé à se partager la peau de la relève des 7-22 ans - ceux que l'on appelle brièvement Gen Z. Pourquoi ? Trop d'argent en jeu pour arrêter de demander conseil aux jeunes
- 23.05.2019 Vous serez surpris, mais cette fois j'ai un bon pressentiment. Je pense que l'activité d'achat sera plus élevée que la dernière fois. Et les prix risquent de vous surprendre. Pourquoi? Il y aura quelques mots à ce sujet à la toute fin.
- 13.05.2019 Beaucoup pensent qu'une telle concentration de personnes très riches crée inévitablement une demande adéquate sur le marché de l'art national. Hélas, l'ampleur des achats de tableaux en Russie n'est en aucun cas directement proportionnelle à la somme des fortunes personnelles
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- 13.06.2019 Ils ont apporté à Saint-Pétersbourg œuvres d'art créé à l'aide de l'intelligence artificielle. Parmi les participants figure le groupe artistique français OBVIOUS, qui a réussi à monétiser efficacement ce travail.
- 11.06.2019 Dans la Galerie d'art européen et américain des XIX-XX siècles. à partir du 19 juin, vous pouvez voir des œuvres sélectionnées d'A. Giacometti, I. Klein, Basquiat, E. Warhol, G. Richter, Z. Polke, M. Cattelan, A. Gursky et d'autres de la collection de la Fondation Louis Vuitton, Paris
- 11.06.2019 Du 19 juin au 15 septembre, des files d'attente s'aligneront pour l'exposition d'environ 150 œuvres de la collection de Sergei Schukin - des peintures de Monet, Picasso, Gauguin, Derain, Matisse et d'autres des collections du Musée Pouchkine im. Pouchkine, l'Ermitage, le Musée de l'Orient, etc.
A Saint-Pétersbourg montrera les symbolistes russes qui sont devenus les précurseurs de l'avant-garde
Nikolaï Krymov. "Après la pluie de printemps" 1908. Photo : Musée d'État russe
Il est difficile de croire qu'il n'y a pas eu d'expositions de Viktor Borisov-Musatov et des artistes de la Rose bleue au Musée russe. Mais les anciens du musée ne s'en souviendront pas. Le grand projet de musée "Symbolisme en Russie" représentait bien sûr Borisov-Musatov et ses partisans: Pavel Kuznetsov, Nikolai Sapunov, Sergei Sudeikin, Pyotr Utkin. Mais il l'était déjà il y a 20 ans !
L'intérêt pour les artistes de ce cercle est soutenu par deux circonstances importantes. Le premier est fourni par le rôle du symbolisme comme l'une des origines de l'avant-garde russe. Le second est l'intérêt constant pour le symbolisme parmi le grand public. Ceux qui sont désireux de s'éloigner de la réalité problématique dans le monde des rêves seront toujours intéressés par la façon dont les artistes ont construit leur paradis virtuel il y a 100 ans ou, selon les mots de Fyodor Sologub, ont créé une « douce légende ».
Victor Borissov-Musatov. "Au réservoir." 1902. Photo : Musée d'État russe
Association informelle d'artistes formée au tournant des XIXe et XXe siècles à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Son chef, Pavel Kuznetsov, a commencé avec compétence les activités d'exposition depuis sa ville natale de Saratov sous le label plus calme "Scarlet Rose", où la place d'honneur était accordée aux œuvres de Borisov-Musatov, que les jeunes auteurs appelaient leur professeur, se fixant pour tâche de développant, comme lui, les idées de l'impressionnisme, trouvant le chemin des valeurs éphémères aux valeurs éternelles qui se trouvent en dehors du monde visible. Les nouveaux symbolistes sont immédiatement remarqués. "Presque tout n'est que rêves et idées rose fumé", a déclaré le critique Nikolai Tarovaty, après avoir regardé les "Kuznetsovites" lors de la 12e exposition de l'Association des artistes de Moscou. En 1906, Sergueï Diaghilev les appelle à Saint-Pétersbourg. Vladimir Stasov a ironisé dans l'esprit qu'ils pouvaient, mais la charte décadente ne le permet pas. Mikhail Nesterov a pris la défense du symbolisme : "L'exposition est très bien." "Blue Rose" a été ouvert il y a exactement 110 ans, en mars 1907, à Moscou, dans la maison de commerce du fabricant de porcelaine Matvey Kuznetsov sur Myasnitskaya. Il a été financé par Nikolai Ryabushinsky, un artiste amateur et héritier de la fortune de son père, qu'il a cependant rapidement et sans laisser de trace consacrée à la culture. Le projet a impliqué 15 auteurs, ainsi que le parrain lui-même.
Les disputes sur l'origine du nom de l'exposition ne se sont pas apaisées jusqu'à présent. La version la plus populaire reste qu'elle a été inventée par Valery Bryusov, qui a déclaré que la capacité de dessiner à elle seule ne fait pas d'un artiste un artiste, une intuition suprasensible est requise. Autre version : les artistes ont utilisé le poème de Konstantin Balmont "La Rose Bleue". Il contient notamment des lignes sur une fleur de montagne que personne ne cueillera jamais.
Vassili Milioti. "Matin". 1905. Photo : Musée d'État russe
Plus tard, Pavel Kuznetsov et ses camarades ont participé aux salons de Sergei Makovsky à Saint-Pétersbourg et à Paris, leurs œuvres ont fait le tour de différentes villes avec le salon de Vladimir Izdebsky. Mais plus sous le signe de la "rose bleue", ils ne se sont pas rassemblés, sauf pour l'exposition de 1925 à la galerie Tretiakov. À ce moment-là, Sapunov était mort, Sudeikin et Nikolai Milioti avaient émigré.
Le Musée russe a décidé de se limiter à exposer Borissov-Musatov et les artistes de la Rose bleue de sa propre collection et de collections privées à Saint-Pétersbourg. Les principaux succès de Musatov du musée - "Autoportrait avec soeur", "Broderie", "Printemps", "Promenade au coucher du soleil" - montrent le chemin d'un croquis à l'image d'une procession symbolique vers le monde suprasensible de Bryusov. La délicate palette fondante de Musatov a été utilisée par Milioti pour créer une grande toile (2 x 4 m) "La Naissance de Vénus", où une petite fille apparaît à partir d'énormes embruns. Même saveur dans "Sheep Shearing", "Bird Seller" de Pavel Kuznetsov, "To the Source" de Martiros Saryan. Sapounov sera présenté de différentes manières : la « Mascarade » esthétique, le « Carrousel » fauviste avec une distribution internationale patinant sur la musique d'un étrange orchestre de tambourin et de violon, et le néoclassique natures mortes de fleurs. Le dernier point de l'exposition est "Oriental Carpet" de Sudeikin et "Landscape with Bathers" de Nikolai Krymov. Et d'eux, c'est à deux pas des personnages de Larionov et Goncharova.
À la mi-avril 1917, sur les pages de Russkiye Vedomosti, Abram Efros, se demandant pourquoi un tel "événement majeur" comme une exposition personnelle de V.E. Borisov-Musatov, passé presque inaperçu, a écrit: «Ce merveilleux maître a un destin étrange!
Le critique a énuméré ces événements "silencieux": la mort de l'artiste a coïncidé avec la révolution de 1905, la première exposition posthume avec la première Douma d'État, la seconde - en 1915 avec la terrible retraite des troupes russes, en 1917 à nouveau le grondement d'une vague révolutionnaire. Efros, comme toujours, s'est avéré être un visionnaire visionnaire.
Un peu plus tôt qu'Efros, en mars 1917, un autre critique de la même exposition, avec une franchise captivante, motive cette indifférence totale du public aux belles toiles du maître : « Maintenant, il est si difficile de se concentrer sur elles et de s'éloigner de la vie. .. Pourquoi avons-nous besoin de contes de fées et de tristesse quand nous souffrons" (2) .
Y. Tepin fait presque textuellement écho à la réponse d'Efros : Musée Roumiantsev. Etrange sort ! Chaque exposition de ce romantique tranquille coincé au milieu des passions politiques. Le bruit de la révolution, cependant, atteint sourdement le musée Rumyantsev "... (3)
La dernière remarque est significative : la peinture de Mousatov commence à « faire du zèle » ; elle perd momentanément sa pertinence, devient finalement le « passé » de l'art russe, et est donc plus intéressante pour un historien de l'art que pour un critique. C'est tout à fait naturel pour l'ère révolutionnaire à venir, quand, à côté des déclarations accrocheuses des approbateurs du nouvel art, des versets non moins déclaratifs ont été imprimés: "Chop, haches, Le verger de cerisiers Passé" (4).
L'art de Borisov-Musatov déjà au tournant des années 1910-1920 était perçu comme le reflet d'une époque tombée dans l'oubli, comme, selon I. Evdokimov, "une certaine couche artistique dans l'histoire de la peinture russe" ( 5).
Le livre de cet auteur sur Borisov-Musatov a été publié en 1924, et avant la prochaine monographie, écrite par A.A. Rusakova, plus de quatre décennies se sont écoulées. L'art du peintre remarquable s'est avéré absolument incompatible avec l'ère des guerres, des convulsions sociales et de l'optimisme forcé. En partie, la question a été aggravée par l'idée de l'image créative de l'artiste, qui s'est développée dans la critique pré-révolutionnaire, la soi-disant "légende de Musatov" (6).
L'auteur de la première monographie sur Borisov-Musatov, Vladimir Stanyukovich, un quart de siècle plus tard, s'est repenti d'avoir donné naissance à cette légende et infecté N.N. Wrangel. "Il y a du vrai dans les légendes", écrit-il, "mais souvent ce n'est pas la vérité de la personne dont parle la légende, mais la vérité d'un biographe ou d'une rumeur. La légende est précieuse, mais elle se déforme, et seulement de nombreuses années plus tard, si l'artiste laisse derrière lui de nombreux monuments", un historien de l'art attentif restituera les vrais traits de son visage bien-aimé. Mais il arrive souvent qu'une légende se transmette de génération en génération, déformant le visage de l'artiste et rendant incompréhensibles de nombreux caractéristiques de son travail "(7).
Lev Mochalov estime que cette légende a été générée par l'ère de la gueule de bois post-révolutionnaire au tournant des années 1900-1910, qui a vraiment découvert l'artiste et "comme si elle se l'appropriait", que c'était précisément la perception de son héritage créatif et sa poétique qui prévalait dans la critique de ces années qui "sur de longues années obscurcit le visage du maître », qui plus tard « continua à être appelé « l'Orphée de la beauté disparue » (8).
Il semble que cette légende ait commencé à prendre forme non pas dans la décennie pré-révolutionnaire, qui était auparavant appelée "honteuse", et est maintenant appelée "l'âge d'or de notre âge d'argent", mais un peu plus tôt, dans dernières années vie d'artiste. Et ce qui est beaucoup plus important - il y avait des conditions préalables objectives dans son travail très mature. Ce n'est pas un hasard s'il s'est avéré si stable, ayant survécu au changement de tant de périodes de développement de la culture nationale.
Et nous devons faire une réserve que, bien que Stanyukovich ait été parmi les premiers créateurs de la légende, il n'était en aucun cas le seul. Qu'il suffise de nommer de nombreux artistes, écrivains et critiques de cette époque : Sredin, Shesterkin, Lipkin, Voloshin, Andrei Bely, Wrangel, Sergei Makovsky, et en partie Grabar, Alexandra Benois, Muratov, Tugendhold et un certain nombre d'autres.
Le patriarche de la critique russe, Vladimir Stasov, a involontairement participé à sa création, bien que sur un ton purement condamnatoire et moqueur caractéristique de ses écrits sur certains maîtres du tournant du siècle : « Le jeune Moscou décadent Musatov, décédé récemment, avec d'autres camarades, aimait représenter des dames et des messieurs dans des chars et des caftans du XVIIe siècle, mais il s'est également assigné un petit coin spécial, une spécialité microscopique à part : ce sont des dames russes en boucles et avec des jupes sans fin évasées dans les foules, en cortèges symétriques, marchant, assis. Et, cependant, à part les boucles et les jupes, on ne peut pas découvrir une seule ligne d'art et de nature dans leurs visages et leurs figures. Les mêmes poupées du 18ème siècle ! Mais seulement avec l'ajout d'une sorte de "fantômes", debout dans le jardin, près des "temples" morts, dégoûtants et inédits". Quel noble gain pour l'art russe ! Que de "nouvelles", que de ytie "voies" inconnues !" (neuf).
Stasov, bien sûr, dans son rôle. Il est seulement curieux de savoir ce qu'il aurait dit des temples "sans précédent", après avoir vu une photo du palais Zubrilovsky, qui est devenu une toile de fond très réelle pour les "Fantômes" de Musatov? Une autre chose est surprenante : le démenti passionné dirigé contre l'auteur déjà décédé. Un critique expérimenté doit avoir senti la pertinence et l'efficacité de son art, son attrait pour une nouvelle génération de peintres. Il semble avoir affaire à un participant vivant de la vie artistique de cette époque.
Borisov-Musatov est décédé subitement et très jeune, au tout début de sa renommée et de sa large reconnaissance. On ne peut pas dire que la critique d'art lui ait complètement manqué de son vivant, mais la véritable compréhension de l'œuvre de Musatov a commencé à titre posthume. En même temps, il était vraiment perçu comme participant réellement au processus artistique de l'époque : une certaine distance et une certaine attitude à son égard en tant qu'héritage sont venues plus tard, pas avant le milieu des années 1910. Au milieu des années 1900, cependant, le temps de la critique d'art n'est pas venu : l'œuvre de Musatov n'est pas encore entrée dans l'histoire. "Il est étrange de penser à la mort de l'artiste lors de cette exposition" en direct "... Ce que Musatov a fait, ce sont les fleurs qui ont fleuri la nuit dernière; elles ne se sont pas encore fanées; c'est aujourd'hui", a écrit Boris Lipkin. "Par conséquent, l'exposition des œuvres de Musatov est difficile à percevoir comme posthume. Ses résultats en tant qu'artiste, même l'histoire de son développement, échappent à notre attention. Les schémas : un réaliste ou un mystique, un romantique, un parolier sont trop généraux pour le définir en taille réelle. Il n'est ni l'un ni l'autre, ni le troisième. C'est un chercheur : c'est un phénomène » (dix).
Nikolai Tarovaty a écrit à peu près la même chose : "... vous comprenez immédiatement quelle importance Borissov-Musatov a pour la dernière période de la peinture russe, quels horizons il a ouvert et quels nouveaux domaines de créativité il a tracés. Vous voyez que de nombreux jeunes artistes sont originaires de lui..." (onze).
On peut aussi rappeler les vers souvent cités d'Andrei Bely : "La créativité de Mousatov, s'interrompant en lui, répondait imperceptiblement dans l'âme de ses admirateurs : elle se déversait comme un ruisseau au clair de lune chez P. Kuznetsov, s'enroulait comme des fleurs doubles chez Milioti. Il y a L'école de Musatov ... " (12).
À cet égard, la déclaration du chercheur d'aujourd'hui semble compréhensible et significative, que dans le travail de Borisov-Musatov "beaucoup est concentré sous une forme cachée et rudimentaire", qu'il s'agit d'un maître dont "les chemins vont vers l'avenir, il retient diverses tendances sous une forme syncrétique" ( treize).
Plusieurs décennies plus tard, une thèse spéciale sera rédigée sur l'influence de l'art de Borisov-Musatov sur les artistes russes du début du XXe siècle. Et pour les critiques au tournant des années 1900-1910, cette influence était perçue comme un axiome qui ne demandait pas de preuve particulière : elle était clairement mise en évidence par les expositions des expositions en cours. Ce n'est pas un hasard si, en 1910, A. Rostislavov appelait Musatov, avec Vroubel, "la source des dernières tendances et ramifications de notre peinture" (14).
La "greffe" de Musatov a été importante dans la formation non seulement des Blue Bears, mais elle est tout à fait tangible dans les premiers travaux de nombreux maîtres de l'avant-garde russe. Mais il est curieux que dans la plupart des réponses critiques de l'époque, l'accent ait été beaucoup plus mis sur les traits du lyrisme de Musatov, sur le côté intrigue de ses toiles, sur leur musicalité particulière, plutôt que sur leur chair picturale, sur l'originalité du style de Musatov.
Les plus perspicaces des critiques de l'époque ont remarqué le danger d'un tel parti pris : « Quand le peintre recourt à la pure dispositifs litteraires, - a écrit Grabar, - il s'avère toujours infiniment plus faible que l'écrivain, Musatov n'a jamais quitté son art, c'est un pur peintre, et toute sa poésie est le résultat de ses émotions pittoresques et non littéraires "(15).
En fait, Muratov dit la même chose: "... nous avons dit que le poète était mort, et nous avons peu pensé aux qualités décoratives de ses peintures. Ces qualités n'étaient guère comprises que par les artistes ..." Et puis il ajoute , que les Musatovites "s'efforcent consciemment et avec persistance d'être décoratifs" (16). Tugendhold a introduit sa propre nuance dans les réflexions sur la corrélation dans l'œuvre poétique et picturale proprement dite de Musatov : « Musatov a été l'un des premiers et des plus cohérents de nos impressionnistes - et l'un des premiers à surmonter cet impressionnisme au nom de la contemplation d'un plus généraliste et lyrique » (17).
Abram Efros, dans l'article déjà cité sur l'exposition personnelle de Borisov-Musatov en 1917, où ses œuvres les plus importantes, qui à cette époque avaient été vendues dans des musées et des collections privées, étaient absentes, et nombre de ses premières peintures étaient présentées par la veuve de l'artiste, a souligné que "c'était une connaissance particulièrement fructueuse avec Musatov l'impressionniste", insistant sur le fait que "l'impressionnisme de Musatov est presque plus significatif et plus subtil que son rétrospectivisme, en tout cas égal à lui et y est entré comme le plus important élément artistiqueà laquelle l'antiquité de Mousatov doit son originalité unique" (18).
Dans une modeste revue de journal, cette approche de la perception de l'originalité de la peinture de Musatov est déjà esquissée, qui recevra une complétude formule dans les "Profils" d'Efros, où il est dit de Musatov : la peinture, le monde s'est désintégré. Sa densité était altéré et percé. Il a été pénétré par la lumière et dissous dans l'air. Les objets se sont affaiblis physiquement, les objets sont devenus plus transparents et fantomatiques. "<...>« Armé de sa méthode, Musatov a peint les visions de ses rêves avec autant de fermeté, de simplicité et de réalisme qu'il a peint d'après nature un jardin dans les ombres scintillantes du soir ou dans les teintes émeraude d'un rêve solaire » (19).
Malgré toute la nature poétique des essais d'Efros, ces définitions précises sont encore plus proches de l'histoire de l'art que de la réflexion critique proprement dite, d'une réponse directe hâtive à un événement spécifique de la vie artistique actuelle. Ils ont une certaine conviction. Ce n'est pas un hasard s'ils ne sont apparus que lorsque les œuvres de Musatov, étant en dehors des limites du processus artistique vivant, sont depuis longtemps devenues un héritage.
Il est curieux que cette "transparence et fantomatique" de la peinture de Musatov ait été notée dans la presse par l'un de ses collègues de l'Association des artistes de Moscou, Shesterkin, du vivant de l'artiste. Parlant de la participation de Musatov aux expositions de l'Association de Moscou et de l'Union des artistes russes, il a noté les différentes impressions que ses toiles font dans l'un ou l'autre environnement d'exposition. Si à l'exposition MTX, où, selon le critique, "tout est enveloppé d'une sorte de toile d'araignée et de gaz", "où prédominent les artistes des nuances et des allusions", Borisov-Musatov semble être un réaliste, alors à l'exposition de l'Union des artistes russes, à côté des toiles de Konstantin Korovine, Malyavin, Grabar, Yuon, "il semble léger, aérien et non moins stylé que K. Somov et A. Benois" (20).
L'examen par P. Muratov de la première monographie sur l'artiste sonnait comme un appel à une étude plus approfondie et plus concrète de la poétique de Musatov. Il loue l'initiative de V. Stanyukovich, qui a dit beaucoup de choses précieuses et nécessaires sur le peintre, qui a trouvé des mots significatifs et sensibles à son sujet, et en même temps met en garde contre les généralisations superficielles qui obscurcissent la véritable originalité de son art. Par exemple, la discussion approfondie de l'auteur sur la musicalité de la peinture de Musatov, notée par la critique précédente. "Bien sûr," s'exclame Muratov, "qui ne sait pas maintenant, qui ne se réfère pas de manière significative à la "symphonie" de Whistler? N'est-il pas temps, cependant, d'être plus strict et plus attentif à cette théorie "identifiante" qui a Blok et A. Bely ? La musicalité épuise-t-elle le sens profond ? peinture moderne? Puissions-nous avoir peur des théories générales, qui deviennent trop souvent des lieux communs.
Le critique n'est pas moins ennuyé par la légende cultivée sur l'isolement de l'artiste, l'unicité absolue de sa conscience créative: "En savoir plus sur la" solitude "de Musatov. En tant que peintre, il n'était pas seul, et ici l'auteur se trompe d'adeptes. Et Maurice Denis et Guérin vivent toujours en France. Ce tableau "Maternite", dont rêvait l'artiste V. Stanyukovich, est-il vraiment inspiré du roman stupide de Zola ? L'auteur connaît-il les merveilleux croquis sur le même sujet de Maurice Denis, où il y a un "jardin fleuri, vaste comme le monde" et une mère avec un enfant, et même une gamme de tons bleu-vert? Il semble que V. E. Borisov-Musatov ne devrait pas non plus être séparé en tant que poète. s'exclame V. Stanyukovich en terminant le livre. Disons que c'est mieux - paix à cette âme qui nous a donné la fusion dans le Beau "(21).
Une justification détaillée et raisonnée de la musicalité particulière de la peinture de Musatov n'est apparue que plusieurs décennies plus tard dans les œuvres d'Olga Kochik, mais la "solitude" notoire de l'artiste n'a jamais été absolutisée par la critique contemporaine, sans parler des publications posthumes. Au contraire, Musatov est toujours commémoré parmi les peintres contemporains, russes et étrangers, et son influence sur les jeunes maîtres, comme déjà mentionné, était incontestable.
Juste quelques exemples. Même pendant la vie de Borisov-Musatov, dans le journal "Vesy" n ° 7 de 1904, un message est apparu sur une exposition personnelle de ses peintures à la galerie Paul Cassirer à Berlin et sur les réactions chaleureuses des critiques allemands, qui a noté la relation étroite de l'art de Musatov avec le travail très apprécié de Konstantin Somov . Ces noms ont été comparés plus d'une fois dans la critique nationale et certains critiques ont perçu Musatov comme son épigone.
L'artiste Mikhail Shesterkin s'y oppose fermement dans les pages du même magazine : "V. Musatov n'a été déclaré adepte et imitateur de Somov que parce qu'il a osé puiser son inspiration à la même source. K. Somov et V. Musatov sont, en essence, à eux deux L'un est un artiste au toucher littéraire, un archéologue et un esthète subtil, amoureux des monuments de la culture russe du XVIIIe siècle, qui veut perpétuer cette culture et en parler dans sa propre langue, qui a choisi la manière la plus reconnaissante d'être toujours stylé : dessins minutieux d'anciens albums, jaunis" comme des parchemins anciens, tableaux de maîtres inconnus, naïfs, passés, sont pour lui une inspiration et un diapason. L'autre est peintre par nature ; le les couleurs claires et chatoyantes de la modernité noient la tristesse mélancolique de ses souvenirs, et penser pour lui, c'est penser aux couleurs."
Cela a été écrit du vivant de Borisov-Musatov, et par une personne de son entourage, peut-être en accord avec lui. En tout cas, l'article de Shesterkin souligne clairement la différence fondamentale entre les traditions artistiques des deux capitales russes - Saint-Pétersbourg, à dominante graphique linéaire, stylisée, et Moscou - pittoresque sans complexe. Cela s'est ressenti dans l'analyse de "Harmony", "Tapestry", "Pond", "Emerald Necklace", "Ghosts" et d'autres peintures de Musatov.
Selon Shesterkin, les détails rétrospectifs des peintures de Musatov ne sont que des accents de l'harmonie générale du motif, rien de plus : "Lui, comme Charles Guérin - le seul avec qui il est maintenant lié - aime remplir le plan de l'image avec une sorte de crinoline pour une belle tache de matière ancienne », écrit-il (22).
Le nom de Charles Guerin, ainsi que les noms de Puvis de Chavannes, les impressionnistes, Gauguin, Maurice Denis, ont également été mentionnés par Pavel Muratov dans un article sur l'exposition posthume de l'artiste. Pour cela, la critique de Guerin est "si proche de lui (Musatov - E.V.) dans l'esprit est un étonnant coloriste et poète du passé". "Quel champ de tendances en tous genres, quelle variété de loisirs tout à fait naturels !" s'exclame-t-il (23). La comparaison de Musatov avec Pierre Bonnard, qui appartient à Yakov Tugendhold, est également curieuse: "Parfois, quelque chose de chez nous semble être à Bonnard; un poème d'un mode de vie en déclin. Le lyrisme de Bonnard ne va pas au-delà des chambres et des salles à manger temporaires et misérables jardins de la ville. Il n'y a pas de brume du passé de Musatov, il n'y a pas de distances de l'âme de Musatov "(24).
Comme vous pouvez le voir, l'accent a quelque peu changé: si Shesterkin, contrairement à la stylisation du monde de l'art, souligne dans l'œuvre de Musatov qu'il est lié à Artistes français pittoresque pur, alors Tugendhold, comparant l'artiste russe à un merveilleux décorateur français, voit l'avantage de Borisov-Musatov précisément dans la qualité de son lyrisme. Ce n'est pas un hasard si ce critique formulera cinq ans plus tard : « Le problème de Borissov-Musatov est une combinaison de la vision du monde russe avec les réalisations extérieures de l'Occident » (25).
Et la dernière chose que je voudrais dire, c'est l'étonnante évolution de l'attitude envers Borissov-Musatov dans la critique russe. Au milieu des années 1890, son nom apparaît à peine parmi les jeunes peintres paysagistes passionnés d'impressionnisme, à côté de Joukovski, Germashev, Seregin et d'autres élèves de l'école de Moscou. L'un des critiques, répertoriant les études de plein air de l'artiste, n'y voit qu'« un amas de taches maladroites sans aucun motif, esquissées d'une large main décadente » (26).
Au début de 1900, évaluant "Autoportrait avec soeur" et "Motive d'automne" de Borisov-Musatov, le journaliste convient déjà que l'artiste peut dessiner, mais son talent est inégal, capricieux, ennuyeux et l'intrigue incompréhensible : "Il peut très bien bien soit ce motif d'automne. Vous ne pouvez tout simplement pas comprendre ce qui se passe », se plaint-il (27).
Deux ans plus tard, dans un article sur la 9e exposition MTX, un chroniqueur de Russkiye Vedomosti, approuvant la tapisserie primée de Musatov, remarque avec condescendance : "Tout l'intérêt de l'image réside dans les tons doux, très agréablement et harmonieusement agencés." En même temps, il trouve dans ce tableau, et dans un certain nombre d'autres, "de nombreux défauts graves : les bustes de femmes sont écrits faiblement, les bras sont courts et les mains sont très grandes..." (28).
Il y avait beaucoup de remarques de ce genre dans la presse de cette époque, tant dans la capitale qu'à Saratov. De manière inattendue, au début de 1904, le travail de Borisov-Musatov était très apprécié sur les pages du Monde de l'Art. D'autant plus inattendu que, selon Sergei Makovsky (29 ans), les Diaghilevites ont refusé d'accepter son Pond Pond pour leur exposition de 1903. Parlant de la prochaine exposition MTX, A. Rostislavov "parmi les artistes talentueux et même exceptionnels" nomme tout d'abord Borisov-Musatov, soulignant notamment, soit dit en passant, précisément son "Réservoir", et insistant sur le fait que de telles toiles "devraient certainement être muséales acquisitions comme exemples caractéristiques et beaux de la peinture moderne.
Avec toutes les réserves sur une certaine négligence du dessin et l'inégalité de l'art de Musatov, c'était une reconnaissance sérieuse. De plus, le critique a deviné la véritable attitude envers sa peinture d'une partie importante du public et de la bureaucratie artistique de cette époque: «Il va sans dire, écrit-il, que les peintures de Borisov-Musatov provoquent une véritable indignation ou un rire de laquais. parmi le public le plus respectable et qu'aucun d'entre eux n'a été honoré de l'acquisition d'une commission de l'Académie » (30).
Rostislavov regarda dans l'eau: il fut bientôt contraint de répondre aux reproches d'un des lecteurs pour l'éloge excessif et dangereux du jeune peintre: «Plus je veux louer l'artiste, sans aucun doute talentueux, qui est si volontiers grondé et ridiculisé », a écrit le critique. cas similaires sur-éloge que sous-éloge ? Il est peu probable que les louanges et les critiques imprimées en général puissent nuire à un artiste vrai et talentueux, s'il y attache même de l'importance et se laisse temporairement emporter par elles "(31).
Dès lors, les critiques élogieuses et même enthousiastes de l'œuvre de Mousatov se multiplient : « Inaccessible à la contemplation superficielle, cet artiste détient les secrets des séductions cachées et des miracles oniriques subtilement fantomatiques », écrivait Nikolai Tarovaty au début de 1905 (32). L'année suivante, Muratov le nomme parmi ces maîtres grâce auxquels le début du XXe siècle sera appelé "l'ère radieuse de la peinture russe" (33). Igor Grabar note en 1907 le « charme hypnotisant » (34) de son art.
En 1908, un critique de La Toison d'or écrivait avec enthousiasme : « Borisov-Musatov est l'une des réminiscences les plus modernes du passé. Ses peintures finiront par devenir des exemples non seulement de sa nature sensible et talentueuse, mais de tout le monde des sentiments et des émotions. idées" (35). En 1909, Sergei Makovsky classera Petrov-Vodkin parmi cette belle galaxie d'artistes de Saratov, "parmi lesquels il y a déjà le nom immortel de Musatov" (36).
En 1910, la plus haute évaluation de la contribution de Musatov à la formation de paysage domestique: "Borisov-Musatov nous a fait reconnaître la contemplation profonde et abstraite - cet élément à partir duquel une grande peinture de paysage. Dans son lyrisme, tout ce qui est temporel et local disparaît, et la poésie du mode de vie est remplacée par la poésie la plus pure et la plus subtile de la vie spirituelle "(37). Pavel Muratov l'a soutenu.
Et en 1911, Yakov Tugendhold, parlant d'une exposition internationale à Londres, regrette que la Russie « n'ait pas montré aux étrangers le travail de ses les plus grands maîtres- Musatov et Vroubel "(38). "Le génie du peintre commence à se révéler à titre posthume. C'est une affaire de collectionneurs et de temps: le premier choisit les meilleures toiles, le second détruit les pires "(39). Cela n'est pas dit de Musatov, mais cela lui est tout à fait applicable. L'exposition posthume a révélé non seulement le plus haut niveau de sa culture picturale, mais aussi toute la signification de son héritage en Mais elle a également suscité un certain nombre de questions inévitables qui se posent toujours lorsqu'un artiste décède si tôt et à un tel sommet de ses réalisations créatives, que Musatov avait dans son années les plus récentes.
Elles ont été formulées dans un compte rendu de l'exposition posthume de l'artiste Pavel Muratov : « L'artiste a-t-il réussi à se retrouver, a-t-il réussi à exprimer dans ses œuvres le chéri de son âme ; a-t-il épuisé son don ou, au contraire, sa mort ne l'a-t-il surpris qu'au seuil du trésor ouvert ?" Muratov réfléchit non seulement à ce que Musatov a achevé, mais aussi à ses dernières entreprises et projets, qu'il n'était pas destiné à réaliser: "Au lieu d'immenses fresques, uniquement des esquisses à l'aquarelle, au lieu de grandes peintures, uniquement des esquisses et des dessins préparatoires. Beaucoup d'intentions , possibilités, forces, et combien infiniment désolé que tout cela n'ait pas été destiné à se fondre dans des œuvres harmonieusement finies. Cependant, celui qui sait pénétrer la vie spirituelle des artistes et des poètes par les couleurs et les mots, à qui un livre ou une toile, ou du marbre semble être un langage compréhensible pour les conversations des âmes, il peut trouver du réconfort. Dans l'héritage laissé après Musatov, une image complètement intégrale et clairement définie de lui vit déjà. Car il y a une attitude "Musatov" envers les choses et les symboles - une angle de vue du monde, une belle page spéciale dans le livre de l'art" (40) .
Et dans cette intégralité et cette complétude intérieure de l'art de Musatov, un certain programme a été établi plus loin Peinture russe non seulement des pores immédiats, mais aussi ayant des conséquences assez lointaines, tantôt s'estompant, tantôt s'intensifiant à nouveau, dont on entend encore aujourd'hui les échos. "Musatov ! Une branche élégiaque du modernisme russe ! Si sa verrière la plus calme n'était pas au-dessus de Kouznetsov, il faudrait l'inventer pour expliquer comment le visage de la peinture de Kouznetsov s'est développé", s'exclama à un moment Abram Efros (41). On peut en dire autant du travail de P. Utkin et de tous les Goluborovites, ainsi que de Petrov-Vodkin, A. Savinov, A. Karev, du sculpteur A. Matveev et d'un grand nombre de leurs imitateurs et adeptes. La continuité de la tradition ne garantit pas son développement vers le haut, mais témoigne seulement de la vitalité de la source, des possibilités créatives les plus riches qui s'y cachent. Et cela était bien compris par les critiques d'art les plus sensibles déjà au début du XXe siècle.
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6. Stanyukovich V.K. V.E. Borissov-Musatov. Tapuscrit d'une monographie inédite conservée dans les archives du musée Radichtchev : "Il y a une légende sur Musatov, le représentant comme un piteux malheureux bossu, offensé de naissance, qui a quitté les gens, qui a créé un monde romantique dans son coin dans lequel il vivait , craignant la vie : « Il était malade, - dit la légende, - et son œuvre était aussi malade, branlante, romanesque, empreinte du silence de l'antiquité, pleine du charme des femmes fantomatiques et flétries en crinalines. « Beaucoup de contemporains se sont rendus coupables de créer cette légende, y compris l'auteur de ces lignes, qui a écrit une fois un travail sur un artiste. L'expression la plus simplifiée de cette légende est la brochure du baron Wrangel, écrite négligemment et hâtivement et basée sur un document rapporté par moi.<...>La légende reflétait une facette de l'œuvre de l'artiste, et moi, coupable entre autres dans sa création, j'ai le devoir, avant qu'il ne soit trop tard, non pas de la réfuter, mais de la compléter. Quand j'ai écrit mon premier ouvrage sur Musatov, la douleur de la perte un être cher n'est pas encore passé, et ma tristesse a coloré le travail, exagérant les accords de consonnes que j'ai trouvés dans les créations, dans les lettres et les notes de l'artiste "(p. 3). V.K. Stanyukovich a noté que dans son livre de 1906, il s'était trompé ", disant que les années d'enfance de l'artiste ont une nuance d'aliénation et de tristesse" (p. 11).
7. Idem. p. 3-4.
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41. Efros Abram. profils. S. 121
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"Blue Rose" - une association d'artistes qui existait au début du 20e siècle. Dans ces années, le symbolisme était très populaire - une direction de l'art qui trouve son origine dans fin XIX des siècles. Artistes "Blue Rose" - Pavel Kuznetsov, Peter Utkin, Alexander Matveev. Ils sont devenus les fondateurs d'une union créative. Plus tard, d'autres peintres et sculpteurs les rejoignent. À propos des représentants association créative"Blue Rose" sera discuté dans cet article.
Symbolisme
Les représentants de ce courant devenu célèbre au début du XXe siècle sont Pierre Puvis de Chavannes, Paul Sérusier, Henri Fantin-Latour. Ils se connaissaient aussi bien en Russie, où le symbolisme n'en était alors qu'à ses balbutiements.
Le peintre, dont l'œuvre est proche de l'œuvre des maîtres français nommés ci-dessus, est Mikhail Vrubel, connu principalement pour son "Démon". Cet artiste était une personne excentrique, mystérieuse, en plus, il souffrait d'un trouble mental. Mais Vroubel était l'une des figures les plus éminentes de l'art au tournant du siècle, et c'est lui qui a inspiré les jeunes Kuznetsov, Utkin et Matveev à créer une association créative de symbolistes. Les toiles de cet artiste ont été attirées par leur subtilité, leur couleur et la saturation de la palette. Toutes ses œuvres sont empreintes d'un désir d'un monde irréel.
Viktor Borisov-Musatov a également influencé la formation de l'union créative. Les images dans les peintures de ce maître semblent endormies, ses héros vivent dans un monde extraordinaire de calme et de bonheur.
Viktor Borisov-Mousatov
Il était de Saratov. Après avoir terminé ses études secondaires, il se rend à Paris, où il entre académie des beaux-arts. Borisov-Musatov visitait souvent ses terres natales, où il parlait avec des peintres novices. Parmi eux se trouvaient les futurs fondateurs de l'association créative Blue Rose. Boris-Musatov a enseigné à Kuznetsov, Matveev et Utkin plusieurs leçons d'expressionnisme et de symbolisme. Ainsi commença une amitié qui dura de nombreuses années.
De jeunes artistes partent pour la capitale. Tous trois deviennent élèves de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture. Dans la Russie pré-révolutionnaire, ce établissement d'enseignementétait l'un des meilleurs parmi ceux qui ont préparé artistes professionnels. Au cours des années d'études, les futurs participants de la "Rose Bleue" se sont rapprochés d'autres artistes. De nombreux étudiants de l'école étaient en quelque sorte liés à l'association créative.
"Rose rouge"
L'association créative a été fondée en 1907. Et en 1904, Kuznetsov et Utkin ont organisé une exposition intitulée "Scarlet Rose". Non seulement leurs peintures ont été présentées, mais aussi les œuvres de Vrubel, Boris-Musatov. Les jeunes artistes soulignent ainsi l'influence des peintres confirmés sur leur travail.
Pourquoi l'exposition s'appelait-elle « Scarlet Rose » ? Cette fleur est considérée comme la plus romantique depuis des siècles. Quant à l'association d'artistes "Blue Rose", fondée trois ans après l'exposition, il y a peut-être un lien avec les poètes romantiques qui ont chanté la fleur bleue - symbole d'un idéal inaccessible.
Premiers travaux d'artistes
Les membres de la "Rose Bleue" ont travaillé sur des projets communs avant même la création de l'association créative. Sapunov, un autre membre de l'union artistique, a travaillé avec Kuznetsov sur les décors de l'opéra Valkyrie de Wagner. Un peu plus tard, le dramaturge Sergei Mamontov, le même chez qui Vroubel a écrit peinture célèbre"Seated Demon", proposa aux futurs "Blue Bearers" d'aménager une entreprise au théâtre de "l'Hermitage".
Les fondateurs de la "Rose Bleue" étaient des artistes très en vogue en Russie. Mais on ne peut pas dire qu'ils aient provoqué une réaction de critique sans équivoque. Ainsi, en 1902, Utkin, Kuznetsov et Petrov-Vodkin ont créé des fresques pour l'église Notre-Dame de Kazan - un temple célèbre à Saratov. Cependant, leur travail a été rejeté et détruit.
Artistes de l'Union "Blue Rose"
Les photos les plus membres célèbres association créative sont stockées aujourd'hui dans musées célèbres Russie. Le travail d'Utkin et de Kuznetsov est décrit plus en détail ci-dessous. Premièrement, il convient de mentionner les autres membres de l'union créative. Parmi eux se trouvaient : Martiros Saryan, Nikolai Sapunov, Sergei Sudeikin, Nikolai Krymov, Anatoly Arapov, Nikolai et Vasily Milioti, Ivan Knabe, Nikolai Feofilaktov.
Maritor Sarian, comme d'autres membres de l'Union de la Rose Bleue, a commencé sa manière créative comme artiste de théâtre. Il était également connu pour ses paysages, qui représentaient des paysages arméniens pittoresques. Certaines des peintures de Sarian sont conservées dans la galerie Tretiakov.
Nikolai Sapunov est devenu célèbre après la conception de la performance basée sur l'œuvre de Blok "Balaganchik". A Moscou, sur le pont Kuznetsky, il y a un bâtiment historique Maison rentable Faucon. Le grenier de ce bâtiment est décoré de mosaïques en majolique de Nikolai Sapunov. Les premières peintures à Moscou ont été présentées lors d'une exposition organisée par Utkin et Kuznetsov. Parmi les œuvres ultérieures de l'artiste, principalement des natures mortes.
Nikolai Ryabushinsky
Un célèbre philanthrope russe, fondateur du magazine Golden Fleece, a joué un rôle important dans le travail des artistes Blue Rose. Ryabushinsky est souvent appelé l'organisateur de l'association. C'est lui qui a fondé la première exposition, après quoi ils ont commencé à parler des ours bleus à Moscou et à Saint-Pétersbourg.
La principale idée du mécène à l'époque était le magazine "Golden Fleece". Ce projet ne pouvait pas être qualifié de commercial. Ryabushinsky y a investi plus qu'il n'en a reçu. L'édition comprenait des illustrations colorées, chaque page était décorée d'inserts dorés. Plus d'une trentaine de numéros ont été publiés. De plus, le magazine n'avait pas de concept clair. Leonid Andreev, Konstantin Balmont, Ivan Bunin, Fedor Sologub, Korney Chukovsky y ont publié leurs travaux. Les premiers numéros étaient consacrés au travail des membres de la Blue Rose Union.
Exposition d'artistes symbolistes
La date exacte de fondation de l'association ne peut être précisée. On pense qu'une union créative est née après l'exposition du même nom, c'est-à-dire en 1907. Les peintures des artistes de Blue Rose ont été exposées dans une galerie située dans un bâtiment de la rue Myasnitskaya.
Les œuvres de seize peintres ont été présentées au public. La plupart des peintres sont devenus plus tard une partie de la Rose Bleue. Le principal inspirateur de l'exposition était Borisov-Musatov, mais elle a eu lieu après la mort du maître. L'idée du nom appartient à Sapunov, un artiste dont le travail a été influencé par Aubrey Beardsley.
Les peintures présentées à l'exposition ont été réalisées dans le même style : pastel, tons bleutés, en quête d'« au-delà ». Correspondant à l'esprit créatif et à l'intérieur de la salle dans laquelle l'exposition était organisée. Il y avait des vases de roses partout, et les murs étaient peints d'un azur clair.