Mark Rothko, Bez tytułu (żółty i niebieski), 46,5 miliona dolarów
Stali czytelnicy naszego serwisu zapewne wiedzą, że w 2012 roku w domu aukcyjnym Christie’s został sprzedany obraz Nr 1 Królewska czerwień i błękit (NIE. 1 Królewski Czerwony i Niebieski ) artyście Markowi Rothko (1903 - 1970) za niewiarygodne 75,1 miliona dolarów! Możesz przeczytać o tym fakcie, a także o innych niewiarygodnie drogich obrazach, w artykule -. A oto jeden z tych dni Dom Aukcyjny Sotheby w Nowym Jorku sprzedał kolejny obraz amerykańskiego artysty Marka Rothko pt Bez tytułu (żółty i niebieski) (Bez tytułu (żółty i niebieski) ). Obraz, który składa się z dwóch kolorów i wygląda jak odwrócona ukraińska flaga, został kupiony za 46,5 miliona dolarów!

Mark Rothko, obraz „Bez tytułu (żółty i niebieski)”

Został ukończony w 1954 roku i ma wymiary 2,42 na 1,86 metra. Przez długi czas należała do amerykańskiej socjalistki Rachel Mellon (Rachel Mellon). Przed aukcją Untitled (Yellow and Blue) wyceniono na 40 milionów dolarów. Rothko był jednym z najbardziej udanych i znany artysta Ameryce, ale z nieznanego powodu popełnił samobójstwo w 1970 roku. Pochodzący z Łotwy artysta uważany jest za czołowego przedstawiciela ekspresjonizmu abstrakcyjnego i jednego z twórców malarstwa kolorowego.

Praca Rothko Bez tytułu (żółty i niebieski) została napisana przez niego w 1954 roku, w okresie, w którym artysta stworzył swoje najsłynniejsze płótna. Wysokość obrazu sięga 8 stóp (około 2,5 m). Podobnie jak inne prace Marka Rothko, jest wykonany w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Według wstępnych szacunków płótno opuści aukcję za 40-60 mln dolarów.

Kolejnym oczekiwanym przedmiotem aukcji będzie obraz „Le Alyscamps” (L’Allée des Alyscamps), należący do wielkiego Vincenta van Gogha. Obraz został namalowany w 1888 roku w okresie „Arles”. Arles to małe miasteczko na południu Francji, gdzie nadeszła „najwspanialsza godzina” artysty. Przybył na południe z pragnieniem odnowy - i nie dał się oszukać.

„Na południu wszystkie nasze zmysły są wyostrzone, ręka staje się bardziej ruchoma, oko ostrzejsze, mózg bardziej wnikliwy” – powiedział Van Gogh.

Vincent Van Gogh, Allée des Alyscamps

Ciekawe, że to płótno było malowane w towarzystwie innego genialny artysta, Paul Gauguin. Przez 9 tygodni wymieniali się płótnami i pomysłami, pozostawiając niezatarty ślad na swoich pracach.

Według ekspertów koszt obrazu L'Allée des Alyscamps na aukcji może sięgnąć 40 milionów dolarów.

„Nie ma nic bardziej konkretnego niż linia, kolor, płaszczyzna” – te słowa Pieta Mondriana w pełni opisują ostatni okres jego twórczość. Obrazy „geometryczne”, których przestrzeń wypełniona jest idealnymi kwadratami i prostokątami o czystych kolorach – apogeum życia i twórczości Holenderski artysta. Jeden z założycieli Sztuka abstrakcyjna Mondrian w swojej twórczości ewoluował wraz z XX wiekiem: od impresjonistycznych „plam światła” przez ostre zakamarki kubizmu doszedł do własny styl już u schyłku życia, kontynuując tworzenie do ostatniej chwili.

sobota godz Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Wale, w ramach międzykulturowego roku Rosja-Holandia, otwarta zostanie wystawa „Piet Mondrian. Droga do abstrakcji”, na której zaprezentowanych zostanie około 40 prac artysty ze zbiorów Muzeum Miejskiego w Hadze, gdzie znajduje się największa kolekcja jego dzieł. Wystawa, która potrwa do 24 listopada, zapowiada się na jedno z najważniejszych wydarzeń kulturalnych tej jesieni i obiekt zainteresowania mieszkańców. Przed wejściem do kasy projekt Weekend zaprasza czytelników do prześledzenia ewolucji twórczości Mondriana na przykładzie pięciu jego kultowych dzieł.

„Młyn w słońcu” (Młyn w słońcu). 1908

Pieta Mondriana

Pieta Mondriana. „Młyn w blasku słońca”. 1908

Dzieło, które znajduje się obecnie w zbiorach Muzeum Miejskiego w Hadze, można uznać za jedną z najbardziej efektownych ilustracji wczesny okres twórczość Mondriana i jego krótkotrwały entuzjazm dla impresjonizmu. Na tym obrazie konflikt w twórczości artysty jest już wyraźnie widoczny, jasne pigmenty, wpływ fowizmu i dzieła Van Gogha są niejako przeciwstawne tradycyjnemu motywowi holenderskiemu, tak często spotykanemu w pracach jego poprzedników i współczesnych pasjonatów klasyki. Żółto-niebieskie tło kontrastuje z czerwono-niebieskim wiatrakiem, namalowanym celowo szorstkimi pociągnięciami. Nawet w tej pracy widoczna jest pewna schematyczna i geometryczna kompozycja, do której artysta dojdzie znacznie później. Tej konkretnej pracy artysty nie będzie można zobaczyć na wystawie w Moskwie, ale inne prace z tego okresu zostaną zaprezentowane w Galerii Trietiakowskiej.

Tryptyk „Ewolucja” (Ewolucja). 1911

Pieta Mondriana

Pieta Mondriana. Tryptyk „Ewolucja”. 1911

Od połowy XX wieku Mondrian zainteresował się symboliką i nurtami teozoficznymi Rudolfa Steinera i Heleny Bławatskiej. Wpływ tego hobby jest zauważalny na przykład w pracy „Pobożność” z 1908 roku, którą można zobaczyć na wystawie. Moskale nie zobaczą tym razem niestety najważniejszego dzieła tego okresu – tryptyku „Ewolucja”. Przełomowe dzieło artysty, w którym „teozoficzna symbolika łączy się ze sztywnością linii”. Obraz przedstawia „trzy etapy poznania”, co odzwierciedla ówczesne poglądy religijne i zasady moralne Mondriana.

„Szare drzewo” (Szare drzewo). 1912

Pieta Mondriana

Pieta Mondriana. „Szare drzewo”. 1912

W 1911 roku Mondrian wyjechał do Paryża, gdzie mieszkał do lipca 1914 roku. To okres jego zamiłowania do kubizmu, twórczości Pabla Picassa i Georgesa Braque'a. W tym okresie preferuje prace graficzne, pozostawiając kolor drugorzędny wbrew kolorystycznemu kubizmowi Fernanda Légera i Roberta Delaunaya. W tym okresie Mondrian stopniowo porzuca trójwymiarowość obrazu, pozostawiając jedynie linie na płaszczyźnie płótna. Jednocześnie artysta nie opuszcza swojego dawnego cyklu wariacji na temat motywu drzewa, niektóre z tych prac można zobaczyć także na wystawie w Galerii Trietiakowskiej. W dziele „Szare drzewo” z 1912 r. widać już, jak zakrzywione linie są zastępowane przez poziome i pionowe, wciąż przerywane ukośnymi liniami, których Mondrian odmówi dopiero w 1914 r. Ten motyw - związek pionu ( męski) i poziomy (żeński) - pojawił się w jego twórczości nieco wcześniej, ale w przyszłości artysta nadal poszukiwał w swoich pracach idealnej harmonii między tymi dwiema zasadami.

„Kompozycja z czerwonym, żółtym, niebieskim i czarnym” (Kompozycja z czerwonym, żółtym, niebieskim i czarnym). 1921

dostarczone przez dział public relations Państwowej Galerii Trietiakowskiej

Pieta Mondriana. „Kompozycja z czerwonym, żółtym, niebieskim i czarnym”. 1921

Najbardziej rozpoznawalnymi dziełami artysty są późne abstrakcje, których nazwy różnią się głównie numeracją. Jego malarstwo „geometryczne” – neoplastycyzm, jak sam autor nazwał swój system malarski – pod wieloma względami odwróciło poglądy współczesnych i potomków na sztukę. Jego najbardziej znanym dziełem w tym kierunku jest Kompozycja z czerwienią, żółcią, błękitem i czernią, napisana w 1921 roku. To właśnie ta praca jest pamiętana przede wszystkim, gdy mówią o „stylu Mondriana” i można ją zobaczyć na wystawie w Moskwie. W latach 60. Yves Saint Laurent, zainspirowany stylem artystki (a zwłaszcza „Kompozycją” z 1921 roku), stworzył całą serię lakonicznych sukienek z abstrakcyjnymi, geometrycznymi wzorami, które stały się obecnie jednym z rozpoznawalnych symboli domu mody .

„Zwycięstwo Boogie Woogie” (Zwycięstwo Boogie Woogie). 1942-1944

Pieta Mondriana

Pieta Mondriana. Zwycięstwo Boogie Woogie. 1942-1944

Mondrian ukończył ten obraz w 1943 roku, wkrótce po przeprowadzce do Nowego Jorku (w 1938 uciekł do Ameryki z objętej faszyzmem Europy). Historycy sztuki nazywają to dzieło zwieńczeniem stylu artysty i zasad neoplastycyzmu. W przeciwieństwie do wczesnych abstrakcji, kwadraty są tu mniejsze i jaśniejsze, nie ma tu ani jednej czarnej plamy, a komórki czystego koloru jedynie podkreślają białą przestrzeń płótna. Tętniące życiem widoki i dźwięki Nowego Jorku w latach czterdziestych XX wieku znajdują odzwierciedlenie w tej pracy. dom cecha wyróżniająca obrazy mają kształt rombu, płótno jest obrócone o 45 stopni. Obraz znajduje się obecnie w zbiorach Muzeum Guggenheima w Hadze. Ten Ostatnia praca artysta, nad którym pracował przed pójściem do szpitala. Mondrian zmarł na zapalenie płuc 1 lutego 1944 roku i został pochowany na Brooklynie.

Więcej o twórczości artysty można dowiedzieć się z wykładu „Piet Mondrian: Pioneer of Abstract Painting”, który odczyta znawca malarstwa artysty, szef muzeum Sztuka współczesna Paris Bridget Leal.

Materiał został przygotowany na podstawie informacji z otwartych źródeł

W 2012 roku światowy rynek sztuki był naprawdę zszokowany niesamowicie wysoką ceną sprzedaży obrazu „Gracze w karty” Paula Cezanne'a z prywatna kolekcja Grecki armator George Embiricos. Najdroższy obraz świata wyjechał na Wschód... Kim jest ten tajemniczy kupiec?

20 miejsce. „Żółty, różowy, fioletowy” (1950) Mark Rothko - sprzedany 15 maja 2007 w Sotheby's za ok 72,8 miliona dolarów Nazywany ojcem amerykańskiej sztuki abstrakcyjnej, filozofem i intelektualistą. Rothko stworzył filozofię „prostego wyrażania złożonej myśli” i własną „markę” – kolorowe prostokąty o rozmytych krawędziach, jakby unoszące się na abstrakcyjnym tle dużego prostokąta. Jego twórczość jest kontynuacją „Czarnego kwadratu” Malewicza i magii bizantyjskich mozaik. Płótna zostały namalowane w ogromnych rozmiarach, aby stworzyć intymną atmosferę, całkowicie zanurzając widza w magii koloru, otwierając drzwi do inny świat, w przestrzeń. „Widzowie, którzy ronią łzy na moich obrazach, doświadczają tych samych religijnych przeżyć, których ja doświadczyłem podczas ich tworzenia” – napisał Rothko w 1965 roku.

19 miejsce. „Madonna z Darmstadt” (1526-1528) Hans Holbein Młodszy– sprzedany 07.12.2011 na prywatnej aukcji za 75 milionów dolarów Najdroższe dzieło sztuki w Niemczech sprzedawało się stosunkowo tanio, ponieważ właściciel nie chciał, aby obraz opuścił kraj. Istnieje opinia, że ​​z twarzy Madonny wydaje się emanować światło, niewidoczne dla oczu, ale odczuwane przez duszę. To właśnie jej cecha sprawiła, że ​​obraz został nazwany „północną siostrą Madonny Sykstyńskiej”.

18 miejsce. Masakra niewinnych (1611) autorstwa Petera Paula Rubensa- sprzedany 10.07.2002 w Sotheby's za 76,8 miliona dolarów Największe poruszenie na aukcji wywołała najbardziej brutalna scena z mitologii biblijnej, „zagłada niemowląt przez króla Heroda”. Właściciele wystawiający obraz na sprzedaż byli pewni, że autorem płótna jest uczeń Rubensa i jego następca Jan van der Hooke. Ale nieoczekiwanie dla wszystkich badanie wykazało autorstwo samego Rubensa. Przy początkowym koszcie 9 milionów dolarów obraz został sprzedany za rekordową cenę 76,8 miliona dolarów.Fakt ten po raz kolejny dowodzi, że wartość dzieła sztuki zależy bezpośrednio od nazwiska autora.

17 miejsce. „Bal w Moulin de la Galette “ (skrócony egzemplarz autorski) (1876) Pierre'a Augusta Renoira- sprzedany 17.05.1990 w Sotheby's 78,1 miliona dolarów Francuski impresjonista Pierre Auguste Renoir jest „jedynym wspaniały artysta który w swoim życiu nie napisał ani jednego smutnego obrazu ”- twierdził pisarz Octave Mirbeau w 1913 roku. „Bal w Moulin de la Galette” to najbardziej uderzający przykład „słonecznej” sztuki malarza. Innowacyjność i wyjątkowość obrazu „Bal w Moulin de la Galette ” polega na tym, że nikt przed Renoirem nie odważył się przedstawić sceny o tak znacznych rozmiarach na płótnie Życie codzienne z czasu rzeczywistego. Krytyka i wrogie ataki spadły na autora, ale czas pokazał wartość tak odważnego czynu.

16 miejsce. „Turkusowa Marilyn” (1964) Andy'ego Warhola– sprzedany 20 maja 2007 prywatnie za 80,0 milionów dolarów Tak wysoka cena to nie przypadek. . „Turkusowa Marilyn” nazywana jest ikoną pop-artu, a Andy Warhol jest twórcą nowoczesnego pop-artu dla mas. Zaczynał jako projektant kart okolicznościowych, kart pogodowych i okładek płyt, ale jego styl sitodruku przypominał złą reprodukcję gazet. W tym stylu namalował serię portretów gwiazd filmowych, w tym swoją ulubioną modelkę Marilyn. Podobnie jak Mona Lisa, teraz Marilyn Andy'ego Warhola uśmiecha się wszędzie. Istnieje pięć wersji Marilyn w różnych kolorach, ale z jakiegoś powodu „Turkusowa Marilyn” stała się najdroższa.

15 miejsce. „Fałszywy start” (1959) Jaspera Johnsa– sprzedany 10.12.2006 prywatnie za 80,0 milionów dolarów Jest to najdroższy obraz świata namalowany przez żyjącego artystę. amerykański artysta i rzeźbiarz Jasper Johns urodził się 30 maja 1930 roku. Jego obrazy to mieszanka abstrakcyjnego ekspresjonizmu, pop-artu i neodadaizmu (nie mam pojęcia, co to jest). Jego prace dotyczą również obrazów Kultura masowa przedmioty życia codziennego. Na przykład najbardziej słynna rzeźba Jasper Johns - dwie brązowe puszki po piwie (rzeczywiście obiekt kultu współczesnego społeczeństwa).

14 miejsce. „Staw z liliami wodnymi” (1919) Claude Monet- sprzedany w czerwcu 2008 w Sotheby's za ok 80,5 miliona dolarów Założyciel impresjonizmu wielki malarz drugiej połowy XIX wieku był też urodzonym ogrodnikiem, zakochanym w kwiatach i dzikiej przyrody. W swoim stawie w Giverny Claude Monet wyhodował lilie wodne z nasion sprowadzonych specjalnie z Japonii. A w 1899 rozpoczął cykl 60 obrazów „Wody”, które malował aż do śmierci (1840-1926). Wzrok artysty gwałtownie się pogarszał, przeszedł dwie operacje, ale nadal malował swój ukochany staw. „Zajęło mi trochę czasu, zanim dowiedziałem się, jakie są moje lilie wodne. Sadziłem je i hodowałem dla zabawy, nie myśląc, że będę malował o nich obrazy… Percepcja dzikiej przyrody nie przychodzi do nas natychmiast ”(Claude Monet).

13 miejsce. „Portret doktora Gacheta” (1890) Vincent van Gogh- sprzedany 15.05.1990 w Sotheby's za 82,5 miliona dolarów Portret jego lekarza Van Gogn napisał dosłownie w ostatnie miesiąceżycie. Prawdziwy artysta pisze sojowe wielkie płótna do ostatniego tchu i nie może inaczej. Z listu Vincenta van Gogha do brata:

„Monsieur Gachet, moim zdaniem, jest tak samo chory i nerwowy jak ja czy ty, poza tym jest od nas dużo starszy i kilka lat temu stracił żonę; ale jest lekarzem do szpiku kości, więc jego zawód i wiara w niego pomagają mu zachować równowagę. Już się z nim przyjaźnimy. Pracuję teraz nad jego portretem: głowa w białej czapce, bardzo jasne i jasne włosy; dłonie są również jasne, niebieska kurtka i kobaltowe tło. Siedzi oparty o czerwony stół, na którym leży żółta księga i gałązka naparstnicy z fioletowymi kwiatami, ze smutnym wyrazem twarzy, tak charakterystycznym dla naszych czasów...

12 miejsce. "Tryptyk" (1976)Franciszek Bacon – sprzedany w maju 2008 roku w Sotheby's za 86,281 mln dolarów Kto by pomyślał, że ten astmatyczny chłopiec, odrzucony przez ojca i wyrzucony z domu w wieku 16 lat za „haniebny nałóg”, ulubieniec fortuny i hazardzista w ruletkę, samouk malarstwa, będzie żył długo i owocnie życie (1909-1992). Franciszka Bacona D zyskał uznanie swojego talentu za życia, ale jednocześnie nie myślał o rysowaniu, a jedynie o odpoczynku między ciągłymi hulankami, chłopcami i hazard. Jego psychodeliczne obrazy to histeryczny krzyk duszy, zamkniętej w bynajmniej nie idealnym, brzydkim ciele człowieka pogrążonego w cielesnych pragnieniach, zapominającego o swoim wyjątkowym wyższym przeznaczeniu. Każdy, kto kiedykolwiek zastanawiał się nad sensem jego istnienia, przeżył te same silne emocje co Francis Bacon, zrozumie jego „straszne obrazy”. Nawiasem mówiąc, mówią, że „Tryptyk” za tak rekordową cenę kupił sam Roman Abramowicz, który za swoje drogie nabytki w ostatnie lata, okrzyknięty najbardziej wpływowym kolekcjonerem sztuki.

11 miejsce. „Pomarańczowy, czerwony, żółty” (1961) Mark Rothko- sprzedany 08.05.2012 na aukcji Sotheby's 86.882.500 $. Obraz należy do jasnego okresu twórczości amerykańskiego ekspresjonisty. Jednak pod koniec życia, gdy przyszła już do niego sława, artysta popada w głęboką depresję. Jest już solidnie szary na czarnym różne opcje. Wiele lat nieporozumień i oskarżeń, wiele spór z przestępcami i złym stanem zdrowia. Rothko nie widzi innego wyjścia i pisze swój ostatni tragiczny obraz samobójstwa. Znaleziono go nagiego w ogromnej kałuży krwi w jego pracowni w pobliżu obrazu „Czerwony na czerwonym”.

10 miejsce. „Portret Adele Bloch-Bauer II” (1912) Gustav Klimt- sprzedany 08.11.2006 w Sotheby's za 87,9 miliona dolarów Austriacki modernista Gustav Klimt przewodził Secesji, awangardowej społeczności sprzeciwiającej się „estetycznemu konserwatyzmowi i moralizowaniu poprzedniego pokolenia”. Jego obrazy poświęcone pięknu i erotyzmowi kobiece ciało, zaszokowali publiczność niezwykłą spontanicznością. Ale jednocześnie Gustav Klimt był rozpoznawalny i poszukiwany zarówno w kręgach rządowych, jak i wśród bogatej szlachty. Jego płótna zawsze były mile widzianą ozdobą wnętrz najbardziej luksusowych domów na początku XX wieku, a nawet teraz!

9 miejsce. „Dora Maar z kotem” (1941) Pablo Picasso- sprzedany 05.03.2006 w Sotheby's za 95,2 miliona dolarów Gwiazda paryskiej bohemy artystycznej lat 30. i 40., ekstrawagancka fotografka Dora Maar była muzą i kochanką Picassa przez siedem lat. Przez cały okres tej skandalicznej „historii lawowej” Picasso namalował wiele jej portretów, graficznych, klasycznych i kubistycznych, w kapeluszu, z zielonymi paznokciami iw postaci chimery. Portret „Dora Maar z kotem” został namalowany już na końcu ich powieści, więc tutaj Picasso bardzo groteskowo i symbolicznie przekazał całą arogancję i egzaltację swojej muzy. Rosyjsko-gruziński biznesmen Borys Iwaniszwili docenił i kupił tę pracę.

8 miejsce. „Osiem Elvisów” (1963) Andy'ego Warhola– sprzedany w październiku 2008 prywatnie za 100,0 milionów dolarów Seria obrazów poświęconych idolom popu była szczytem twórczości Andy'ego Warhola. Już w 1968 roku radykalna feministka i aktorka Valerie Solanas trzykrotnie postrzeliła Warhola. W rezultacie stał się praktycznie niepełnosprawny, ale odmówił składania oskarżycielskich zeznań na policji. Po tym zamachu twórczość Andy'ego Warhola stała się bardziej przygnębiająca. Król pop-artu zmarł w 1987 roku w wieku 58 lat.

7 miejsce.” Chłopiec z fajką” (1905) Pablo Picasso– sprzedany 4 maja 2004 w Sotheby’s za ok 104,1 miliona dolarów Obraz należy do najwcześniejszego, a więc najdroższego okresu twórczości mistrza.

6 miejsce. „Akt na tle popiersia i zielonych liści” (1932) Pablo Picasso- sprzedano 05.05.2010 w Sotheby's za 106,5 miliona dolarów W surrealistycznym okresie czarująca siedemnastoletnia Marie-Therese Walter staje się muzą dla twórczości Picassa. Rzeźbi z niej majestatyczne kobiece popiersia, maluje zmysłowe, erotyczne obrazy. Pogodny i spokojny charakter Marii Teresy pozwolił jej pogodzić się z rolą pięknej zabawki w rękach mistrza. W 1935 roku urodziła córkę, ale Picasso nadal nie traktował jej poważnie. A w 1936 roku Picasso spotkał już ekstrawagancką Dorę Maar, a Marie-Therese zniknęła w tle. Ale miłość do mistrza i podziw dla niego były tak silne, że 4 lata po jego śmierci Maria Teresa powiesiła się w swoim garażu. Taka jest smutna historia tej nieodwzajemnionej miłości, na zawsze uchwycona na płótnach.

5 miejsce. „Krzyk” (1932) Edvarda Muncha- sprzedano 05.02.2012 w Sotheby's za cenę $119 922 500 . Jedna z czterech wersji artysty norweskiego ekspresjonisty wykonana w technice pasteli (tj. kredki woskowe). Stworzony na przełomie wieków stał się symbolem ekspresjonizmu i preludium do modernizmu XXI wieku. Rozpaczliwy krzyk samotności, wyobcowania i zagłady, niczym zapowiedź przyszłych wojen, rewolucji i ekologicznych kataklizmów nadchodzącego stulecia. Przy całej swojej bezosobowości i prymitywności wizerunek krzykacza jest tak emocjonalny, że stał się inspiracją dla filmów, parodii i artystycznych kolaży sztuki współczesnej.
(adsbygoogle = window.adsbygoogle ||).push(());

4 miejsce. „Portret Adele Bloch-Bauer I” (1907) Gustav Klimt– sprzedany 18.06.2006 prywatnie za 137,5 miliona dolarów Nazywa się "Złota Adele" lub " mona austriacka Lisa". Zainspirowany podróżą do Włoch, Mozaika bizantyjska, bogato zdobiony złotem, w 1903 roku Klimt rozpoczyna pracę nad portretem Adele. Wykonano ponad 100 szkiców, zanim artysta osiągnął idealne ułożenie dłoni, ciała i wyglądu pięknej Adele.

3 miejsce. „Kobieta III” (1953) Willem de Kooning– sprzedany 14.08.2006 prywatnie

za 137,5 miliona dolarów Cykl obrazów abstrakcyjnego ekspresjonisty „Kobieta” wywołał burzę niezadowolenia nawet wśród wielbicieli mistrza. Ale prawdziwi koneserzy twierdzą, że podczas oglądania płótna z daleka iz bliska istnieje uderzający kontrast. Z daleka te kobiety wydają się okrutnymi Amazonkami, ucieleśnieniem siły natury i mało uwodzicielskimi. Z bliska obraz oddaje formy, kolory i pociągnięcia w swojej dynamicznej przestrzeni. Kobieta niejako chowa się w otaczającej przestrzeni i już trudno ją dostrzec w chaotycznym chaosie „rozmazanych ciosów”. Prawdziwie psychologiczne arcydzieło abstrakcyjnego ekspresjonizmu, godne freudowskiej analizy. Prezentowany obraz jest jedynym z całej serii zachowanym w zbiorach prywatnych.

2. miejsce. „Nr 5” (1948) Jacksona Pollocka– sprzedany 02.11.2006 prywatnie za 140 milionów dolarów Od 2006 do 2012 roku pozostawał najdroższym obrazem na świecie, więc na to zasługuje specjalna uwaga krytycy Jackson Pollock – lider i ideolog ekspresjonizmu abstrakcyjnego, który jako odrębny styl wyłonił się w latach 40. w Nowym Jorku. Najbardziej kontrowersyjne oceny jego twórczości tylko potwierdzają jego geniusz.
„Mój obraz nie ma nic wspólnego ze sztalugą. Prawie nigdy nie naciągałem płótna na blejtram. Wolę przybić płótno do ściany lub podłogi. Muszę wyczuć opór twardej powierzchni. Na podłodze jest łatwiej. Czuję się bliżej obrazu, jego części, mogę go obejść, pracować z czterech stron i dosłownie być w jego wnętrzu. Nadal odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztalugi, paleta i pędzle. Wolę patyki, łopaty, noże i polewanie farbą lub mieszanką farby z piaskiem lub tłuczonym szkłem czy czymkolwiek innym. Kiedy jestem wewnątrz obrazu, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmiany lub zniszczenia obrazu, ponieważ obraz żyje własnym życiem. Po prostu pomagam jej wyjść na zewnątrz. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, jest brudny i niechlujny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.” Jacksona Pollocka
Salvador Dali tak opisał go w swoim Dzienniku geniusza: Pollock: Marsylianka abstrakcji. Romantyk wakacji i fajerwerków, niczym pierwszy taszistowsko-sensualistyczny Monticelli. Nie jest tak zły jak Turner. W końcu on jest kimś więcej Nic».

Naprawdę chcę go obrócić w poziomie, ale nie mogę ...

1 miejsce. I wreszcie najdroższy obraz świata, sprzedany w lutym 2012 roku z prywatnej kolekcji greckiego armatora George'a Embiricosa, „Gracze w karty”(3 zdjęcie z serii , 1892-1893) Paweł Cezanne. Niesamowita wartość 250 milionów dolarów prawie 2-krotnie przekraczając poprzedni rekord , poruszył światowy rynek sztuki i znacząco podniósł poprzeczkę dla kolejnych transakcji. Co jest niezwykłego w najdroższym obrazie świata?
Cykl 5 obrazów „Gracze w karty” odnosi się do późnego i najbardziej dojrzałego okresu twórczości francuskiego postimpresjonisty Paula Cezanne'a. Fanatyczny pracoholik, podejrzliwy i nietowarzyski, Cezanne czerpał inspirację i lekarstwo na fobie i sprzeczności otaczającego świata tylko w malarstwie. Jego niepowtarzalny styl to swoiste pogodzenie klasyki z nowoczesnością, przejście od impresjonizmu do kubizmu. Kilka lat temu obraz „Gracze w karty” nr 3 został uznany za jeden z nich najlepsze prace na świecie, który jest w prywatnych rękach. Prawdopodobnie stąd bierze się tak rekordowa cena transakcyjna na światowym rynku sztuki. Kto jest kupującym? Rodzina królewska Katar kupił obraz za Muzeum Narodowe. I znowu zaskakuje nas Bliski Wschód!