Post został zainspirowany programem „Co, gdzie, kiedy?”. Zacznę od zagadki.
To obraz Tivadara Kostki Chontvari zatytułowany „Stary rybak”. Na pierwszy rzut oka nie ma w nim nic szczególnego, jak sądzili też krytycy sztuki, ale kiedyś sugerowano, że są na nim ukazani Bóg i diabeł. Zagadką jest, dlaczego narodził się taki pomysł. Pod wycięciem będzie większe zdjęcie, biografia i wskazówka :)

Zgadłeś? Nie? Może szczegóły dadzą ci odpowiedź?

Trochę bardziej pomęczę opowieścią o samym artyście. Kto nie może się doczekać, leci w dół po odpowiedź.

autoportret

Tivadar Kostka urodził się 5 lipca 1853 r. w górskiej wiosce Kishseben, należącej do Austrii (obecnie Sabinov, Słowacja) - węgierskiego artysty samouka.

Jego ojciec Lasli Kostka był lekarzem i farmaceutą. Tivadar i jego pięciu braci dorastali w atmosferze przesyconej duchem farmakologii. Przyszły artysta od dzieciństwa wiedział, że zostanie farmaceutą. Ale zanim nim został, zmienił wiele zawodów – pracował jako sprzedawca, przez jakiś czas uczęszczał na wykłady na Wydziale Prawa, a dopiero potem studiował farmakologię.

Kiedyś miał już 28 lat, będąc w aptece chwycił ołówek i na receptę narysował prostą scenę, którą zobaczył z okna - przejeżdżający wóz ciągnięty przez bawoły. Czy był to początek schizofrenii, na którą cierpiał później, ale od tego czasu ogarnęło go marzenie o zostaniu artystą.

Wyjeżdża do Rzymu, potem do Paryża, gdzie spotyka się ze słynnym węgierskim artystą Mihaiem Munkácsym (który zresztą również zakończył swoje życie w szpitalu psychiatrycznym). A potem wraca do ojczyzny i przez czternaście lat pracuje w aptece, próbując osiągnąć niezależność finansową. Po zgromadzeniu niewielkiego kapitału wyjeżdża na studia najpierw do Monachium, a potem do Paryża.

Studia nie przyniosły mu satysfakcji. Dlatego w 1895 roku udał się w podróż do Włoch, aby malować pejzaże. Podróżował także po Grecji, Afryce Północnej i na Bliskim Wschodzie.
W 1900 zmienił nazwisko Kostka na pseudonim Chontvari.
Już w 1907 i 1910 w Paryżu odbywały się indywidualne wystawy, które jednak nie przyniosły mu uznania. Jego obrazy nie zyskały uznania na Węgrzech, a autor miał opinię szaleńca.

W 1910 r. zakończył się okres tworzenia. Ataki choroby stawały się coraz bardziej dotkliwe. Rysował teraz bardzo rzadko, jedynie szkice swoich surrealistycznych wizji.
W ostatnich latach napisał książki: broszurę „Energia i sztuka, błędy cywilizowanego człowieka” oraz opracowanie „Geniusz. Kto może, a kto nie może być geniuszem.
Za życia artysta nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów.
Ostatni duży obraz, Podróż wzdłuż wybrzeża, został namalowany w Neapolu w 1909 roku.

20 czerwca 1919 artysta Chontvari zmarł, jak mówią, na artretyzm.
Krewni, konsultowani z ekspertami, zapewniali ich o całkowitym niepowodzeniu artystycznym Tivadara jako artysty i wkrótce obrazy zostały wystawione na aukcję nie jako dzieła sztuki, ale jako fragmenty płótna. Przypadkowy kolekcjoner (to losowy?) Kupił wszystkie obrazy hurtowo za skromną kwotę, która zadowoliła krótkowzrocznych (lub wciąż oszukanych) siostrzeńców.

Cóż, teraz odpowiedź :) Weź lusterko i umieść je na środku zdjęcia, a zobaczysz te odpowiedzi :)
Boże, ze spokojnym morzem za plecami.

I diabeł z szalejącymi namiętnościami.

W prawie każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, podwójne dno lub tajemna historia, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronymus Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Fragment tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Na prawym skrzydle tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawieni są grzesznicy torturowani w podziemiach za pomocą instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma na pośladkach nadrukowane notatki. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetransponowała XVI-wieczną notację na współczesny zwrot i nagrała „500-letnią piosenkę z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „Gioconda” istnieje w dwóch wersjach: wersja naga nazywa się „Monna Vanna”, została namalowana przez mało znanego artystę Salaia, który był uczniem i opiekunką wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje ubrane w kobiecą sukienkę, Salai służyła jako wizerunek samej Mona Lisy.

Stary Rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na zdjęciu nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób pomyślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (prawe ramię Starego Człowieka jest zduplikowane), jak i Diabeł (lewe ramię Starego Człowieka jest zduplikowane).

Czy był tam wieloryb?

Hendrik van Antonissen „Scena na brzegu”.

Wyglądał jak zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i na pustynnym morzu. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie zebrali się na brzegu nie bez powodu - w oryginale zbadali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Jednak artysta uznał, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.

Dwa „Śniadania na Trawie”

Edouard Manet, Śniadanie na trawie, 1863.

Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet nazwę jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta, „Śniadanie na trawie”, Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

Bliźniaczki podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci pisał Ostatnią Wieczerzę, szczególną wagę przywiązywał do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunek. W końcu udało mu się znaleźć wzór na obraz Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo nie znalazł opiekunki dla Judasza przez trzy lata. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był to młody człowiek, który postarzał się od intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął od niego pisać Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo napisał od niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, Straż Nocna, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta, „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banning Cock i porucznika Willema van Ruytenbürga”, wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie wydawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Strażą Nocną i pod tą nazwą weszła do skarbca sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji, przeprowadzonej w 1947 roku, okazało się, że w holu obraz pokrył się warstwą sadzy, która zniekształciła jego barwę. Po wyczyszczeniu oryginalnego obrazu okazało się w końcu, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji nie przekracza 14 godzin.

wywrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W nowojorskim Museum of Modern Art w 1961 roku wystawiono obraz Henri Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisi do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z tym, jak obraz powinien wisieć, musisz zwracać uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się w górnej części obrazu, a szczyt żagla powinien być skierowany w prawy górny róg.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Teraz najbardziej wiarygodną wersją jest to, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w małej bójce z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest interesujący, ponieważ oddaje rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta jest przedstawiony z zabandażowanym prawym uchem, ponieważ podczas pracy używał lustra. W rzeczywistości lewe ucho zostało uszkodzone.

obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często uciekało się do „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że dotykanie niedźwiedzi nie wyjdzie tak, jak potrzebował. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.

Sawicki namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od pomysłu do wykonania, wszystko mówi o sposobie malowania, metoda twórcza charakterystyczna dla Shishkina”.

Niewinna opowieść „Gotycka”

Grant Wood, „Amerykański gotyk”, 1930.

Twórczość Granta Wooda uważana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest pełen szczegółów, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
W rzeczywistości artysta nie zamierzał przedstawiać żadnych okropności: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie pasowaliby jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni w postaci postaci, którymi tak bardzo obrazili się mieszkańcy Iowa.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać przy oknie” został namalowany w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem a siostrą pogorszyły się, gdy na jednym z obrazów napisał „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć takiego szoku.

W swojej książce z 1949 roku Salvador Dali oczami siostry pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez kolejne dziesięć lat później wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się grzechowi Sodomy za pomocą rogów własnej czystości”. Poza kobietą, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postaci przy Oknie. Istnieje wersja, że ​​tak Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Dwulicowe Danae

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta ujawniono dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno oświetlano promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanina wykazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans ze Zeusem, wyglądała jak twarz Saskii, żony zmarłego w 1642 roku malarza. W ostatecznej wersji obrazu zaczął przypominać twarz Gertier Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artysty bardzo ważny był kolor, komfort pomieszczenia: wszystko musiało sugerować odprężenie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych tonach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta wziął naparstnicę, lekarstwo na epilepsję, która powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

W powszechnej opinii Mona Lisa to perfekcja, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa jednak, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Przyglądając się powiększonym zdjęciom arcydzieła Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Uśmiecha się tak bardzo właśnie z powodu tego, co jej się przydarzyło” – uważa ekspert. „Jej wyraz twarzy jest typowy dla osób, które straciły przednie zęby”.

Major na kontroli twarzy

Pavel Fedotov, Swatanie Majora, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, śmiała się serdecznie: artysta Fedotov wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad szlachetnej etykiety: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wyładowana przez swoich kupieckich rodziców w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju zgasły). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego wolność jest naga

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.

Według historyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalował twarz kobiety ze słynnej paryskiej rewolucjonistki – praczki Anny-Charlotte, która po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu strażników. Artysta przedstawił jej nagą klatkę piersiową. Zgodnie z jego planem jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, jak pospolity człowiek, nie nosi gorsetu.

kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, Plac Czarnego Suprematysty, 1915.

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z jego innych boków, ani żaden z boków kwadratowej ramki, która otacza obraz. A ciemna barwa jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis brzmi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do nazwy żartobliwego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse'a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mony Lisa

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukru Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans między Adele a słynnym artystą. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić portret Adele od Klimta i zmusić go do zrobienia setek szkiców, dopóki artysta nie zacznie się od niej odwracać.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a model mógł zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, a wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd idziemy?”, 1897-1898.

Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: jest „czytane” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w jego pazury w lewym dolnym rogu).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał z cywilizacji. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął pudełko arszeniku i udał się w góry, by umrzeć. Jednak nie obliczył dawki i samobójstwo nie powiodło się. Następnego ranka zatoczył się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego sprawy poszły w górę, a w jego pracy rozpoczął się jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym zdjęciu

Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkaną przez dosłowne obrazy ówczesnych holenderskich przysłów. Na malowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są używane do dziś, jak np. „pływanie pod prąd”, „uderzenie głową w ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małe”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Podmiotowość sztuki

Paul Gauguin, wieś Breton pod śniegiem, 1894

Obraz Gauguina „Breton Village in the Snow” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków, a ponadto pod nazwą „Niagara Falls”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami po obejrzeniu w nim wodospadu.

ukryty obraz

Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901

W 2008 roku podczerwień pokazała, że ​​pod „Niebieskim pokojem” ukryto kolejny obraz - portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał okazji kupić nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza ”- historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwy powód tego.

Niedostępne kobiety z Maroka

Zinaida Serebryakova, naga, 1928

Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę - udać się w twórczą podróż, aby przedstawić nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie można znaleźć modeli. Na ratunek przyszedł tłumacz dla Zinaidy - przyprowadził do niej swoje siostry i swoją narzeczoną. Nikt przed i po tym nie był w stanie schwytać zamkniętych orientalnych kobiet nago.

Spontaniczny wgląd

Valentin Serov, „Portret Mikołaja II w kurtce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Mikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, wyciągając przed siebie ręce ... A potem artysta olśnił - oto on! Prosty wojskowy w oficerskiej marynarce o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest uważany za najlepsze przedstawienie ostatniego cesarza.

Znowu dwójka

© Fedor Reszetnikow

Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przybył na święta”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosna doskonała studentka.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z peryferii klasy robotniczej, szczyt roku szkolnego, tępy ogłuszacz, który znowu chwycił dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przybył na święta”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Dom na wsi, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał egzaminu rocznego, jest zmuszony siedzieć w czterech ścianach i wpychać się. W lewym górnym rogu widać obrazek „Znowu dwójka”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i szybkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się ulewa. Siedzący naprzeciwko niej starszy pan wstał, otworzył okno, wystawił głowę i patrzył tak przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych i potrafiła rozpoznać w nim sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511

Kilku amerykańskich ekspertów neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł zostawił kilka anatomicznych ilustracji w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Uważają, że po prawej stronie obrazu znajduje się ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie pasuje do położenia tętnicy kręgowej.

Ostatnia Wieczerza – Van Gogh

Vincent van Gogh, Taras kawiarni w nocy, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​Taras kawiarni Van Gogha w nocy zawiera dedykację do Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci. W centrum obrazu jest kelner z długimi włosami i w białej tunice, przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca również uwagę na krzyż, znajdujący się bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.

Obraz pamięci Dalego

Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które odwiedziły Dalego podczas tworzenia jego arcydzieł, miały zawsze postać bardzo realistycznych obrazów, które artysta przeniósł następnie na płótno. Tak więc, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” został namalowany w wyniku skojarzeń, które powstały na widok przetworzonego sera.

O czym krzyczy Munch?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch mówił o pomyśle jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany i oparłem się o ogrodzenie - patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógłby tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że ​​pomysł „Krzyku” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfita ilość pyłu i popiołu rozprzestrzeniła się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały tak, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się dla artysty źródłem inspiracji.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego obrazu. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i rzymskich jeźdźców, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, dostrzec można postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Nikołajem Gogolem. Pisarz ściśle komunikował się z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych, i udzielał mu porad w procesie malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Raphael Santi, Szkoła Ateńska, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła Ateńska”, Rafał uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michał Anioł Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk zachowywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansowych oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro Arnolfinis

Jan van Eyck, „Portret Arnolfinis”, 1434

W lustrze za Arnolfinis widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawieraniu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji łaciński napis: „Tu był Jan van Eyck”. W ten sposób kontrakty były zazwyczaj przypieczętowane.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że ​​artysta cierpi na zeza: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego mistrz nie obserwuje na portretach innych osób. Choroba doprowadziła do tego, że artysta mógł lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o normalnym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością widzenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, to właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.

Przed nadejściem Narodzin Wenus obraz nagiego kobiecego ciała na malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim niczego grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański obraz na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła obrzęd chrztu.

Gracz na lutni czy gracz na lutni?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutniarz, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie Caravaggia pozował jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na nutach przed muzykiem nagranie partii basowej widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta z trudem mogła dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej gardło. Ponadto lutnia, podobnie jak skrzypce na samym skraju obrazu, była uważana za instrument męski w epoce Caravaggia.

Kwitnące migdały (Krajobraz we Włoszech), 1902

Tivadar Kostka Chontvari (węgierski Csontváry Kosztka Tivadar, 5 lipca 1853, Kishseben, Cesarstwo Austriackie, obecnie Sabinov, Słowacja - 20 czerwca 1919, Budapeszt, Węgry) jest węgierskim artystą samoukiem. Jego prace można przypisać postimpresjonizmowi i ekspresjonizmowi.

W 1865 r. rodzina Chontvari przeniosła się do wsi Sredne (obecnie region Zakarpacki), a Tivadar został wysłany na studia do szkoły handlowej w Użgorodzie. Służył jako aptekarz, podobnie jak jego ojciec. W 1881 doznał wglądu, który zapowiadał mu los wielkiego malarza, „bardziej znaczącego niż sam Rafael”. W 1883 r. poznał w Paryżu Mihaly Munkácsy, uważanego za najwybitniejszego węgierskiego malarza. Podróżował po Dalmacji, Włoszech, Grecji, Afryce Północnej i na Bliskim Wschodzie. W 1900 zmienił nazwisko Kostka na pseudonim Chontvari.

Chontwari zaczął malować w połowie lat 90. XIX wieku. Posiada ponad sto obrazów. Większość z nich, zbliżona stylistycznie do ekspresjonizmu, powstała w latach 1903-1909. Również w jego obrazach były cechy realizmu magicznego, symbolizmu, surrealizmu mitycznego, postimpresjonizmu.

Płótna Chontvari były wystawiane w Paryżu (1907, 1910) i innych miastach europejskich, ale nie zyskały uznania w ich ojczyźnie. Na Węgrzech artysta miał opinię szaleńca ze względu na swoje ekscentryczne zachowanie, ascetyczny styl życia i skłonność do popadania w proroczy ton w komunikacji. W ostatnich latach napisał książki – broszurę „Energia i sztuka, błędy cywilizowanego człowieka” oraz opracowanie „Geniusz. Kto może, a kto nie może być geniuszem”. Za życia artysta nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów. Główne prace artysty są gromadzone w muzeum miasta Pec.

autoportret

Drapieżny ptak

stara kobieta obiera jabłka

Kobieta siedząca przy oknie

Młody artysta

Słońce spoglądające wstecz na Trau

Zachód słońca nad Zatoką Neapolitańską

Kwitnące migdały w Taurminie

Castellammare di Stabia

Data zakochanych

Miasto nad morzem

Widok na miasto Selmetsbanya

Przełom Zrinji (Zrinji - chorwacki dowódca)

Elektrownia w Yajice nocą

Pompeje (Dom Chirgugus z Wezuwiuszem)

Modlący się Zbawiciel

Ciekawy efekt lustra można zaobserwować na przykładzie obrazu „Stary rybak”. Wiadomo, że twarz osoby jest asymetryczna, to znaczy, że prawa i lewa część nie pokrywają się ze sobą.
Trudno powiedzieć, czy artysta chciał coś powiedzieć przez to, że prawa i lewa część twarzy starca na zdjęciu są tak różne, ale efekt okazał się bardzo ciekawy.

stary rybak

Po lewej stronie portret złożony z prawej strony twarzy i jej lustrzanego odbicia, po prawej - z lewej strony i jej lustrzanego odbicia.

Nie trać. Zapisz się i otrzymaj link do artykułu w swoim e-mailu.

Jeszcze do niedawna nazwisko węgierskiego artysty Tivadara Kostki Chontvary'ego znało niewielu, którzy interesowali się malarstwem, w szczególności ekspresjonizmem i prymitywizmem. O malarzu, który zmarł w biedzie prawie 100 lat temu, który zresztą uchodził za szaleńca (niektórzy badacze jego biografii uważają, że Tivadar był chory na schizofrenię), całkiem niedawno wielu zaczęło mówić.

Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego w Pecu, badając obraz Tivadara Chontvari „Stary rybak”, odkrył, że jeśli podzielisz płótno na pół za pomocą lustra, otrzymasz dwa różne obrazy! Ten szczegół zainteresował nie tylko wielu historyków sztuki, ale także zwykłych ludzi. Zaczęli mówić o tajnym mistycyzmie dzieła, zrewidowano stosunek do twórczego dziedzictwa węgierskiego samouka. W Rosji zainteresowanie tym faktem wzrosło po wydaniu programu „Co? Gdzie? Kiedy?" z dnia 1 października 2011 r., podczas którego widzowi z pytaniem o obraz „Stary rybak” udało się pokonać koneserów.

Nierozpoznany artysta

Tivadar Kostka Chontvari urodził się w 1853 roku w małej węgierskiej wiosce Kishseben. Jego ojciec był lekarzem i farmaceutą, interesował się nauką, był zagorzałym przeciwnikiem alkoholu i tytoniu i zaciekle bronił ich zakazu. Tivadar otrzymał tutaj wykształcenie podstawowe, ale po pożarze w 1866 r. przeniósł się do krewnych matki w Użgorodzie. Po ukończeniu szkoły średniej pracował jako asystent kupca w Preszowie.

Po swoim ojcu, Laszlo, młody Tivadar Chontwari odziedziczył zainteresowanie farmakologią. W rezultacie otrzymał wykształcenie farmaceutyczne na uniwersytecie w Budapeszcie, a później studiował prawo i pracował jako urzędnik zastępcy burmistrza stolicy. W czasie studiów cieszył się szacunkiem innych studentów, został wybrany szefem organizacji studenckiej, brał udział w strajkach 1879 r.

Tivadar rozpoczął swoją karierę artystyczną w 1880 roku. Pewnego jesiennego dnia, pracując w aptece, wyjrzał przez okno, mechanicznie podniósł ołówek, formularz recepty i zaczął rysować. To nie było coś abstrakcyjnego - przejeżdżający wóz został uchwycony na papierze. Właściciel apteki, widząc zdjęcie, pochwalił Chontvari, mówiąc, że artysta urodził się dopiero dzisiaj. Później, już pod koniec życia, sam Tivadar w swojej autobiografii, napisanej w charakterystyczny dla siebie mistyczny i proroczy sposób, opisując to, co się wydarzyło, powiedział, że miał wizję. To właśnie skłoniło Tivadara do jego przeznaczenia - zostania wielkim malarzem.

Od tego czasu Tivadar Kostka zaczął podróżować, aby zapoznać się z dziełem wielkich. Podróżował do Watykanu i Paryża. Następnie wrócił na Węgry, otworzył własną aptekę i całkowicie poświęcił się pracy, aby uzyskać niezależność finansową i robić to, do czego, jego zdaniem, się urodził. Tivadar namalował swój pierwszy obraz w 1893 roku. Rok później wyjechał do Niemiec (Monachium, Karlsruhe, Düsseldorf) i Francji (Paryż). Jednak świeżo upieczony artysta szybko się tym zmęczył iw 1895 roku udał się w podróż do Włoch, Grecji, Bliskiego Wschodu i Afryki, aby malować lokalne pejzaże. Z czasem zaczął podpisywać swoje obrazy nie nazwiskiem Kostka, ale pseudonimem Chontvari.

Tivadar Chontvari zajmował się malarstwem do 1909 roku. W tym czasie jego choroba zaczęła się rozwijać (przypuszczalnie schizofrenia, której towarzyszyła megalomania), a rzadkie obrazy stały się odzwierciedleniem surrealistycznych wizji. Artysta napisał także kilka alegorycznych traktatów filozoficznych. W swoim życiu Tivadar nigdy nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów - wystawy w Paryżu nie były szczególnie popularne, aw domu prawie ich nie było. Malarz zmarł w 1919 roku, nigdy nie doceniając swojego talentu.

Bóg i diabeł na obrazie „Stary rybak”

Niedawno przedmiotem szczególnej uwagi krytyków sztuki był obraz Tivadara Kostki Chontvari „Stary rybak”, napisany przez niego w 1902 roku. Odbijając naprzemiennie lewą i prawą część obrazu, powstają dwa zupełnie różne obrazy - Bóg w łodzi na tle spokojnego jeziora lub Diabeł na wulkanie, a za nim burza.

Po odkryciu tego faktu inaczej podeszło się do uznania autora obrazu. Ale co Tivadar Chontvari chciał powiedzieć o swojej pracy? Wielu podejrzewało o związek twórczości artysty z mistycyzmem iz wielkim zapałem zaczęto studiować spuściznę węgierskiego malarza.

Najbardziej prawdopodobną wersją idei zawartej w obrazie jest opinia o dualistycznej naturze ludzkiej natury, którą chciał przekazać Tivadar. Człowiek spędza całe życie w nieustannej walce dwóch zasad: męskiej i żeńskiej, dobra i zła, intuicyjnej i logicznej. To są składniki życia. Jak bóg i diabeł na obrazie Chontwari uzupełniają się wzajemnie, bez jednego nie ma drugiego.

„Stary Rybak”, jako ucieleśnienie przeżytego życia i ludzkiej mądrości, za pomocą prostej techniki pokazuje, jak zło i dobro, dobro i zło, bóg i diabeł współgrają w każdym z nas. A ich zrównoważenie jest zadaniem każdej osoby.