Kiedy mówimy o tym, jak robić lepsze zdjęcia, mamy na myśli to, jak robić DOBRE zdjęcia. W końcu każdy, kto bierze do ręki aparat, chce mieć DOBRY STRZAŁ. Jak to osiągnąć? Niestety nie ma uniwersalnej recepty. Każdy odnajduje i kroczy swoją własną drogą, ale tę drogę można znacznie skrócić, jeśli zamiast czerpać z własnego „gorzkiego doświadczenia”, wykorzystasz doświadczenie i wiedzę zgromadzoną przez wielowiekowe doświadczenie artystów i kilku pokoleń fotografów.

Zacznijmy więc drugą lekcję fotografii i pierwsze warsztaty w pełnym formacie. W poprzedniej wersji, z powodu braku miejsca, nie mogliśmy umieścić wszystkiego, co było zamierzone. Począwszy od tego numeru magazynu, każdy warsztat postaramy się podzielić na trzy części:
Zakończenie poprzedniego tematu, tym razem „Punkt i kąt strzału”.
Mała dygresja teoretyczna i najbardziej wizualne ujawnienie głównego tematu - „Światło w fotografii”.
· Wizualna zapowiedź głównego tematu kolejnego numeru na przykładach najbardziej typowe błędy początkujący fotografowie amatorzy - „Wybór właściwej ekspozycji”.

Punkt i kąt strzału

Mówiąc o punkcie i kącie fotografowania, rozumiemy, że nie ma znaczenia, kto się porusza – temat czy fotograf. W każdym razie zmiana względnego położenia aparatu i obrazu fotograficznego pozwala zbudować kadr, najważniejsze jest, aby wybrać odpowiedni moment na naciśnięcie przycisku… Wczoraj, dziś i zawsze, wybór punktu fotografowania, kąta Moment fotografowania i kadrowania to proces, który zapewnia konstrukcję kadru i stworzenie podstawy fotografii. Dlaczego podstawy? Bo wciąż jest światło – najpotężniejsze narzędzie, które tworzy obraz, a jest wiele aspektów technicznych, które zapewniają techniczną jakość fotografii.
Jeśli chodzi o konstrukcję ramy, często mówią o liniowym rysunku, kompozycji, fabule, obrazie ... Istnieje wiele podejść do badania tego zagadnienia, z których każde jest dobre na swój sposób. Skupimy się na praktycznej stronie procesu fotograficznego, zwracając uwagę na ważne punkty psychologiczne i dotykając elementów teorii „nagiej” tylko wtedy, gdy jest to konieczne. Zanim przejdziemy dalej, zadajmy sobie pytanie: co Dobre zdjęcie różni się od złego? Dlaczego jeden obraz jest lubiany, podziwiany, a drugi nie?

Warunkowo można wyróżnić trzy poziomy umiejętności fotograficznych. Pierwszy poziom - film dokumentalny, kiedy początkujący fotograf-amator po prostu uchwyci odcisk rzeczywistości, którą obserwuje. To jest codzienny dokument: „Ja i moi przyjaciele; moja rodzina; Jestem przed pomnikiem; świętujemy...; mój ulubiony kot". Tutaj z reguły nie warto nawet mówić o budowaniu ramy. Fotograf nie myśli jeszcze o kompozycji i fabule, zadaniem jest utrwalenie tego „na pamięć”. Na takich obrazach nie ma objętości, są płaskie i dwuwymiarowe. Kawałek Życia 10×15, interesujące dla autora oraz uczestników zarejestrowanych wydarzeń.

Na drugim poziomie w przenośni, istnieje zrozumienie ramy. Rozumiejąc, że dla widza wszystkie elementy uchwycone na fotografii wchodzą ze sobą w interakcję, tworząc niezależny obraz i powinny RAZEM nieść ładunek semantyczny. Fotograf nie tylko fotografuje ciekawe obiekty, tworzy kompozycję, w której pojawia się nowe piękno, rozpuszczone w przestrzeni i niewidoczne dla zwykłego oka. Autor rozważa już kąt, plan, perspektywę. Zdjęcie może nie ma jeszcze fabuły, która wywoła burzę emocji, ale obraz staje się interesujący przynajmniej z punktu widzenia: jak to się robi? Tutaj na płaskim odcisku pojawia się trzeci wymiar. I są dość proste techniki, które pomagają osiągnąć trójwymiarową fotografię.
Trzeci poziom - intrygować. Kiedy jest nie tylko ciekawy obraz, ale też pojawia się ruch, który u większości widzów budzi żywe emocje. W płaszczyźnie pojawia się jakby czwarty wymiar - odgaduje się ruch czasu. Czujemy, co było przed momentem zdjęcia i co będzie po nim. Duże zdjęcie to małe życie. Jednocześnie fotograf z reguły nie myśli już o stosowanych przez siebie technikach. Jego świadomość jest wolna i skupiona tylko na obrazie. Dba o to „co”, a nie „jak”.
Oczywiście nie da się od razu przejść z pierwszego poziomu na trzeci. Droga do mistrzostwa przebiega przez kilka etapów: wiedza, zrozumienie, umiejętności, przyzwyczajenie... Zadaniem naszego warsztatu jest pomóc Ci przejść pierwszy i drugi etap. Reszta jest w Twoich rękach.

Aby więc nauczyć się fotografować, trzeba nauczyć się posługiwać środkami fotograficznymi. Biorąc pod uwagę wysoką inteligencję nowoczesnych aparatów, które oszczędzają wiele kłopotów, początkujący fotograf musi przede wszystkim zrozumieć, co umieścić w kadrze, a czego nie: pod jakim kątem, pod jakim kątem, w jakiej skali ? Wszystko, co pojawi się w kadrze, będzie składało się na kompozycję fotografii (Kompozycja - z łac. - kompozycja, kompozycja, aranżacja, połączenie poszczególnych elementów w jedną harmonijną całość).
Albo nie. Może się okazać, że to tylko zestaw pojedynczych elementów, nawet jeśli są one dobrze nagrane technicznie. Kompozycja niestety nie istnieje obiektywnie i niezależnie od osoby, ma sens jedynie w ramach światopoglądu, przede wszystkim estetycznego. Można więc mówić o zasadach i środkach kompozycji w oparciu o fizjologiczne podstawy percepcji i część subiektywnego doświadczenia, która jest wspólna dla większości ludzi. Przejdźmy jednak do rzeczy.

Naszym zadaniem jest zbudowanie czegoś z niczego. Dla jasności, prostoty, a co najważniejsze, dla powtarzalności naszych praktycznych badań, jako przedmiot strzelania wybraliśmy pewną liczbę monet i liść z ostrygi (zwykłej muszli). Arbitralnie połóż to wszystko na najzwyklejszym stole. Obraz, jak widać (zdjęcie 1, widok z góry), nie jest najatrakcyjniejszy.
Spróbujmy, nie ruszając się niczym, znaleźć punkt strzelecki i kąt, który da choć trochę kompozycji w kadrze.

SERIA 1. Pierwszą rzeczą do zrobienia jest "strzelanie", szukanie najlepszego kąta i punktu strzeleckiego. Poruszamy się po martwej naturze. Zwykle takich zdjęć oczywiście się nie robi, wystarczy spojrzeć w wizjer, żeby zrozumieć, że ramka się „nie buduje”.

Zdjęcie 2 (po lewej - na dole). W sumie okazało się, że to ładny obrazek. Blask monet, tekstura muszli, wzór cienia. Oprócz zdjęcia jest lokalizacja zlewu. Jest „przetrzymywany” w jednym z węzłów zgodnie z zasadą trzech trzecich*.
Monety zajmują pozostałe trzy węzły uwagi. Dzięki temu obraz odbierany jest jako stabilny i zrównoważony. Ale dalsza praca z tym zdjęciem jest bezużyteczna. Nie da się tu zbudować ujęcia wielopłaszczyznowego. Umywalka i monety znajdują się w stosunku do widza prawie na tym samym poziomie. Co więcej, taka kompozycja dyskomfort. Oba obiekty są w równowadze. Kłócą się ze sobą. Jednocześnie pytanie brzmi: „kto jest silniejszy?” - pozostaje bez odpowiedzi. Przenieśmy się jeszcze trochę.
Zdjęcie 3 (po prawej - na dole). Zlew zajmował prawy dolny róg. Zgodnie z zasadą lewej ręki ** ruch wzroku przechodzi z lewego górnego rogu do prawego dolnego i spoczywa na zlewie. Wydaje się, że zwalnia wzrok. Ponadto rama staje się niewyważona***.
Lewy górny róg pusty, a cała uwaga skupia się na zlewie. Ale umywalka pod tym kątem nie jest na tyle ciekawa, żeby zwracać na nią uwagę. Na zdjęciu nie ma tematu.
Zatrzymaliśmy się przy zdjęciu, na którym umywalka znajduje się w lewym górnym rogu. Spróbujmy teraz wzmocnić zmysł planowania, głębię obrazu. Trzeba pamiętać: im bliższy kątowi widzenia prostopadłej opuszczonej na płaszczyznę, tym mniej planów będzie na zdjęciu. Musisz szukać punktu widzenia, aby obiekty znajdowały się w różnych odległościach od siebie i fotografa.

SERIA 2. Jeśli wcześniej obracaliśmy się wokół obiektów zgodnie z ruchem wskazówek zegara, teraz kamera będzie poruszać się głównie wzdłuż warunkowej sfery niebieskiej oraz zbliżać się i oddalać w stosunku do obiektu.
Zdjęcie 1 (poszukiwanie głębi 1). Plus - zdjęcie zostało zrobione zgodnie z zasadą trzech trzecich. Dolna trzecia część to blat, który tworzy wrażenie „powietrza” w ujęciu. Górne dwie trzecie to monety i muszla. Monety, jeśli przyjrzysz się uważnie, tworzą dwa łuki, dwa fronty. Jest w tym element rytmu.
* Rytm w fotografii to harmonijne przeplatanie się geometrycznych kształtów, plam i linii. Służy do wyrażania ekspresji.
Jest trochę więcej głębi niż w poprzednich ujęciach, ale wciąż za mało. Nie ma stabilności, równowagi. Spróbujmy zejść jeszcze niżej.

Zdjęcie 2 (poszukiwanie głębi 2). Nasiliło się poczucie perspektywy. Na blacie pojawiły się odbicie monet i cień zlewu. Oczywisty plan pierwszy i środkowy, a monety idące w dal - plan odległy. Ale teraz rama nie jest wypełniona. Spróbujmy zmienić skalę.

Ujęcie 3 (spiętrzenie. Zbliżenie 1). Zbliżyliśmy się, ale wydaje się, że jest za blisko. Wyraźna dominacja muszli i „zrzut” monet na pierwszym planie. Ten obraz nie budzi żadnych emocji. Ale jeśli zadaniem jest pokazanie masywności małych, na pierwszy rzut oka, przedmiotów, to punkt strzału, kąt, plan - wszystko jest dobrze dobrane. Nie dążyliśmy jednak do tego efektu, dlatego postaramy się zmniejszyć powłokę w oprawie i zwiększyć wagę monet.

Zdjęcie 4 (zbliżenie 2). Zbliżamy się. Mimo oczywistego przestrzegania zasady trzech trzecich, zdjęcie nie wygląda harmonijnie. Spróbujmy w tej samej skali, aby nieznacznie zmienić kąt.

Zdjęcie 5 (zbliżenie 3). Powłoka przesunęła się nieco w prawo i wygląda jak dziób statku, który przecina „fale monet”. To pierwsza rzecz, jaka przychodzi mi do głowy. Być może nie jest to najtrudniejsze skojarzenie, ale to, że fotografia sprawia, że ​​wyobraźnia działa, jest już dobre. Nie będziemy tu dalej szukać. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.

Zdjęcie 6 (Plan większy). Usuwamy bałagan z pierwszego planu, przesuwamy go na bok. Lekko pomniejszony, aby pokazać muszlę. Ponownie pojawiła się różnorodność: monety z pierwszego planu przez środek idą za muszlą. Ciekawa tekstura. Pojawia się równowaga: lewy górny róg i prawy dolny róg są zajęte przez muszlę i monety. Między nimi tworzy się wizualny korytarz, który biegnie od lewej do prawej. Przy dużej liczbie plusów jest też znaczący minus: obraz faktycznie dzieli się na dwie równe części. Muszla i monety kłócą się między sobą.

Zdjęcie 7 (zbliżenie na lewo od 2.). Trochę zwiększamy plan. Zachowana jest planowość dzięki „łukowi monety”. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.

Zdjęcie 8 (nowy kąt 1). Całkowicie niezrozumiałe jest, co robi umywalka na zdjęciu. Zasada jest prosta: wszystko, co jest możliwe, należy usunąć z ramy. Jeśli powłoka zniknie, nic zasadniczo się nie zmieni. Ale stoimy przed zadaniem usunięcia zarówno monet, jak i muszli - tak, aby wszystko grało.

Zdjęcie 9 (nowy kąt 2). Zwiększona obecność zlewu. Plany: przód z odbiciem, środek z przedmiotami, tył - "powietrze". Przestrzegana jest zasada trzech trzecich. W blacie pojawiło się odbicie. Przy zlewie utworzyło się pewne „drapieżnictwo”. Wydaje się, że zjada monety. Dominację skorupy podkreśla nachylenie w jej kierunku. Zwiększmy nieco ten efekt.

Zdjęcie 10 (całkowity tandem 1). W zasadzie ten obraz można uznać za pewien wynik. Jest bardzo wyraźny obraz „agresywnej powłoki”.

Zdjęcie 11 (całkowity tandem 2). Próbowaliśmy zmienić oprawę. Aby to zrobić, podnieśli obiektyw, w ten sposób umywalka opadła. Dwie trzy zajmują przedmioty. Na pierwszoplanowy- blat z odblaskiem. Rama nie wydaje się zatłoczona przedmiotami. On „oddycha”.

SERIA 3. W poprzednich seriach ujęć w niewielkim stopniu zastosowaliśmy pochylenie aparatu. Spróbujmy pobawić się tą funkcją. Wielu boi się obracać aparatem. I absolutnie na próżno. Czasami przechylanie może dać ciekawe rezultaty.

Zdjęcie 1 (nachylenie 1). Wszystko wypadło z ramy. Monety są prawie niewidoczne, nie jest jasne, jaka tekstura po prawej stronie. Spróbujmy sprowadzić wszystko z powrotem do kadru i zachować pochylenie.

Zdjęcie 2 (pochylenie 2). Obiekty są wyraźnie przypisane w kadrze, ale nachylenie pokrywa się z przekątną naturalnego ruchu spojrzenia (zasada lewej ręki) i dlatego jest całkowicie nieczytelne. Stąd nie ma dynamiki ruchu, jest poślizg. Gdybyśmy chcieli osiągnąć wrażenie poślizgu, to byłoby w porządku z tym ujęciem.

Zdjęcie 3 (pochylenie 3. Sugestia ruchu). Odwróć nachylenie. Pojawił się ruch, ale niezbyt zrozumiały.

Zdjęcie 4 (pełzająca suma). Nieznacznie zwiększył nachylenie, zwiększył efekt ruchu. Muszla zamieniła się w żywą istotę, która stara się gdzieś odczołgać, a jednocześnie zostawia za sobą rząd monet. Nie można powiedzieć, że to arcydzieło, ale już ten obraz budzi pewne skojarzenia. Nie ma tu wierszy jako takich*, ale są zgadywane. Węzły uwagi są zaangażowane zgodnie z zasadą trójpodziału.

* Wszelkie linie na obrazie są dobrym narzędziem do emocjonalnego oddziaływania na widza. Zakrzywione linie działają kojąco; linie przerywane działają drażniąco; pionowe linie oddają wielkość, siłę, moc; horyzontalny - spokój i pogoda ducha; przekątna - dynamika.
Zasadniczo nadal możesz pracować z ostatnimi ujęciami drugiej i trzeciej serii. Na przykład baw się światłem, cieniami, intensywnością odbicia powierzchni. Wszystko to stworzy dodatkową dynamikę. Praca ze światłem to kolejny temat naszych warsztatów.
I zanim zakończymy ten temat, chcemy dać radę: „Patrząc w wizjer wyobraź sobie, co widzisz jako oprawioną fotografię na ścianie swojego mieszkania. Jeśli Ci odpowiada – śmiało, ale delikatnie wciśnij przycisk „zejście”, jeśli nie – kontynuuj szukanie kąta.

* Zasada trzech trzecich. Rama jest konwencjonalnie podzielona w pionie i poziomie na trzy równe części. Wszelkie powierzchnie najlepiej układać w stosunku 1:2. Na przykład w jednej górnej części obrazu umieść niebo. W dolnej dwójce - ziemia. Lub odwróć. Taka aranżacja pozwala określić, co dominuje na obrazie, co jest podkreślone. Ponadto na przecięciu dwóch pionowych i dwóch poziomych linii, które warunkowo dzielą obraz na części, powstają cztery „węzły” uwagi. Najlepiej umieszczać w nich przedmioty.
** Reguła lewej ręki. Większość ludzi najpierw patrzy na lewy górny róg obrazu, a następnie ich wzrok przesuwa się w prawy dolny róg. Jeśli na przykład chcesz wyróżnić drogę na zdjęciu, lepiej zacząć od lewego dolnego rogu do prawego górnego rogu. W ten sposób na ścieżce naturalnego ruchu oka od lewej do prawej strony „potknie się” o krawędź jezdni i ją podkreśli. W przeciwnym razie droga zostanie po prostu zgubiona na zdjęciu.
*** W migawce można wyróżnić dwa rodzaje równowagi: formalną i nieformalną. Formalną równowagę uzyskuje się dzięki absolutnej symetrii po lewej i prawej stronie optycznego środka obrazu. W ten sposób wyważona kompozycja podkreśla dostojeństwo, stabilność i konserwatyzm obrazu. Równowagę można osiągnąć w inny sposób, umieszczając elementy o różnych rozmiarach, kształtach, intensywnościach kolorów w różnych odległościach od centrum optycznego. To jest nieformalna równowaga. To sprawia, że ​​zdjęcie jest bardziej pomysłowe i bogate emocjonalnie.

_______________________

Każdy z nas niejednokrotnie spotykał się z fotografiami, które uderzały swoim pięknem i oryginalnością: nie sposób oderwać od nich wzroku, mają bogata historia kreacje i detale dopracowane w najmniejszym szczególe. Wydaje się, że aby stworzyć takie dzieło sztuki, trzeba zaopatrzyć się w dobry aparat i zacząć fotografować, ale tak naprawdę to wcale nie wystarczy.

Lwia część sukcesu fotografii zależy od tego, jak dobrze mistrz wypracował szczegóły kompozycyjne i cechy swojej pracy. Czasami w tym momencie można kierować się ogólnie przyjętymi zasadami, które są znane każdemu artyście, ale często odchodzą od nich profesjonaliści w swojej dziedzinie, stosując nietypowe techniki, dzięki którym fotografia staje się naprawdę genialna.

Rzeczywiście, kompozycja jest głównym sposobem, aby zdjęcie było piękne lub odwrotnie - zepsuć wszystko w nim. Żadna, nawet najbardziej zaawansowana technika, nie jest w stanie znaleźć dla Ciebie odpowiedniej kompozycji ramy - ten biznes wymaga skrupulatnego studiowania, eksperymentowania i nigdy nie przestawaj szukać kątów i opcji budowania ramy. W tym artykule omówimy szereg technik kompozycyjnych, które pomogą uczynić obraz bardziej oryginalnym i profesjonalnym.

Zasada trójpodziału

Popularna zasada kompozycyjna „Prawo trójpodziału” polega na podzieleniu kadru na sześć równomiernie rozmieszczonych linii, z których trzy są poziome, a trzy pionowe. To właśnie to prawo mówi nam, że nie powinniśmy próbować umieszczać fotografowanego obiektu dokładnie w środku - to zdezorientuje widza, ponieważ nie zrozumie, która połowa obrazu jest główna. Punkty, które tworzą się na przecięciu linii, są węzłami uwagi. To na nich należy umieszczać przedmioty i ludzi, skupiając na nich uwagę. Również w tym celu możesz wykorzystać same linie, a raczej wybrać jedną z nich.

Symetria i asymetria na zdjęciu

Czasami wyśrodkowanie kompozycji składającej się z małych uporządkowanych linii może być szczególnym pomysłem - wtedy kompozycja „wyśrodkowana”, o której mówiliśmy powyżej, będzie uzasadniona. Często takie zdjęcia zawierają obraz mostów i schodów. Wtedy lepiej odejść od zasady tercji i umieścić obiekt z punktem akcentowym na centralnej części – podkreślisz smukłą geometrię, nadasz określony rytm i stworzysz idealnie skalibrowane ujęcie.

Asymetria to bardzo popularna i „działająca” technika w fotografii. Można go znaleźć w pracach różnego typu: pejzaże miejskie, naturalne, portrety, martwe natury. Istotą metody jest prawidłowe umieszczenie obiektu w węźle uwagi, ale jednocześnie stłumienie innych szczegółów kadru.

nieostrość

Aby ułatwić widzowi podkreślenie znaczenia na zdjęciu, możesz użyć naprzemiennej ostrości i nieostrości obrazu. Każdy obiekt, który wymaga maksymalnej uwagi w kadrze, powinien być wyraźnie widoczny, a wszystko inne powinno być rozmazane. Może to być portret, ujęcie samochodu pędzącego drogą, skaczącego konia i nie tylko.

Niekiedy kompozycja wymaga odwrotnego efektu – gdy ostrość słabnie. Szczególnie wyraziste są ujęcia z rozmytą sylwetką osoby znajdującej się na tle pięknej ulicy lub stawu. Fotograf proponuje widzowi zobaczenie nie tylko tego, co on sam widzi przez obiektyw, ale także obrazu oczami fotografującego modela.

Zdjęcie oprawione

Ramka może być nie tylko w formie drewnianej ramki zdjęcia, ale również wewnątrz samego obrazu. Taki technika artystyczna nadaje głębi i wyrazistości. Sklepienia i łuki mogą stać się ramą piękne budynki, starożytne kolumny, a nawet okna i drzwi, a także naturalni „pomocnicy”: gałęzie drzew, winorośle i tak dalej.

Warto zauważyć, że elementy w tle powinny być ułożone według zasady trójpodziału.

Wybierz korzystny kąt, który pojemnie pokryje ramę, nada jej pożądaną symetrię. W przypadku fotografii pejzażowej rama znacznie ułatwia kompozycję, nadając jej artystycznego akcentu.

Tworzenie linii

Jak wprowadzić widza w semantyczne skupienie fotografii? Za pomocą linii, które wyraźnie wskazują kierunek, w którym należy się poruszać. W tym przypadku zrobi wszystko, co ma smukły geometryczny kształt: drogi, ściany budynków, schody i mosty.

Jeśli widzisz przed sobą dużo poziomych linii, a wszystkie razem tworzą ciekawa kompozycja, uczyń z nich podstawę zdjęcia, a na samym szczycie trzeciego miejsca jedno - obiekt, który będzie ukoronowaniem kompozycji.

Praca z trójkątami i przekątnymi

Geometria w konstrukcji obrazu nadaje mu dynamikę, pogłębia go, pozwala urzeczywistniać kreatywne pomysły artystyczne. Zasada jest prosta: fotograf uchwyci w kadrze obiekty ułożone promieniście – kompozycja podzielona jest na trójkąty, zakrywające całą strukturę zdjęcia. Idealnie nadaje się do łączenia małych i dużych obiektów: lewego, prawego, górnego i dolnego. Najważniejsze jest, aby uniknąć dokładności w środku i nadać obrazowi niestandardową symetrię.

Struktura

Fotografując budynki, ciekawe obiekty architektoniczne, place, skwery, stare ulice, ważne jest oddanie atmosfery miejsca, podkreślenie jego osobliwości. Jedną z technik, które nadają obrazowi szczególny nastrój i estetykę, jest nacisk na faktury, ich dobór, a także powtarzanie drobnych elementów, które pomogą uatrakcyjnić kompozycję.

Techniki te są szczególnie dobrze i z powodzeniem stosowane na nietypowych nawierzchniach drogowych: kamienna ścieżka, kostka brukowa na drodze, niezwykła ozdoba z płytek, którą chcesz naprawić.

Parzyste i nieparzyste w fotografii

Jedno z praw fotografii mówi: w kadrze musi być nieparzysta liczba obiektów. Wynika to z faktu, że widzowi łatwiej jest dostrzec obraz z określonym akcentem kompozycyjnym. Jeśli zobaczysz przed sobą trzy osoby, twoja uwaga automatycznie skupi się na centralnej postaci. Zgodnie z tą logiką, dwa obiekty lub osoby w kadrze dezorientują widza. Ale jeśli zrobisz zdjęcie z żywą historią, w której dwóch rozmówców znajduje się w centrum kadru, możesz odejść od reguły. Postaraj się wyraźnie pokazać gesty ludzi, ich emocje i mimikę, elementy artykulacji - wtedy obraz będzie interesujący do oglądania przez długi czas.

Wypełnienie ramki

Podstawą napełnienia recepcji jest zbliżenie, które pozbawione jest tła. Twarz człowieka, głowa zwierzęcia, czy jakikolwiek inny obiekt, np. budynek o pięknej architekturze – wszystko, co jest godne uwagi i urzeka detalami, może stać się centrum kompozycji kadru. Wystarczy trochę nieba na górze i wzdłuż krawędzi, wystarczy dolna pozioma linia - i teraz obrazek jest poprawnie wypełniony. Odbiór jest szczególnie dobry w fotografii portretowej, gdzie ważne jest skupienie się na oczach.

Dodanie powietrza do ramy

Piękny obiekt na tle nieba, samotny stojące drzewo na pustkowiu, latarnia morska otoczona wodą, człowiek w środku krajobrazu – takie minimalistyczne podejście do tworzenia kompozycji i dużo wolnej przestrzeni sprawiają, że obraz jest „lżejszy”, pozwalając widzowi dostrzec informacje i łatwiej je zinterpretować. Tworząc ujęcia z wolną przestrzenią i powietrzem, dajesz swojej pracy więcej „oddychania”.

Koncentrowanie się na wyglądzie

Jeśli chodzi o fotografowanie portretów, najważniejszą rzeczą, jaką należy wiedzieć o kompozycji, jest pamiętanie o oczach. Tylko w ten sposób, kładąc na nich główne akcenty, przekażesz wszystkie emocje i myśli człowieka, jego historię i obecny stan. Nie zapomnij o zasadzie trójpodziału: ustaw linię oczu na górze kadru. Nawiasem mówiąc, technika działa nie tylko na ludzi, ale także na zwierzęta.

Eksperymentowanie z kątami

Większość przypadków fotografowania osoby dotyczy kąta na poziomie oczu modela w pozycji stojącej. Ta technika jest standardem i jest stosowana przez wielu mistrzów - w ten sposób najpoprawniej i naturalnie pokażesz proporcje sylwetki modelki. Warto jednak pamiętać, że zmiana symetrii linii i zabawa kątami może sprawić, że zdjęcie będzie oryginalne i niezwykłe – w takich przypadkach bardzo często udaje się przekazać ideę projektu.

Na przykład, fotografując psa w skoku z niskiego punktu, wizualnie zwiększasz odległość między ziemią a jego łapami, tworząc wyrazistość semantyczną. W przypadku pejzaży z dużą ilością interesujących obiektów nie bój się fotografować z góry. Bardzo ważne jest, aby zmienić położenie kamery, aby znaleźć coś własnego, najbardziej odpowiedniego.

Praca z kolorem

Kolor odgrywa również rolę w kompozycji. Za pomocą kolorów i ich umiejętnego połączenia oddasz nastrój oprawy i wszystkie emocje. Fotograf musi studiować kolor, ale na początku możesz użyć specjalnej tabeli kolorów, z której korzystają w swojej pracy projektanci, artyści i inne kreatywne osoby. Umiejętność łączenia odcieni i tworzenia spójnego obrazu to ważna umiejętność, która przeniesie Twoje umiejętności na nowy poziom.

Tworzenie ruchu i wybieranie kierunku

Każdy ruch jest postrzegany przez osobę od lewej do prawej - tak jesteśmy zorganizowani. Kiedy robisz zdjęcia, pamiętaj o tym detalu i wykorzystuj go w swojej pracy. Np. po drodze pędzi samochód, a po leśnej ścieżce rower, człowiek biega, a jego pies próbuje dogonić latający kij - każdy ruch z dynamiką powinien być skierowany w prawą stronę.

Bardzo ważne jest, aby nie zapomnieć o pozostawieniu pustej przestrzeni z przodu, co pomoże lepiej zrozumieć całą dynamikę kompozycji i kierunek, w którym zmierza bohater obrazu. Odpowiednio dobrany i zbudowany kierunek ruchu potrafi zdziałać cuda z dynamiką fotografii.

Saldo

Jeśli masz przed sobą ulicę miejską z piękną latarnią, ustaw ją zgodnie z zasadą trójpodziału i uwzględnij w kadrze drobne elementy – powinny być w pewnej odległości: np. po drugiej stronie drogi. Ta technika zrównoważy obraz, zrównoważy go strukturalnie. Jednocześnie latarnia nadal będzie dominować, ale w kompozycji pojawi się materia organiczna, stanie się ona ciekawa artystycznie. Unikaj pojedynczych sylwetek, które rozcinają zdjęcie na kawałki.

Opozycja w kadrze

To jedna z najbardziej wyrazistych technik, która nadaje obrazowi niepowtarzalny klimat i odzwierciedla dwie strony rzeczywistości. Stare i nowe, czarno-białe, wesołe i smutne, dzieci i starcy, dynamika i statyka - kontrasty zawsze są korzystne i mają własny pomysł filozoficzny.

Użyj powyższego techniki kompozytorskie w swojej praktyce fotograficznej, a na pewno znajdziesz własne – takie, które dodadzą Twojej pracy pikanterii i oryginalności. Nie bój się patrzeć na świat przez obiektyw z różnych punktów, eksperymentuj z perspektywą i proporcjami, ostrością i rozmyciem - tylko w ten sposób sprawisz, że Twoja praca będzie wyjątkowa.

Fotografia jest tym, czym staje się malarstwo, kompozycja, plastyczny rytm, geometria, umieszczone w ułamku sekundy (Henri Cartier-Bresson).

Kiedy myślimy o kompozycje w fotografii, pierwszą rzeczą, która przychodzi na myśl, jest zasada trójpodziału, ...

Ale jest jeszcze jeden ważny element w kompozycji - geometria. Geometria w fotografii to proste kształty, takich jak kwadrat, trójkąt, okrąg, linie proste i zakrzywione.

Obiekty geometryczne mają zwykle charakter pomocniczy, poprawiają percepcję i potrafią łączyć poszczególne elementy zdjęcia w jedną całość. Wybierając taki lub inny kształt geometryczny na zdjęciu, autor może z wyprzedzeniem skupić uwagę przyszłego widza na określonych obszarach. Ustalono na przykład, że rogi kwadratu okazują się bardzo aktywnymi strefami, podczas gdy dla koła czy owalu jest to środek. To nie przypadek, że tradycja portretów w owalu rozwija się od czasów starożytnych. Narożniki nie odwracały uwagi od najważniejszej rzeczy - wizerunku twarzy. Najpopularniejszym i najbardziej wszechstronnym narzędziem geometrycznym jest linie. Przeczytaj więcej o nich w naszym oddzielnym.

W rzeczywistości każdy przedmiot środowisko można je porównać z dowolną figurą geometryczną, ale wszystkie wywołują u widza inne emocje i odczucia. Proste kształty geometryczne, takie jak koło i kwadrat, są znacznie szybciej utrwalane przez nasze oczy i postrzegane przez mózg, dzięki czemu są lepiej zapamiętywane niż złożone i nieregularne. Ogólnie rzecz biorąc, istnieją trzy podstawowe liczby. To jest prostokąt, trójkąt i okrąg. Wszystko inne - owal, kwadrat, trapez, elipsa, romb to tylko ich odmiany. Wszystkie różnią się zarówno graficznie, jak i (nie dziw się) emocjonalnie.

KWADRAT W KOMPOZYCJI

Kwadrat jest najbardziej stabilną, kompletną formą, gotową do wywołania afirmujących obrazów. Wiąże się z takimi pojęciami jak porządek, stabilność, niezawodność, siła. Jednocześnie plac jest postrzegany jako nieco przyziemny i ciężki.

Zdjęcie: Robertino Nikolić. „Światło bawi się geometrią czy geometria ze światłem?”.Zwycięzca nagrody Black & White Spider Awards, 2007.

Zdjęcie: Alma (źródło - 1510.deviantart.com)

PROSTOKĄT W KOMPOZYCJI

Ułożony poziomo prostokąt z większym bokiem wywołuje poczucie stabilności, spokoju i solidności.

Wygląda szczególnie harmonijnie, jeśli jest wykonany w proporcjach „złotej sekcji”. Prostokąt, umieszczony większym bokiem wzdłuż pionu, stwarza wrażenie lekkości, zwiewności.

TRÓJKĄT W KOMPOZYCJI

Trójkąt jest najczęstszym kształtem występującym w przyrodzie. Trójkąt to najbardziej dynamiczny, niestabilny kształt, który jest związany z ruchem, rozwojem i szybkością. W pozycji „top up” przywołuje obrazy stabilności, stabilności (piramidy). Kilka trójkątów - pozytywny ruch dynamiczny. W pozycji „z góry na dół” - niepewna równowaga, równoważenie. W przeciwieństwie do prostokąta boki nie są sobie przeciwstawne, ale zmieniają kierunek rozwoju. Może to służyć do tworzenia określonych obrazów. Trójkąt w naturalny sposób dodaje kompozycji głębi.

OKRĄG W SKŁADIE

W formie koła, bardziej niż w jakiejkolwiek innej idei natury, ziemi, wszechświata jest wyrażona. Kręgi obfitują zarówno w przyrodzie, jak iw świecie przedmiotów stworzonych przez człowieka. Dlatego takie pojęcia, jak „dobro”, „życie”, „szczęście”, „dobrobyt” są kojarzone z osobą z tą konkretną formą. Ten formularz kieruje oko w kadr. Koło kojarzy się z czymś lekkim, przewiewnym i jednocześnie zrównoważonym. Ale w przeciwieństwie do kwadratu, ta równowaga jest bliższa fizycznej koncepcji „równowagi niestabilnej”. Koła to najbardziej przyjemne dla oka kształty, które można bezpiecznie zastosować w oprawie. Od razu przykuwają uwagę widza i dzięki doskonałej symetrii wprowadzają harmonię do obrazu. Ponieważ koło nie ma rogów, pięknie kontrastuje z prostokątnym wcięciem ramy.

Podobnie jak trójkąt, okrąg jest bardzo efektowną figurą geometryczną, którą można z pożytkiem wykorzystać w kompozycji kadru, choć w innym znaczeniu. W przeciwieństwie do przekątnych, które dodają oprawie dynamiki i napięcia, zakrzywione linie tworzą harmonię. Dzięki temu możliwe jest tworzenie wyrazistych i pouczających kompozycji opartych na prostych geometrycznych kształtach.

Obiekty geometryczne można podzielić na trzy grupy w zależności od ich funkcji: linie prowadzące, przegrody i obramowanie. Separatory spacji dzielą obraz na oddzielne strefy, które mają własny ładunek semantyczny, ale współpracują ze sobą, tworząc pojedynczą kompozycję. Przykładem najprostszego separatora przestrzeni jest linia horyzontu oddzielająca niebo od powierzchni morza. Trójkąty bardzo dobrze prezentują się jako separator przestrzeni, ale elementy takie jak przekątne i otwarte linie mogą być również używane bez obaw.

Kadry pełnią funkcję przyciągania wzroku widza i skupiania go na głównym obiekcie. Drzwi, łuki, okna świetnie sprawdzają się jako elementy obramowania. Ponadto elementy naturalne, takie jak gałęzie drzew, doskonale sprawdzają się w tej funkcji. Ważne jest, aby kadrowanie znajdowało się co najmniej z dwóch stron obrazu i było wykonane w spokojnym tonie, najlepiej ciemniejszym niż główny temat, aby nie rozpraszać widza. Element graniczny musi być ciekawy kolor, kształtu, faktury lub innych cech wartych uwagi, ale warto pamiętać, że elementy oprawy powinny kierować, a nie rozpraszać. Szczególnie dobrze sprawdzają się pod tym względem trójkąty lub łuki. Łuk jest w stanie stworzyć ciekawą dynamiczną kompozycję.

Spróbuj, poeksperymentuj i nie zapominaj, że w jednym ujęciu możesz użyć kilku geometrycznych kształtów jednocześnie, aby zbudować kompozycję.

Kompozycja jest „językiem” komunikacji między fotografem a widzem. Rozważmy 14 złotych zasad kompozycji na przykładach zdjęć nauczyciela KCF Dmitrija Bogaczuka.

Kompozycja odpowiada za integralność kadru i podporządkowuje elementy fotografii sobie nawzajem oraz idei artysty.

roztwór składu w sztuki piękne podlega twórczemu zadaniu autora. Przede wszystkim fotograf odpowiada na pytania „Co widzę? Dlaczego to zdjęcie? Jak przekazać pomysł widzowi? I dopiero wtedy autorka decyduje, jak wykorzystać tak podstawowe elementy kompozycji kadru, jak linie, kształty, ich miejsce w przestrzeni, faktury, światło, kolor i ognisko. Dzięki temu może kontrolować nastrój widza, zwracać jego uwagę na ważne obiekty w płaszczyźnie obrazu, ukrywać „drobne elementy”. Język kompozycji to zbiór wielu zasad, ale omówimy tylko te najważniejsze.

Opanuj teorię i praktykę kompozycji na kursie fotograficznym „Kompozycja w fotografii” prowadzonym przez fotografa artystycznego Dmitrija Bogaczuka.

1. Zasada „złotej sekcji” – zasada trójpodziału

Został opisany przez matematycznie wielkiego Leonarda da Vinci. O tej zasadzie można było usłyszeć w szkole na lekcji matematyki. Pamiętasz ten rysunek?

złoty podział- jest to podział odcinka C, w którym cały odcinek C odnosi się do większej części B w taki sam sposób, jak większa część B odnosi się do mniejszego A. Wzór na to wyrażenie jest następujący: C:B=B:A=1,618. Ten stosunek wynosi 1,618. Ta liczba jest również nazywana złotą liczbą. Luca Pacioli, współczesny i przyjaciel Leonarda da Vinci, nazwał ten stosunek „boską proporcją”.

A termin „ złoty podział' został wprowadzony przez Martina Ohma w 1835 roku. Ten stosunek segmentów można przenieść na płaszczyznę fotografii. Siatkę tę często można zobaczyć w wizjerze kamer.

W punktach przecięcia i linii tej siatki zwyczajowo umieszcza się ważne przedmioty lub linie sfotografowany obraz. Na przykład wyrównaj linię horyzontu z dolną linią siatki, jeśli chcesz podkreślić niebo. Jak na tym zdjęciu z samotną sosną na szczycie Demerdzhi ...

Umieść bohatera swojej działki (drzewo, osobę, kwiat, budynek) na jeden z czterech aktywnych punktów siatka tercji. Korzystając z zasady trójpodziału, możesz skupić się na ważnych obiektach w kadrze.

2. Reguła FORMATU

Jakie będzie Twoje następne ujęcie - poziome czy pionowe? Zdecyduj o tym przed naciśnięciem przycisku. Proporcje obrazu określą temat. Strzelanie do wysokiego drzewa lub osoby w pełna wysokość– obrócić kamerę w pionie. Często widzimy zdjęcia w standardowych formatach o proporcjach 4:3, takich jak poziomy lub poziomy.

Ale format zdjęcia może być dowolny: kwadratowy, okrągły, trójkątny, a nawet dowolny, nieregularny kształt. Format niesie informacje o granicach obrazu, a także o ładunku semantycznym. Chodząc wśród wieżowców chcę pokazać widzowi ich wysokość. Wtedy wybiorę wąski, pionowy, niestandardowy format. Format obrazu poprawi postrzeganie fabuły.

Lub na przykład format kwadratu. Kwadrat ma bardzo statyczny kształt. Martwe natury są często zamknięte w kwadracie. Sceny martwej natury działają nie tylko uspokajająco, ale też kwadratowy format wzmaga poczucie spokoju i stabilności. Zawsze zastanów się, jaki format jest odpowiedni dla Twojej historii.

3. Zasada równowagi i symetrii

Na fotografii zarówno miejsca, jak i znaczenia powinny być zrównoważone. Jeśli w jednej małej części zdjęcia skupia się dużo znaczenia, musisz znaleźć coś innego i umieścić to w przeciwnej części kadru, aby zrównoważyć fabułę.

Wykresy symetryczne konstruowane są w oparciu o zasadę równowagi. Symetria jest zawsze przyjemna dla oka. Często kompozycja krajobrazu i architektury opiera się na symetrycznych odbiciach w wodzie.

4. WIODĄCE LINIE.

Użyj naturalnych linii, aby poprowadzić oko widza przez zdjęcie do ważnego tematu.

A.L. Yarbus w książce „Rola ruchów oczu w procesie widzenia” pokazał, że ludzkie oko przykleja się do jasnych plam, liter, twarzy i porusza się po kontrastujących liniach. Dokładnie te wiodące linie, realne lub wyimaginowane, są drogą dla oczu widza w krajobrazie. Linie w oprawie będą miały inne zmysłowe obciążenie.

• Poziome - linie stałości, spokoju, pogody ducha.
• Pionowe - linie siły, stabilności, mocy.
• Krzywe - linia w kształcie litery S w kompozycji krajobrazu doda ruchu, wdzięku, żywotności.
• Diagonal – te linie wywołują wrażenie ruchu, energii i mogą podkreślać głębię kadru. Wznoszące się i opadające przekątne są uważane za linie rozwoju i spadku, opór i łatwość, odejście i powrót.

5. DIAGONY. Ukośne linie to świetny sposób na przedstawienie perspektywy i ruchu na zdjęciu.

6. RAMA (oprawianie).

Użyj naturalnych ram, takich jak okna i drzwi, aby obramować ramę „bohatera”.

7. KONTRAST obiekt i tło.

Dowolny kontrast między obiektem a tłem uwydatni piękno obrazu: kontrast tekstury, kontrast kolorów, kontrast skali. Znajdź kontrastowe tło dla bohatera zdjęcia.

8. DUŻY PLAN.

Wypełnij ramkę. Zbliż się do tematu. Zbliżenie jest jednym z najbardziej proste sposoby pozbądź się śmieci w kadrze i wyjaśnij widzowi, kto jest bohaterem kadru.

9. GEOMETRYCZNE kształty w kompozycji ramy łączą obiekty w jedną całość i potęgują wrażenie.

Znajdź taki kąt, gdy oko dostrzeże w kadrze trzy podstawowe kształty - kwadrat, trójkąt, koło i ich pochodne - owal, elipsę, trapez, romb.

10. RYTMY, wzory, powtórzenia, tekstury.

Powtarzające się detale sprawiają estetyczną przyjemność naszym oczom. Ale najlepiej byłoby, gdyby powtórzenia zostały rozbite za pomocą kontrastującego obiektu.

11. PLANY. Głębia pola widzenia budowana jest poprzez zaznaczanie obiektów na pierwszym planie, na środku tła.

12. PRZESTRZEŃ NEGATYWNA.

Pozostaw wolną przestrzeń przed obiektem na jego spekulacyjny ruch. Pamiętaj, że ruch postępuje od lewej do prawej. Od lewej do prawej myśliwi z kreskówek udają się do lasu, a od prawej do lewej wracają do domu.

13. KĄT. Nieoczekiwany kąt zawsze przyciągnie uwagę! Staraj się strzelać w nowy sposób, a nie jak inni.

14. PROSTOTA jest przyjemna dla oka.

Uprość geometrię obrazu, usuń wszystkie niepotrzebne, jeśli to możliwe. Fotograf, niczym rzeźbiarz wycinający marmur, musi usunąć z kadru wszystko, co może odwrócić uwagę widza od głównego obiektu.

Nawet starożytni chińscy artyści zwrócili na to uwagę i zaczęli rysować bardzo lakoniczne krajobrazy czarnym atramentem.

9 zasad kompozycji w fotografii Steve McCurry, światowej sławy fotoreporter National Geographic

Wideo z magazynu online Spółdzielnia Fotograficzna opowiada o tym, jak fotograf Steve McCurry stosuje zasady kompozycji podczas wykonywania portretów lub fotografii rodzajowej. Tutaj ilustruje zasady kompozycji na przykładzie portretów. Na przykład stwierdza: „Wyśrodkuj dominujące oko na portrecie. Umieść dominujące oko na środku zdjęcia. Ta technika nadaje szczególny wyraz śledzącym Cię oczom.

Więcej zdjęć Dmitrija Bogaczuka w artykule „Arcydzieło krajobrazu Le Plat Pays”

Zobacz program kursu fotograficznego „Kompozycja w fotografii”. Czekamy na Ciebie w studiach KSHF!

Łamanie zasad kompozycji...

Techniki artystycznego łamania zasad kompozycji bardzo szczegółowo uzasadnił w swojej książce „Mitologia kompozycji w fotografii (do pobrania w domenie publicznej) Andrey Zeigarnik, fotograf i badacz wpływu obrazu na widza.

„Przy wielu zasadach fotografowania i kompozycji: zasada złotego przekroju, zasada ósemki, zasada dynamicznej symetrii, zasada balansowania obrazu, zasada przekątnych, zasada wolnej przestrzeni (powietrza) przed obiekt, zasada pożądanego kierunku ruchu (od lewej do prawej), zasada „podejdź bliżej” itp. istnieje ogromna liczba przykładów, które obalają te zasady ”- mówi Dmitrij Czernyszew w książce„ Jak widzi człowiek ”(pobierz).

"Pamiętać! Skład jest ważny, ale zasady są stworzone po to, by je łamać. Najważniejsze to dobrze się bawić i kręcić we własnym stylu” – mówi Steve McCurry.

W artykule 10 mitów na temat zasady trójpodziału Ucząc się kompozycji i języka angielskiego jednocześnie, Tavis Glover mówi o wdzięcznym złamaniu zasady trójpodziału i sugeruje użycie pierwiastków w budowaniu kompozycji kadrowej, tj. bardziej złożona siatka. Właśnie tego używa Annie Leibovitz do tworzenia swoich harmonijnych portretów grupowych.

Każde dzieło sztuki, czy to obraz, symfonia czy film, bez wątpienia wymaga takiej czy innej konstrukcji, struktury. Innymi słowy kompozycje lub aranżacje. W utwory muzyczne- to układ nut, w kinie - to starannie skomponowany scenariusz, ale w ilustracji i malarstwie - to układ przedmiotów na powierzchni roboczej.

Chodzi o kompozycję w rysunku, o której będzie mowa w tym artykule.

Każdy obraz lub rysunek składa się z obiektów, które z kolei składają się z linii i kształtów. O kompozycji jako całości decydują również kolory, cienie, kontrast, faktura, kształty i proporcje przedmiotów.

Zadaniem artysty jest ułożenie przedmiotów, kolorów i cieni w określonej kolejności, tak aby wszystko złożyło się w harmonijny obraz.

Podczas komponowania kompozycji obowiązuje kilka podstawowych zasad. Spójrzmy na główne z przykładami ilustrującymi:

Zasada trzech trzecich

Podziel powierzchnię roboczą na 9 równych kwadratów, jak pokazano na rysunku.

Odbywa się to po to, aby jak najbardziej harmonijnie umieścić centralny przedmiot z innymi elementami kompozycji, dzięki czemu wyraźnie widać środek powierzchni roboczej i jej strefy peryferyjne.

Tak więc centralny obiekt jest obecny w każdej kompozycji. W ta sprawa to jest żaglówka. Jak widać, część statku wystaje w środkową strefę zdjęcia, a pozostałe jego części padają na prawą górną i środkową strefę. Spójrzmy na inny przykład:

Tutaj obowiązuje inna zasada - każda kompozycja, czy to fotografia, czy rysunek, zawsze korzystniej wygląda z centralnym obiektem przesuniętym przynajmniej trochę od środka w dowolnym kierunku. Dosłownie kilka centymetrów od środka do brzegu - a kompozycja z przeciętnej staje się już ciekawa i żywa.

Kąt lub kąt przedmiotów

Czasami artysta wybiera niestandardową pozycję przedmiotu. Oznacza to, że rysuje go w taki sposób, że wydaje się być umieszczony pod pewnym kątem, na przykład „widok z góry” lub odwrotnie „widok z dołu” - możliwości są nieograniczone. W rysowaniu jest coś takiego jak redukcja perspektywy - zmiana wielkości obiektów w celu nadania rysunkowi efektu trójwymiarowej przestrzeni.

Tu zaczynają się trudności dla artystów – wszak pewien kąt wymaga zmniejszenia poszczególnych proporcji tematu w perspektywie. Innymi słowy, jeśli dana osoba zostanie narysowana na przykład w pozycji „widok z góry”, to jej głowa będzie duża, a jego ciało i nogi będą bardzo małe, ponieważ następuje zmniejszenie perspektywy - im dalej od widz tę lub inną część obiektu, tym mniejszy będzie rozmiar. i na odwrót. Spójrzmy na przykład:

Widzimy, że głowa dziewczynki na pierwszym zdjęciu jest ogromna, podczas gdy jej ramiona są bardzo małe w porównaniu z głową, a ciało w ogóle nie jest całkowicie widoczne. A wszystko dlatego, że artysta zaaranżował go w taki sposób, aby stworzyć efekt „widoku z góry”. Ciało obiektu wydaje się schodzić „w dół”. Na drugim zdjęciu droga oddala się od widza, tworząc efekt dużej odległości, zwężając się w oddali.

Praca z perspektywą sama w sobie nie jest łatwa i wymaga ciągłej praktyki. Tutaj ważne jest, aby podzielić arkusz na linie warunkowe, które idą niejako „w głąb kompozycji”, w zależności od tego, jaki kierunek wybrał artysta, aby zbudować obiekt.

Tak więc na pierwszym rysunku linie schodzą w dół, mając największą odległość między sobą u góry, stając się węższe, aż przecinają się gdzieś w pobliżu nóg dziewczynki (nawet jeśli nogi nie są widoczne na tym rysunku).

Na drugiej kompozycji linie oddalają się od widza w dal. Pracując z odległością możesz, a nawet nie musisz ograniczać się tylko do dwóch linii, ich liczba może być dowolna. Najważniejszą rzeczą do zapamiętania jest to, że linie warunkowe prędzej czy później przecinają się w jednym punkcie w tym kierunku i warto zredukować wszystkie obiekty w kompozycji. Na początku będzie to bardzo trudne, jednak po opanowaniu skutecznego posługiwania się redukcją perspektywy artysta odniesie stuprocentowy sukces w skompilowaniu dowolnej kompozycji. Więc gra jest warta świeczki!

Dziwna reguła

Zasada mówi, że kompozycja z nieparzystą liczbą pozycji zawsze wygląda ciekawiej i korzystniej niż kompozycja z parzystą liczbą. Wynika to z faktu, że widz podświadomie grupuje kompozycję o parzystej liczbie elementów, tracąc tym samym centralny obiekt.

Wydawałoby się, że na obu zdjęciach są konie, ale zdjęcie z trzema wygląda ciekawiej w porównaniu z kompozycją, na której są dwa konie.

Oprócz umiejscowienia obiektów centralnych i pomocniczych, poszanowania proporcji i perspektywy, artysta musi brać pod uwagę rozwiązania kolorystyczne, cień i kontrast. Praktyka, eksperymentowanie i zamiłowanie do sztuki są niezbędnymi składnikami sukcesu w tej dziedzinie. Na wynik nie będziesz musiał czekać - zobaczysz, jak Twoja praca będzie rosła tylko pod względem jakości i profesjonalizmu. Zapraszam do eksperymentowania, improwizacji, inaczej co to za sztuka. A co najważniejsze, nie bój się niczego - a wtedy wszystko się ułoży!