U povijesti ruske umjetnosti 17. stoljeće je razdoblje borbe dviju slikarskih škola i formiranja novih žanrova. pravoslavna crkva još uvijek imao ogroman utjecaj na kulturni život osoba. Umjetnici su također doživjeli određena ograničenja u svom djelovanju.

ikonopis

Tijekom kasnog srednjeg vijeka, središte koncentracije umjetnika i zanatlija u Rusiji bio je Kremlj, odnosno Oružarske komore. Tamo su radili najbolji majstori arhitektura, slikarstvo i druge vrste stvaralaštva.

Unatoč brzom razvoju umjetnosti diljem Europe, slikarstvo u Rusiji u 17. stoljeću imalo je samo jedan žanr - ikonopis. Umjetnici su bili prisiljeni stvarati pod budnim nadzorom crkve, koja se oštro protivila bilo kakvim inovacijama. Rusko ikonopis je nastao pod utjecajem slikarskih tradicija Bizanta i do tada je jasno formirao kanone.

Slikarstvo je, kao i kultura u Rusiji u 17. stoljeću, bilo prilično samostalno i razvijalo se vrlo sporo. Međutim, jedan je događaj doveo do potpune reforme ikonopisnog žanra. U požaru 1547. godine u Moskvi izgorjele su mnoge drevne ikone. Bilo je potrebno vratiti izgubljeno. I u tom procesu, glavni kamen spoticanja Postojao je spor oko prirode lica svetaca. Mišljenja su bila podijeljena, pristaše starih tradicija vjerovali su da slike trebaju ostati simbolične. Dok su umjetnici više moderni pogledi bili za to da se sveci i mučenici učine realističnijim.

Podijeliti na dvije škole

Kao rezultat toga, slikarstvo u Rusiji u 17. stoljeću bilo je podijeljeno u dva tabora. Prvi su uključivali predstavnike škole "Godunov" (u ime Borisa Godunova). Nastojali su oživjeti ikonopisnu tradiciju Andreja Rubljova i drugih srednjovjekovnih majstora.

Ti su majstori radili po narudžbi za kraljevski dvor i predstavljali službenu stranu umjetnosti. karakteristične značajke za ovu školu postojala su kanonska lica svetaca, pojednostavljene slike gomile ljudi u obliku mnogih glava, zlatnih, crvenih i plavo-zelenih tonova. Pritom se primjećuju pokušaji umjetnika da prenesu materijalnost nekih predmeta. Škola Godunov najpoznatija je po svojim zidnim slikama u odajama Kremlja, u Smolensku Katedrala, Katedrala Trojstva.

Suprotna škola bila je "Stroganov". Ime je povezano s trgovcima Stroganovima, za koje je napravljena većina narudžbi i koji su bili "sponzori" u razvoju slikarstva u Rusiji u 17. stoljeću. Zahvaljujući majstorima ove škole započeo je nagli razvoj umjetnosti. Oni su prvi izradili minijaturne ikone za kućne molitve. To je pridonijelo njihovom širenju među običnim građanima.

Stroganovski majstori sve su više išli dalje od crkvenih kanona i počeli obraćati pažnju na detalje okoliša, izgled sveci. I tako se krajolik polako počeo razvijati. Njihove su ikone bile šarene i ukrasne, a interpretacija biblijskih likova bila je bliža slikama. pravi ljudi. Najpoznatija od sačuvanih djela su ikone "Nikita ratnik", "Ivan Krstitelj".

Jaroslavske freske

Jedinstven spomenik u povijesti slikarstva 17. stoljeća u Rusiji su freske u crkvi proroka Ilije u Jaroslavlju, na kojima su radili umjetnici iz Oružarnice. Značajka ovih fresaka su prizori iz stvaran život koje prevladavaju biblijske priče. Na primjer, u sceni s ozdravljenjem glavni dio kompozicije zauzima slika seljaka tijekom žetve. Bila je to prva monumentalna slika u domaćem žanru.

Među tim freskama mogu se pronaći bajkoviti i mitološki prizori. Oni udaraju svojim svijetle boje i složene arhitekture.

Simon Ušakov

U svakoj fazi kulturni razvoj zemlje pojavljuju svoja značajna lica. Osoba koja je promicala slikarstvo u Rusiji u 17. stoljeću u novom smjeru i pridonijela njegovom djelomičnom oslobađanju od religijske ideologije bio je Simon Ushakov.

On nije bio samo dvorski slikar, nego i znanstvenik, učitelj, teolog, čovjek širokih pogleda. Simon je bio fasciniran zapadnjačkom umjetnošću. Posebno ga je zanimalo realistična slika ljudsko lice. To se jasno vidi u njegovom djelu "Spasitelj koji nije napravljen rukama".

Ushakov je bio inovator. Bio je prvi ruski umjetnik koji je koristio Uljana boja. Zahvaljujući njemu počela se razvijati umjetnost graviranja na bakru. Kao glavni umjetnik Oružarnice trideset godina, napisao je mnoge ikone, gravure, kao i nekoliko rasprava. Među njima je i "Riječ zaljubljeniku u ikonopis", u kojoj je iznio svoje misli koje bi umjetnik trebao, poput ogledala, istinito prikazati svijet. To je pratio u svojim spisima i podučavao svoje učenike. U njegovim bilješkama se spominje anatomski atlas, koji je želio napisati i gravurama ilustrirati. Ali, očito, nije objavljena ili nije sačuvana. Glavna zasluga majstora je što je postavio temelje portretiranju 17. stoljeća u Rusiji.

Parsuna

Nakon značajnih transformacija u ikonopisu, žanr portreta počeo se oblikovati. Isprva se izvodio u ikonopisnom stilu i zvao se "parsuna" (od latinskog - osoba, osobnost). Umjetnici sve više rade sa živom prirodom, a parsuni postaju sve realističniji, lica na njima dobivaju na volumenu.

U ovom stilu naslikani su portreti Borisa Godunova, careva Alekseja Mihajloviča, Fjodora Aleksejeviča, carice Evdokije Lopuhine, Praskovje Saltikove.

Poznato je da su na dvoru djelovali i strani umjetnici. Oni su također uvelike doprinijeli evoluciji ruskog slikarstva.

knjižna grafika

Tisak je također došao u ruske zemlje prilično kasno. No, paralelno s njegovim razvojem, popularnost su stekle i gravure koje su se koristile kao ilustracije. Slike su bile i vjerske i domaće naravi. Knjižna minijatura tog razdoblja odlikuje se složenom ornamentikom, ukrasnim slovima, a nalaze se i portretne slike. Majstori Stroganovske škole dali su veliki doprinos razvoju knjižne minijature.

Slikarstvo u Rusiji u 17. stoljeću pretvorilo se iz visoko duhovnog u više svjetovno i bliže ljudima. Unatoč protivljenju crkvenih poglavara, umjetnici su branili svoje pravo na stvaranje u žanru realizma.

Sadržaj
Uvod

1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - najveći nizozemski slikar 17. stoljeće
1.2. Rubens Peter Paul
1.3. Francuski slikar Nicolas Poussin
Poglavlje II Ruski umjetnici 17. stoljeća
2.1. Zubov Aleksej Fedorovič (1682-1750)
2.2. Nikitin Ivan Nikitič (1680.-1742.)
Zaključak
Bibliografija

Uvod

Slikarstvo 17. stoljeća razvilo se pod utjecajem baroknog stila koji je dominirao europska umjetnost do sredine 18. stoljeća. Nova filozofija svijeta, koja se sastojala u promijenjenim sudovima o jedinstvu, raznolikosti i beskonačnosti svijeta, imala je veliki utjecaj na svjetonazor tadašnjih umjetnika. Sjaj i dinamika, intenzitet osjećaja i patetike, upadljivost, stvarnost i iluzornost, kontrasti i igra svjetlosti odlikuju slikarstvo ovoga razdoblja.
Sedamnaesto stoljeće bilo je uvelike važno u formiranju nacionalnih kultura novog vremena. U to je vrijeme završen proces lokalizacije umjetničkih škola, čiju su raznolikost uglavnom određivali uvjeti povijesnog razvoja i ustaljene tradicije u svakoj pojedinoj zemlji. Ruski umjetnici 17. stoljeća uglavnom su se bavili ikonopisom. Španjolski umjetnici 17. stoljeća formirani su pod ideologijom monaških redova, pa su glavne narudžbe za umjetnička djela bile iz duhovnog područja. Talijanski umjetnici 17. stoljeća pomno su proučavali razne znanosti: prirodne znanosti, perspektivu, anatomiju i druge. Religiozne scene na slikama su prikazivali kao svjetovne. U epizodama su naučili prenijeti karakter i otkriti duboke osjećaje osobe. Gledajući "Raspeće" koje je napisao Andrea Mantegna. Nizozemske umjetnike 17. stoljeća odlikovala je činjenica da su među njima prevladavale gotovo sve vrste slikarstva. Ovo zanimanje nije bilo rijetko, među prvim umjetnicima postojala je ozbiljna konkurencija. U Nizozemskoj su slike umjetnika 17. stoljeća krasile domove ne samo bogatih članova društva, već i običnih obrtnika i seljaka.
Poglavlje I. Strani umjetnici 17. stoljeća
1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - najveći nizozemski umjetnik 17. stoljeća
Djelo nizozemskog umjetnika Rembrandta Harmensa Van Rijna (1606-1669) jedan je od vrhunaca svjetskog realističkog slikarstva. Rembrandt je slikao povijesne, biblijske, mitološke i svakodnevne teme, portrete i krajolike. Bio je najveći majstor crtanja i bakropisa u Europi. Njegov rad karakterizira želja za filozofska refleksijaživot, poštenje prema sebi i ljudima, zanimanje za duhovni svijet čovjeka. Moralna procjena događaja i osobe glavni je živac majstorove umjetnosti. Umjetnik je savršeno prenio duhovnost modela i dramatičnost događaja kroz efekte chiaroscura, kada prostor kao da se utapa u sjenama, u zlatnim sutonima, a snop svjetlosti ističe pojedine figure ljudi, njihova lica, geste i pokreti. U ovoj metodi slikovne konstrukcije slike Rembrandtu nije bilo premca (u vještini korištenja chiaroscura može mu konkurirati samo Talijan Caravaggio). Kao što se često događa u povijesti umjetnosti, unatoč svom briljantnom talentu, Rembrandt je umro u siromaštvu i samoći, zaboravljeni, beskorisni majstor. No, njegov rad živi stoljećima, pa se bez pretjerivanja može reći da je Rembrandt jedan od najvećih umjetnika u povijesti svjetske umjetnosti. Mnogi bi ga nazvali nenadmašnim slikarom, čak i mnogo većim od Raphaela ili Leonarda. Čini se da je njegov rad bio sputan tradicijama i dogmama nizozemske protestantske umjetnosti, jer nikada nije putovao izvan Nizozemske. Pa ipak, Rembrandt ne samo da oduševljava briljantnom tehnikom slikanja, već svojim radom otkriva i otkrovenje: nitko nikada nije tako duboko, nježno, zanimljivo i prodorno govorio o jednostavnim ljudskim osjećajima. U svojim povijesnim i biblijskim prizorima, u portretima svojih suvremenika, on doseže dubine psihološke ekspresivnosti. Njegova mudrost, suosjećanje i pronicljivost, najvjerojatnije, rezultat su samospoznaje: mnogo je puta, kao nitko drugi, slikao autoportrete i bilježio svoj životni put, počevši od vremena mladosti i uspjeha pa sve do starosti, koja je donosila tuge i nevolje. U trenutno poznato je više od stotinu Rembrandtovih autoportreta, od kojih je svaki nevjerojatno remek-djelo. Zahvaljujući sretnim povijesnim okolnostima, Rusija danas ima jednu od najbogatijih zbirki Rembrandtovih slika. Gotovo svi se čuvaju u Državnom muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu, uključujući poznata remek-djela kao što su "Povratak izgubljenog sina", "Danae", "Portret Saskije kao Flore", "Portret starca u crvenom". ", "David i Uria" itd. Više od jedne generacije ruskih umjetnika studiralo je na Rembrandtovim slikama iz Ermitaža. Ako nemate priliku posjetiti Državnu Ermitažu, onda vas pozivamo u našu virtualnu galeriju slika Rembrandta. Ovdje možete vidjeti gotovo sva poznata remek-djela majstora, od kojih su mnoga detaljno opisana. Ugodan put u zadivljujući svijet nevjerojatan umjetnik i osjetljiva osoba – Rembrandt.

1.2. Peter Paul Rubens

Peter Paul Rubens, 1577.-1640 - flamanski slikar i diplomat. Rođen u Siegenu u Westphaliji 28. lipnja 1577. u obitelji Jana Rubensa, odvjetnika iz Antwerpena. Kad je Peter Paul Rubens imao jedanaest godina, otac mu je umro, a majka se preselila s djecom u Antwerpen. Budući umjetnik školovao se u isusovačkoj školi. Sposobnost jezika (govorio je šest jezika) omogućila mu je ne samo da ovlada kulturna baština svoje ere, ali i postići značajne uspjehe na diplomatskom polju. Rubens je učio kod trojice flamanskih slikara - Tobiasa Verhachta, Adama van Noorta i Otta van Vena. Godine 1598. primljen je u ceh sv. Luke. Godine 1600. umjetnik je stigao u Italiju; tamo je studirao antičku arhitekturu i kiparstvo, talijansko slikarstvo, a također je slikao portrete (uglavnom u Genovi) i oltarne slike (u Rimu i Mantovi). Godine 1603. Rubensov talijanski pokrovitelj Vicenzo Gonzaga poslao ga je u Španjolsku u sklopu diplomatske misije. Godine 1608. Rubens je postao dvorski slikar Isabelle Austrijske, nastanio se u Antwerpenu i 1609. oženio aristokratkinju Isabellu Brant. Iz ovog braka rođeno je troje djece. Kako bi zadovoljio rastuću potražnju za svojim slikama, Rubens je u nekoliko godina stvorio veliku radionicu u kojoj su radili A. van Dyck, Jacob Jordaens i F. Snyders. Izrađivao je skice, koje su njegovi učenici i asistenti prenosili na platno, a potom, na kraju rada, malo korigirao slike. Čak je organizirao i školu graviranja kako bi još više proširio svoj rad. Rubensove slike ovih godina pune su strastvene dinamike. Među zapletima prevladavaju prizori lova, bitaka, svijetle i dramatične evanđeoske epizode i prizori iz života svetaca, alegorijske i mitološke kompozicije; u njima je Rubens uživao pisati energična, moćna tijela koja su se toliko svidjela njegovim suvremenicima. Osim narudžbi lokalnih crkava i antwerpenskih aristokrata, umjetnik je primao narudžbe iz inozemstva, uglavnom iz Engleske. Velika radionica, čiju je zgradu projektirao u stilu genoveške palače (obnovljene 1937.-1946.), ubrzo je postala društveni centar i znamenitost Antwerpena. 1620-ih Rubens je radio za francusku kraljevsku kuću. Napisao je za Marie de Medici ciklus alegorijskih panoa na prizore iz njezina života i izradio kartonske tapiserije po narudžbi Luja XIII., a započeo je i ciklus kompozicija s epizodama iz života francuskog kralja Henrika IV od Navarre, koji je ostao nedovršen. Od početka 1620-ih Rubens je bio aktivan u diplomaciji. Godine 1628. i 1630. god Rubens je putovao u Madrid i London u diplomatske misije i sudjelovao u sklapanju mirovnog sporazuma između Španjolske, Engleske i Nizozemske. Vrativši se u Antwerpen, Rubens je primljen s velikim počastima; španjolski kralj dodijelio mu je titulu državnog savjetnika, a engleski kralj - osobno plemstvo. Rubens se ubrzo oženio šesnaestogodišnjom Elenom Fourman; imali su petero djece. Tijekom ovih godina mijenja se Rubensov stil - kompozicije se grade u slobodnom i glatkom ritmu, svojstvenom rano razdoblje kreativnost, krutu skulpturalnu interpretaciju oblika zamjenjuje svjetlija i prozračna modelacija boja. U njima se može uočiti utjecaj Tizianova djela koja je Rubens kopirao tijekom boravka u Madridu. Unatoč činjenici da je proveo dosta vremena radeći na velikim dekorativnim kompozicijama i strukturama (oslikavanje stropa u banketnoj dvorani u palači Whitehall u Londonu; slavoluci u čast ulaska Infante Ferdinanda u Antwerpen; uređenje Torre de la Lovački dvorac Parada), Rubens je uspio napisati i više komornih, lirskih djela. Među njima su portret "Helene Fourman Krzneni kaput" (oko 1638.-1640., Beč, Kunsthistorisches Museum), "Kermessa" (oko 1635.-1636., Louvre), a posebno nekoliko blistavih, jarko osvijetljenih krajolika nastalih u posljednjih pet godine života na seoskom imanju u blizini Mechlina. Rubens je umro 30. svibnja 1640. godine.
Rubens je u svojim djelima uspio postići ono čemu su težile tri prethodne generacije flanderskih umjetnika: spoj flamanskog realizma s klasičnom tradicijom koju je oživjela talijanska renesansa. Umjetnik je bio obdaren velikom stvaralačkom energijom i neiscrpnom maštom; crpeći inspiraciju iz raznih izvora, stvorio je svoj jedinstveni stil. Oltarne slike koje je izradio odlikuju se senzualnošću i emocionalnošću; ukrašavajući dvorce aristokracije iz doba nastajalog apsolutizma, pridonio je širenju baroknog stila - umjetničkog jezika ne samo protureformacije, nego i sekularne kulture ovaj put.

1.3. Francuski slikar Nicolas Poussin
Rođen 1594. u Les Andelysu u Normandiji. Poussinov prvi učitelj bio je Quentin Varin iz Amiensa, koji je živio u Les Andelysu između 1611. i 1612. godine. Godine 1612. Poussin je stigao u Pariz, gdje je Alexandre Cutois, kraljev sobar, dao mladom umjetniku priliku da posjeti kraljevsku zbirku slika; tamo je prvi put vidio djela Raphaela i majstora njegove škole. U Parizu je Poussin upoznao pjesnika Giovannija Battistu Marina, za kojeg je naknadno dovršio prekrasnu seriju crteža temeljenih na subjektima iz Ovidija, Vergilija i Tita Livija, koji se danas čuva u dvorcu Windsor.
U proljeće 1624. umjetnik je stigao u Rim i tamo se nastanio do kraja života. Godine 1640., kada je Poussinova slava konačno stigla do njegove domovine, dobio je poziv od Luja XIII i bio je prisiljen vratiti se na neko vrijeme u Pariz. U Parizu je Poussin stvorio djela kao što su Euharistija, Čudo sv. Franje Ksaverskog (oba u Louvreu) i Vrijeme spašava istinu od zavisti i razdora (Ljiljan, Muzej likovnih umjetnosti). Potonji je naručio kardinal Richelieu i trebao je ukrasiti strop. Poznato je da je život na kraljevskom dvoru teško opteretio Poussina, te se 1642. godine vratio u Rim.
Glavni izvori Poussinovog slikarstva su djela klasične antike i talijanske renesanse. O njegovom velikom zanimanju za spomenike starog Rima svjedoče brojni crteži. Posjeduje mnoge skice antičkih reljefa, kipova i sarkofaga. Međutim, klasične motive, toliko brojne u Poussinovim djelima, on gotovo uvijek mijenja i prerađuje u skladu s vlastitim umjetničkim ciljevima. Iz radova majstora talijanska renesansa slika Raphaela i Tiziana imala je najjači utjecaj na umjetnika. U kasnijim djelima Apolona i Daphne (oko 1664.) i nizu od četiri slike Godišnja doba (1660.–1664., sve u Louvreu), Poussin se okreće lirskim motivima; ta su djela kompozicijski bogatija i tehnično finija od čisto romantičnih platna ranog razdoblja. Serija Godišnja doba s biblijskim scenama Raj (Proljeće), Ruth (Ljeto), Izlazak (Jesen) i Potop (Zima) jedan je od Poussinovih najboljih krajolika.
Poussin stvara djela koja anticipiraju grubo građanstvo kasnog klasicizma ("Smrt Germanika", oko 1628., Institut za umjetnost, Minneapolis), barokna platna ("Mučeništvo nad Erazmom", oko 1628.-1629., Vatikanska Pinakoteka), prosvijećeno-poetske slike na mitološke i književne teme, obilježene posebnom aktivnošću kolorističkog sustava, bliskih tradicijama venecijanske škole. ("Uspavana Venera", Umjetnička galerija, Dresden; "Narcis i jeka", Louvre, Pariz; "Rinaldo i Armida", Muzej likovnih umjetnosti. A. S. Puškin, Moskva; sva trojica - oko 1625.-1627.; "Kraljevstvo Flore", oko 1631.-1632., Umjetnička galerija, Dresden; "Tankred i Erminija"). Poussinova klasična načela jasnije se otkrivaju na platnima druge polovice 1930-ih. ("Silovanje Sabinki", 2. verzija, oko 1635.; "Izrael okuplja manu", oko 1637.-1639.; oboje - u Louvreu, Pariz). Potjerani skladateljski ritam koji vlada u ovim djelima percipira se kao izravan odraz racionalnog principa, koji ublažuje niske impulse i daje veličinu plemenitim djelima osobe. Godine 1640.-1642. Nicolas Poussin je radio u Parizu na dvoru Luja XIII ("Vrijeme spašava istinu od napada zavisti i razdora", oko 1641.-1642., Muzej umjetnosti, Lille). Intrige dvorskih umjetnika, predvođenih S. Vueom, potaknule su Poussina da se vrati u Rim.

Poglavlje II Ruski umjetnici 17. stoljeća
2.1. Zubov Aleksej Fjodorovič
Isprva je bio slikar u Oružarnici, od 1699. učio je kod Adriana Schkhonebeka za “izradu grbova” (za pečat papir). Kako bi dokazao svoje poznavanje graviranja, Zubov je već 1701. godine predao Oružarnici kopiju nizozemske Biblije iz 1674. s potpisom: "S freske Silazak Duha Svetoga."
Zubov je ubrzo postao vješt graver i gravirao mnoge velike listove, u kojima je postigao visoku tehnologiju. Ogroman pogled na Sankt Peterburg, koji je on ugravirao na 8 ploča, u paru pogleda na Moskvu, koji je urezao Jan Bliklandt, najbolje je Zubovljevo djelo. Posjeduje i slike pomorskih bitaka ("Bitka kod Grengama", 1721.), svečanosti povodom pobjeda ("Svečani ulazak ruskih trupa u Moskvu nakon pobjede kod Poltave", 1711.) i drugih važnih događaja tog vremena. Zubov je prednji dio ovakvih slika dopunio točno prenošenim životnim detaljima. Stvorio je gravure, koristeći crteže i projekte arhitekata, na primjer, M. G. Zemtsova. Dokumentarnost kompozicija spojena je s dekorativnošću graviranog lima i slikom navodnih građevina. Pogled na grad umjetnik je prikazao "iz ptičje perspektive", što je pridonijelo osjećaju razmjera grandioznih prizora - panorama obala Neve.
Od 1714. Zubov je radio u Petrogradu. Bio je viši majstor u peterburškoj tiskari. Nakon smrti Petra I., za vrijeme vladavine Katarine I., Zubov radi portret carice (1726., iz originala I. Adolskog), gravira, zajedno s P. Pikartom, konjanički portret Petra (1726.), po narudžbi AD Menshikov, portreti njegove žene i kćeri "najmirnijeg" princa - D. M. i M. A. Menshikova (1726). U jesen 1727. zatvorena je peterburška tiskara, u kojoj je Zubov bio od svog dolaska u sjevernu prijestolnicu. Nakon ostavke bio je prisiljen, kao i njegov brat, postati majstor popularnih popularnih grafika. Umjetnik se pokušao zaposliti u Graverskoj komori Akademije znanosti, ali tamo nikada nije dobio stalni posao. Do 1730. vratio se u Moskvu.
U staroj prijestolnici Zubov i dalje vrlo intenzivno radi. Godine 1734. stvara portrete Petra I., Petra II. i Ane Ioannovne. Puno radi po narudžbama crkava i bogatih građana. Ali Zubovljeve stvari ovoga vremena pokazuju koliko je sloj bio tanak nova kultura koliko su ruski umjetnici jako ovisili o okruženju, koliko su jake bile tradicije predpetrinskog doba. O tome svjedoči poznati "Pogled na Solovetski samostan" - ogromna gravura koju je Zubov napravio zajedno sa svojim bratom Ivanom 1744. godine. Kao da nije bilo pogleda na Petrograd, bitaka, portreta. Kao da nije bilo samog petrovskog doba. Kao da nikada nije napustio moskovski Zubov i Oružarnicu. Posljednji nam poznati radovi gravera datirani su 1745., a posljednji put o njemu se spominje 1749. godine. Gospodar je umro u neimaštini i tami.
Posljednji list koji je Zubov urezao zabilježen je 1741. godine. Njegovi najbolji portreti u crnom stilu: "Katarina I", "Petar I", dvije princeze "Darija i Marija Menšikov" - izuzetno su rijetki; dlijeto - "Catherine I", "Golovin" i "Stefan Yavorsky". Rovinsky ("Ruski graveri", M. 1870) daje popis od 110 ploča od Zubova. Neke su ploče preživjele do danas i čak su sposobne proizvesti još uvijek dobre otiske.

2.2. Nikitin Ivan Nikitič
Rođen u Moskvi, sin svećenika Nikite Nikitina, koji je služio u Izmailovu, brat svećenika Irodiona Nikitina, kasnijeg protojereja Arhanđelove katedrale u Kremlju, i slikara Romana Nikitina.
Studirao je u Moskvi, očito u Oružanoj komori, vjerojatno pod vodstvom Nizozemca Shkhonebeka u radionici za graviranje. Godine 1711. premješten je u Sankt Peterburg, studirao kod Johanna Tannauera, njemačkog umjetnika koji je jedan od prvih prihvatio poziv Petra Velikog da se preseli u St. Petersburg kako bi podučavao perspektivno slikarstvo ruskim umjetnicima. Brzo stječu autoritet na dvoru. Godine 1716.-1720. u državnoj mirovini, zajedno s bratom Romanom, poslan je, među dvadeset ljudi, na studij u Italiju, u Veneciju i Firencu. Studirao je kod majstora kao što su Tommaso Redi i J. G. Dangauer. Nakon povratka postaje dvorski slikar. Dakle, Nikitin posjeduje portret umirućeg Petra Velikog. Godine 1732. zajedno s bratom Romanom, također umjetnikom, uhićen je u vezi s distribucijom klevete protiv Feofana Prokopoviča. Nakon pet godina istražnog zatvora u Petra i Pavla tvrđava pretučen bičevima i doživotno prognan u Tobolsk. Godine 1741., nakon smrti Ane Ioannovne, dobio je dopuštenje da se vrati u Petrograd. Otišao 1742. i umro na putu.
Postoje samo tri potpisana Nikitinova djela, uz ona koja mu se pripisuju, svega desetak. Rani rad još uvijek sadrže tragove parsune, koja je bila jedini portretni stil u Rusiji u 17. stoljeću. Nikitin je jedan od prvih (često nazivanih prvim) ruskih umjetnika koji su se udaljili od tradicionalnog ikonopisnog stila ruskog slikarstva i počeli slikati s perspektivom, kao što su to činili u Europi u to vrijeme. Dakle, on je utemeljitelj ruske tradicije
itd...................

Koristeći se dostignućima renesanse kao gotov umjetnički sustav (linearna i zračna perspektiva, chiaroscuro, bliska tonska boja, proučavanje prirode). Dubinski razvoj pojedinih strukturnih elemenata sustava radi izražajnosti. Ispitivanje čvrstoće sustava. Razvoj individualnih kreativnih manira. Škole velikih majstora(učenici, imitatori). Proučavanje djela majstora, umjetničkih spomenika, razumijevanje principa majstorove umjetnosti, kopiranje njegovih djela, stvaranje vlastitih djela na način majstora, formiranje vlastitog načina, koji datira iz manira učitelja. Umjetnički odgoj stječe autonomiju od zanatske strane stvari. tehnika slikanja: tamno tlo, pastozno podslikavanje - svjetlosno-sjenčano modeliranje forme, propisivanje - rješenje boja, detaljiziranje oblika, glazura - nanošenje tankih prozirnih slojeva boje za nijansiranje boje, davanje slici opći ton. Slikarstvo na platnu (prije je dominiralo drvo).

Slikari: Caravaggio (Italija) - zanimanje za prikaz prirode, instalacija na istini u umjetnosti, "mrtva priroda" figura kompozicije. Narodni siteri, izbjegavanje idealiziranja slika, prizemljenog tumačenja mitoloških i kršćanskih tema, akcentuacija svjetlosne modelacije volumena (skulptura), neutralno tamne pozadine, blizak kolorit, lakonizam kompozicija, statični karakter, pastozno podslikavanje, glatko ispisivanje gornjih slojeva slikarstva. Rembrandt (Holandija) – modeliranje oblika u svjetlu i sjeni, dočaravanje atmosfere, impasto slikanje (otvoreni potez), topla tonska boja bogata nijansama, emocionalne nijanse psihičkih stanja u portretima, religiozne i mitološke slike, priroda bez ukrasa, duhovna ljepota ružna osoba. Velasquez (Španjolska) - priroda bez ukrasa, kompozicije figura "mrtva priroda", Dostojanstvo pojedinca s vanjskom ružnoćom, suptilne nijanse boja bogate nijansama, slikovni način, složene prostorne (planirane) kompozicije. Rubens (Flandrija) - barokni stil, raskoš oblika, materijalna velikodušnost svijeta, burna dinamika, dijagonalna konstrukcija kompozicija, slobodni slikarski stil, kolorističko bogatstvo, suptilne nijanse boja. Poussin (Francuska) - stil "klasicizma", jasnoća, uravnoteženost, smirenost i sklad kompozicija, jasnoća prostornih konstrukcija, orijentacija prema estetici antike, idealizacija figura, prenošenje lokalnog kolorita uz chiaroscuro razradu, ravnoteža kolorističkih mrlja . El Greco (Španjolska) - nadilaženje renesansnog umjetničkog sustava, subjektivna vizija forme, izobličenje proporcija, anatomija, okomito izduženi likovi, spljoštenost prostora, izbjegavanje objektivnog chiaroscura, sjajna svjetlost i boja, slobodan slikovni način, pojačan duhovni izraz.

14. Stilovi u europskoj umjetnosti 17. - 19. stoljeća.

Stil- podređivanje umjetničkih sredstava bilo kojoj formativnoj ideji; karakterizirana određenim principima oblikovanja i specifičnim skupom elemenata (motiva). Razlozi za promjenu stilova: neumjetnički - ekonomija, politika, ideologija; intraumjetnički - logika razvoja umjetnosti i umjetničke percepcije. U 17. stoljeću u Europi su se formirali stilovi "baroka", "klasicizma". Njihov zajednički izvor je umjetnost renesanse. Barokni- bujni, luksuzni stil; ponderiranje masa, rast senzualnosti, materijalnost oblika, estetika ekscesa, dinamika kompozicija, napetost. Ključni element je zakrivljena linija, organski oblik. Uzroci nastanka: razvoj kapitalizma, novi bogati potrošač umjetnosti, katolička osveta u borbi protiv reformacije, zasićenost emocija publike, želja za više uzbuđenja od umjetnosti. Izvori stila: rad Michelangela, Veronesea, Tintoretta. Arhitekti: Bernini, Borromini (Italija, 17. st.), Rastrelli (Rusija, 18. st.). Kipari: Bernini (Italija, 17. st.), Shubin (Rusija, 18. st.). Slikari: Rubens, van Dyck, Snyders (Flandrija, 17. st.), Correggio (Italija, 17. st.) Rokoko- Kasni barok (18. stoljeće) - profinjenost oblika, dekorativnost, elegancija. Ključni element je sudoper. Slikarstvo: Watteau, Fragonard (Francuska), Hogarth (Engleska), Rokotov, Levitsky (Rusija).

Klasicizam- jasnoća, smirenost, uravnoteženost oblika, sklad proporcija, mjera, statika, simetrija, pridržavanje estetike antike. Ključni element je ravna linija, geometrijski lik, narudžba. Uzroci nastanka: apsolutizam (Francuska, Španjolska), žudnja gledatelja za normativnošću, skladom, ispravnošću u umjetnosti (konzervativnost ukusa). Izvori stila: antika, renesansa (stvaralaštvo Bramantea, Palladija, Leonarda da Vincija, Raphaela). Arhitektura: ansambli Louvrea, Versailles (Francuska, 17. - 18. st.), zgrade arhitekata Bazhenova, Kazakova (Rusija, kasno 18. stoljeće). Slikarstvo: Poussin, Claude Lorrain (Francuska, 17. st.), Losenko (Rusija, 18. st.), Venetsianov, A. Ivanov (Rusija, 19. st.). carstvo– kasni klasicizam, simplifikacija, stereometrija oblika, arheološko citiranje antičkih inkluzija. Arhitektura: Zakharov, Beauvais (Rusija, prva četvrtina 19. stoljeća). Klasicizam s različitom relevantnošću preživio je do danas. Početkom 20. stoljeća - neoklasicizam, 30 - 50-te. 20. stoljeće - totalitarni klasicizam (Njemačka, Rusija), danas - jedan od trendova u postmodernizmu. Eklekticizam- umjetnički smjer u europskoj umjetnosti sredine - druge polovice 19. stoljeća, koji se sastoji u oponašanju raznih povijesnih i nacionalnih stilova (forokoko, neogotika, pseudo-ruski stil ...). Primjer: zgrada Povijesnog muzeja u Moskvi (arhitekt Sherwood). Moderna- stil kasnog 19. - početka 20. stoljeća, utemeljen na organskoj krivolinijskoj stilizaciji oblika. Primjer: vila Rjabušinskog u Moskvi (arhitekt Šehtel).

Na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće dvije umjetnički pravci: jedan je povezan s umjetnošću Caravaggia, drugi - s radom braće Caracci. Djelatnost ovih majstora nije samo uvelike odredila prirodu talijansko slikarstvo. Ali to je također imalo utjecaja na umjetnost svih europskih umjetničke škole 17. stoljeće.

Bit Caravaggiove reforme bilo je potpuno bezuvjetno prepoznavanje estetske vrijednosti stvarnosti, kojoj se on okrenuo prikazati u svom slikarstvu. Caravaggiovi eksperimenti ranoj fazi kreativnost je jedan od izvora razvoja kućanstva žanrovsko slikarstvo u umjetnosti 17. st., na primjer, slika "Proricateljica".

Caravaggio "Proricatelj sudbine"

No, u slikanju na tradicionalne teme, Caravaggio ostaje vjeran sebi - Svetu povijest je "preveo" u žargon. Umjetnost Caravaggia potaknula je cijeli trend - karavagizam, koji je postao raširen ne samo u Italiji, već iu Španjolskoj, Flandriji, Nizozemskoj i Francuskoj.

Caravaggistesima se nazivaju i istinski sljedbenici koji su shvatili bit Caravaggiove reforme (Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine), ali i brojni imitatori koji posuđuju motive i tehnike iz umjetnikovih djela.

U Italiji u 17. stoljeću ekspresivno razvijena forma baroka, sa svojim inherentnim osjećajem "prirodnosti", kao da je zamaglila granicu između iluzije i stvarnosti. Klasicizam i realizam, tendencije karakteristične za to doba, suprotstavljale su se baroknom stilu ili drugim sastavnicama ovog stila. Veliki pejzažni slikar Salvator Rosa, Alessandro Magnasco, Giovanni Serodine, Domenico Fetti - ovo je daleko od potpune liste Caravaggiovih sljedbenika.

Talijanski slikar Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573.-1610.) najveći je majstor realističke umjetnosti 17. stoljeća. Postaje pravi nasljednik renesanse, kao buntovnik u umjetnosti i u životu hrabro ruši akademske kanone. Na slici svog ranog djela “Proricateljica” opisuje ženu u bijelom sakou, koja mladiću odjevenom u svilenu kamizolu i u šeširu s nojevim perom predviđa sudbinu.

Umjetnikovi heroji su obični ljudi, on ih pokušava odjenuti u lijepu odjeću i učiniti ih što ljepšima. Na Caravaggiovoj slici "Uznesenje Marijino" pozornost prije svega privlače apostoli, slomljeni srca i okupljeni oko pokojne Majke Božje. Bogorodica leži u grimiznim haljinama, mlohavo spuštenih ruku, zatvorenih očiju, blijede pojave, naglašene nanesenom grimiznom bojom, tipičnom za Caravaggiova djela.

Oni koji su se došli oprostiti od pokojnika nagurali su se u sobu. Ćelave glave muškaraca pognute u žalosnoj tišini, neki, ožalošćeni, brišu suzu. Ožalošćena djevojka sjedi na maloj stolici. Slomljena tugom, stavila je glavu u ruke i zaplakala.

Najzanimljiviji od svih je karavagist Giovanni Serodine (1600-1630). Rođen u sjevernoj Italiji, studirao u Rimu i zanesen karavagizmom, mladić se razvio vlastiti stil slikanje slika.

U Kristu koji propovijeda u hramu, oštro svjetlo ističe Serodineovu ekspresivnu paletu u kojoj dominiraju smećkasti i crvenkasti tonovi. Dramatični svjetlosni efekt anticipira Rembrandtove slike. Serodine slika brzim, snažnim potezima, dajući svojim slikama dramatičan intenzitet, a boja i svjetlost daju organsko slikovito jedinstvo.

Uz realističku umjetnost stila Caravaggia, u 17. stoljeću javlja se i još jedan umjetnički fenomen, poput bolonjskog akademizma, koji je nastao u uskoj vezi s formiranjem novog stila u arhitekturi i slikarstvu - baroka. U tome su uspjeli umjetnici - braća Agostino i Annibale Caracci i njihov brat Lodovico Caracci. Braća su pokušala iskoristiti renesansno naslijeđe, a posebno je bio talentiran Annibale Caracci. On je zapravo bio vodeća figura u novoj struji. Annibale Caracci kreirala je svečanu monumentalna umjetnost, posebno korišten u slikama crkava, palača i oltarnih slika. Stvara se novi oltarni tip slike, na primjer, Bogorodica koja se ukazuje svetom Luki.

Reprodukcija Annibale Caracci "Madonna se pojavljuje svetom Luki".

Toskanski umjetnik Orazio Gentileschi (1565-1639), koji je rođen u Pisi, zauvijek je zadržao značajke toskanske kulture: ukus za sofisticirane draperije, jasne forme i hladne boje. Bio je i imitator Caravaggia, ali je više pažnje posvetio idiličnom prikazivanju slika, kao na primjer na slici "Odmor na letu u Egipat"

Fotografija slike Orazija Gentileschija "Odmori se na letu u Egipat"

Žanrovsko-realistička traženja najjasnije su izražena u djelu umjetnika Domenica Fettija (1589.-1623.). Fetti je odao počast i realističkom karavagizmu i baroknom slikarstvu; u njegovu je stvaralaštvu najuočljiviji utjecaj venecijanskih slikara Rubensa i pejzažista Elsheimera. Fetty se i sam pojavio kao izvrstan kolorist, slikajući malim titrajućim potezima i oživljavajući platna plavkasto-zelenih i smeđe-sivih boja boja. Sklon je više pisati žanrovsko-lirske slike, tumačeći religiozne slike, kao, na primjer, na slici "Prispodoba o izgubljenoj drahmi".

Reprodukcija slike Domenica Fettija "Prispodoba o izgubljenoj drahmi".

Jednostavno i poetično, umjetnik priča o prispodobi s izgubljenom drahmom. U gotovo praznoj prostoriji mlada se žena, šutke, naklonila u potrazi za novčićem. Mala svjetiljka postavljena na pod osvjetljava lik i dio prostorije, dok na podu i zidu tvori hirovite oscilirajuće sjenke. Na granicama dodira svjetla i sjene svijetle zlatna, bijela i crvena boja slike. Čini se da je slika zagrijana mekim lirizmom.

Ime Salvatore Rosa iz Napulja (1615.-1673.) često se povezuje s idejama o takozvanim romantičnim krajolicima i općenito o karakterističnom "romantičnom" smjeru u slikarstvu 17. stoljeća.

Slikovit rad Salvatora Rose vrlo je neujednačen i kontradiktoran. Radio je u raznim žanrovima - povijesni, portret, bitke i pejzaž, a slikao je i slike na vjerske teme. Mnoga njegova djela, takoreći, ovise o akademskoj umjetnosti. Drugi svjedoče o strasti za karavagizmom. Takva je, na primjer, slika “Rasmetni sin” koja prikazuje klečećeg mladog pastira uz ovce i kravu. Prljave pete klečećeg rasipnog sina prikazane izravno na prvi plan, vrlo podsjeća na tehnike Caravaggia.

Fotografija slike Salvatora Rose "Razgubni sin"

Romantični opis krajolika i žanrovskih scena u Roseinom djelu bio je takoreći opozicija službenom baroknom akademskom slikarstvu.

Kreativno djelovanje braće Carracci privuklo im je mlade umjetnike u Bologni i Rimu, koji su nastavili Carraccijeve ideje u monumentalno-dekorativnom i pejzažno slikarstvo. Od njegovih učenika i suradnika najpoznatiji su Guido Reni i Domenichino. U njihovom radu stil bolonjskog akademizma dostiže konačnu kanonizaciju.

Guido Reni (1575-1642) poznat je kao autor mnogih religioznih, ali i mitoloških djela, vješto izvedenih, ali dosadnih i sentimentalnih. Ime ovog darovitog umjetnika postalo je sinonim za sve dosadno, beživotno i lažno što je bilo u akademskom slikarstvu.

Fotografija slike Guida Renija "Aurora".

Ova prekrasna kompozicija, puna lagane gracioznosti i pokreta, obojana je u hladnom rasponu srebrno-sive, plave i zlatne boje i dobro karakterizira sofisticiranost i konvencionalnost Reninog stila, koji se uvelike razlikuje od grube plastičnosti i bogatih boja senzualnog. slike braće Carracci.

Obilježja elemenata klasicizma najpotpunije se očituju u djelu još jednog predstavnika bolonjskog akademizma, Tsampierija Domenica ili Domenichina (1581. - 1641.). Kao student Annibalea Carraccija, pomagao mu je u oslikavanju galerija Farnese; Domenichino je bio poznat po svojim slavnim ciklusima freska u Rimu i Napulju. Većina njegovih radova malo se izdvaja od djela drugih umjetnika akademskog stila. Samo one slike na kojima se više prostora daje pejzažima nisu lišene poetske svježine, primjerice, Dianin lov.

Fotografija slike Domenichina "Lov na Dianu"

Umjetnik je na slici prikazao natjecanje nimfa u preciznosti gađanja, kako ga je u Eneidi opisao drevni rimski pjesnik Vergilije. Jedna je strijela trebala pogoditi drvo, druga - vrpcu, a treća - pticu koja lebdi. Diana, demonstrirala je svoje umijeće, i ne skriva radost, tresući lukom i tobolcem u zraku.

Italija, koja je imala vodeću ulogu u slikarstvu, arhitekturi i kulturi zapadnoeuropskih zemalja tijekom renesanse, postupno je gubi do kraja 17. stoljeća. No, dugo su je svi prepoznavali kao trendsetericu umjetničkog ukusa, te su kroz nekoliko stoljeća u Italiju stizale čitave gomile hodočasnika iz umjetnosti, dok su u umjetničkoj areni europskih zemalja nastale moćne nove škole.

Linkovi: