Le plus grand patrimoine culturel et archéologique de la Ville Éternelle, tissé à partir de différentes époques historiques, rend Rome unique. Dans la capitale de l'Italie, une quantité incroyable d'œuvres d'art a été rassemblée - de véritables chefs-d'œuvre connus dans le monde entier, derrière lesquels se trouvent les noms de grands talents. Dans cet article, nous voulons parler des sculptures les plus célèbres de Rome, qui valent vraiment le détour.

Pendant de nombreux siècles, Rome a été le centre de l'art mondial. Depuis l'Antiquité, des chefs-d'œuvre de créations de mains humaines ont été amenés dans la capitale de l'Empire. Pendant la Renaissance, les pontifes, les cardinaux et les représentants de la noblesse ont construit des palais et des églises, les décorant de belles fresques, peintures et sculptures. De nombreux bâtiments nouvellement érigés de cette période ont donné une nouvelle vie aux éléments architecturaux et décoratifs de l'Antiquité - des colonnes, des chapiteaux, des frises en marbre et des sculptures antiques ont été extraits des bâtiments de l'époque de l'Empire, restaurés et installés dans un nouveau lieu. De plus, la Renaissance a donné à Rome un nombre infini de nouvelles créations brillantes, y compris les œuvres de Michel-Ange, Canova, Bernini et de nombreux autres sculpteurs talentueux. Vous pouvez lire sur les œuvres d'art les plus remarquables et leurs créateurs sur la page

Hermaphrodite endormi

Louve du Capitole

Le plus significatif pour les Romains est " Louve du Capitole”, maintenant dans les musées du Capitole. Selon la légende qui raconte la fondation de Rome, elle a été élevée par une louve sur la colline du Capitole.

Louve du Capitole

Il est généralement admis que la statue de bronze a été réalisée par les Étrusques au 5ème siècle avant JC. Cependant, les chercheurs modernes ont tendance à supposer que la louve a été fabriquée beaucoup plus tard - au Moyen Âge, et les figures de jumeaux ont été ajoutées dans la seconde moitié du XVe siècle. Leur paternité n'a pas été établie avec certitude. Ils ont probablement été créés par Antonio del Pollaiolo.

Laocoon et fils

Le célèbre groupe sculptural représentant la scène de la lutte de Laocoön et de ses fils avec des serpents, aurait orné la villa privée de l'empereur Titus. Daté vers Ic. J.-C., il s'agit d'une copie romaine en marbre réalisée par des artisans inconnus à partir d'un ancien original grec en bronze, qui, malheureusement, n'a pas survécu. L'une des sculptures les plus célèbres de Rome se trouve dans le musée Pio Clementine, qui en fait partie.

La statue a été découverte au début du XVIe siècle sur le territoire des vignobles situés sur la colline d'Oppio, qui appartenaient à un certain Felice de Fredis. Dans la basilique de Santa Maria in Aracoeli, sur la pierre tombale de Felice, vous pouvez voir une inscription racontant ce fait. Michelangelo Buonarroti et Giuliano da Sangallo ont été invités aux fouilles, qui devaient évaluer la découverte.

La sculpture trouvée accidentellement a produit une forte résonance à cette époque, influençant le développement de l'art dans toute l'Italie à la Renaissance. L'incroyable dynamisme et la plasticité des formes de l'œuvre antique ont inspiré de nombreux maîtres de cette époque, tels que Michel-Ange, Titien, El Greco, Andrea del Sarto et d'autres.

Sculptures de Michel-Ange

Le célèbre sculpteur, architecte, peintre et poète a été reconnu le plus grand maître alors qu'il était encore vivant. Seules quelques sculptures de Michelangelo Buonarroti peuvent être vues à Rome, car la plupart de ses œuvres se trouvent à Florence et à Bologne. Au Vatican, dans, il est stocké. Michel-Ange a sculpté un chef-d'œuvre alors qu'il n'avait que 24 ans. De plus, Pieta est la seule œuvre signée de la main du maître.

Une autre œuvre célèbre de Michelangelo Buonarroti peut être admirée dans la cathédrale de San Pietro in Vincoli. Il y a une pierre tombale monumentale du pape Jules II, dont la création s'est étendue sur quatre décennies. Malgré le fait que le projet original du monument funéraire n'a jamais été pleinement mis en œuvre, sa figure principale, celle qui décore le monument, fait une forte impression et semble si réaliste qu'elle transmet pleinement le caractère et l'humeur du personnage biblique.

Sculptures de Lorenzo Bernini

Bernin. Fontaine des Quatre Fleuves sur la Piazza Navona. Fragment

Figures sensuelles en marbre aux formes gracieuses formes douces et une sophistication particulière, surprennent par leur performance virtuose : la pierre froide semble chaude et douce, et les personnages compositions sculpturales- vivant.

Parmi les plus oeuvres célébres Les incontournables du Bernin, en tête de liste, sont L'Enlèvement de Proserpine et Apollon et Daphné, qui composent la collection de la Galerie Borghèse. .

Apollon et Daphné

Un autre chef-d'œuvre du Bernin, L'extase de la bienheureuse Ludovica Albertoni, mérite une attention particulière. sculpture célèbre, créé comme monument funéraire à la demande du cardinal Paluzzi, représente une scène d'extase religieuse de Ludovica Albertoni, qui vécut au tournant des XVe et XVIe siècles. Le groupe sculptural orne la chapelle Altieri, située dans la basilique de San Francesco a Ripa dans la région de Trastevere.

L'art de Rome commence par un portrait, tout comme les Romains étrusques faisaient des moulages en cire ou en plâtre du visage du défunt. Tous les détails du visage sont devenus un moyen de caractériser l'image, où il n'y a pas de place pour l'idéal, chacun est ce qu'il est.

Prenant l'art grec comme modèle (après 146 av. J.-C. à l'ère d'Auguste), les Romains ont commencé à représenter des empereurs dans d'innombrables statues idéalisées de patriciens, d'Atlantes et de dieux, bien que le modèle soit bien sûr héroïsé et que la tête soit un portrait de l'empereur.

Statue d'Auguste de Primaporte.

Août comme Zeus.

Mais le plus souvent le portrait-sculpture des Romains est un buste.

Début d'Ic. AVANT JC. - caractérisée par une simplicité et une sobriété délibérées.

Portrait de Néron

Vers le milieu du 1er siècle UN D - le désir de décoration, les effets d'éclairage forts sont intensifiés. (C'est l'ère flavienne)

Les portraits rappellent les images hellénistiques, il y a un intérêt pour la personnalité humaine, une caractéristique subtile des sentiments est véhiculée sans changement d'idéalisation, mais de manière très convexe. L'artiste utilise une technique complexe de traitement du marbre, en particulier dans les coiffures féminines à froufrous.

Portrait féminin.

Portrait de Vittelius.

Au IIe siècle. UN D (l'ère d'Adrian, Antoninov) - les portraits se distinguent par la douceur du modelage, le raffinement, un regard égocentrique, un brouillard de tristesse et de détachement.

Portrait de Sirpanka.

L'orientation, l'animation du regard est désormais soulignée par une pupille sculptée (auparavant elle était peinte, peinte).

Vers 170, une statue équestre de l'empereur Marc Aurèle a été coulée (se dresse aujourd'hui sur la place du Capitole à Rome). Le prétendu héroïsme de l'image ne coïncide pas avec l'apparition de l'empereur - le philosophe.

3ème siècle marquée par les caractéristiques de la fin prochaine de la civilisation antique. La fusion des traditions locales et anciennes qui s'était développée dans l'art romain était détruite par les guerres intestines et la désintégration du système économique esclavagiste.

Le portrait sculptural est plein d'images cruelles et grossières inspirées par la vie elle-même. Les images sont véridiques et impitoyables - révélatrices, elles véhiculent la peur et l'incertitude, une incohérence douloureuse. 3ème siècle UN D appelée l'ère des empereurs soldats ou l'ère du vérisme.

Portrait de Caraccana.

Portrait de Philippe l'Arabe.

Les Romains ont été les créateurs du soi-disant relief historique.

Mur de l'autel de la paix (13-9 avant JC) - L'empereur Auguste avec sa famille et ses associés défilent dans une procession solennelle d'offrandes à la déesse de la paix.

Colonne de Trajan (113 après JC) - une colonne de trente mètres s'élève dans le Forum de Trajan (Rome) érigée en l'honneur de la victoire sur les Daces. Le relief, comme un ruban d'une largeur d'environ un mètre et d'une longueur de 200 mètres, s'enroule autour de tout le tronc de la colonne. La séquence historique retrace les principaux événements de la campagne de Trajan : la construction d'un pont sur le Danube, la traversée, la bataille elle-même, le siège de la forteresse dace, le cortège des prisonniers, le retour triomphal. Trajan à la tête de l'armée, tout est dépeint de manière profondément réaliste et imprégné du pathos de glorifier le vainqueur.

Peinture de la Rome antique

Vers le milieu du Ier s. AVANT JC. La Rome antique devient un État riche. Des palais et des villas ont été construits, décorés de fresques. Les sols et les patios étaient décorés de mosaïques - peintures incrustées de galets naturels, ainsi que de pâte de verre colorée (smalt). Surtout de nombreuses fresques et mosaïques ont été conservées dans les villas de Pompéi (qui ont été détruites à la suite de l'éruption du Vésuve en 74 après JC)

Dans la maison du Faune à Pompéi (le nom provient de la figure en bronze d'un faune trouvée dans la maison), une mosaïque de 15 mètres carrés a été découverte, représentant la bataille d'A. Macedon avec le roi perse Darius. L'excitation de la bataille est parfaitement transmise, les caractéristiques du portrait des généraux sont soulignées par la beauté des couleurs.

Dans le ІІv. AVANT JC. la fresque imitait le marbre coloré, le style dit incrusté.

Dans IV.BC. un style architectural (perspectif) se développe. A titre d'exemple, les peintures murales de la Villa des Mystères: sur le fond rouge du mur, presque sur toute sa hauteur, se trouvent de grandes compositions à plusieurs figures, dont les figures de Dionysos et de ses compagnons - danseurs, émerveillent par une statuaire pittoresque , plasticité des mouvements.

Pendant la période de l'empire IV. UN D un troisième style est créé, appelé ornemental ou candélabre, avec des motifs égyptiens rappelant les candélabres (maison de Lucretius Frontinus).

Dans la seconde moitié du IV. UN D les peintures murales sont remplies de l'image de l'architecture des jardins et des parcs, illusoire poussant l'espace des pièces, au centre du mur, comme une image séparée dans le cadre, des parcelles mythologiques sont écrites (la maison des Vettii).

A partir des peintures murales des villas romaines, on peut se faire une idée de la peinture ancienne, dont l'influence se fera sentir pendant de nombreux siècles à venir.

La ville de Rome a été fondée, selon la légende, par les jumeaux Rom et Remus sur sept collines dès le 8ème siècle. J.-C. Il contient un grand nombre de monuments de la période de la fin de la république et de l'époque impériale. Pas étonnant que le vieil adage dit que "tous les chemins mènent à Rome". Le nom de la ville symbolisait sa grandeur et sa gloire, sa puissance et sa splendeur, sa richesse culturelle. Au départ, les sculpteurs romains imitaient complètement les Grecs, mais contrairement à eux, qui représentaient des dieux et des héros mythologiques, les Romains commencent progressivement à travailler sur des portraits sculpturaux de personnes spécifiques. On croit que le portrait sculptural romain est réalisations exceptionnelles sculptures de la Rome antique. Mais le temps passe et l'ancien portrait sculptural commence à changer. Dès l'époque d'Hadrien (IIe siècle ap. J.-C.), les sculpteurs romains ne peignaient plus le marbre. Parallèlement au développement de l'architecture de Rome, le portrait sculptural se développe également. Si on le compare avec les portraits de sculpteurs grecs, on peut observer quelques différences. En sculpture la Grèce ancienne Représentant l'image des grands commandants, écrivains, politiciens, les maîtres grecs ont cherché à créer l'image d'une personnalité idéale, belle et harmonieusement développée qui serait un modèle pour tous les citoyens. Et dans la sculpture de la Rome antique, lors de la création d'un portrait sculptural, les maîtres se sont concentrés sur l'image individuelle d'une personne. Analysons une sculpture de la Rome antique, celle-ci portrait célèbre le célèbre commandant Pompée, créé au 1er siècle avant JC. Il est situé à Copenhague dans la New Carlsberg Glyptothek. Il s'agit d'une image d'un homme d'âge moyen avec un visage non standard. Dans ce document, le sculpteur a tenté de montrer l'individualité de l'apparence du commandant et de révéler différents côtés son caractère, à savoir un homme à l'âme trompeuse et honnête dans ses paroles. En règle générale, les portraits de cette époque ne représentent que des hommes très âgés. Et quant aux portraits de femmes, de jeunes ou d'enfants, on ne pouvait les trouver que sur des pierres tombales. Caractéristique les sculptures de la Rome antique sont clairement visibles dans l'image féminine. Elle n'est pas idéalisée, mais transmet avec précision le type représenté. Dans la sculpture même de Rome, les conditions préalables à une représentation précise d'une personne sont formées. Cela se voit clairement dans la statue en bronze de l'orateur, faite en l'honneur d'Aulus Metellus. Il a été représenté dans une pose normale et naturelle. Lorsqu'ils sont représentés dans des sculptures, les empereurs romains étaient souvent idéalisés. Ancienne sculpture en marbre d'Octave Auguste, qui fut le premier empereur romain, le glorifie en tant que commandant et dirigeant de l'État (Vatican, Rome). Son image symbolise la force et le pouvoir de l'État qui, selon eux, était destiné à diriger d'autres peuples. C'est pourquoi les sculpteurs, représentant des empereurs, n'ont pas tout à fait essayé de préserver la ressemblance du portrait, mais ont utilisé une idéalisation consciente. Pour créer des sculptures antiques, les Romains ont utilisé comme modèle les sculptures de la Grèce antique des Ve-IVe siècles avant J.-C., dont ils aimaient la simplicité, les courbes des lignes et la beauté des proportions. La pose majestueuse de l'empereur, les mains expressives et le regard fixe confèrent à la sculpture antique un caractère monumental. Sa robe est effectivement jetée sur sa main, la verge est un symbole du pouvoir du commandant. Une figure masculine avec un corps musclé et nu belles jambes rappelant les sculptures des dieux et des héros de la Grèce antique. Aux pieds d'Auguste se trouve Cupidon, le fils de la déesse Vénus, dont, selon la légende, descendrait la famille d'Auguste. Son visage est transmis avec une grande précision, mais son apparence exprime la masculinité, la franchise et l'honnêteté, l'idéal d'une personne y est souligné, même si, selon les historiens, Auguste était un politicien soigné et dur. sculpture antique L'empereur Vespasien frappe par son réalisme. Les sculpteurs romains ont adopté ce style des helléniques. Il se trouve que le désir d'individualisation du portrait atteint le grotesque, comme, par exemple, dans le portrait d'un représentant de la classe moyenne, le riche et rusé prêteur sur gages de Pompéi, Lucius Caecilius Jucundus. Plus tard, dans les sculptures de la Rome antique, en particulier dans les portraits de la seconde moitié du IIe siècle, l'individualisme est plus clairement tracé. L'image devient plus spiritualisée et raffinée, les yeux semblent contempler le spectateur. Le sculpteur y est parvenu en soulignant les yeux avec des pupilles fortement marquées. Parmi les sculptures de la Rome antique, la célèbre statue équestre de Marc Aurèle est reconnue comme l'une des meilleures créations de cette époque. Il a été coulé en bronze vers 170. Au XVIe siècle, le grand Michel-Ange a placé son œuvre sur la colline du Capitole dans la Rome antique. Il a servi de modèle pour la création de divers monuments équestres dans de nombreux pays européens. Le Créateur a dépeint Marc-Aurèle dans des vêtements simples, dans un manteau, sans signe de grandeur impériale. Marc-Aurèle était un empereur, il a passé toute sa vie en campagne et il a été représenté par Michel-Ange dans les vêtements d'un simple Romain. L'empereur était un modèle d'idéal et d'humanité. En regardant cette sculpture antique, tout le monde peut constater que l'empereur a une haute culture intellectuelle. Représentant Marcus Aurelius, le sculpteur a transmis l'humeur d'une personne, il ressent des désaccords et des luttes dans la réalité environnante et tente de s'en éloigner dans le monde des rêves et des émotions personnelles. Cette sculpture antique résume les caractéristiques de la vision du monde qui étaient caractéristiques de toute l'époque, lorsque la déception vis-à-vis des valeurs de la vie prévalait dans l'esprit des habitants de Rome. Ses chefs-d'œuvre reflètent un conflit particulier entre l'individu et la société, qui a été provoqué par une profonde crise sociopolitique qui a poursuivi l'Empire romain dans cette époque historique. Le pouvoir de l'État était constamment miné par les fréquents changements d'empereurs. Le milieu du IIIe siècle fut très difficile pour l'Empire romain période de crise, elle était presque sur le point entre l'effondrement et la mort. Tous ces événements difficiles se reflètent dans les reliefs qui ornaient les sarcophages romains au IIIe siècle. Sur eux, nous pouvons voir des images de la bataille entre les Romains et les barbares. Dans cette ère historique, un rôle important à Rome est joué par l'armée, qui est la plus le soutien principal le pouvoir de l'empereur. À la suite de ces événements, les sculptures de la Rome antique sont modifiées, les dirigeants reçoivent des formes de visage plus rugueuses et cruelles, l'idéalisation de la personne disparaît. L'ancienne sculpture en marbre de l'empereur Caracalla est dépourvue de retenue. Ses sourcils froncés de colère, un regard perçant et méfiant sous ses sourcils, des lèvres nerveusement comprimées font penser à la cruauté, la nervosité et l'irritabilité impitoyables de l'empereur Caracalla. Une sculpture antique représente un tyran sombre. Relief atteint une grande popularité au 2ème siècle. Ils ont décoré le forum de Trajan et la célèbre colonne commémorative. La colonne repose sur un socle à base ionique ornée d'une couronne de laurier. Au sommet de la colonne se trouvait une statue en bronze doré. À la base de la colonne, ses cendres étaient placées dans une urne en or. Les reliefs de la colonne forment vingt-trois tours et atteignent deux cents mètres de long. L'ancienne sculpture appartient à un maître, mais il avait de nombreux assistants qui ont étudié Art hellénistique divers sens. Cette dissemblance se reflète dans la représentation des corps et des têtes des Daces. La composition multi-figures, composée de plus de deux cents personnages, est soumise à une idée unique. Il a montré la puissance, l'organisation, l'endurance et la discipline de l'armée romaine - le vainqueur. Trajan a été représenté quatre-vingt-dix fois. Les Daces apparaissent devant nous comme des barbares audacieux, courageux, mais pas organisés. Leurs images étaient très expressives. Les émotions daces sortent ouvertement. Cette sculpture de la Rome antique en forme de relief a été peinte de couleurs vives, avec des détails dorés. Si nous faisons abstraction, on pourrait supposer que tout cela est un tissu brillant. A la fin du siècle, les traits d'un changement de style sont bien visibles. Ce processus s'est développé intensivement aux IIIe-IVe siècles. Les sculptures anciennes créées au 3ème siècle ont absorbé les idées et les pensées des gens de cette époque. L'art romain a mis fin à une immense période de culture antique. En 395, l'Empire romain est divisé en Occident et Orient. Mais tout cela n'a pas miné la puissance et l'existence de l'art romain, ses traditions ont continué à vivre. Les images artistiques des sculptures de la Rome antique ont inspiré les créateurs de la période de la Renaissance. Plus maîtres célèbres 17-19 siècles ont pris exemple sur l'art héroïque et sévère de Rome.

ORIGINES DE LA SCULPTURE ROMAINE

1.1 Sculpture italique

« Dans la Rome antique, la sculpture se limitait principalement au relief historique et au portrait. Les formes plastiques des athlètes grecs sont toujours présentées ouvertement. Des images comme un Romain en prière, jetant un pan de robe sur sa tête, sont pour la plupart renfermées sur elles-mêmes, concentrées. Si les maîtres grecs ont consciemment rompu avec l'unicité spécifique des traits afin de transmettre l'essence largement comprise de la personne représentée - un poète, un orateur ou un commandant, alors les maîtres romains des portraits sculpturaux se sont concentrés sur les caractéristiques personnelles et individuelles d'une personne. .

Les Romains portaient moins d'attention à l'art de l'art plastique que les Grecs de cette époque. Comme d'autres tribus italiques de la péninsule des Apennins, leur propre sculpture monumentale (ils ont apporté beaucoup de statues helléniques) était rare parmi eux; dominée par de petites statuettes en bronze de dieux, de génies, de prêtres et de prêtresses, conservées dans des sanctuaires domestiques et portées dans des temples ; mais le portrait est devenu le principal type d'art plastique.

1.2 Sculpture étrusque

Le plastique a joué un rôle important dans la vie quotidienne et religieuse des Étrusques: les temples étaient décorés de statues, des sculptures sculpturales et en relief ont été installées dans les tombes, l'intérêt pour le portrait s'est manifesté et le décor est également caractéristique. Le métier de sculpteur en Étrurie n'était cependant guère valorisé. Les noms des sculpteurs n'ont presque pas survécu à ce jour; seul celui mentionné par Pline qui travaillait à la fin des VIe-Ve siècles est connu. Maître Vulca.

FORMATION DE LA SCULPTURE ROMAINE (VIII - I cc. BC)

« Au cours des années de la maturité et de la République tardive, divers types de portraits se sont formés : des statues de Romains enveloppés dans une toge et faisant un sacrifice (le meilleur exemple est au musée du Vatican), des généraux en apparence héroïsée avec une représentation d'un nombre d'armures militaires (une statue de Tivoli de Rome musée national), nobles nobles démontrant l'antiquité avec une sorte de bustes d'ancêtres qu'ils tiennent dans leurs mains (répétant le 1er siècle de notre ère au Palazzo Conservatorium), orateurs parlant au peuple (une statue en bronze d'Aulus Metellus, exécutée par un maître étrusque) . Les influences non romaines étaient encore fortes dans la plasticité des portraits statuaires, mais dans les sculptures de portraits funéraires, où, évidemment, tout ce qui était étranger était moins autorisé, il y en avait peu. Et bien qu'il faille penser que les pierres tombales ont d'abord été exécutées sous la direction de maîtres helléniques et étrusques, apparemment, les clients y dictaient plus fortement leurs désirs et leurs goûts. Les pierres tombales de la République, qui étaient des dalles horizontales avec des niches dans lesquelles étaient placées des statues de portraits, sont extrêmement simples. Dans une séquence claire, deux, trois et parfois cinq personnes ont été représentées. Seulement à première vue, ils semblent - en raison de l'uniformité des postures, de l'emplacement des plis, des mouvements des mains - similaires les uns aux autres. Il n'y a pas une seule personne semblable à une autre, et elles sont liées par la retenue captivante des sentiments qui caractérisent tous, le sublime état stoïque face à la mort. Les maîtres, cependant, ont non seulement transmis des caractéristiques individuelles dans des images sculpturales, mais ont permis de ressentir la tension de la dure époque des guerres de conquête, des troubles civils, des angoisses et des troubles ininterrompus. Dans les portraits, l'attention du sculpteur est d'abord portée sur la beauté des volumes, la force du cadre, colonne vertébrale de l'image plastique.

FLORAISON DE LA SCULPTURE ROMAINE (I - II cc.)

3.1 Temps du principat d'Auguste

Dans les années d'août, les portraitistes ont accordé moins d'attention aux traits uniques du visage, lissé l'originalité individuelle, y ont souligné quelque chose de commun, commun à tous, assimilant un sujet à un autre, selon le type qui plaît à l'empereur. Comme si des normes typiques étaient créées. « Cette influence est particulièrement prononcée dans les statues héroïsées d'Auguste. La plus célèbre est sa statue en marbre de Prima Porta. L'empereur est dépeint comme calme, majestueux, sa main est levée dans un geste invitant ; habillé en général romain, il semblait apparaître devant ses légions. Son armure est ornée de reliefs allégoriques, le manteau est jeté sur la main tenant une lance ou une baguette. Auguste est représenté tête nue et jambes nues, ce qui, comme on le sait, est une tradition de l'art grec, représentant classiquement des dieux et des héros nus ou à moitié nus. La mise en scène du personnage reprend des motifs de personnages masculins hellénistiques de l'école du célèbre maître grec Lysippe. Le visage d'Auguste porte des traits de portrait, mais est néanmoins quelque peu idéalisé, ce qui vient encore une fois de la sculpture de portrait grecque. De tels portraits d'empereurs, destinés à décorer forums, basiliques, théâtres et thermes, étaient censés incarner l'idée de la grandeur et de la puissance de l'Empire romain et de l'inviolabilité du pouvoir impérial. L'ère d'août ouvre une nouvelle page dans l'histoire du portrait romain. Dans la sculpture de portrait, les sculpteurs aimaient désormais opérer avec de grands plans mal modélisés des joues, du front et du menton. Il s'agit d'une préférence pour la planéité et d'un rejet du volume, particulièrement prononcé dans peinture décorative, affecté à cette époque dans les portraits sculpturaux. À l'époque d'Auguste, plus qu'avant, des portraits de femmes et d'enfants ont été créés, ce qui était très rare auparavant. Le plus souvent, il s'agissait d'images de la femme et de la fille du princeps ; des bustes en marbre et en bronze et des statues de garçons représentaient les héritiers du trône. Le caractère officiel de telles œuvres était reconnu de tous : de nombreux Romains fortunés installaient de telles statues dans leurs maisons pour souligner leur attachement à la famille régnante.

3.2 Temps Julii - Claudius et Flavius

L'essence de l'art en général et de la sculpture en particulier de l'Empire romain a commencé à s'exprimer pleinement dans les œuvres de cette époque. sculpture monumentale ont pris des formes différentes des helléniques. Le désir de concrétisation a conduit au fait que les maîtres ont même attaché aux divinités les traits individuels de l'empereur. Rome était ornée de nombreuses statues de dieux : Jupiter, Rome, Minerve, Victoria, Mars. Les Romains, qui appréciaient les chefs-d'œuvre de la sculpture hellénique, les traitaient parfois avec fétichisme. « Aux beaux jours de l'Empire, des monuments-trophées ont été créés en l'honneur des victoires. Deux énormes trophées Domitien en marbre ornent encore aujourd'hui la balustrade de la place du Capitole à Rome. Majestueuses sont aussi les immenses statues des Dioscures à Rome, sur le Quirinal. Élevant des chevaux, de puissants jeunes hommes tenant des rênes sont représentés dans un mouvement orageux décisif. Les sculpteurs de ces années cherchaient avant tout à impressionner une personne. Dans la première période de l'apogée de l'art de l'Empire, cependant, la sculpture de chambre s'est également répandue - des figurines en marbre décorant les intérieurs, assez souvent trouvées lors des fouilles de Pompéi, Herculanum et Stabia. Le portrait sculptural de cette période s'est développé dans plusieurs directions artistiques. Pendant les années de Tibère, les sculpteurs ont adhéré à la manière classique qui prévalait sous Auguste et a été préservée avec de nouvelles techniques. Sous Caligula, Claudius et surtout Flavius, l'interprétation idéalisante de l'apparence a commencé à être remplacée par un transfert plus précis des traits du visage et du caractère d'une personne. Il était soutenu par la manière républicaine, qui n'a pas du tout disparu, mais s'estompe dans les années d'Auguste, avec sa forte expressivité. « Dans les monuments appartenant à ces différents courants, on peut remarquer le développement d'une compréhension spatiale des volumes et une augmentation de l'interprétation excentrique de la composition. La comparaison de trois statues d'empereurs assis: Auguste de Cum (Saint-Pétersbourg, Ermitage), Tibère de Privernus (Rome Vatican) et Nerva (Rome Vatican), convainc déjà dans la statue de Tibère, qui préserve l'interprétation classique du visage , la compréhension plastique des formes a changé . La retenue et la formalité de la pose du Cuman Augustus ont été remplacées par une position libre et détendue du corps, une interprétation douce des volumes qui ne sont pas opposés à l'espace, mais déjà fusionnés avec lui. La poursuite du développement la composition plastique-spatiale du personnage assis est visible dans la statue de Nerva avec son torse penché en arrière, élevé main droite avec un tour de tête décisif. Des changements se sont également produits dans le plastique des statues debout. Les statues de Claudius ont beaucoup en commun avec Augustus de Prima Porta, mais les tendances excentriques se font sentir ici aussi. Il est à noter que certains sculpteurs ont tenté de contrer ces compositions plastiques spectaculaires par des statues-portraits, résolues dans l'esprit d'une manière républicaine retenue : la mise en scène de la figure dans l'immense portrait de Titus du Vatican est d'une simplicité catégorique, les jambes reposent sur de pleins pieds, les bras sont pressés contre le corps, seul celui de droite est légèrement exposé. "Si le principe graphique prévalait dans l'art du portrait classique de l'époque d'Auguste, les sculpteurs recréaient désormais l'apparence et le caractère individuels de la nature par un moulage volumineux des formes. La peau est devenue plus dense, plus gaufrée et a caché la structure distincte de la tête dans les portraits républicains. La plasticité des images sculpturales s'est avérée plus riche et plus expressive. Cela se manifestait même dans les portraits de dirigeants romains qui apparaissaient à l'extrême périphérie. Le style des portraits impériaux a également été imité par les privés. Généraux, riches affranchis, usuriers ont tout essayé - avec des postures, des mouvements, des attitudes pour ressembler à des dirigeants; les sculpteurs ont mis l'accent sur l'atterrissage des têtes et la décision sur les virages, sans adoucir cependant les traits aigus, loin d'être toujours attrayants, de l'apparence individuelle; après les dures normes du classicisme d'août dans l'art, ils ont commencé à apprécier le caractère unique et la complexité de l'expressivité physionomique. Un écart notable par rapport aux normes grecques qui prévalaient dans les années d'Auguste s'explique non seulement par l'évolution générale, mais aussi par la volonté des maîtres de s'affranchir des principes et méthodes étrangers, pour révéler leurs traits romains. Dans les portraits en marbre, comme auparavant, les pupilles, les lèvres et éventuellement les cheveux étaient teintés de peinture. Au cours de ces années, plus souvent qu'auparavant, des portraits sculpturaux féminins ont été créés. Dans les images des épouses et des filles des empereurs, ainsi que des femmes nobles romaines, les maîtres ont d'abord suivi les principes classiques qui prévalaient sous Auguste. Puis dans portraits de femmes les coiffures complexes ont commencé à jouer un rôle de plus en plus important et l'importance de la décoration en plastique s'est manifestée plus fortement que chez les hommes. Les portraitistes de Domitia Longina, utilisant des coiffures hautes, dans l'interprétation des visages, ont cependant souvent adhéré à la manière classique, idéalisant les traits, lissant la surface du marbre, adoucissant, autant que possible, la netteté de l'apparence individuelle. . « Un magnifique monument de l'époque des derniers Flaviens est le buste d'une jeune femme romaine du Musée du Capitole. Dans la représentation de ses boucles bouclées, le sculpteur s'est éloigné de la planéité des portraits de Domitia Longina. Dans les portraits de femmes romaines âgées, l'opposition à la manière classique était plus forte. La femme du portrait du Vatican est représentée par le sculpteur Flavien en toute impartialité. Modeler un visage gonflé avec des poches sous les yeux, des rides profondes sur les joues creuses, plisser les yeux comme des yeux larmoyants, des cheveux clairsemés - tout cela révèle les signes effrayants de la vieillesse.

3.3 Temps de Troie et d'Hadrien

Dans les années de la deuxième apogée de l'art romain - à l'époque des premiers Antonins - Trajan (98-117) et Hadrien (117-138) - l'empire est resté militairement fort et a prospéré économiquement. «La sculpture ronde des années du classicisme adrien imitait la sculpture hellénique à bien des égards. Il est possible que les immenses statues de Dioscures datant des originaux grecs, flanquant l'entrée du Capitole romain, aient surgi dans la première moitié du IIe siècle. Il leur manque le dynamisme des Dioscures du Quirinal ; ils sont calmes, retenus et mènent avec confiance des chevaux doux et obéissants par les rênes. Certaines formes monotones et lentes nous font penser qu'elles sont la création du classicisme d'Adrien. La taille des sculptures (5,50 m - 5,80 m) est également caractéristique de l'art de cette époque qui s'efforçait de monumentalisation. Dans les portraits de cette période, on peut distinguer deux étapes : celle de Trayan, caractérisée par une inclination vers les principes républicains, et celle d'Adrian, dans la plasticité de laquelle il y a plus d'adhésion aux modèles grecs. Les empereurs agissaient sous la forme de généraux enchaînés en armure, sous la pose de prêtres sacrificiels, sous la forme de dieux nus, de héros ou de guerriers. "Dans les bustes de Trajan, reconnaissables aux mèches de cheveux parallèles descendant jusqu'au front et au pli volontaire des lèvres, les plans calmes des joues et une certaine netteté des traits prévalent toujours, particulièrement perceptibles à la fois dans Moscou et dans les monuments du Vatican. L'énergie concentrée dans une personne s'exprime clairement dans les bustes de Saint-Pétersbourg: un Romain au nez crochu - Salluste, un jeune homme au regard déterminé et un licteur. La surface des visages dans les portraits en marbre de l'époque de Trajan traduit le calme et l'inflexibilité des gens ; ils semblent coulés dans du métal et non sculptés dans la pierre. Percevant subtilement les nuances physionomiques, les portraitistes romains ont créé des images loin d'être univoques. La bureaucratisation de tout le système de l'Empire romain a également laissé une empreinte sur les visages. Les yeux fatigués et indifférents et les lèvres sèches et serrées d'un homme dans un portrait du Musée national de Naples caractérisent un homme d'une époque difficile qui a subordonné ses émotions à la volonté cruelle de l'empereur. Images de femmes rempli du même sentiment de retenue, de tension volontaire, seulement occasionnellement adouci ironie légère, réflexion ou concentration. La conversion sous Hadrien au système esthétique grec est un phénomène important, mais essentiellement cette deuxième vague de classicisme après la vague d'août était encore plus externe que la première. Le classicisme, même sous Hadrien, n'était qu'un masque sous lequel il ne mourait pas, mais développait une attitude romaine propre à la forme. L'originalité du développement de l'art romain, avec ses manifestations palpitantes de classicisme, ou bien d'essence romaine, avec sa spatialité des formes et son authenticité, appelée vérisme, témoigne du caractère très contradictoire de la pensée artistique de l'Antiquité tardive.

3.4 Temps des derniers Antonins

L'âge d'or tardif de l'art romain, qui a commencé en dernières années le règne d'Hadrien et sous Antoninus Pius et s'est poursuivi jusqu'à la fin du IIe siècle, a été caractérisé par l'extinction du pathétique et de la pomposité dans formes d'art . Cette période est marquée par un effort dans le domaine de la culture à tendance individualiste. « Le portrait sculptural a subi de grands changements à cette époque. La plastique ronde monumentale des Antonins tardifs, tout en préservant les traditions d'Hadrien, témoignait encore de la fusion d'images héroïques idéales avec des personnages spécifiques, le plus souvent l'empereur ou son entourage, à la glorification ou à la déification d'un individu. Les visages des divinités dans d'immenses statues ont reçu les traits d'empereurs, des statues équestres monumentales ont été coulées, dont le modèle est la statue de Marc Aurèle, la magnificence du monument équestre a été rehaussée par la dorure. Cependant, même dans les portraits monumentaux de l'empereur lui-même, la fatigue et la réflexion philosophique ont commencé à se faire sentir. L'art du portrait, qui connut une sorte de crise dans les années du début d'Hadrien en lien avec les fortes tendances classicistes de l'époque, entra sous les derniers Antonins dans une période de prospérité qu'il ne connut même pas dans les années du République et les Flaviens. Dans le portrait statuaire, des images idéalisées héroïques ont continué à être créées, ce qui a déterminé l'art de l'époque de Trajan et d'Hadrien. “Depuis les années trente du IIIe siècle. n.m. e. dans le portrait, de nouvelles formes artistiques se développent. La profondeur des caractéristiques psychologiques n'est pas obtenue en détaillant la forme plastique, mais au contraire par la concision, l'avarice dans la sélection des traits de personnalité les plus importants. Tel est, par exemple, le portrait de Philippe l'Arabe (Pétersbourg, l'Ermitage). La surface rugueuse de la pierre transmet bien la peau altérée des empereurs "soldats": un lin généralisé, des plis pointus et asymétriques sur le front et les joues, le traitement des cheveux et une barbe courte uniquement avec de petites encoches pointues attirent l'attention du spectateur sur les yeux, sur la ligne expressive de la bouche. «Les portraitistes ont commencé à interpréter les yeux d'une nouvelle manière: les pupilles, qui étaient représentées plastiquement, s'écrasant sur le marbre, donnaient désormais au regard de la vivacité et du naturel. Légèrement couverts par de larges paupières supérieures, ils avaient l'air mélancolique et triste. Le regard semblait distrait et rêveur, la soumission obéissante à des forces mystérieuses supérieures, pas pleinement conscientes dominées. Des notes de la profonde spiritualité de la masse de marbre résonnaient en surface dans les regards pensifs, la mobilité des mèches de cheveux, le frémissement des légers plis de la barbe et de la moustache. Les portraitistes, faisant des cheveux bouclés, coupaient dur avec une perceuse dans le marbre et perçaient parfois des cavités internes profondes. Éclairées par les rayons du soleil, ces coiffures ressemblaient à une masse de cheveux vivants. Image artistique assimilés au réel, les sculpteurs se rapprochent de plus en plus de ce qu'ils veulent surtout représenter, des mouvements insaisissables des sentiments et des humeurs humaines. Les maîtres de cette époque utilisaient divers matériaux souvent coûteux pour les portraits : l'or et l'argent, le cristal de roche, mais aussi le verre qui se généralisa. Les sculpteurs ont apprécié ce matériau - délicat, transparent, créant de beaux reflets. Même le marbre, sous la main des maîtres, perdait parfois la force de la pierre, et sa surface ressemblait à de la peau humaine. Le sens nuancé de la réalité dans de tels portraits rendait les cheveux luxuriants et émouvants, la peau soyeuse, les tissus des vêtements doux. Ils ont poli le marbre du visage de la femme avec plus de soin que celui de l'homme ; le jeune se distinguait par la texture du sénile.

LA CRISE DE LA SCULPTURE ROMAINE (III-IV SIÈCLES)

4.1 Fin de l'ère du principat

Deux étapes peuvent être plus ou moins clairement distinguées dans le développement de l'art roman tardif. Le premier est l'art de la fin du principat (IIIe siècle) et le second est l'art de l'ère de la domination (du début du règne de Dioclétien à la chute de l'Empire romain). "Dans les monuments artistiques, en particulier de la deuxième période, l'extinction des anciennes idées païennes et l'expression croissante de nouvelles idées chrétiennes sont perceptibles." Portrait sculptural au IIIe siècle. Il a subi des changements importants. Dans les statues et les bustes, les techniques des derniers Antonins étaient encore conservées, mais la signification des images était déjà différente. La vivacité et la méfiance ont remplacé la réflexion philosophique des personnages de la seconde moitié du IIe siècle. La tension se faisait sentir même dans visages féminins ce temps. Dans les portraits du deuxième quart du IIIe siècle. Les volumes sont devenus plus denses, les maîtres ont abandonné la vrille, ont réalisé les cheveux avec des encoches, ont atteint une expressivité particulièrement expressive des yeux grands ouverts. La volonté des sculpteurs novateurs d'accroître par de tels moyens l'impact artistique de leurs œuvres provoque dans les années de Gallien (milieu du IIIe siècle) une réaction et un retour aux méthodes anciennes. Pendant deux décennies, les portraitistes ont de nouveau représenté les Romains aux cheveux bouclés et à la barbe bouclée, essayant au moins sous des formes artistiques de faire revivre les anciennes manières et de rappeler ainsi l'ancienne grandeur des arts plastiques. Cependant, après ce retour à court terme et artificiel aux formes d'Antoninov, déjà à la fin du troisième quart du IIIe siècle. Le désir des sculpteurs de transmettre une tension émotionnelle avec des moyens extrêmement concis s'est à nouveau révélé. la paix intérieure la personne. Pendant les années de guerre civile sanglante et le changement fréquent d'empereurs qui se sont battus pour le trône, les portraitistes ont incarné des nuances d'expériences spirituelles complexes dans de nouvelles formes qui sont alors nées. Peu à peu, ils s'intéressent de plus en plus non aux traits individuels, mais à ces états d'âme parfois insaisissables, déjà difficiles à exprimer dans la pierre, le marbre et le bronze.

4.2 L'ère de la domination

Dans les œuvres de sculpture du IVe siècle. les complots païens et chrétiens coexistaient ; les artistes se sont tournés vers l'image et le chant non seulement des héros mythologiques, mais aussi chrétiens; continuant ce qui avait commencé au IIIe siècle. louant les empereurs et les membres de leurs familles, ils préparèrent l'atmosphère des panégyriques débridés et du culte d'adoration, caractéristique du cérémonial de cour byzantine. Le modelage du visage a progressivement cessé d'occuper les portraitistes. Les forces spirituelles de l'homme, qui se faisaient particulièrement sentir à l'époque où le christianisme conquit le cœur des païens, semblaient à l'étroit dans les formes dures du marbre et du bronze. La conscience de ce conflit profond de l'époque, l'impossibilité d'exprimer des sentiments dans des matières plastiques ont donné des monuments artistiques du IVe siècle. quelque chose de tragique. Largement ouvert dans les portraits du IVe siècle. des yeux tantôt tristes et impérieux, tantôt interrogateurs et anxieux, réchauffaient de sentiments humains les masses froides et ossifiées de pierre et de bronze. La matière des portraitistes devenait de moins en moins chaude et translucide à partir de la surface du marbre, de plus en plus souvent ils choisissaient de représenter des visages moins proches des qualités corps humain basalte ou porphyre.

CONCLUSION

De tout ce qui a été considéré, il ressort que la sculpture s'est développée dans le cadre de son temps, c'est-à-dire elle s'est appuyée très fortement sur ses prédécesseurs, ainsi que sur le grec. À l'apogée de l'Empire romain, chaque empereur a apporté quelque chose de nouveau à l'art, quelque chose qui lui était propre, et avec l'art, la sculpture a changé en conséquence. La sculpture antique est remplacée par la sculpture chrétienne ; pour remplacer la sculpture gréco-romaine plus ou moins unifiée, répandue au sein de l'Empire romain, les sculptures provinciales, aux traditions locales revivifiées, sont déjà proches de celles « barbares » qui les remplacent. Commence nouvelle ère l'histoire de la culture mondiale, dans laquelle la sculpture romaine et gréco-romaine n'est incluse que comme l'une des composantes. DANS Art européen les anciennes œuvres romaines servaient souvent de normes, imitées par les architectes, les sculpteurs, les souffleurs de verre et les céramistes. L'héritage artistique inestimable de la Rome antique continue de vivre en tant qu'école d'artisanat classique pour l'art d'aujourd'hui.

Le principal avantage de la sculpture romaine antique est le réalisme et l'authenticité des images. Tout d'abord, cela est dû au fait que les Romains avaient un fort culte des ancêtres, et dès le période au début Dans l'histoire romaine, il y avait une coutume d'enlever les masques de cire posthumes, qui ont ensuite été pris par les sculpteurs comme base pour les portraits sculpturaux.

Le concept même d'"art romain antique" a une signification très arbitraire. Tous les sculpteurs romains étaient d'origine grecque. Dans un sens esthétique, toute sculpture romaine antique est une réplique de la sculpture grecque. L'innovation était la combinaison du désir grec d'harmonie et de la rigidité romaine et du culte de la force.

L'histoire de la sculpture romaine antique est divisée en trois parties - l'art des Étrusques, la plastique de l'ère de la République et l'art impérial.

Art étrusque

La sculpture étrusque était destinée à orner les urnes funéraires. Ces urnes elles-mêmes ont été créées sous la forme d'un corps humain. Le réalisme de l'image était considéré comme nécessaire pour maintenir l'ordre dans le monde des esprits et des gens. Les œuvres des anciens maîtres étrusques, malgré le caractère primitif et sommaire des images, surprennent par l'individualité de chaque image, leur caractère et leur énergie.

Sculpture de la République romaine

La sculpture des temps de la République se caractérise par l'avarice émotionnelle, le détachement et la froideur. Il y avait une impression d'un isolement complet de l'image. Cela est dû à la reproduction exacte du masque mortuaire lors de la création de la sculpture. La situation a été quelque peu rectifiée par l'esthétique grecque, les canons, selon lesquels les proportions du corps humain étaient calculées.

De nombreux reliefs de colonnes triomphales, des temples, qui appartiennent à cette période, étonnent par l'élégance des lignes et le réalisme. La sculpture en bronze de la "loup romaine" mérite particulièrement d'être mentionnée. La légende fondamentale de Rome, l'incarnation matérielle de l'idéologie romaine - telle est la signification de cette statue dans la culture. La primitivisation de l'intrigue, les proportions erronées, le fantastique, n'empêchent nullement d'admirer la dynamique de cette œuvre, sa finesse et son tempérament particuliers.

Mais la principale réalisation de la sculpture de cette époque est un portrait sculptural réaliste. Contrairement à la Grèce, où la création d'un portrait, le maître a en quelque sorte subordonné aux lois de l'harmonie et de la beauté toutes les caractéristiques individuelles du modèle, les maîtres romains ont soigneusement copié toutes les subtilités de l'apparence des modèles. D'autre part, cela a souvent conduit à la simplification des images, à la rugosité des lignes et à l'éloignement du réalisme.

Sculpture de l'Empire romain

La tâche de l'art de tout empire est d'exalter l'empereur et l'État. - pas une exception. Les Romains de l'ère de l'empire ne pouvaient pas imaginer leur maison sans sculptures d'ancêtres, de dieux et de l'empereur lui-même. Par conséquent, de nombreux exemples d'art plastique impérial ont survécu jusqu'à ce jour.

Tout d'abord, les colonnes triomphales de Trajan et Marc Aurèle méritent l'attention. Les colonnes sont ornées de bas-reliefs relatant des campagnes militaires, des exploits et des trophées. De tels reliefs ne sont pas seulement des œuvres d'art qui étonnent par la précision des images, la composition multi-figurée, l'harmonie des lignes et la subtilité du travail, ils sont aussi inestimables. source historique, qui vous permet de restaurer les détails domestiques et militaires de l'époque de l'empire.

Les statues des empereurs dans les forums de Rome sont faites d'une manière dure et grossière. Il n'y a plus trace de cette harmonie et de cette beauté grecques qui caractérisaient l'art romain primitif. Les maîtres, tout d'abord, devaient représenter des dirigeants forts et durs. Il y avait aussi une entorse au réalisme. Les empereurs romains étaient dépeints comme athlétiques, grands, malgré le fait que rarement aucun d'entre eux n'avait un physique harmonieux.

Presque toujours à l'époque de l'Empire romain, des sculptures de dieux étaient représentées avec les visages des empereurs au pouvoir, de sorte que les historiens savent de manière fiable à quoi ressemblaient les empereurs du plus grand État antique.

Malgré le fait que l'art romain, sans aucun doute, est entré dans le trésor mondial de nombreux chefs-d'œuvre, dans son essence, il n'est qu'une continuation du grec ancien. Les Romains ont développé art ancien, l'a rendu plus magnifique, majestueux, plus lumineux. D'autre part, ce sont les Romains qui ont perdu le sens des proportions, de la profondeur et du contenu idéologique de l'art antique.