Nazwisko Iskry Lawrence znane jest chyba każdemu, kto interesuje się modą. Zdjęcia tego brytyjskiego modelu można zobaczyć w błyszczących publikacjach. Spark niezmiennie przyciąga uwagę swoim jasnym pięknem i niestandardowymi parametrami. Faktem jest, że dziewczyna jest modelką plus size. Jednak kilogramy i centymetry, które są dodatkowe według standardów modelek, wcale nie przeszkadzają pewnej siebie blondynce.

Dzieciństwo i młodość

Przyszła supermodelka Iskra Arabella Lawrence (m.in pełne imię i nazwisko girls) urodziła się w brytyjskim mieście Wolverhampton 11 września 1990 roku. W szkole dziewczyna należała do najlepszych uczennic, jednak marzenia Iskry dalekie były od nauki – Lawrence marzyła o zostaniu aktorką.

Zaraz po szkole celowa blondynka postanowiła spełnić to marzenie, a nawet dostała pracę w teatrze młodzieżowym. Jednak los postanowił inaczej, a biografia dziewczyny szybko okazała się związana ze światem mody.

Wzorowy biznes

Lawrence podpisała swój pierwszy kontrakt w wieku 13 lat. Redakcja magazynu ELLE zauważyła jasne piękno i zaproponowała opłacalną współpracę. Wydawało się, że masz już szczęście i sławę w kieszeni, ale po chwili Iskra z przerażeniem stwierdziła, że ​​zaczęła przybierać na wadze. Jakiś czas później umowa z dziewczyną została rozwiązana - zmieniona sylwetka modelki wydawała się przedstawicielom magazynu nie nadawać się do błyszczących stron.

Początkowo Iskra, jak sama przyznaje, bardzo się martwiła. Dziewczyna nie radziła sobie z myślami o niedoskonałości, próbowała dziesiątek popularnych diet, a nawet prawie zrujnowała sobie zdrowie. Jednak szybko zdałem sobie sprawę, że ta „niedoskonałość” jest najważniejsza - urok i indywidualność.

Nowe poczucie własnej wartości pomogło Iskrze znów się ożywić. Dziewczyna wysłała zdjęcia do magazynów i agencji modowych, a po chwili Lawrence została zaproszona na sesję zdjęciową do kampanii reklamowej.

Miały być reklamowane stroje kąpielowe, ale ten soczysty fakt nie przestraszył Iskry Lawrence. Dziewczyna z godnością poradziła sobie z zadaniem i wkrótce stała się pełnoprawnym modelem firmy, która tworzy bieliznę i stroje kąpielowe dla dziewcząt o rozmiarach innych niż modele.

Po pewnym czasie przedstawicielki popularnego sklepu z bielizną American Eagle Outfitters zwróciły na Lawrence uwagę. Nowy kontrakt przyniósł modelce sławę i uznanie, o którym piękność marzyła od dzieciństwa. Zdjęcia Sparks w bieliźnie pojawiły się ponownie na błyszczących rozkładówkach modowych publikacji, ale tym razem dziewczyna nie musiała wstydzić się własnego rozmiaru i kształtu: została z radością zaakceptowana za to, kim jest.

Jednocześnie modelka wcale nie zachęca kobiet do porzucenia sportu i rzucenia się na słodycze. Kochać swoje ciało, podkreśla dziewczyna, to znaczy dbać o nie. Lawrence nieustannie ćwiczy, pływa i dba o to, aby w codziennym menu było dużo świeżych warzyw i owoców. Jednak nie ucieka się już do diet i postów.

Życie osobiste

Życie osobiste, w przeciwieństwie do sukcesu zawodowego, Lawrence woli ukrywać się przed wścibskimi oczami fanów i dziennikarzy. Wiadomo tylko, że dziewczyna nie jest jeszcze mężatką. Być może piękność nie spotkała jeszcze miłości, a może fanów wkrótce ucieszy wiadomość o zbliżającym się ślubie Lawrence'a.

Jedno jest pewne: sylwetka modelki (dziewczyna ma 173 cm wzrostu i waży 80 kg) znalazła swoich fanów. Jakiś czas temu zdjęcia Lawrence'a pojawiły się nawet w kultowym magazynie dla mężczyzn „Maxim” pod nagłówkiem „Dynia tygodnia”, wywołując lawinę zachwytów w komentarzach.

Iskra Lawrence teraz

Teraz Iskra Lawrence nieustannie udostępnia w niej nowe zdjęcia „Instagram”, motywując dziewczyny do kochania własnego ciała, a nie dążenia do wyimaginowanej perfekcji, która jest po prostu niemożliwa do osiągnięcia. Supermodelka nauczyła się ignorować zawistne, a nawet złośliwe komentarze wszechobecnych hejterów i chętnie pokazuje fanom nowe zdjęcia.

Lawrence wymyśliła również swój własny hashtag #HeartNotHate, co po rosyjsku oznacza „serce, nie nienawiść”. Na tym hashtagu ci, którzy chcą, wysyłają życzliwe i zachęcające komentarze do osób, które tego potrzebują, wspierają się nawzajem i po prostu raz po raz upewniają się, że żadna niedoskonałość w wyglądzie nie powinna wpływać na poczucie własnej wartości.

Na początku 2018 roku Lawrence zachwyciła fanów kolejną sesją zdjęciową. Tym razem dziewczyna wystąpiła w towarzystwie duńskiej modelki ( były kochanek aktor). Krągła Iskra i szczupła Nina wyglądały obok siebie oryginalnie, a po nakręceniu filmu Lawrence po raz kolejny podkreśliła, że ​​nie ma najmniejszych kompleksów związanych z niestandardową sylwetką.

W jednym z wywiadów modelka przyznaje, że zamierza dalej grać. W planach dziewczyny są dalsze zdjęcia, a być może nawet role filmowe, o których modelka marzy od dzieciństwa. plany Lawrence'a własną biografię aby udowodnić, że rozmiar nie gra żadnej roli, najważniejsza jest wiara w siebie i miłość do własnego ciała.

Iskra Arabella Lawrence znana angielska modelka modelka plus size. Urodziła się 11 września 1990 roku w Worcester w Anglii.

Obecnie zajmuje się modelarstwem. Jest modelką linii bielizny American Eagle Outfitters od marki Aerie. Ponadto jest twarzą firmy reklamowej National Eating Disorders Association. Prowadzi również stronę internetową Runway Riot dla kobiet o różnych kształtach i rozmiarach, które chcą dobrze wyglądać. Jest modelką plus size, czyli modelką o zaokrąglonych kształtach. Co ciekawe, Iskra nigdy nie poprawia swoich zdjęć retuszem i zabrania innym retuszować ich zdjęcia.

Warto dodać, że Iskra Lawrence znana jest ze swojej aktywności pozycje życiowe i oświadczenia. Na przykład uważa, że ​​określenie „”, które jest używane w odniesieniu do modeli o wspanialszych formach niż standardowe, jest błędne i sprzeciwia się takiej klasyfikacji. Przez swoje wypowiedzi i figurę Iskra jest często wyśmiewana, ale jej popularność na tym nie cierpi.

Wielu nie jest jeszcze przyzwyczajonych do tego, że w branży modelek pojawiły się dziewczyny o „niestandardowej” sylwetce. Przez długi czas na okładkach magazynów glamour można było zobaczyć tylko szczupłe dziewczyny z talią osy, ale ostatnio standardy piękna zaczęły się zmieniać na rzecz wspanialszych form. Wielu nazywa to dobrym trendem, ponieważ zwykłe dziewczyny, próbujące osiągnąć ideał „wymyślony” przez magazyny o modzie, zadręczają się dietami i często podważają swoje zdrowie. Wraz z nadejściem mody plus size dziewczyny przestaną mieć kompleksy na punkcie swojej sylwetki, a zamiast siedzieć na restrykcyjnych dietach i stosować niebezpieczne środki na odchudzanie, będą mogły myśleć o zdrowym odżywianiu, uprawianiu sportu i prostych radościach życie.

Modelka plus size Iskra Lawrence fot

Impresjonizm (impressionnisme) to styl malarstwa, który pojawił się pod koniec XIX wieku we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Sama idea impresjonizmu tkwi w jego nazwie: wrażenie — wrażenie. Artyści znużeni tradycyjnymi akademickimi technikami malarskimi, które ich zdaniem nie oddawały całego piękna i żywotności świata, zaczęli stosować zupełnie nowe techniki i sposoby przedstawiania, które miały w jak najbardziej przystępny sposób wyrazić nie „fotograficzny” wygląd, ale wrażenie z tego, co widzisz. Artysta impresjonista w swoim malarstwie, posługując się charakterem kresek i paletą barw, stara się oddać atmosferę, upał lub zimno, silny wiatr lub spokojną ciszę, mglisty deszczowy poranek lub jasne słoneczne popołudnie, a także osobiste przeżycia z tego, co piła.

Impresjonizm to świat uczuć, emocji i ulotnych wrażeń. Nie liczy się tu realizm zewnętrzny czy naturalność, ale realizm wyrażonych doznań, stan wewnętrzny obrazu, jego atmosfera, głębia. Początkowo styl ten był mocno krytykowany. Pierwsze obrazy impresjonistów wystawiano w Salon des Les Misérables w Paryżu, gdzie wystawiano prace artystów odrzuconych przez oficjalny Paryski Salon Sztuki. Po raz pierwszy terminu „impresjonizm” użył krytyk Louis Leroy, który w czasopiśmie „Le Charivari” napisał pogardliwą recenzję wystawy artystów. Jako podstawę tego terminu wziął obraz Claude'a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce". Nazwał wszystkich artystów impresjonistami, co z grubsza można przetłumaczyć jako „impresjoniści”. Początkowo obrazy były rzeczywiście krytykowane, ale wkrótce do salonu zaczęło przybywać coraz więcej fanów nowego kierunku w sztuce, a sam gatunek z wyrzutka zmienił się w uznany.

Należy zauważyć, że artyści koniec XIXw stuleci we Francji, wymyślili nowy styl nie od zera. Opierali się na technikach malarzy przeszłości, w tym artystów renesansu. Tacy malarze jak El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner i inni, na długo przed pojawieniem się impresjonizmu, próbowali oddać nastrój obrazu, żywotność natury, szczególną ekspresję pogody za pomocą różnych tonów pośrednich , jasne lub odwrotnie matowe pociągnięcia, które wyglądały jak abstrakcyjne rzeczy. W swoich obrazach używali go dość oszczędnie, tzw niezwykła technika niewidoczne dla widza. Z drugiej strony impresjoniści postanowili przyjąć te metody przedstawiania jako podstawę swoich prac.

Inną specyficzną cechą twórczości impresjonistów jest rodzaj powierzchownej codzienności, która jednak zawiera niesamowitą głębię. Nie próbują wyrażać żadnych głębokich wątków filozoficznych, zadań mitologicznych czy religijnych, historycznych i ważne wydarzenia. Obrazy artystów tego kierunku są z natury proste i codzienne - pejzaże, martwe natury, ludzie idący ulicą lub robiący swoje zwykłe rzeczy i tak dalej. Właśnie takie momenty, w których nie ma nadmiernej tematyki, odwracają uwagę osoby, uczucia i emocje od tego, co widzą, wysuwają się na pierwszy plan. Również impresjoniści, przynajmniej na początku swojego istnienia, nie przedstawiali „ciężkich” tematów - biedy, wojen, tragedii, cierpienia i tak dalej. Obrazy impresjonistyczne to najczęściej najbardziej pozytywne i radosne prace, w których jest dużo światła, żywe kolory, wygładzony światłocień, wygładzone kontrasty. Impresjonizm to przyjemne wrażenie, radość życia, piękno każdej chwili, przyjemność, czystość, szczerość.

Najbardziej znanymi impresjonistami byli tak wielcy artyści jak Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro i wielu innych.

Nie wiesz gdzie kupić prawdziwą żydowską harfę? Bardzo duży wybór można znaleźć na stronie khomus.ru. Szeroka gama etniczna instrumenty muzyczne w Moskwie.

Alfred Sisley - Trawniki na wiosnę

Camille Pissarro - Bulwar Montmartre. Popołudnie, słoneczny.

Dla mnie styl impresjonizmu to przede wszystkim coś zwiewnego, ulotnego, nieubłaganie wymykającego się. To jest ten niesamowity moment, który oko ledwie udaje się uchwycić i który potem zostaje w pamięci na długo jako moment najwyższej harmonii. Mistrzowie impresjonizmu słynęli z umiejętności łatwego przenoszenia tej chwili piękna na płótno, nadając mu namacalne doznania i subtelne wibracje, które pojawiają się wraz z całą rzeczywistością podczas interakcji z obrazem. Kiedy patrzy się na prace wybitnych artystów tego stylu, zawsze jest pewien posmak nastroju.

Impresjonizm(od wrażenia - wrażenie) to ruch artystyczny, który powstał we Francji pod koniec lat 60. XIX wieku. Jej przedstawiciele starali się uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności w sposób jak najbardziej naturalny i bezstronny, przekazać swoje ulotne wrażenia. Specjalna uwaga zwrócono uwagę na transmisję koloru i światła.

Słowo „impresjonizm” pochodzi od nazwy obrazu Moneta „Impresja”. Wschód słońca, prezentowany na wystawie w 1874 roku. Mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w czasopiśmie nazwał artystów „impresjonistami”, aby wyrazić swoją pogardę. Jednak nazwa utknęła i straciła swoje pierwotne negatywne znaczenie.

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów miała miejsce od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Młodym artystom zarzucano „niekompletność” i „niechlujstwo malarstwa”, brak smaku i sensu w swoich pracach, „zamach na prawdziwą sztukę”, buntownicze nastroje, a nawet niemoralność.

Czołowymi przedstawicielami impresjonizmu są Alfred Sisley i Frederic Basil. Wraz z nimi Edouard Manet i wystawiał swoje obrazy. Joaquin Sorolla jest również uważany za impresjonistę.

Pejzaże i sceny z życia miejskiego – chyba najbardziej charakterystyczne gatunki malarstwa impresjonistycznego – malowano „w plenerze”, tj. bezpośrednio z życia, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjoniści uważnie przyglądali się naturze, zauważając kolory i odcienie, które zwykle są niewidoczne, takie jak niebieski w cieniu.

Ich metoda artystyczna polegała na rozkładzie złożonych tonów na składowe czyste kolory widma. Uzyskano barwne cienie i czyste drżące światło malowanie. Impresjoniści nakładali farbę osobnymi pociągnięciami, czasem używając kontrastujących tonów w jednym obszarze obrazu. Główną cechą obrazów impresjonistów jest efekt żywego migotania kolorów.

Aby oddać zmiany koloru przedmiotu, impresjoniści zaczęli preferować kolory, które wzajemnie się wzmacniają: czerwony i zielony, żółty i fioletowy, pomarańczowy i niebieski. Te same kolory tworzą efekt spójnego kontrastu. Na przykład, jeśli przez chwilę spojrzymy na czerwień, a potem spojrzymy na biel, wyda nam się ona zielonkawa.

Impresjonizm nie stawiał problemów filozoficznych i nawet nie próbował penetrować kolorowej powierzchni codzienności. Zamiast tego artyści skupiają się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu czy kącie widzenia. Ich obrazy przedstawiały tylko pozytywne strony życia, nie poruszając dotkliwych problemów społecznych.

Artyści często malowali ludzi w ruchu, bawiąc się lub relaksując. Podejmowali tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarniach i teatrach, rejsów statkiem, plaż i ogrodów. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to ciągły ciąg małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu.

Impresjonizm pozostawił bogatą spuściznę w malarstwie. Przede wszystkim jest to zainteresowanie problematyką kolorystyczną i niestandardowymi technikami. Impresjonizm wyrażał chęć aktualizacji języka artystycznego i zerwania z tradycją, jako protest przeciwko żmudnej technice mistrzów. szkoła klasyczna. Cóż, teraz możemy podziwiać te wspaniałe dzieła wybitnych artystów.

Trudno to dzisiaj znaleźć kulturalna osoba kto nie zna pełnych wdzięku baletnic Degasa, puszystych piękności Renoira czy pejzaży z liliami wodnymi Claude'a Moneta. Impresjonizm powstał we Francji na przełomie XIX i XX wieku, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Teraz impresjoniści stanęli na równi z klasykami, przeciwko którym kiedyś się buntowali, ale kiedyś był to postępowy i rewolucyjny nurt w malarstwie.

Kryzys sztuki w XIX wieku

W połowa dziewiętnastego Przez wieki w malarstwie walczyły trzy style – klasycyzm, romantyzm i realizm. Wszystkie wymagały od artysty dużej wprawy w rysowaniu i dokładnym odwzorowaniu przedstawianego przedmiotu. Tymczasem klasycyzm i romantyzm ukazywały świat zbyt wyidealizowany, a realizm wręcz przeciwnie – zbyt przyziemny.

Początkujący artysta we Francji, aby odnieść sukces, z pewnością musiał studiować w Szkole sztuki piękne lub o godz znany artysta i eksponowana w Salonie - wystawie, której patronuje państwo reprezentowane przez uznanych naukowców. Jeśli malarz chciał się sprzedać i odnieść sukces u publiczności, musiał otrzymać nagrodę Salonu, czyli zadowolić gusta wymagającego zamówienia. Gdyby jury odrzuciło pracę, artysta mógłby położyć kres jako uznana bylejakość.

W 1863 roku, po odrzuceniu przez jury Salonu około 3000 obrazów, oburzenie artystów osiągnęło swój kres. Skargi dotarły do ​​cesarza Napoleona III, który nakazał zorganizowanie wystawy prac odrzuconych, którą nazwano „Salonem Odrzuconych”. W wystawie wzięli udział tacy autorzy jak Edouard Manet, Camille Pissarro, Paul Cezanne. Alternatywna wystawa okazała się wielkim sukcesem. To prawda, że ​​większość publiczności szła tam, by kpić z artystów „nieformatowych”.

Przez długi czas Edouard Manet był uważany za takiego renegata. Jego obrazy „Śniadanie na trawie” i „Olimpia” zszokowały szanowaną publiczność. Na autora spadła lawina krytyki i oburzenia orędowników moralności.

O co chodzi z tymi pracami? Z punktu widzenia współczesności płótna są dość tradycyjne, wcześniej malowano nagie kobiety. Dla widza z czasów Maneta jest to wyzwanie. W „Śniadaniu na trawie” wstydziły się wizerunku zupełnie nagiej kobiety w towarzystwie ubranych mężczyzn. Giorgione ma podobną fabułę w obrazie „Koncert wiejski”, a „Olimpia” to przemyślana kopia „Wenus z Urbino” Tycjana. Nagie damy Giorgione i Tycjana są wyidealizowane, są gdzieś daleko, w innych światach. A obrazy Maneta przedstawiały kurtyzany, nowoczesne i zadowolone z życia. To zszokowało burżuazyjną publiczność, przyzwyczajoną do malowanych bogiń i królowych.

Wszystko to świadczyło o zbliżającym się kryzysie w sztuce Francji II wieku. połowa XIX wiek. Impresjonizm był próbą znalezienia nowej drogi, choć dla wielu okazał się rodzajem terapii szokowej.

Tło impresjonizmu

Nie znaczy to, że impresjonizm powstał sam. Do czasu ich pierwszej wystawy wielu uczestników było już w wieku dorosłym, mając długie lata nauczanie malarstwa.

Warunki wstępne dla tego nowego trendu, jeśli jest to pożądane, można znaleźć u mistrzów renesansu Velazquez, El Greco, Goya, Rubens, Tycjan, Rembrandt. Ale bezpośrednie wrażenie na impresjonistach wywarli tacy współcześni artyści jak Delacroix, Courbet, Daubigny, Corot.

Wpływ na styl impresjonistów miał m.in malarstwo japońskie, którego wystawy stale odbywały się w Paryżu. Wyrafinowane dzieła Utamaro, Hokusai, Hiroshige upoetyzowały każdą chwilę życia, tak charakterystyczną dla mentalności Wschodu. Uproszczona forma, przesunięta kompozycja, czystość koloru japońskich rycin urzekła młodych artystów i otworzyła przed nimi nowe horyzonty.

Ponadto pojawienie się fotografii wpłynęło na twórczość impresjonistów. Z jego pomocą można było wykonać nieoczekiwane kąty, zbliżenia, obrazy w ruchu. Fotografia stała się sztuką uchwycenia chwili, czymś bliskim nowatorskim artystom. Wraz z pojawieniem się fotografii nie można było już podążać za dokładnością obrazu, ale preferować stan wewnętrzny, koloryt emocjonalny. Spontaniczność stała się jedną z zasad nowego malarstwa.

Cechy impresjonizmu

Krytycy narzekali nie tylko na tematykę obrazów, ale także na sposób malowania impresjonistów. Było to radykalnie odmienne od tego, czego nauczano w paryskiej Szkole Sztuk Pięknych.

Impresjoniści nie trzymali się wyraźnego konturu, niedbale nakładali kreski, nie dbając o staranny rysunek każdego tematu. Farby zostały natychmiast wymieszane na płótnie, uzyskując czystość odcienia. Perspektywa została zbudowana nie według praw geometrycznych, ale ze względu na głębię tonu farby, spadek intensywności koloru w miarę oddalania się obiektu.

Zrezygnowali z kontrastowego obrazu światłocienia. Czernie, biele, szarości zniknęły z ich palety, brązowe kolory w najczystszej postaci. Cienie mogą być zielone, niebieskie i fioletowe, w zależności od tego, jak artysta je widział.

Impresjoniści szeroko stosowali technikę mieszania optycznego: pociągnięcia pędzla dwóch kolorów są umieszczane obok siebie na płótnie, które oglądane przez widza dają efekt trzeciego. Na przykład zielony i żółty zamieniają się w Kolor niebieski, niebieski i czerwony - do fioletowego itp.

Tematyka obrazów nie była mitologią ani wydarzenia historyczne oraz pejzaże, portrety, martwe natury - wszystko to uznano za gatunek „niski”. Artyści starali się przedstawić naturę lub przedmiot w określonym momencie, przekazując żywe emocje. Tak powstał cykl prac, w których ten sam motyw był przedstawiany, ale w różnych porach roku lub dnia, w różnych warunkach oświetleniowych. Na przykład dzieła Claude'a Moneta: Stogi siana, Topole, Katedra w Rouen itp.

Aby to zrobić, impresjoniści często malowali z natury, w plenerze, aby dokładnie uchwycić to, co widzieli. Z kolei akademicy spędzali większość czasu w pracowni, doskonaląc technikę rysunkową.

Takie podejście sprawiło, że obrazy stały się bardziej emocjonalne, poetyckie, pozwoliły dostrzec piękno w najzwyklejszych rzeczach, doceniono prostotę chwili, każdą chwilę życia. Obraz zwykłych rzeczy przez pryzmat percepcji artysty sprawiał, że każdy obraz był wyjątkowy.

Historia przepływu

15 kwietnia 1874 roku w salonie fotografa Felixa Nodara na Boulevard des Capucines w Paryżu grupa młodych, nowatorskich artystów zorganizowała swoją wystawę.

Sam pomysł niezależnej wystawy, z pominięciem oficjalnego Salonu, był już buntowniczy, ale pokazane publiczności obrazy wzbudziły jeszcze większe oburzenie. Wychodziły one przecież wbrew wszelkim akademickim kanonom i nie przypominały popularnych wówczas we Francji wyidealizowanych dzieł przedstawicieli klasycyzmu czy romantyzmu.

W wystawie wzięło udział 30 artystów i 165 prac. Należeli do nich Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Manet, Degas, Cezanne, Berthe Morisot. Po jakimś czasie za ich obrazy zostaną rozdane fortuny, ale wtedy na śmiałków spadła lawina krytyki. Zarzucano im szokowanie, aby zwrócić na siebie uwagę opinii publicznej, zarzucano im „niechlujstwo”, „niedokończoną” pracę, a nawet niemoralność.

Znany krytyk i dziennikarz Louis Leroy, opisując w satyrycznym artykule obraz Claude'a Moneta „Impresja. Wschodzące Słońce”, tak artystów nazwie impresjonistami (od francuskiego impresja – impresja). Nie podejrzewając tego, nada nazwę całemu nurtowi w malarstwie światowym.

Druga wystawa odbyła się dwa lata po legendarnej pierwszej - w kwietniu 1876 roku. Spotkała się z jeszcze większym odrzuceniem krytyki i publiczności. Artystów porównywano do chorych psychicznie. Można tylko podziwiać odwagę i zadufanie w sobie tych śmiałków, którzy mimo braku pieniędzy tworzyli dalej w atmosferze nieustannego kpiny i szyderstwa.

W marcu 1875 r. odbyła się aukcja dzieł Sisleya, Moneta, Renoira i Berthe Morisot. Przeszedł ze skandalem, publiczność wygwizdała obrazy wystawione na sprzedaż. Wiele obrazów zostało sprzedanych za bezcen. Artyści i ich przyjaciele musieli sami kupować niektóre prace, aby nie rozdawać ich za darmo.

Jednak impresjoniści mieli również oddanych wielbicieli. Wśród nich był właściciel galerii i kolekcjoner Paul Durand-Ruel, który niezmiennie pomagał artystom organizować wystawy i sprzedawać obrazy. A także kolekcjoner Victor Choquet, który od pierwszego wejrzenia zakochał się w dziełach impresjonistów.

Od 1877 do 1886 we Francji odbyło się jeszcze 6 wystaw impresjonistów. Wszystkie z wyjątkiem ostatniego spotkały się z falą krytyki i kpin.

Tymczasem między samymi artystami dochodziło do nieporozumień. Tak więc Manet i Renoir brali udział w wystawach Salonu w 1879 i 1880 roku. Ich obrazy zostały wybrane przez wymagające jury. Claude Monet również zgłosił swoje prace do Salonu, ale jego obrazy nie zostały przyjęte. Spotkało się to z pogardą Degasa i potępieniem innych artystów.

Jesienią 1885 roku Durand-Ruel otrzymał propozycję zorganizowania wystawy impresjonistów w Nowym Jorku. Artyści początkowo podchodzili do tego przedsięwzięcia sceptycznie. Ale w marcu 1886 roku Durand-Ruel wyjechał z Francji do Ameryki z kolekcją obrazów swoich podopiecznych. W Stanach Zjednoczonych z zainteresowaniem traktowano dzieła impresjonistów, wystawa cieszyła się dużym zainteresowaniem. W prasie pojawiały się zarówno pozytywne, jak i negatywne recenzje. Kilka obrazów zostało sprzedanych lokalnym kolekcjonerom.

Tymczasem podziały wśród impresjonistów narastały. Monet zaczął się kłócić z Durandem-Ruelem i sprzedawać swoje obrazy za pośrednictwem innych handlarzy dziełami sztuki. Pissarro i Renoir dołączyli do Moneta. Artyści ścierali się także ze sobą.

Raz zjednoczona w walce z akademizmem grupa impresjonistów utraciła wspólną ideę i przestała istnieć.

Ostatnia wystawa w 1886 roku obejmowała artystów, których nazwano by postimpresjonistami. To jest Georges Seurat i Paul Signac. Do postimpresjonistów należą także tacy mistrzowie jak Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Henri Matisse i inni.

Idea impresjonizmu stała się przestarzała, ale otworzyła drogę innej, jeszcze bardziej nowatorskiej sztuce przełomu XIX i XX wieku.

malarzy impresjonistów

Nie można rozpatrywać impresjonizmu w oderwaniu od losu samych mistrzów. Rozważać krótkie biografie kilku artystów.

Edwarda Maneta

Manet urodził się w 1832 roku w zacnej rodzinie prawnika i córki dyplomaty. W szkole chłopiec nie był silny, ale wykazywał zainteresowanie rysowaniem. Jednak jego rodzice nie wspierali jego hobby. Jego ojciec chciał, aby Edward poszedł w jego ślady. Wujek pomagał młodzieńcowi, opłacał kursy plastyczne.

W 1847 roku młody człowiek postanawia wstąpić do szkoły żeglarskiej, ale nie zdaje egzaminu. Jako chłopiec okrętowy udaje się na statek Ameryka Południowa. Podczas swoich podróży wykonuje wiele rysunków i szkiców.

Po powrocie do Francji Edward postanawia zająć się malarstwem. Od 6 lat uczy się w pracowni Toma Couture. Równocześnie podróżuje po Europie, zapoznając się z zabytkami sztuki. Wśród impresjonistów Manet byłby uważany za najbardziej „akademickiego” artystę. Nie raz przemyśli dzieło mistrzów renesansu w swoich dziełach. Jego ulubionymi malarzami byli Velazquez, Tycjan, Goya.

Manet wielokrotnie oferuje swoją pracę jury Salonu i niezmiennie otrzymuje odmowę. W efekcie bierze udział w wystawie „Salon Odrzuconych”. Tam jego obraz „Śniadanie na trawie” wywołał wielki skandal. W tym samym 1863 roku artysta namalował kolejny ze swoich skandalicznych obrazów, Olimpię. Manet niezmiennie znajdował się pod ostrzałem krytyki. W obronie artysty stanął jego przyjaciel Emile Zola. Innym jego bliskim przyjacielem był Charles Baudelaire.

W 1866 roku Manet zaprzyjaźnił się z impresjonistami, którzy również zostali odrzuceni przez naukowców. Nigdy nie uważał się za jednego z nich. Używał czerni w swojej palecie i nie uznawał dywizjonistycznego stylu malarstwa. Ale to Edouard Manet jest uważany za twórcę impresjonizmu.

Manet, który nie akceptował akademizmu, niezmiennie wysyłał swoje prace do Salonu. Był bardzo zdenerwowany niepowodzeniami i obojętnością publiczności na jego twórczość. Artysta maluje wiele portretów i scen rodzajowych, jego paleta nie jest tak pogodna jak u innych impresjonistów. Pracuje również w plenerze i maluje martwe natury.

Pod koniec lat 70. twórczość Edouarda Maneta stopniowo zyskiwała uznanie. Jego prace wystawiane są na Salonach, na jednym z nich otrzyma nawet medal. W 1881 roku Manet otrzyma Order Legii Honorowej. W tym czasie artysta był już chory na ataksję (brak koordynacji ruchów). Nie mógł już malować dużych płócien.

W 1883 roku Manetowi amputowano nogę z powodu gangreny, ale operacja nie pomogła. Kilka miesięcy później artysta zmarł.

Claude Monet

Claude Monet urodził się w 1840 roku w rodzinie kupca spożywczego. Chłopiec zasłynął w swoim rodzinnym Le Havre dzięki rysowaniu karykatur i kreskówek. W wieku 17 lat los połączył go z artystą Eugene Boudinem. Boudin zabrał ze sobą młodego Moneta w plener i zaszczepił w nim zamiłowanie do malarstwa.

W 1859 Claude wyjechał do Paryża. Rozpoczyna studia w Academy of Suisse, a następnie bierze lekcje u Charlesa Gleyre'a. W 1865 roku Monet wystawiał w Salonie. Jego praca została dobrze przyjęta. Wtedy poznaje swoją przyszłą żonę Camillę.

Monet wraz z Renoirem i innymi impresjonistami często podróżuje w plener, rysując pejzaże coraz bardziej go chwyta.

W 1870 Monet wyjeżdża do Londynu. W Anglii poznaje Paula Duranda-Ruela. Po 2 latach, po powrocie do Francji, Monet osiadł w Arzhentey. Przez 4 lata mieszkał w tym przytulnym miejscu, Monet napisał wiele dzieł.

W 1874 roku Claude Monet bierze udział w pierwszej wystawie impresjonistów. Krytykowano jego obrazy, podobnie jak prace pozostałych uczestników.

W 1878 r. rodzina Monetów osiedliła się w miejscowości Vitey. Tworzy tam wiele obrazów. Ale rok później umiera jego żona Camilla. Monet, chwilowo załamany, rezygnuje z pejzaży, malując martwe natury w swojej pracowni.

W 1883 roku Monet wreszcie znajduje miejsce, w którym będzie mieszkał przez ponad 40 lat. Okazuje się, że to dom w Giverny. Nowy właściciel założy tam wspaniały ogród i zrobi słynny staw, który niestrudzenie będzie pisał o zachodzie słońca.

W 1892 roku Claude Monet poślubia wdowę po swoim przyjacielu, Alice Hoshede.

Monet rysuje serię prac, przedstawiających ten sam widok o różnych porach roku i dnia, w różnych warunkach oświetleniowych. Takich cykli ma wiele: „Stóg siana”, „Topole”, „Staw z liliami wodnymi”, „Katedra w Rouen” itp. Claude Monet jest wirtuozem w przekazywaniu różnych odcieni barw, ukazuje ulotny moment przez pryzmat jego postrzeganie. Jego płótna cieszą się powodzeniem, chętnie kupują je kolekcjonerzy, także spoza Francji.

Przez całe życie Monet malował naturę. Pod koniec życia skupił się na swoim ogrodzie w Giverny, który przekształcił w kolejne dzieło sztuki. Mistrz niestrudzenie maluje jego widoki: kwiaty, zacienione alejki i słynny staw. W 1919 roku Monet daje państwu 12 duże obrazy z serii Nymphaeum. Przeznaczono dla nich dwa pawilony w Muzeum Orangerie.

Tymczasem artysta zaczął tracić wzrok. Po przejściu operacji oka w 1925 roku mógł wrócić do pracy. Claude Monet zmarł w 1926 roku, stając się klasykiem za życia. Był nie tylko twórcą impresjonizmu, ale także prekursorem Sztuka abstrakcyjna, wyprzedzając swoje czasy i otwierając całą erę swoją kreatywnością.

Augusta Renoira

Auguste urodził się w 1841 roku w wielodzietnej, biednej rodzinie. Jako nastolatek malował naczynia. W 1862 wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych, uczęszczał też na lekcje u Charlesa Gleyre'a. W 1864 jego obrazy zostają dopuszczone do udziału w Salonie. Wraz ze swoimi impresjonistycznymi przyjaciółmi Renoir podróżuje w plener. Artysta ma swoje własne, niepowtarzalne pismo - odważne, szerokie pociągnięcia, wesoła gra światła i koloru.

Po pierwszej wystawie impresjonistów Renoir został poddany bezlitosnej krytyce. Następnie brał udział w 3 kolejnych wystawach. W 1879 r. wystawiał w Salonie, mimo zarzutów ze strony przyjaciół. Jego obraz „Madame Charpentier z dziećmi” zyskał uznanie, a biznes artysty poszedł w górę. Zamożni obywatele zaczęli mu zamawiać portrety. Szczególnie udany był Renoir kobiece obrazy, napisał i wiele portretów dziecięcych. Czują szczególne ciepło i swobodę.

Lata 1870-80 to okres rozkwitu twórczości artysty. Maluje złożone duże płótna z wieloma bohaterami. Ten okres obejmuje jego znane obrazy„Bal w Moulin de la Galette”, „Śniadanie wioślarzy”. Renoir uważał, że malarstwo powinno upiększać ludzkie życie. Jego sztuka była jasna, szczera, słoneczna, jak sama Francja.

W 1890 roku żeni się ze swoją modelką Aliną Sharigo, mają troje dzieci. W 1881 Renoir udał się do Włoch. Po powrocie zmienia styl malarstwa na bardziej „akademicki”. Z tego okresu pochodzą obrazy „Parasolki”, „Wielcy kąpiący się”. Renoir przywiązywał dużą wagę do nagości. Wracając do zasad impresjonizmu, maluje cykl obrazów z kąpiącymi się - odą kobiece piękno i łaski.

Renoir, w przeciwieństwie do wielu impresjonistów, zyskał uznanie za życia. Był chwalony przez krytyków, miał wielu klientów, a jego obrazy dobrze się sprzedawały. Na starość Renoir cierpiał na artretyzm. Pisał przywiązując ręce do rąk, oszpeconych reumatyzmem. „Ból przemija, ale piękno pozostaje” – powiedział artysta. Auguste Renoir zmarł w 1919 roku na chorobę płuc.

Kamila Pissarro

Urodził się na wyspie St. Thomas na Karaibach w 1831 roku. W wieku 25 lat przeniósł się do Francji, do Paryża, studiował u Suisa i Corota. Uczestniczyła w Salonie Odrzuconych. W tym samym czasie poznał Maneta, Cezanne'a, Moneta, Sisleya. Pissarro malował pejzaże, przywiązując dużą wagę do oświetlenia przedmiotów. W 1868 wystawiał w Salonie. W następnym roku, w związku z wybuchem wojny, został zmuszony do wyjazdu do Londynu. Tam Pissarro spotkał swojego przyjaciela Claude'a Moneta. Razem wyszli na plener, studiując przyrodę Anglii.

Po powrocie do Francji Camille Pissarro osiadł w Pontoise. W 1872 roku przyjechał do niego Cezanne z rodziną. Artyści stają się nierozłącznymi przyjaciółmi. A w 1881 roku dołączył do nich Paul Gauguin. Pissarro chętnie pomagał młodym artystom, dzielił się z nimi swoim doświadczeniem. Nalegał, aby nie zwracać uwagi na rysowanie konturów obiektów, najważniejsze jest przekazanie esencji. Musisz napisać to, co widzisz i czujesz, nie skupiając się na dokładności techniki wykonania. Tylko natura może być nauczycielem, którego zawsze należy konsultować.

Podczas swojego życia w Pontoise Pissarro był w stanie rozwinąć swój własny, szczególny styl malarski. Artysta mieszkał tam przez 10 lat. Często zwracał się do scen z życia wsi. Jego prace są pełne światła i tekstów.

Jednak obrazy Pissarro nie sprzedawały się dobrze i trudno było mu utrzymać dużą rodzinę. W 1884 roku artysta osiadł we wsi Eragny, od czasu do czasu odwiedzając Paryż w nadziei na sprzedaż swoich obrazów lub znalezienie mecenasa. Taką osobą był Paul Durand-Ruel, który otrzymał monopol na zakup dzieł mistrza.

W 1885 roku Camille Pissarro postanawia dołączyć do postimpresjonistów Georgesa Seurata i Paula Signaca, próbuje nowego kierunku - puentylizmu. Z powodu udziału Seurata i Signaca w ósmej wystawie impresjonistów Pissarro kłóci się z Monetem, Renoirem, Sisleyem. W rezultacie Pissarro i jego nowi przyjaciele wystawili się w osobnym pomieszczeniu. Opinia publiczna nie doceniła jednak nowego kierunku.

W 1889 roku Pissarro porzucił puentylizm i powrócił do swojego starego stylu. Malowanie kropkami nie mogło zaspokoić jego pragnienia przekazania bezpośredniości i świeżości wewnętrznego doznania. Jego obrazy znów zaczynają kupować. Durand-Ruel organizuje kilka wystaw artysty.

W ostatnie lataŻycie Pissarro zaczęło poważnie interesować się grafiką, litografią i akwafortą. Artysta zmarł w Paryżu w wieku 73 lat. Za życia nie otrzymał żadnych odznaczeń państwowych. Pissarro zawsze pomagał młodym artystom i starał się pogodzić zwaśnionych impresjonistów. Jako jedyny brał udział we wszystkich ich wystawach.

Edgara Degasa

Degas urodził się w 1834 roku. Jego ojciec, bankier, z trudem dał Edgarowi pozwolenie na studiowanie malarstwa. o 21. młody człowiek wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych. W 1865 roku obraz Degasa „Scena z życia średniowiecza” został dopuszczony do ekspozycji w Salonie. Znajomość z impresjonistami zmienia światopogląd artysty. Odchodzi od akademizmu. Degas woli Malarstwo rodzajowe, przedstawiający zwykłych ludzi wokół niego.

Od lat 70. XIX wieku Degas próbuje pisać pastelami. Artystce spodobał się ten materiał, ponieważ łączył malarstwo z grafiką. Styl Degas różnił się od reszty impresjonistów, którzy stawiali światło na pierwszym miejscu. Ponadto Degas nie wychodził na zewnątrz, woląc robić szkice w kawiarniach, na wyścigach iw sklepach. Starał się wyrazić poprzez linię i rysunek, co nie zawsze było rozumiane przez innych impresjonistów.

Degas zawsze brał czynny udział w organizowaniu wystaw impresjonistów we Francji. Pominął tylko jedną z nich z powodów ideologicznych. Nie uważał się jednak za impresjonistę.

Prace Degasa nie są tak radosne jak obrazy jego towarzyszy. Często portretował życie bez upiększeń, jak na obrazie „Pijący Absynt”.

Wokół Degasa skupiło się grono młodych artystów - Vidal, Cassette, Raffaelli, Tillo, Forain itp. To podzieliło społeczeństwo impresjonistów i doprowadziło do nieuchronnego konfliktu, aw końcu do rozpadu partnerstwa.

W latach 80. XIX wieku Degas stworzył serię prac: „W sklepie z kapeluszami”, „Nagie kobiety w toalecie”. ostatnia seria pastele wywołały oburzenie opinii publicznej, ponieważ kobiety były przedstawiane realistycznie, intymnie, w codziennych czynnościach.

Cykle „Skoki” i „Tancerze” pozwoliły artyście przenieść rysunek w ruch. Temat baletu był bliski Degasowi. Nikt, tak jak on, nie potrafił przekazać istoty tańca. Edgar malował delikatne tancerki na scenie i za kulisami. Często wykonywał rysunki z pamięci w pracowni, co również było niezwykłe dla impresjonistów.

Degas nigdy nie założył rodziny. Słynął z trudnego, kłótliwego charakteru. Jego jedyną pasją była sztuka, której poświęcał cały swój czas.

Po 1890 roku Degas cierpiał na chorobę oczu i częściowo stracił wzrok. Mistrz zwraca się do rzeźby. Wyrzeźbił tancerzy i konie z gliny i wosku, ale wiele jego figurek później zmarło z powodu kruchości materiału. Jednak 150 dzieł pozostałych po śmierci artysty zostało przeniesionych do brązu.

Degas spędził ostatnie lata życia niewidomy. To była dla niego wielka tragedia. Edgar Degas zmarł w 1917 roku w Paryżu, pozostawiając po sobie wielką spuściznę w postaci rysunków, obrazów i rzeźb.

Na podstawie życiorysów artystów widać wyraźnie, że impresjonizm ma wiele aspektów. W pewnym momencie stał się rewolucją w sztuce Francji i całego świata, otwierając możliwość pojawienia się wielu nowych nurtów. Ale jedno łączyło wszystkich impresjonistów. To chęć ukazania kruchego, ulotnego piękna chwil, z których buduje się życie.