Zadanie samolotowe „Punkt, linia, punkt” jest przeznaczone dla uczniów do opanowania podstawowych umiejętności myślenia kompozycyjnego opartego na wykorzystaniu prostych elementów kompozycyjnych, gdy znajdują się one w przestrzeni dwuwymiarowej. Zadaniem studenta jest osiągnięcie wyważonej kompozycji formalnej, złożonej z linii, kropek i plamek o prostej kształt geometryczny. Etapy realizacji:

1. Szkicowanie wstępne - 2 arkusze A4. Wstępne naszkicowanie kompozycji na zadany przez nauczyciela temat skojarzeniowy bez użycia narzędzi rysunkowych (rysunek ołówkiem, rysunek pędzlem, aplikacja), wszystkie opcje wykonujemy w górnej części arkusza A4 (patrz ryc. 1a, b), a sygnatura pracy znajduje się w dolnej części arkusza: „Szkice kompozycji planarnej na temat „…”, w wykonaniu st-t gr. ..., nauczyciele ... ". Podpis napisany ołówkiem, wąską czcionką architektoniczną o wysokości 5 mm. Szkice wykonywane są w 2 wersjach - liniami prostymi i krzywymi i są zatwierdzane przez prowadzącego. Pole kompozycyjne może być kwadratowe lub prostokątne (do uzgodnienia z prowadzącym).

2. Dwie zatwierdzone opcje (prostoliniowe i krzywoliniowe) są opracowane ołówkiem za pomocą narzędzi kreślarskich na kartce A3 i muszą być uzgodnione z prowadzącym.

3. Kompozycje zaakceptowane w II etapie finalizowane są w postaci czarno-białej utrwalonej grafiki (format A3). Dozwolona jest zarówno aplikacyjna metoda uszlachetniania (nakładanie elementów z zakładką), jak i przezroczysta (kontury nałożonych elementów tworzą nowe kształty). Przy finalizacji zaleca się stosowanie pełnych wypełnień, prostych kreskowań oraz stosowanie różnych grubości i rodzajów linii. Przykłady wykonanych prac pokazano na ryc. 2.

b)

Ryż. 1. Wykonywanie szkiców kompozycji utworzonej na podstawie linii prostych (a) i zakrzywionych (b).

Ryż. 2. Przykłady wykonania zadania 1, II etap.

(Uczniowie Bryantseva N., Karpacheva A., Lugvishchuk E., Khasabyan Yu., Tarasenko A., nauczyciele Shatalov A.A., Minaeva A.V., Yaguza I.A.)

4. Opracowanie 2 kompozycji kolorystycznych (na podstawie kompozycji wykonanej w ustalonym harmonogramie na III etapie) na 2 tematy asocjacyjne podane przez prowadzącego. Format A3 (tj. każda opcja zajmuje miejsce A4), wstępne szkicowanie każdego z 2 tematów w 2 wersjach na formatach A6 (te 4 szkice są zmontowane na formacie A4). Jeden ze szkiców wykonany jest w skali achromatycznej, drugi w pełnym kolorze. Ostateczne kompozycje wykonywane są w pełnym kolorze. Materiał - gwasz. Przykłady układu szkiców do wykonania na ryc. 3., przykłady prac końcowych na ryc. 4.

Rys.3. Układ na formacie A4 szkiców achromatycznych i kolorystycznych, gwasz.

Rys.4. Przykłady kompozycji kolorystycznych, gwasz (artyści Tarasenko A., Gorbaczowa S., Melnikova O., Nikonenko N., Tunitsky V., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.).

Notatka

Według uznania nauczyciela, dwuwymiarowa część sekcji 1.1 może zostać skrócona. pół i zamiast robić serię próbnych ćwiczeń „Linia i płaszczyzna w kosmosie: systemy prętowe i wantowe”.

W takim przypadku pełna kolejność pracy jest wykonywana w porozumieniu z nauczycielem tylko według szkiców utworzonych na podstawie linii prostych lub zakrzywionych. Wstępne szkice i przykłady realizacji proponowanych w zamian ćwiczeń próbnych („Hat High-Tech” i „Maszt”) podano poniżej (ryc. 5-6 i 7-8). Ponadto w tym przypadku rozwinięcie finalnej kompozycji graficznej na przestrzenną w formie układu (ryc. 9). Szkice do ćwiczeń „High-Tech Hut” i „Maszt” wykonujemy ołówkiem, w ilości po 2 sztuki, każdy na formacie A5.

Przed wykonaniem prac aranżacyjnych studenci muszą wcześniej przygotować cięcie prętów ze swojej grubej tektury, o dowolnej długości, ale tej samej szerokości (nie większej niż 3 mm). Naciągacze są imitowane za pomocą nitek lub cienkich cięć mocnego, ale swobodnie zginającego się papieru. Przy mocowaniu prętów konieczne jest, aby każdy wolny koniec pręta był przymocowany 3 odciągami. Następnie do powstałego systemu wantowego należy przymocować przynajmniej jedną płaszczyznę.

Ryż. 5. Szkice do ćwiczenia makiety „Shalash-hi-tech” (uczniowie Chuprikova M., Okhrimenko N., Yesoyan N., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.)

Ryż. 6. Przykłady realizacji próbnego ćwiczenia „Shalash-high-tech” (studenci Pastushkov S., Eloyan A., Reshetova Y., Okhrimenko N., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.)

Ryż. 7. Szkice do próbnego ćwiczenia „Maszt” (uczniowie Abdurashidov M., Eloyan A., Okhrimenko N., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.)

Ryż. 8. Przykłady realizacji skomplikowanego ćwiczenia próbnego „Maszt” (uczniowie Verkoglyad D., Orlova L., nauczyciele Shatalov A.A., Rembovskaya V.E., Obukhova L.Yu.)

Na życzenie kursanta i w porozumieniu z prowadzącym istnieje możliwość skomplikowania konstrukcji masztu

(wprowadzenie dodatkowych prętów i stężeń, mocowanie różnych płaszczyzn i zakrzywionych powierzchni podczas usztywniania itp.). We wszystkich przypadkach warunkiem koniecznym jest osiągnięcie geometrycznej niezmienności całej konstrukcji.

Ryż. 9. Przykłady opracowania układu kompozycji graficznych (studenci Balantseva A., Begun M., Barashyan A., Snesarev A., Gasanbekova S., Kyurchuk V., nauczyciele Shatalov A.A., Minaeva A.V.)

Kiedy fotograf zaczyna opracowywać dla siebie kompozycję przyszłego obrazu, musi przede wszystkim zastanowić się nad rodzajami obiektów, które zostaną przedstawione na jego zdjęciu. Bardzo często zawarte w ramce Różne rodzaje linie, w tym linie zbieżne. To już o nich dzisiaj, a nasza historia pójdzie dalej.

Linie na fotografii, a właściwie na każdym obrazie w samolocie, niosą ze sobą ogromny potencjał emocjonalny, potężny ładunek, który wzbudza zainteresowanie stworzonym w kadrze obrazem. Jeśli w kompozycji zdjęcia jest kilka linii, które zbiegają się w punkcie na nim znajdującym się lub są bardzo blisko jednego, to wygląda to bardzo technicznie i przyciąga uwagę widza do obrazu.

Najprostszym, najczęstszym przykładem zbiegających się linii na obrazie fotograficznym są tory kolejowe. To klasyk. Jeśli stoisz między dwiema szynami i patrzysz wzdłuż nich w dal (zanim wejdziesz na ścieżkę, upewnij się, że jesteś bezpieczny!), to po bokach kolej żelazna zawsze widać dwie ścieżki, dwie linie, które im dalej od naszych oczu uciekają, tym bardziej się do siebie zbliżają.

Jeśli zrobisz to zdjęcie, to pokazując zdjęcie widzowi, łatwo jest upewnić się, że jego oko będzie podążać za liniami szyn przedstawionymi na twoim zdjęciu. To całkowicie naturalna reakcja, tak działa ludzki mózg. Te dwie linie zbiegające się w pobliżu horyzontu są jak dwa lejki, które prowadzą wzrok w kierunku, którego potrzebuje fotograf lub artysta.

To samo dzieje się, gdy fotografia przedstawia dwie ścieżki w polu, zbiegające się linie ogrodzenia, rzędy okien w duży budynek, przewody i słupy telegraficzne, schody... Takich kresek w przestrzeni wokół nas jest bardzo dużo. I wszystkie zbiegają się w jednym punkcie.

W tym artykule podamy kilka wskazówek, które mamy nadzieję pomogą Ci w pracy z takimi liniami.

1. Eksperymentuj z pozycjonowaniem

To jest właśnie opisana klasyczna linia kolejowa. Ta historia ma ogromny potencjał. Linie na takiej fotografii mogą albo zbiegać się w jednym punkcie, albo przebiegać symetrycznie, równolegle do siebie.

Inny rodzaj pozycjonowania. Podczas strzelania zrób krok w jednym lub drugim kierunku od torów kolejowych. Niech linie kolejowe biegną ukośnie w poprzek ramy, od jednego dolnego rogu do przeciwległego górnego rogu. To nada kompozycji obrazu zauważalną dynamikę. Linie pionowe i poziome ułożone symetrycznie mogą bardzo efektownie prezentować się w kadrze. Ale to linie biegnące ukośnie w poprzek płaszczyzny obrazu znacznie skuteczniej przekazują ruch. Wektor tej przekątnej można zmienić, patrząc na linie pod nieco innym kątem, oddalając się od linii nieco w bok.

2. Obiektyw krótkiego rzutu

Na oryginalny obraz zbiegających się linii dramatycznie wpływają różne typy obiektywów fotograficznych. Jeśli fotograf znajduje się w punkcie pomiędzy tymi dwiema liniami, szczególnie przydatny będzie mu krótkoogniskowy obiektyw szerokokątny. Taki obiektyw o małej ogniskowej jest w stanie wizualnie zwiększyć odstęp między dwiema równoległymi liniami w miejscu, w którym linie te zaczynają się w kadrze. Ten pozornie widoczny sztuczny wzrost szerokości będzie miał zauważalny wpływ na widza patrzącego na Twoje ujęcie.

3. Pozycjonowanie „konwergencja”

Jak powiedzieliśmy dzisiaj, zbiegające się linie na obrazie fotograficznym przyciągają uwagę widza dokładnie tam, gdzie się zbiegają. Ten punkt, który koordynuje uwagę widza, staje się więc najważniejszym elementem kompozycyjnym całej fotografii.

Ale w tym przypadku nie należy zapominać o „zasadzie trójpodziału”, która polega na tym, że na liniach, które wizualnie przecinają się w jednym punkcie, znajduje się jeszcze kilka wyimaginowanych kluczowych punktów, które określają miejsca największe zainteresowanie widz.

Jeśli punkt, w którym linie zbiegające się w przestrzeni kadru stykają się ze sobą, znajduje się poza granicami tego kadru, to cały konstruowany przez fotografa obraz będzie wydawał się niezrównoważony, wywoła u widza poczucie dyskomfortu psychicznego i wzrokowego, pewne rodzaj napięcia. Jeśli ten bardzo ważny punkt znajduje się wewnątrz kadru, to już możemy mówić o wysokim poziomie umiejętności fotografa. Zwiększa to również uwagę widza na miejsce, w którym te linie się zbiegają.

4. Dodanie akcentu w punkcie zbieżności linii

W niektórych przypadkach punkt zbieżności linii w przestrzeni kadru można wzmocnić, wprowadzając w kompozycję tej kadru dodatkowy obiekt lub obiekt. Na przykład poczekaj, aż pociąg pojawi się na horyzoncie. Albo po prostu osoba spacerująca ścieżkami. Ale przez większość czasu nie ma potrzeby kładzenia takiego nacisku. Linie zbiegające się w kadrze już działają świetnie.

Spójrz na zdjęcia, na których takie linie odgrywają ważną rolę. Zainspiruj się nimi. Podnieś aparat i poluj na te same niesamowite efekty.

Kreatywne powodzenia!

Drew Hopper jest fotografem i fotografem krajobrazu mieszkającym w Australii. Chcąc zobaczyć i pokazać wszystkim różnorodność kultur, ludzi i miejsc, dużo podróżuje, a także pisze artykuły o fotografii. W tym artykule na przykładach swojej pracy opowiada, jak prawidłowo zbudować kompozycję na zdjęciach.

„W skrócie kompozycja opisuje położenie elementów na zdjęciu. Mocna kompozycja najczęściej ma wiodące linie, które kierują uwagę widza na twoją postać lub temat. Linie te mogą być poziome, pionowe lub ukośne, w zależności od pozycji znaku.

Przyjrzyjmy się poniższym zdjęciom i zobaczmy, jak zbudowałem obrazy za pomocą wiodących linii. Zaznaczyłem je strzałkami, aby wyjaśnić, jak widziałem i skomponowałem każdą klatkę.

Na tym zdjęciu chciałem wbić wzrok widza w głąb kadru, wzdłuż długiego korytarza, ze spojrzeniem młodego mnicha w przeciwnym kierunku, ale po tych samych ukośnych liniach. W ustaleniu kierunku pomagała też spacerująca po galerii kobieta z koszykiem na głowie w tle. Zwróć uwagę na powtarzający się motyw tworzony przez coraz mniejsze kolumny. Umożliwiło to stworzenie głębi obrazu, mimo że uwaga skupiona jest na mnichu na pierwszoplanowy.

To dość prosta kompozycja, w której postać znajduje się w centrum. Oprawiłem ramę tak, aby sieć rybacka tworzyła ukośne linie prowadzące do rybaka. Zdjęcie zostało zrobione obiektywem szerokokątnym, dystorsja pomogła nadać obrazowi głębię.

W tym ujęciu uwaga skupiona jest na młodych mnichach, ale chciałem też uchwycić światło i wykorzystać promienie słoneczne jako linie wiodące. Kadrując obraz tak, aby mnisi siedzieli pod promieniami, mogłem skierować wzrok widza na ich książki. Jednocześnie linie, które tworzy ściana na lewej krawędzi, kierują uwagę na same dzieci.

Tutaj wykadrowałem klatkę tak, aby młody mnich znajdował się w lewej trzeciej części obrazu, a kolumny po prawej stronie nadają głębi ujęcia. Linie galerii kierują wzrok w stronę mnicha, a linie sufitu kierują wzrok widza w dół. Oczy samego mnicha, idącego do przodu, również są spuszczone. Jest to bardzo prosta, ale potężna kompozycja wykonana za pomocą obiektywu szerokokątnego.

Kolejna ramka, w której pośrodku znajduje się postać. Tutaj użyłem niskiego kąta do fotografowania i szerokokątnego obiektywu do dystorsji - to pozwoliło mi skierować linie ukośne i poziome w stronę mnicha. Płytki na podłodze tworzą również linie prowadzące w głąb ramy i utrzymują zwartą kompozycję.

Kompozycja w tym ujęciu jest nietypowa dla mojej pracy - zazwyczaj nie lubię skośnych horyzontów. Ale w tym przypadku zadziałało świetnie. Strzelałem z niskiego kąta, siedząc w łodzi. Kiedy rybak podniósł kosz, w wodzie pojawiło się odbicie, które dodało dodatkową linię prowadzącą do środka kadru. Linia horyzontu biegnąca od lewego dolnego rogu do prawego górnego rogu tworzy kompozycję ukośną.

Kolejna dość prosta kompozycja. Światło padło z lewej strony, więc ustawiłem młodego mnicha po prawej stronie kadru - tak, aby patrzył w przeciwną stronę do promieni. Ponadto światło na mnichu stworzyło ostry kontrast, który pomógł wzmocnić zdjęcie”.

Dobry przyjaciel naszej strony, fotograf Denis Karpenkov, kontynuuje serię notatek dla tych, którzy chcą móc nie tylko gotować jedzenie, ale także robić mu zdjęcia. Dzisiejszy artykuł zrobił w mojej głowie małą rewolucję, uwypuklając niektóre rzeczy z nieoczekiwanej, ale oczywistej strony. Możesz przeczytać inne artykuły Denisa pod linkami:

Dziś będę kontynuować cykl artykułów o fotografii kulinarnej, opowiadając o elementach kompozycji.

Wiesz już, jak zbudowany jest fundament z poprzedniego artykułu „”, a teraz porozmawiamy o cegłach, z których zbudowana jest rama. Rozważymy je w odniesieniu do fotografii kulinarnej, ale pamiętajmy, że ich zakres działalność artystyczna bezgraniczny.

Wszystkie te „cegły” są podzielone na 4 rodzaje, formy. Nie ma innych: jest punktem, linią, płaszczyzną i objętością. Te formy to wszystko, z czego składa się każdy obraz i projekt graficzny. Wszelkie inne formy są pochodnymi tych czterech. Dlatego całą różnorodność przedmiotów należy rozpatrywać w taki sposób, aby w ich formie dostrzec właściwość jednego lub drugiego podstawowego elementu, jakim jest cegła, i wykorzystać ją w sposób sensowny w kompozycji.

Obecność wszystkich czterech elementów w kompozycji nie jest warunkiem wstępnym, ale czyni ją różnorodną i z reguły poprawia jej percepcję (istnieje wiele doskonałych przykładów zbudowanych na wykorzystaniu tylko jednego z tych elementów, jednak wymagane są specjalne umiejętności za dobry wynik w tym przypadku, o czym będziemy rozmawiać później).

1. Punkt

Główny, fundamentalny element. W geometrii jest niewidoczny, ale dla nas jest to stosunkowo mały obiekt sceny. Elementem kompozycyjnym zwanym plamą jest duża kropka, choć w terminologii artystów panuje odmienna opinia, zgodnie z którą plama nie jest utożsamiana z kropką. Ale pracujemy z kształtem obiektów rzeczywistych, a nie rysowanych. Kontrolujemy ich położenie w przestrzeni, a nie na płaszczyźnie płótna. W następnym artykule, kiedy się dotkniemy kontrasty, zrozumiesz, dlaczego wygodniej jest myśleć w ten sposób.

Kropka ma bardzo zmienny kształt i wielkość, a gdy osiągnie duży rozmiar, dla nas nadal będzie kropką. Prawdopodobnie nie jest to jeszcze jasne, więc zaufaj mi.

15 zasad dla początkujących

Każdy z nas przynajmniej raz w życiu trzymał w rękach sprzęt fotograficzny. Aparat filmowy, cyfrowa „mydelniczka”, lustrzanka, a przynajmniej telefon komórkowy z wbudowanym systemem foto. A każdy z nas ma swoją wizję i rozumienie, jak robić zdjęcia. Dla wielu algorytm „zobaczył (nieważne co), wycelował aparat (nieważne jak), skupił (coś zapiszczał/pierdnął w aparacie) i nacisnął spust (zarówno włączony, fajny foto)” dla wielu. Znacznie mniej osób myśli o innych kontrolkach aparatu, poza wyzwalaniem migawki i automatycznymi trybami fotografowania, i do czego to wszystko w rzeczywistości jest przeznaczone. A bardzo mały kontyngent tych, którzy robią zdjęcia, są ciągle niezadowoleni z wyniku, potem próbują znaleźć informacje, czytać, dowiadywać się, analizować, próbować strzelać, uczyć się obróbki zdjęć ... i dopiero po wielu, wielu próbach i eksperymenty, zaczynają cieszyć się tym, co się okazuje. A ich zdjęcia jednocześnie uderzająco różnią się od hańby, na którą się pospieszyli etap początkowy znajomość techniki fotograficznej.

Ten artykuł jest przeznaczony dla drugiej grupy wymienionych, ponieważ pierwsza grupa jest „nieuleczalnie szczęśliwa” nawet bez naszej rady, a trzecia – dobra robota, sami już wszystko osiągnęli lub czytają bardziej fachową, kompetentną literaturę niż ta blog. Jednak druga grupa również potrzebuje pierwszej pomocy, wskazówek przedstawionych jak najprościej, co nie zrazi ciekawskich użytkowników sprzętu fotograficznego, a wręcz przeciwnie nakieruje ich na właściwą ścieżkę, a wtedy będą mieli dużą szansę na przejść do trzeciej kategorii dociekliwych entuzjastów fotografii.

Temat dzisiejszego postu to podstawy kompozycji w fotografii. Czym jest kompozycja? Na początek zwróćmy się do naszej Wikipedii, którą często czytają wszyscy ;)

Kompozycja(z łac. compositio - składanie, łączenie, łączenie) - jedna z głównych kategorii kreatywność artystyczna. W przeciwieństwie do wzoru, koloru, linii, objętości, przestrzeń nie jest jednym ze składników forma sztuki oraz artystyczno-figuratywną, treściowo-formalną integralność - najbardziej złożony i doskonały rodzaj struktury, w której wszystkie elementy są organicznie połączone. Taka integralność w architekturze, malarstwie, grafice, rzeźbie, sztuce i rzemiośle oraz designie ma charakter irracjonalny, osiągana przez artystę intuicyjnie, jest oryginalna i niepowtarzalna. Innymi słowy, jedyne, niepowtarzalne połączenie elementów to esencja kompozycyjnej integralności. Ta specyficzna integralność opiera się na następujących zasadach: nowość, przejrzystość, integralność, rozwój.

Więcej zwykły język można powiedzieć, że kompozycja, jeśli jest obecna w kadrze, odróżnia dobrze skonstruowaną, artystycznie zweryfikowaną kadr od bezmyślnego stukania migawki i tony postrzępionej obsceniczności wrzuconej później do „Kosza”.

Niemniej jednak, chociaż architekt L. B. Alberti w swoim traktacie „Trzy księgi o malarstwie” (1435-1436) powiedział, że Kompozycja jest kompozycją, wynalazkiem, wynalazkiem, jako aktem wolnej woli artystycznej. . Ale tego rodzaju wolna kreatywność jest niedostępny dla większości osób dołączających do fotografii, potrzebują algorytmu, sekwencji działań na początkowym etapie, pewnych reguł, które pozwalają zebrać sensowny obraz w kadrze. Dlatego dzisiaj rozważymy podstawy kompozycji w postaci spójnego opracowania głównych i najbardziej proste zasady które w rzeczywistości może być zastosowane w praktyce przez każdą rozsądną osobę.

Za główną zasadę kompozycji uważa się złoty podział(proporcja złota, podział w stosunkach skrajnych i średnich, podział harmoniczny). Złoty podział to stosunek dwóch wartości b i a, a > b, gdy a/b = (a+b)/a jest prawdziwe. Liczba równa stosunkowi a/b jest zwykle oznaczana wielką grecką literą Φ, na cześć starożytny grecki rzeźbiarz a architekt Fidiasz, rzadziej - grecka litera τ. Uproszczony model złotej sekcji to Zasada trójpodziału.

Zasada nr 1 . Zasada trójpodziału- To zasada konstruowania kompozycji w oparciu o uproszczoną zasadę złotego odcinka. Zasada trójpodziału dotyczy rysunku, fotografii i projektowania.
Przy wyznaczaniu środków wizualnych rama z reguły jest podzielona liniami równoległymi do jego boków, w proporcjach 3:5, 2:3 lub 1:2 (przyjmowane są kolejne liczby Fibonacciego). Ostatnia opcja daje podział kadru na trzy równe części (trzecie) wzdłuż każdego z boków.
Pomimo zauważalnej różnicy między pozycją centrów uwagi uzyskaną przez zasadę trójpodziału a złotym przekrojem, technologiczna prostota i przejrzystość sprawiły, że ten schemat kompozycyjny stał się bardziej popularny.
W wizjerach niektórych aparatów zastosowano siatkę z zasadą trzech części, która ułatwia komponowanie ujęcia.

Zasada mówi, że obraz należy uznać za podzielony na dziewięć równych części przez dwie równoodległe równoległe linie poziome i dwie równoległe pionowe linie. Wzdłuż tych linii lub na ich przecięciu powinny znajdować się ważne części kompozycji – w tzw. punktach mocy. Zwolennicy tej zasady twierdzą, że wyrównanie ważnych części za tymi kropkami i liniami stwarza wrażenie podkreślenia, większego napięcia, energii i większego zainteresowania kompozycją niż po prostu umieszczenie obiektu w centrum kadru.

Wybór odpowiedniego punktu lub linii, na której znajduje się główny obiekt, pozwala zwiększyć wyrazistość obrazu. Jeśli inne rzeczy są takie same, obowiązuje następująca zasada: jeśli na obrazie jest tylko jeden obiekt, pożądane jest umieszczenie go po lewej stronie kadru. Zalecenie opiera się na nawyku rozwijanym przez czytanie, aby patrzeć na obrazy od lewej do prawej (podobnie dla czytelników od prawej do lewej).

Na tym zdjęciu najbardziej wyrazistą częścią kompozycji są oczy węża, znajdują się one na przecięciu dwóch linii trzecich, poziomej góry i pionowej prawej.

Jeśli na obrazku jest kilka obiektów, obiekt dominujący należy umieścić w prawym dolnym punkcie. Ta technika jest szczególnie przydatna podczas fotografowania obrazów o zabarwieniu emocjonalnym. Rekomendacja opiera się na wzmocnieniu percepcji najnowszych otrzymanych informacji. Reguła trójpodziału jest jedną z najprostszych reguł kompozycji, ale są też inne reguły kompozycji. Tak więc słynny radziecki i rosyjski fotograf Alexander Lapin wierzył: „tak zwana zasada trzech części została wymyślona dla początkujących, którzy po prostu nie wiedzą, jak skomponować ujęcie”.

Zasada nr 2 . Metoda przekątnej(metoda przekątnych) to jedna z zasad kompozycji w fotografii, malarstwie i grafice. Holenderski fotograf Edwin Westhoff przypadkowo natknął się na tę metodę, eksperymentując wizualnie, aby zbadać, dlaczego zasada trójpodziału jest tak niedokładna. Po przeanalizowaniu licznych fotografii, obrazów i grafik stwierdził, że szczegóły obrazów, którym poświęca się większą uwagę, znajdują się na przekątnej kwadratu.

Ramka to prostokąt o proporcjach 4:3 lub 3:2. Widz zwraca większą uwagę na detale znajdujące się na czterech dwusiecznych przechodzących przez rogi kadru. Szczegóły obrazów, którym poświęca się więcej uwagi, to często z dokładnością do milimetra na jednej lub kilku ukośnych liniach leżących pod kątem 45° i przechodzących przez rogi kadru. W przeciwieństwie do innych zasad kompozycji, takich jak zasada trójpodziału i złoty podział, metoda przekątna nie przyczepia się wielkie znaczenie do miejsca, w którym linie się przecinają i skupia się na dowolnej pozycji leżącej po przekątnej. Dopóki te detale leżą na ukośnych liniach przebiegających przez rogi ramy, przyciągają uwagę. Jednak metoda diagonalna wymaga, aby te szczegóły obrazu leżały dokładnie po przekątnej, z maksymalnym odchyleniem 1 mm na formacie A4. W przeciwieństwie do innych zasad kompozycji, metoda ta nie służy do ulepszania samej kompozycji.

Edwin Westhoff odkrył, że rysując linie na obrazie pod kątem 45°, można zobaczyć, które szczegóły artysta chciał podkreślić. Badania wykazały na przykład, że najważniejsze detale obrazów i rycin Rembrandta van Rijna leżą właśnie po przekątnych: oczy, ręce, przedmioty gospodarstwa domowego.

Metodę diagonalną stosuje się tylko w przypadku obrazów, w których należy podkreślić lub uwydatnić pewne szczegóły: na przykład portret, na którym pewne części ciała zasługują na większą uwagę lub zdjęcie reklamowe produktu. Niektóre zdjęcia krajobrazów zawierają osobno ważne szczegóły, takie jak ludzie stojące drzewa lub budynek, który może leżeć po przekątnych, ale zazwyczaj na zdjęciach krajobrazów i budynków trzeba widzieć duży obraz, gdzie często inne linie decydują o budowie obrazu, np. horyzont.
Kilka przykładowych zdjęć wykonanych metodą diagonalną: http://www.diagonalmethod.info/

Zasada nr 3 . Symetria. Symetryczne sceny idealnie nadają się do wyśrodkowanej kompozycji. To bardzo potężne narzędzie do komponowania. Lustrzane ramki to kolejny sposób na wykorzystanie symetrii.

W naturze duża liczba obrazów wizualnych podlega prawu symetrii. Dlatego w kompozycji łatwo dostrzega się symetrię. W sztuki piękne symetrię uzyskuje się poprzez takie rozmieszczenie przedmiotów, że jedna część kompozycji wydaje się lustrzanym odbiciem drugiej. Przechodzi oś symetrii geometryczny środek. Symetryczna kompozycja służy oddaniu spokoju, stabilności, niezawodności, a czasem majestatu. Jednak tworzenie obrazu absolutnie symetrycznego nie jest tego warte. W końcu nic nie jest doskonałe w naturze.

Zasada #4 . nieostrość. Użycie głębi ostrości, gdy główny obiekt semantyczny fotoreportażu jest ostry, a reszta obiektów jest rozmyta. To świetny sposób na dodanie poczucia głębi do ramy. Zdjęcia mają charakter dwuwymiarowy, a technika ta pozwala na uzyskanie efektu trójwymiarowości. Podobny efekt można osiągnąć odbarwiając tło, ale są to już programowe metody obróbki końcowej.

Zasada nr 5 . Ramy. Ramka w ramce (lub „ramka po ramce”) to kolejna efektywny sposób obrazy głębi kompozycji. Zwróć uwagę na takie elementy jak okna, łuki czy zwisające gałęzie. „Obramowanie” nie musi otaczać całej klatki, aby było skuteczne. To kolejny sposób na przedstawienie głębi i perspektywy, nadając ramie wrażenie trójwymiarowości.

Zasada #6 . linie. Linie najlepiej sprawdzają się jako prowadnice: oko przylega do linii i podąża za nią, od lewej do prawej i od dołu do góry. W ten sposób linia prowadzi oko widza przez kadr, skupiając się na głównym obiekcie. Linie prowadzące nie muszą być proste. Zakrzywione linie mogą być bardzo atrakcyjną cechą kompozycyjną.

W tej kadrze linie konturu mostu i wyimaginowane linie światła lampy po obu stronach środka kadru „prowadzą” nas do głównego tematu – Świątyni. W tej kompozycji zastosowano również metodę symetrii.

Zasada nr 7 . Geometria: trójkąty i przekątne. Trójkąty i przekątne dodają oprawie „dynamicznego napięcia”. To jeden z najskuteczniejszych techniki kompozytorskie- kompozycja diagonalna. Jego istota jest bardzo prosta: główne obiekty ramy umieszczamy po przekątnej ramy. Na przykład od lewego górnego rogu ramki do prawego dolnego rogu. Ta technika jest dobra, ponieważ taka kompozycja nieustannie prowadzi oko widza przez całe zdjęcie.

Zasada nr 8 . Wzory i tekstury. Wzory w fotografii to powtarzające się obiekty, które można wykorzystać do skomponowania ujęcia. Wokół nas jest wiele wzorców, zwłaszcza w krajobrazie miejskim. Sama tekstura nie ma znaczenia. Światło padające na teksturę odgrywa rolę i tworzy objętość dzięki cieniom.

Zasada #9 .Zasada nieparzystego obiektu. Zasadą jest, że obraz jest bardziej atrakcyjny wizualnie, jeśli w kadrze znajduje się nieparzysta liczba obiektów. Zgodnie z tą teorią parzysta liczba elementów sceny rozprasza uwagę, ponieważ widz nie jest pewien, na którym z nich skupić swoją uwagę. Nieparzysta liczba elementów jest postrzegana jako bardziej naturalna i przyjemniejsza dla oczu. Szczerze mówiąc, jest wiele przypadków, w których tak nie jest, ale z pewnością ma to zastosowanie w niektórych sytuacjach.

Zasada #10 . Wypełnienie ramki. Wypełnianie kadru obiektem, pozostawiając niewiele miejsca wokół niego lub nie pozostawiając go wcale, może być bardzo skuteczne w pewnych sytuacjach. Technika ta pozwala w pełni skupić się na głównym temacie, środku kompozycji, bez rozpraszania uwagi. Pozwala także widzowi poznać szczegóły, które nie byłyby możliwe, gdybyś fotografował z dystansu.

Zasada #11 . Zmiana wysokości punktu pomiarowego. Perspektywa jest podstawą wszystkiego. Aparat (odpowiednio punkt fotografowania) musi być przesuwany nie tylko w poziomie, ale także w pionie. Jednym z najczęstszych punktów strzeleckich jest ustawienie go na poziomie ludzkiego oka: jednocześnie kształt obiektu, jego objętość, układ perspektywy i relacja z tłem są znajome dla oka.
Takie punkty pomiarowe nazywane są normalną wysokością. W tym przypadku obraz prawie nie jest zniekształcony. Większość fotografii na świecie jest robiona z „normalnego” punktu obserwacyjnego. Ale często użycie górnych i dolnych punktów strzeleckich pomaga zrealizować kreatywny pomysł.

Zasada #12 . Więcej wolnego miejsca w kadrze lub proste tła. Pozostawienie dużej ilości pustej przestrzeni (lub powietrza) wokół obiektu zapewni bardzo atrakcyjne ujęcia o prostym i minimalistycznym charakterze. Podobnie jak wypełnienie kadru, pomaga to widzowi skupić się na głównym obiekcie bez rozpraszania uwagi. Często zdjęcia są robione przy użyciu prostego tła, które nie odwraca uwagi od głównego tematu. Możesz także stworzyć prostą kompozycję, powiększając część obiektu i skupiając się na określonym szczególe.

Zasada #13 . Kierunek i przestrzeń. W kadrze musisz zostawić miejsce na wyimaginowany ruch poruszających się w kadrze obiektów. Ta zasada może być również stosowana podczas fotografowania ludzi. Zasada kierunku i przestrzeni sugeruje, że obiekt musi patrzeć w obiektyw lub jego wzrok musi paść na coś w kadrze. Jeśli wyimaginowana linia wzroku obiektu dość szybko wypadnie z kadru – wydaje się to dziwne, kadr staje się niewypowiedziany. Z grubsza mówiąc, jeśli osoba w kadrze znajduje się po lewej stronie, powinna patrzeć albo w obiektyw, albo w prawo, ale nie w lewo.

Na zdjęciu po lewej statek płynie od lewej do prawej, a w kadrze zostało miejsce na jego wyimaginowany ruch po prawej stronie statku.

Zasada #14 . Saldo. Równowaga lub równowaga jest bardzo ważna. Sztuczka równowagi kompozycyjnej polega na tym, że nie ma jednej słusznej rekomendacji. Będziesz musiał kierować się nie tylko zasadami, ale także wrodzonym poczuciem równowagi.
Pierwszą wytyczną kompozycyjną była „reguła trójpodziału”. To oczywiście oznacza, że ​​często umieszczamy główny obiekt zdjęcia z dala od środka kadru, wzdłuż jednej z pionowych linii siatki. Ale czasami może to prowadzić do braku równowagi, jeśli zostawisz coś w rodzaju „pustego” w pozostałej części kadru.
Aby temu zaradzić, możesz zrobić zdjęcie, na którym po drugiej stronie kadru znajdzie się obiekt o drugorzędnym lub mniejszym znaczeniu (lub rozmiarze). Zrównoważy to kompozycję bez odwracania uwagi od głównego tematu.

Zasada #15 . Uzupełnienie/kontrast. Podobieństwo lub opozycja to bardzo potężne narzędzie w kompozycji fotograficznej. Technika ta polega na umieszczeniu w kadrze dwóch lub więcej elementów, które albo kontrastują, albo się uzupełniają. Oba podejścia mogą się bardzo dobrze sprawdzać i odgrywać ważną rolę w fotografii - pomagają opowiedzieć historię.

Na tym zdjęciu w tle Moulin Rouge w Paryżu, z wielobarwnymi wstążkami falującymi w powietrzu na pierwszym planie, które uzupełniają się nawzajem z budynkiem słynnego francuskiego kabaretu, wzmacniając wizerunek święta na zdjęciu.

Wszystkie zdjęcia - fotomatika

Jeśli ten wpis jest używany aktywny link do niego jest wymagany.