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beaux-Arts Les meilleures œuvres du XVIIIe siècle se caractérisent par une analyse des expériences humaines les plus subtiles, la reproduction des nuances des sentiments et des humeurs. Intimité, lyrisme des images, mais aussi observation analytique sont des traits caractéristiques Art XVIIIème siècle, tant dans le genre du portrait que dans peinture de ménage. Ces propriétés de la perception artistique de la vie sont la contribution du XVIIIe siècle au développement de la culture artistique mondiale, même s'il faut reconnaître que cela s'est fait au prix de la perte de la complétude universelle dans la représentation de la vie spirituelle, de l'intégrité dans l'incarnation des visions esthétiques de la société, caractéristiques de la peinture de Rubens, Velasquez, Rembrandt, Poussin.
ROCOCO (« pittoresque », « capricieux » ; rococo français de rocaille - fragments de pierres, coquillages), une tendance stylistique qui a dominé l'art européen au cours des trois premiers quarts du XVIIIe siècle. Ce n'était pas tant un phénomène artistique indépendant qu'une phase, une certaine étape du style baroque paneuropéen. Le terme « rococo » est né en France à la fin du XVIIIe siècle, à l'apogée du classicisme, comme un surnom méprisant pour l'art maniéré et prétentieux du XVIIIe siècle : une ligne courbe et capricieuse, rappelant les contours d'un coquillage , sa principale caractéristique. L'art rococo est un monde de fiction et d'expériences intimes, de théâtralité décorative, de sophistication, de sophistication sophistiquée ; il n'y a pas de place pour l'héroïsme et le pathétique ; ils sont remplacés par un jeu d'amour, de fantaisie et de beaux bibelots. Les principaux thèmes de la peinture rococo sont vie exquise aristocratie de cour, images idylliques de la vie de « berger » sur fond de nature vierge, monde complexe histoires d'amour et allégories ingénieuses. La vie humaine est instantanée et éphémère, et il faut donc saisir le «moment heureux», se dépêcher de vivre et de ressentir. "L'esprit des petites choses charmantes et aériennes" devient le leitmotiv du travail de nombreux artistes du "style royal".
François Boucher François Boucher (1703-1770) se considérait comme un disciple fidèle de Watteau. Certains l'appelaient « l'artiste des grâces », « Anacréon de la peinture », « peintre royal ». D'autres voyaient en lui un artiste - un "hypocrite", "qui a tout sauf la vérité". D'autres encore remarquaient avec scepticisme : « Sa main cueille des roses là où d'autres ne trouvent que des épines. François Boucher (1703-1770) se considérait comme un élève fidèle de Watteau. Le pinceau de l'artiste appartient à de nombreux portraits de la maîtresse du roi Louis XV, la marquise de Pompadour. On sait qu'elle a fréquenté Bush, lui a commandé plus d'une fois des peintures sur des sujets religieux pour des résidences de campagne et des hôtels particuliers parisiens. Dans Madame de Pompadour, l'héroïne est représentée entourée de fleurs éparses et d'objets luxueux, rappelant ses goûts artistiques et ses loisirs. Elle s'allonge majestueusement sur fond de draperies luxuriantes et solennelles. Le livre dans sa main est un indice clair d'illumination et d'engagement envers les activités intellectuelles. La marquise a généreusement remercié l'artiste. En le nommant directeur de la Manufacture de Tapisseries, puis en lui attribuant le titre de « premier peintre du roi.
François Boucher s'est plus d'une fois tourné vers la représentation de scènes frivoles, dont les personnages principaux étaient des bergers mignons et timides ou des demoiselles nues dodues sous la forme de Vénus et Diane mythologiques. Ses peintures regorgent d'indices ambigus, de détails piquants (l'ourlet relevé de la jupe de satin du berger, la jambe relevée coquettement de Diane au bain, le doigt pressé sur les lèvres, le regard éloquent et invitant, les colombes qui s'embrassent symboliquement, etc.) l'artiste connaissait très bien la mode et les goûts de son époque !
Dans l'histoire de la peinture, François Boucher reste encore un magnifique maître de la couleur et du dessin exquis. Compositions pleines d'esprit résolues, angles inhabituels de personnages, silhouettes bizarres de décors presque théâtraux, accents de couleurs riches, reflets brillants de couleurs transparentes appliquées en petits traits légers, rythmes fluides - F. Boucher fait tout cela maître consommé La peinture. Ses tableaux deviennent panneaux décoratifs, décorent les intérieurs luxuriants des halls et des salons, ils vous invitent dans le monde du bonheur, de l'amour et des beaux rêves.
FRAGONARD Jean Honoré Peintre et graveur français, le plus grand maître de l'époque de Louis XVI. est devenu célèbre pour ses scènes galantes et quotidiennes magistralement exécutées, dans lesquelles l'élégance du rococo se conjugue avec la fidélité à la nature, la subtilité des effets de lumière et d'air, et les majestueuses ruines antiques. Parallèlement à des œuvres créées à partir d'observations réelles, il crée également des pastorales improvisées, il reproduit la scène avec une telle vivacité qu'elle semble écrite d'après nature.
Antoine Watteau- les contemporains appelaient "le poète des loisirs insouciants" et des "festivités galantes", "le chanteur de la grâce et de la beauté". Dans ses œuvres, il a capturé des pique-niques dans des parcs à feuilles persistantes, des concerts musicaux et théâtraux au sein de la nature, des confessions passionnées et des querelles d'amoureux, des rendez-vous idylliques, des bals et des mascarades. En même temps, il y a une tristesse poignante dans ses peintures. Ressentir la fugacité de la beauté et l'éphémère de ce qui se passe.
Watteau s'est trouvé, son thème, en arrivant à Paris : ce sont les fêtes dites galantes - une société aristocratique dans le parc, jouant de la musique, dansant, oisive ; peinture, dans laquelle il semble n'y avoir aucune action, aucune intrigue - scènes d'une vie insouciante, véhiculées avec une grâce raffinée. Tout cela est vu comme de profil par un observateur mince, légèrement ironique, avec une pointe de mélancolie et de tristesse. La coloration de Watteau - l'une des qualités les plus fortes de son talent - est construite sur de subtiles nuances de gris, de brun, de lilas pâle, de jaune-rose. Il n'y a jamais de ton pur dans les tableaux de Watteau. Comme dans la couleur, toutes les nuances les plus subtiles des sentiments amoureux sont données. En 1717, l'artiste crée l'une des plus grandes œuvres "Pèlerinage à l'île de Cythère". Cette image reflète la plus belle palette de sentiments, qui est avant tout créée par la couleur elle-même. Mais tout cela n'est pas de l'amour, mais un jeu d'amour, un théâtre.
Fedor Stepanovitch Rokotov- le célèbre portraitiste russe, académicien de peinture de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg (1765). La vie de Fiodor Stepanovitch Rokotov, le portraitiste le plus poétique du XVIIIe siècle, est longtemps restée un mystère. L'artiste, qui a joui d'une grande notoriété de son vivant, est tombé dans l'oubli pendant tout un siècle après sa mort.
Ses peintures se trouvent dans de nombreux musées de grandes et petites villes de Russie et, malheureusement, de beaux portraits s'appellent "Portrait d'une femme inconnue". La formation de la personnalité de F.S. Rokotov a été influencée par sa connaissance de M.V. Lomonosov. Il semble que le thème de la dignité humaine, qui résonne si clairement dans les portraits de Rokotov, ait été déterminé non sans l'influence d'un brillant scientifique et écrivain, tel que Lomonossov. Seul le XXe siècle a rendu le nom de F.S. Rokotov à l'art russe. Mais même maintenant, beaucoup de gens le connaissent comme l'auteur d'un ou deux tableaux.
Guillaume Hogarth- Graphiste et peintre de genre anglais, fondateur et représentant majeur de l'école nationale de peinture, Hogarth - un illustrateur hors pair, auteur de gravures satiriques, découvreur de nouveaux genres en peinture et en graphisme. Il est devenu célèbre pour ses dessins satiriques et ses portraits réalistes. L'artiste, qui a été influencé par les idées des philosophes des Lumières, a subordonné nombre de ses œuvres à la tâche d'éduquer le principe moral chez l'homme et d'éradiquer les vices à l'aide de la créativité artistique.
Les œuvres les plus célèbres de William Hogarth : une série de gravures "Mariage à la mode", "Carrière de prostituée", "Carrière de mot", "Élections parlementaires", gravures "Beer Street", "Gin Lane", "Personnages et caricatures", peintures "Autoportrait", "Portrait du Capitaine Korem", "Fille aux crevettes".
L'idée d'une régularité raisonnable du monde, la beauté de la nature, les idéaux moraux
Reflet objectif du monde environnant
Le désir d'une clarté raisonnable d'harmonie, d'une stricte simplicité
Formation du goût esthétique
Retenue et calme dans la manifestation des sentiments
Rationalisme et logique dans les actions
Le rococo est...
style dans l'art du XVIIIe siècle, caractéristique qui avaient une prédilection pour les formes raffinées et complexes, les lignes bizarres, rappelant la silhouette d'un coquillage.
43. Rocaille est…… l'élément principal de l'ornement de style rococo, rappelant la forme d'une boucle de coquillage et de plantes extravagantes.
44. Mascaron est .... un type de décoration sculpturale d'un bâtiment en forme de tête humaine ou animale visage complet
45. Le sentimentalisme est... Il s'agit d'une tendance dans la littérature et l'art de la seconde moitié du XVIIIe siècle, caractérisée par un intérêt accru pour les sentiments humains et une attitude émotionnelle envers le monde qui l'entoure, où l'amour pour l'homme et la nature passe avant tout.
Lequel des encours structures architecturales le classicisme s'appelle "Rêve de conte de fées"
La résidence des rois de France à la périphérie de Paris est le château de Versailles.
47. Principes de l'urbanisme à l'ère du classicisme :
Création d'une ville idéale avec des bâtiments réalisés selon un plan unique. L'ensemble urbain est conçu sous la forme d'un carré ou d'un rectangle en plan. À l'intérieur d'eux, un système de rues rectangulaire ou radialement circulaire strictement régulier avec une place de la ville au centre est prévu.
48. Pourquoi l'œuvre de N. Poussin est-elle qualifiée de summum du classicisme en peinture ?
N. Poussin - fondateur du style classicisme. Passons aux sujets mythologie antique, histoire ancienne, Bibles, Poussin a révélé les thèmes de son époque contemporaine. Avec ses œuvres, il a élevé une personnalité parfaite, montrant et chantant des exemples de haute moralité, de prouesses civiques.
N. Poussin
49. Ce qui unit les plus grands maîtres "genre galant"- A. Watteau et F. Boucher
Le monde des amours complexes et de la vie sur fond de nature vierge.
Nommez les compositeurs du classicisme viennois.
A - Joseph Haydn, B - Wolfgang Mozart, C - Ludwig van Beethoven
MAIS 
BS 
51. La symphonie est ...(consonance) travailler pour orchestre symphonique, composé de 4 parties, où les première et dernière parties ont les mêmes clés, et celles du milieu sont écrites dans des clés liées à la principale, qui est déterminé
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Les beaux-arts du XVIIIe siècle dans les meilleures œuvres se caractérisent par une analyse des plus belles expériences humaines, la reproduction des nuances des sentiments et des humeurs. Intimité, lyrisme des images, mais aussi observation analytique sont des traits caractéristiques de l'art du XVIIIe siècle, tant dans le genre du portrait que dans la peinture de tous les jours. Ces propriétés de la perception artistique de la vie sont la contribution du XVIIIe siècle au développement de la culture artistique mondiale, même s'il faut reconnaître que cela s'est fait au prix de la perte de l'exhaustivité universelle dans la représentation de la vie spirituelle, de l'intégrité dans l'incarnation des visions esthétiques de la société, caractéristiques de la peinture de Rubens, Velasquez, Rembrandt, Poussin.
ROCOCO (« pittoresque », « capricieux » ; rococo français de rocaille - fragments de pierres, coquillages), une tendance stylistique qui a dominé l'art européen au cours des trois premiers quarts du XVIIIe siècle. Ce n'était pas tant un phénomène artistique indépendant qu'une phase, une certaine étape du style baroque paneuropéen. Le terme « rococo » est né en France à la fin du XVIIIe siècle, à l'apogée du classicisme, comme un surnom méprisant pour l'art maniéré et prétentieux du XVIIIe siècle : une ligne courbe et capricieuse, rappelant les contours d'un coquillage , sa principale caractéristique. L'art rococo est un monde de fiction et d'expériences intimes, de théâtralité décorative, de sophistication, de sophistication sophistiquée ; il n'y a pas de place pour l'héroïsme et le pathétique ; ils sont remplacés par un jeu d'amour, de fantaisie et de beaux bibelots. Les thèmes principaux de la peinture rococo sont la vie exquise de l'aristocratie de cour, les images idylliques de la vie de "berger" sur fond de nature vierge, le monde des amours complexes et les allégories ingénieuses. La vie humaine est instantanée et éphémère, et il faut donc saisir le «moment heureux», se dépêcher de vivre et de ressentir. "L'esprit des petites choses charmantes et aériennes" devient le leitmotiv du travail de nombreux artistes du "style royal".
François Boucher François Boucher (1703-1770) se considérait comme un disciple fidèle de Watteau. Certains l'appelaient « l'artiste des grâces », « Anacréon de la peinture », « peintre royal ». D'autres voyaient en lui un artiste - un "hypocrite", "qui a tout sauf la vérité". D'autres encore remarquaient avec scepticisme : « Sa main cueille des roses là où d'autres ne trouvent que des épines. François Boucher (1703-1770) se considérait comme un élève fidèle de Watteau. Le pinceau de l'artiste appartient à de nombreux portraits de la maîtresse du roi Louis XV, la marquise de Pompadour. On sait qu'elle a fréquenté Bush, lui a commandé plus d'une fois des peintures sur des sujets religieux pour des résidences de campagne et des hôtels particuliers parisiens. Dans Madame de Pompadour, l'héroïne est représentée entourée de fleurs éparses et d'objets luxueux, rappelant ses goûts artistiques et ses loisirs. Elle s'allonge majestueusement sur fond de draperies luxuriantes et solennelles. Le livre dans sa main est un indice clair d'illumination et d'engagement envers les activités intellectuelles. La marquise a généreusement remercié l'artiste. En le nommant directeur de la Manufacture de Tapisseries, puis en lui attribuant le titre de « premier peintre du roi.
François Boucher s'est plus d'une fois tourné vers la représentation de scènes frivoles, dont les personnages principaux étaient des bergers mignons et timides ou des demoiselles nues dodues sous la forme de Vénus et Diane mythologiques. Ses peintures regorgent d'indices ambigus, de détails piquants (l'ourlet relevé de la jupe de satin du berger, la jambe relevée coquettement de Diane au bain, le doigt pressé sur les lèvres, le regard éloquent et invitant, les colombes qui s'embrassent symboliquement, etc.) l'artiste connaissait très bien la mode et les goûts de son époque !
Dans l'histoire de la peinture, François Boucher reste encore un magnifique maître de la couleur et du dessin exquis. Des compositions spirituelles, des angles inhabituels de personnages, des silhouettes bizarres de décors presque théâtraux, des accents de couleurs riches, des reflets lumineux de couleurs transparentes appliquées en petits traits légers, des rythmes fluides et fluides - tout cela fait de F. Boucher un maître inégalé de la peinture. Ses peintures se transforment en panneaux décoratifs, décorent les intérieurs luxuriants des halls et des salons, elles appellent au monde du bonheur, de l'amour et des beaux rêves.
FRAGONARD Jean Honoré Peintre et graveur français, le plus grand maître de l'époque de Louis XVI. est devenu célèbre pour ses scènes galantes et quotidiennes magistralement exécutées, dans lesquelles l'élégance du rococo se conjugue avec la fidélité à la nature, la subtilité des effets de lumière et d'air, et les majestueuses ruines antiques. Parallèlement à des œuvres créées à partir d'observations réelles, il crée également des pastorales improvisées, il reproduit la scène avec une telle vivacité qu'elle semble écrite d'après nature.
Antoine Watteau- les contemporains appelaient "le poète des loisirs insouciants" et des "festivités galantes", "le chanteur de la grâce et de la beauté". Dans ses œuvres, il a capturé des pique-niques dans des parcs à feuilles persistantes, des concerts musicaux et théâtraux au sein de la nature, des confessions passionnées et des querelles d'amoureux, des rendez-vous idylliques, des bals et des mascarades. En même temps, il y a une tristesse poignante dans ses peintures. Ressentir la fugacité de la beauté et l'éphémère de ce qui se passe.
Watteau s'est trouvé, son thème, en arrivant à Paris : ce sont les fêtes dites galantes - une société aristocratique dans le parc, jouant de la musique, dansant, oisive ; peinture, dans laquelle il semble n'y avoir aucune action, aucune intrigue - scènes d'une vie insouciante, véhiculées avec une grâce raffinée. Tout cela est vu comme de profil par un observateur mince, légèrement ironique, avec une pointe de mélancolie et de tristesse. La coloration de Watteau - l'une des qualités les plus fortes de son talent - est construite sur de subtiles nuances de gris, de brun, de lilas pâle, de jaune-rose. Il n'y a jamais de ton pur dans les tableaux de Watteau. Comme dans la couleur, toutes les nuances les plus subtiles des sentiments amoureux sont données. En 1717, l'artiste crée l'une des plus grandes œuvres "Pèlerinage à l'île de Cythère". Cette image reflète la plus belle palette de sentiments, qui est avant tout créée par la couleur elle-même. Mais tout cela n'est pas de l'amour, mais un jeu d'amour, un théâtre.
Fedor Stepanovitch Rokotov- le célèbre portraitiste russe, académicien de peinture de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg (1765). La vie de Fiodor Stepanovitch Rokotov, le portraitiste le plus poétique du XVIIIe siècle, est longtemps restée un mystère. L'artiste, qui a joui d'une grande notoriété de son vivant, est tombé dans l'oubli pendant tout un siècle après sa mort.
Ses peintures se trouvent dans de nombreux musées de grandes et petites villes de Russie et, malheureusement, de beaux portraits s'appellent "Portrait d'une femme inconnue". La formation de la personnalité de F.S. Rokotov a été influencée par sa connaissance de M.V. Lomonosov. Il semble que le thème de la dignité humaine, qui résonne si clairement dans les portraits de Rokotov, ait été déterminé non sans l'influence d'un brillant scientifique et écrivain, tel que Lomonossov. Seul le XXe siècle a rendu le nom de F.S. Rokotov à l'art russe. Mais même maintenant, beaucoup de gens le connaissent comme l'auteur d'un ou deux tableaux.
Guillaume Hogarth- Graphiste et peintre de genre anglais, fondateur et représentant majeur de l'école nationale de peinture, Hogarth - un illustrateur hors pair, auteur de gravures satiriques, découvreur de nouveaux genres en peinture et en graphisme. Il est devenu célèbre pour ses dessins satiriques et ses portraits réalistes. L'artiste, qui a été influencé par les idées des philosophes des Lumières, a subordonné nombre de ses œuvres à la tâche d'éduquer le principe moral chez l'homme et d'éradiquer les vices à l'aide de la créativité artistique.
Les œuvres les plus célèbres de William Hogarth : une série de gravures "Mariage à la mode", "Carrière de prostituée", "Carrière de mot", "Élections parlementaires", gravures "Beer Street", "Gin Lane", "Personnages et caricatures", peintures "Autoportrait", "Portrait du Capitaine Korem", "Fille aux crevettes".
Maîtres du "genre galant" ROCOCO ("pittoresque", "capricieux"; rococo français de rocaille - fragments de pierres, coquillages), la direction de style qui dominait dans Art européen durant les trois premiers quarts du XVIIIe siècle. Ce n'était pas tant un phénomène artistique indépendant qu'une phase, une certaine étape du style baroque paneuropéen. Le terme « rococo » est né en France à la fin du XVIIIe siècle, à l'apogée du classicisme, comme un surnom méprisant pour l'art maniéré et prétentieux du XVIIIe siècle : une ligne courbe, capricieuse, rappelant les contours d'un coquillage , sa principale caractéristique. L'art rococo est un monde de fiction et d'expériences intimes, de théâtralité décorative, de sophistication, de sophistication sophistiquée ; il n'y a pas de place pour l'héroïsme et le pathétique ; ils sont remplacés par un jeu d'amour, de fantaisie et de beaux bibelots. Les thèmes principaux de la peinture rococo sont la vie exquise de l'aristocratie de cour, les images idylliques de la vie de "berger" sur fond de nature vierge, le monde des amours complexes et les allégories ingénieuses. La vie humaine est instantanée et éphémère, et il faut donc saisir le "moment heureux", se dépêcher de vivre et de ressentir. "L'esprit des petites choses charmantes et aériennes" devient le leitmotiv du travail de nombreux artistes du "style royal".
Antoine Watteau Antoine Watteau - les contemporains l'appelaient "le poète des loisirs insouciants" et des "festivités galantes", "le chanteur de la grâce et de la beauté". Dans ses œuvres, il a capturé des pique-niques dans des parcs à feuilles persistantes, des concerts musicaux et théâtraux au sein de la nature, des confessions passionnées et des querelles d'amoureux, des rendez-vous idylliques, des bals et des mascarades. En même temps, il y a une tristesse poignante dans ses peintures. Le sentiment de la fugacité de la beauté et le caractère éphémère de ce qui se passe.Antoine Watteau - les contemporains l'appelaient "le poète des loisirs insouciants" et des "festivités galantes", "le chanteur de la grâce et de la beauté". Dans ses œuvres, il a capturé des pique-niques dans des parcs à feuilles persistantes, des concerts musicaux et théâtraux au sein de la nature, des confessions passionnées et des querelles d'amoureux, des rendez-vous idylliques, des bals et des mascarades. En même temps, il y a une tristesse poignante dans ses peintures. Ressentir la fugacité de la beauté et l'éphémère de ce qui se passe.
Antoine Watteau. Pèlerinage à l'île de Cythère Persienne. Paris. Antoine Watteau. Pèlerinage à l'île de Cythère Persienne. Paris. L'une des peintures les plus célèbres de l'artiste est Pèlerinage à l'île de Cythère. Des dames charmantes et des messieurs galants se sont réunis sur le rivage parsemé de fleurs de la baie maritime. Ils ont navigué vers l'île de Cythère - l'île de la déesse de l'amour et de la beauté Vénus, où, selon la légende, elle est sortie de l'écume de la mer. Des couleurs chaudes et douces, des couleurs douces, des coups de pinceau légers - tout cela crée une atmosphère particulière de charme et d'amour. L'une des peintures les plus célèbres de l'artiste est Pèlerinage à l'île de Cythère. Des dames charmantes et des messieurs galants se sont réunis sur le rivage parsemé de fleurs de la baie maritime. Ils ont navigué vers l'île de Cythère - l'île de la déesse de l'amour et de la beauté Vénus, où, selon la légende, elle est sortie de l'écume de la mer. Des couleurs chaudes et douces, des couleurs douces, des coups de pinceau légers - tout cela crée une atmosphère particulière de charme et d'amour.
Le tableau de Watteau « Gilles » (« Pierrot »), créé comme une enseigne pour la performance des comédiens ambulants, appartient aux authentiques shedauras. Gilles est le personnage principal et préféré Comédie française masques. En accord avec Pierrot - le héros de la comédie italienne dell'arte. La créature maladroite et naïve semble avoir été spécialement créée pour le ridicule et les tours constants de l'arlequin adroit et rusé. Artistiquement, la photo est écrite avec brio. L'ultime simplicité du motif et de la composition se conjugue ici à un motif précis et à un jeu de couleurs soigneusement pensé.L'un des véritables shedavres est le tableau de Watteau "Gilles" ("Pierrot"), créé comme une enseigne pour le spectacle des comédiens errants. . Gilles est le personnage principal et préféré de la comédie française des masques. En accord avec Pierrot - le héros de la comédie italienne dell'arte. La créature maladroite et naïve semble avoir été spécialement créée pour le ridicule et les tours constants de l'arlequin adroit et rusé. Artistiquement, la photo est écrite avec brio. La simplicité ultime du motif et de la composition se conjugue ici à un motif précis et à une palette de couleurs soigneusement pensée. Antoine Watteau. Gilles Louvre. Paris. (Le héros du théâtre forain Gilles en costume de Pierrot) Antoine Watteau. Gilles Louvre. Paris. (Le héros du théâtre forain Gilles dans le costume de Pierrot).
Antoine Watteau. Capricieux. Près de l'Ermitage. Pétersbourg.
Antoine Watteau. Mezzeten Musée Métropolitain. New York.
François Boucher François Boucher () se considérait comme un élève fidèle de Watteau. Certains l'appelaient « l'artiste des grâces », « Anacréon de la peinture », « peintre royal ». D'autres le voyaient comme un artiste "hypocrite", "qui a tout sauf la vérité". D'autres encore remarquèrent avec scepticisme : « Sa main cueille des roses là où d'autres ne trouvent que des épines. François Boucher () se considérait comme un élève fidèle de Watteau. Certains l'appelaient « l'artiste des grâces », « Anacréon de la peinture », « peintre royal ». D'autres le voyaient comme un artiste "hypocrite", "qui a tout sauf la vérité". D'autres encore remarquèrent avec scepticisme : « Sa main cueille des roses là où d'autres ne trouvent que des épines.
Le pinceau de l'artiste appartient à de nombreux portraits de la maîtresse du roi Louis XV, la marquise de Pompadour. On sait qu'elle a fréquenté Bush, lui a commandé plus d'une fois des peintures sur des sujets religieux pour des résidences de campagne et des hôtels particuliers parisiens. Dans Madame de Pompadour, l'héroïne est représentée entourée de fleurs éparses et d'objets luxueux, rappelant ses goûts artistiques et ses loisirs. Elle s'allonge majestueusement sur fond de draperies luxuriantes et solennelles. Le livre dans sa main est un indice clair d'illumination et d'engagement envers les activités intellectuelles. La marquise a généreusement remercié l'artiste. En le nommant directeur de la Manufacture des Gobelins, puis en lui attribuant le titre de « premier peintre du roi ». On sait qu'elle a fréquenté Bush, lui a commandé plus d'une fois des peintures sur des sujets religieux pour des résidences de campagne et des hôtels particuliers parisiens. Dans Madame de Pompadour, l'héroïne est représentée entourée de fleurs éparses et d'objets luxueux, rappelant ses goûts artistiques et ses loisirs. Elle s'allonge majestueusement sur fond de draperies luxuriantes et solennelles. Le livre dans sa main est un indice clair d'illumination et d'engagement envers les activités intellectuelles. La marquise a généreusement remercié l'artiste. Le nommant directeur de la Manufacture des Gobelins, puis lui attribuant le titre de « premier peintre du roi ». François Bush. Madame de Pompadour Vieille Pinoteka, Munich.
François Boucher s'est plus d'une fois tourné vers la représentation de scènes frivoles, dont les personnages principaux étaient des bergers mignons et timides ou des demoiselles nues dodues sous la forme de Vénus et Diane mythologiques. Ses peintures regorgent d'indices ambigus, de détails piquants (l'ourlet relevé de la jupe de satin du berger, la jambe relevée coquettement de Diane au bain, le doigt pressé sur les lèvres, le regard éloquent et invitant, les colombes qui s'embrassent symboliquement, etc.) L'artiste connaissait très bien la mode et les goûts de son époque ! François Boucher s'est plus d'une fois tourné vers la représentation de scènes frivoles, dont les personnages principaux étaient des bergères mignonnes et timides ou des charmeurs nus dodus sous la forme de Vénus et Diane mythologiques. Ses peintures regorgent d'indices ambigus, de détails piquants (l'ourlet relevé de la jupe de satin du berger, la jambe relevée coquettement de Diane au bain, le doigt pressé sur les lèvres, le regard éloquent et invitant, les colombes qui s'embrassent symboliquement, etc.) l'artiste connaissait très bien la mode et les goûts de son époque ! François Bush. Bain de Diane. Persienne. Paris.
Dans l'histoire de la peinture, François Boucher reste encore un magnifique maître de la couleur et du dessin exquis. Compositions pleines d'esprit résolues, angles inhabituels des personnages, silhouettes fantaisistes presque décor de théâtre, des accents de couleurs juteuses, des reflets brillants de couleurs transparentes appliquées par petites touches légères, des rythmes fluides et fluides - tout cela fait de F. Boucher un maître inégalé de la peinture. Ses tableaux se transforment en panneaux décoratifs, décorent les intérieurs luxuriants des halls et des salons, ils vous invitent au monde du bonheur, de l'amour et des beaux rêves.Dans l'histoire de la peinture, François Boucher reste encore un magnifique maître de la couleur et du dessin exquis. Des compositions spirituelles, des angles inhabituels de personnages, des silhouettes bizarres de décors presque théâtraux, des accents de couleurs riches, des reflets lumineux de couleurs transparentes appliquées en petits traits légers, des rythmes fluides et fluides - tout cela fait de F. Boucher un maître inégalé de la peinture. Ses peintures se transforment en panneaux décoratifs, décorent les intérieurs luxuriants des halls et des salons, elles appellent au monde du bonheur, de l'amour et des beaux rêves. François Bush. Rêve interrompu.
FRAGONARD Jean Honoré Peintre et graveur français, le plus grand maître de l'époque de Louis XVI. est devenu célèbre pour ses scènes galantes et quotidiennes magistralement exécutées, dans lesquelles l'élégance du rococo se conjugue avec la fidélité à la nature, la subtilité des effets de lumière et d'air, et les majestueuses ruines antiques. Parallèlement à des œuvres créées à partir d'observations réelles, il crée également des pastorales improvisées, il reproduit la scène avec une telle vivacité qu'elle semble écrite sur le vif. FRAGONARD Jean Honoré est un peintre et graveur français, le plus grand maître de l'époque Louis XVI ère. est devenu célèbre pour ses scènes galantes et quotidiennes magistralement exécutées, dans lesquelles l'élégance du rococo se conjugue avec la fidélité à la nature, la subtilité des effets de lumière et d'air, et les majestueuses ruines antiques. Parallèlement à des œuvres créées à partir d'observations réelles, il crée également des pastorales improvisées, il reproduit la scène avec une telle vivacité qu'elle semble écrite d'après nature. FRAGONARD Jean Honoré
ENGRE Jean Auguste Dominique (), peintre et dessinateur français. Un maître brillant de la composition, un dessin rigoureux et délicat, des portraits véridiques au caractère tranchant (« L. F. Bertin », 1832). Dans les peintures, il a agi comme le principal représentant du classicisme académique ("L'Apothéose d'Homère", 1827) ENGRE Jean Auguste Dominique (), peintre et dessinateur français. Un maître brillant de la composition, un dessin rigoureux et délicat, des portraits véridiques au caractère tranchant (« L. F. Bertin », 1832). Dans les peintures, il agit comme le principal représentant du classicisme académique (L'Apothéose d'Homère, 1827). En 1806, Ingres se rend finalement en Italie, où il séjourne de longues années(Rome, Florence), étudie avec enthousiasme l'art italien de la Renaissance, en particulier Raphaël. Réalise plusieurs chefs-d'œuvre : portraits de « Granet » (1807, Aix-en-Provence) ; « Madame Devose » (1807, Musée Condé, Chantilly) ; Marcotte d'Argenteuil (1810, galerie nationale, Washington); Cardier (1811, Louvre, Paris); « Madame Zenon » (1816, Musée de Nantes) ; Gurieva (1821, Ermitage, Saint-Pétersbourg) En 1806, Ingres se rend enfin en Italie, où il séjourne de nombreuses années (Rome, Florence), étudie avec enthousiasme l'art de la Renaissance italienne, en particulier Raphaël. Réalise plusieurs chefs-d'œuvre : portraits de « Granet » (1807, Aix-en-Provence) ; « Madame Devose » (1807, Musée Condé, Chantilly) ; Marcotte d'Argenteuil (1810, National Gallery, Washington); Cardier (1811, Louvre, Paris); Madame Zenon (1816, Musée de Nantes); Gurieva (1821, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) Louis David Portrait du peintre Ingres vers 1800 Musée Pouchkine Moscou 26 Ingres Portrait du comte Gouriev Année huile sur toile L'Ermitage, Pétersbourg Ingres Portrait du comte Gouriev Année Huile sur toile Le Musée de l'Ermitage Pétersbourg
Arts décoratifs et appliqués rococo Figurines de Meissen Figurines de Meissen.
Genre galant
Genre galant festivités galantes (fr. fetes galantes) - une variété genre domestique aux racines anciennes. Les prédécesseurs de G.. sont originaires d'Europe aux XIVe et XVIe siècles. images du "Jardin de l'Amour", parcelles de miniatures, tapisseries, gravures, mur et peinture de chevalet: mesdames et messieurs se promenant, jouant de la musique, échangeant des courtoisies dans un jardin fleuri : une miniature dans les Heures Luxueuses du Duc de Berry par les frères Limbourg (vers 1411 - 1416, Musée Condé, Chantilly), "Le Mois d'avril" , une fresque de Francesco del Cossa (1469 - 1470, château de Scifanoy à Ferrare), un tableau de Giorgione "Concert champêtre" (vers 1506 - 1510, Louvre). Dans le tableau de Peter Paul Rubens "Le jardin de l'amour" (vers 1632 - 1635, Prado), les principales caractéristiques de G. sont anticipées. Mais en fait le style de G.. formé au début 18ème siècle dans l'œuvre d'Antoine Watteau et de son école en France, d'où elle se répandit dans de nombreux pays européens ("Pèlerinage à Cythère", 1717, Louvre, et scènes d'amour dans les paysages du parc de Watteau). Réminiscences stylisées, parfois grotesques de G.zh. caractéristique de la peinture et du graphisme du "Monde de l'Art" (K. A. Somov, D. I. Mitrokhin).