Sztuka i rzemiosło(od łac. deco – dekorowanie) – szeroki dział sztuki obejmujący różne gałęzie działalności twórczej mające na celu tworzenie wyrobów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Zbiorowy termin warunkowo łączy dwa szerokie rodzaje sztuki: dekoracyjną i użytkową. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych do przyjemności estetycznej i należących do czystej sztuki, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w Życie codzienne.

Dzieła sztuki i rzemiosła mają kilka cech: mają walor estetyczny; przeznaczony do efektu artystycznego; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukienne i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne. W literaturze naukowej drugiej połowy XIX w. została założona klasyfikacja gałęzi sztuki i rzemiosła według materiału(metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania(rzeźba, malowanie, haftowanie, drukowanie, odlewanie, tłoczenie, intarsja (obrazy z różnych gatunków drewna) itp.) oraz przez funkcjonalne ślady użytkowania przedmiotu(meble, naczynia, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Rodzaje sztuki i rzemiosła

Gobelin -(fr. gobelin), lub krata, - jeden z rodzajów rzemiosła artystycznego, jednostronny niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ornamentalną, tkany ręcznie krzyżowym splotem nitek. Tkacz przepuszcza nić wątku przez osnowę, tworząc zarówno obraz, jak i samą tkaninę. W Encyklopedycznym Słowniku Brockhausa i Efrona gobelin jest zdefiniowany jako „tkany dywan”. własnoręcznie zrobiony, na którym obraz i specjalnie przygotowana tektura mniej lub bardziej znanego artysty odwzorowywany jest z wielobarwnej wełny i częściowo jedwabiu.

BATIK - ręcznie malowane na tkaninie przy użyciu rezerwowych kompozycji.

Na tkaninę - jedwab, bawełna, wełna, syntetyki - nakładana jest farba odpowiadająca tkaninie. Aby uzyskać wyraźne granice na styku farb, stosuje się specjalny utrwalacz, zwany rezerwą (kompozycja rezerwowa na bazie parafiny, benzyny, na bazie wody - w zależności od wybranej techniki, tkaniny i farb).

Malarstwo batikowe od dawna znane jest wśród ludów Indonezji, Indii itp. W Europie - od XX wieku.

DRUKUJ -(faszerowanie) - rodzaj sztuki i rzemiosła; uzyskanie wzoru, monochromatycznych i kolorowych rysunków na tkaninie ręcznie za pomocą form z wzorem reliefowym, a także tkaniny ze wzorem (tkanina drukowana) uzyskanej tą metodą.

Formy do pięt są wykonane z rzeźbionego drewna (maniery) lub składu (miedziane płytki składowe z ćwiekami), w których wzór jest pisany z płytek miedzianych lub drutu. Podczas wypychania na tkaninę nakłada się formę pokrytą farbą i uderza w nią specjalnym młotkiem (młotkiem) (stąd nazwa „pięta”, „wypychanie”). W przypadku projektów wielokolorowych liczba płyt drukarskich musi odpowiadać liczbie kolorów.

Robienie pięty to jeden ze starożytnych rodzajów sztuki i rzemiosła ludowego, spotykany u wielu narodów: Azji Zachodniej i Środkowej, Indii, Iranu, Europy i innych.

Druk jest nieefektywny i prawie całkowicie zastąpiony drukowaniem wzoru na tkaninie na maszynach drukarskich. Wykorzystywany jest tylko w niektórych rękodziełach, a także do reprodukcji dużych wzorów, których powtarzająca się część nie mieści się na wałach maszyn drukarskich, oraz do barwienia wyrobów na sztuki (zasłony, obrusy). Charakterystyczne wzory farszu ludowego wykorzystywane są do tworzenia nowoczesnych tkanin dekoracyjnych.

FREZOWANIE - rodzaj sztuki i rzemiosła, robótki ręczne; tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których jest stosowany (tkanie koralikami, dzianie koralikami, tkanie z drutu koralikami – tzw. tkanie koralikowe, mozaika koralikowa i haft koralikowy), koraliki są nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także konstrukcyjnym i technologicznym. Wszystkie inne rodzaje robótek i DPI (mozaika, dzianina, tkanie, haftowanie, tkanie druciane) są możliwe bez koralików, ale stracą część swoich możliwości dekoracyjnych, a koraliki przestaną istnieć. Wynika to z faktu, że technologia koralików jest oryginalna.

HAFT - znana i rozpowszechniona sztuka rękodzieła do zdobienia wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów najróżniejszymi wzorami, od najgrubszych i najgęstszych, takich jak płótno, płótno, skóra, po najdelikatniejsze tkaniny - kambr, muślin, gaz, tiul, itp. Narzędzia i materiały do ​​haftu: igły, nici, tamborki, nożyczki.

ROBIENIE NA DRUTACH - proces wytwarzania tkaniny lub wyrobów (najczęściej odzieży) z ciągłych nitek poprzez zginanie ich w pętelki i łączenie ze sobą pętelek za pomocą prostych narzędzi ręcznie (szydełko, druty, igła, widelec) lub na specjalnej maszynie (mechanicznej robienie na drutach). Dzianie jako technika odnosi się do rodzajów tkania.

Szydełkować

robienie na drutach

MAKROM -(fr. Frędzla, z arabskiego - warkocz, frędzle, koronka lub z tureckiego. - szalik lub serwetka z frędzlami) - technika tkania sferoidalnego.

SZNURÓWKA - produkcja tkanin siatkowych z tkanych wzorów nici (len, papier, wełna i jedwab). Są koronki szyte igłą, tkane na szpulce, szydełkowane, bębenkowe i maszynowe.

TKANIE DYWANÓW – produkcja tekstyliów artystycznych, najczęściej o wielobarwnych wzorach, które służą przede wszystkim do dekoracji i ocieplenia pomieszczeń oraz do zapewnienia ciszy. O cechach artystycznych dywanu decyduje faktura tkaniny ( runo, niestrzępiąca się, filcowana), rodzaj materiału (wełna, jedwab, len, bawełna, filc), jakość barwników (naturalne w starożytności i średniowiecze, chemia z 2 poł.

QUILLING - Zwijanie papieru(również quilling angielski quilling - od słowa quill (ptasie pióro)) - sztuka wykonywania płaskich lub obszernych kompozycji z długich i wąskich pasków papieru skręconych w spirale.

Gotowym spiralom nadaje się inny kształt, dzięki czemu uzyskuje się elementy quillingowe, zwane również modułami. Już teraz są materiałem „budowlanym” przy tworzeniu dzieł – obrazów, pocztówek, albumów, ramek do zdjęć, różnych figurek, zegarków, biżuterii, spinek do włosów itp. Sztuka quillingu przybyła do Rosji z Korei, ale jest również rozwijana w wielu krajach europejskich.

Ta technika nie wymaga znacznych kosztów materiałowych, aby rozpocząć jej rozwój. Jednak walcowania papieru nie można nazwać prostym, ponieważ aby osiągnąć przyzwoity wynik, należy wykazać się cierpliwością, wytrwałością, zręcznością, dokładnością i oczywiście rozwijać umiejętności skręcania wysokiej jakości modułów.

SCRAPBOOKING -(ang. scrapbooking, od ang. scrapbook: scrap – wycinek, książka – książka, dosł. „książka wycinków”) – rodzaj rękodzieła artystycznego, który polega na wytwarzaniu i projektowaniu rodzinnych lub osobistych albumów fotograficznych.

Ten rodzaj twórczości to sposób przechowywania historii osobistej i rodzinnej w postaci fotografii, wycinków z gazet, rysunków, notatek i innych pamiątek, wykorzystujący szczególny sposób utrwalania i przekazywania indywidualnych historii za pomocą specjalnych technik wizualnych i dotykowych zamiast zwykłej historii . Główną ideą scrapbookingu jest zachowanie zdjęć i innych pamiątek z dowolnych wydarzeń na długi czas dla przyszłych pokoleń.

CERAMIKA -(starożytna grecka κέραμος - glina) - produkty wykonane z materiałów nieorganicznych (na przykład gliny) i ich mieszanin z dodatkami mineralnymi, wytwarzane pod wpływem wysokiej temperatury, a następnie chłodzenia.

W wąskim znaczeniu słowo ceramika odnosi się do wypalonej gliny.

Najstarsza ceramika była używana jako ceramika wykonana z gliny lub jej mieszanek z innymi materiałami. Obecnie ceramika wykorzystywana jest jako materiał w przemyśle (inżynieria, aparatura, lotnictwo itp.), budownictwie, sztuce oraz ma szerokie zastosowanie w medycynie i nauce. W XX wieku powstały nowe materiały ceramiczne do zastosowania w przemyśle półprzewodnikowym i innych dziedzinach.

MOZAIKA -(fr. mozaika, Włoski mozaika od łac. (opus) musivum - (praca) poświęconamuzy) - sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której prace polegają na formowaniu obrazu poprzez układanie, pisanie i mocowanie na powierzchni (zwykle na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.

SZTUKA BIŻUTERII - to termin odnoszący się do wyniku i procesu twórczości artystów jubilerskich, a także ogółu przedmiotów i dzieł biżuteryjnych przez nich tworzonych, przeznaczonych głównie do osobistego zdobienia ludzi, a wykonanych z materiałów szlachetnych, takich jak metale szlachetne i kamienie szlachetne. Aby biżuterię lub przedmiot można było jednoznacznie zakwalifikować jako jubiler, biżuteria ta musi spełniać trzy warunki: w tej biżuterii musi być użyty co najmniej jeden materiał szlachetny, ta biżuteria musi mieć wartość artystyczną, i musi być niepowtarzalny – to znaczy nie może być powielany przez artystę-jubilera, który go wykonuje.

W fachowym żargonie jubilerów, a także przez studentów i studentów placówek oświatowych w specjalności „biżuteria” często używa się slangowej wersji słowa „jubiler”.

Choć uważa się, że pojęcie „biżuteria” obejmuje wszelką biżuterię wykonaną z materiałów szlachetnych, a pojęcie „biżuteria” obejmuje biżuterię wykonaną z materiałów nieszlachetnych, ale jak widać obecnie różnica między biżuterią a kostiumem biżuteria staje się nieco rozmyta, a ocena, czy dany produkt należy zakwalifikować jako jubiler, czy też jako biżuterię kostiumową, jest każdorazowo podejmowana przez ekspertów indywidualnie w każdym konkretnym przypadku.

LAKIER MINIATUROWY - Miniaturowe malowanie na drobnych przedmiotach: pudłach, szkatułkach, puderniczkach itp. to rodzaj rzemiosła artystycznego i sztuki ludowej. Malowanie takie nazywa się lakierem, ponieważ werniksy kolorowe i transparentne służą nie tylko jako pełnowartościowy materiał malarski, ale także jako najważniejszy środek artystycznego wyrazu dzieła. Dodają głębi i siły farbom, a jednocześnie zmiękczają, jednoczą je, jakby wtapiały obraz w samo miąższ produktu.

Ojczyzną lakierów artystycznych są kraje Dalekiego Wschodu i Azji Południowo-Wschodniej: Chiny, Japonia, Korea, Wietnam, Laos, gdzie znane są od czasów starożytnych. Na przykład w Chinach w II tysiącleciu p.n.e. mi. Sok z drzewa lakowego służył do pokrywania filiżanek, szkatułek, wazonów. Wtedy narodziło się malarstwo lakiernicze, które osiągnęło najwyższy poziom na Wschodzie.

Ten rodzaj sztuki przybył do Europy z Indii, Iranu, krajów Azji Środkowej, gdzie w XV-XVII wieku. Popularna była miniatura lakieru, wykonywana farbami temperowymi na przedmiotach z masy papierowej. Europejscy rzemieślnicy znacznie uprościli technologię, zaczęli używać farb olejnych i lakierów.

Lakiery artystyczne znane są w Rosji od 1798 r., Kiedy kupiec P.I. Korobov zbudował małą fabrykę wyrobów z masy papierowej we wsi Daniłkowo pod Moskwą (później połączyła się z sąsiednią wioską Fedoskin). Pod jego następcami, Lukutinami, mistrzowie rosyjscy opracowali unikalne metody malarstwa Fedoskino. Nie zginęły do ​​dziś.

 miniatura Palech - rzemiosło ludowe, które rozwinęło się we wsi Palech w obwodzie Iwanowskim. Miniatura lakieru wykonana jest temperą na papier-mache. Trumny, szkatułki, kapsułki, broszki, panele, popielniczki, spinki do krawatów, igiełki itp. są zazwyczaj malowane.

 Miniatura Fedoskino - rodzaj tradycyjnego rosyjskiego malarstwa miniaturowego lakierowanego farbami olejnymi na papier-mâché, opracowany pod koniec XVIII wieku we wsi Fedoskino pod Moskwą.

 Miniatura Kholuy - rzemiosło ludowe, które rozwinęło się we wsi Kholui w obwodzie Iwanowskim. Miniatura lakieru wykonana jest temperą na papier-mache. Szkatułki, kapsułki, igiełki itp. są zazwyczaj malowane.

Miejska budżetowa instytucja edukacyjna

dodatkowa edukacja dla dzieci

„Boksitogorskie Centrum Edukacji Dodatkowej dla Dzieci”

Rozwój metodyczny

Gladysheva N.V., nauczycielka edukacji dodatkowej

Pikalewo

Spis treści

Wstęp

Ten podręcznik przedstawia historię rosyjskiej sztuki ludowej.

Cel tego przewodnika:

Zapoznanie się z historią rosyjskiej sztuki ludowej i rzemiosła.

Zapoznanie dzieci z tradycjami i światopoglądem ich przodków.

Uświadom sobie osobisty związek z korzeniami ich ziemi.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka wymagań: mają walor estetyczny; przeznaczony do efektu artystycznego; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukienne i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne. Od drugiej połowy XIX wieku w literaturze naukowej ustanowiono klasyfikację gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej według materiału (metal, ceramika, tkaniny, drewno) lub techniki (rzeźba, malarstwo, haft, druk, odlewanie, tłoczenie, intarsja). itp.) . Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Pojęcie „sztuki i rzemiosła” jest dość szerokie i wieloaspektowe. To wyjątkowa sztuka chłopska, zakorzeniona w grubości wieków; i jego współcześni „naśladowcy” – tradycyjne rzemiosło artystyczne, które łączy wspólna koncepcja – sztuka ludowa; i klasyka - zabytki świata sztuka dekoracyjna, które są powszechnie uznawane i zachowują wartość wysokiego standardu; i rzemiosło nowoczesne w szerokim zakresie przejawów: od małych, kameralnych form po znaczące, wielkoformatowe, od pojedynczych obiektów po wieloobiektowe zespoły, które wchodzą w syntezę z innymi obiektami, otoczeniem architektoniczno-przestrzennym i innymi rodzaje sztuk plastycznych.

Badanie dzieł sztuki i rzemiosła, ich cech artystycznych pomaga kształcić:

ostrożny stosunek do rzeczy;

szacunek dla dziedzictwa narodowego i kultury narodowej;

szacunek dla twórczej pracy ludzi;

podnosi poziom kulturowy.

Dla kształtowania światopoglądu nastolatków szczególnie ważne jest zapoznanie się ze sztuką ludową, chłopską, która najpełniej zachowuje i przekazuje tradycje narodowe nowych pokoleń, formy estetycznego stosunku do świata opracowane przez ludzi.

Poznając tradycje ludowe, dzieci uświadamiają sobie osobisty związek z korzeniami swojej ojczyzny. Sztuka ludowa zawsze była w przeważającej mierze domowa. A żeby studiować jego techniki, tradycje, jego osobliwą strukturę artystyczną, z pewnością trzeba pracować z rzeczami pożytecznymi i niezbędnymi w życiu codziennym.

Cykl zajęć na temat:

„Sztuka ludowa w sztuce dekoracyjnej i użytkowej”

Zaprojektowane lekcje

nauczyciel

dodatkowa edukacja

Gladysheva N.V.

Przeprowadzone

w stowarzyszeniu „Frywolitki”.

Temat: „Rękodzieło sztuki ludowej. Ich geneza i współczesny rozwój.

Cel: Podaj pojęcie rzemiosła, jako szczególnej formy istnienia sztuki i rzemiosła ludowego; o ceramice - jako jeden z najczęstszych materiałów w sztuce zdobniczej i użytkowej, o ceramice. Rozwój kreatywności, wyobraźni.

Sprzęt i materiały do ​​lekcji:

karty z nazwami ośrodków rybackich;

albumy: „Gzhel”, „Khokhloma”, „Gorodets”;

karty z następnego słowa;

ceramiczna zastawa stołowa;

glina.

Podczas zajęć.

Rozmowa

Dlaczego sztukę i rzemiosło nazywa się sztuką ludową?

Tak, sztuka dekoracyjna i użytkowa jest w swej genezie sztuką ludową: ludzie tworzą rzeczy, ludzie znajdują dla nich formę i ekspresję, ludzie zachowują piękno w nich odnalezione i przekazują nam wszystkie swoje osiągnięcia jako dziedzictwo. W dziełach sztuki dekoracyjnej i użytkowej widzimy mądrość ludzi, ich charakter, sposób życia. Zawierają duszę ludzi, ich uczucia i ich poglądy na temat lepsze życie. Dlatego mają tak wielką wartość edukacyjną. Archeolodzy określają po rzeczach epoka historyczna, public relations, warunki przyrodnicze i społeczne, możliwości materialne i techniczne, wierzenia i tradycje ludowe, styl życia, zawody, zainteresowania i upodobania ludzi, ich stosunek do środowiska.

Według V. Favorsky'ego: „Postrzeganie świata, wiedza o prawach estetyki i edukacji smaku zaczyna się w człowieku ... od szklanych paciorków na szyi matki. Od dzbanka na wodę. Od naczyń na stole. "

Jak myślisz, kiedy powstała sztuka i rzemiosło ludowe? Tak, w czasach starożytnych, ale początkowo nie było to uznawane za sztukę. Tyle, że ludzie robili rzeczy, których potrzebowali w życiu codziennym, tworząc, jak teraz mówimy, obiektywne środowisko: tradycyjną dekorację domu, kostiumy, sprzęty domowe, narzędzia i broń wojskową. Wszyscy ludzie pracy stworzyli ten obiektywny świat, odzwierciedlając w nim swój społeczny i codzienny sposób życia, osobliwe postrzeganie świata, ideę szczęścia i piękna, niepowtarzalny charakter narodowy.

Koneser krytyka sztuki V. S. Voronov dobrze pisał o sztuce ludowej:

"Całe bogactwo formalne powstało poprzez ciągłe powtarzanie: powolne nagromadzenie parafraz, uzupełnień, poprawek, zmian... i wariacji doprowadziło do powstania silnych, dojrzałych form. Udane i oryginalne, wniesione do sztuki dzięki indywidualnej zręczności i ostrej czujności , został zaszczepiony, opracowany i doprowadzony do gotowej formy; przypadkowe, nieutalentowane i naciągane nie wytrzymywały dalszej zbiorowej weryfikacji, odpadały i znikały.

Za wszystkim - czy to rzeźbionym kołowrotkiem, czy haftowanym ręcznikiem, malowaną łyżką czy tkanym obrusem - kryje się talent, praca i jednomyślność wielu ludzi, najlepiej - całego ludu! Z tego też pochodzi piękno. I oczywiście z rodzimej natury, z której mistrz uczy się niestrudzenie. I przybiera kolory, rytmy i formy - by przypomnieć przynajmniej typowe dla rosyjskich kadzi północnych w postaci unoszącego się ptaka. Mistrz odtworzył obraz świata tak, jak go sobie wyobraził. Lub chochla - miarka: zaglądając, możesz zobaczyć głowę łabędzia. Powyżej koło i romb ozdobione promienistymi nacięciami. A postać konia wieńczy całość. Nie chłopski koń, ale koń - ogień. Jakie koncepcje mistrz włożył w produkt? Jakich starożytnych motywów użyłeś? Czemu?

(Odtworzył obraz świata tak, jak go sobie wyobrażał. Wśród ludzi pojawił się poetycki pomysł, że w ciągu dnia konie ciągnęły lampę wozem, a nocą przesadzano je do łodzi, którą ciągnięto po podziemiach przez łabędzie lub kaczki.)

Jaką znacie inną symbolikę stosowaną w sztuce ludowej?

(Słońce w formie krzyża, rombu lub rozety; konie i ptaki; syreny mocno związane z żywiołem wody; Drzewo Życia, symbolizujące wieczny, niekończący się wzrost owoców ziemi; Matka - Ser Ziemia w formie kobiety).

Zmieniło się życie, zmieniła się też sztuka ludowa, ustępując miejsca nowym tradycjom. Stopniowo zapomniano o mitologicznym znaczeniu starożytnych symboli, osłabiono związek z koncepcjami i rytuałami rolniczymi. Pod koniec XIX wieku. mistrz często nie wiedział już, co oznaczają niektóre obrazy, a jednak ich nie odmawiał: zwieńczył dach chaty kalenicą, rzeźbionymi rozetami słonecznymi na okiennicach. Stopniowo starożytne symbole nabierały coraz bardziej zauważalnego charakteru dekoracyjnego, ale coś ważnego dla ludzi z ich pierwotnego znaczenia zawsze zostało zachowane, chociaż nabrało nowego wyglądu. (Lwy na parapetach chat w Niżnym Nowogrodzie).

Na ich podstawie powstała nowa sztuka dekoracyjna i użytkowa, nasycona autentyczną narodowością. Dziś istnieje w 2 formach. Z jednej strony wciąż żywa jest tradycyjna sztuka wsi, związana z wyjątkowym stylem życia tego czy tamtego ludu, osobliwościami otaczającej przyrody.

Z drugiej strony rozwija się ludowe rzemiosło artystyczne, z których wiele ma bogatą historię. Sztuka ludowa i rzemiosło specjalna forma istnienie sztuki i rzemiosła ludowego.

Jak powstają branże?

Mieszkający na tym samym terenie mistrzowie, zajmujący się jednym rodzajem rzemiosła artystycznego, zaczęli tworzyć wyroby nie na własne potrzeby, ale na rynek, zaczęli się jednoczyć, aby ułatwić pracę.

W ten sposób powstało rzemiosło ludowe.

W Rosji po reformie z 1861 r. wiele rzemiosł nabiera charakteru prywatnych warsztatów pracujących na rynek ogólnorosyjski. Musieli konkurować z wielkimi kapitalistycznymi fabrykami, co utrudniało owocny rozwój sztuki ludowej. Technika rzemiosła stawała się coraz bardziej wirtuozowska, ponieważ trzeba było pracować szybko i ekonomicznie. Na przykład każdy szybki obrót pędzla artysty Zhostovo, doprowadzony niemal do automatyzmu, rodził płatek, a nawet cały kwiat w bukiecie, który zdobił tacę. Podział pracy na coraz mniejsze operacje, chęć jak największego uproszczenia i ujednolicenia procesu wytwarzania produktu (tak jest taniej) doprowadziły do ​​spadku jakości artystycznej produktów, stopniowego wypierania kreatywności przez rzemiosło . Zerwanie z tradycyjnym światopoglądem doprowadziło do utraty smaku – zaczęto naśladować najgorsze modele miejskie. W tych warunkach wiele rzemiosł popadło w ruinę, inne przyjęły komercyjny styl obcy ludzkiemu pojmowaniu piękna, tracąc twarz.

Twórczość rzemieślników ludowych uzyskała poparcie w 1919 r., Kiedy Wszechrosyjski Centralny Komitet Wykonawczy przyjął uchwałę „O środkach promocji przemysłu rzemieślniczego”. W powojennych latach 40-50 zrobiono wiele, aby oryginalna sztuka żyła i rozwijała się. Odrodziło się podupadłe rzemiosło artystyczne: rzeźba Bogorodska (karty z nazwami ośrodków rzemiosła ludowego przymocowane są na tablicy magnetycznej) i malarstwo Khokhloma na drewnie, koronkarstwo Wołogdy i Jeleca, Dymkowo, Gorodec, Siergijew Posad. Jaką sztukę ludową przypominają ci te nazwy! .

Powstały zasadniczo nowe rzemiosła artystyczne, takie jak rzeźbiona kość Tobolska, emalia rostowska, Veliky Ustyug niello, miniatura lakowa wzorowana na malarzach ikon. Z pomocą naukowców opracowano nowe rodzaje produktów, zmechanizowano prace pomocnicze, przygotowawcze i inne (Pavlov Posad). Dziś rzemiosło ludowe istnieje w 2 formach. Pierwszy z nich można nazwać wolnym handlem. Ciekawym przykładem rzemiosła zrodzonego spontanicznie w czasach sowieckich jest sztuka p.o. Polkhov - Majdan w regionie Gorkim (Niżny Nowogród), gdzie od kilkudziesięciu lat wytwarzają rzeźbione i malowane jasnymi kolorami „prezenty”, jak nazywają je sami rzemieślnicy. Są to lalki lęgowe, akcesoria, solniczki, świnki-skarbonki, zabawki dla dzieci itp. Zimą dosłownie cała wieś i sąsiednia wieś Krutets zamieniają się w ogromny warsztat. Tradycje przekazywane są tu „z ręki do ręki”, od ojca – tokarza do syna, od matki – farbiarza do córek.

Inną formą jest zorganizowana sztuka i rzemiosło ludowe, do której należy większość naszych znanych na całym świecie ośrodków sztuki ludowej. Na przykład fabryka malarstwa dekoracyjnego Zhostovo, stowarzyszenie koronek Snezhinka w Wołogdzie, dwa przedsiębiorstwa Khokhloma, stowarzyszenie produkcyjne Gzhel, miniaturowe centra lakiernicze ... To są solidne przedsiębiorstwa, w których przeprowadzono mechanizację prac pomocniczych, są szkoły zawodowe, które szkolić młodych utalentowanych rzemieślników.

Wyroby tradycyjnego ludowego rzemiosła artystycznego są naszą chlubą narodową, są szeroko znane za granicą i poszukiwane w naszym kraju.

Podstawowym warunkiem dalszego rozkwitu dawnych rzemiosł artystycznych i powstawania nowych jest masowa sztuka ludowa na wsiach.

W bardzo odległej przeszłości, kiedy ogień wygasł w jaskini, a nasi przodkowie, którzy ponownie zapalili ogień, zaczęli podpalać suche trawy i gałęzie w innym miejscu, przypadkowo zauważyli, że ziemia na dawnym ogniu stała się twarda , jak kamień, a grudki ziemi pozostałe na zwęglonych kłączach też stwardniały i zamieniły się w kamyki. W ten sposób poznano właściwość gliny do twardnienia w ogniu, do przekształcenia się w materiał podobny do kamienia. Następnie mężczyzna zaczął rzeźbić z gliny i palić najprostsze naczynia. Tak historycy i historycy sztuki wyjaśniają pojawienie się pierwszego sztucznego materiału - ceramiki (na tablicy jest napisane „Ceramika”), która w naszych czasach jest najczęstszym materiałem do sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

„Ceramika”, ceramika od greckiego słowa „keramos” - glina, nazwa przedmieścia Aten, gdzie żyli garncarze, zaczęto nazywać tym samym słowem dla wszystkich wypieków z gliny.

Są to produkty wykonane z dowolnych materiałów glinianych i glinopodobnych, wypalane do momentu całkowitego spiekania płatków (w temperaturze powyżej 1000 °).

Wyroby ceramiczne wykonane z kolorowej gliny, pokryte nieprzezroczystym kolorowym szkliwem, emalią, nazywane są majoliką. Słowo „majolica” (wyświetlacz kart) pochodzi od nazwy hiszpańskiej wyspy Majorka, na której rozpoczęto produkcję jednej ze starożytnych produkcji majoliki.

Majolika obejmuje całą ceramikę licową pokrytą emalią. Taka licowa płytka ceramiczna nazywana jest płytką (pokazuje kartę z następnym słowem). Kafle są używane od X do XII wieku. w. na Rusi Kijowskiej. W XVI wieku piece w komnatach królewskich i bojarskich wyłożono „czerwonymi” kaflami (z czerwonej gliny). Następnie skromne „czerwone” zastąpiono reliefowymi kaflami pokrytymi zielonym szkliwem – tzw. „anted”.

Rozkwit kafli rosyjskich - druga połowa XVII wieku, kiedy glazura pojawiła się w 5 kolorach - żółtym, białym, niebieskim, zielonym, brązowym. Spośród nich przedstawiono różne owoce, ptaki, lwy, jeźdźców itp.

Pod Moskwą, w klasztorze, pojawił się warsztat pod kierunkiem białoruskiego mistrza Piotra Iwanowicza Zaborskiego „wszelkiego rodzaju rzemieślnicze sztuczki uczciwego poszukiwacza”. Zaczęli robić kolumny i gzymsy, a także ramy okienne, portale drzwiowe. Następnie rozpoczęli pracę w Zbrojowni. (Wyróżnił się mistrz św. Iwanow, zwany Polubesem).

W XVIII wieku. kafle były używane tylko do dekoracji wnętrz domu - eleganckie piece z kolumnami. Te płytki są gładkie, bez wypukłości, z malowaniem. Zanim połowa dziewiętnastego Przez wieki liczne fabryki produkowały kafle malowane, ale potem, wraz z pojawieniem się w miastach ogrzewania parowego i wodnego, piec stał się zbędny, a produkcja kafli stopniowo zanikała.

W nowoczesnym budownictwie ceramika licowa wciąż znajduje najszersze zastosowanie.

Ceramika nazywana jest również ceramiką.

Pierwsze gliniane miski, naczynia, dzbanki były prymitywne i prymitywne. Stopniowo ich forma staje się bardziej złożona, staje się elegancka, a prosta ceramika staje się sztuką.

Wraz z pojawieniem się ręki, a potem koła garncarskiego, glinie można było nadać dowolny kształt.

Jak myślisz, jaki jest najważniejszy moment w procesie przygotowywania potraw?

Palenie. Wcześniej palono je w zwykłych pożarach. Potem pojawiły się piece garncarskie. Nowoczesny piec garncarski został wynaleziony w XIX wieku.

Ciekawe są czarne, tak zwane produkty bejcowane. Zostały spalone na dymiącym płomieniu, przez co stały się czarne. Zostały wypolerowane przed wypaleniem. Polerowane na czarno kumgany, wysokie dzbanki z długim, cienkim, zakrzywionym dziobkiem, wyróżniały się szczególnym wyrafinowaniem.

Robili też potrawy z mrówek, czyli jakie? - szkliwione, ale nie tylko zielone, jak płytki, ale też brązowe, żółte

Niemal wszędzie tam, gdzie znajdowały się złoża gliny, zajmowali się garncarstwem. Garncarze z miasta Skopin w regionie Riazań słyną z dużych naczyń o kształcie figur pokrytych zieloną, żółtą, brązową glazurą. Obrazy bajecznych i prawdziwych ptaków i zwierząt zdobią tę niezwykłą ceramikę.

(Pokazano ilustrację z książki „Sztuka ludowa”)

Rzeźba w glinie do wyboru(z plasteliny).

Pokazane są etapy pracy nad naczyniami.

Niezależna praca.

Podsumowanie lekcji.

Jakie nowe słowa i pojęcia pamiętasz?

Czym jest ceramika? Majolika? Płytka?

Literatura:

B. Nosik „Sztuka ludowa”;

Kosterin „Rysunek edukacyjny”;

A. Rogov „Spiżarnia radości”.

Temat: „Sztuka koronki”

Cel: opowiedz o historii rosyjskiego tkactwa koronkowego, o nowoczesnym rzemiośle koronkowym.

Zadania:

Rozwijanie zdolności twórczych dzieci, wzbudzanie zainteresowania pracą artystyczną.

Sprzęt i materiały:

szkice z koronki połączonej, szydełkowej;

próbki „richelieu”, koronki Wołogdy;

karty z nazwami ośrodków koronki.

Podczas zajęć.

Dzieci wchodzą do biura, w którym odbywa się wystawa wyrobów koronkarskich.

Sesja zaczyna się od rozmowy.

Prawdziwa koronka pojawiła się w Wenecji na początku XV wieku w okresie wielkiego renesansu. Te koronki, zwane później gipiurą, kosztują bajeczne pieniądze.

W XVI wieku zaczęło się coś, czym nie może się pochwalić żadna ze sztuk użytkowych. Z Włoch do Europy przetoczyła się niczym wielka koronkowa plaga. Noszono je w formie kołnierzyków i mankietów, szyto z nich sukienki i peleryny, zdobiono nimi kamizelki męskie i szaty księży, oprawiano czapki, buty za kolano, rękawiczki i wszelkiego rodzaju płótno, były tapicerowane meble, karele, nawet ściany salonów i sypialni, a żołnierze zrobili stamtąd bujne bandaże na stalowej zbroi. Przez prawie 3 wieki mniej lub bardziej zamożny Europejczyk nie mógł sobie nawet wyobrazić, jak można żyć bez koronki. Najpierw uważano je za te same, za tę samą naturalną konieczność, jak jedzenie, buty czy powietrze.

Szaleli na punkcie koronek, bankrutowali na koronkach, królowie, kardynałowie i ministrowie dyskutowali o koronkach. Koronka - jak mówią, nawet uratowała Flandrię przed biedą.

Pierwsze wzmianki o koronce rosyjskiej pojawiły się w Kronice Ipatiewa pod 1252 r. i nazywa się je tam złotymi. W dokumentach historycznych znajdują się opisy koronek z takimi epitetami: kuta, pleciona, szyta, przędziona, wleczona, nawleczona, wysadzana perłami… To tyle, że były sposoby na ich wykonanie.

W dawnych czasach koronkarstwo nazywano „kobiecym wzornictwem”, a same koronczarki nazywano „rzęsami”.

Kolejna cecha rosyjskiej koronki: do obecnego wieku była podzielona na zapożyczone - dla szlachty i własne, ludowe, nie mniej powszechne.

W Wołogdzie na początku ubiegłego wieku nikomu nie przyszło do głowy, że ich miasto wkrótce stanie się niewiarygodnie sławne z koronek. Tutaj zaangażują się w wiele dziesiątek tysięcy ludzi.

Ten starożytny haft był powszechny w wielu miejscach, ale tutaj wzór był szczególnie gładki, melodyjny. Oznacza to, że już w starożytnym starożytności szli w ozdoby zarówno z tradycyjnego rosyjskiego wzoru, jak i ze swoich północnych pieśni.

Pewnego razu burżuazyjna Anfiya Bryantseva z Wołogdy wzięła i utkała (pokaz) biały warkocz na szpulkach, sprawiła, że ​​gwiazdy tła - płatki śniegu - okazały się niezwykle piękne i niepodobne do innych.

Czyjąś lekką ręką ten sposób nazwano Wołogdą, a sama taśma -

WILIUSZKA.

A matka i córka postanowiły utkać kołnierzyki damskie z długimi końcami. Ta moda się zakorzeniła, poszły liczne zamówienia. A oto kilka ciekawych danych: do 1880 roku w regionie Wołogdy na sprzedaż pracowało 1100 koronczarek, a do 1912 było już 9000 rzemieślników, rzemiosło rozrosło się ponad 30 razy w ciągu 30 lat. A Bryantsevowie byli jednym z ważnych powodów. Moda na koronki w Rosji rosła jak śnieżka, a utkano je z najlepszych lnianych nici.

W pierwszej połowie XIX wieku pojawiły się fabryki koronek z wykwalifikowanymi rzemieślnikami z poddanych, własne ośrodki koronkarskie: Wołogda, Jelec, Michajłow, Bałachna, Wiatka, Arzamas, Kalyazin, Torzhok.

W Michajłowie tkano wąską gęstą koronkę i tkano ją z jasnych nici, dominował w nich kolor czerwony.

Również w Yelets najczęstszy wzór geometryczny jest bardziej wytłoczony i gęstszy. Krawędź koronki Yelets kończy się miękkimi owalnymi ząbkami, pomiędzy brzegiem a tłem znajduje się jasna krata (ryc. 1)

Koronki wołogdzkie były 2 rodzaje: koronka sprzęgająca bez krat, później wzór utkano na tle pięknych ażurowych krat, wprowadzono kolorowe jedwabne nici o powściągliwych tonach. (rys.2)

W Bałachnie w regionie Niżny Nowogród tkano czarno-kremową koronkę w stylu zachodnim. Koronka miała tiulowe tło i gęsty wzór.

(Pokazuje ilustracje) Największym centrum koronkarskim jest dziś stowarzyszenie koronkarskie Snezhinka na obrzeżach Wołogdy.

Jeśli w Michajłowie liczba rzemieślników wynosi około 200, to w Śnieżince, w tym chałupnicy, jest ich ponad 8 tysięcy. W Wołogdzie znajduje się również szkoła koronkarska.

(Pokazane są zdjęcia z książki „Wołogda”).

Dzieci czytają wiersze P. Sinyavsky'ego.

Wołogda jest zalana

Białe śniegi.

Blizzard kładzie koronki

Pod twoimi stopami.

Rozpraszają iskry

północne kolory,

wzory śnieżne

Koronkowe opowieści.

Dziewczyny są pięknościami

Zabrany, spojrzał

Wiek spleciony

Głosowe zamiecie śnieżne

A dziewczyny rysują

Białe zdjęcia.

Koronka jest tkana

Cieńsze pajęczyny.

Dowiedzmy się więcej -

Dziewczyny huczą, -

Koronka się okaże

Lepiej niż zamieć.

Na mrozie - zimno

Szron srebrzy się

W mieście w Wołogdy

Cud - koronka.

Wszystkie koronczarki mają niezrozumiałą grację i harmonię. Ale wszystkie mają różne linie i detale.

Posłuchaj tylko nazw niektórych wzorów koronek, pomyśl o tym!

Pawie; Liść dębu; statki; Biegnij, rzeka; Bębny; Filet pieniądze; Łykowe buty; Broszki - pączki - miasta. Wirująca krawędź - róże, tasaki, rogi baranie. Pająki. Naleśniki. Kurze oczy, kurze łapki, ogórki, pavoi po pavoi. Pyshechki, ryzhechki, ryabushka, las sosnowy, ostre koła, luźne. Trzonki. Wąskie sęki.

Cała magia wzorów w plastyczności i rytmach - jak opowiedzieć o ich pięknie. Koronka to trzeba zobaczyć. Musisz na nie spojrzeć!

Pomimo cech artystycznych i odległości, nie ma różnicy między rękodziełem koronkowym. Wszędzie okrągłe, ciasne poduszki zwisały z krztuścem. Wszędzie powalona jest podłoga pod tragusem. Wszystkim koronczarkom odrywa się paznokcie kciuka i palca wskazującego, a szpilki trzeba codziennie wyrywać i wkładać setki. Szpulki są stale i równomiernie stukają wszędzie. Generalnie jest to praca monotonna. Chociaż dzwonienie szpulek jest jak gwar wróbli, kiedy brzmi, godzina, dzień, miesiące i lata z rzędu, chociaż koronczarki słuchają muzyki i uwielbiają śpiewać. Twierdzą, że bez piosenki nie da się utkać prawdziwej koronki, że mężczyźni nie wytrzymaliby tej pracy…

Każda koronkarka zamienia się w artystkę i żyje w tym nieopisanie szczęśliwym stanie, gdy ze zwykłych nici wydobywa niewyrażalne piękno. Uszczęśliwia ludzi. Wieczne święto. A jutro zrobi. I całe moje życie!

Praktyczna praca.

Stwórz wzór z koronek lub wyrobów koronkowych. Można wykonać w kolorze czarnym (akwarela, tusz, tusz) na białym. Możesz użyć białego wzoru na kolorowym tle (gwasz, pędzel).

Podsumowanie lekcji.

Temat: „Malowanie gorodetów”

Cel: Opowiedz pokrótce o historii powstania, o rozwoju rzemiosła, o cechach kompozycyjnych i kolorystycznych malarstwa gorodeckiego. Nauczenie wykonywania ozdób do malowania artykułów gospodarstwa domowego (deski do krojenia, naczynia) na podstawie motywów Gorodets.

Sprzęt, materiały i literatura:

Teczka - składane łóżko z elementami malarstwa Gorodets i jego etapami;

Prace studentów poprzednich lat;

Karty słownictwa;

Karta z nazwą ośrodka wędkarskiego Gorodets;

A. Baradulin „Podstawy rzemiosła artystycznego”;

X. Makhmutov „Malarstwo na drewnie”.

Podczas zajęć.

Dzieci czytają przygotowane wcześniej wiersze „Malowany powóz Gorodets”, XIX wiek.

Trzy czarne i silne konie,

Malowane i drewniane!

Gorodecki pan nad nią

Zmądrzał, pracując niestrudzenie.

A kierowcy, - patrz, - stoją

Majestatyczne, smukłe dziewice:

Wyglądają na proste i surowe

W drodze, w lesie, w zbożu.

Niesamowity mały wózek.

Nie wozić, to sen,

Jest ozdobiony kwiatami, wysoki,

I ma na nim namalowanego ptaka.

Trzy boginie dziewiczej ziemi

I woda i wielkie niebo

W rydwanie są przedstawione

Obietnica dobrobytu i chleba.

Oto jadą powozem,

Na boskim rydwanie:

Konie - zwierzęta biegają lekko,

I wzlatuje ciemnoniebieski ptak.

Ten wiersz został napisany przez profesora Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego, doktora sztuki, największego specjalistę w dziedzinie sztuki dekoracyjnej i użytkowej Wiktora Michajłowicza Wasilenko. Był wzruszony, zafascynowany tą bezpretensjonalną zabawką Gorodets. (pokazano rysunek).

Czy ludowi rzemieślnicy z Gorodets słyną tylko z zabawnych zabawek? Co robili przedtem i teraz? Jaka cecha, jakie bogactwo barw wyróżnia malarstwo Gorodets? Dowiesz się o tym dzisiaj.

Historia nauczyciela:

Kurtsevo, Koskovo, Repino, Savino, Okhlebaikha - te wioski rozciągają się wzdłuż Uzoli, kręte i czyste jak łza, 15-20 km nad Gorodets. Miejsca są bardzo piękne. Prawy brzeg jest wysoki, wąwóz, a na nim leżą wszystkie wioski. W pobliżu wsi lasy brzozowe i sosnowe. Chaty na wsiach są ładne, wysokie, z dużymi oknami, bogato rzeźbione, wesoło pomalowane.

Ale teraz nie o to chodzi.

Gawrony, kerbass, chans, tyłki, szczekanie, belyany, szczekanie, mokshany - tak nazywały się statki, które kiedyś pływały po Wołdze pod kolorowymi żaglami. A prawie połowa z nich została zbudowana tutaj, w pobliżu Gorodets od niepamiętnych czasów. Co więcej, statki były wyjątkowe, najpiękniejsze w Rosji, bo tak mieli mistrzowie Gorodets: nawet płytka pauza i ta, od dziobu do rufy, była pokryta najgłębszymi najbogatszymi rzeźbami. Czasem później go malowali, czasem zostawiali czystą. Ci stoczniowcy położyli podwaliny pod rzemiosło Gorodets od stulecia.

Tutaj od połowy ubiegłego wieku wykonywali jedyne inkrustowane - rzeźbione dna przędzalnicze. Dzielnica słynęła też z innego rzemiosła, a raczej była szczególnie słynna, ponieważ „handlowali” tu prawie w każdej wsi. Wszędzie też robiono doskonałe rzeczy: deski z piernika, drewniane zabawki, sanki, łuki, bałałajki, a także ceramikę i koronki. Ilustrowano tu nawet stare księgi i ręcznie kopiowano dla staroobrzędowców.

Bracia Melnikov z Okhlebaikha w połowie ubiegłego wieku połączyli rzeźbienie z prawdziwym malarstwem.

Zaczęli umieszczać na dnach kołowrotków niewarunkowo - symboliczne obrazy, jak poprzednio, ale dość żywotne sceny rodzajowe: myśliwych, oswajanie koni, odwiedzanie narzeczonych. Figurki oznaczone były wyrzeźbionym konturem, każda była też malowana, czasem w kilku kolorach, z drobnymi ornamentami. Tło było zwykle jasnożółte, a na nim trochę czerwonych, brązowych, a nawet dźwięcznych niebieskich plamek ptaków, kwiatów, damskich parasoli. Pracowali tylko z czterema kolorami i osiągnęli niesamowite efekty dekoracyjne i harmonię: dna kołowrotków wydawały się pełne, promieniejąc słońcem.

Młodszy brat Anton całkowicie zrezygnował z rzeźbienia i pomalował tylko spód kołowrotka. A jak malował! Były sceny uroczystych przyjęć herbacianych, randek, spacerów, nowiutkich koni, kolorowych ptaków. Znajdowała się tam rama obrazów z gałązkami ostrokrzewu i dużymi kwiatami, podobnymi do róż, wśród których były dość nietypowe - czarne.

Obraz jest o wiele bardziej opłacalny, robi się go szybciej i stopniowo wypiera rzeźbę. Pomiędzy oknami ze zdjęciami na każdym dole pojawiły się tzw. kraty - pośrednicy, pas deseniu róż i filiżanek. Ale nie wyglądały jak róże. Były to kwiaty z jasnymi animowanymi sercami - kołami.

Kupavki - pochodna kupawy, (Kupala to według Dahla) wyglądają tak: na szerokiej miseczce z owalnymi płatkami siedzi okrągły pączek, a na niej kula w białe elastyczne paski - odrodzenie; kwiat okazał się być obciążony sprężyną, zaraz pęknie, otworzy się. A kwiaty są czasem szkarłatne, czasem żółte, czasem niebieskie, czasem nawet czarne. A wokół kwiatów zielone liście wachlarzowe - paproć (pokaż ilustracje). Nie ma żywych czarnych kwiatów, ale malarstwo Gorodets jest w dużej mierze warunkowe, podobnie jak cała sztuka ludowa, tutaj wszystko opiera się przede wszystkim na kolorze, na jego dekoracyjnych relacjach.

Mistrz nie wykonał żadnych wstępnych szkiców ołówkiem. Po prostu wziął pędzel, zhaczył go z czebelashki (to są takie kubki) farbą temperową i jednym pociągnięciem zaznaczył szyję, w drugim ciało konia. Podobnie ptak.

Czarne plamy rozrzucą wszystko na planszy, potem czerwone, zielone. Chociaż nie ma między nimi żadnych powiązań, każde miejsce leży osobno, ogólny obraz jest tylko w głowie mistrza. Wyobraź sobie, jaki musiałeś mieć talent, doświadczenie i rękę, aby nie zbłądzić.

Kiedy wyschły duże samoloty, wprowadzono najróżniejsze detale i elementy łączące. Następnie wszystkie elementy zostały wymodelowane i rozwinięte końcówką pędzla: płatki zostały podkreślone półksiężycami. Animacje zostały nałożone na główny ton na ostatnim zakręcie białą farbą (pociągnięcia, kropki itp.)

Trzej artyści wyznaczyli w przededniu rewolucji główne kierunki malarstwa gorodeckiego. (rys.3)

Jaskrawo liryczny - Ignatius Andreevich Mazin.

Narracja - filozofia - Fedor Semenovich Krasnoyarov.

Formalnie chłodny - Ignatiy Klementievich Lebedev.

Wszyscy inni mistrzowie - Wasilij Lebiediew, Aleksander Sundukow, Jegor Kryukow, Gavrila Polyakov - poszli za nimi.

Wasilij Lebiediew uwielbiał bajkę o Iwanie Carewiczu i Elenie Pięknej, często je przedstawiał; najlepsze róże namalował Alexander Sundukov, Gavrila Polyakov - wieloznaczne bitwy wojskowe. Ignacy Mazin w młodości potrafił przedstawić wszystko, każdy obraz - scena z życia - niósł jakiś nowy nastrój, nowe myśli, a każde życie miało swoje kolory. I tylko rzadkie egzemplarze potrafiły odtworzyć tajemnicę tych kwiatów, nawet wśród artystów. Ignacy Mazin był w najwyższym stopniu obdarzony tą umiejętnością.

Ignatiy Lebiediew zajmował się tapicerką, malowaniem, lakierowaniem sań podróżnych, rydwanów i taksówek, dużo czytał, doskonale opowiadał „Rusłan i Ludmiła”, epos o Ilji Muromec, pamiętał wiele wierszy, zaktualizowane ikony.

Fiodor Krasnoyarov budował kompozycje na kształt izo-narracji, bez proporcji i perspektywy, wszystko układa w kolorowe, wielokolorowe. W 1937 r. wszyscy trzej Mistrzowie wraz z mistrzami innych rosyjskich rzemiosł zaprojektowali wystawę sztuki ludowej w Galerii Trietiakowskiej w sześciu salach.

Obecnie rzemieślnicy Gorodec, zachowując tradycyjne formy malarstwa Gorodets, tworzą nowe rodzaje kompozycji i motywów, które zdobią dziecięce stoły, krzesełka, taborety, skrzynie, koniki na biegunach, dekoracyjne panele w postaci prostokątnych i okrągłych talerzy.

Obrazy wykonane są farbami klejowymi. Najpierw przygotowuje się kolorowe tło (często żółte), nakłada się na niego główne postacie, bukiety, girlandy, wieńce w postaci dużych plam kolorów, pięknie skoordynowanych tonem i kolorem, odważnie używając jasnych czerwieni, różów, błękitów, błękitów i zielenie, nawet bzy i fiolety oraz ich niespodziewanie dźwięczne kombinacje. Praca jest wykonywana w tej kolejności. Brzmiące kolory, harmonijne połączenia, bujne bukiety, bajeczne ptaki – wszystko to żywo wyraża piękno natury i radość życia. (demonstracja gotowych produktów). Zwróć uwagę na te złożone kompozycje wykonane zgodnie z tradycjami mistrzów Gorodets.

Dziś też musimy skompletować kompozycję opartą na motywach Gorodets do malowania deski do krojenia lub naczynia. Najpierw poćwicz z pędzlem na osobnej stronie albumu (połowa). Następnie przejdź do głównej pracy.

Praktyczna praca.

Podsumowując. Mini wystawa.

Temat: „Ludowa odzież świąteczna”

Cel: Zapoznanie się z ludowymi strojami świątecznymi jako sposobem wyrażania poglądów naszych przodków na temat budowy świata; jako źródło do tworzenia nowoczesnych modeli odzieży; improwizacja oparta na dawnych strojach odświętnych, realizacja projektów strojów odświętnych z ornamentami (kreacja) nowoczesny model na podstawie starożytności).

Sprzęt i materiały: kolorowy papier, tkanina, nożyczki, klej, gwasz, flamastry.

Rozmowa

Odzież przeszła długą drogę w rozwoju.

Co wpłynęło na ukształtowanie się rosyjskiego stroju ludowego?

(Na kształtowanie się kompozycji, kroju, wystroju miało wpływ środowisko geograficzne, warunki klimatyczne, cechy tradycji kulturowych, charakter obyczajów, procesy historyczne i społeczne).

Rosyjski strój ludowy to przede wszystkim zabytek sztuki ludowej, element kultury materialnej, sztuka zdobnicza ludu.

Czemu?

(Najlepsze w tradycji kroju, zdobienia, przekazywane były z pokolenia na pokolenie. Ubrania rosyjskie miały w przeszłości wysoką wartość artystyczną, były robione rękami rzemieślników, bogato zdobione o szczególnym znaczeniu, niosły starożytne tradycje artystyczne) .

Dziś poznasz główne elementy stroju ludowego, ich znaczenie semantyczne, wystrój elementów stroju, wykonasz praktyczną pracę nad modelowaniem rosyjskiego stroju ludowego.

Jak wyglądał rosyjski strój ludowy?

Ubrania codzienne były proste i skromne, a odświętne i odświętne bogate i wystrojone.

Przez wiele stuleci strażnikami strojów narodowych byli przede wszystkim wieśniacy, rolnicy, ponieważ szlachta, kupcy, mieszczanie zostali zmuszeni do ubierania się w strój europejski na mocy dekretu Piotra I.

Damskie ubrania zachwycają swoim oryginalnym pięknem i bogactwem opcji, w każdej prowincji ubierali się po swojemu. Naukowcy wyróżniają 2 kompleksy: północno-rosyjski i południowo-rosyjski. Ale dla wszystkich stanów i klas, dla wszystkich prowincji, zarówno dla mężczyzn, jak i kobiet, koszula była podstawą stroju. Jak zwykle wieśniacy i dziewczęta w XIX wieku. w niektórych miejscach, aż do samego ślubu, szli w tych samych koszulach, przechwyceni pasem. Nasi przodkowie nosili koszulę od niepamiętnych czasów i wiąże się z nią wiele wierzeń. Na przykład nie mógłbyś sprzedać swojej koszuli, inaczej sprzedałbyś w tym samym czasie swoje szczęście. Dlatego doceniono osoby, które są gotowe oddać ostatnią koszulę potrzebującym.

W dawnych czasach koszulę szyto z jednego kawałka materiału od kołnierza do dołu, stąd nazwa łobuza, ale wtedy taka koszula pozostaje tylko jako ślubna lub pogrzebowa. Później zaczęli nosić dwuczęściową koszulę, górną - rękawy i dolną - obozową.

Przygotowując elegancką koszulę, szwaczki pokazały wszystko, do czego są zdolne. Rękawy, ramiona, kołnierzyki haftowano czerwonymi nitkami, a rąbek często zdobiono. W specjalnych koszulach, które noszono z paskiem do koszenia lub zbioru, cały rąbek był prawie całkowicie pokryty haftowanym lub tkanym wzorem. Jakie jest znaczenie haftu? Co mogliby reprezentować? Czemu?

(Idea budowy świata; romb, meander, kwadraty z kropkami i pas ziemi oraz ognisty krzyż i haczykowaty krzyż to myśli o Życiu i Dobru).

(Pokazane są ilustracje z książki „Strój ludowy”)

Była elegancka żałobniczka - koszula, czyli makhavka, z bardzo długimi i długimi rękawami, w której panna młoda w dniu ślubu żegnała się z rodzicami, machając rękawami, lamentowała ...

Północnorosyjski damski zestaw zawiera koszulę i sukienkę.

(Słowo „sarafan” zostało po raz pierwszy znalezione w Rosji w XIV wieku w odniesieniu do odzieży męskiej).

Suknie były szyte z różnych tkanin, różnych krojów i inaczej nazywano: klinnik, sukman, adamaszek, dolnik, lamosznik, dmuchanie, moskowicz itp.)

Na sukienkę zakładano fartuch, niezbędny element stroju. Mają różne nazwy: binges, fartuszek, fartuch.

Na sukienkę i fartuch zakładają ocieplacz pod prysznic, zebrany w fałdy na plecach. Ma też różne nazwy: z rękawami - epanechka, na paskach - krótki, krótki, piórkowy.

Jesienią i zimą na wierzch zakładano wiosło shugai (jak kurtkę) obszyte futrem.

Strój południowo-rosyjski jest zauważalnie inny - jest jaśniejszy i bardziej kolorowy. Na koszulę zakładane są trzy naszyte panele z przeciągniętym przez górę sznurkiem - amortyzator (gasnik). Są owinięte wokół bioder i zapinane w pasie, podłogi nie zbiegają się, w szczelinie widać koszulę, która została podciągnięta do kolan, a na pasku uformowana jest duża zakładka.

Nie można sobie wyobrazić rosyjskiego stroju ludowego bez paska. Pas, podobnie jak krzyż, nadawany był podczas chrztu, chodzenie bez niego uważano za nieprzyzwoite, szczególnie modląc się do Boga. Bez niego nie można było spać. Odpasać człowieka oznaczało zhańbienie go. Pasy były plecione, tkane, ze specjalnym ornamentem, czasem z napisem. Pas był wiązany pod klatką piersiową lub pod brzuchem. Jeśli sukienka była uszyta z drogich materiałów, pasek był wiązany pod nią na koszuli.

Niósł wielki ładunek semantyczny (rola talizmanu).

Znane są różne paski: tkane, dziane, wiklinowe. Szerokie - na odzież wierzchnią, węższe - dla pokojówki, odświętne i codzienne.

Wreszcie nakrycie głowy, bez którego rosyjski strój ludowy jest nie do pomyślenia.

ogranicz. Zgodnie ze starożytnym zwyczajem zamężna kobieta nie pojawiała się publicznie z prostymi włosami - uważano to za wielki grzech. Dziewczyny nie mogły zakryć włosów. Stąd różnica w sukienkach: dla zamężnej jest to głucha czapka, (ryc. 4) dla dziewczynki - opatrunek, (ryc. 5) z odkrytą czubkiem głowy. Opaski dziewczynki miały kształt prostokąta i były mocowane na głowie wstążkami i wstążkami. Były dziewczęce sukienki w formie korony lub obręczy. Podczas ceremonii ślubnej panna młoda została założona na koronę - ciasny brzeg z warkoczem i ażurowym wieńcem. Podstawą wszystkich odmian południowo-rosyjskich nakryć głowy była kichka - twarda część czołowa noszona bezpośrednio na głowie, zwykle miała tak zwane rogi (rogata kichka). Nad kichką zakładali pokrowiec haftowany złotem i koralikami - sroka, tył głowy pokryty prostym paskiem materiału - tył głowy. Wokół tych trzech elementów powstało złożone, wielowarstwowe nakrycie głowy. Czasami zawierał do 12 części i ważył do 7 kg. Ozdobiona puchem, piórkami, wstążkami, cekinami, guzikami. Nakrycia głowy kobiet z północnych prowincji, które nosiły wspólną nazwę kokoshnik, różniły się od tych z południa. Często zdobiono je perłami z masy perłowej i słodkowodnych, białymi koralikami, folią, szklanymi koralikami. Formy były zróżnicowane. Nakrycie głowy – „rzęsa” zakrywało tylko kępkę włosów, a jego perłowy lub paciorkowaty dół i kark – resztę głowy. Kokoshnik (od starożytnego "kokosh" - kurczak) ma kształt czapki, z płatkami zakrywającymi uszy.

Niezwykłe ozdoby w postaci stożków posiada kikę (wystawę ilustracyjną).

Szamszura (samszura) miała kształt czapki z zaokrąglonym twardym dnem i była noszona w większości północnych prowincji z bogato haftowanymi chustami.

Pod koniec XIX i na początku XX wieku kokoshniki i szamszuri zostali zastąpieni prostszymi wojownikami i kolekcjami.

Dużą rolę w strojach dziewczęcych i kobiecych odgrywały różne ozdoby: kolczyki, gaitany, zawieszki na plecach i talii, „języki” piersiowe i „piersi”.

Na północy Rosji typowe są naszyjniki typu kołnierzyk lub kołnierzyk wykonane z pereł i białych koralików.

Dziewczyny pleciły różne "kośniki"

Tak więc ubrana w odświętny, wielowarstwowy strój Rosjanka była obrazem całego wszechświata, tak jak to sobie wtedy wyobrażali ludzie. Wyglądała majestatycznie, reprezentacyjnie, uroczyście.

Odzież męska była bardziej tego samego typu w całej Rosji i nie różniła się taką kolorowością jak damska.

Skład męskiego garnituru wszędzie obejmował koszulę, portki (spodnie), pasek, buty i nakrycie głowy. Koszula częściej miała skośny krój kołnierza i klin. Spodnie męskie - porty - chambary szyto z pasiastego materiału lub obcasa, z białego samodziału lub sukna własnej roboty. Bardzo rzadko były zdobione (ilustracja).

Nakrycia głowy rosyjskich chłopów są niezwykle różnorodne, ale główne

Filcowane z białej, szarej lub brązowej wełny stosowano czapki dwóch rodzajów - z koroną i małym rondem oraz czapki filcowych butów bez rondu.

Czapki ślubne były bogato zdobione (ilustracja).

Wkrótce czapki zostały zastąpione czapką ze skóry i tkaniny.

Odzież wierzchnia była jednolita zarówno dla mężczyzn, jak i kobiet. W okresie wiosenno – jesiennym najczęstsze były kaftany, suwaki, armyaki, azyamsy, orszaki, różne krojem, ale wszystkie z głębokim zapachem lub zapięciem z lewej strony. Zimą jako odzież wierzchnią stosowano kożuchy, kożuchy, krótkie futra.

Każdy strój chłopski koniecznie uzupełnione butami, wikliną lub skórą. Podobnie jak odzież wierzchnia, buty były prawie takie same dla mężczyzn i kobiet i różniły się jedynie rozmiarem i dekoracją.

Spośród łykowych butów uznano za świąteczne buty łykowe, które po parowaniu nabrały czerwonego koloru. Łykowe buty zakładano na onuch (paski materiału owinięte wokół nogi), zwykle białe. Onuchi mocowano na nodze białymi lub czarnymi linami - o długości do 4 m. Powszechnie stosowano skórzane buty: buty, półbuty, buty i

kotki z czerwoną lamówką na szpilkach - coś w rodzaju butów, ale bardziej obszerne, ponieważ były noszone na grubych dzianinowych pończochach, gładkich, pasiastych lub wzorzystych (z literówką - wzór na górze). Mężczyźni również nosili te same pończochy. Zimą nosili zwijane lub filcowane buty. Piękno i użyteczność nigdy nie odbiegały od znaczenia w sztuce ludowej. A na koszulach, na sukienkach, na ponevach i na fartuchach przedstawiano kobiety z podniesionymi rękami, nieblakłe Drzewo Życia, romb słoneczny z krzyżami, paskami, meandrami, krzyżami. Wyrażali ideę płodności matki - ziemi, tak bliskiej duszy rolnika; idea dobroci, dobrobytu. Dół wysadzany koralikami, wstążki przypominają strużki deszczu. Nazwy nakryć głowy - sroka, kogut, kokoshnik (kokosh) przypominają ptaki. Cały kombinezon warstwowy to idea uniwersum.

Chłop rosyjski często był analfabetą. Nie odcinał się od natury, od historii, duchowych doświadczeń i najstarszej kultury rolniczej - wszystko to znalazło odzwierciedlenie w kostiumie.

Niestety dzisiaj strój ludowy możemy oglądać w muzeach, na wystawach, na festiwalach ludowych, reprodukcjach. Opuścił życie, tak jak pozostało wiele pięknych tradycji. Ale pamiętaj, przynajmniej musimy mieć pojęcie o starożytności. Muszą znać historię swoich przodków, szanować ich tradycje kulturowe, bo, jak powiedział A. S. Puszkin.

„Szacunek dla przeszłości to linia, która oddziela cywilizację od dzikości”.

Cieszy fakt, że w niektórych regionach kraju znajdują się zespoły strojów ludowych, które są starannie przechowywane i zakładane na wesele, na odświętne uroczystości.

Projektanci mody często sięgają po strój ludowy, tworząc próbki nowoczesnej odzieży.

2. Praktyczna praca.

Udawajmy, że jesteśmy projektantami mody. Będziemy pracować w grupach. Każda grupa dostaje swoją własną kartonową lalkę, ty masz kolorowy papier. Jedna grupa „ubiera się” w stylu północno-rosyjskim, druga grupa – w południowo-rosyjskim, trzecia – w garnitur męski, pozostałe grupy opracowują szkic współczesnego modelu związanego z antykiem.

3. Podsumowując.

Literatura:

Album „Rosyjski strój ludowy”;

A. Lebiediew „Rosyjski strój ludowy”;

W. Konowa. „Strój rosyjskiej chłopki”

DODATEK

Ryż. 1 (koronka Elets)

Ryc.2 (Koronka Wołogdy)

Ryc. 3 (malowanie Gorodeta)

Fot. 4 (zamężna wieśniaczka)

Ryc. 5 (wieśniaczka)

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Hostowane na http://allbest.ru

Sztuka dekoracyjna i użytkowa - rzemiosło ludowe

Sztuka rzemiosła ludowego jawi się nam jako złożony, bogaty w możliwości zdobnicze, zagłębiony w treści ideowe i figuratywne, fenomen kultury współczesnej. W wielu regionach naszego kraju zachowała się tradycyjna sztuka i rzemiosło ludowe oraz rzemiosło ludowe, oparte na pracy fizycznej i pochodzące od dziadków i pradziadków. Pochodzenie ludowego rzemiosła jest inne. Niektóre wywodzą się z chłopskiej sztuki gospodarstwa domowego, związanej z rolnictwem na własne potrzeby i wytwarzaniem eleganckich artykułów gospodarstwa domowego zarówno codziennego, codziennego, jak i świątecznego dla siebie i swojej rodziny. I tak np. ręczne tkanie, hafty, które od dzieciństwa należały do ​​wieśniaczek, produkujących ubrania, ręczniki, blaty itp., stały się podstawą wielu oryginalnych rzemiosł tkackich i hafciarskich, które powstały później. Inne rzemiosła wywodzą się z rzemiosła wiejskiego. Na przykład wiele rodzajów ceramiki, stolarki, nadruków na tkaninach od dawna jest obszarem działalności lokalnych rzemieślników. Z czasem rozprzestrzeniając się w poszczególnych ośrodkach, często obejmując całe obszary, przekształciły się w rzemiosło.

Niektóre rzemiosło poprzedzało „oświetlenie” – praca w warsztatach ziemiańskich (np. biała powierzchnia Mstery). Inni urodzili się z miejskiego rzemiosła. Na przykład rzeźba w kości Kholmogory czy czarne srebro Veliky Ustyug kojarzą się ze sztuką miejskich rzemieślników, z uprzywilejowanym klientem, którego smak wpływał na treść i charakter przeznaczenia produktów. Stare rosyjskie malarstwo ikonowe, europejskie malarstwo sztalugowe i grafika stały się podstawą sztuki rosyjskich miniatur lakowych. Każdy kreatywny zespół był w stanie stworzyć swój własny system sztuki, jego język figuratywny, jego szkoła umiejętności, które nabrały znaczenia tradycji.

Istnieje dość obszerna literatura dotycząca rosyjskiej sztuki ludowej, w tym rzemiosła, poświęcona zarówno zagadnieniom ogólnym, jak i poszczególnym problemom ich rozwoju. Dzieła sztuki ludowej i rzemiosła gromadzone są przez muzea.

1.CERAMIKA

Ceramika znana jest w Rosji od niepamiętnych czasów. Glina była wszechobecnym improwizowanym materiałem, którego bogate możliwości plastyczne i artystyczne przyciągały do ​​niej ludzi nawet w starożytność. Glina jest bardzo łatwa w obróbce: można z niej formować wszystko.

A wraz z odkryciem wypalania wyroby gliniane, przede wszystkim ceramika i naczynia, stały się najbardziej potrzebne i najbardziej praktyczne w życiu starożytnej osoby. Archeolodzy znajdują niezliczone odłamki ceramiki w starożytnych słowiańskich kurhanach. Wcześniej niż inne istniała ceramika sztukatorska, tj. wyroby gliniane formowane ręcznie, bez specjalnych urządzeń.

Taka sztukateryjna ceramika zachowała się u niektórych ludów do dziś. Obok naczyń znajdowały się niezliczone stiukowe figury zwierząt, ptaków i ludzi. Wyraźnie odzwierciedlały starożytne wierzenia, przesądy, znaki; często w glinianych figurkach widzieli duchy opiekuńcze człowieka, jego mieszkania, inwentarza żywego, plonów. Na przestrzeni wieków zamieniły się w zabawki formowane z gliny iw tej formie istnieją i nadal są wytwarzane do dziś. W przybliżeniu w IX-X wieku. w Rosji pojawiło się koło garncarskie - najprostsza maszyna, a właściwie urządzenie, początkowo wprawiane w ruch ręcznie, później nogą. Wynalezienie koła garncarskiego to najważniejszy etap w rozwoju działalności produkcyjnej, a jednocześnie technicznej i zdolności artystyczne ludzi. Koło garncarskie uprościło, przyspieszyło produkcję ceramiki i naczyń, jednocześnie praca mistrza garncarskiego nie straciła swojej indywidualności, a jego naczynia nie straciły swego wytworzenia przez człowieka, gdyż nawet przy kole garncarskim główny sprawa była w rękach garncarza, w jego umiejętnościach i wyobraźni. Choć naczynia gliniane zwykle nie miały tak specyficznego wizerunku jak figurki, to pośrednio były identyfikowane przez garncarzy z dziką przyrodą, a nawet z człowiekiem. Świadczą o tym nazwy części naczynia ceramicznego: korpus, szyjka, szyjka, dziobek, uchwyt.

Najprostszy ornament na ceramice w postaci dołków, wgnieceń powstały od niepamiętnych czasów, być może jako technika zagęszczania odłamka w celu osiągnięcia jego najlepszego wypalania, jeszcze przed pojawieniem się specjalnych pieców. Starożytne rozwinięte kultury Słowian miały już cały system obrazów na naczyniach, których treść ujawnia ludzkie wyobrażenia o świecie i przyrodzie, związane z pracą rolnika. Na przykład linie faliste są znakiem wody, linie proste warunkowo przedstawiają ziemię itp. Na ceramice nowych czasów, obok wielu późniejszych motywów, zachowały się również motywy antyczne, ale w innym, właściwie dekoracyjnym znaczeniu.

Jedną z najstarszych metod zdobienia naczyń jest oksydowanie. Są to błyszczące paski, które za pomocą gładkiego kamienia lub wypolerowanej kości pokrywają część lub całą powierzchnię naczynia, które nie jest całkowicie suche, jeszcze nie spalone. Jednocześnie polerowanie zagęszcza powierzchnię garnka, czyniąc go mniej przepuszczalnym dla wody i bardziej wytrzymałym. Ceramika polerowana w kolorze czerwonym i czarnym. Pierwszy to naturalny kolor czerwonej gliny ceramicznej.

Drugi jest zadymiony, spalany w zadymionym płomieniu bez tlenu. Taką czarną ceramikę nazywa się również duszoną lub bejcowaną. Ten starożytny rodzaj ceramiki jest powszechny w różnych regionach Rosji i przetrwał do dziś. W XVII-XVIII wieku. Moskiewscy garncarze umiejętnie wykonali czarne naczynia - duże dzbany, kolby, beczki na nogach, zdobione wraz z polerowaniem reliefami i tłoczonymi ornamentami.

Ich wyraziste formy, detale wykończeniowe często imitowały metalowe. Innym, prostszym sposobem dekorowania – oparzeniem – jest wyjęcie gorących garnków z piekarnika i natychmiastowe zanurzenie w zacierze z mąki. Jednocześnie odłamek staje się gęstszy, mocniejszy, a na powierzchni pojawiają się zaokrąglone, koncentryczne brązowe plamy i kropki, tworząc naturalny ornament. Jednym z rodzajów uszlachetniania i zdobienia wyrobów glinianych jest powlekanie i malowanie angobą - płynną rozcieńczoną gliną o innym kolorze niż ten, z którego wyrób został wykonany.

W latach 40. 18 wiek Zaczęto produkować rosyjskie cenne naczynia - z niebieskim i wielobarwnym (żółto-zielono-brązowym) malowaniem, które nakładano na surową (przed wypaleniem) powierzchnię pokrytą białą emalią (nieprzezroczysta glazura). Został on opanowany w fabryce moskiewskiego kupca Afanasy Grebenshchikov (otwartej w 1724), którego syn Ivan Grebenshchikov nie tylko studiował technologię majoliki, ale dzięki doświadczeniu zdołał zbliżyć się do odkrycia technologii produkcji porcelany.

Pod koniec XVIII wieku. w procesie konkurencji kosztowną majolikę zastąpiono łatwiejszym w produkcji półfajansem: przedmiotami z białej gliny, pokrytymi bezbarwną, przeźroczystą glazurą i ozdobionymi z reguły jednobarwnym niebieskim lakierem podszkliwnym. Porcelana z wielobarwnym malowaniem nałożonym szkliwem, odkryta w Rosji w XVIII wieku, otrzymała później rodzaj dekoracyjnego kierunku od ludowych mistrzów rzemiosła ceramicznego. Równolegle z porcelaną i fajansem, związanymi z ceramiką szlachetną, rozwijała się ceramika ludowa.

W XIX - na początku XX wieku. charakterystyczne jest zdobienie ceramiki kolorowymi glazurami, drapanymi, reliefowymi ornamentami za pomocą stempli i sztukaterii. Rosyjskie rzemiosło ceramiczne w XVIII-XIX wieku. istniał w wielu wsiach i wsiach. Każdy z reguły służył na niewielkim obszarze, a tylko nieliczne nabrały dużego znaczenia.

W kilku obwodach guberni jarosławskiej, moskiewskiej, kałuskiej zachowała się tradycja wyrobu naczyń polerowanych na czarno, którą rysowano w niektórych miejscach na piechotę, w innych - na ręcznych kołach garncarskich, ozdobionych rowkami, prostym grawerem bezpośrednio na maszyna wykorzystująca matryce wykonane z drewna, gliny, metalu. Zaskakuje harmonia proporcji, plastyczna kompletność i klarowność form tych prostych przedmiotów: dzbanki na masło, mleko, garnki na kwas chlebowy, dzbanki, różnej wielkości garnki na owsiankę, śmietanę, rukomoi itp. W innych miejscach z miejscowej gliny wykonywano naczynia nie bejcowane, ale zwykłe czerwone, brązowe lub żółtawe, ozdobione poziomymi paskami, plamami, a miejscami gałązkami nałożonymi białą gliną. Ten rodzaj ceramiki istniał w Pskowie, Nowogrodzie, Twerze i innych prowincjach.

W niektórych miejscach czerwony odłamek pokryto białą angobą i nałożono na niego prosty wzór w postaci spirali, pasków, plamek i warstwy bezbarwnej przezroczystej glazury z kolorowym proszkiem glazury. W prowincji Woroneż dzbanki i miski z ceramiki ozdobiono wytłoczonymi listwami w postaci guzików i polano kolorową glazurą. Stosowanie trójbarwnych topliwych szkliw: brązowego (mangan), zielonego (miedź) i żółtego (żelazo) jest typowe dla ceramiki w różnych regionach drugiej połowy XIX i początku XX wieku. Artystyczna ekspresja rosyjskiej ceramiki domowej tkwi nie tyle w kolorze, ani w ornamentach, które z reguły są bardzo skromne, ale w plastikowym rozwiązaniu. Zastosowanie kolorowych pasów, rowków lub wytłoczonych wici, pogrubienie krawędzi, podkreślenie niskiej palety lub pierścieniowej nogi, uchwyty, które dobrze wpasowują się w ogólną sylwetkę rzeczy - wszystko to są częściami jednej kompletnej architektoniczno-rzeźbiarskiej całości, harmonijnie jednocząc się z pokrewnym środowiskiem codziennym.

Główne nowoczesne rzemiosło rosyjskiej ceramiki artystycznej to porcelana Gzhel w regionie moskiewskim, majolika Skopin w regionie Riazań, zabawka Dymkovo w Kirowie, zabawka Filimonov w regionie Tula, zabawka Kargopol w regionie Archangielska, zabawka Abashev w regionie Penza.

Najbardziej znanym dużym rzemiosłem ceramicznym sztuki ludowej jest Gzhel pod Moskwą. Ten obszar 30 wsi i wsi dawnych powiatów bronickiego i biełgorodzkiego, 60 km od Moskwy (obecnie powiat Ramensky), od dawna słynie z glin i garncarzy.

Centrum garncarstwa stanowiła gmina Gzhel - wsie Rechitsa, Gzhel, Żyrowo, Turygino, Bakhteevo i inne, gdzie było wiele warsztatów. W dziełach majoliki XVIII wieku, półfajansu i porcelany XIX wieku. sztuka mistrzów ludowych Rosji jest żywo reprezentowana.

Mając duże doświadczenie w ceramice, wyróżniające się żywym bystrym umysłem, mistrzowie Gzhel szybko opanowali produkcję majoliki w fabryce Grebenshchikov, a następnie opuścili właściciela i zaczęli wytwarzać takie produkty w swoich warsztatach. Stworzyli eleganckie naczynia: kvasniki - ozdobne dzbanki z pierścieniowym korpusem, wysoką kopułą pokrywą, długim zakrzywionym dziobkiem, rzeźbioną rączką, często na czterech masywnych zaokrąglonych nogach; kumgans, podobne naczynia, ale bez otworu przelotowego w ciele; dzbanki, rukomoi, krakersy, „upić się - nie rozlewać się”, naczynia, talerze itp., ozdobione malarstwem ozdobnym i fabularnym w kolorach zielonym, żółtym, niebieskim i fioletowo-brązowym na białym tle. Zwykle na środku naczynia z majoliki lub na przedniej płaszczyźnie pierścieniowego korpusu fermentora przedstawiano dumnie wystającego ptaka, takiego jak żuraw lub czapla - cienki czarny kontur z lekkim odcieniem; ten główny obraz uzupełniają i towarzyszą lekkie warunkowe drzewa, krzewy, czasem niezwykle uogólnione, schematyczne wizerunki ludzi, na przykład damy w krynolinach, czasem konstrukcje architektoniczne. Wirtuozeria kreski, swoboda aranżacyjna i wyważenie wszelkich obrazów, ich wpisanie w koło, elegancja i subtelność kolorystyki – wszystko to wskazuje na niezwykle wysokie kwalifikacje i talent artystyczny malarzy.

Ale rzeźbiarze nie pozostają w tyle. Wieszaki, wieczka, uchwyty słojów i kumganów uzupełniają drobne rzeźby rodzajowe ludzi i zabawne wizerunki zwierząt. Drobne tworzywa ozdobne wykonano również poza połączeniem z naczyniami. Mistrzowie ponownie z humorem przedstawili to, co widzieli w życiu: kobieta nosi dziecko na sankach, wojskowy w przekrzywionym kapeluszu, żona wyciąga but z nogi męża, staruszek walczy ze swoją starą kobietą, chłopiec przewodnik prowadzi żebraka itp.

Majolika Gzhel łączy w sobie plastyczne osiągnięcia ceramiki ludowej, oddaje cechy baroku i klasycyzmu. W sztuce ceramiki ludowej półfajans Gzhel jest jednym z najjaśniejszych zjawisk. Początkowo półfajansowe naczynia miały kształt zbliżony do majoliki, ale z prostszym malowaniem w kolorze niebieskim. Wtedy formy stały się prostsze; wykonywano głównie dzbanki, rukomoi, kałamarze, solniczki itp. System rozwiązywania form plastycznych i malarstwa dekoracyjnego stworzony przez ludowych rzemieślników Gżel ma znaczenie całej szkoły artystycznej rosyjskiej ceramiki ludowej.

Produkcja półfajansu istniała w Gzhel przez cały XIX wiek. wraz z fajansem i porcelaną, które pojawiły się po nim. Formy naczyń i nadruki przekazywane z jednej fabryki do drugiej. W małych fabrykach porcelany Gzhel, z całym ich pragnieniem naśladowania drogich produktów, narodziła się ich oryginalna sztuka rosyjskiej porcelany lubok z grubą kwiecistą, ludową interpretacją rzeźbiarskich obrazów, które mistrzowie stworzyli na swój własny sposób, zaczynając od obrazów drogich porcelana. Figurki porcelanowe nabyte w wykonaniu mistrzów Gzhel mają cechy wspólne z prostą glinianą zabawką.

Produkty Gzhel były dystrybuowane nie tylko w całej Rosji, były eksportowane do Azja centralna oraz kraje Bliskiego Wschodu. Mając na uwadze lokalne gusta rzemieślnicy z Gzhel stworzyli stabilny asortyment tzw. porcelany „azjatyckiej”: czajniki, miski różnej wielkości i określonego kształtu, z charakterystycznym kwiatowym malunkiem w medalionach, na kolorowym tle. Naczynia te były również szeroko stosowane w rosyjskich tawernach. Wraz z rozwojem w drugiej połowie XIX wieku. przemysł kapitalistyczny, wydzielenie wielkich fabryk, region Gżel z małymi warsztatami chłopskimi stracił na znaczeniu, a wielu byłych właścicieli warsztatów i członków ich rodzin wstąpiło w szeregi najemników.

Pracując w dużych fabrykach i fabrykach, przyczynili się do zachowania tradycji ludowej w malarstwie taniej porcelany i odegrali ważną rolę w dalszym kształtowaniu rosyjskiej porcelany. Szybkie malowanie pędzlem z motywami kwiatowymi na przełomie XIX i XX wieku. otrzymał nazwę „agashka”. W tym czasie sama sztuka rzemiosła Gzhel całkowicie zanikła i została skazana na zapomnienie. Dopiero w latach 40. - 50. XX wieku, dzięki badaniom krytyka sztuki A. B. Saltykowa i pracy moskiewskiego artysty NI Bessarabowej, sztuka Gzhel zaczęła się odradzać.

Podstawą tego odrodzenia była spuścizna majoliki Gzhel z XVIII wieku. I półfajans z XIX wieku. Obraz został zaadoptowany w jednobarwnym niebieskim podszkliwieniu (kobalt) zgodnie z typem tradycyjnego półfajansu. Dużą popularność zyskały naczynia Gzhel z niebieskim kobaltowym malowaniem na białym tle.

Wśród ośrodków garncarstwa sztuki ludowej wyjątkowe jest rzemiosło ceramiki dekoracyjnej, zlokalizowane w mieście Skopin w obwodzie riazańskim. Ziemia Riazańska, bogata w tradycje różnych rodzajów sztuki ludowej, stała się miejscem narodzin produkcji ceramiki i glinianych gwizdków stiukowych. W mieście był cały „garncarski koniec”, a mieszkańców miasta nazywano „skopińskich informatorów”. Do połowy XIX wieku. Nie używano tu glazury, ale robiono zwykłe czarne („niebieskawe”) i parzone garnki.

Wraz z rozwojem przeszkleń produkty Skopinsky stały się znacznie jaśniejsze i bardziej dekoracyjne. Zwykłe przybory domowe garncarzy skopińskich z XIX - początku XX wieku. wykonany z lekkiej gliny, ma miękki kontur, brzegi często kończą się zapiekanymi „falbankami”. Rukomoi, dzbanki, miski głębokie, kubki, chlebaki itp. były formowane na niskich, ręcznie robionych kołach garncarskich, ozdobionych rysami, stemplami, sztukateriami i ociekającymi kolorowymi glazurami.

Często na jednym przedmiocie malowano brązowe i zielone lub zielono-żółte glazury. Suszone produkty smarowano smołą, posypywano nierównomiernie zmielonym proszkiem kolorowych szkliw i wypalano w kuźni szybowej. Około połowy XIX wieku w przemyśle zaczęli wytwarzać ozdobną ceramikę rzeźbiarską. Zachowała się informacja, że ​​początkowo mistrzowie wykonywali jednofigurowe przedmioty; lew, ptak, piłka, samowar itp. i umieszczają coś takiego na słupie przy bramie swojego domu jako ozdobę i znak, że mieszka tu wybitny mistrz. Jednocześnie rywalizowali w złożoności i fantastyce prac. Potem zaczęli wystawiać na targach takie dziwaczne figury i rzeźbiarskie dzbanki przed swoimi zwykłymi towarami, aby przyciągnąć uwagę kupujących. Popyt na artykuły dekoracyjne zachęcił rzemieślników do robienia ich specjalnie na sprzedaż.

Wymyślone statki zostały zabrane na świąteczne targi w Moskwie, Riazaniu. Interesujące są dzbanki z wysoką szyją, korpus w kształcie niedźwiedzia lub drapieżnego ptaka, z rączką i dziobkiem w kształcie węża. Wieczko często uzupełniane było figurką ptaka, zająca lub psa. Czasami naczynie miało pierścieniowe ciało, a wewnątrz umieszczano postać niedźwiadka lub smoka. Czasami robili butelkę w postaci męskiej postaci z kijem w ręku.

Zachowały się świeczniki w postaci dwugłowego orła, rybołowa, człowieka w kożuchu itp. Wśród wizerunków ceramiki Skopino jest bohater Polkan z maczugą w dłoni, wyraźnie wywodzący się z popularnych grafik. Ornament, kolor, skomplikowana sylwetka łączą części użytkowe produktów z rzeźbiarskimi, tworząc integralne przedmioty dekoracyjne. Oprócz ozdobnych naczyń rzeźbiarskich wykonali także proste rzeźby: smoki, lwy.

Mówią, że jeden ze starych mistrzów, który pracował pod koniec XIX wieku, Żełobow, wykonał nawet portrety znajomych, rysując ich jak zwykle na kole garncarskim, z pamięci i dopracowując szczegóły ręcznie. Podczas I wojny światowej łowisko Skopińskiego stopniowo podupadało. Jego odrodzenie datuje się na lata 40-50. W tym czasie nadal pracowali starzy rzemieślnicy skopińskiego rzemiosła, którzy dobrze pamiętali wszystkie główne cechy i techniki wytwarzania ceramiki skopińskiej.

Ich doświadczenie i wiedza są stopniowo przyswajane i doskonalone przez młodszych rzemieślników, którzy weszli do zawodu. W latach 60-70. podejmowane są próby stworzenia specjalnego rodzaju pamiątkowej ceramiki skopińskiej. Są to małe figurki lwów, ptaków, scen cyrkowych itp.

Oprócz tego rzemieślnicy tworzą również tradycyjne dla rzemiosła fermentory z ptakami, świeczniki, wazony z owocami. Fantastycznie ukształtowane naczynia skopińskie, pokryte brązową lub zieloną glazurą, zajmują coraz większe miejsce na wystawach sztuki zdobniczej i użytkowej. Zainteresowanie nimi ze strony koneserów, kolekcjonerów i po prostu masowego konsumenta nie słabnie. Sztuka garncarzy skopińskich wnosi swój własny jasny akcent do ogólnego obrazu współczesnego rozwoju rosyjskiej ludowej ceramiki dekoracyjnej.

Zabawka Dymkowo.

Wśród nowoczesnych rosyjskich zabawek z gliny najbardziej znana i popularna jest zabawka Dymkovo (dawniej Vyatka). Jest to uogólniona, dekoracyjna rzeźba z gliny, zbliżona do ludowego prymitywu: figurki o wysokości średnio 15-25 cm, malowane na białym tle z wielobarwnym geometrycznym ornamentem kół, grochu, pasków, komórek, falistych linii, jasnych kolorów , często z dodatkiem złota. Jeźdźcy, koguty, postacie kobiece w spódnicach w kształcie dzwonu rozszerzające się w dół i wysokie nakrycia głowy - kokoshniki, zwane nianiami, mamkami, kochankami, nosicielami wody, są tradycyjne i stale powracają w zabawce Dymkovo. Indyki i konie Dymkovo są jednocześnie prawdziwe i fantastyczne. Indyk ze wspaniałym ogonem w kształcie wachlarza, koń w jasnoniebieskich kółkach jabłek, koza z czerwonymi i złotymi rogami.

We wszystkich tych naiwnych i barwnych obrazach widać niewinność narodu rosyjskiego, śmiałość, optymizm, zamiłowanie do bajecznej, śpiewnej interpretacji rzeczywistości. W kobiecych figurach duże znaczenie mają wyraziste detale: eleganckie fryzury, nakrycia głowy, falbanki na rękawach, fartuchy, peleryny, mufki, parasole, torebki itp. Modelowane zabawki suszy się w temperaturze pokojowej od dwóch do trzech dni do dwóch tygodni (w zależności od rozmiaru). Następnie zostają zwolnieni.

Wcześniej wypalanie odbywało się bezpośrednio w rosyjskim piecu. Teraz - w elektrycznych piecach muflowych. Wypalone do czerwoności i schłodzone w piecu zabawki pokryte są olśniewającą białą warstwą kredy rozpuszczonej w odtłuszczonym mleku. Na tym wybielaczu wykonuje się jasny, wielokolorowy obraz. Na jednej figurze zastosowano 6-8 kolorów.

Obecnie stosuje się farby gwaszowe rozcieńczone na jajku. Tradycyjny preparat polegał na wcieraniu suchych barwników anilinowych w jajko rozcieńczone octem lub kwasem nadtlenkowym. W przeszłości frędzel był domowej roboty z rozciągniętej płóciennej łaty owiniętej wokół patyka. Plamy nakładano końcem równomiernie przyciętej gałązki. Teraz używają szczotek kolinsky lub fret.

Obraz jest z reguły dużym wzorem geometrycznym, połączonym z gładko kolorowymi częściami. Szczególnie urozmaicone i elegancko zdobione są spódnice. Ornament często pokrywa postacie zwierząt, zastępując wizerunki wełny lub upierzenia. Kolorystyka obrazu jest lokalna, łączona na zasadzie kontrastu i wzajemnego dopełniania się. Wielokolorowość podkreślona obecnością bieli i czerni oraz uzupełniona błyszczącymi kwadratami złotego liścia (obecnie miedziany potaż) naklejonych na damskich nakryciach głowy i kołnierzykach, wojskowych epoletach i kokardach, wspaniałych ogonach indyków itp. Z biegiem czasu wzrosła wielobarwność i jasność obrazu. Zachowany z XIX - początku XX wieku. Zabawki Dymkovo nie są tak intensywnie kolorowe. Później, wraz z rozwojem rzemiosła, pojawiło się wiele baśniowych, historycznych i codziennych wielofigurowych kompozycji, w tym architektury (domy, karuzele), elementów krajobrazu (drzewa symbolizujące las, grządki z widłami kapusty przedstawione w „Zbioru kapusty ” scena) itp. Jednocześnie nie zatracono tradycyjnej gamy tematów, która pomaga zachować specyficzny, niepowtarzalny wygląd zabawek, a w swoich granicach daje szerokie pole do popisu dla wyobraźni twórczej twórców. Znaczenie zabawki Dymkovo już dawno przestało być zabawne. To ludowa rzeźba dekoracyjna.

Rosyjska kultura narodowa jest ściśle związana z drewnem. Zbudowano z niego całe miasta, twierdze, świątynie, mieszkania, zbudowano statki rzeczne i morskie, rzeźbiono naczynia i artykuły gospodarstwa domowego. W tym samym czasie rosyjscy rzemieślnicy przywiązywali dużą wagę do artystycznej dekoracji rzeźbiarskiej. Opierał się na ornamentie geometrycznym i roślinnym, który służył nie tylko do celów dekoracyjnych, ale miał charakter magiczny i rytualny. Funkcje amuletu pełnią obrazy i symbole zawarte w zakresie artystycznym, takie jak Drzewo Życia, znaki słoneczne, ptak, koń, lew, stworzenia mitologiczne - Bereginya, Sirin, Alkonost.

W regionie Wołgi Niżnego Nowogrodu powstał specjalny styl rzeźbienia, który wchłonął najstarsze tradycje rosyjskiej sztuki ludowej. Rzeźbiarze z Niżnego Nowogrodu znani byli daleko poza jego granicami. Obecnie te chwalebne tradycje są kontynuowane przez współczesnych rzemieślników ludowych, którzy są mistrzami artystycznego rzeźbienia w drewnie i należą do najlepszych w Rosji. System rzemiosła artystycznego regionu Niżny Nowogród obejmuje dwa przedsiębiorstwa w Gorodets i Semenov, które zajmują się rzeźbieniem w drewnie. Eksperymentalna grupa rzeźbiarzy pracuje w fabryce „Malarstwo Gorodets” w Gorodets, wśród których są wspaniali rzemieślnicy Michaił Loginow i Andrey Kolov. Asortyment wytwarzanych produktów jest zróżnicowany: dekoracyjne panele ścienne i talerze, pudełka, zestawy upominkowe na przyprawy z rzeźbionymi postaciami ludzi i zwierząt, zabawki, tablice piernikowe - rzeźbione stemple do nanoszenia wzoru na ciasto piernikowe. Ciekawa rzeźba Gorodets o małych formach ze scenami z życia miejskiego i wiejskiego, wykonana z dużym humorem i wyobraźnią. Produkty wycinane są z lokalnych gatunków drewna - dąb, lipa, osika, brzoza, ręcznie, przy użyciu narzędzi - dłut, noży, dłut. Stosuje się różne techniki rzeźbienia - trójścienne, konturowe, nawiasowe i inne.

Prace rzemieślników z Gorodec charakteryzują się połączeniem rzeźbienia i intarsji z dębem bagiennym. Realizujemy zlecenia na prace monumentalne do aranżacji wnętrz i zewnętrza budynków publicznych i prywatnych. Drugi kierunek artystycznej rzeźby w drewnie rozwija się w fabryce malarstwa Semenov w mieście Semenov. Odrodziło się tu starożytne rzemiosło rzeźbienia na drewnianych naczyniach i przedmiotach gospodarstwa domowego.

Rzeźbione chochle i łyżki Siemionowa, rzeźbione beczki, miski i wazony oraz materiały eksploatacyjne - cylindryczne naczynia z pokrywkami, a także szkatułki i dekoracyjne panele ozdobione są płaskorzeźbionymi płaskorzeźbami o charakterze geometrycznym i roślinnym. Sercem rzeźb Semenowa są tradycje obiektów technicznych i ozdobna struktura starożytnej rzeźby Niżnego Nowogrodu. Rzeźba wzbogaca kształt przedmiotu, ukazując piękną fakturę i naturalny kolor drewna. Wielki wkład w rozwój rzeźbienia w drewnie Semenowa wnieśli znani mistrzowie Georgy Matveev, Leonid Levin, Dormidont Mazin, Alexander Shvetsov i inni. Oprócz fabryk w regionie Niżnego Nowogrodu pracuje wielu rzemieślników ludowych - rzeźbiarzy, którzy tworzą swoje dzieła zarówno w tradycji ludowej, jak i w swobodnym nowoczesnym stylu.

Malarstwo Khokhloma.

Malarstwo Khokhloma na drewnie jest jednym z najstarszych rodzajów rosyjskiej sztuki ludowej. Jej ojczyzną jest region leśny Terytorium Niżnego Nowogrodu na północny wschód od Wołgi. Pochodzenie nazwy wiąże się z wioską handlową Khokhloma, do której rzemieślnicy z 50 okolicznych wsi przywozili na sprzedaż malowane drewniane naczynia, a stamtąd udali się do różne rogi Rosja i poza jej granice - do krajów Azji i Europy. Od czasów starożytnych mieszkający tu wykwalifikowani rzemieślnicy wytwarzali piękne drewniane naczynia, a od XVII wieku to rzemiosło artystyczne rozwijało się we współczesnym znaczeniu.

Malarstwo Khokhloma zyskało światową sławę dzięki oryginalnej technologii i tradycyjnemu charakterowi starożytnych rosyjskich wzorów. Produkty wykonane z drewna lipowego toczone na tokarce lub rzeźbione specjalnymi nożami są gruntowane gliną, nacierane gotowanym olejem lnianym - "olejem lnianym" i proszkiem metalowym. Następnie produkty Khokhloma są malowane farbami olejnymi, nakłada się kilka warstw specjalnego lakieru i poddaje utwardzaniu w piekarniku. Pod wpływem temperatury powyżej 100 ° srebrzysta powierzchnia nabiera złotego koloru. Ta technologia pozwala na wykorzystanie naczyń w domu.

Główne kolory malarstwa Khokhloma to czerń, czerwień, złoto. To klasyczne połączenie uzupełnia wprowadzenie brązu, zieleni, pomarańczy, żółci. Malowanie odbywa się ręcznie, wolnym pędzlem, bez użycia szablonów. Całą różnorodność malarstwa Khokhloma można podzielić na dwa rodzaje: literę „jazdę”, w której kolorowy ornament znajduje się na złotym tle, oraz literę „tło”, gdzie wzór jest złoty, a tło czarne lub czerwone . Ulubione ozdoby mistrzów Khokhloma to: „trawa” - stylizowany wizerunek trawy; „kudrina” - bajeczny złoty kwiat z lokami - loki; „pod liściem” - wzór liści i jagód truskawek, porzeczek, jarzębiny, agrestu.

W asortymencie znajdują się: miski indywidualne, wazony, „dostawy” – naczynia cylindryczne z przykrywkami, beczki, łyżki, a także meble, komplety zastawy stołowej i herbaty, komplety na wino, lody, miód, ryby. Obecnie tradycje rzemieślnicze w regionie Niżnego Nowogrodu z powodzeniem rozwijają się w dwóch dużych fabrykach artystycznych: „Khokhloma Artist”, zlokalizowanej we wsi Semino i „Khokhloma Painting” w mieście Semenov, a także w wielu małych przedsiębiorstw. Znani są starzy dziedziczni mistrzowie Khokhloma - bracia Krasilnikov, Podogovs, Fedor Bedin, Arkhip Serov, Stepan Veselov. Te tradycje rybackie kontynuują artystki Olga Lushina, Olga Veselova, Alexandra Karpova, Ekaterina Dospalova, Nina Salnikova i wielu innych. Produkty Khokhloma zdobią życie Rosjanina.

Są eksportowane do wielu krajów świata, odpowiednio reprezentują rosyjską sztukę ludową na międzynarodowych wystawach i targach.

Malowanie gorodetów.

We wsiach położonych wokół Gorodets, najstarszego miasta w regionie Niżnego Nowogrodu, w połowie XIX wieku oryginalny rodzaj malarstwa na przedmiotach gospodarstwa domowego stał się znany jako rzemiosło artystyczne. Były to kosze i pudła na przędzę z kory lipy, krzesełka dziecięce i wózki inwalidzkie, łuki do uprzęży końskiej. Szczególnie sławne były malowane gorodety kołowrotki. Kołowrotek, jako urządzenie do przędzenia nici, jest znany na całym świecie, w tym w Rosji, od czasów starożytnych.

Kołowrotek Gorodets składa się z szerokiego „dna” – deski, na której siedziała wirująca kobieta, oraz wsuniętego w dno drewnianego grzebienia – stelaża, do którego przymocowano len lub wełnę. Na malowanych gorodeckich kołowrotkach z wczesnego okresu widzimy elementy starożytnych symboli: Drzewa Życia, ptaków, jeźdźców, a od końca XIX wieku artyści z Gorodca zaczęli malować sceny rodzajowe z życia rosyjskiej prowincji: picie herbaty, przejażdżki bryczką, biesiady, bitwy wojskowe. Kołowrotek został zagruntowany i pomalowany farbami klejowymi i roślinnymi własnego preparatu. Główne kolory malarstwa Gorodets to żółty, czarny, zielony, czerwony, niebieski. Obraz powstał w dwóch etapach: nałożenie jasnych plam farby na jednolite, najczęściej żółte tło; opracowanie rysunku z pociągnięciami czarno-białej farby, które nadały objętość i zaakcentowane detale.

Po malowaniu kołowrotki pokrywano gotowanym olejem lnianym i suszono. Początki malarstwa Gorodets sięgają starożytnego rosyjskiego malarstwa ikonowego. W rozwoju tej branży było kilka etapów. Lata 30. to przejście na farby olejne i nowy asortyment: meble, parawany, panele dekoracyjne, tokarnie. W tym czasie pracowali tak znani mistrzowie jak Ignatiy Lebedev, Fedor Krasnoyarov, Ignatiy Mazin, Pavel Kolesov i inni.

Etap lat 50. wiąże się z nowym rozkwitem i odrodzeniem tego rzemiosła artystycznego, dzięki organizacyjnym i twórczym działaniom dziedzicznego mistrza Arystarcha Konowałowa. Obecnie tradycje tego rzemiosła artystycznego kontynuują mistrzowie Fabryki Malarstwa Gorodetskaya. Wśród nich są Aleksandra Sokolova, Lydia Kubatkina, Lilia Bespalova, Faina Kasatova. Nowoczesny asortyment fabryki jest zróżnicowany: panele dekoracyjne, szkatułki, skrzynie, szkatułki, pudełka na chleb, meble dla dzieci i dorosłych, przybory tokarskie, zabawki. Dzieła mistrzów Gorodets przyciągają wielobarwnością, optymistycznym spojrzeniem artysty, świątecznymi obrazami rosyjskich baśni i życia ludowego.

Malarstwo Polchow-Majdan.

Malarstwo Polkhov-Majdan to jedno z najmłodszych rzemiosł artystycznych w Rosji. Swoją nazwę zawdzięcza dużej wsi Polkhovsky Majdan na południu regionu Niżny Nowogród. Prawie każda rodzina zajmuje się tutaj produkcją i sprzedażą drewnianych malowanych zabawek. Zabawka Polkhov-Majdan lub, jak nazywają ją sami rzemieślnicy, „tararushka”, pojawiła się pod koniec lat 20. XX wieku.

Od lat 60. XX wieku mieszkańcy wsi Krutets, położonej w pobliżu wsi Polkhovsky Majdan, zaczęli robić taką zabawkę. Zabawki są toczone na tokarkach z lipy lub osiki. Następnie pokrywa się je ciekłą skrobią ziemniaczaną. Następnie metalowym długopisem i atramentem na suchej powierzchni narysuj („wywołaj”) kontur przyszłego wzoru i pomaluj farbami anilinowymi: różowym, czerwonym, zielonym, żółtym, niebieskim. Stosowane jest również bezpłatne malowanie pędzlem.

Następnie zabawki pokrywane są bezbarwnym lakierem. Stosując technikę „glazurowania” - nakładanie czystych kolorów warstwami jedna na drugą oraz stosując kombinacje kontrastujących kolorów (czerwony - zielony, żółty - niebieski itp.) artyści osiągają szczególną jasność obrazu . Głównymi motywami wzorów tego obrazu są kwiaty: róża, mak, rumianek, tulipan, dzika róża.

Jest też obraz fabularny. Najczęściej jest to wiejski krajobraz z rzeką, domami, kościołem i młynem na brzegu oraz obowiązkowym czerwonym świtem na niebie. Asortyment zabawek tamarok jest zróżnicowany. Jedna grupa - zabawki dla dzieci: lalki gniazdujące, gwizdki ptaszków, konie, naczynia do zabawek, świnki skarbonki, bałałajki, pudełka po jabłkach. Kolejną grupą produktów są tradycyjne dania rosyjskie: solniczki, miski, cukiernice, "zapasy" - cylindryczne naczynia do przechowywania produktów sypkich, samowary, pudełka.

Pisanki są rzeźbione i malowane w dużych ilościach. Cechą rzemiosła jest harmonijne połączenie rękodziełowej produkcji zabawek z produkcją fabryczną. Rzemieślnicy pracują z całą rodziną. Mężczyźni w warsztatach znajdujących się w pobliżu domu obracają produkty, kobiety je malują. Dzieci biorą również udział w pracach, które mogą, uczą się od rodziców podstaw toczenia i malowania.

Wśród nich rodziny Senturaev, Rozhkov, Buzdenkov wyróżniają się swoimi umiejętnościami. We wsi Voznesenskoye znajduje się fabryka sztuki „Malarstwo Polchow-Majdan”. Jej produkty mają głównie charakter pamiątkowy. Wśród zabawek z pamiątkami duże miejsce zajmuje lalka gniazdująca Polkhov-Majdan oraz ozdobna rzeźba tocząca się na temat rosyjskich baśni ludowych i życia na wsi. Wielki wkład w rozwój tego rzemiosła wnieśli artyści Elena Tankova, Elena Goryunova, Antonina Babina.

Jasna oryginalność tej ludowej zabawki, świątecznie optymistyczny kolor i naiwna bezpośredniość obrazu sprawiają, że jest ona bardzo popularna zarówno w Rosji, jak i za granicą.

Filigran Kazakowa.

Filigran lub filigran to jeden z najstarszych rodzajów artystycznej obróbki metalu w Rosji. Nazwa „filigran” pochodzi od łacińskich słów filum – nić i granum – ziarno; „scani” - od starożytnego słowiańskiego - przekręcać, przekręcać.

Nazwy wskazują na specyfikę technologii - do produkcji wyrobów filigranowych użyto skręconych drutów i „ziarna”, tj. małe piłki. Technika filigranu jest następująca: na papier nakładany jest wzór z cienkiego drutu miedzianego, sklejany wzdłuż narysowanego konturu, posypywany srebrnym lutowiem, a następnie elementy wzoru łączone są przez lutowanie. Wykonuje się również formy wolumetryczne, ale papier z narysowanym wzorem jest przyklejany do żelaznego półwyrobu.

W galwanizerni wyroby pokrywane są srebrem. Produkcja wyrobów filigranowych we wsi Kazachkovo, powiat Vachsky, obwód Niżny Nowogród, zaczęła być zaangażowana od końca lat 30. XX wieku w artelu Metalist. Organizatorem produkcji był absolwent Krasnoselskiej Szkoły Artystycznej Obróbki Metali O. I. Tarakanova.

Obecnie sztuka biżuterii jest praktykowana w przedsiębiorstwie artystycznych wyrobów metalowych Kazakowski. W połowie lat pięćdziesiątych wykształciły się charakterystyczne rysy charakterystyczne tylko dla filigranu Kazakowa. Cechą produktów Kazakowa jest niezależne znaczenie filigranu, nie jest on używany jako element dekoracji przedmiotu metalowego, jako nakładka na metal. Produkty te są w całości ażurowe. Zgodnie z ich przeznaczeniem, dzieła mistrzów Kazakowa są przedmiotami gospodarstwa domowego.

Są to miski na cukierki, podstawki, wazony, szkatułki. Jednocześnie w ostatnim czasie na zlecenie Kościoła prawosławnego prowadzone są prace jubilerskie – oprawy ikon, kadzielnice, szkatułki na relikwie święte.

Produkty Kazakov charakteryzują się przede wszystkim „białym” kolorem posrebrzanego drutu miedzianego. Jakby pokryte szronem, ażurowe dzieła ludowych rzemieślników fascynują srebrzystobiałym kolorem rosyjskiej zimy, nadając rzeczom dźwięczność ośnieżonych pól, powagę i czystość mroźnego lasu. Filigranowy ornament może być geometryczny – zygzaki, fale, koła, półkola i bardziej złożone figury, ale przeważa wzór kwiatowy. Główne motywy to kwiat o wydłużonych płatkach i długich liściach poprzecinanych lokami. Głównym elementem, z którego tworzony jest wzór, jest „zawinięcie” – owalny zwój drutu, który łączy w sobie ażur i gęstą nieprześwitującą cewkę.

Duże formy stanowiące podstawę wzoru wyróżniają się na tle drobnych loków wykonanych z cieńszego drutu. Produkty Kazakov wyróżniają się czystością wykończenia pracy i subtelnością filigranowej ręcznej pracy. Filigran z powodzeniem łączy się z innymi materiałami - emalią, drewnem, kością, rzeźbionym kamieniem. Świetni mistrzowie filigranowej sztuki pracują w przedsiębiorstwie Kazakov. Dla rozwoju tego rzemiosła artystycznego artyści L.

A. Zhestkova, małżonkowie Blotsky, R. V. Balashova, V. I. Tupichkin i inni. Filigranowe produkty są wystawiane na wystawach ogólnorosyjskich i międzynarodowych, otrzymały wiele nagród, są znane w wielu krajach świata.

Tkactwo.

Tkactwo było tradycyjnym zajęciem żeńskiej populacji od czasów starożytnych. Każda rodzina chłopska posiadała tkalnię, w której kobiety wyrabiały samodziałowe płótno. Szyto z niej ubrania, prześcieradła, ręczniki, obrusy i inne artykuły gospodarstwa domowego. Oprócz gładkiego płótna wiejskie rzemieślniczki wykonywały również tkaniny wzorzyste.

W tym samym czasie technika tkania stała się bardziej skomplikowana. Materiałem do tkania była przędza, którą pozyskiwano z lnu i konopi, a także z wełny owczej i koziej. Przędza była często farbowana w domu na różne kolory, a następnie wzorzyste tkaniny okazywały się szczególnie eleganckie. Dużym ośrodkiem tkactwa ręcznego w regionie Niżnego Nowogrodu było miasto Szachunia i okoliczne wsie. rękodzieło ludowe malarstwo rzeźbiarskie ceramiki

Obecnie w fabryce sztuki Shakhun aktywnie rozwijają się tradycje tkactwa ludowego. Od początku lat 70. produkuje szeroką gamę wyrobów wełnianych, lnianych i bawełnianych - pledy, narzuty, pokrowce na krzesła, ręczniki, obrusy, obrusy i serwetki z jasnym dekoracyjnym wzorem gładkich i ozdobnych pasków lub kraty. Ważną rolę we współczesnym rozwoju rzemiosła odgrywa artystka, krytyk sztuki Larisa Kozhevnikova. Współczesne rzemieślniczki opanowały skomplikowane techniki ręcznego tkania - wielowałowe, ażurowe, sortowanie, łajanie. Na pracach tkaczy, zwłaszcza na świątecznych ręcznikach i ozdobnych serwetkach, tkane wzory geometryczne są łączone z haftem, co nadaje tym wyrobom wyjątkowej oryginalności.

Haft, który jest jednym z najstarszych rodzajów sztuki ludowej, znany jest w Rosji od X-XIII wieku. Dekorowała zarówno ubrania codzienne, odświętne, jak i odświętne – koszule, fartuchy, czapki, a także artykuły gospodarstwa domowego i rzeczy związane z dekoracyjną dekoracją domu – ręczniki, blaty, lambrekiny, poszewki na poduszki. Niemal każda rosyjska rodzina umiała haftować, zarówno na wsi, jak iw mieście. Stopniowo haft z prac domowych, kiedy produkty powstawały na własne potrzeby, staje się rzemiosłem – na zamówienie, a potem rzemiosłem – produkcją na sprzedaż. U podstaw sztuki hafciarskiej leżą lokalne tradycje i ich głęboka znajomość hafciarek.

Prowincja Niżny Nowogród zawsze wyróżniała się szeroką gamą haftów ludowych, ale najbardziej lubiane były takie rodzaje, jak żaluzje, linia i gładka powierzchnia. Haft nadal rozwija się w regionie Niżnego Nowogrodu, a obecnie w zakładach szycia i haftu. Znajdują się one w tradycyjnych ośrodkach sztuki ludowej – Gorodec, Arzamas, Czkałowsk, Katunki, Niżny Nowogród, Lyskovo, Shakhunye, Prevomaisk i Bor. Przedsiębiorstwa te produkują szeroką gamę wyrobów zdobionych haftem, zarówno odzieżowych, jak i artykułów gospodarstwa domowego. Obecnie region Niżny Nowogród zajmuje jedno z pierwszych miejsc w Rosji pod względem rozwoju rzemiosła hafciarskiego i różnorodności haftu.

W naszym kraju i za granicą bardzo znany jest haft „gipiura z Niżnego Nowogrodu”. Ten poprzez haft wykonywany jest na siatce o rozmiarze oczek do 1 cm, uzyskanej na tkaninie poprzez wyciągnięcie określonej ilości nitek. W innych regionach Rosji ten haft nie występuje. Powstała na przełomie XIX i XX wieku, za jej przodków uważa się hafciarki katuńskie. W rezultacie wzór z gipiury fałduje się jak mozaika na różne sposoby nakładka wątku.

W gipirze opracowano dwie ozdoby – geometryczną i roślinną. Rzemieślniczki mogą wykonać ponad 30 rodzajów kwiatów, zachowując cechy stylu zdobniczego Niżnego Nowogrodu. Tradycyjny haft złoty z powodzeniem rozwija się w regionie Niżnego Nowogrodu. Wykonany jest ze specjalnie wykonanych złoconych nici. Haft ten służy do ozdabiania odświętnych ubrań, szalików i szalików, a także przedmiotów przeznaczonych do dekoracji wnętrz - poduszek ozdobnych, paneli ściennych.

Damskie bluzki, garsonki i sukienki wykonane z naturalnych tkanin bawełnianych i jedwabnych haftowane są w eleganckie jasne wzory techniką białej i kolorowej gładkości. Na gładkiej powierzchni każda forma ornamentu wypełniona jest ściśle przylegającymi do siebie ściegami. Haft ten wykorzystywany jest również do zdobienia obrusów, ręczników, serwetek itp. Wzór haftu żaluzjowego wyróżnia się lekkim graficznym charakterem. Tambour to łańcuch małych pętli nici, które tworzą reliefową linię wzoru na tkaninie.

Produkty fabryk szycia wyróżniają się połączeniem nowoczesnej mody i dekoracyjnych wykończeń w tradycjach haftu ludowego Niżnego Nowogrodu. Zawsze rozpoznawalne są osobliwe wzory roślinne, wizerunki słonecznych koni, ptasie szczęście, które ludowe rzemieślniczki miały urozmaiconą formę i głębokie znaczenie symboliczne.

Robienie koronek

Koronkowanie klockowe było szeroko rozwinięte w regionie Niżnego Nowogrodu. Bałachna była jednym z najbardziej znanych ośrodków koronkarskich w Rosji. W XIX wieku tkaniem koronek zajmowała się połowa całej żeńskiej populacji Bałachny, a także mieszkanki sąsiednich wiosek.

Koronkę tka się wzdłuż "skolki" - wzoru, który nakłada się na papier najpierw liniami, a następnie kropkami, w które wbija się szpilki. Chip jest mocowany na poduszce - wałku wypełnionym sianem lub trocinami. Koronkę tka się za pomocą szpulek - drewnianych patyczków, na które nawijane są nici. Koronkę utkano z cienkich nici bawełnianych i jedwabnych w kolorach złotym, białym i czarnym. Podczas tkania używa się od 15 do 200 par szpulek.

Rzemieślniczki Balachny tkały szale, chusty, nakrycia głowy, paski, warkocze chustek, końce ręczników, kołnierze, sukienki i płaszcze. Typowe dla tych produktów były motywy kwiatowe, ale były też geometryczne w postaci rombów, kółek, łańcuszków. Opracowano specjalny rodzaj koronki - "hoodie manier", którego oryginalność polegała na jasnym tiulowym tle, na którym ulokowano bukiety kwiatów.

Sztuka koronki nie została dziś zapomniana. W latach 70. w Bałachnie otwarto centrum koronkarskie, w którym najstarsza rzemieślniczka Varvara Bykova przekazywała młodym artystom tajniki sztuki koronkarskiej. Obecnie dzieci i dorośli uczą się koronkarstwa w centrach sztuki ludowej w regionie Niżnego Nowogrodu.

Bornukowski rzeźbiony kamień.

Artystyczna obróbka kamienia jest najstarszą formą sztuki ludowej. Szeroka dystrybucja i łatwa dostępność takich materiałów jak kamień, jego naturalny efekt dekoracyjny, różnorodność kolorów i wzorów, od dawna przyciągają do niego ludowych rzemieślników. W regionie Niżnego Nowogrodu artystyczne rzeźbienie w kamieniu odbywa się w fabryce Jaskini Bornukowskiej we wsi Bornukovo, położonej nad rzeką Pyan. Wysoki prawy brzeg tej rzeki składa się z muszli i alabastru. Na płytkiej głębokości znajduje się warstwa ozdobnego kolorowego kamienia.

Wylewając się na wiosnę, rzeka zmyła wybrzeże i z czasem utworzyła się tu ogromna jaskinia. W latach 20. XX wieku we wsi Bornukovo zorganizowano mały artel w celu wydobycia i obróbki alabastru. Równolegle z alabastrem rozbito również ozdobny kolorowy kamień. Dlatego w 1930 roku postanowiono otworzyć przy artelu warsztat kamieniarski. Do organizacji prac zaproszono uralskich rzemieślników - doświadczonych kamieniarzy.

Główny asortyment wyrobów artystycznych powstał przy udziale uralskiego artysty Shalnova Pavela Leontyevicha. Były to przybory do pisania i popielniczki, ozdobione wizerunkami, głównie egzotycznych zwierząt: lwów, lampartów, tygrysów, panter, słoni. W tym samym czasie pojawiły się pierwsze rzeźbiarskie wizerunki narodu radzieckiego: żołnierza Armii Czerwonej, spadochroniarza, górnika, robotnika hutniczego. W 1937 r. wyroby artystyczne mistrzów z Bornuku zostały nagrodzone na Wystawie Paryskiej. Obecnie fabryka opracowała ponad 70 rodzajów wysoce artystycznych produktów.

Są to artykuły gospodarstwa domowego: lampki nocne, popielniczki, kubki, tace; przedmioty dekoracyjne: parawany, małe rzeźby zwierząt, a także różne pamiątki. Rzeźba zwierzęca staje się tradycją na Bornukovie i zajmuje czołowe miejsce w asortymencie. Rzemieślnicy Bornuka wytwarzają wyroby z miękkich skał kamiennych - selenit, kalcyt, kamień gipsowy - anhydryt. Miejscowy kamień ozdobny jest bogaty w kolory, może być niebieski, czerwonawy, brązowy, zielony, różowy. Właściwości tego niezwykle dekoracyjnego miękkiego kamienia determinowały cechy stylistyczne zarówno artystycznego rzeźbienia w kamieniu, jak i ogólnie rzemiosła.

W rzeźbach twórców ludowych widać uogólnienie form, charakterystyczne cechy sylwetki, miękką artykulację detali, umiejętność trafnego oddania przez artystę zwyczajów i charakterów różnych zwierząt. Szczególne miejsce w rzeźbie Bornuka zajmuje rosyjski niedźwiedź, na którego wizerunku owocnie pracował artysta kamieniarz Paweł Kuryszew. W twórczości innego mistrza, Piotra Minajewa, dominują dynamiczne obrazy galopującego konia. Wysublimowany romantyzm i emocjonalne uniesienie to cechy charakterystyczne bornuckiego rzemiosła kamieniarskiego na obecnym etapie.

LITERATURA

Kaplan N.I., Mitlyanskaya T.B. Sztuka ludowa i rzemiosło ludowe: Proc. Korzyść. - M.: Wyższe. Szkoła, 1980 r. - 176 s., chor.

Moran A. Historia sztuki i rzemiosła. - M .: Art, 1982. - 577 s., il.

Popova OS, Kaplan N.I. Rosyjskie rzemiosło artystyczne. - M.: Wiedza, 1984. - 144 s.

Utkin P.I., Koroleva N.S. Sztuka ludowa i rzemiosło. - M.: Wyższe. Szkoła, 1992 r. - 159 pkt.

Andreeva O., Bezhina I. Zabawki kredensowe do podziwiania // Sztuka ludowa. - 2000. - nr 2. - str.46-47.

ChochłowaE. Ceramika Skopińskiego // sztuka ludowa. - 1997. - nr 6. - str.38-40.

Hostowane na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Rzemiosło sztuki ludowej jest jedną z form sztuki ludowej. Malarstwo Khokhloma. Ceramika Gzhel. Zabawka Dymkowo. Rosyjska lalka gniazdująca. Malowanie gorodetów. Koronka Vyatka. Szale Pavlovo. Malarstwo Zhostovo. Zabawka Filimonowa.

prezentacja, dodano 21.03.2013


Kreacja i produkcja wyrobów artystycznych mających praktyczne zastosowanie w życiu publicznym i prywatnym. Gzhel jako główny ośrodek rosyjskiej ceramiki. Malowanie Khokhloma na drewnie. Technologia produkcji Palech. Pochodzenie koronki Wołogdy.

prezentacja, dodana 03.12.2014


Sztuka dekoracyjna i użytkowa jest podstawą każdej kultury narodowej. Rola przedmiotów gospodarstwa domowego w ludowych tradycjach obchodzenia ważnych wydarzeń w życiu. Ręczniki z długimi haftowanymi lub tkanymi końcami. Malowane chochle w formie łódki.

prezentacja, dodana 03.04.2013


Warunki i cechy formowania się ludu oraz sztuki i rzemiosła na terenie regionu Biełgorod. Najlepsze postacie i rzemieślnicy w dziedzinie rzemiosła ludowego. Cele i organizacja szkolenia w rzemiośle. Tradycje kulturowe dzielnicy Gubkinsky.

streszczenie, dodane 24.08.2011


Krótka historia powstawania i rozwoju sztuki dekoracyjnej i użytkowej Dagestanu. Charakterystyczne cechy ceramiki ludowej, dywanów i kilimów, biżuterii i architektury. Sztuka rzeźbienia w kamieniu i drewnie. Broń artystyczna Dagestanu.

praca dyplomowa, dodana 26.02.2013


Rodzaje rzemiosła ludowego. Sztuka dekoracyjna i użytkowa artystycznej obróbki drewna. Geograficzne ośrodki rzeźbienia w drewnie w Rosji, Ukrainie, Białorusi, Litwie. Nowoczesna rzeźba Bogorodsk - rzeźbione zabawki i rzeźby wykonane z miękkiego drewna.

streszczenie, dodane 06.03.2010


Rodzaje rzemiosła ludowego w Rosji i ich cechy. Obrazy artystyczne i ozdoba. Umieszczenie rzemiosła ludowego na terytorium Rosji. Kształtowanie zainteresowania sztuką i rzemiosłem wśród młodego pokolenia. Rzemiosło ludowe Don.

praca semestralna, dodana 02/09/2010


Rzemiosło artystyczne Zhostovo: dekoracyjne malowanie na metalowych tacach. Zabawki Dymkovo i Filimonovo, obrazy Gorodets i Khokhloma. Malowane pisanki jako prototyp rosyjskiej matrioszki. Ceramika Gzhel i Skopinsky.

streszczenie, dodane 13.06.2009


Ludowe rzemiosło kobiece i jego znaczenie. Podstawowe techniki tkackie. Narzędzia stosowane w przetwórstwie lnu. Typologia i semantyka wzorców rosyjskich. Rodzaje szwów stosowanych przez rosyjskich hafciarzy. Rozwój koronki w Rosji.

praca semestralna, dodano 23.11.2014


Formacja historyczna i obecny status tradycyjnej sztuki i rzemiosła w Rosji. Produkcja drewnianych rzemiosł w przedsiębiorstwie "Bogorodski rzeźbiarz". Technologia rzeźbienia konturowego, geometrycznego i owalnego.

Wtorek, 15 lutego 2011 10:20 + cytować pad

Artykuł został napisany na podstawie materiałów z serwisu „Kraj Mistrzów” (w większości).

Studiując niedawno odkrytą stronę „Country of Masters” i nie przestając być zaskakiwanym i podziwianym różnorodnością technik stosowanych w sztuce oraz talentem naszych ludzi, postanowiłem usystematyzować techniki.
Lista będzie aktualizowana w miarę odkrywania nowych technik.

* Techniki związane z użyciem papieru:

1. Składanie tęczówki („Tęczowe składanie”) – technika składania papieru. Pojawił się w Holandii. Technika wymaga uwagi i dokładności, ale jednocześnie pozwala z łatwością wykonać efektowne pocztówki czy ozdobić strony niezapomnianego albumu (scrapbooking) ciekawymi elementami dekoracyjnymi.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/776

2. Tworzywa papierowe pod względem kreatywności są bardzo podobne do rzeźby. Ale w papierowym plastiku wszystkie produkty są puste w środku, wszystkie produkty są skorupami przedstawionego obiektu. A w rzeźbie albo objętość jest zwiększana o dodatkowe elementy, albo nadmiar jest usuwany (odcinany).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/462

3. Rury faliste – tak nazywa się technika wytwarzania produktów, w której do zdobienia powierzchni lub do tworzenia figury wolumetryczne stosowane są tuby z tektury falistej. Rury faliste uzyskuje się poprzez nawijanie paska papieru na patyk, ołówek lub igłę dziewiarską, a następnie ściskanie. Sprasowana rura falista dobrze trzyma swój kształt i ma wiele możliwości wykonania i zastosowania.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492

4. Quilling (od angielskiego quilling - od słowa quil "ptasie pióro") - sztuka zwijania papieru. Pochodzi ze średniowiecznej Europy, gdzie zakonnice tworzyły medaliony poprzez skręcanie na czubku ptasiego pióra pasków papieru ze złoconymi krawędziami, co tworzyło imitację złotej miniatury.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
http://stranamasterov.ru/node/1364

4. Origami (z japońskich liter: „papier składany”) to starożytna sztuka składania papierowych figurek. Sztuka origami ma swoje korzenie w starożytnych Chinach, gdzie odkryto papier.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
Rodzaje:
- Kirigami - rodzaj origami, który umożliwia wykorzystanie nożyczek i wycinania papieru w procesie tworzenia modelu. Na tym polega główna różnica między kirigami a innymi technikami składania papieru, co podkreśla nazwa: kiru – cięty, kami – papier.
Pop-up to cały trend w sztuce. Technika ta łączy w sobie elementy technik.
- Kirigami and Cutouts i pozwala tworzyć trójwymiarowe projekty i pocztówki, które składają się na płaską figurę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama (jap. „piłka lekarska”) – papierowy model, który zwykle (choć nie zawsze) powstaje przez zszycie ze sobą końców wielu identycznych modułów piramidalnych (zwykle stylizowane kwiaty złożone z kwadratowej kartki papieru), tak aby kulisty korpus uzyskuje formy. Alternatywnie poszczególne elementy można skleić ze sobą (na przykład kusudama na dolnym zdjęciu jest całkowicie sklejona, a nie zszyta). Czasami, jako ozdoba, od spodu przymocowany jest frędzel.
Sztuka kusudamy wywodzi się ze starożytnej japońskiej tradycji, w której kusudama była używana do kadzidła i mieszanki suchych płatków; mogły to być pierwsze prawdziwe bukiety kwiatów lub ziół. Samo słowo jest kombinacją dwóch japońskich słów kusuri (medycyna) i tama (piłka). Obecnie kusudami są zwykle używane do dekoracji lub jako prezenty.
Kusudama jest ważną częścią origami, szczególnie jako prekursor origami modułowego. Często jest mylony z origami modułowym, co jest niepoprawne, ponieważ elementy tworzące kusudamę są szyte lub sklejane, a nie zagnieżdżone w sobie, jak sugeruje origami modułowe.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- Origami z kręgów - składane origami z papierowego koła. Zwykle aplikacja jest następnie sklejana z zagiętych części.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- Origami modular - tworzenie trójwymiarowych figurek z trójkątnych modułów origami - wynalezionych w Chinach. Całość składa się z wielu identycznych części (modułów). Każdy moduł składany jest zgodnie z zasadami klasycznego origami z jednej kartki papieru, a następnie moduły są łączone poprzez zagnieżdżanie ich w siebie. Powstała siła tarcia nie pozwala na rozpad struktury.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15

5. Papier-mâché (francuski papier-mâché „papier do żucia”) to łatwo formowalna masa uzyskana z mieszanki materiałów włóknistych (papier, tektura) z klejami, skrobią, gipsem itp. Papier-mâché służy do wyrobu manekinów, maski, pomoce naukowe, zabawki, rekwizyty teatralne, pudełka. W niektórych przypadkach nawet meble.
W Fedoskino, Palekh, Kholui papier-mâché służy jako podstawa tradycyjnych miniatur lakierniczych.
Możesz ozdobić blankiet papier-mache nie tylko farbami, malując jak znani artyści, ale także za pomocą decoupage lub asamblażu.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561

7. Tłoczenie (inna nazwa to „wytłaczanie”) - wytłaczanie mechaniczne, które tworzy obrazy na papierze, kartonie, materiale polimerowym lub plastiku, folii, pergaminie (technika nazywana „pergaminem”, patrz niżej), a także na skórze lub brzozie kora, w której sam materiał jest wytłoczony stemplem wypukłym lub wklęsłym z podgrzewaniem lub bez, czasem z dodatkowym zastosowaniem folii i farby. Tłoczenie wykonujemy głównie na okładkach książek, pocztówkach, zaproszeniach, etykietach, opakowaniach miękkich itp.
Ten rodzaj pracy może być determinowany wieloma czynnikami: siłą, fakturą i grubością materiału, kierunkiem jego cięcia, układem i innymi czynnikami.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1626
Rodzaje:
- Pergamin - pergamin (gruba kalka woskowana) jest obrabiany za pomocą narzędzia do wytłaczania i staje się wypukły i wybiela podczas obróbki. W tej technice uzyskuje się ciekawe pocztówki, a tę technikę można również wykorzystać do zaprojektowania scrappage.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1705
- Teksturowanie - nakładanie obrazu za pomocą kliszy na gładki materiał, najczęściej metalizowany papier, w celu symulowania tłoczenia folii. Stosowany również do imitowania skóry niektórych ras (np. klisza z wzorem imitującym skórę krokodyla itp.)

* Techniki związane z tkaniem:
Człowiek nauczył się tkactwa znacznie wcześniej niż garncarstwa. Początkowo tkał mieszkania (dachy, płoty, meble), wszelkiego rodzaju kosze na różne potrzeby (kołyski, tuesa, wozy, żółwie, kosze) oraz buty z długich giętkich gałęzi. Człowiek nauczył się zaplatać włosy w warkocz.
Wraz z rozwojem tego typu robótek ręcznych pojawiało się coraz więcej różnych materiałów do aplikacji. Okazało się, że można tkać ze wszystkiego, co się spotka: z winorośli i trzciny, ze sznurów i nici, ze skóry i kory brzozowej, z drutu i koralików, z gazet…. Takie techniki tkackie jak tkanie, tkanie z kory brzozowej i pojawiły się trzciny, frywolitki, tkanie węzłów makramy, tkanie szpulek, koralików, ganutel, tkanie kordu kumihimo, tkanie kolczugi, tkanie siatki, tkanie mandali indyjskich, ich imitacje (tkanie z pasków papieru i opakowań po cukierkach, tkanie z gazet i czasopism) ...
Jak się okazało, ten rodzaj robótek ręcznych jest nadal popularny, ponieważ za jego pomocą można utkać wiele pięknych i przydatnych rzeczy, dekorując nimi nasz dom.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/302

1. Beading, podobnie jak same koraliki, ma długą historię. Starożytni Egipcjanie jako pierwsi nauczyli się tkać naszyjniki z paciorkowatych nici, sznurkowych bransoletek i zakrywać kobiece sukienki siatkami z paciorków. Jednak dopiero w XIX wieku rozpoczął się prawdziwy rozkwit produkcji koralików. Wenecjanie przez długi czas pilnie strzegli tajemnic stworzenia szklanego cudu. Rzemieślnicy i rzemieślnicy dekorowali koralikami ubrania i buty, torebki i torebki, etui na wachlarze i okulary, a także inne eleganckie rzeczy.
Wraz z pojawieniem się koralików w Ameryce, tubylcy zaczęli używać ich zamiast tradycyjnych, znanych indyjskich materiałów. Do pasa rytualnego, kołyski, opaski, kosza, siatki na włosy, kolczyków, tabakierek...
Na Dalekiej Północy haftem koralikowym używano do ozdabiania futra, wysokich futrzanych butów, czapek, uprzęży reniferów, skórzanych okularów przeciwsłonecznych...
Nasze prababki były bardzo pomysłowe. Wśród ogromnej różnorodności eleganckich bibelotów znajdują się niesamowite przedmioty. Pędzle i etui na kredę, etui na wykałaczkę (!), kałamarz, długopis i ołówek, obrożę dla ulubionego psa, uchwyt na kubek, koronkowe obroże, pisanki, szachownice i wiele, wiele, wiele więcej.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1355

2. Ganutel - ekskluzywne maltańskie robótki ręczne. To właśnie w klasztorach Morza Śródziemnego zachowała się ta technika tworzenia pięknych kwiatów do dekoracji ołtarza.
Ganutel wykorzystuje cienki spiralny drut i jedwabne nici do nawijania części, a także koraliki, perły lub koraliki. Genialne kwiaty są eleganckie i lekkie.
W XVI wieku spiralny drut ze złota lub srebra nazywano po włosku „canutiglia”, a po hiszpańsku „canutillo”, po rosyjsku słowo to prawdopodobnie przekształciło się w „gimp”.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1170

3. Makrama (z arabskiego - warkocz, frędzle, koronka lub z tureckiego - szalik lub serwetka z frędzlami) - technika tkania sferoidalnego.
Technika tego tkania sferoidalnego znana jest od starożytności. Według niektórych doniesień makrama przybyła do Europy w VIII-IX wieku ze Wschodu. Technika ta była znana w starożytnym Egipcie, Asyrii, Iranie, Peru, Chinach, starożytnej Grecji.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/750

4. Koronkowe tkanie na szpulce. W Rosji nadal znane są rzemiosła Wołogdy, Yelets, Kirow, Belevsky, Michajłowski.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1687

5. Frywolitka to tkana sferoidalna koronka. Nazywana jest również koronką czółenkową, ponieważ ta koronka jest tkana specjalnym czółenkiem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1728

* Techniki związane z malowaniem, różnymi rodzajami malowania i tworzenia obrazów:

Rysunek to gatunek w sztukach wizualnych i odpowiadająca mu technika, która tworzy obraz wizualny (obraz) na powierzchni lub przedmiocie za pomocą środków graficznych, rysując elementy (w przeciwieństwie do elementów obrazkowych), głównie z linii i kresek.
Na przykład: rysunek węglem, rysunek ołówkiem, tuszem i piórem...
Malarstwo - rodzaj sztuki plastycznej związany z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farb na solidną lub elastyczną bazę; tworzenie wizerunku z wykorzystaniem technologii cyfrowej; a także dzieła sztuki wykonane w ten sposób.
Najczęstsze prace malarskie wykonywane są na płaskich lub prawie płaskich powierzchniach, takich jak płótno naciągnięte na blejtram, drewno, tektura, papier, obrobione powierzchnie ścienne itp. Obrazy obejmują również obrazy malowane na naczyniach dekoracyjnych i ceremonialnych. złożone kształty.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218

1. Batik - ręcznie malowany na tkaninie przy użyciu rezerwowych kompozycji.
Technika batikowa opiera się na tym, że parafina, klej gumowy, a także niektóre inne żywice i lakiery po nałożeniu na tkaninę (jedwab, bawełna, wełna, syntetyki) nie przepuszczają farby - lub, jako artyści mówią: „rezerwa” z barwienia poszczególnych fragmentów tkaniny.
Istnieje kilka rodzajów batiku - na gorąco, na zimno, sferoidalne, swobodne malowanie, swobodne malowanie solą fizjologiczną, shibori.
Batik - batik to indonezyjskie słowo. W tłumaczeniu z indonezyjskiego słowo „ba” oznacza bawełnianą tkaninę, a „-tik” oznacza „kropkę” lub „kroplę”. Ambatik - rysuj, przykryj kroplami, kreskuj.
Malarstwo „batik” od dawna znane jest wśród ludów Indonezji, Indii itp. W Europie - od XX wieku.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/916

2. Witraże (łac. Vitrum - szkło) to jeden z rodzajów sztuki zdobniczej. Materiałem podstawowym jest szkło lub inny przezroczysty materiał. Historia witraży zaczyna się od czasów starożytnych. Początkowo szkło wstawiano do okna lub drzwi, potem pojawiły się pierwsze obrazy mozaikowe i samodzielne kompozycje dekoracyjne, panele wykonane z kolorowych kawałków szkła lub malowane specjalnymi farbami na szkle gładkim.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886

3. Przedmuchiwanie - technika polegająca na przedmuchiwaniu farby przez tubę (na kartkę papieru). Ta starożytna technika była tradycyjna zarówno dla twórców starożytnych obrazów (używano rurek kostnych).
Nowoczesne tuby na soki nie są gorsze w użyciu. Pomagają wydmuchać rozpoznawalne, niezwykłe, a czasem fantastyczne rysunki z niewielkiej ilości płynnej farby na kartkę papieru.

4. Gilosz - technika ręcznego wypalania ażurowego wzoru na tkaninie za pomocą aparatu do wypalania została opracowana i opatentowana przez Zinaidę Petrovna Kotenkova.
Gilosz wymaga precyzji w pracy. Powinna być wykonana w jednolitej kolorystyce i odpowiadać stylowi zdobnictwa danej kompozycji.
Serwetki, panele z aplikacjami, zakładki do książek, chusteczki do nosa, kołnierzyki - to wszystko i wiele więcej, które podpowie Ci wyobraźnia, ozdobią każdy dom!
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342

5. Grattage (z tarki francuskiej - drapanie, drapanie) - technika drapania.
Rysunek podkreślamy drapiąc długopisem lub ostrym narzędziem po papierze lub kartonie wypełnionym tuszem (aby się nie rozmazał, trzeba dodać trochę detergentu lub szamponu, wystarczy kilka kropel).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/686

6. Mozaika to jedna z najstarszych sztuk. Jest to sposób na stworzenie obrazu z małych elementów. Ułożenie puzzli jest bardzo ważne dla rozwoju umysłowego dziecka.
Może być wykonany z różnych materiałów: kapsle, koraliki, guziki, plastikowe wióry, drewniane piłowane kawałki gałązek lub zapałek, kawałki magnetyczne, szkło, ceramika, małe kamienie, muszle, termomozaika, tetris-mozaika, monety, kawałki tkanina lub papier, zboże, zboża, nasiona klonu, makaron, wszelkie naturalne materiały (łuski szyszek, igły, nasiona arbuza i melona), wióry ołówkowe, ptasie pióra itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/438

7. Monotypia (z greckiego monos – jeden, pojedynczy i tupos – druk) – jedna z najprostszych technik graficznych.
Za pomocą gładka powierzchnia szkło lub gruby błyszczący papier (nie powinien przepuszczać wody) - rysunek wykonuje się farbą gwaszową lub farbami. Arkusz papieru jest kładziony na wierzchu i dociskany do powierzchni. Rezultatem jest lustrzane odbicie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/663

8. Grafika wątku (wątek, obraz wątku, projekt wątku) - obraz graficzny, wykonane w specjalny sposób nićmi na tekturze lub innym solidnym podłożu. Grafika nitkowa jest również czasami nazywana haftem izograficznym lub kartonowym. Jako bazę można również użyć aksamitu (papier aksamitny) lub grubego papieru. Nici mogą być zwykłe szwalnicze, wełniane, nici dentystyczne lub inne. Możesz również użyć kolorowych nici jedwabnych.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/452

9. Ornament (łac. ornamentum - dekoracja) - wzór oparty na powtarzaniu i przemienności jego elementów składowych; przeznaczone do ozdabiania różnych przedmiotów (naczynia, narzędzia i broń, tekstylia, meble, książki itp.), obiektów architektonicznych (zarówno z zewnątrz, jak i wewnątrz), dzieł plastycznych (głównie użytkowych), wśród ludów prymitywnych, a także samo ciało ludzkie (kolorystyka, tatuaż). W połączeniu z powierzchnią, którą zdobi i wizualnie organizuje, ornament z reguły odsłania lub podkreśla architekturę obiektu, na którym jest nałożony. Ornament albo operuje abstrakcyjnymi formami, albo stylizuje rzeczywiste motywy, często nie do poznania schematyzując je.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222

10. Drukuj.
Rodzaje:
- Nadruk gąbkowy. Do tego nadaje się zarówno gąbka morska, jak i zwykła przeznaczona do mycia naczyń.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1094
Drewno jest zwykle używane jako materiał wyjściowy do stemplowania kliszowym nadrukiem, dzięki czemu wygodnie jest wziąć je do ręki. Jedna strona jest wyrównana, ponieważ. nakleja się na nią karton, a wzory na kartonie. Mogą być (wzory) z papieru, z liny, ze starej gumki, z roślin okopowych ...
- Pieczęć (stemplowanie). Drewno jest zwykle używane jako materiał wyjściowy do stemplowania kliszowym nadrukiem, dzięki czemu wygodnie jest wziąć je do ręki. Jedna strona jest wyrównana, ponieważ. nakleja się na nią karton, a wzory na kartonie. Mogą być (wzory) z papieru, z liny, ze starej gumki, z roślin okopowych itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1068

11. Puentylizm (fr. Pointillisme, dosłownie „kropkowaty”) - styl pisania w malarstwie wykorzystujący czyste farby, które nie mieszają się na palecie, nakładany małymi pociągnięciami o prostokątnym lub okrągłym kształcie, oparty na ich optycznym mieszaniu w oko widza, w przeciwieństwie do mieszania farb na palecie. Optyczne mieszanie trzech kolorów podstawowych (czerwony, niebieski, żółty) oraz par kolorów dodatkowych (czerwony - zielony, niebiesko - pomarańczowy, żółto - fioletowy) daje znacznie większą jasność niż mechaniczna mieszanka pigmentów. Mieszanie kolorów z powstawaniem odcieni pojawia się na etapie percepcji obrazu przez widza z daleka lub w formie zredukowanej.
Założycielem stylu był Georges Seurat.
Inną nazwą puentylizmu jest dywizja (od łac. divisio – podział, miażdżenie).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700

12. Rysowanie dłońmi. Małe dzieci mają trudności z używaniem pędzla. Istnieje bardzo ekscytująca aktywność, która da dziecku nowe doznania, rozwinie zdolności motoryczne rąk i zapewni możliwość odkrycia nowego, magicznego świata. kreatywność artystyczna To jest malowanie ręczne. Rysując rękoma mali artyści rozwijają wyobraźnię i myślenie abstrakcyjne.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315

13. Rysowanie z odciskami liści. Po zebraniu różnych opadłych liści posmaruj każdy liść gwaszem z boku żył. Papier, na którym zamierzasz drukować, może być kolorowy lub biały. Dociśnij arkusz malowaną stroną do arkusza papieru, ostrożnie go wyjmij, biorąc „ogon” (ogonek). Ten proces można powtarzać w kółko. A teraz, po dokończeniu szczegółów, masz już motyla lecącego nad kwiatem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/667

14. Malowanie. Jeden z najstarszych rodzajów rzemiosła ludowego, który od kilku stuleci jest nieodłączną częścią życia codziennego i oryginalna kultura ludzie. W rosyjskiej sztuce ludowej istnieje wiele odmian tego rodzaju sztuki i rzemiosła.
Oto niektóre z nich:
- Malarstwo Zhostovo - stare rosyjskie rzemiosło ludowe, powstałe w początek XIX wieku, we wsi Zhostovo, powiat Mytishchi, obwód moskiewski. Jest to jeden z najbardziej znanych rodzajów rosyjskiego malarstwa ludowego. Tace Zhostovo są malowane ręcznie. Zazwyczaj bukiety kwiatów są przedstawiane na czarnym tle.
- Malarstwo gorodeckie - Rosyjskie rzemiosło ludowe. Istnieje od połowy XIX wieku. w pobliżu miasta Gorodets. Jasne, lakoniczne malarstwo Gorodets (sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, motywy kwiatowe), wykonane swobodnym pociągnięciem pędzla z biało-czarnymi graficznymi pociągnięciami, zdobione kołowrotki, meble, okiennice i drzwi.
- Obraz Khokhloma - stare rosyjskie rzemiosło ludowe, urodzone w XVII wieku w powiecie Niżnym Nowogrodzie.
Khokhloma to dekoracyjny obraz drewnianych przyborów i mebli, wykonany w czerni i czerwieni (czasem także w zieleni) na złotym tle. Podczas malowania drzewa na drzewo nakłada się srebrny proszek cynowy. Następnie produkt jest pokrywany specjalną kompozycją i trzy- lub czterokrotnie przetwarzany w piecu, dzięki czemu uzyskuje się niepowtarzalny miodowo-złoty kolor, który nadaje efekt masywności lekkim drewnianym przyborom. Tradycyjnymi elementami Khokhloma są czerwone, soczyste jagody jarzębiny i truskawek, kwiaty i gałęzie. Często zdarzają się ptaki, ryby i zwierzęta.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301

15. Enkaustyka (od starożytnej greki. „Sztuka palenia”) - technika malarska, w której spoiwo farby to wosk. Malowanie odbywa się farbami w formie stopionej (stąd nazwa). Odmianą enkaustyki jest tempera woskowa, która wyróżnia się jasnością i bogactwem kolorów. W tej technice namalowano wiele wczesnochrześcijańskich ikon.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1485

*Techniki związane z szyciem, haftem i wykorzystaniem tkanin:
Szycie to potoczna forma czasownika „szyć”, czyli co jest szyte lub szyte.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1136

2. Patchwork, Quilting, Quilting lub Patchwork to ludowa sztuka i rzemiosło, o wielowiekowych tradycjach i cechach stylistycznych. Jest to technika polegająca na łączeniu kawałków wielobarwnych tkanin lub dzianin o geometrycznych kształtach w narzutę, bluzkę lub torbę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
Rodzaje:
- Karczoch to rodzaj patchworku, który swoją nazwę zawdzięcza podobieństwu do owocu karczocha. Ta technika ma inne nazwy - „zęby”, „rogi”, „łuski”, „pióra”.
Ogólnie rzecz biorąc, w tej technice wszystko sprowadza się do złożenia wyciętych części i przyszycia ich do podłoża w określonej kolejności. Lub za pomocą papieru skomponuj (przyklej) różne panele o zaokrąglonym (lub wielościennym kształcie) na płaszczyźnie lub objętości.
Istnieją dwa sposoby szycia: czubek półfabrykatów jest skierowany do środka głównej części lub do jej krawędzi. Dzieje się tak, jeśli szyjesz płaski produkt. Do produktów o charakterze wolumetrycznym - z końcówką do węższej części. Części, które mają być składane, niekoniecznie są pocięte na kwadraty. Mogą to być zarówno prostokąty, jak i koła. W każdym razie spotykamy się ze składaniem wyciętych półfabrykatów, dlatego można argumentować, że te techniki patchworkowe należą do rodziny patchworków origami, a ponieważ tworzą objętość, dlatego należą również do techniki „3d”.
Przykład: http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- Szalona kołdra. Niedawno natknąłem się również na ten. Myślę, że to multimetoda.
Najważniejsze jest to, że produkt powstaje z połączenia różnych technik: patchwork + haft + malowanie itp.
Przykład:

3. Tsumami Kanzashi. Tsumami opiera się na origami. Tylko że składają nie papier, ale kwadraty z naturalnego jedwabiu. Słowo „Tsumami” oznacza „szczypać”: mistrz bierze kawałek złożonego jedwabiu za pomocą pęsety lub pęsety. Płatki przyszłych kwiatów są następnie przyklejane do podstawy.
Spinka do włosów (kanzashi), ozdobiona jedwabnym kwiatem, nadała nazwę zupełnie nowemu rodzajowi sztuki i rzemiosła. Tą techniką wykonywano ozdoby na grzebienie i na pojedyncze pałeczki, a także na skomplikowane konstrukcje składające się z różnych akcesoriów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1724

* Techniki związane z dzianiem:
Co to jest robienie na drutach? Jest to proces wytwarzania wyrobów z ciągłych nitek poprzez zginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi ręcznych (szydełko, druty dziewiarskie).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/729

1. Dzianie na widelcu. Ciekawy sposób na szydełkowanie za pomocą specjalnego przyrządu - widelca wygiętego w kształt litery U. Efektem są lekkie, przewiewne wzory.
2. Szydełko (tambour) - proces ręcznego wytwarzania tkaniny lub koronki z nici za pomocą szydełka. tworząc nie tylko gęste, wytłaczane wzory, ale także cienkie, ażurowe, przypominające koronkową tkaninę. Wzory dziewiarskie składają się z różnych kombinacji pętli i kolumn. Prawidłowy stosunek - grubość haczyka powinna być prawie dwukrotnie większa od grubości nici.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/858
3. Proste (europejskie) dzianie pozwala łączyć kilka rodzajów pętelek, co tworzy proste i złożone ażurowe wzory.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1157
4. Tunezyjskie dzianie z długim haczykiem (zarówno jedna, jak i kilka pętli może jednocześnie uczestniczyć w tworzeniu wzoru).
5. Dzianie żakardowe - wzory są dziane na drutach z nici w kilku kolorach.
6. Dzianina filetowa - imituje haft filetowo-gipiurowy na specjalnej siatce.
7. Szydełko na drutach gipiurowych (koronka irlandzka lub brukselska).

2. Piłowanie. Jeden rodzaj to piłowanie wyrzynarką. Ozdabiając swoje życie i dom rękodziełem lub wygodnymi w codziennym życiu zabawkami dla dzieci, doświadczasz radości wygląd zewnętrzny i ciesz się procesem ich tworzenia.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1418

3. Rzeźba - rodzaj sztuki i rzemiosła. Jest to jeden z rodzajów artystycznej obróbki drewna wraz z piłowaniem, toczeniem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1113

* Inne techniki samowystarczalne:
1. Aplikacja (z łac. „doczepianie”) to sposób pracy z kolorowymi kawałkami różnych materiałów: papier, tkanina, skóra, futro, filc, kolorowe koraliki, koraliki, wełniane nici, metalowe blaszki, wszelkiego rodzaju tkaniny (aksamit , satyna, jedwab), suszone liście... Takie wykorzystanie różnorodnych materiałów i struktur w celu wzmocnienia możliwości wyrazowych jest bardzo bliskie innemu sposobowi przedstawienia - kolażowi.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
Istnieją również:
- Aplikacja z plasteliny - plastelinaografia - nowy rodzaj sztuka i rzemiosło. Jest to tworzenie malowideł sztukatorskich przedstawiających mniej lub bardziej wypukłe, półpojemne przedmioty na poziomej powierzchni. W gruncie rzeczy jest to rzadki, bardzo ekspresyjny rodzaj „malarstwa.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- Aplikacja z "palm". Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- Aplikacja Breakaway to jeden z rodzajów wielopłaszczyznowych technik aplikacji. Wszystko jest proste i dostępne, jak układanie mozaiki. Podstawą jest arkusz tektury, materiał to arkusz kolorowego papieru podartego na kawałki (kilka kolorów), narzędzie to klej i dłonie. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346

2. Assemblage (fr. assemblage) - technika plastyczna, zbliżona do kolażu, ale wykorzystująca trójwymiarowe detale lub całe obiekty, ułożone na płaszczyźnie jak obraz. Umożliwia malarskie dodatki farbami, a także metalem, drewnem, tkaniną i innymi konstrukcjami. Czasami stosuje się go do innych prac, od fotomontażu po kompozycje przestrzenne, ponieważ terminologia najnowszej sztuki wizualnej nie jest dobrze ugruntowana.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1412

3. Tunel papierowy. Oryginalna angielska nazwa tej techniki to książka tunelowa, którą można przetłumaczyć jako książkę lub papierowy tunel. Istota tej techniki jest dobrze prześledzona od angielskiej nazwy tunel - tunel - otwór przelotowy. Wielowarstwowy charakter „książek” (książek), które są kompilowane, dobrze oddaje wrażenie tunelu. Jest trójwymiarowa pocztówka. Nawiasem mówiąc, technika ta z powodzeniem łączy różne rodzaje technik, takie jak scrapbooking, aplikacja, wycinanie, tworzenie layoutów i obszernych książek. Jest trochę podobny do origami, ponieważ. mające na celu składanie papieru w określony sposób.
Pierwszy papierowy tunel datowany jest na połowę XVIII wieku. i był uosobieniem scen teatralnych.
Tradycyjnie tunele papierowe tworzone są dla upamiętnienia wydarzenia lub sprzedawane jako pamiątki dla turystów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411

4. Cięcie to bardzo szerokie pojęcie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
Wycina się je z papieru, tworzywa piankowego, gumy piankowej, kory brzozy, plastikowych butelek, mydła, sklejki (chociaż nazywa się to już piłowaniem), owoców i warzyw, a także innych różnych materiałów. Stosowane są różne narzędzia: nożyczki, makiety, skalpel. Wycinają maski, czapki, zabawki, pocztówki, panele, kwiaty, figurki i wiele innych.
Rodzaje:
- Cięcie sylwetkowe to technika cięcia, w której przedmioty o asymetrycznej strukturze są wycinane wzrokowo, o krzywoliniowych konturach (ryby, ptaki, zwierzęta itp.), o skomplikowanych konturach postaci i płynnych przejściach z jednej części do drugiej. Sylwetki są łatwo rozpoznawalne i wyraziste, powinny być pozbawione drobnych detali i jakby w ruchu. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- Krój jest symetryczny. Przy cięciu symetrycznym powtarzamy kontury obrazu, które muszą dokładnie wpasować się w płaszczyznę arkusza papieru złożonego na pół, konsekwentnie komplikując obrys sylwetki, aby prawidłowo oddać cechy zewnętrzne obiektów w aplikacjach w stylizowanym Formularz.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - sztuka wycinania ażurowych wzorów z papieru kolorowego, białego lub czarnego istnieje od czasów wynalezienia papieru w Chinach. I ten rodzaj rzeźbienia stał się znany jako jianzhi. Sztuka ta rozprzestrzeniła się na cały świat: Chiny, Japonia, Wietnam, Meksyk, Dania, Finlandia, Niemcy, Ukraina, Litwa i wiele innych krajów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- Rzeźba (patrz poniżej).

5. Decoupage (z francuskiego decoupage - rzeczownik, „co jest wycinane”) to technika zdobienia, aplikacji, ozdabiania motywami z ciętego papieru. Chińscy chłopi w XII wieku. zaczął dekorować w ten sposób meble. A oprócz wycinania obrazków z cienkiego kolorowego papieru, zaczęli pokrywać je werniksem, żeby wyglądały jak obraz! Tak więc, wraz z pięknymi meblami, ta technika dotarła również do Europy.
Dziś najpopularniejszym materiałem do decoupage są serwetki trójwarstwowe. Stąd inna nazwa - „technologia serwetkowa”. Zastosowanie może być absolutnie nieograniczone – naczynia, książki, szkatułki, świece, naczynia, instrumenty muzyczne, doniczki, butelki, meble, buty, a nawet ubrania! Każda powierzchnia – skóra, drewno, metal, ceramika, tektura, tekstylia, gips – musi być gładka i lekka, ponieważ. wzór wycięty z serwetki powinien być wyraźnie widoczny.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/722

6. Rzeźba (z ang. carvу – cięcie, cięcie, grawerowanie, cięcie; carving – rzeźbienie, rzeźbienie, rzeźbiony ornament, rzeźbiona postać) w kuchni – to najprostsza forma rzeźbienia lub grawerowania na powierzchni warzyw i owoców, takie krótkotrwałe dekoracje stołu.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339

7. Kolaż to gatunek twórczy, gdy praca jest tworzona z szerokiej gamy wyciętych obrazów wklejonych na papier, płótno lub cyfrowo. Pochodzi od ks. papier collée - papier wklejony. Bardzo szybko pojęcie to zaczęto stosować w sensie rozszerzonym - mieszanina różnych elementów, jasny i wyrazisty przekaz z fragmentów innych tekstów, fragmentów zebranych na tej samej płaszczyźnie.
Kolaż można wykonać dowolnym innym sposobem - tuszem, akwarelą itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/324

8. Konstruktor (z łac. konstruktor "konstruktor") - termin niejednoznaczny. Dla naszego profilu jest to zestaw pasujących części. czyli detale lub elementy jakiegoś przyszłego layoutu, o których informacje są zbierane przez autora, analizowane i ucieleśniane w pięknym, artystycznie wykonanym produkcie.
Projektanci różnią się rodzajem materiału - metalem, drewnem, plastikiem, a nawet papierem (na przykład papierowe moduły origami). Połączenie różnych elementów tworzy ciekawe projekty do gier i zabawy.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/984

9. Modelowanie – kształtowanie tworzywa sztucznego (plastelina, glina, plastik, ciasto solne, kula śnieżna, piasek itp.) za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych. Jest to jedna z podstawowych technik rzeźbiarskich, która ma na celu opanowanie podstawowych zasad tej techniki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/670

10. Layout to kopia obiektu ze zmianą rozmiaru (najczęściej zmniejszoną), wykonana z zachowaniem proporcji. Układ powinien również przekazywać główne cechy obiektu.
Do stworzenia tego wyjątkowego dzieła można użyć różnych materiałów, wszystko zależy od jego przeznaczenia funkcjonalnego (układ wystawy, prezent, prezentacja itp.). Może to być papier, karton, sklejka, klocki drewniane, części gipsowe i gliniane, drut.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1397
Widok układu — model jest prawidłowym układem, który przedstawia (imituje) wszelkie istotne cechy oryginału. Ponadto uwaga skupia się na pewnych aspektach modelowanego obiektu lub równie szczegółowego. Model jest przeznaczony do wykorzystania na przykład do wizualnego nauczania matematyki, fizyki, chemii i innych przedmiotów szkolnych, dla klubu morskiego lub lotniczego. Do modelowania stosuje się różne materiały: balony, lekką i plastyczną masę, wosk, glinę, gips, papier-mache, ciasto solne, papier, piankę, gumę piankową, zapałki, nici dziewiarskie, tkaniny ...
Modelowanie to tworzenie modelu, który jest niezawodnie zbliżony do oryginału.
„Modele” to te układy, które obowiązują. I modele, które nie działają, czyli "splot" - zwykle nazywany układem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1353

11. Produkcja mydła. Tłuszcze zwierzęce i roślinne, substytuty tłuszczu (syntetyczne kwasy tłuszczowe, kalafonia, kwasy naftenowe, olej talowy) mogą być wykorzystane jako surowce do otrzymywania głównego składnika mydła.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1631

12. Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - cięte, rzeźbione) - rzeźba, plastik - rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła mają trójwymiarowy kształt i są wykonane z materiałów litych lub plastikowych (metal, kamień, glina , drewno, tynk, lód, śnieg, piasek, guma piankowa, mydło). Metody przetwarzania - formowanie, rzeźbienie, odlewanie, kucie, struganie, cięcie itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1399

13. Tkactwo - produkcja tkanin i tekstyliów z przędzy.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1318

14. Filcowanie (lub filcowanie, lub filcowanie) - filcowanie wełny. Jest „mokry” i „suchy”.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/736

15. Pogoń za mieszkaniem jest jednym z rodzajów sztuki i rzemiosła, w wyniku wybicia na talerzu pewnej ozdobnej płaskorzeźby, rysunku, napisu lub okrągłego wizerunku, czasami zbliżonego do grawerowania, powstaje nowe dzieło sztuki .
Obróbka materiału odbywa się za pomocą pręta - ścigacza, który jest umieszczony pionowo, na którego górnym końcu uderzają młotkiem. Przenoszenie monet stopniowo się manifestowało Nowa forma. Materiał musi mieć pewną plastyczność i zdolność do zmiany pod wpływem siły.
Przykłady:

cytowany
Podobało mi się: 30 użytkowników

W przeciwieństwie do bezimiennych przedmiotów masowo produkowanych, ręcznie robione przedmioty są zawsze wyjątkowe. Po mistrzowsku wykonane sprzęty domowe, ubrania, elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach takie rzeczy były przedmiotami użytkowymi, to dziś przeszły do ​​kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez dobrego rzemieślnika zawsze będzie cenna.

W ostatnich latach rozwój sztuki użytkowej nabrał nowego rozmachu. Ten trend jest zachęcający. Piękne naczynia wykonane z drewna, metalu, szkła i gliny, koronki, tekstyliów, biżuterii, haftu, zabawek - po kilkudziesięciu latach zapomnienia wszystko to znów stało się aktualne, modne i poszukiwane.

Historia Moskiewskiego Muzeum Sztuki Ludowej

W 1981 roku w Moskwie przy ulicy Delegatskiej otwarto Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej. Jego kolekcja składała się z unikalnych przykładów rękodzieła. mistrzowie krajowi przeszłości, a także najlepsze prace współczesnych artystów.

W 1999 roku miało miejsce następujące ważne wydarzenie - Wszechrosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej przyjęło do swojej kolekcji eksponaty Muzeum Sztuki Ludowej im. Savvy Timofiejewicza Morozowa. Trzon tej kolekcji powstał przed rewolucją 1917 roku. Podstawą były eksponaty pierwszego rosyjskiego muzeum etnograficznego. Było to tzw. Muzeum Rzemiosła Rzemiosła Artystycznego i Użytkowego, otwarte w 1885 roku.

Muzeum posiada specjalistyczną bibliotekę, w której można zapoznać się z rzadkimi książkami z zakresu teorii i historii sztuki.

Kolekcja muzealna

Tradycyjne rodzaje rzemiosła artystycznego są usystematyzowane i podzielone na działy. Główne obszary tematyczne to ceramika i porcelana, szkło, biżuteria i metal, rzeźbienie w kości i drewnie, tekstylia, miniatury lakierów i materiały szlachetne.

Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej w otwartym funduszu i magazynach posiada ponad 120 tysięcy eksponatów. Rosyjska secesja jest reprezentowana przez dzieła Vrubela, Konenkowa, Golovina, Andreeva i Maliutina. Obszerna jest kolekcja sowieckiej porcelany i tkanin propagandowych z drugiej ćwierci ubiegłego wieku.

Obecnie to muzeum sztuki ludowej i rzemiosła uważane jest za jedno z najbardziej znaczących na świecie. Najstarsze eksponaty o wysokiej wartości artystycznej pochodzą z XVI wieku. Zbiory muzeum zawsze były aktywnie uzupełniane darowiznami osób prywatnych, a także dzięki wysiłkom odpowiedzialnych urzędników aparatu państwowego w latach władzy sowieckiej.

W ten sposób unikalna ekspozycja tkanin powstała w dużej mierze dzięki hojności obywatela Francji P. M. Tołstoja-Miłosławskiego, który przedstawił muzeum dużą kolekcję tkanin rosyjskich, orientalnych i europejskich, zgromadzoną przez N. L. Shabelską.

Dwie duże kolekcje porcelany zostały przekazane muzeum przez wybitne postacie sztuki radzieckiej - Leonida Osipowicza Utiosowa oraz małżonków Marię Mironową i Aleksandra Menakera.

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej posiada sale poświęcone życiu narodu rosyjskiego w różnych okresach. Tutaj możesz zapoznać się z mieszkaniami przedstawicieli różnych klas. Meble, naczynia, ubrania chłopów i mieszkańców miast, zabawki dla dzieci zostały zachowane, odrestaurowane i wystawione do oglądania. Rzeźbione dekoracje architrawów i daszków, pieców kaflowych, skrzyń, które służyły nie tylko jako wygodny schowek na rzeczy, ale także jako łóżka, ponieważ zostały wykonane w odpowiedniej wielkości, przywołują obrazy spokojnego, wyważonego i dobrze odżywionego życia rosyjski outback.

Lakier miniaturowy

Miniatura lakiernicza jako sztuka użytkowa osiągnęła swój szczyt w XVIII i XIX wieku. Miasta słynące z warsztatów malowania ikon stały się ośrodkami artystycznymi, które dawały pozwolenie na pobyt głównym nurtom. Są to Palekh, Mstyora, Kholuy i Fedoskino. Szkatułki, broszki, panele, skrzynie z masy papierowej malowano farbami olejnymi lub temperą i lakierowano. Rysunki były stylizowanymi wizerunkami zwierząt, roślin, postaci z bajek i eposów. Artyści, mistrzowie miniatur z laki, malowali ikony, wykonywali portrety na zamówienie, malowali sceny rodzajowe. Każda miejscowość wypracowała własny styl pisania, ale prawie wszystkie rodzaje sztuki użytkowej w naszym kraju łączą takie cechy, jak nasycenie i jasność kolorów. Szczegółowe opracowanie rysunków, gładkie i zaokrąglone linie - to wyróżnia rosyjskie miniatury. Ciekawe, że obrazy dawnej dekoracyjnej sztuki użytkowej inspirują także współczesnych artystów. Wzory vintage są często wykorzystywane do tworzenia tkanin do kolekcji modowych.

Malowanie artystyczne na drewnie

Malarstwo Khokhloma, Mezen i Gorodets jest rozpoznawalne nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Uosobieniem Rosji są meble, tuesa, pudełka, łyżki, miski i inne domowe przybory wykonane z drewna, pomalowane jedną z tych technik. Lekkie drewniane naczynia, pomalowane czarnymi, czerwonymi i zielonymi farbami na złotym tle, wyglądają masywnie i ciężko – to charakterystyczny styl Khokhloma.

Produkty Gorodets wyróżniają się wielobarwną paletą barw oraz nieco mniejszą, w porównaniu do Khokhloma, okrągłością form. Jako fabuły wykorzystywane są sceny rodzajowe, a także wszelkiego rodzaju fikcyjni i realni przedstawiciele świata zwierząt i roślin.

Sztuka i rzemiosło regionu Archangielska, w szczególności malarstwo Mezen na drewnie, to przedmioty użytkowe ozdobione specjalnymi wzorami. Rzemieślnicy z Mezen używają do swojej pracy tylko dwóch kolorów - czerni i czerwieni, czyli sadzy i ochry, ułamkowego schematycznego rysunku tut, szkatułek i skrzyń, fryzów w formie bordiur z powtarzających się ściętych postaci koni i jeleni. Statyczny, mały, często powtarzający się wzór wywołuje uczucie ruchu. Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych. Używane rysunki współcześni artyści, to hieroglify używane przez plemiona słowiańskie na długo przed powstaniem państwa rosyjskiego.

Rzemieślnicy drzewni przed obróceniem jakiegokolwiek przedmiotu z litego pręta traktują drewno przed pękaniem i wysychaniem, dzięki czemu ich produkty mają bardzo długą żywotność.

Tace Zhostovo

Metalowe tace pomalowane kwiatami są sztuką użytkową podmoskiewskiego Zhostova. Kiedyś tace Zhostovo miały wyłącznie cel użytkowy, od dawna służyły jako dekoracja wnętrz. Jasne bukiety dużych ogrodów i małych polnych kwiatów na czarnym, zielonym, czerwonym, niebieskim lub srebrnym tle są łatwo rozpoznawalne. Charakterystyczne bukiety Zhostovo zdobią teraz metalowe pudełka herbatą, ciasteczkami lub słodyczami.

Szkliwo

Taka sztuka i rzemiosło, jak emalia, nawiązuje również do malowania na metalu. Najbardziej znane są produkty mistrzów Rostowa. Przezroczyste farby ogniotrwałe nakładane są na blachę miedzianą, srebrną lub złotą, a następnie wypalane w piecu. W technice gorącej emalii, jak nazywana jest również emalia, wykonuje się biżuterię, naczynia, rękojeści broni i sztućce. Pod wpływem wysokiej temperatury farby zmieniają kolor, dlatego rzemieślnicy muszą zrozumieć zawiłości ich obchodzenia się. Najczęściej jako fabuły stosuje się motywy kwiatowe. Najbardziej doświadczeni artyści wykonują miniatury z portretami ludzi i pejzaży.

Majolika

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej daje możliwość obejrzenia dzieł uznanych mistrzów światowego malarstwa, wykonanych w nie do końca charakterystyczny dla nich sposób. Na przykład w jednej z sal znajduje się majolika Vrubela - kominek „Mikula Selyaninovich i Volga”.

Majolika to produkt wykonany z czerwonej gliny, malowany na surowej emalii i wypalany w specjalnym piecu w bardzo wysokiej temperaturze. W regionie Jarosławia sztuka i rzemiosło stało się powszechne i rozwinęło się dzięki dużej liczbie złóż czystej gliny. Obecnie w szkołach w Jarosławiu dzieci uczy się pracy z tym tworzywem sztucznym. Dziecięca sztuka użytkowa to drugi powiew dawnego rzemiosła, nowe spojrzenie na ludowe tradycje. To jednak nie tylko hołd dla tradycji narodowych. Praca z gliną rozwija zdolności motoryczne, poszerza kąt widzenia i normalizuje stan psychosomatyczny.

Gżel

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, w przeciwieństwie do sztuk pięknych, polega na utylitarnym, ekonomicznym wykorzystaniu przedmiotów stworzonych przez artystów. Czajniki porcelanowe, wazony na kwiaty i owoce, świeczniki, zegary, uchwyty na sztućce, talerze i kubki są niezwykle delikatne i ozdobne. Na podstawie pamiątek Gzhel powstają nadruki na materiałach dzianinowych i tekstylnych. Kiedyś myśleliśmy, że Gzhel to niebieski wzór na białym tle, ale początkowo porcelana Gzhel była wielokolorowa.

Haft

Haft na tkaninie jest jednym z najstarszych rodzajów robótek ręcznych. Początkowo przeznaczony był do ozdabiania strojów szlacheckich, a także tkanin przeznaczonych do obrzędów religijnych. Ta ludowa sztuka i rzemiosło przybyło do nas z krajów Wschodu. Szaty bogatych ludzi były haftowane kolorowym jedwabiem, złotymi i srebrnymi nićmi, perłami, kamieniami szlachetnymi i monetami. Najcenniejszy jest haft drobnymi ściegami, w którym jest wrażenie gładkiego, jakby narysowanego farbami wzoru. W Rosji haft szybko wszedł do użytku. Pojawiły się nowe technologie. Oprócz tradycyjnego ściegu satynowego i haftu krzyżykowego zaczęto haftować obszyciami, czyli układaniem ażurowych ścieżek wzdłuż pustych przestrzeni utworzonych przez wyciągnięte nitki.

Zabawki Dymkovo dla dzieci

W przedrewolucyjnej Rosji ośrodki rzemiosła ludowego, oprócz przedmiotów użytkowych, produkowały setki tysięcy zabawek dla dzieci. Były to lalki, zwierzęta, naczynia i meble do zabawy dla dzieci, gwizdki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa tego kierunku jest nadal bardzo popularna.

Symbol ziemi Vyatka - zabawka Dymkovo - nie ma na świecie odpowiedników. Jasne kolorowe panienki, panowie, pawie, karuzele, kozy są natychmiast rozpoznawalne. Ani jedna zabawka się nie powtarza. Na śnieżnobiałym tle wzory w postaci kółek, linii prostych i falistych rysowane są farbami w kolorze czerwonym, niebieskim, żółtym, zielonym, złotym. Wszystkie rzemiosła są bardzo harmonijne. Emanują tak potężną pozytywną energią, że każdy, kto weźmie do ręki zabawkę, może ją poczuć. Może nie musisz umieszczać chińskich symboli dobrego samopoczucia w postaci trójnożnych ropuch, plastikowych czerwonych rybek lub drzewek pieniędzy w rogach mieszkania, ale lepiej udekorować swój dom produktami rosyjskich mistrzów - gliną pamiątki z Kargopola, Tuły czy Wiatki, miniaturowe drewniane rzeźby rzemieślników z Niżnego Nowogrodu. Nie może być tak, że nie przyciągają do rodziny miłości, dobrobytu, zdrowia i dobrego samopoczucia.

Zabawka Filimonowa

w centrach kreatywność dzieci w wielu regionach naszego kraju dzieci uczą się rzeźbić z gliny i malować na sposób rzemiosła ludowego w centralnej Rosji. Dzieci bardzo lubią pracować z tak wygodnym i plastycznym materiałem jak glina. Wymyślają nowe rysunki zgodnie ze starożytnymi tradycjami. W ten sposób rozwija się krajowa sztuka użytkowa i jest nadal poszukiwana nie tylko w ośrodkach turystycznych, ale w całym kraju.

Objazdowe wystawy zabawek Filimonovo cieszą się we Francji dużą popularnością. Podróżują po kraju przez cały rok i towarzyszą im kursy mistrzowskie. Zabawki z gwizdkiem są kupowane przez muzea w Japonii, Niemczech i innych krajach. Ten statek, który ma stałą siedzibę w regionie Tula, ma około 1000 lat. Prymitywnie wykonane, ale pomalowane na różowo-zielone kolory wyglądają bardzo wesoło. Uproszczoną formę tłumaczy fakt, że zabawki mają w środku wgłębienia z wystającymi otworami. Jeśli dmuchasz w nie, na przemian zamykając różne dziury, otrzymujesz prostą melodię.

Szale Pavlovo

Przytulne, kobiece i bardzo jasne szale tkaczy Pavlovo-Posad stały się znane na całym świecie dzięki niesamowitej kolekcji mody rosyjskiego projektanta mody Wiaczesława Zajcewa. Używał tradycyjnych tkanin i wzorów do kobiecych sukienek, męskich koszul, innej odzieży, a nawet butów. Szal Pavlovsky Posad to akcesorium, które można odziedziczyć jak biżuterię. Trwałość i odporność na ścieranie chusteczek do nosa są dobrze znane. Wykonane są z wysokiej jakości cienkiej wełny. Rysunki nie blakną na słońcu, nie blakną od prania i nie kurczą się. Frędzle na chustach wykonane są przez specjalnie przeszkolonych rzemieślników - wszystkie ogniwa ażurowej siateczki są wiązane w węzły w jednakowej odległości od siebie. Rysunek przedstawia kwiaty na czerwonym, niebieskim, białym, czarnym, zielonym tle.

Koronka Wołogdy

Znana na całym świecie koronka Wołogdy jest tkana przy użyciu szpulek brzozowych lub jałowcowych z nici bawełnianych lub lnianych. W ten sposób powstają miarki, narzuty, szale, a nawet sukienki. Koronka Wołogdy to wąski pasek, który stanowi główną linię wzoru. Pustki wypełnione są sieciami i robakami. Tradycyjny kolor to biały.

Sztuka użytkowa nie stoi w miejscu. Rozwój i zmiany dzieją się cały czas. Muszę powiedzieć, że na początku ubiegłego wieku pod wpływem rozwijającego się przemysłu pojawiły się manufaktury przemysłowe wyposażone w szybkie maszyny elektryczne, powstała koncepcja masowej produkcji. Sztuka ludowa i rzemiosło ludowe zaczęły podupadać. Dopiero w połowie ubiegłego wieku przywrócono tradycyjne rosyjskie rzemiosło. W ośrodkach artystycznych, takich jak Tuła, Włodzimierz, Gus-Khrustalny, Archangielsk, Rostów, Zagorsk i innych, budowano i otwierano szkoły zawodowe, szkolono wykwalifikowanych nauczycieli i szkolono nowych młodych mistrzów.

Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywność

Ludzie podróżują, poznają kultury innych narodów, uczą się rzemiosła. Od czasu do czasu pojawiają się nowe rodzaje sztuki i rzemiosła. Takimi nowościami dla naszego kraju stały się scrapbooking, origami, quilling i inne.

Kiedyś betonowe mury i ogrodzenia rozkwitały rozmaitymi rysunkami i napisami wykonanymi w wysoce artystyczny sposób. Graffiti lub sztuka natryskowa to nowoczesna interpretacja starożytnego rodzaju sztuki naskalnej. Możesz śmiać się do woli z nastoletnich hobby, w tym z pewnością graffiti, ale obejrzyj zdjęcia w Internecie lub przespaceruj się po własnym mieście, a znajdziesz naprawdę wysoce artystyczną pracę.

scrapbooking

Projektowanie zeszytów, książek i albumów, które istnieją w jednym egzemplarzu, nazywa się scrapbookingiem. Ogólnie rzecz biorąc, ta aktywność nie jest zupełnie nowa. Albumy mające na celu zachowanie historii rodziny, miasta czy osoby dla potomności powstały już wcześniej. Współczesną wizją tej sztuki jest tworzenie książek artystycznych z ilustracjami autorów, a także korzystanie z komputerów z różnymi edytorami graficznymi, muzycznymi, fotograficznymi i innymi.

Quilling i origami

Quilling, tłumaczony na rosyjski jako „zwijanie papieru”, służy do tworzenia paneli, ozdabiania pocztówek, ramek do zdjęć itp. Technika polega na skręcaniu cienkich pasków papieru i przyklejaniu ich do podłoża. Im mniejszy fragment, tym bardziej eleganckie i ozdobne jest rzemiosło.

Origami, podobnie jak quilling, to papierkowa robota. Tylko origami to praca z kwadratowymi kartkami papieru, z których formowane są wszelkiego rodzaju kształty.

Z reguły wszystkie rzemiosło związane z papiernictwem ma chińskie korzenie. Azjatycka sztuka i rzemiosło były pierwotnie rozrywką szlachty. Biedni nie zajmowali się tworzeniem pięknych rzeczy. Ich przeznaczeniem jest rolnictwo, hodowla bydła i wszelkiego rodzaju prace służebne. Europejczycy, przyjmując podstawy techniki, która historycznie jest bardzo małą i delikatną pracą z papierem ryżowym, przenieśli sztukę w dogodne dla siebie warunki.

Chińskie produkty wyróżnia mnóstwo bardzo drobnych detali, które wyglądają monolitycznie i bardzo elegancko. Taka praca jest możliwa tylko doświadczeni rzemieślnicy. Ponadto cienkie wstążki papierowe można skręcić w ciasny i równy zwój tylko za pomocą specjalnych narzędzi. Europejscy miłośnicy rękodzieła nieco zmodyfikowali i uprościli starożytne chińskie rzemiosło. Papier zwinięty w spirale o różnych rozmiarach i gęstości stał się popularną ozdobą pudeł kartonowych, wazonów na suszone kwiaty, ramek i paneli.

Mówiąc o sztuce i rzemiośle, niesprawiedliwe byłoby pominięcie takich rzemiosł, jak malowanie jedwabiu, czy batik, druk czy tłoczenie, czyli malowanie na metalu, tkanie dywanów, koraliki, makramy, dziewiarstwo. Coś odchodzi w przeszłość, a coś innego staje się tak modne i popularne, że nawet przedsiębiorstwa przemysłowe rozpoczynają produkcję sprzętu dla tego typu kreatywności.

Zachowanie starych rzemiosł i pokazywanie najlepszych przykładów w muzeach to dobry uczynek, który zawsze będzie źródłem inspiracji dla ludzi. kreatywne zawody i pomoże wszystkim innym dołączyć do piękna.