Vasily, le fils de Vera Tariverdiev. Mikael Tariverdiev, Vera Tariverdiev Je viens de vivre : une autobiographie

Rogier van der Weyden (Néerlandais. Rogier van der Weyden, 1399/1400, Tournai - 18 juin 1464, Bruxelles) - Le peintre néerlandais, avec Jan van Eyck, est considéré comme l'un des fondateurs et des maîtres les plus influents de la peinture néerlandaise primitive. Le travail de Van der Weyden est axé sur la compréhension de l'individualité de la personne humaine dans toute sa profondeur. Ayant préservé le spiritisme de la tradition précédente, van der Weyden a rempli les anciens schémas picturaux du concept Renaissance de la personnalité humaine active, les a complétés par un psychologisme profond et une intensité émotionnelle. À la fin de sa vie, selon le TSB, "rejette l'universalisme de la vision du monde artistique de van Eyck et concentre toute son attention sur monde intérieur la personne."

La période de formation créative de Rogier (à laquelle appartient, semble-t-il, l'Annonciation du Louvre) est également mal couverte par les sources. Il y a une hypothèse que c'est Rogier qui, dans sa jeunesse, a créé les œuvres attribuées aux soi-disant. Maître Flemalsky (un candidat plus probable pour leur paternité est son mentor Robert Campin). L'étudiant a tellement appris le désir de Campin de saturer les scènes bibliques avec des détails réalistes de la vie domestique qu'il est presque impossible de distinguer leurs œuvres du début des années 1430 (les deux artistes n'ont pas signé leurs œuvres).

Les trois premières années du travail totalement indépendant de Rogier (de 1432 à 1435) ne sont en aucun cas documentées. Peut-être l'artiste les a-t-il passés à Bruges chez van Eyck (avec qui il a probablement croisé la route auparavant à Tournai). En tout cas, l'une des compositions les plus célèbres de Rogier, Luc l'évangéliste peignant la Madone, est empreinte de l'influence évidente d'un contemporain plus ancien.

On sait qu'en 1435, l'artiste et sa famille s'installèrent à Bruxelles, qui était alors l'une des plus grandes villes européennes et l'une des résidences les plus importantes du puissant duc de Bourgogne. La Bourgogne de cette époque était une "troisième force" conditionnelle en Europe de l'Ouest par rapport à la France, menant l'épuisante Guerre de Cent Ans, et le Saint Empire romain germanique. Formellement vassaux du roi de France, au début du XIVe siècle, les ducs de Bourgogne avaient concentré sous leur domination de vastes territoires, appartenant actuellement aux Pays-Bas, à la Belgique, au Luxembourg et au nord-est de la France, et prétendaient vraiment créer un État distinct et original. . C'est durant cette période particulière de l'histoire des basses terres, aujourd'hui divisées politiquement et territorialement entre les pays du Benelux, que se situent la vie et l'épanouissement de l'œuvre de van der Weyden.

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Devant nous se trouve l'œuvre de van der Weyden en 1435. Une très grande toile. Environ 7 pieds de haut et 8,5 de large. Le Christ est descendu de la croix. La photo s'appelle comme ça... Exact. Le Christ a été descendu de la croix... ...et est sur le point d'être déposé sur les genoux de Marie, qui a perdu connaissance à cause du chagrin. C'est un sujet pictural fréquent. Oui, oui, tu as raison. Suivront le deuil, l'ensevelissement, la résurrection… Oui, la résurrection… Cette toile est un exemple typique de l'art flamand de la 1ère moitié du XVe siècle. Oui, l'évidente Renaissance du Nord. Plis lourds, nombreux et anguleux des vêtements de Marie et d'autres personnages. Comme des plis de papier, les figures allongées sont étroitement regroupées dans un petit espace. Ils sont presque grandeur nature. Broderie d'or des vêtements d'un homme à la droite du Christ ; le jeu de lumière sur le métal de cette broderie - tout cela est la Renaissance du Nord. Exactement... Transfert de texture, surtout illuminé. Par exemple, son col en fourrure. Oui, le col, les visages, les cheveux, les tissus - tout est soigneusement dessiné dans les moindres détails de texture, c'est si typique d'un artiste du Nord. Même ces plantes sont soigneusement écrites. Sans aucun doute, l'auteur de l'image est van der Weyden; en plus des caractéristiques typiques de l'art flamand de l'époque, nous voyons l'écriture unique de van der Weyden. Oui. Par exemple, il n'y a pas de profondeur d'espace dans le Retable de Gand de van Eyck. Exactement. Les compositions de Weyden ont tendance à être superficielles; et les personnages semblent déplacés vers le plan de l'image. Cela renforce le drame. Et l'intensité des émotions. Oui c'est vrai. Ceci est facilité par l'émotivité de ses personnages. Oui. Sur les toiles d'autres artistes flamands, les émotions des gens étaient rarement affichées de manière aussi expressive que celles de van der Weyden; Par exemple, regardez la femme porteuse de myrrhe qui pleure : son nez est rouge, des larmes coulent sur sa joue. Comme les vrais. Exactement. Ici vous pouvez voir l'intérêt de l'artiste pour les effets d'éclairage ; la lumière est réfléchie par les larmes et réfractée en elles. Quelqu'un m'a un jour fait remarquer cette larme au coin de ma bouche. C'est comme si elle roulait maintenant dans la bouche de la femme porteuse de myrrhe ; quand on le regarde, on a presque le goût des larmes. Je veux le brosser. Oui, l'image provoque de l'empathie chez le spectateur. Comme si nous nous tenions à côté d'eux. Pensez-vous que c'est ce que l'auteur voulait ? Oui, je pense que oui. Et je viens de remarquer cette petite épingle. On voit même des plis lissés. C'est comme ça caractéristique, étonnante. Oui je suis d'accord. Tous ces traits aident à établir la paternité. Je noterai plusieurs aspects intéressants de cette photo. Le Christ est descendu de la croix. Il va maintenant être placé sur les genoux de Mary. Voyez comment leurs poses se font écho. La position du Christ est très similaire à celle de Marie. Un mouvement descendant de la composition est créé, symbolisant la position du corps du Christ dans l'intrigue. Enfin enterré. Oui, dans la tombe. La similitude de leurs postures s'établit entre... Leurs bras pendent... Oui, cela établit un lien entre eux... C'est la mère et le fils. Il y a une relation entre eux qui n'est avec aucun autre des personnages. Leurs poses le soulignent. Et ils évoquent notre sympathie pour Marie, pour ses expériences à ce moment-là. Elle est très pâle, non seulement à cause de sa propreté, mais aussi parce qu'elle s'est évanouie. Et cela exprime également leur lien : Maria est inconsciente, mais bientôt elle - en l'occurrence - reviendra à la raison. Et cela est vu comme une association avec Christ. Maintenant, il est mort après l'exécution, mais, selon le Testament, dans 3 jours, il ressuscitera de la tombe. Je pense que l'artiste fait allusion à ce lien entre son évanouissement et sa mort. Nous semblons nous rappeler la résurrection. Oui, c'est une prémonition. Et ce crâne en bas de la toile : d'un côté, un rappel de la mort, mais de l'autre, un élément de doctrine chrétienne. Oui, cela sert non seulement de rappel de la mort, mais aussi d'expression de la légende selon laquelle le Christ a été crucifié sur la tombe d'Adam. On voit souvent le crâne et les os au pied de la croix. Ce sont les os d'Adam. Adam était un homme de l'Ancien Testament, le Christ est le nouvel Adam, il symbolise la naissance nouvelle personne, Nouveau Testament. Oui. Adam et Eve ont plongé l'humanité dans le péché, le Christ et Marie ont expié ce péché originel. Oui. C'est une image vraiment magnifique. Parlons un peu de la composition de van der Weyden. Nous avons évoqué les postures de Marie et du Christ. Et maintenant regardez : il y a 4 personnages à gauche, et 3 à droite, il semblerait que cela doive bouleverser l'équilibre de la composition ; mais voici ce que l'artiste a fait : il a dessiné plus soigneusement les vêtements des personnages de droite : brocart, 4 couleurs différentes des vêtements de Marie-Madeleine ; et les vêtements des personnages de gauche sont simples, sans ornements. Ainsi, il simplifie le côté gauche, compensant ainsi les caractères supplémentaires. Visuellement, cela équilibre la composition. Et regardez, toutes les figures se penchent vers le centre, dirigeant notre attention vers le Christ, et lui créent une sorte de cadre. Droit.

Peintre hollandais Rogier van der Weyden (1400 - 1464)

"Descente de croix" - l'un des sommets Renaissance du Nord, entre 1435 et 1438, hauteur : 220 cm. Largeur : 262 cm. Musée du Prado

Le futur classique de la Renaissance nordique est né en 1399 ou 1400 à Tournai (duché de Bourgogne) dans la famille d'un coutelier (fr. maître-coutelier) nommé Henri. Il n'y a pratiquement aucune information fiable sur l'enfance et la jeunesse du futur maître.

Autoportrait supposé en tant que St. Luke, qui crée l'icône. 137x110cm, 1440, Boston, États-Unis

Nous connaissons les circonstances de la réception de Rogier éducation artistique confus. On sait que Rogier est mentionné en 1427 comme "Maître Roger de la Pasture" (fr. Maistre Rogier de le Pasture), ce qui permet de suggérer qu'il a eu une formation universitaire. Cette hypothèse est également soutenue par la profonde connaissance de l'artiste avec la théologie, l'interprétation raffinée et habile des récits évangéliques, caractéristique de son travail. En même temps, on sait que, malgré le titre de "Maître", dans la période de 1427 à 1432 Rogier étudie dans l'atelier de Robert Campin, connu comme le Maître de Flemal. On suppose que cette contradiction s'explique par le fait que Rogier a reçu le titre académique de Master (respectivement, dans un domaine autre que la peinture) avant de devenir artiste. Quoi qu'il en soit, en 1432, Rogier devient membre de la corporation des peintres de la ville de Tournai.

Adoration des mages. Alte Pinakothek, Munich

L'éminent humaniste, scientifique et philosophe Nicolas de Cues parlait de Rogier comme le plus grand artiste de son temps. À dernières années Au cours de sa vie, Rogier a travaillé dans son atelier bruxellois, entouré de nombreux étudiants, parmi lesquels, semble-t-il, se trouvait un représentant aussi important de la relève que Hans Memling. Rogier a eu une influence incontestable sur ces maîtres reconnus comme Dirk Bouts et Hugo van der Goes. Ils ont étendu son influence à travers la France, l'Allemagne et l'Espagne. Dans la seconde moitié du XVe siècle, dans le nord de l'Europe, le style expressif et intensément émotionnel de Rogier l'emporte sur l'héritage de Campin et de van Eyck. La révérence pour le maître était également nourrie par Albrecht Dürer; avec une caractéristique correspondante, ce dernier mentionne Rogier avec van der Goes dans le journal d'un voyage aux Pays-Bas. Même au XVIe siècle, de nombreux peintres sont restés sous l'influence de Rogier, de Bernart Orlais à Quentin Masseys. Cependant, au fil du temps, l'œuvre de Rogier van der Weyden a peu à peu sombré dans l'oubli.

Calvaire et la Crucifixion (1457-1464), huile sur panneau de chêne, 323,5 x 192 cm, Escorial, Madrid

Un intérêt particulier pour la peinture néerlandaise ancienne en Europe ne s'est éveillé qu'à début XIX siècle. À cette époque, de nombreuses œuvres du maître étaient attribuées à d'autres artistes, principalement Jan van Eyck ou Dürer. Ainsi, ils disent qu'en 1815, Johann Wolfgang Goethe a vu "l'autel de l'église de Saint-Colomb" (conservé dans l'Alte Pinakothek à Munich), un triptyque représentant l'Annonciation, l'Adoration des Mages et l'apport de l'enfant Jésus dans le temple, et a déclaré que la moitié de son héritage littéraire ne supporte aucune comparaison avec le génie de la composition d'autel. En même temps, Goethe était sûr que devant lui se trouvait l'œuvre de Jan van Eyck, à qui l'autel était attribué à l'histoire de l'art de cette époque. De plus, l'un des premiers historiens des "primitifs flamands" Karel van Mander a affirmé que Rogier était un étudiant et un imitateur de van Eyck.

Saint Ivo (asc. 1450), huile sur panneau de chêne, 45 x 35 cm galerie nationale, Londres

Une grande partie de l'œuvre de Rogier, dont la part du lion porte sur des sujets profanes, est aujourd'hui perdue. Le restaurer manière créative, ainsi que l'attribution des œuvres est gênée par le fait que le maître n'avait pas l'habitude de signer ses œuvres. Ainsi, la seule des œuvres de Rogier qui nous soit parvenue jusqu'à nos jours, portant la signature de l'auteur, est le portrait de femme de Washington. De plus, il ne faut pas oublier que Rogier, au faîte de sa gloire, était à la tête d'un immense atelier commercial, qui mettait en marche la production d'œuvres "sous le Maître". Néanmoins, à ce jour, l'œuvre de Rogier van der Weyden occupe à juste titre l'une des plus hautes places de l'histoire de la peinture européenne.

Rogier van der Weyden Autoportrait, 1450

Détail du tableau de St. Luke, qui crée l'icône.

Portrait d'Antoine de Bourgogne, 1460. Musée royal beaux-Arts Belgique

Portrait d'une jeune femme. Galerie d'art de Berlin

Portrait d'une dame. National Gallery, Londres.

Portrait d'homme, 1450, Musée royal des Beaux-Arts d'Anvers

Portrait d'Isabelle Portugal, Getty, Los Angeles

Vierge à l'enfant, 1454, 31 cm x 22,8 cm Musée beaux-Arts, Houston

Madeleine lit,Galerie nationale, Londres

Détail

Baptême, Chrismation, Repentir,. Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers

Sept sacrements de l'autel ; détail, aile droite - Ordination, Mariage et Onction, Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers

Autel de Colomb, côté gauche - Annonciation. Alte Pinakothek, Munich

Retable à Middelburg 1450 Berlin Galerie de photos, Berlin

Madone en rouge, 1438. Musée du Prado, Madrid

Détail de la peinture Madone en rouge

Pieta, 1464. National Gallery, Londres

Diptyque avec la Vierge et Sainte Catherine 1440 Kunsthistorisches Museum Vienna

Triptyque "Crucifixion". 1440-1445. Kunsthistorisches Museum (Vienne)

Détail du tableau Triptyque "Crucifixion".

Rogier Van der Weyden | Descente de croix, 1435

Rogier van der Weyden (néerlandais. Rogier van der Weyden, 1399/1400, Tournai - 18 juin 1464, Bruxelles) - rival de van Eyck pour le titre de maître le plus influent de la peinture néerlandaise ancienne. L'artiste a vu le but de la créativité dans la compréhension de l'individualité de l'individu, il était un psychologue profond et un excellent portraitiste. Ayant conservé le spiritisme de l'art médiéval, il a rempli les anciens schémas picturaux avec le concept de la Renaissance d'une personnalité humaine active. À la fin de sa vie, selon le BST, "refuse l'universalisme de la vision du monde artistique de van Eyck et concentre toute son attention sur le monde intérieur de l'homme".

Portrait de femme, détail, v. 1455

premières années

Né dans la famille d'un sculpteur sur bois. Les œuvres de l'artiste témoignent d'une profonde connaissance de la théologie, et déjà en 1426 il s'appelait "maître Roger", ce qui nous permet d'émettre l'hypothèse qu'il avait une formation universitaire. Il a commencé à travailler comme sculpteur, à un âge mûr (après 26 ans) a commencé à étudier la peinture avec Robert Campin à Tournai. Il a passé 5 ans dans son atelier.

La période de formation créative de Rogier (à laquelle appartient, semble-t-il, l'Annonciation du Louvre) est mal couverte par les sources. Il existe une hypothèse selon laquelle c'est lui qui, dans sa jeunesse, a créé des œuvres attribuées aux soi-disant. Maître Flemalsky (un candidat plus probable pour leur paternité est son mentor Campin). L'étudiant a tellement appris le désir de Campin de saturer les scènes bibliques avec des détails douillets de la vie domestique qu'il est presque impossible de distinguer leurs œuvres du début des années 1430 (les deux artistes n'ont pas signé leurs œuvres).

Les trois premières années de travail indépendant de Rogier ne sont en aucun cas documentées. Peut-être les a-t-il passés à Bruges chez van Eyck (avec qui il a probablement croisé la route auparavant à Tournai). En tout cas, sa composition bien connue "L'évangéliste Luc peignant la Madone" est imprégnée de l'influence évidente de van Eyck.

En 1435, l'artiste s'installe à Bruxelles dans le cadre de son mariage avec une native de cette ville et traduit son vrai nom Roger de la Pasture du français vers le néerlandais. Est devenu membre de la guilde des peintres de la ville, est devenu riche. Il a travaillé comme peintre de la ville sur les commandes de la cour ducale de Philippe le Bon, des monastères, de la noblesse, des marchands italiens. Peint mairie photos de l'administration de la justice des personnes célèbres passé (les fresques sont perdues).

Au début de la période bruxelloise appartient la grandiose descente de croix émotionnelle. Dans cette œuvre, l'artiste a radicalement abandonné le fond pittoresque, concentrant l'attention du spectateur sur les expériences tragiques de nombreux personnages qui remplissent tout l'espace de la toile. Certains chercheurs sont enclins à expliquer le tournant de son travail comme une passion pour la doctrine de Thomas a Kempis.

Le retour de Rogier du réalisme campénien brut et du raffinement de la proto-Renaissance Vaneik à la tradition médiévale est le plus évident dans le polyptyque du Jugement dernier. Il a été écrit en 1443-1454. commande du chancelier Nicolas Rolen pour l'autel de la chapelle hospitalière, fondée par ce dernier dans la ville bourguignonne de Beaune. La place des arrière-plans de paysages complexes est ici occupée par la lueur dorée testée par les générations de ses prédécesseurs, qui ne peut détourner le spectateur du respect des images saintes.

Voyage en Italie

En l'année du jubilé 1450, Rogier van der Weyden fit un voyage en Italie et visita Rome, Ferrare et Florence. Il est chaleureusement accueilli par les humanistes italiens (Nicolas de Cues est célèbre pour ses éloges), mais lui-même s'intéresse surtout aux artistes conservateurs comme Fra Angelico et Gentile da Fabriano.

A ce voyage dans l'histoire de l'art, il est de coutume d'associer la première connaissance des Italiens à la technique de la peinture à l'huile, que Rogier maîtrise à la perfection. Par ordre des dynasties italiennes Médicis et d'Este, les Flamands exécutèrent la Madone des Offices et portrait célèbre Francesco d'Este. Des impressions italiennes se sont réfractées dans les compositions d'autel ("L'Autel de Jean-Baptiste", les triptyques "Les Sept Sacrements" et "L'Adoration des Mages"), réalisées par lui à son retour en Flandre.
Portrait d'Antoine de Bourgogne

Les portraits de Rogier ont quelques caractéristiques communes, ce qui est largement dû au fait que presque tous représentent des représentants de la plus haute noblesse de Bourgogne, dont l'apparence et le comportement ont été influencés par l'environnement général, l'éducation et les traditions. L'artiste dessine en détail les mains des modèles (surtout les doigts), ennoblit et allonge les traits de leurs visages.

Rayonnement

Ces dernières années, Rogier a travaillé dans son atelier bruxellois, entouré de nombreux étudiants, parmi lesquels, apparemment, se trouvaient des représentants éminents de la relève comme Hans Memling. Ils ont étendu son influence à travers la France, l'Allemagne et l'Espagne. Dans la seconde moitié du XVe siècle en Europe du Nord, la manière expressive de Rogier l'emporte sur les leçons plus techniques de Campin et van Eyck. Même au XVIe siècle, de nombreux peintres sont restés sous son influence, de Bernart Orlais à Quentin Masseys. À la fin du siècle, son nom a commencé à être oublié et déjà au XIXe siècle, l'artiste n'était rappelé que dans des études spéciales sur la peinture néerlandaise ancienne. La restauration de son parcours créatif est compliquée par le fait qu'il n'a signé aucune de ses œuvres, à l'exception du portrait de femme de Washington.

Autoportrait supposé en tant que St. Luc faisant une icône