W Galerii Trietiakowskiej odbyła się wystawa Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Czas jego przejścia to od 19.02.2016 do 19.02.2017. Czym jest pinakoteka, jakie ma znaczenie dla mieszkańców Rosji, można znaleźć w artykule.

Znaczenie słowa

Pinakoteka to termin, który pochodzi z połączenia dwóch greckich słów. Pierwsza część terminu oznacza „tablicę”, czyli „zdjęcie”, a druga - „sklep”. Łatwo zgadnąć, czym jest pinakoteka. W starożytnej Grecji tak nazywało się pomieszczenie, w którym przechowywano malownicze obrazy. Stopniowo znaczenie tego terminu nieco się zmieniło.

Czym jest Pinakoteka w przeszłości i teraźniejszości

W lewym skrzydle znajdował się budynek, w którym trzymali obrazy przyniesione w prezencie bogini Atenie. Mieściły się w kilku sześciokolumnowych pokojach. Kolekcja składała się z różnych prac malarskich. Został on udostępniony do oglądania przez ich mieszkańców Aten. Pierwszy katalog, który zapoczątkował usystematyzowanie repozytorium, stworzył w III-II wieku p.n.e. Polemon z Ilionu. mi. W Heraion (Świątynia Hery) znajdowały się Pinakoteki.

Obywatele starożytnego Rzymu używali tego terminu w odniesieniu do sali, w której przechowywano dzieła sztuki.

W okresie renesansu termin ten odnosił się do zbiorów obrazów, które były dostępne dla publiczności.

Czym jest dziś Pinakoteka? Termin odnosi się do galerii sztuki. Dobrym przykładem jest jedna z najsłynniejszych Pinakoteków na świecie.

Pinakoteka Watykan

Kolekcja malarstwa Watykanu pojawiła się kilkaset lat temu. Za jej założyciela uważa się papieża Piusa VI. Kilkadziesiąt lat później, w 1797 roku, większość obrazów wysłano do Paryża. Rozkaz wydał Napoleon. Do 1815 roku kolekcja wróciła do Watykanu. Decyzję o zwrocie kosztowności podjęto na Kongresie Wiedeńskim, który odbył się po wojnach napoleońskich.

Obrazy nie miały stałej lokalizacji. Przenoszono ich z jednej sali do drugiej, dopóki nie umieszczono ich w skrzydle Belwederu. Publiczność mogła zobaczyć Pinakotekę dopiero w 1908 roku.

Dwadzieścia cztery lata później dla kolekcji wzniesiono specjalny budynek. Zleceniodawcą budowy został papież Pius Jedenasty, a architektem L. Beltrami.

Kolekcja składa się z około 460 obrazów, które mieszczą się w osiemnastu salach w porządek chronologiczny. Zawiera prace o tematyce religijnej. W większości jest to dzieło włoskich mistrzów.

Przykłady sal:

• W pierwszej sali prezentowane są dzieła szkół średniowiecznych autorstwa takich mistrzów jak Nicolò Giovanni.
• W ósmej sali znajdują się prace Raphaela Santiego, w tym gobeliny wykonane według jego szkiców.
• Dziesiątą salę reprezentuje szkoła Rafaela i malarstwa weneckiego.
• Pokój dwunasty to obrazy barokowe: prace Nicolasa Poussina, Caravaggia, Guido Reniego.
• Sala XVIII zawiera ikony i mozaiki z XV-XVI wieku.

Pinakotekę można zwiedzać kupując jeden bilet wstępu do Kaplicy Sykstyńskiej, a koszt w 2016 roku wyniósł szesnaście euro.

Od listopada 2016 r. w Galerii Trietiakowskiej otwarto Pinakotekę Watykańską. Co jest reprezentowane w przywiezionej kolekcji i jakie jest jej znaczenie dla mieszkańców i gości Moskwy?

Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej w Galerii Trietiakowskiej

Na wystawę (Pinakoteka Watykańska) składa się czterdzieści obrazów. Są to dzieła Giovanniego Belliniego, Caravaggia, Rafaela i innych mistrzów XII-XVIII wieku. Potrwa do 19 lutego 2017 r.

Bilety na Pinakotekę Watykańską będą kosztować pięćset rubli za osobę. Sesja zwiedzania wystawy trwa trzydzieści minut. Bilety na dowolny czas można kupić na osobistej stronie Galerii Trietiakowskiej.

Zdaniem kuratora wystawy Arkadego Ippolitowa, wystawa jest swego rodzaju wyjaśnieniem idei „Moskwa – trzeci Rzym”. Pinakoteka od siedmiu wieków koncentruje państwo. Według niego instytucja papiestwa jest łącznikiem między cywilizacją europejską a światem starożytnym.

Wystawę otwiera najwcześniejsza ikona Rzymu „Błogosławieństwo Chrystusa”, której początki sięgają XII wieku. Powstał pod wpływem Bizancjum. Ikona przechowuje wspomnienia jednego kościoła, pokazując jeden korzeń, z którego rozwinęła się sztuka Włoch i Rosji.

Gentile da Fabriano. "Sceny z życia Św. Mikołaja Cudotwórcy: Św. Mikołaj uspokaja burzę i ratuje statek", ca. 1425

zdjęcie © Muzea Watykańskie / Zdjęcie © Muzea Watykańskie

Muzea Watykańskie

nie tylko po raz pierwszy prezentują skarby swojej kolekcji w Rosji, ale także po raz pierwszy w takiej ilości wywożą je za granicę. Czterdzieści dwa obrazy z kolekcji Pinakoteki to prawie jedna dziesiąta całej kolekcji, liczącej około pięciuset płócien.

Opisywanie dzieła sztuki to niewdzięczne zadanie, z góry skazane na niepowodzenie, ponieważ nie da się zwerbalizować tego subtelnego połączenia, które nawiązuje się między wami, gdy zostajecie sami. I nie ma znaczenia, ile osób jest w pobliżu, ponieważ w tym momencie rozmawia tylko z tobą.

Językiem arcydzieł watykańskiej Pinakoteki jest muzyka. Świadomość podpowiada skojarzenia: średniowieczna polifonia, renesansowy madrygał, barokowy concerto grosso. W rzeczywistości te zdjęcia brzmią inaczej. Ich muzyka to muzyka ciszy: linie, kolory, subtelne gesty i spojrzenia.

Nie trzeba być krytykiem sztuki, aby zrozumieć – a raczej poczuć – dzieło geniusza. Obraz, mimo całej swojej harmonii, pozostaje tylko odciskiem, jeśli nie zainwestuje się w niego czegoś więcej. Każdy z tych obrazów ma duszę, wszystkie te płótna są żywe.

„Błogosławieństwo Chrystusa”, najrzadsze dzieło szkoły rzymskiej XII wieku. Odgaduje się w nim boleśnie znajome cechy bizantyjskich ikon, które stały się wzorem dla starożytnych rosyjskich malarzy ikon. Rzym Aeterna. Rzym pierwszy, drugi, trzeci... Wieczny. „Christ Blessing” otwiera wystawę w Galeria Tretiakowska, od razu napotykasz jego oczy, ledwo przekraczając próg sali. Jest tu zupełnie sam - cichy, spokojny i samowystarczalny. A za nim cały świat, zamknięty w przestrzeni małego pokoju, w którym św. grając na lutniach uroczyście przechodzi przed tobą (Melozzo da Forli, XV w.).

Pietro Vannucci, nazywany Perugino. „Święty Plac”, 1495-1498 „Święta Justyna”, 1495-1498

Oto predella „Cuda św. Vincenza Ferrera” – dzieło Ercole de Roberti, artysty szkoły Ferrara, jednej z najważniejszych w renesansowych Włoszech. „Granice nazywano opowiadaniem pewnej historii, obrazy, które znajdowały się na dole ołtarza,– wyjaśnia kurator wystawy Arkady Ippolitow. - Choć obraz należy do pędzla artysty Ferrary, zawiera liczne aluzje do Rzymu, które wyrażają się m.in. w obróbce póz antycznych posągów w postaciach centralnych. Godny uwagi jest również fakt, że czyta się go jak rodzaj skalania najbardziej ekstrawaganckich modeli końca XV wieku - wraz z księstwem Burgundii Ferrara była wyznacznikiem trendów tamtych czasów..

W drugim pokoju - płótna Wysoki renesans(XVI w.) i baroku (XVII w.). Ich muzyka jest inna: pełna pasji, asertywności, wyzwań. Mimo wątków religijnych obrazy te wydają się czasem bezbożne – w każdym razie ich twórcy rozmawiają z Nim na równi.

Oto „Wizja św. Heleny” weneckiego Paolo Veronese. Triumf kolorów i wspaniałych ubrań oraz bogatego wnętrza. Bohaterką obrazu jest matka cesarza Konstantyna, której według Chronografu Teofanesa nakazano we śnie udać się do Jerozolimy „odszukać życiodajny krzyż Pana”. Wraz z nią widz znajduje się tu na rozchwianej krawędzi snu i rzeczywistości, boskiej i ziemskiej, duchowej i materialnej.

A obok znajdują się dwie predelle Rafaela: „Wiara” i „Miłosierdzie” z 1507 roku. Dość małe, wyglądają jak rozkładówki książek. Na każdym z nich - kobieta otoczona dwoma aniołami. Natychmiast rozpoznawalne postacie Raphaela z miękkimi konturami twarzy i wyrafinowaną gracją póz. Mimo swoich skromnych rozmiarów obrazy te tworzą wokół siebie szczególną atmosferę, przestrzeń pewnego rodzaju intymnego dialogu z każdym, kto do niego wejdzie.

W XVII wieku papieski Rzym osiągnął najwyższą potęgę i bogactwo, to właśnie w tej epoce malowniczy zbiór Watykanu został znacząco uzupełniony dziełami wybitnych współczesnych, tak więc historia artystyczna tego stulecia jest reprezentowana w zbiorach papieskich najbardziej w pełni. (Nawiasem mówiąc, odpowiednia sala Pinakoteki była prawie pusta, jak powiedziała Barbara Yatta, zastępca dyrektora Muzeów Watykańskich - większość obrazów wystawa stała przeniósł się do Moskwy na trzy miesiące.)

„Złożenie do grobu” Caravaggia, jedno z jego głównych arcydzieł, które wpłynęło na całą późniejszą historię malarstwa, od Rubensa po Cezanne'a. Obraz ten namalował około 1603-1604 dla kościoła Santa Maria in Valicella w Rzymie, w statusie najbardziej znanego i skandalicznego włoski artysta swoich czasów, którego praca niezmiennie wywoływała gorącą debatę. Każdy element ogromnego obrazu o wymiarach trzy na dwa metry jest przemyślany w najdrobniejszym szczególe, a jego niesamowicie silny efekt dramatyczny wynika w dużej mierze z tego, że ciało Chrystusa zdaje się przebijać przez płótno. Jest tuż przed tobą, wystarczy wyciągnąć rękę, by poczuć jego ciało z mięśniami, które jeszcze są mocne, ale już pozbawione życia.

Osobne, trzecie pomieszczenie zarezerwowane jest dla serii obrazów Bolończyków artysta XVIII wieku Donato Creti „Obserwacje astronomiczne”. W lekko zmanierowanych postaciach, na tle nocnych pejzaży, wyczuwa się zarówno rokokową figlarność, jak i ducha nowego czasu, Oświecenia. Władza Papieża stopniowo słabnie, już niedługo skończy się historia Państwa Kościelnego, które zajmowało większą część Półwyspu Apenińskiego. Wszechświat stanie się przyczyną sprawczą, a nie wynik końcowy boski zamiar. Człowiek, który wziął historię we własne ręce, ze zdwojoną energią zacznie szukać esencji rzeczy na ziemi, ale każdy wzniesie też oczy ku niebu, w obliczu nierozwiązywalnych pytań i sprzeczności.

Do archiwum. Wystawa z Pinakoteki Watykańskiej w Moskwie.
Część 2 z 4: od Ercole de Roberti do Veronese. Caravaggia. Poussina.

Wszystkie prace [*] wystawa „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Bellini, Rafael, Caravaggio. Kontynuacja

[*] 35 lub 42 sztuki - w zależności od tego jak liczysz.

Na wystawie prezentowane są prace z 6 wieków - od XII do XVIII wieku.

Fotografowanie na wystawie było surowo zabronione.

Ercole de Roberti (około 1450, Ferrara - 1496, Ferrara). Cuda św. Vincenza Ferrera: Uzdrowienie rodzącej kobiety - Zmartwychwstanie bogatego Żyda - Uzdrowienie chromego mężczyzny - Uratowanie dziecka z płonącego domu - Zmartwychwstanie dziecka zabitego przez szaloną matkę. 1473. Predella. Drewno, tempera. 30x215 cm.

"W XV wieku Ferrara rozkwitła pod rządami książąt Este, stając się wpływowym ośrodkiem kulturalnym renesansowych Włoch. Ercole de Roberti jest jednym z najbardziej oryginalnych artystów szkoły Ferrara. Jego predella uważana jest za najbardziej wyrafinowaną predellę renesansu. Jest on poświęcony uczynkom hiszpańskiego świętego Vincenza Ferrera i pełen tajemniczego i urzekającego ducha Ferrary.

3.


Ercole de Roberti. Poliptyk Predella Griffoni. Fragment.

„Nabycie. Przed rozbiórką w XVIII wieku w kościele San Petronio w Bolonii; od 1839 - w Watykanie Pinacoteca Inv. 40286.

Ta predella, poświęcona czynom św. Vincenza Ferrera, była częścią ołtarza stworzonego do kaplicy Floriano Griffoni w głównej świątyni Bolonii – katedrze San Petronio. Ołtarz, znany jako poliptyk Griffiniego, rozebrany w XVIII wieku, pozostaje najwyraźniejszym dowodem wspólnej pracy Ercole de Roberti i jego nauczyciela Francesco del Cossy i pokazuje, jak początkujący artysta zdołał nie tylko zapewnić sobie niezależność, ale według do Vasari, nawet przewyższają nauczyciela. Ogólny wygląd ołtarza zrekonstruował Roberto Longhi (1934), później wierność jego rekonstrukcji potwierdził przypadkowo odnaleziony XVIII-wieczny rysunek, wykonany przez Stefano Orlandiego przed rozebraniem poliptyku.

4.

Jedna z możliwych rekonstrukcji pokazująca układ poszczególnych części poliptyku Griffiniego. O jakiej rekonstrukcji w pytaniu w katalogu - nie wiem / Polittico Griffoni: jedna z sugerowanych rekonstrukcji wskazujących na względną pozycję różnych paneli. Technologia cyfrowa zastosowana do ponownego zjednoczenia rozproszonego ołtarza.

W centrum poliptyku umieszczono główny wizerunek św. Vincenzo Ferrera [ten wizerunek Vincenzo Ferrera autorstwa Francesco del Cossy można znaleźć na stronie London National Gallery: Saint Vincent Ferrer, prawdopodobnie ok. 1473-1475, Francesco del Cossa - ok. 1473-1475. gorbutowicz], dominikanin z Hiszpanii, kanonizowany w 1455 r. Po obu stronach - duże obrazy: dwaj święci stojący, aw górnym rejestrze - dwa połówkowe wizerunki świętych i medaliony ze scenami Ukrzyżowania (w środku) i Zwiastowania (po bokach). Prace przy ołtarzu musiały być zakończone niedługo po opłaceniu rzeźbiarzowi Agostino de Marchi za wykonanie ram, czyli po 19 lipca 1473 roku. Praca trafiła do kolekcji watykańskiej pod nazwą Benozzo Gozzoli, a predella została niedawno uznana za dzieło Ercole de Roberti, choć Vasari wskazał jej autorstwo.

5.

Fragment. W Internecie można znaleźć zdjęcia najwyższej jakości. Może gdzieś na stronach osobistych w sieciach społecznościowych jest coś, ale nie mogłem znaleźć / Predella (szczegóły). Panele z Poliptyku Gryfona autorstwa Ercole de" Roberti. Poliptyk: 1472-1473. Tempera na panelu, wysokość detalu 28 cm. Pinacoteca, Watykan. Wga.hu.

Cossa napisał centralne obrazy, ale całkowicie powierzył predelę Ercole. Jak to było w zwyczaju na warsztatach w epoce Quattrocento, Cossa tylko nakreślił ogólny skład, w przeciwnym razie całkowicie opierając się na Ercole. Ten ostatni najwyraźniej zaczął malować predellę od lewej do prawej, podążając za konturami nauczyciela, który posuwał się naprzód, opracowując bardziej szczegółowo liczby. Maniera Ercole'a jest zbliżona do jego nauczyciela, a niektóre sceny wydają się nawet być bezpośrednimi cytatami z fresków Cossy w Palazzo Schifanoia w Ferrarze: w szczególności można znaleźć dziecko jedzące ciastka w scenie „Zmartwychwstanie bogatego Żyda”. w.

6.

Ercole de' Roberti, I Miracoli di San Vincenzo Ferrer (szczególnie). Predella della Pala Griffoni, 1473. Musei Vaticani, Città del Vaticano. przez

Wykorzystując architekturę klasyczną, Ercole kieruje się również intencjami swojego nauczyciela, a nie jego upodobaniem do przedstawiania ruin.

Styl Ercole ujawnia się w dramatycznej scenie, w której krzycząca kobieta i pracownicy próbują ugasić pożar. Ten odcinek jest zapożyczony z Palazzo Schifanoia. W jednej ze scen predelli Ercole toczy złożoną narrację na prawidłowo skonstruowanym perspektywicznie, choć fantastycznym tle z widoki architektoniczne i ruiny. Nie ma wyraźnych granic między poszczególnymi epizodami w predelli, a cała kompozycja przypomina bardziej narracyjne malowidło charakterystyczne dla cassone (skrzynia weselna) lub spalliera (dekoracyjny panel ścienny) niż predelli.

7.


To nie jest Ercole de Roberti, to kopia z 1929 roku. Fragment kopii predelli poliptyku Griffoni przechowywanej w Londynie Galeria Narodowa. W Londynie oryginalna predella występuje raczej pod nazwą Francesco del Cossa niż Ercole de Roberti / Sceny z życia św. Wincentego Ferrera. Data 1929. Po Francesco del Cossa (Carrine Palmieri i Rosa Falcone). Kredyt pozyskania: Prezentowany przez papieża Piusa XI, 1930. 30,5 x 215 cm. Galeria Narodowa w Londynie. Obraz ten jest kopią panelu predella ołtarza pierwotnie w kaplicy Griffoni kościoła S. Petronio w Bolonii. XV-wieczny panel centralny autorstwa Francesco del Cossy przedstawia „Świętego Wincentego Ferrera”, który został dominikaninem w 1367 roku i był znany jako kaznodzieja i misjonarz. Panele boczne, obecnie w Brera w Mediolanie, przedstawiają św. Piotra i św. Jana Chrzciciela. Projekt jest ujednolicony poprzez architekturę i skalisty krajobraz. Oryginalny panel predella (Rzym, Muzea Watykańskie) jest również przypisywany Ercole de „Roberti”.

Wyrafinowana ikonografia, jeszcze nie do końca rozszyfrowana, sugeruje, że artysta musiał posłuchać rad uczonych humanistów, takich jak Giovanni Garzoni z Bolonii, autor życiorysu św. Vincenza Ferrera, którego kult rozprzestrzenił się w północnych Włoszech i był szczególnie silny w Bolonia. W pierwszej scenie po lewej kobieta błaga św. Vincenza, aby złagodził jej bóle porodowe.

8.

Potem przychodzi Zmartwychwstanie bogatego Żyda.

9.


Fragment kopii poliptykowej predelli Griffoni, przechowywanej w londyńskiej Galerii Narodowej. 1929 / Galeria Narodowa, Londyn.

Po tej scenie następuje epizod z siedzącym mężczyzną, którego krwawiąca noga uzdrawia z nieba św. Vincenzo. Po nim znajduje się obraz pożaru, który z czasem wygasł dzięki interwencji świętego.

Ostatnie sceny opowiadają historię matki, która w przypływie szaleństwa zabiła swojego jedynego syna. Jej mąż przenosi szczątki chłopca do grobu św. Vincenzo, gdzie dziecko w cudowny sposób ożywa.

Sceny wypełnione są postaciami ubranymi zgodnie z najnowszymi trendami, a ponieważ św. Widok tłumu przypomina Paolo Uccello i Piero della Francesca.

11.


przez

Predella Ercole jest jedną z najbardziej wyrafinowanych w sztuce renesansu. Artysta pokazuje swoją erudycję za pomocą odniesień do starożytna sztuka. Wśród nich są wykonane z brązu „Chłopiec wyciągający drzazgę” (Muzea Kapitolińskie, Rzym), prototyp siedzącego mężczyzny z ranną nogą oraz Dioscuri z rzymskiego Kwirynału, którzy przypominają mężczyzn walczących z ogniem w miejscu pożaru. Ercole jest bardziej ekspresyjny niż jego nauczyciel.

Czuje się w swoim rodzimym żywiole w miniaturowej skali, ale jego zamiłowanie do detalu nie umniejsza ogólnej monumentalności kompozycji. Artysta twórczo wykorzystał doświadczenie Andrei Mantegny, używając jego ostrych kątów, co widać na obrazie konia na dolnej krawędzi kadru. Predella jest pomalowana jasnymi kolorami iz tą niezwykłą precyzją, którą Ferrares tak doceniali w malarstwie holenderskim i w Cosme Tura. Podczas gdy krytycy konsekwentnie zwracają uwagę na niespokojną, dramatyczną atmosferę dzieł Ercole'a, prawdziwym znakiem rozpoznawczym jego stylu jest złotobrązowe światło, które zalewa jego obrazy i daje im to metafizyczne napięcie, które wyprzedza „piazzi” Giorgio de Chirico, kolejny „irracjonalny” artysta, który tak bardzo kochał melancholijną Ferrarę. "

Wpis w katalogu Muzeów Watykańskich:
Autor: Ercole de "Roberti (Ferrara 1450 ok. - 1496) - già attr. a Benozzo Gozzoli (Firenze 1420 - Pistoia 1497) e a Francesco del Cossa
Opis/tytuł: Predella: Miracoli di San Vincenzo Ferrer: Il Santo guarisce una storpia; Resuscita una ricca ebrea; Salva un bimbo in una casa incendiata; Resuscita un bimbo ucciso dalla madre impazzita; Guarisce un ferito ad una gamba (già "Miracoli di San Giacinto" di B. Gozzoli)
Strefa danych: 1473
Materiał: tempera su tavola
Mizura: cm 30 x 215
Nabycie Periodo: 1908
Przejęcie Tipo: Ingresso nella Pinacoteca di Pio X
Provenienza: dalla pala d "altare della Cappella Griffoni eseguita da Francesco del Cossa per la Chiesa di San Petronio a Bolonia, smembrata nel sec. XVI; dal 1732 al 1782 ca. in casa Aldovrandi; venduta nel 1839 przez Feliciano Brizzi al Gover esposta nella Pinacoteca di Gregorio XVI (MORONI G., 1847), nel 1857 ca., nella Pinacoteca di Pio IX
Collocazione: Edificio della Pinacoteca
Pinakoteka Watykańska
Sala V

12.

Melozzo degli Ambrosi, detto Melozzo da Forlì, (Forlì 1438 - 1494) Un angelo che suona il liuto, 1480 ca. Frammento di fresco staccato, cm 93,5 x 117, nr inw. 40269.114.10. Musei Vaticani. . Obraz w Wikipedii: 4296 x 5323

Melozzo degli Ambrosi, nazywany Melozzo da Forli (1438, Forli - 1494, Forli). 1480. Anioły muzyczne - trzy fragmenty fresków, przeniesione do cadorytu.

Melozzo da Forli. Anioł grający na lutni. 1480. 117,5 x 93,5 cm.

„Od początku XIV wieku, czasu niewoli papieży w Awinionie, Rzym popadł w ruinę, która trwała do połowy XV wieku. Upadek Rzymu znalazł odzwierciedlenie także w jego życiu artystycznym: słabość rzymskiej szkoły malarskiej zmusiła papieży do zwrócenia się do artystów z innych miast.

Melozzo da Forli, tubylec małe miasto Forlì w prowincji Emilia-Romania został zaproszony do Rzymu przez papieża Sykstusa IV. Stworzył wiele fresków w kościołach rzymskich, dzięki czemu Melozza można uznać za założyciela szkoły rzymskiej, która rozkwitała w XVI-XVII wieku. Trzy muzyczne anioły prezentowane na wystawie to fragmenty jego obrazu kopuły kościoła Santi Apostoli, ogromnej wielofigurowej kompozycji „Wniebowstąpienie Chrystusa”.

13.

Melozzo da Forlì. Angeli, 1475-1477. przez

Melozzo degli Ambrosi, nazywany Melozzo da Forli. Anioł grający na lutni. 1480. 108,5 x 77,5 cm.

„Fresek „Wniebowstąpienie Chrystusa” był postrzegany przez współczesnych jako triumf władzy papieskiej, który ożywił Rzym. Boska orkiestra aniołów symbolizowała nieziemskie piękno raju, a abstrakcyjne pojęcie „muzyki nieba” wiąże się z filozoficznymi konstrukcjami modelu świata, o których mówili pitagorejczycy i platonicy. Melozzo jako artysta renesansowy łączy w swojej twórczości tradycje antyczne i chrześcijańskie. Jego aniołowie, wielbiący Pana według słów Biblii: „Niech wysławiają Jego imię twarzami, na tympanonie i harfie, niech Mu śpiewają, bo Pan sprzyja Swojemu ludowi, pokornych chwali zbawieniem” idealne, jak antyczne posągi, a jednocześnie żywotne – wyglądają jak młode pazie na dworach renesansowych władców.”

14.

przez. Oryginał (4201 x 5276)

Melozzo degli Ambrosi, nazywany Melozzo da Forli. Anioł grający na wiolonczeli. 1480.

„Nie tak wiele dzieł Melozza dotarło do nas, większość jego fresków uległa zniszczeniu podczas przebudowy, ale z tego, co pozostało, można ocenić skalę jego talentu. „Wniebowstąpienie Chrystusa” jest wyjątkowe, fresk wyróżnia się spośród wszystkich współczesnych obrazów. Fabuła przedstawiająca triumf Zbawiciela na niebiańskim tronie w otoczeniu niebiańskich sił, ulubiona w sztuce bizantyjskiej, została zapożyczona przez Europę Zachodnią, rozkwitła wspaniale w okresie romańskim, kontynuowana w gotyku, nie udała się już w Quattrocento. Melozzo, zwracając się do średniowiecznych próbek, tchnął w nie tchnął nowe życie i ponownie wprowadził temat Wniebowstąpienia do listy najbardziej aktualnych tematów sztuk pięknych, antycypując tym samym Michała Anioła, Rafaela, Correggio i malowidła ścienne kopuł barokowych kościołów.

15.


Pietro Vannucci, detto il Perugino, (Città della Pieve 1450 ok. - Fontignano 1523) S. Flavia; S. Placido, 1496 - 99 Tempera grassa su tavola Invv. 40319, 40320, 40321 -2,1. Musei Vaticani.

Pietro Vannucci, nazywany Perugino (1448, Citta della Pieve - 1523, Fontignano). Św. Placis. 1495-1498. Predella. Drewno, tempera olejna. 35,5 x 30 cm.

„Pochodzący z Umbrii Pietro Perugino na przełomie XV i XVI wieku stał się jednym z najbardziej wpływowych artystów we Włoszech, a mając duże warsztaty we Florencji i Perugii, pełne studentów, był równie płodny jak on sam. utalentowany, wypełnił kościoły Toskanii i Umbrii wieloma swymi czułymi Madonnami i pobożnymi świętymi. Obraz jest doskonałym przykładem jego dojrzałego stylu.

Znani są dwaj święci Placydy: męczennik zabity wraz ze swoją siostrą Flawią za panowania cesarza Dioklecjana w IV wieku oraz uczeń św. Benedykta żyjący w VI wieku. Perugino, łącząc obie legendy, przedstawił świętą w sutannie, ale z gałązką palmową, symbolizującą męczeństwo, atrybut brata Flawii.

16.


Pietro Vannucci, detto il Perugino, (Citta della Pieve 1450 ok. - Fontignano 1523). S. Flavia; S. Placido, 1496-99 Tempera grassa su tavola Invv. 40319, 40320, 40321 -2,1. Musei Vaticani.

Pietro Vannucci, nazywany Perugino. Święta Justyna. 1495-1498. Predella. Drewno, tempera olejna. 33,5 x 26 cm.

„Obraz ten, podobnie jak św. Placis, był częścią wielkiego ołtarza Wniebowstąpienia Chrystusa, stworzonego dla klasztoru San Pietro w Perugii w latach 1495-1500. Ze względu na pomyłkę ze św. , księżniczka z urodzenia, tradycyjny atrybut.

17.

„Święta Justyna” jest tej samej jakości co „Święta Placis”, ale dla historii sztuki te dwa obrazy są również ważne, ponieważ były częścią ołtarza „Wniebowstąpienie Chrystusa”, który powstał właśnie w czasie, gdy w warsztacie Perugino pojawił się bardzo młody Raphael.

18.


Raffaello Sanzio, (Urbino 1483 - Roma 1520). Speranza - Carità - Fede, Predella Baglioni, 1507. Tempera grassa su tavola, cm 18 x 44 ciascun pannello Invv. 40330, 40331, 40332 — Fed. Musei Vaticani.

Raphael Santi (1483, Urbino - 1520, Rzym). Wiara i Miłosierdzie. 1507. Predella. Drewno (topola), olej. Oba mają wymiary 18 x 44 cm.

Rafał. Wiara

„Być może nie ma bardziej wpływowego artysty w historii sztuki niż Raphael. Od trzech i pół wieku jego nazwisko jest synonimem absolutnej doskonałości w sztuce.

Pierwsze krytyczne recenzje pojawiły się w: połowa dziewiętnastego wieku, potem rosła liczba jej krytyków, manifesty nowej sztuki obalały jej autorytet, ale zaprzeczenie jest rodzajem uznania. To nie przypadek, że dzieła Rafaela znajdują się pośrodku sali poświęconej renesansowi i baroku.

19.

Wersja rekonstrukcji ołtarza Baglioniego / Raphaël, La Déposition, 1507 / Pala Baglioni. przez, przez

Są to dwa z trzech małych grisaille, które stanowiły predellę ołtarza do kościoła San Francesco al Prato w Perugii, znanego jako ołtarz Baglioniego, w centrum którego znajdowało się „Złożenie do trumny”, obecnie przechowywane w Galeria Borghese.

20.


Raffaello Sanzio. Fede, Predella Baglioni, 1507. Musei Vaticani.

„Wiara”, boczna część predelli, pojawia się jako postać kobieca z kielichem w dłoni, w puttach w bocznych niszach znajdują się tabliczki z monogramami imienia Jezus.

21.


Raffaello Sanzio, (Urbino 1483 - Roma 1520). Carità, Predella Baglioni, 1507. Tempera grassa su tavola, cm 18 x 44. ciascun pannello Nr inw. 40330, 40331, 40332 Speranza. Musei Vaticani.

Rafał. Łaska

„Ołtarz, którego częścią były „Wiara” i „Miłosierdzie”, został zamówiony przez Atalantę Baglioni do kaplicy pogrzebowej, w której spoczywało ciało jej młodego syna, który został brutalnie zamordowany w interwencyjnej walce dwóch rodzin perugijskich. Rafał otrzymał rozkaz wykonania ołtarza w połowie 1506 roku. Była to pierwsza większa samodzielna praca, ponieważ wcześniej nie otrzymał zamówień na ołtarze. Ołtarz „Złożenie do grobu” był bardzo chwalony, ale zauważono również nowość małej predelli.

22.


Raffaello Sanzio. Carita, Predella Baglioni, 1507. Musei Vaticani.

W XV wieku predella opowiadała historie, co było przyjętą normą, Rafael zastąpił tę historię alegorią. „Miłosierdzie”, reprezentowane jako matka obejmująca dzieci, znajdowało się w centrum, otoczone przez „Wiara” i „Nadzieja”. Putto po prawej trzyma na ramionach kociołek z ogniem – starożytny, związany z Igrzyska Olimpijskie symbol pokoju, a lewica, rozrzucając pieniądze, wzywa do hojności.

23.

Antonio da Correggio (1490-1534). Chrystus w chwale (część tryptyku). Około 1526-1530. 105 × 98 cm. Pinakoteka Watykańska. przez. Oprawione na wystawie

Antonio Allegri, nazywany Correggio (1489, Correggio - 1534, Correggio). Chrystus w chwale. W latach 1525-1530. Pinnacle - szczyt ołtarza. Płótno, olej. 105x98 cm.

„Sława Antonio Correggio za jego życia ograniczała się do Parmy, gdzie koncentrowały się jego główne dzieła, ale po jego śmierci stał się jednym z najbardziej szanowanych włoskich malarzy. Ten ceniony w XVIII i pierwszej połowie XIX wieku obraz został uznany za kopię w wieku XX i oddany do przechowywania.

24.

Trittico della Misericordia

Dopiero w 2011 roku został odrestaurowany, a jednocześnie ustalono, że na płótnach z XVI wieku, a także na postaci i twarzy Chrystusa widoczne są liczne poprawki autorskie, których nie ma w odpisach. Autorstwo Correggio uznano za niewątpliwe, a obraz zajął zaszczytne miejsce w ekspozycji Pinakoteki. Interesujące jest porównanie „Chrystusa w chwale” z ikoną otwierającą wystawę – wizerunek Correggio kontynuuje rozwój antycznego typu ikonograficznego pochodzącego z Bizancjum”.

25.

Paolo Caliari, detto il Veronese, (Werona 1528 - Wenecja 1588) Visione di S. Elena, 1580 ca. Olio su tela, cm 166 x 134 nr inw. 40532.

Paolo Cagliari, nazywany Paolo Veronese (1528-1588). Wizja św. Heleny. Około 1575-1580. Płótno, olej.

„Obraz Paolo Veronese jest luksusowy w stylu weneckim. Przedstawiona jest Święta Helena, matka Konstantyna, pierwszego chrześcijańskiego cesarza rzymskiego. Według legendy, Elenie ukazał się anioł, który skłonił ją do udania się do Jerozolimy w poszukiwaniu krzyża Jezusa. Tradycyjnie przedstawiano świętą prowadzącą robotników odkopujących krzyż lub trzymającą w rękach znaleziony krzyż. Veronese natomiast przedstawił śpiącą Elenę, a w wizji ukazano jej anioła trzymającego krzyż, wezwanemu, by wskazać drogę do Ziemi Świętej. Wiek przedstawionych jest sprzeczny z kanonicznym tekstem biografii: Święta Helena, kiedy pojechała do Jerozolimy, miała wiele lat, a bohaterka Veronese jest młoda. Swobodna interpretacja legendy dała podstawę do przypuszczenia, że ​​elegancka Wenecjanin na obrazie, którego wizerunek jest niemal portretem, to żona Veronese, którą nazywano też Eleną.

Michelangelo Merisi, nazywany Caravaggio (1571-1610). Pozycja w trumnie. Około 1603-1604. Płótno, olej. 300 x 203 cm.

Główną gwiazdą ekspozycji jest obraz „Złożenie do grobu” Caravaggia. W 2011 roku praca była już w Moskwie na wystawie „” w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkina. W kontekście wystawy w Galerii Trietiakowskiej z jakiegoś powodu nie jest to zbytnio pamiętane.

Opis obrazu z artykułu na wystawę w Muzeum Puszkina:„Caravaggio osiągnął najwyższą dojrzałość twórczą w 1606 roku, kiedy namalował kilka monumentalnych obrazów dla najsłynniejszych rzymskich kościołów, w tym katedry św. Piotra. Jednym z najsłynniejszych dzieł tego czasu jest dzieło „Złożenie do grobu” (1606, Muzea Watykańskie, Pinakoteka), uderzające prawdziwością przekazu uczuć i potężną dramaturgią. Jak wynika z dokumentów, aby zrozumieć obraz, niezwykle ważne jest, aby pamiętać o aktywnej roli zakonu oratoriów, do którego należała katedra; ustanowili surowe zasady dotyczące dekoracji kaplic i ikonografii działek. Światło wyciąga bohaterów z niejasnej ciemności, odsłania ich rysy i uczucia: sędziwą matkę Chrystusa, nawróconą grzesznicę Marię Magdalenę, Marię Kleopową, „ukochaną uczennicę” Jana i Nikodema. Grupa postaci tworzących coś w rodzaju kompozycja rzeźbiarska, a widz okazuje się uczestnikiem sceny dzięki kątowi patrzenia (od dołu, z kamienia) i spojrzeniu Nikodema, na którego obrazie badacze widzą portret klienta, Pietro Vittriche'a. Rozkład światła w obrazie jest ściśle przemyślany, dzięki czemu Caravaggio udaje się skierować wzrok widza. Obraz łączy elementy i postacie z dwóch wątków - „Złożenie do grobu” (w którym według Ewangelii byli obecni Józef z Arymatei, Magdalena i Maria Kleopowa) oraz „Lamentacja” (w której Matka Boża i św. Jan ewangeliści są zwykle przedstawiani). Takie zestawienie jest podyktowane programem ikonograficznym kościoła, który korespondował z planem samego Filippo Neri, założyciela zakonu oratoriów. Caravaggio dodaje element niosący w kompozycji duży ładunek emocjonalny - kolosalną kamienną płytę, na której stoją bohaterowie. Jest to kamień zamykający wejście do groty grobowej, a jednocześnie kamień namaszczenia, na którym złożono ciało Zbawiciela do namaszczenia kadzidłem i pieluchami, gdzie łzy Matki i krople z krwi Syna spadła. Tablica bezpośrednio odnosi się do Chrystusa jako kamienia węgielnego łączącego Stary i Nowy Testament, kamienia, na którym opiera się Kościół, rozumiany jako „ciało Chrystusa” i symbolicznie reprezentowany tutaj przez ciało Zbawiciela.

27.


Caravaggia. Pozycja w trumnie, fragment. Około 1603-1604. Pinakoteka Watykan

Opis obrazu w książeczce Państwowej Galerii Trietiakowskiej:„Głównym arcydziełem na wystawie jest Złożenie do grobu Caravaggia. Ten obraz otwiera nowe stulecie. Niezwykła ikonografia wiąże się z wezwaniami do oczyszczenia Kościoła katolickiego i powrotu do prostoty starożytnego chrześcijaństwa, które wywodziło się od wielu postaci kontrreformacji, ale dzieło, jak to często bywa, okazało się znacznie bardziej znaczące niż wszelkie kalkulacje ideologiczne. Postrzegano ją tak samo, jak na początku XX wieku postrzegano dzieła awangardy. „Złożenie do grobu” ze swoją otwartą tragedią i siłą prostoty zbuntowało się przeciwko zinstytucjonalizowanemu dobremu gustowi. Kiedy obraz został otwarty, wielu było oburzonych, ale wielu, w tym artyści i kolekcjonerzy, wśród których byli arystokraci i kardynałowie, powitało nową sztukę.

28.

Nicolas Poussin, (Les Andelys 1594 - Roma 1665) Martirio di S. Erasmo, 1628 - 1629. Olio su tela, cm 320 x 186 Nr inw. 40394. Musei Vaticani.

Mikołaja Poussina (1594-1665). Męczeństwo św. Erazma. 1628-1629.

„Poussin otrzymał zamówienie na ołtarz „Męczeństwo św. Erazma” w 1628 r. i było to jego pierwsze rzymskie zlecenie na wykonanie dużego dzieła dla kościoła. Obraz przeznaczony był do kaplicy w Bazylice św. Piotra, która właśnie została otwarta po zakończeniu budowy, a zamówienie było bardzo prestiżowe. Obraz przedstawia męczeństwo Erazma, rodaka z Antiochii, który został biskupem w mieście Formia w Lacjum pod Rzymem, który został stracony przez rozcięcie żołądka i wyrwanie wnętrzności za pomocą bramy. Kapłan w białej todze wskazuje na Herkulesa, któremu Erazm odmówił czci. Okropny naturalizm nieco wygładza klasycystyczny Poussin, ale obraz wciąż robi niemal szokujące wrażenie.

29.


Mikołaja Poussina. Martirio di S. Erasmo, 1628-1629. Musei Vaticani.

Poussin za życia uważany był za antagonistę Caravaggia, ale Męczeństwo św. Erazma, wystawiane w tym samym pomieszczeniu co Złożenie do grobu, nie wdaje się z nim w kłótnię, lecz w złożony dialog wewnętrzny.

Źródła:

Broszura-broszura „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Bellini, Rafael, Caravaggio. 25 listopada 2016 - 19 lutego 2017
Katalog: Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Bellini, Raphael, Caravaggio / Państwo. Galeria Tretiakowska. - M., 2016 r. - 240 pkt. : chory. ISBN 978-5-89580-152-9
I tak dalej.
Artykuł na stronie Muzeum Puszkina o wystawie „Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) ze zbiorów Włoch i Watykanu”, 26.11.2011 - 19.02.2012

do tego:

Wszystkie prace wystawy:

1): od ikony z XII wieku „Błogosławieństwo Chrystusa” do „Lamentacji Chrystusa” Giovanniego Belliniego. Hala 1.
2): od Ercole de Roberti do Veronese. Caravaggia. Poussina. Hale 1 i 2.
3): XVIII wiek, obserwacje astronomiczne, Donato Creti. Hala 3.
4): XVII i XVIII wiek - pozostałe obrazy. Hala 2.

Prace Rafaela, Caravaggia, Belliniego i innych tytanów sztuki światowej sprowadzono do Moskwy z Pinakoteki Watykańskiej.

Wystawa „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej, otwarte w - kultowe dla Współczesna historia muzeum. W takim składzie i objętości sztuka, metodycznie gromadzona przez papieży, nigdy nie została wysłana w trasę.

Najstarszy eksponat

„Błogosławieństwo Chrystusa”, XII wiek.
Muzea Watykanu.

Wystawę otwiera ikona z XII wieku, namalowana przez nieznanego rzymskiego mistrza. „Błogosławieństwo Chrystusa” to wyjątkowe przypomnienie jedności Kościoła chrześcijańskiego, które pomoże prześledzić paralele między sztuką europejską i starożytną rosyjską. Włoski Jezus z XII wieku jest bardzo podobny do popularnego wizerunku rosyjskich ikon - Wszechmogącego Zbawiciela.

Główne arcydzieło wystawy

Michelangelo Merisi, nazywany Caravaggio. „Pozycja w trumnie”. Około 1602-1602. Płótno, olej. Muzea Watykanu.

Na początku XVII wieku płótno to dokonało małej rewolucji. Niestandardowa, tragiczna, a zarazem prosta kompozycja przełamała stereotypy, które narosły w tym czasie w malarstwie (tak jak zdeptał je Czarny Kwadrat na początku XX wieku). Dzięki wysiłkom reformatorów katolicyzm nie doświadczył… lepsze czasy- wielu widziało zbawienie Kościoła w powrocie do starożytnej chrześcijańskiej prostoty i witalności. Caravaggio był jednym z nich.

Najbardziej poetycki obraz

Paolo Cagliari, nazywany Paolo Veronese. Wizja św. Heleny. Około 1575-1580. Płótno, olej. Muzea Watykanu.

Jest mało prawdopodobne, że ktoś przejdzie obok wielkoformatowego obrazu słynnego Veronese. Przed nami św. Helena, matka pierwszego rzymskiego cesarza chrześcijańskiego Konstantyna. Bohaterce ukazał się anioł i namówił ją, by udała się do Jerozolimy w poszukiwaniu tego samego krzyża. Zazwyczaj świętą przedstawiano ze znalezionym już w dłoni krzyżem, ale Veronese zdecydowała się namalować jej śpiącą – bezpośrednio podczas wizji. Ale to nie jedyny kanon naruszony przez Włocha. Według legendy Elena widziała anioła w podeszłym wieku, a na płótnie widzimy młodą wenecką piękność. Veronese nie zastanawiał się długo nad tym, kogo przyjąć modelkę i wybrał własną żonę. Śpiąca święta na portrecie powtarza pojawienie się żony artysty, która przez szczęśliwy zbieg okoliczności została również nazwana Eleną.

Wystawa z niezwykłą historią

Donato Creti. „Obserwacje astronomiczne”. 1711 Olej na płótnie. Muzea Watykanu.

Praca, pod którą zajęli całą halę, jest interesująca zarówno fabułą, jak i historią. Przed nami rodzaj komiksu kosmicznego z XVIII wieku: artysta Donato Creti napisał serię „Obserwacji astronomicznych” przedstawiającą wszystkie znane wówczas planety Układ Słoneczny. W epoce oświecenia historie naukowe zaczynają konkurować z biblijnymi. Ale najciekawsze jest to, że „Obserwacje astronomiczne” zostały napisane na polecenie hrabiego Luigi Ferdinando Marsili i miały być prezentem dla Klemensa XI. Arystokrata liczył więc na przekonanie Papieża do przekazania pieniędzy na budowę obserwatorium w Bolonii. Dobrze, że ojcowie brali łapówki sztuką – teraz mamy na co popatrzeć.

Arcydzieło, które nie wszyscy zauważą

Gentile da Fabriano. „Święty Mikołaj uspokaja burzę i ratuje statek”, ok. 1425 r. Tempera na drewnie. Muzea Watykanu.

Gentile da Fabriano jest nieco zagubiony w cieniu wybitnych sąsiadów, takich jak Raphael i Caravaggio. Tymczasem bardzo ciekawe jest jego małe płótno o ciężkim tytule „Święty Mikołaj uspokaja burzę i ratuje statek”: znalazło się na nim miejsce zarówno dla biblijnego świętego, który jak Superman przylatuje i ratuje pechowych marynarzy, jak i pogańska syrena. A co z kobietą-rybką? W średniowiecznej symbolice syreny uosabiają demoniczną moc - wywołała więc burzę, którą św. Mikołaj „pacyfikuje”.