Pablo Picasso. Kochanek absyntu. 1901 Ermitaż, Petersburg

„Absinthe Drinker” jest przechowywany w Petersburgu. Jest dobrze znana na całym świecie. To uznane arcydzieło młodego Picassa.

Ale trudno nazwać fabułę obrazu oryginalną. A przed Picassem wielu artystów uwielbiało motyw samotności i dewastacji. Przedstawianie ludzi wyglądających donikąd przy stoliku w kawiarni.

Takich bohaterów spotykamy zarówno na, jak i na.

Po lewej: Edgar Degas. Absynt. 1876 ​​​​Musee d'Orsay, Paryż. Po prawej: Édouard Manet. Śliwawica. 1877 Galeria Narodowa Waszyngton

A dla samego Picassa Ermitaż „Pijący Absynt” wcale nie jest oryginalny. Często portretował samotne kobiety nad kieliszkiem. Oto tylko dwa z nich.

Po lewej: pijący absynt. 1901 Muzeum Sztuki w Bazylei. Po prawej: pijana zmęczona kobieta. 1902 Muzeum Sztuki w Bernie

Czym więc jest arcydzieło tego konkretnego obrazu?

Warto się temu przyjrzeć.

Szczegóły dotyczące pijącego absynt

Przed nami kobieta po 40. Jest chuda. Wydłużenie jej ciała podkreśla kok włosów oraz nieproporcjonalnie długie ręce i palce.

Picasso chętnie zdeformował postacie bohaterów. Nie było dla niego ważne zachowanie proporcji, a tym bardziej urealnienie osoby. Poprzez te deformacje przedstawił ich duchowe wypaczenia i wady.

Wyjątkowa jest również twarz kobiety. Brzydki, z szerokimi kośćmi policzkowymi i wąskimi, prawie nieobecnymi ustami. Oczy są zwężone. Jakby kobieta próbowała o czymś pomyśleć, ale myśl zawsze się wymyka.

Pablo Picasso. Poidło absyntu (fragment). 1901 Ermitaż, Petersburg

Jest już pod wpływem absyntu. Ale wciąż staram się zachować godny zaufania wygląd. Trzyma brodę w dłoni. Owinęła się drugą ręką.

Ale mówca to nie tylko wygląd kobiety. Ale także środowisko.

Kobieta siedzi blisko ściany. Jakby przebywać w bardzo ograniczonej przestrzeni. Wzmacnia to uczucie zanurzenia w sobie. Jej samotność podkreśla również czysty stół, na którym oprócz szklanki i syfonu nie ma nic. Nawet obrusy.

Tylko lustro za nią. Co odzwierciedla rozmytą żółtą plamę. Co to jest?

Znajduje to odzwierciedlenie w tym, co dzieje się w kawiarni. Przed oczami bohaterki tańczą wesołe pary.

Sam Picasso daje nam wskazówkę na ten temat. W tym samym czasie stworzył pastelową wersję The Absinthe Drinker.

Pablo Picasso. Absynt. 1901 Ermitaż, Petersburg

Za tym „kolegą w absyncie” znajduje się również żółta plama. Ale widzimy sylwetki tancerzy.

Być może w wersji Ermitażu Picasso postanowił porzucić wymowną żółtość. Pokazanie, że zabawa i komunikacja opuściły już życie kobiety.

Działka poza czasem

A warto zwrócić uwagę na kilka szczegółów.

Picasso celowo łączy wszystkie linie. Stwarza uczucie dymu tytoniowego i iluzję upojenia kobiety.

A ile skrzyżowanych linii jest na zdjęciu! Ręce bohaterki. Odbicie w lustrze. Ciemne linie na ścianie. Pokrywa syfonu. Symbole przekreślonego życia.

Przemawia też kolorystyka. Spokojny niebieski kolor i nieprzyjemny czerwony odcień. Kobieta balansuje między zdrowym rozsądkiem a halucynacyjnym światem absyntu. Oczywiście wygra drugi. Później.

Ogólnie wszystkie szczegóły obrazu podkreślają stan umysłu bohaterki. Krótkotrwała przyjemność picia na tle życia, które pęka w szwach.

Od razu rozumiemy, że w tym życiu nie ma bliskich, prawdziwych krewnych. Nie ma pracy, która przynosi radość.

Jest tylko smutek i samotność. Dlatego alkohol coraz bardziej uzależnia. Pomaga niszczyć życie.

Na tym polega geniusz tego obrazu. Picasso potrafił bardzo przejmująco pokazać człowieka w trakcie niszczenia swojego życia.

Nie ma znaczenia, w jakim jest wieku. Ta historia jest ponadczasowa. To zdjęcie nie dotyczy konkretnej kobiety. I o wszystkich ludziach o podobnym losie.

Przeczytaj o innym arcydziele mistrza w artykule

Intrygować

W ciemnej sali restauracji, pośród zabawy i oszustwa, pokazuje Picassa kochanka absyntu. Zanurzona w sobie jest całkowicie obojętna na to, co się dzieje. Jej ciało jakby stało się monolitem, który kołysze się miarowo w czasie wraz z przychodzącymi i odchodzącymi myślami i obrazami.

Absynt Pijący, 1901. (wikipedia.org)

Stojący na stole absynt to swego rodzaju portal do świata zapomnienia, w którym cofają się niepokoje dnia, choroby i strach. Alkohol nie rozwiązuje trudności - rano wszystkie te same kłopoty znów spadną na kacową głowę - ale odłącza bohaterkę od rzeczywistości.

Absynt Pijący, 1901. (picassolive.ru)

Świat, który widzimy na płótnie to zarówno wnętrze jednej z wielu tanich kawiarni na wyspie, jak i przestrzeń fantazji. Widz traci kontakt z rzeczywistością, podobnie jak pijący absynt. Używając cloisonism - spłaszczającego stylu malowania - Picasso kieruje naszą uwagę na świat niematerialny.

Kontekst

Płótno powstało pod wpływem Paula Gauguina, Henri Toulouse-Lautreca, Edouarda Maneta, Edgara Degasa. W rzeczywistości cytowano wszystkich współczesnych, którzy na początku XX wieku zdołali się zadeklarować, w taki czy inny sposób. Dotyczy to zarówno stylu, jak i fabuły: motyw samotnej osoby, która jest za burtą i szuka zapomnienia, ulgi w bólu psychicznym w szklance, był bardzo popularny w późny XIX wiek. Sam Picasso ma kilka interpretacji fabuły, które prawie kopiują The Absinthe Drinker.

Edouard Manet „Pijący absynt”, 1859. (wikipedia.org)

Edgar Degas „Absynt”, 1876. (wikipedia.org)

Paul Gauguin „Kawiarnia w Arles”, 1888. (wikipedia.org)

„Absynt”, 1901. (wikipedia.org)

Obraz ten jest do pewnego stopnia portretem duszy Picassa. Ubóstwo, brak porządków, śmierć bliski przyjaciel Casagemas, ogólny nieład stał się sprawdzianem, przezwyciężenie którego malarz mógł oczywiście szukać zapomnienia w kieliszku w ten sam sposób. Temat samotności i pustki wkrótce zabrzmi niebieski okres, o jego ujawnienie Picasso napisze przedstawicieli niższych klas równych mu statusem - żebraków, wędrownych artystów, prostytutek, bezdomnych.

Pablo Picasso „Arlekin i jego dziewczyna. Wędrujący gimnastycy, 1901. (wikipedia.org)

Pablo Picasso „Kobieta z kokem”, 1901. (wikipedia.org)

W tym czasie artysta był tak biedny, że nie miał nawet płótna. Dla The Absinthe Drinker wziął starą pracę, posmarował ją i użył Odwrotna strona. W efekcie kolory brzmią matowo, przytłumione – niczym stłumiona na chwilę tęsknota bohaterki. Popędzona, ściągnięta, splata się w dłonie, tak nienaturalnie splecione.

Losy artysty

Pablo Picasso urodził się w 1881 roku w Maladze. Według legendy dziecko było tak słabe, że położna już myślała, że ​​nie żyje. Ale dym z cygara wuja, stojącego w pobliżu, obudził dziecko.

Ojciec Picassa był artystą i postanowił uzależnić syna od tego samego zawodu. Prawdopodobnie wkrótce pożałował swojego przedsięwzięcia – dziecko pokazało tak imponujące zdolności, że przez lata jego ojciec całkowicie porzucił malarstwo – nie wytrzymał konkurencji.

Posiadając klasyczny hiszpański temperament, Picasso nie tracił czasu na poskramianie swojego temperamentu. Każde słowo krytyki pod jego adresem wywoływało gniew. To był główny powód niepełnej edukacji Picassa i częstych konfliktów z ludźmi.

Z Malagi przeniósł się do Barcelony, gdzie jeszcze był ciasny, a następnie do Paryża. Tutaj w 1901 roku odbyła się pierwsza wystawa Picassa. Oczywiście porażka - prowincjonalnego Hiszpana nie potraktowali poważnie wymagający paryżanie. Dla narcystycznego i ambitnego młodzieńca to fiasko było testem trudniejszym niż bieda. Ale on też to przezwyciężył.

Autoportret, 1901-1902. (wikipedia.org)

W Paryżu artysta mieszkał w okolicy, w której samotne i bez broni pojawianie się na ulicach było niebezpieczne. Ale takie drobiazgi tylko podgrzewały atmosferę i napełniały Picassa pragnieniem życia. W tamtych latach pozwalał sobie na wszystko: kochanki zmieniały się jedna po drugiej, relacje z mężczyznami, alkohol, objadanie się opium. Narkotyki położono dopiero po samobójstwie artysty, który powiesił się z biedy. Picasso obawiał się, że będąc odurzonym, zaryzykuje przekroczenie linii i popadnie w rozpacz.

Picasso nie miał granic gatunkowych. Pracował z każdym materiałem, który mógł pomóc wyrazić ideę. Ten sam absynt i jego miłośnicy, artysta nie tylko pisał, ale także rzeźbił. Picasso znany jest również jako grafik, projektant, specjalista od ceramiki, projektant kostiumów i dekorator, poeta i dramaturg. Jako osoba, której formacja miała miejsce na przełomie wieków, był artystą wszechstronnym, z jednej strony pragnącym przyćmić poprzedników, z drugiej pochłoniętym poszukiwaniem nowego języka wizualnego. Wyjaśnia to również częstotliwość, z jaką zmieniał style. Tradycyjnie zwyczajowo wyróżnia się 11 okresów twórczości Picassa: wczesny, niebieski, afrykański, kubizm analityczny, kubizm syntetyczny, klasycyzm, surrealizm, przedwojenny, powojenny, późny. Jakoś spytano artystę, który z okresów jest mu bliższy. Na to Picasso rozłożył palce i odpowiedział: „Jak myślisz, który z palców jest mi najdroższy? Potrzebuję ich wszystkich!”

Picasso był pełen energii. Miał kilka żon, niezliczoną ilość kochanek i kochanków, prawowitych i nieślubnych dzieci. Malarz powiedział: „Niestety, a może na szczęście patrzę na rzeczy przez pryzmat miłości”. Gdy dorósł, wybrał młodsze panie, powtarzając: „Jeśli mieszkam z młodą kobietą, to pomaga mi pozostać młodym”.

Picasso przypisuje się dziesiątkom tysięcy dzieł. Nikt nie jest w stanie dokładnie ocenić skali jego artystycznego dziedzictwa - liczby wahają się od 20 tysięcy do 100 tysięcy obrazów.

Źródła

1. Hermitage.ru
2. Najnowszemuzeum.ru
3. Archiwum.ru
4. Picassolive.ru
5. Aleksander Tairow - o artystach // youtube.com

Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook oraz W kontakcie z

Jakie jeszcze tajemnice zaszyfrował w swoich dziełach legendarny mistrz?

stronie internetowej zaprasza do odkrywania cudowny świat wspaniały artysta.

1. Błąd w Salvator Mundi (Zbawiciel Świata)

Jeśli przyjrzysz się uważnie zdjęciu, zobaczysz, że kula w rękach Jezusa jest przezroczysta. Ale kto, jeśli nie Leonardo, który szeroko badał optykę, powinien był wiedzieć, że tło za kryształową kulą nie może być takie. Powinien wzrosnąć i stać się rozmyty. Czemu wspaniały artysta popełnił taki błąd, nie wiadomo na pewno.

2 Zaskakujący fakt o Ostatniej Wieczerzy

Co może łączyć Judasza i Jezusa na tym płótnie? Istnieje przypowieść, zgodnie z którą opiekunem obu była ta sama osoba. Niestety, kto to był dokładnie, do naszych czasów nie dotarły żadne informacje.

Jednak według legendy da Vinci odnalazł swojego Jezusa w chórze kościelnym, gdzie służył jako chórzysta. Później, gdy fresk był już prawie ukończony i mistrz nie mógł znaleźć nikogo dla wizerunku Judasza, Leonardo zauważył w rowie bardzo pijanego mężczyznę ze śladami dzikiego życia na twarzy. Gdy da Vinci ukończył wizerunek Judasza, opiekun przyznał, że zna ten wizerunek i 3 lata temu pozował artyście jako Jezus.

3. Kolejny niesamowity fakt dotyczący ostatniej wieczerzy

Kolejny ciekawy niuans tego fresku. Obok Judasza leży przewrócona solniczka.. Co ciekawe, fakt ten może być wyraźnym przykładem przekonania, że ​​rozsypana sól ma kłopoty. Płótno przedstawia przecież moment, w którym Jezus mówi, że jeden z zebranych go zdradzi.

Olej/Płyta (1499)

Opis

Przez dziesięciolecia markiz de Hanet próbował przekonać społeczność muzealną o prymacie „Zbawiciela”, który zdobił jego paryską rezydencję. Według de Ganet, jeden z poprzednich właścicieli obrazu, baron de Laranti, nabył go w XIX wieku od klasztoru w Nantes, gdzie przekazała mu w spadku dzieło...

„Zbawiciel Świata” to obraz Leonarda da Vinci, który przez długi czas był uważany za zaginiony. Jej klient jest zwykle nazywany królem Francji Ludwikiem XII. Kilka szkiców jest przechowywanych w zamku Windsor. Zachowało się około 20 prac Leonardesco na ten temat. Możliwe, że jednym z nich jest mocno zniszczony oryginał Leonarda, wykończony przez kogoś z jego warsztatu.

Przez dziesięciolecia markiz de Hanet próbował przekonać społeczność muzealną o prymacie „Zbawiciela”, który zdobił jego paryską rezydencję. Według de Ganaeta, jeden z poprzednich właścicieli obrazu, baron de Laranti, nabył go w XIX wieku od klasztoru w Nantes, gdzie przekazała dzieło w spadku wdowa po Ludwiku XII.
W 1982 obraz brał udział w wystawie prac mistrza w rodzinnym Vinci; kuratorem tej wystawy był Carlo Peretti, doświadczony specjalista ds. atrybucji Leonardescan. Mimo wszelkich wysiłków markizowi nie udało się udowodnić, że paryski „Zbawiciel” został namalowany przez Leonarda. W większości współczesnych katalogów przypisywany jest Francesco Melzi lub Marco d'Oggiono. W 1999 roku obraz został sprzedany w Sotheby's za 332 000 dolarów.

Znany jest również rycina z połowy XVII wieku wykonana przez Wacława Hollara, prawdopodobnie na zlecenie angielskiej królowej Henrietty Marii. Jeśli grawer został wykonany z oryginału przez Leonarda, to można wnioskować, że w tym czasie obraz należał do Stuartów. Być może to właśnie ta praca trafiła do kolekcji księcia Buckingham w 1688 roku. W każdym razie w 1763 roku jego potomkowie sprzedali go na aukcji jako dzieło Leonarda, po czym ślad po obrazie zaginął.

Pod koniec 2011 roku Londyńska Galeria Narodowa ogłosiła, że ​​nadchodząca wystawa prac Leonarda, wraz z jego autentycznymi pracami z okresu mediolańskiego, sprowadzonymi do Londynu z całej Europy, zostanie zaprezentowana także „Zbawiciel Świata” z prywatna kolekcja w Nowym Jorku. W 1900 roku został przejęty jako dzieło szkoły mediolańskiej przez jednego z najbogatsi ludzie Wiktoriańska Anglia, Baronet Frederick Cook, właściciel luksusowego pałacu Montferrat w Sintrze. W jego domu wisiały dzieła Filippo Lippiego, Fra Angelico, Huberta van Eycka, Diego Velázqueza i Rembrandta.
„Zbawiciel Świata” z kolekcji Cooka został wypaczony przez późniejsze wpisy i poprawki: w dobie kontrreformacji do bezbrodnej i dziwnie kobiecej twarzy Zbawiciela dodano tradycyjne wąsy i kozią bródkę. Tak trudno było przypisać obraz w takiej formie, że w 1958 roku spadkobiercy Cooka byli w stanie sprzedać go w Sotheby's za jedyne 45 funtów.

W 2004 roku na nienazwanej aukcji dzieło kupił Robert Simon, znawca dawnych mistrzów oraz grupa marszandów. Następnie praca została przekazana do restauracji, w trakcie której można było wyczyścić ją z zapisów. Szczegóły odbudowy nie zostały ujawnione. Następnie „Zbawiciel” zdał egzamin w kilku muzeach w Europie i USA, a dopiero Londyn, po konsultacjach z największymi ekspertami, zgodził się na uznanie autorstwa Leonarda. Uwagę zwraca wysoki kunszt szklanej kuli i niejako świetlista ręka Chrystusa, zwiewna lekkość niebieskich szat, użycie sfumato, podobieństwo rysunku ze szkicami z zamku Windsor oraz pełna korespondencja pigmenty nowojorskiego „Saviora” i londyńskiej „Madonny in the Rocks”.
Chociaż Carlo Peretti kwestionuje przypisanie tego obrazu Leonardowi, według wstępnych szacunków wartość rynkowa nowojorskiego „Zbawiciela” może sięgać już 200 milionów dolarów.

„Zbawiciel Świata” (Salvator Mundi) datuje się na rok 1500: uważa się, że to Ostatnia praca artysta - portret Zbawiciela, trzymający lewą ręką Kryształowa kula, a ten z prawymi palcami złożonymi w błogosławieństwie, zaginął na długi czas.

„Przez wiele lat, aż do 2005 roku, obraz uważano za zaginiony” – czytamy w komunikacie prasowym Christie. „Pierwsza dokumentalna wzmianka o nim znajduje się w inwentarzu kolekcji króla Karola I (1600-1649). zdobił komnaty małżonki króla, Henrietty Marii z Francji w pałacu królewskim w Greenwich, a następnie został odziedziczony przez Karola II”. Następnym razem, zgodnie z opisem Dom Aukcyjny, obraz wzmiankowany w 1763 r. - wystawił go wówczas na licytację Herbert Sheffield, nieślubny syn księcia Buckingham.

Kolejka po obraz Leonarda da Vinci „Zbawiciel Świata” przed aukcją w Nowym Jorku, listopad 2017

Julie Jacobson/AP

Następnie „Zbawiciel świata” pojawia się w 1900 roku, kiedy został nabyty przez Charlesa Robinsona, ale jako dzieło Bernardino Luiniego, jednego z wyznawców Leonarda da Vinci. „W wyniku tego „Savior of the World” uzupełnia kolekcję rodziny Cooków, znajdującą się w Richmond's Doughty House”, kontynuuje Christie's. „W 1958 roku, kiedy zaginęła informacja o królewskim pochodzeniu i autorstwie Leonarda, obraz trafiły pod młotek podczas aukcji Sotheby's za jedyne 45 funtów, po czym znów zapominają o tym na prawie pół wieku.

W 2013 roku obraz został kupiony za 127,5 miliona dolarów przez rosyjskiego miliardera Dmitrija z pomocą szwajcarskiego dealera Yvesa Buviera.

On z kolei kupił go za 80 mln dolarów na prywatnej aukcji w domu aukcyjnym Sotheby's od trzech marszandów, jeden z nich, według niego, odkrył obraz na aukcji nieruchomości osiem lat wcześniej i kupił go za 10 dolarów. milion (wtedy eksperci nadal zakładają, że jest to dzieło artysty szkoły Leonarda).

Teraz „Savior of the World” został sprzedany nieznanemu nabywcy za 45-krotność tego, co nienazwany handlarz dziełami sztuki zapłacił na początku 2000 roku, a pierwotna cena obrazu, którą już twierdził dom Christie, wynosiła 100 milionów dolarów.

Aukcja telefoniczna z sześcioma nieznanymi nabywcami trwała 20 minut. Na koniec publiczność wybuchła aplauzem. Licytator Jussi Pailkkanen powiedział: „To szczyt mojej kariery licytatora. Nigdy więcej nie będzie obrazu, który dziś wieczorem sprzedam za więcej.

„Savior of the World” naprawdę pobił poprzedni rekord, jaki kiedykolwiek ustanowił stary mistrzowski obraz. Wcześniej za najdroższą pracę w tej kategorii uznano „The Massacre of the Innocents” Rubensa, która trafiła pod młotek w 2002 roku za 76,7 mln dolarów na aukcji Sotheby's.

Zbrodnia i kara

Na cenę nie wpłynęły nawet wątpliwe okoliczności związane z tym obrazem i jego poprzednim właścicielem Dmitrijem Rybolovlevem i marszandem Yvesem Buvierem. W 2013 roku, kiedy trzech dealerów sprzedało obraz za pośrednictwem Sotheby's za 80 milionów dolarów, Szwajcar sprzedał go rosyjskiemu biznesmenowi za 47,5 miliona dolarów więcej zaledwie kilka dni później. inny kupujący? Być może przedstawiciele aukcji nawet wcześniej pokazali Rybołowlewowi pracę?

Handlarze dziełami sztuki grozili pozwem, jeśli okażą się ofiarami oszustwa i za obraz otrzymali mniej niż był wart.

Przedstawiciele domu aukcyjnego podjęli działania, najpierw wysyłając apelację do Sądu Okręgowego na Manhattanie, aby zablokować pozew: powiedzieli, że nie wiedzą, że Buvier już zgodził się z miliarderem, a on już czekał na „Zbawiciela Świata”. "

Książę Monako Albert II i właściciel klubu piłkarskiego Monako Dmitrij Rybolovlev po meczu w Monako, 2014

Aleksiej Danichev/RIA Nowosti

W 2015 roku rosyjski właściciel klubu piłkarskiego Monako pozwał marszanda sztuki Yvesa Buviera, oskarżając go o wielokrotne zawyżanie cen sprzedawanych przez niego dzieł, w tym obrazu Leonarda da Vinci: za 37 obrazów słynnego miliardera zapłacił łącznie 2 miliardy dolarów dla mistrzów Buvier zaprzeczył wszystkiemu, a Rybolovlev zaczął pozbywać się pracy. W marcu sprzedał prace Magritte'a, Rodina, Gauguina i Picassa, które kupił od Buviera za 174 mln dolarów, zarobił na nich 43,7 mln dolarów.

Po tym, jak Rybolovlev pozwał Buviera, został zatrzymany w Monako, po czym został zwolniony za kaucją w wysokości 10 milionów euro.Potem marszand powiedział, że system prawny Monako działał w interesie Rybolovleva. Rzeczywiście, we wrześniu 2017 r. minister sprawiedliwości Monako Philippe Narmino złożył rezygnację po tym, jak francuska gazeta opublikowała artykuł dowodzący, że rosyjski miliarder wywiera presję na kraje. Sam Buvier, aby pokryć koszty prawne, musiał sprzedać część biznesu związanego z magazynowaniem przedmiotów sztuki.

Autor, autor!

Sprawy pieniężne to nie jedyna rzecz, która myli się w związku ze „Zbawicielem Świata”. Wielu w branży ogólnie wątpi, że obraz jest autorstwa Leonarda. Krytyk z Nowego Jorku Jerry Saltz opublikował 14 listopada artykuł w Vulture przed aukcją, kwestionujący autentyczność Zbawiciela Świata.

Od razu zastanawiam się, co robi obraz Leonarda na aukcji „Powojenne i Sztuka współczesna", cytuje jednego z odwiedzających: ""Chodzi o to, że 90% tego obrazu powstało w ciągu ostatnich 50 lat."

„Obraz przypomina fikcyjną wersję zaginionego oryginału, dodatkowo na prześwietleniach widoczne są pęknięcia, zniszczenie warstwy farby, spuchnięte drzewo, wytarta broda i inne detale, dostrojone tak, aby ten egzemplarz bardziej przypominał oryginał”, Jerry Saltz cytuje portal „Artguide”.

Krytyka myli jakość samej pracy.

Twierdzi, że wielki artysta nigdy nie malował portretów ludzi w tak prosty sposób postawy statyczne, a nawet frontalnie; że na świecie jest 15-20 obrazów Leonarda da Vinci i żaden z nich nie jest „portretem” Zbawiciela; że zasada „złotej sekcji” zastosowana w obrazie, do której odwołuje się dział marketingu Christie, jest zbyt oczywista dla artysty, który był u szczytu sławy w 1500 roku.

Ponadto Saltz był zakłopotany szeroko zakrojoną kampanią marketingową rozpoczętą przez dom aukcyjny przed aukcją -

luksusowa 162-stronicowa książeczka z cytatami z Dostojewskiego, Freuda i samego Leonarda, reklamy przedstawiające entuzjastycznych widzów na pokazie przedaukcyjnym (wśród widzów były w szczególności celebrytki i).

Koniecznie obejrzyj rozszerzony klip trzech pracowników firmy promujących obraz wśród klientów z Hongkongu, opisujących go jako „świętego Graala naszej firmy, męskiej Mony Lisy z ostatniego da Vinci, naszego pomysłu, prawdziwego przeboju porównywalnego z otwarciem z nowa planeta cenniejszy niż rafineria ropy naftowej” – pisze Jerry Saltz (cytat z portalu Artgid).

Oprócz obrazu Leonarda da Vinci na aukcji została sprzedana Ostatnia Wieczerza - trafiła pod młotek za 60 milionów dolarów, największy dochód w domu. Tym razem było to 785 milionów dolarów.