Mojoj supruzi Kate i djeci Arthuru, Nedu, Mary i Georgeu

U ŠTO GLEDAŠ?

150 godina moderne umjetnosti u treptaju oka

Autorska prava © Will Gompertz, 2012

Prvi put objavljeno u Velikoj Britaniji na engleskom jeziku u izdanju Penguin Books Ltd. Ovo izdanje objavljeno po dogovoru s Penguin Books Ltd. i Književna agencija Andrew Numberg

Prijevod s engleskog Irina Litvinova

Predgovor

Postoje mnoga čudesna djela povijesti umjetnosti, u rasponu od klasike Povijesti umjetnosti Ernsta Gombrricha do nadmudnog i pronicljivog novitetskog šoka Roberta Hughesa (Hughes je pokrio samo Moderna umjetnost, dok je Gombrich zamahnuo na sve odjednom, iako je negdje do 1970. ostao bez para). Neću se natjecati s takvim autoritetima – gdje sam! - ali želim ponuditi nešto drugačije: svoju vlastitu informativnu, zabavnu i lako čitljivu knjigu, koja pokriva kronološku povijest moderne umjetnosti (od impresionista do danas), ali predstavljenu sa stajališta danas. Kako bi, recimo, objasnili zašto je trend kao što je konstruktivizam, nastao davne 1915. godine, još uvijek aktualan, jer je splet umjetničkih, političkih, tehnoloških i filozofskih okolnosti koji su ga iznjedrili odredio budućnost umjetnosti i našeg društva. - a ujedno i svježim očima pogledati ono što je prethodilo ovom trendu.

Mojem znanju, s kojim sam se prihvatio ovog zadatka, očito nedostaje akademizma, a praktična strana nije toliko vruća: četverogodišnje dijete crta bolje od mene. Sva nada je u mojim sposobnostima kao novinara i radijskog voditelja. Kao što je veliki pokojni David Foster Wallace rekao o svojim esejima, popularizacija je uslužna industrija u kojoj se osobi koja nije lišena inteligencije daje vrijeme i prostor da se udubi u različite stvari za dobrobit drugih ljudi koji imaju bolje stvari za raditi. Uz to, moja prednost je iskustvo, ne uzalud sam toliko godina radio u čudnom i očaravajućem svijetu suvremene umjetnosti.

Tijekom sedam godina koliko sam bio ravnatelj galerije Tate, mogao sam posjetiti i jedno i drugo najveći muzeji svijetu, kao i manje poznate zbirke koje leže izvan utabanih turističkih staza. Posjećivao sam umjetnike kod kuće, pomno proučavao bogate privatne zbirke i gledao višemilijunske aukcije suvremene umjetnosti. Zaronio sam glavom u nju. Kad sam počeo, nisam ništa znao; sad znam nešto. Naravno, ima još puno za naučiti, ali nadam se da će vam ono malo što sam uspjela upijati (i zadržati u sebi) barem malo pomoći da cijenite i razumijete suvremenu umjetnost. A ovo je, kao što sam vidio, jedno od najvećih užitaka u životu.

Uvod
neshvatljiva umjetnost

Godine 1972 Londonska galerija Tate je kupio skulpturu Ekvivalent VIII američkog minimalista Carla Andrea. Nastao 1966. godine, sastoji se od 120 vatrostalnih cigli koje se, ako se poštuju upute umjetnika, mogu složiti u osam različitih oblika istog volumena (otuda naziv Ekvivalent VIII). Izložena u galeriji sredinom 1970-ih, kompozicija je bila paralelogram dubine dvije cigle.

U tim ciglama nije bilo ništa posebno - svatko je mogao kupiti potpuno iste za nekoliko penija po komadu. Ali galerija Tate za njih je izdvojila više od dvije tisuće funti. Engleski tisak je podivljao. “Nacionalne financije se rasipaju na hrpu cigli!” urlali su papiri. Čak i vrlo intelektualni časopis za povijest umjetnosti Magazin Burlington pitala se: "Je li Tate izgubila razum?" Svi su htjeli znati zašto Tate tako nepromišljeno troši javni novac na ono što bi "bilo koji zidar mogao učiniti".

"Dušo, nemoj reći 'derivacija' nije dobra riječ!"

Prošla su još tri desetljeća, a Tate je opet potrošio novac britanskih poreznih obveznika na neobično umjetničko djelo. Ovaj put odlučila je kupiti ljudski red. Međutim, nije baš tako. Ne sami ljudi — danas je to protivzakonito — već samo red. Ili, točnije, komad papira na kojem je svoju ideju iznio slovački umjetnik Roman Ondak. Plan mu je bio angažirati nekoliko glumaca i poredati ih ispred zaključanih vrata. Nakon aranžmana, odnosno, jezikom galerista i umjetnika, "instalacije", glumci su morali okrenuti pogled prema vratima i ukočiti se u pozi skromnog iščekivanja. To je trebalo zaintrigirati prolaznike, koji bi se ili pridružili redu (u pravilu se to događa) ili prošli, naborajući čela u nedoumici i pokušavajući shvatiti koji umjetnički smisao promašeno njima.

Ideja je smiješna, ali je li umjetnost? Ako zidar može stvoriti analog Equivalent VIII Carla Andrea, onda bi se Ondakov lažni red mogao smatrati ekscentričnim trikom u duhu glupih šala. U teoriji, tisak je u ovom slučaju trebao pasti u potpunu histeriju.

No, stvar je bila ograničena na nezadovoljno gunđanje: bez kritike, bez ogorčenja, čak ni dvosmislenih naslova najduhovitijih članova tabloidne zajednice – apsolutno ništa! Jedini odgovor na dogovor bilo je nekoliko odobravajućih redaka u uglednom časopisu, pod naslovom događanja u svijetu umjetnosti. Pa što se dogodilo u tih trideset godina? Što se promijenilo? Zašto se napredna suvremena umjetnost, koja je isprva izgledala kao glupa šala, počela doživljavati ne samo s poštovanjem, već i s poštovanjem?

Novac je tu igrao važnu ulogu. Tijekom proteklih desetljeća, ogromna količina odvratnog metala uložena je u svijet umjetnosti. Državna su se sredstva izdašno trošila na "oplemenjivanje" starih muzeja i stvaranje novih. Slom komunizma i odbacivanje državne intervencije u tržišno gospodarstvo (i kao rezultat toga globalizacija) doveli su do porasta populacije multimilijunaša za koje je stjecanje suvremene umjetnosti postalo vrlo isplativa investicija. Kako su burze padale i banke propadale, vrijednost kultnih djela suvremene umjetnosti nastavila je rasti, kao i broj sudionika na ovom tržištu. Prije nekoliko godina međunarodni aukcijska kuća Sotheby's računao na kupce iz tri zemlje. Sada postoji više od dvadesetak takvih zemalja, a nikoga nećete iznenaditi prisutnošću novih bogatih kolekcionara iz Kine, Indije i Južna Amerika. Glavna tržišna gospodarstva ušla su u igru ​​ponude i potražnje, pri čemu je prva znatno nadmašila drugu. Troškovi djela mrtvih umjetnika (koji stoga više neće stvarati nova djela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettija i drugih - nastavljaju brzo rasti.

"Jednostavno nam je zgodnije raditi s mrtvim umjetnicima!"

Raste zahvaljujući novim bogatim bankarima i mračnim oligarsima, kao i ambicioznim provincijskim gradovima i zemljama orijentiranim na turizam koji žele “stvoriti svoj Bilbao” - drugim riječima, promijeniti svoj imidž i povećati svoju atraktivnost impresivnom umjetničkom galerijom. Svi su odavno shvatili: nije dovoljno kupiti divovsku vilu ili arhitektonski spomenik. Prepuna skandaloznih umjetničkih djela, posjetiteljima će postati puno zanimljivija. A takvih radova nema toliko.

Ako nije moguće doći do "klasika" suvremene umjetnosti, "suvremenici" pomažu. Riječ je o djelima živih umjetnika koji nastavljaju tradiciju moderne umjetnosti (čijim početkom se slažemo smatrati rad impresionista sedamdesetih godina 19. stoljeća). Ali čak i u ovom segmentu cijene su porasle: cijena radova eminentnih umjetnika, poput američkog majstora pop arta Jeffa Koonsa, danas je previsoka.

Koons je poznat po svom ogromnom, cvijećem ukrašenom "Puppy" (1992.), kao i brojnim karikaturnim skulpturama od aluminija, koje oponašaju figure napravljene od balona. Sredinom 1990-ih Koonsov rad mogao se kupiti za nekoliko tisuća dolara. Do 2010. njegove skladbe, svijetle poput bombona, već su prodane za milijune. Njegovo je ime postalo brend, a njegovi radovi su odmah prepoznatljivi, poput loga. Nike. Na valu današnjeg kolekcionarskog buma postao je nevjerojatno bogat - zajedno s mnogim drugim umjetnicima danas.

Nekada siromasi, umjetnici su sada multimilijunaši sa svim obilježjima glamurozne zvijezde: slavnim prijateljima, privatnim zrakoplovima i pažnjom senzacionalističkog tiska koji prati svaki njihov korak. Nevjerojatno proširen krajem 20. stoljeća, segment glossy časopisa entuzijastično pomaže novoj generaciji kreatora u stvaranju javne slike - u zamjenu za pravo objavljivanja fotografija sa svojih privatnih zabava. Fotografije umjetnika na pozadini vlastita djela u blistavim dizajnerskim interijerima gdje se okupljaju bogati i slavni, to je slično gledanju kroz ključanicu, a čitatelji sjajnih proizvoda pohlepno gutaju takve informacije (čak je i Tate unajmio izdavača Vogue izdavati vlastiti časopis tzv Tate članovi).

Ovakvi časopisi, zajedno s obojenim novinskim dodacima, stvarali su pomodnu kozmopolitsku publiku za pomodnu kozmopolitsku umjetnost - svježeg gledatelja, ravnodušnog prema "mračnoj" slici prošlosti, koju je štovala prethodna generacija. Brojni posjetitelji galerija danas žele današnju umjetnost - svježu, dinamičnu i živopisnu. Umjetnost "ovdje i sada". Moderna i tražena, poput njih samih, umjetnost je slična rock and rollu: bučna, buntovna, zabavna i cool.

Novi gledatelji suočeni su s istim problemom s kojim se svi suočavamo pred umjetnošću – problemom značenja. Bilo da ste iskusni trgovac umjetninama, vodeći akademik ili muzejski kustos, svatko može biti oduševljen prizorom platna ili skulptura netom isporučenih iz radionice za kreatore. Čak je i Nicholas Serota, svjetski poznati direktor britanske galerije Tate Imperial, s vremena na vrijeme zbunjen. Jednom mi je priznao da se malo uplašio kada je ušao u umjetnikov atelje i ugledao ga novi posao. "Ne znam ni što da mislim", rekao je. “Ponekad je strašno.” Ako se gubi svjetski autoritet u području nove suvremene umjetnosti, kako onda svi drugi suditi o ovoj umjetnosti?

Mislim da je još uvijek moguće. Uostalom, nije problem je li ovo djelo remek-djelo ili ne – o tome će za nas odlučiti vrijeme. Važnije je razumjeti kako se i zašto ovo djelo uklapa u povijest umjetnosti. To je paradoks našeg koketiranja sa suvremenom umjetnošću: s jedne strane milijuni ljudi posjećuju Pompidou centar, njujorški muzej moderne umjetnosti i londonsku galeriju Tate, ali, s druge strane, najčešći komentar u razgovori o suvremenoj umjetnosti je: "Oh, ja ovo uopće ne razumijem."

Ovo radosno priznanje vlastitog neznanja ne podrazumijeva nedostatak kulture ili inteligencije. Čuo sam da je isto rečeno poznatih pisaca, uspješni filmaši, visokopozicionirani političari i sveučilišni profesori. Naravno, svi su, uz rijetke iznimke, u krivu. Vrlo su upućeni u umjetnost. Oni znaju da je Michelangelo autor fresaka u Sikstinska kapela a Leonardo da Vinci naslikao je Mona Lisu. A zasigurno gotovo svi znaju da je Auguste Rodin bio kipar i većina njih će znati imenovati jedno ili dva njegova djela. Ono što zapravo misle je da ne razumiju suvremeni umjetnost. Iako to nije sasvim točno. Uostalom, znaju, na primjer, da je Andy Warhol naslikao 32 limenke Campbellove juhe, samo ne percipiraju te slike. Ne mogu razumjeti zašto je nešto što dijete može učiniti bezuvjetno priznato kao remek-djelo. A duboko u sebi sumnjaju da je to čista prevara - samo što se sada moda promijenila, nije uobičajeno to govoriti.

Meni se to ne čini kao prevara. Nova umjetnost (pojam koji pokriva razdoblje od 1960-ih do 70-ih godina XX. stoljeća) i suvremena umjetnost (pojam se primjenjuje uglavnom do danas, a tek povremeno na djela nastala nakon Prvog svjetskog rata) nije dugoročna prevara , koju pred povjerljivom publikom izvodi nekolicina dobro informiranih stručnjaka. Mnoga djela nastala danas neće izdržati test vremena, ali među njima ima djela koja će, pošto su danas ostala nezapažena, sutra biti prepoznata kao remek-djela. Takva uistinu jedinstvena umjetnička djela, nastala danas i u prošlom stoljeću, doista jesu najveća postignućačovječanstvo. Samo bi budala dovela u pitanje genijalnost Pabla Picassa, Paula Cezannea, Barbare Hepworth, Vincenta van Gogha i Fride Kahlo. Ne morate biti sofisticirani ljubitelj glazbe da biste znali da Bach može skladati melodiju, a Sinatra je pjevati.

Mislim da kada je riječ o prepoznavanju suvremene umjetnosti, polazište ne bi trebalo biti prosudba o tome je li dobra ili ne, već razumijevanje njezine evolucije od klasičnih Leonardovih djela do današnjih formaliziranih morskih pasa i nespremljenih kreveta. Kao što je slučaj s većinom naizgled nerazumljivih predmeta, umjetnost je donekle nalik igrici – kad jednom svladate osnovna pravila, a na prvu neshvatljivo odmah poprimi neko značenje. A uzmete li konceptualizam kao takvo pravilo za suvremenu umjetnost – koju nitko ne može razumjeti niti ukratko objasniti uz šalicu kave – onda sve postaje iznenađujuće jednostavno.

Sve što vam je potrebno da biste razumjeli osnove, naći ćete u predloženoj povijesti posljednjih 150 godina, kada je umjetnost promijenila svijet, a svijet preobrazio umjetnost. Svi umjetnički trendovi, svi "izmi" međusobno su zamršeno isprepleteni, nerazdvojni su, kao karike u jednom lancu. Ali svaki smjer ima svoj kanon, svoj pristup, svoj kreativna metoda, koji je nastao kao kombinacija raznih umjetničkih, društvenih, političkih i tehnoloških utjecaja.

Očekuje vas uzbudljiva priča za koju se nadam da će vaš sljedeći odlazak u Tate, Muzej moderne umjetnosti ili vašu lokalnu umjetničku galeriju učiniti malo manje zastrašujućim i puno zanimljivijim.

I stvari su krenule otprilike ovako...

Poglavlje 1
Fontana, 1917

Ponedjeljak, 2. travnja 1917. godine U Washingtonu američki predsjednik Woodrow Wilson uvjerava Kongres da službeno objavi rat Njemačkoj. U međuvremenu, u New Yorku, tri dobro odjevena mlada gospodina napuštaju svoj dvoetažni stan u 33 West 67th Street i kreću prema centru grada. Razgovaraju, smiješe se, ponekad se tiho smiju. Za mršavog, elegantnog Francuza u centru i njegove zdepaste prijatelje na bokovima, takve šetnje uvijek su radost. Monsieur je umjetnik, nije živio u ovom gradu niti dvije godine: dovoljno da se dobro orijentira, ali prekratak da bi se zasitio njegovih čarobnih, senzualnih čari. Još uvijek se uzbuđuje svaki put kad prođe Central Parkom južno do Columbus Squarea. Slika kako drveće postupno zamjenjuju zgrade, čini mu se jednim od svjetskih čuda. Po njegovu mišljenju, sam New York je veliko umjetničko djelo; ovo je svojevrsni park skulptura, prepun veličanstvenih modernih oblika, puno življi i relevantniji od zgrada Venecije - još jedne velike arhitektonske tvorevine čovječanstva.

Trojstvo polako hoda Broadwayom. Ovo je usamljeni katranski skitnica koji vreba među bogatim i pametnim ulicama, ali obojica zdepastih - priznatih američkih esteta - nemaju pojma o njegovom ekstravagantnom raspoloženju. I samo je Francuz sa svojom preosjetljivošću jasan: to je sudbina Broadwaya, a nikakva restrukturiranja, preinake i inicijative gradonačelnika ne mogu promijeniti ono što je već obilježilo budućnost ove ulice – urođenu vulgarnost, nad kojom je i vrijeme nemoćno. Ipak, Francuz u tome pronalazi određenu draž. Točnije, određeni šarm prirodnosti.

Kako se troje približava centru grada, sunce tone sve niže, a uskoro njegove zrake ne mogu probiti staklene i betonske barijere; sjene nestaju, a njihove mrtve duše postaju hladne. Oni zdepasti razgovaraju preko Francuzine glave, zavučene kose kako bi otkrili visoko čelo i povučenu liniju kose. Njih dvoje razgovaraju dok on razmišlja. Krenu dalje i on stane. Gledajući u izlog željezarije. Prislonjene ruke prisloni na staklo, štiteći se od blještavila sunca, tako da se vide dugi žilavi prsti s njegovanim noktima: u njemu je nešto od rasnog pastuha.

Pauza ne traje dugo. Francuz se odmakne od izloga i pogleda oko sebe. Njegovi prijatelji su već otišli. On zbunjeno sliježe ramenima i zapali cigaretu. Zatim prelazi cestu, ali ne da bi sustigao svoje suputnike, već u potrazi za toplim zagrljajem sunca. Već je 16.50 sati, a Francuza zapljuskuje val tjeskobe. Trgovine će se uskoro zatvoriti, a morat ćete pričekati do ponedjeljka ujutro, ali tada će biti kasno.

Ubrzava korak, ali ne previše. Pokušava ne reagirati na vanjske podražaje, ali mozak se opire – toliko toga ima za razumjeti, razmišljati, kušati. Netko ga zove - Francuz se osvrće oko sebe: ovo je Walter Arensberg, jedan od njegova dva suputnika, onaj koji je niži. Arensberg je neprestano podržavao sve umjetničke pothvate Francuza u Americi otkako je sišao s parobroda u vjetrovito lipanjsko jutro 1915. godine. Arensberg je svom prijatelju dao znak da se vrati na drugu stranu ceste i, nakon što prođe Madison Square, izađe na Petu aveniju. Ali sin notara iz Normandije već je podigao pogled, gledajući ogromnu betonsku krišku sira - fascinirala je Flatiron Building francuski umjetnik davno prije dolaska u New York kao posjetnica grada u koji se odmah poželio nastaniti.

Francuz se prvi put upoznao s remek-djelom od dvadeset i dvije etaže u Parizu s fotografije koju je snimio Alfred Stieglitz 1903. godine, a potom objavila u jednom francuskom časopisu. A sada, četrnaest godina kasnije, i Flatiron Building i Stieglitz, američki fotograf i vlasnik galerije, oboje su dio novog života u Novom svijetu.

Iz umjetnikova sanjarenja izvlači se još jedan povik u kojem se ovoga puta čuje neko nezadovoljstvo. Portly Arensberg, pokrovitelj umjetnosti i kolekcionar umjetnina, energično odmahuje rukom. Treći pratilac stoji u blizini i smije se. Ovo je Joseph Stella (1877.-1946.), on je također umjetnik i razumije svog prijatelja svojim oštrim galskim umom i sposobnošću da se zamrzne od divljenja pred onim što ga zanima. I sama Stella je upoznata s tom zatupljenošću pred uzbudljivim spektaklom - ovako otac gleda tek rođenu bebu i vidi buduću ljepotu i talente u naizgled jadnoj maloj nakazi.

Ponovno okupljeni, trojac se kreće južnije na Petoj aveniji i zaustavlja se na adresi 118, gdje se nalazi vodovodna trgovina J. L. Motta. Unutra, Arensberg i Stella ne mogu a da se ne smiju dok njihov galski suputnik petlja po kupaonskim elementima i kvakama prikazanim na prozoru. Ovdje zove prodavača i upire prstom u najobičniji bijeli zidni pisoar od fajanse. Na uzbunu, prodavač obavještava trojicu suboraca da se ovaj model proizvodi u Bedfordshireu. Francuz kimne, Stella se nasmiješi, a Arensberg, glasno plješćući prodavača po leđima, kaže da kupuje pisoar.

Oni izlaze. Arensberg i Stella idu pozvati taksi. A filozofski nastrojeni francuski prijatelj stajao je na pločniku s teškom kupovinom u rukama, iščekujući nadolazeći trik s pissotière, koju sam začeo sa svojim prijateljima. Ovom podvalom zasigurno će uzburkati pljesnivi umjetnički svijet. Gledajući oko blistave bijele površine, Marcel Duchamp (1887-1968) se smiješi u sebi: bit će nered!

Duchamp je kupljeni proizvod donio u svoj atelje, sve u istoj Zapadnoj 67. ulici, gdje su bili i luksuzni stanovi, koje je Arensberg pristao platiti za Duchampa u zamjenu za pravo prvog izbora budućih (uključujući još nepoznata) remek-djela. Francuz je teški predmet od fajanse položio na pod ravnom stranom i okrenuo ga tako da je bio, takoreći, naopako.

Nakon toga je uzdahnuo i na lijevoj strani vanjskog ruba pisoara crnom bojom iznio svoj pseudonim s datumom: “R. Matej 1917". Sada je preostala samo jedna stvar za dovršetak projekta: dati mu ime. Neka bude "Fontana". Tako se predmet koji je prije nekoliko sati bio samo standardna, neupadljiva sanitarna oprema, kao rezultat Duchampovih manipulacija, pretvoren u umjetničko djelo. (sl. 1).

Il. 1. Marcel Duchamp. "Fontana" (1917.)

Barem je tako mislio Duchamp. Bio je siguran da je izmislio novi oblik skulptura, što implicira da umjetnik odabire masovno proizveden predmet bez ikakvih očitih estetskih vrijednosti i oduzima mu funkcionalnu namjenu – drugim riječima, čini ga beskorisnim – nakon čega se, dodjeljivanjem imena i promjenom konteksta i kuta, okreće pretvoriti u pravo umjetničko djelo. Svoj izum nazvao je “ready-made”, odnosno gotovim proizvodom.

Duchamp je ovu ideju razvijao već nekoliko godina – u Francuskoj je započeo pričvršćivanjem kotača na vilici bicikla na stolicu. Dizajn je bio namijenjen njihovoj vlastitoj zabavi. Marcel je volio vrtjeti kotač i gledati kako se vrti. Ali kasnije je ovaj proizvod počeo smatrati umjetničkim djelom.

Nakon preseljenja u Ameriku, naš junak je nastavio s eksperimentima ove vrste: jednom je kupio lopatu za snijeg i nacrtao natpis na njoj prije nego što ju je objesio sa stropa za ručku. Lopatu je potpisao svojim imenom, ali je naznačio da je "od Duchampa", a ne "od Duchampa", čime je jasno definirao vlastitu ulogu u procesu: umjetničku namjeru, a ne stvarnu implementaciju. Fontana je ovu ideju prenijela na drugu, javniju i konfrontirajuću razinu. Duchamp ga je namjeravao predstaviti na izložbi nezavisnih umjetnika 1917., najvećoj izložbi moderne umjetnosti ikada održanoj u Americi. Samu izložbu - izazov američkom umjetničkom establišmentu - organiziralo je Društvo nezavisnih umjetnika - skupina slobodoumnih intelektualaca, orijentiranih na budućnost i suprotstavljenih Nacionalna akademija umjetnosti svojim konzervativizmom, gušeći, po njihovom mišljenju, suvremenu umjetnost.

Osnivači Društva objavili su da za jedan dolar svaki umjetnik može postati član i svatko ima pravo predstaviti dva svoja rada na izložbi samostalnih umjetnika 1917. uz plaćanje pet dolara po izložbi. Marcel Duchamp bio je na čelu Društva i član organizacijskog odbora izložbe, što barem dijelom objašnjava njegovu odluku da svoju huligansku izložbu izloži pod pseudonimom. A ovo je cijeli Duchamp - zaljubljenik u igru ​​riječi i britke šale o visokom umjetničkom svijetu.

Uostalom, koristeći pseudonim “Mutt” (što na engleskom znači “budala”), jednostavno je promijenio naziv trgovine Mott u kojoj je kupljen pisoar. Rečeno je da je pseudonim aluzija na strip o Muttu i Jeffu, prvi put objavljen u San Francisco Chronicle 1907.: jedan od njegovih likova, A. Mutt, uskogrudni je prevarant s naklonošću prema avanturama i smišlja idiotske načine da se brzo obogati, a njegov lakovjerni prijatelj Jeff stanuje u azilu za psihički bolesne. S obzirom da je Duchamp uz pomoć "Fontane" namjeravao uloviti pohlepne kolekcionare i neuke, ali pretenciozne galeriste, slično tumačenje alias izgleda sasvim opravdano. Kao i pretpostavka da je "R." podrazumijeva "Richard" - francuski kolokvijalni naziv za novčanicu. S Duchampom, općenito, nije uvijek bilo previše lako; nije uzalud na kraju više volio šah nego umjetnost.

Namjerno birajući pisoar koji će se pretvoriti u skulpturu, Duchamp je težio i drugim ciljevima. Namjeravao je dovesti u pitanje sam pojam "umjetničkog djela" kako su ga tumačili znanstveni kritičari, koje je smatrao samoproglašenim autoritetima i ne baš profesionalnim arbitrima. Jer umjetnik sam odlučuje što je umjetničko djelo, a što nije. Duchampov je stav bio sljedeći: ako je umjetnik, svjestan konteksta i značenja, proglasio svoje djelo umjetničkim djelom, onda je tako. Shvatio je da bi ovaj prijedlog, unatoč svojoj jednostavnosti i pristupačnosti, mogao napraviti revoluciju svijet umjetnostičim stekne popularnost i postane općepriznat.

Duchamp je nastojao opovrgnuti koncept da materijal - bilo platno, mramor, karton ili kamen - diktira umjetniku što treba učiniti. Vjerovalo se da je materijal primarni, a umjetnik je u njemu smio utjeloviti svoje ideje samo uz pomoć kista, olovke ili skulpture. Duchamp je želio preokrenuti ovaj redoslijed. Materijalu je pridavao sporednu važnost: glavna je bila ideja. Tek nakon što ga je umjetnik formulirao i razvio, odabire materijal koji najuspješnije može prenijeti ideju. A ako vam za ovo treba pisoar od fajanse, nije važno. Zapravo, sve može biti umjetnost, ako umjetnik tako misli, a to je temeljni princip kreativnosti.

Postojalo je još jedno zajedničko gledište, koje je Duchamp želio razotkriti kao lažnjak, naime: da je umjetnik neka vrsta višeg oblika. ljudski život. Da zaslužuje veličanstven status koji mu društvo dodjeljuje zbog njegove iznimne inteligencije, pronicljivosti i mudrosti. Duchamp je vjerovao da je sve to besmislica: umjetnici shvaćaju sebe, a drugi ih shvaćaju previše ozbiljno.

Skrivena značenja "Fontane" nisu bila ograničena na igre riječi i provokacije. Duchamp je namjerno odabrao pisoar, budući da je ovaj objekt dvosmislen prvenstveno u seksualnom smislu, što je Duchamp često koristio u svojim djelima. Pisoar, okrenut naopako, nije zahtijevao puno mašte od gledatelja da uoči njegovu sličnost sa spremnikom tople životvorne sile koja se izlijeva iz penisa - ženskih spolnih organa. Međutim, taj nagovještaj nije došao do onih koji su sjedili uz Duchampa, tako da su odbili prikazati "Fontanu" na izložbi samostalnih umjetnika 1917. godine, to uopće nije iz tog razloga.

Jednom rečeni rad je isporučeno u izložbeni prostor na aveniji Lexington (samo nekoliko dana nakon što je trojac prošetao Broadwayem), odmah je kod svih izazvalo mješavinu šoka i gađenja. I, unatoč činjenici da je omotnica s propratnim pismom g. R. Mutta sadržavala potrebnih šest dolara (jedan za sudjelovanje na izložbi i pet za demonstraciju izložbe), većina uprave Društva (koja, međutim, uključio je i Arensberga, i, naravno, , Duchampa, koji je savršeno poznavao porijeklo i svrhu remek-djela i strastveno ga branio) ostavljao je dojam da im se gospodin Matt ruga, što je, zapravo, odgovaralo istini.

Bio je to izazov za ostatak vodstva Društva, test njegove povelje za snagu. Duchamp je pozvao svoje kolege hoće li doista slijediti ideje koje su sami proklamirali, a to je: u suprotnosti s autoritarnim mišljenjem konzervativne Nacionalne akademije dizajna, da brane novi, liberalni pristup: ako si umjetnik i platiš svoje novac, onda bi vaš rad trebao biti izložen. I točka.

Konzervativci su ovu bitku dobili, ali, kao što svi sada znamo, nesretno su izgubili rat. Izložak g. R. Mutta smatran je previše uvredljivim i vulgarnim samo zato što je to bio pisoar, odnosno predmet koji nije baš prikladan za razgovor puritanskih filista. Duchamp i njegovi suradnici odmah su napustili vodstvo Društva. Fontana nikada nije prikazana javnosti. Nitko ne zna što se dogodilo s ovim komadom. Vjeruje se da ju je jedan od čelnika Društva razbio i time riješio problem treba li izložiti pisoar ili ne. U međuvremenu, nekoliko dana kasnije, Alfred Stieglitz je u svojoj galeriji "291" uslikao ozloglašeni objekt, iako bi već mogao biti nova, na brzinu napravljena kopija "ready-made". Koji je također nestao.

Ali velika moć otvaranja leži u činjenici da ga ne možete zatvoriti natrag. I ovdje je presudnu ulogu odigrala Stiglitzova fotografija. Činjenica da je fotografiju Fontane snimio jedan od najcjenjenijih fotografa u svijetu umjetnosti, koji posjeduje i poznatu avangardnu ​​umjetničku galeriju na Manhattanu, bila je značajna iz dva razloga. Prvo, potvrdio je status "Fontane" kao punopravnog umjetničkog djela, te stoga podliježe obveznoj registraciji kao takvoj. Drugo, njegovo postojanje je sada dokumentirano, tako da su protivnici mogli razbijati Duchampovo djelo koliko god su htjeli, jer se uvijek mogao vratiti u trgovinu J. L. Motta, kupiti još jedan pisoar i napraviti točnu kopiju autograma koristeći Stieglitzovu fotografiju. Tako se, zapravo, dogodilo. U zbirkama raštrkanim diljem svijeta nalazi se petnaest primjeraka "Fontane", ovjerenih potpisom autora.

– Lijevo je "ready-made", u sredini je kopija, a desno je stvar bazirana na "ready-made" ...

Kada je jedan od tih primjeraka izložen, prilično je zabavno vidjeti koliko ga posjetitelji shvaćaju ozbiljno. Gomile poznavatelja, bez sjene osmijeha, okružuju odvratni predmet i, ispruživši vrat, beskrajno ga vire, odmaknuvši se s vremena na vrijeme kako bi pogledali iz drugog kuta. A to je samo pisoar! Pa čak ni originalan. Jer umjetnost je ideja, a ne predmet.

Poštovanje s kojim se Fontana danas tretira vjerojatno bi zabavilo Marcela Duchampa. Uostalom, pisoar je odabrao upravo zbog nedostatka estetske privlačnosti (ono što je nazvao "umjetnošću za mrežnicu"). Ovaj gotov umjetnički objekt, nikad predstavljen široj javnosti, zamišljen je isključivo kao provokacija, ali je postao umjetničko djelo 20. stoljeća koje je promijenilo svijet. Ideje utjelovljene u njemu utjecale su na nekoliko umjetničkih pokreta odjednom: dadaizam, nadrealizam, apstraktni ekspresionizam, pop art i konceptualizam. Bez sumnje, Marcel Duchamp je najcjenjeniji i najčešće citirani od svih modernističkih umjetnika od Ai Weiweija do Damiena Hirsta.

Da, ali je li to umjetnost? Ili se Duchamp samo šalio? Napravio je da svi izgledamo kao budale, zamišljeno se češkajući po bradi, "cijenjeći" najnoviju izložbu moderne konceptualna umjetnost? Prevareni od strane legije uglednih kolekcionara i lakovjernih bogataša, koji su bili zaslijepljeni vlastitom pohlepom, pretvorivši ih u ponosne vlasnike hrpe smeća? A njegov izazov muzejskim kustosima da ih natjeraju da na stvari gledaju šire i progresivnije, nije doveo do suprotnog učinka? Izjavom da je ideja važnija od načina njezina prijenosa, dajući filozofiji prednost nad tehničkim metodama, nije li kolegama umjetnicima nametnuo novu dogmu, prisiljavajući ih da se prema zanatstvu odnose s oprezom i snishodljivošću? Ili je on još uvijek genij koji je spasio umjetnost iz srednjovjekovne tamnice, kao što je Galileo oslobodio znanost tri stoljeća ranije, postavivši temelje njezinu prosperitetu i na kraju izazvavši intelektualnu revoluciju s dalekosežnim posljedicama?

Mojoj supruzi Kate i djeci Arthuru, Nedu, Mary i Georgeu

U ŠTO GLEDAŠ?

150 godina moderne umjetnosti u treptaju oka

Autorska prava © Will Gompertz, 2012

Prvi put objavljeno u Velikoj Britaniji na engleskom jeziku u izdanju Penguin Books Ltd. Ovo izdanje objavljeno po dogovoru s Penguin Books Ltd. i Književna agencija Andrew Numberg

Prijevod s engleskog Irina Litvinova

Predgovor

Postoje mnoga nevjerojatna djela povijesti umjetnosti, u rasponu od klasika Ernsta Gombrricha "History of Art" do nadmudljivog i pronicljivog "Novelty Shock" Roberta Hughesa (Hughes je pokrivao samo modernu umjetnost, dok je Gombrich zamahnuo na sve odjednom, iako je oko 1970. ostao bez para). Neću se natjecati s takvim autoritetima – gdje sam! - ali želim ponuditi nešto drugačije: svoju vlastitu informativnu, zabavnu i lako razumljivu knjigu, koja pokriva kronološku povijest moderne umjetnosti (od impresionista do danas), ali prikazanu sa stajališta današnjice. Kako bi, recimo, objasnili zašto je trend kao što je konstruktivizam, nastao davne 1915. godine, još uvijek aktualan, jer je splet umjetničkih, političkih, tehnoloških i filozofskih okolnosti koji su ga iznjedrili odredio budućnost umjetnosti i našeg društva. - a ujedno i svježim očima pogledati ono što je prethodilo ovom trendu.

Mojem znanju, s kojim sam se prihvatio ovog zadatka, očito nedostaje akademizma, a praktična strana nije toliko vruća: četverogodišnje dijete crta bolje od mene. Sva nada je u mojim sposobnostima kao novinara i radijskog voditelja. Kao što je veliki pokojni David Foster Wallace rekao o svojim esejima, popularizacija je uslužna industrija u kojoj se osobi koja nije lišena inteligencije daje vrijeme i prostor da se udubi u različite stvari za dobrobit drugih ljudi koji imaju bolje stvari za raditi. Uz to, moja prednost je iskustvo, ne uzalud sam toliko godina radio u čudnom i očaravajućem svijetu suvremene umjetnosti.

U svojih sedam godina kao direktor Tatea, uspio sam posjetiti i najveće svjetske muzeje i manje poznate zbirke izvan utabanih turističkih staza. Posjećivao sam umjetnike kod kuće, pomno proučavao bogate privatne zbirke i gledao višemilijunske aukcije suvremene umjetnosti. Zaronio sam glavom u nju. Kad sam počeo, nisam ništa znao; sad znam nešto. Naravno, ima još puno za naučiti, ali nadam se da će vam ono malo što sam uspjela upijati (i zadržati u sebi) barem malo pomoći da cijenite i razumijete suvremenu umjetnost. A ovo je, kao što sam vidio, jedno od najvećih užitaka u životu.

Uvod

neshvatljiva umjetnost

Godine 1972. galerija Tate u Londonu kupila je Equivalent VIII američkog minimalista Carla Andrea. Nastao 1966. godine, sastoji se od 120 vatrostalnih cigli koje se, ako se poštuju upute umjetnika, mogu složiti u osam različitih oblika istog volumena (otuda naziv Ekvivalent VIII). Izložena u galeriji sredinom 1970-ih, kompozicija je bila paralelogram dubine dvije cigle.

U tim ciglama nije bilo ništa posebno - svatko je mogao kupiti potpuno iste za nekoliko penija po komadu. Ali galerija Tate za njih je izdvojila više od dvije tisuće funti. Engleski tisak je podivljao. “Nacionalne financije se rasipaju na hrpu cigli!” urlali su papiri. Čak i vrlo intelektualni časopis za povijest umjetnosti Magazin Burlington pitala se: "Je li Tate izgubila razum?" Svi su htjeli znati zašto Tate tako nepromišljeno troši javni novac na ono što bi "bilo koji zidar mogao učiniti".

"Dušo, nemoj reći 'derivacija' nije dobra riječ!"

Prošla su još tri desetljeća, a Tate je opet potrošio novac britanskih poreznih obveznika na neobično umjetničko djelo. Ovaj put odlučila je kupiti ljudski red. Međutim, nije baš tako. Ne sami ljudi — danas je to protivzakonito — već samo red. Ili, točnije, komad papira na kojem je svoju ideju iznio slovački umjetnik Roman Ondak. Plan mu je bio angažirati nekoliko glumaca i poredati ih ispred zaključanih vrata. Nakon aranžmana, odnosno, jezikom galerista i umjetnika, "instalacije", glumci su morali okrenuti pogled prema vratima i ukočiti se u pozi skromnog iščekivanja. To je trebalo zaintrigirati prolaznike, koji bi se ili svrstali u red (što se inače događa) ili bi prošli, zbunjeno naborajući čelo i pokušavajući dokučiti kakvo im umjetničko značenje nedostaje.

Ideja je smiješna, ali je li umjetnost? Ako zidar može stvoriti analog Equivalent VIII Carla Andrea, onda bi se Ondakov lažni red mogao smatrati ekscentričnim trikom u duhu glupih šala. U teoriji, tisak je u ovom slučaju trebao pasti u potpunu histeriju.

No, stvar je bila ograničena na nezadovoljno gunđanje: bez kritike, bez ogorčenja, čak ni dvosmislenih naslova najduhovitijih članova tabloidne zajednice – apsolutno ništa! Jedini odgovor na dogovor bilo je nekoliko odobravajućih redaka u uglednom časopisu, pod naslovom događanja u svijetu umjetnosti. Pa što se dogodilo u tih trideset godina? Što se promijenilo? Zašto se napredna suvremena umjetnost, koja je isprva izgledala kao glupa šala, počela doživljavati ne samo s poštovanjem, već i s poštovanjem?

Novac je tu igrao važnu ulogu. Tijekom proteklih desetljeća, ogromna količina odvratnog metala uložena je u svijet umjetnosti. Državna su se sredstva izdašno trošila na "oplemenjivanje" starih muzeja i stvaranje novih. Slom komunizma i odbacivanje državne intervencije u tržišno gospodarstvo (i kao rezultat toga globalizacija) doveli su do porasta populacije multimilijunaša za koje je stjecanje suvremene umjetnosti postalo vrlo isplativa investicija. Kako su burze padale i banke propadale, vrijednost kultnih djela suvremene umjetnosti nastavila je rasti, kao i broj sudionika na ovom tržištu. Prije nekoliko godina, međunarodna aukcijska kuća Sotheby's računao na kupce iz tri zemlje. Sada postoji više od dva desetaka takvih zemalja, a nikoga nećete iznenaditi prisutnošću novih bogatih kolekcionara iz Kine, Indije i Južne Amerike. Glavna tržišna gospodarstva ušla su u igru ​​ponude i potražnje, pri čemu je prva znatno nadmašila drugu. Troškovi djela mrtvih umjetnika (koji stoga više neće stvarati nova djela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettija i drugih - nastavljaju brzo rasti.

Sjećate li se da se u filmu 1+1 između dva glavna lika vodi dijalog o suvremenoj umjetnosti. Kad Drissov asistent ne može shvatiti kako kupiti bijelo platno s crvenom mrljom za 30 000 dolara.

A koliko se takvih razgovora može čuti među ljudima koji nisu upoznati s umjetnošću: „Da, moj star tri godine crta kao i umjetnik N, koji svoju mazivo prodaje za nekoliko tisuća dolara.

Pa tko je u pravu? Kako razumjeti zašto se ova ili ona kreativnost naziva umjetnošću i zašto košta tako nevjerojatan novac?

Knjiga s jednostavnim naslovom može pomoći u tome: neshvatljiva umjetnost".

Will Gompertz nije samo ljubitelj umjetnosti, već i umjetnički urednik za BBC. Prije toga radio je više od 7 godina u galeriji Tate. Inače, najposjećeniji i najutjecajniji muzej moderne umjetnosti.

Ova će knjiga biti vaš vodič u svijet suvremene umjetnosti. Dugo sam želio studirati umjetnost, ali nisam mogao razumjeti kako početi studirati umjetnost i kako shvatiti što znači takav smjer kao što je modernizam i po čemu se razlikuje od postmodernizma.

Dugo sam tražio knjigu koja bi mi sve to mogla objasniti na pristupačnom jeziku. I tako je pronađena.

Naslovnica knjige nam daje referencu na Campbell juhu od rajčice Andyja Warhola.

Još u 19. stoljeću svijet umjetnosti bio je relativno miran. Umjetnici su slikali bucmaste anđele i provjeravali svaki potez kista. A onda su došli impresionisti i sve im pokvarili.

Moderna umjetnost napravila je tako veliki iskorak u svom razvoju da se za većinu ljudi riječ "suvremena umjetnost" povezuje s nečim vrlo složenim i nije za svakoga.

Gledajući u galeriju moderne umjetnosti, čovjek nehotice pomisli: nije li budala, ako ne razumije što je prikazano na slici, ili možda umjetnička industrija samo zavarava ljude i iznuđuje višemilijunske iznose od prostakluka ?

Kada je Claude Monet (impresionist) 1872. stvorio sliku "Impression", kritičar časopisa "Le Charivari" Louis Leroy rekao je:

Pozadine, a one bi izgledale dovršenije od ovog "Impresija"

Upravo je Leroy impresionizam nazvao novim trendom.

Točno 100 godina kasnije, Tate Gallery kupuje skulpturu Ekvivalent VIII za više od 2000 funti. Skulptura je napravljena od obične cigle koju bi svaki zidar mogao položiti.

Nakon 30 godina, Tate ponovno šokira ljude i kupuje ljudski red (komad papira na kojem je predstavljena ideja slovačkog umjetnika).

I je li to umjetnost? Da. Ako želite znati zašto, pogledajte knjigu “Neshvatljiva umjetnost”.

Knjiga je napisana razumljivim jezikom. Jasno i logično.

Saznat ćete zašto ne možete ponoviti Maljevičev crni kvadrat te kako se dogodilo da se obični pisoar smatra glavnim remek-djelom 20. stoljeća.

Knjiga govori o umjetnosti od sredine 19. stoljeća do danas.

Knjiga sadrži ilustracije.

U knjizi nećete dobiti cjelovitu priču o umjetnicima i trendovima. Ovdje je prikupljeno samo najviše poznati umjetnici, arhitekti, kipari, koji su bili utemeljitelji pravaca.

Ovu knjigu mogu nazvati početnicom moderne umjetnosti. Nakon njega možete krenuti na daljnje putovanje kroz umjetnost.

Možete li razlikovati Moneta od Maneta? Zašto je Duchampova "Fontana" važna za suvremenu umjetnost. Razlikovati sintetički kubizam od analitičkog kubizma. Shvatite razliku između modernizma i postmodernizma.

Knjiga je idealna za početnike. Malo je vjerojatno da će sofisticirana umjetnička osoba pronaći nešto zanimljivo za sebe. Ali bit će korisno za početnike.

Will Gompertz

Neshvatljiva umjetnost. Od Moneta do Banksyja

Mojoj supruzi Kate i djeci Arthuru, Nedu, Mary i Georgeu

U ŠTO GLEDAŠ?

150 godina moderne umjetnosti u treptaju oka

Autorska prava © Will Gompertz, 2012

Prvi put objavljeno u Velikoj Britaniji na engleskom jeziku u izdanju Penguin Books Ltd. Ovo izdanje objavljeno po dogovoru s Penguin Books Ltd. i Književna agencija Andrew Numberg

Prijevod s engleskog Irina Litvinova

Predgovor

Postoje mnoga nevjerojatna djela povijesti umjetnosti, u rasponu od klasika Ernsta Gombrricha "History of Art" do nadmudljivog i pronicljivog "Novelty Shock" Roberta Hughesa (Hughes je pokrivao samo modernu umjetnost, dok je Gombrich zamahnuo na sve odjednom, iako je oko 1970. ostao bez para). Neću se natjecati s takvim autoritetima – gdje sam! - ali želim ponuditi nešto drugačije: svoju vlastitu informativnu, zabavnu i lako razumljivu knjigu, koja pokriva kronološku povijest moderne umjetnosti (od impresionista do danas), ali prikazanu sa stajališta današnjice. Kako bi, recimo, objasnili zašto je trend kao što je konstruktivizam, nastao davne 1915. godine, još uvijek aktualan, jer je splet umjetničkih, političkih, tehnoloških i filozofskih okolnosti koji su ga iznjedrili odredio budućnost umjetnosti i našeg društva. - a ujedno i svježim očima pogledati ono što je prethodilo ovom trendu.

Mojem znanju, s kojim sam se prihvatio ovog zadatka, očito nedostaje akademizma, a praktična strana nije toliko vruća: četverogodišnje dijete crta bolje od mene. Sva nada je u mojim sposobnostima kao novinara i radijskog voditelja. Kao što je veliki pokojni David Foster Wallace rekao o svojim esejima, popularizacija je uslužna industrija u kojoj se osobi koja nije lišena inteligencije daje vrijeme i prostor da se udubi u različite stvari za dobrobit drugih ljudi koji imaju bolje stvari za raditi. Uz to, moja prednost je iskustvo, ne uzalud sam toliko godina radio u čudnom i očaravajućem svijetu suvremene umjetnosti.

U svojih sedam godina kao direktor Tatea, uspio sam posjetiti i najveće svjetske muzeje i manje poznate zbirke izvan utabanih turističkih staza. Posjećivao sam umjetnike kod kuće, pomno proučavao bogate privatne zbirke i gledao višemilijunske aukcije suvremene umjetnosti. Zaronio sam glavom u nju. Kad sam počeo, nisam ništa znao; sad znam nešto. Naravno, ima još puno za naučiti, ali nadam se da će vam ono malo što sam uspjela upijati (i zadržati u sebi) barem malo pomoći da cijenite i razumijete suvremenu umjetnost. A ovo je, kao što sam vidio, jedno od najvećih užitaka u životu.

Uvod

neshvatljiva umjetnost

Godine 1972. galerija Tate u Londonu kupila je Equivalent VIII američkog minimalista Carla Andrea. Nastao 1966. godine, sastoji se od 120 vatrostalnih cigli koje se, ako se poštuju upute umjetnika, mogu složiti u osam različitih oblika istog volumena (otuda naziv Ekvivalent VIII). Izložena u galeriji sredinom 1970-ih, kompozicija je bila paralelogram dubine dvije cigle.

U tim ciglama nije bilo ništa posebno - svatko je mogao kupiti potpuno iste za nekoliko penija po komadu. Ali galerija Tate za njih je izdvojila više od dvije tisuće funti. Engleski tisak je podivljao. “Nacionalne financije se rasipaju na hrpu cigli!” urlali su papiri. Čak i vrlo intelektualni časopis za povijest umjetnosti Magazin Burlington pitala se: "Je li Tate izgubila razum?" Svi su htjeli znati zašto Tate tako nepromišljeno troši javni novac na ono što bi "bilo koji zidar mogao učiniti".

"Dušo, nemoj reći 'derivacija' nije dobra riječ!"

Prošla su još tri desetljeća, a Tate je opet potrošio novac britanskih poreznih obveznika na neobično umjetničko djelo. Ovaj put odlučila je kupiti ljudski red. Međutim, nije baš tako. Ne sami ljudi — danas je to protivzakonito — već samo red. Ili, točnije, komad papira na kojem je svoju ideju iznio slovački umjetnik Roman Ondak. Plan mu je bio angažirati nekoliko glumaca i poredati ih ispred zaključanih vrata. Nakon aranžmana, odnosno, jezikom galerista i umjetnika, "instalacije", glumci su morali okrenuti pogled prema vratima i ukočiti se u pozi skromnog iščekivanja. To je trebalo zaintrigirati prolaznike, koji bi se ili svrstali u red (što se inače događa) ili bi prošli, zbunjeno naborajući čelo i pokušavajući dokučiti kakvo im umjetničko značenje nedostaje.

Ideja je smiješna, ali je li umjetnost? Ako zidar može stvoriti analog Equivalent VIII Carla Andrea, onda bi se Ondakov lažni red mogao smatrati ekscentričnim trikom u duhu glupih šala. U teoriji, tisak je u ovom slučaju trebao pasti u potpunu histeriju.

No, stvar je bila ograničena na nezadovoljno gunđanje: bez kritike, bez ogorčenja, čak ni dvosmislenih naslova najduhovitijih članova tabloidne zajednice – apsolutno ništa! Jedini odgovor na dogovor bilo je nekoliko odobravajućih redaka u uglednom časopisu, pod naslovom događanja u svijetu umjetnosti. Pa što se dogodilo u tih trideset godina? Što se promijenilo? Zašto se napredna suvremena umjetnost, koja je isprva izgledala kao glupa šala, počela doživljavati ne samo s poštovanjem, već i s poštovanjem?

Novac je tu igrao važnu ulogu. Tijekom proteklih desetljeća, ogromna količina odvratnog metala uložena je u svijet umjetnosti. Državna su se sredstva izdašno trošila na "oplemenjivanje" starih muzeja i stvaranje novih. Slom komunizma i odbacivanje državne intervencije u tržišno gospodarstvo (i kao rezultat toga globalizacija) doveli su do porasta populacije multimilijunaša za koje je stjecanje suvremene umjetnosti postalo vrlo isplativa investicija. Kako su burze padale i banke propadale, vrijednost kultnih djela suvremene umjetnosti nastavila je rasti, kao i broj sudionika na ovom tržištu. Prije nekoliko godina, međunarodna aukcijska kuća Sotheby's računao na kupce iz tri zemlje. Sada postoji više od dva desetaka takvih zemalja, a nikoga nećete iznenaditi prisutnošću novih bogatih kolekcionara iz Kine, Indije i Južne Amerike. Glavna tržišna gospodarstva ušla su u igru ​​ponude i potražnje, pri čemu je prva znatno nadmašila drugu. Troškovi djela mrtvih umjetnika (koji stoga više neće stvarati nova djela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettija i drugih - nastavljaju brzo rasti.

Will Gompertz

Neshvatljiva umjetnost. Od Moneta do Banksyja

Mojoj supruzi Kate i djeci Arthuru, Nedu, Mary i Georgeu

U ŠTO GLEDAŠ?

150 godina moderne umjetnosti u treptaju oka

Autorska prava © Will Gompertz, 2012

Prvi put objavljeno u Velikoj Britaniji na engleskom jeziku u izdanju Penguin Books Ltd. Ovo izdanje objavljeno po dogovoru s Penguin Books Ltd. i Književna agencija Andrew Numberg

Prijevod s engleskog Irina Litvinova

Predgovor

Postoje mnoga nevjerojatna djela povijesti umjetnosti, u rasponu od klasika Ernsta Gombrricha "History of Art" do nadmudljivog i pronicljivog "Novelty Shock" Roberta Hughesa (Hughes je pokrivao samo modernu umjetnost, dok je Gombrich zamahnuo na sve odjednom, iako je oko 1970. ostao bez para). Neću se natjecati s takvim autoritetima – gdje sam! - ali želim ponuditi nešto drugačije: svoju vlastitu informativnu, zabavnu i lako razumljivu knjigu, koja pokriva kronološku povijest moderne umjetnosti (od impresionista do danas), ali prikazanu sa stajališta današnjice. Kako bi, recimo, objasnili zašto je trend kao što je konstruktivizam, nastao davne 1915. godine, još uvijek aktualan, jer je splet umjetničkih, političkih, tehnoloških i filozofskih okolnosti koji su ga iznjedrili odredio budućnost umjetnosti i našeg društva. - a ujedno i svježim očima pogledati ono što je prethodilo ovom trendu.

Mojem znanju, s kojim sam se prihvatio ovog zadatka, očito nedostaje akademizma, a praktična strana nije toliko vruća: četverogodišnje dijete crta bolje od mene. Sva nada je u mojim sposobnostima kao novinara i radijskog voditelja. Kao što je veliki pokojni David Foster Wallace rekao o svojim esejima, popularizacija je uslužna industrija u kojoj se osobi koja nije lišena inteligencije daje vrijeme i prostor da se udubi u različite stvari za dobrobit drugih ljudi koji imaju bolje stvari za raditi. Uz to, moja prednost je iskustvo, ne uzalud sam toliko godina radio u čudnom i očaravajućem svijetu suvremene umjetnosti.

U svojih sedam godina kao direktor Tatea, uspio sam posjetiti i najveće svjetske muzeje i manje poznate zbirke izvan utabanih turističkih staza. Posjećivao sam umjetnike kod kuće, pomno proučavao bogate privatne zbirke i gledao višemilijunske aukcije suvremene umjetnosti. Zaronio sam glavom u nju. Kad sam počeo, nisam ništa znao; sad znam nešto. Naravno, ima još puno za naučiti, ali nadam se da će vam ono malo što sam uspjela upijati (i zadržati u sebi) barem malo pomoći da cijenite i razumijete suvremenu umjetnost. A ovo je, kao što sam vidio, jedno od najvećih užitaka u životu.

Uvod

neshvatljiva umjetnost

Godine 1972. galerija Tate u Londonu kupila je Equivalent VIII američkog minimalista Carla Andrea. Nastao 1966. godine, sastoji se od 120 vatrostalnih cigli koje se, ako se poštuju upute umjetnika, mogu složiti u osam različitih oblika istog volumena (otuda naziv Ekvivalent VIII). Izložena u galeriji sredinom 1970-ih, kompozicija je bila paralelogram dubine dvije cigle.

U tim ciglama nije bilo ništa posebno - svatko je mogao kupiti potpuno iste za nekoliko penija po komadu. Ali galerija Tate za njih je izdvojila više od dvije tisuće funti. Engleski tisak je podivljao. “Nacionalne financije se rasipaju na hrpu cigli!” urlali su papiri. Čak i vrlo intelektualni časopis za povijest umjetnosti Magazin Burlington pitala se: "Je li Tate izgubila razum?" Svi su htjeli znati zašto Tate tako nepromišljeno troši javni novac na ono što bi "bilo koji zidar mogao učiniti".

"Dušo, nemoj reći 'derivacija' nije dobra riječ!"

Prošla su još tri desetljeća, a Tate je opet potrošio novac britanskih poreznih obveznika na neobično umjetničko djelo. Ovaj put odlučila je kupiti ljudski red. Međutim, nije baš tako. Ne sami ljudi — danas je to protivzakonito — već samo red. Ili, točnije, komad papira na kojem je svoju ideju iznio slovački umjetnik Roman Ondak. Plan mu je bio angažirati nekoliko glumaca i poredati ih ispred zaključanih vrata. Nakon aranžmana, odnosno, jezikom galerista i umjetnika, "instalacije", glumci su morali okrenuti pogled prema vratima i ukočiti se u pozi skromnog iščekivanja. To je trebalo zaintrigirati prolaznike, koji bi se ili svrstali u red (što se inače događa) ili bi prošli, zbunjeno naborajući čelo i pokušavajući dokučiti kakvo im umjetničko značenje nedostaje.

Ideja je smiješna, ali je li umjetnost? Ako zidar može stvoriti analog Equivalent VIII Carla Andrea, onda bi se Ondakov lažni red mogao smatrati ekscentričnim trikom u duhu glupih šala. U teoriji, tisak je u ovom slučaju trebao pasti u potpunu histeriju.

No, stvar je bila ograničena na nezadovoljno gunđanje: bez kritike, bez ogorčenja, čak ni dvosmislenih naslova najduhovitijih članova tabloidne zajednice – apsolutno ništa! Jedini odgovor na dogovor bilo je nekoliko odobravajućih redaka u uglednom časopisu, pod naslovom događanja u svijetu umjetnosti. Pa što se dogodilo u tih trideset godina? Što se promijenilo? Zašto se napredna suvremena umjetnost, koja je isprva izgledala kao glupa šala, počela doživljavati ne samo s poštovanjem, već i s poštovanjem?

Novac je tu igrao važnu ulogu. Tijekom proteklih desetljeća, ogromna količina odvratnog metala uložena je u svijet umjetnosti. Državna su se sredstva izdašno trošila na "oplemenjivanje" starih muzeja i stvaranje novih. Slom komunizma i odbacivanje državne intervencije u tržišno gospodarstvo (i kao rezultat toga globalizacija) doveli su do porasta populacije multimilijunaša za koje je stjecanje suvremene umjetnosti postalo vrlo isplativa investicija. Kako su burze padale i banke propadale, vrijednost kultnih djela suvremene umjetnosti nastavila je rasti, kao i broj sudionika na ovom tržištu. Prije nekoliko godina, međunarodna aukcijska kuća Sotheby's računao na kupce iz tri zemlje. Sada postoji više od dva desetaka takvih zemalja, a nikoga nećete iznenaditi prisutnošću novih bogatih kolekcionara iz Kine, Indije i Južne Amerike. Glavna tržišna gospodarstva ušla su u igru ​​ponude i potražnje, pri čemu je prva znatno nadmašila drugu. Troškovi djela mrtvih umjetnika (koji stoga više neće stvarati nova djela) - Picassa, Warhola, Pollocka, Giacomettija i drugih - nastavljaju brzo rasti.

"Jednostavno nam je zgodnije raditi s mrtvim umjetnicima!"

Raste zahvaljujući novim bogatim bankarima i sumnjivim oligarsima, kao i ambicioznim provincijskim gradovima i zemljama orijentiranim na turizam koji žele “stvoriti svoj Bilbao” – drugim riječima, promijeniti svoj imidž i povećati svoju atraktivnost impresivnom umjetničkom galerijom. Svi su odavno shvatili: nije dovoljno kupiti divovsku palaču ili arhitektonski spomenik. Prepuna skandaloznih umjetničkih djela, posjetiteljima će postati puno zanimljivija. A takvih radova nema toliko.

Ako nije moguće doći do "klasika" suvremene umjetnosti, "suvremenici" pomažu. Riječ je o djelima živih umjetnika koji nastavljaju tradiciju moderne umjetnosti (čijim početkom se slažemo smatrati rad impresionista sedamdesetih godina 19. stoljeća). Ali čak i u ovom segmentu cijene su porasle: cijena radova eminentnih umjetnika, poput američkog majstora pop arta Jeffa Koonsa, danas je previsoka.

Koons je poznat po svom ogromnom, cvijećem ukrašenom "Puppy" (1992.), kao i brojnim karikaturnim skulpturama od aluminija, koje oponašaju figure napravljene od balona. Sredinom 1990-ih Koonsov rad mogao se kupiti za nekoliko tisuća dolara. Do 2010. njegove skladbe, svijetle poput bombona, već su prodane za milijune. Njegovo je ime postalo brend, a njegovi radovi su odmah prepoznatljivi, poput loga. Nike. Na valu današnjeg kolekcionarskog buma postao je nevjerojatno bogat - zajedno s mnogim drugim umjetnicima danas.

Nekada siromasi, umjetnici su sada multimilijunaši sa svim obilježjima glamurozne zvijezde: slavnim prijateljima, privatnim zrakoplovima i pažnjom senzacionalističkog tiska koji prati svaki njihov korak. Nevjerojatno proširen krajem 20. stoljeća, segment glossy časopisa entuzijastično pomaže novoj generaciji kreatora u stvaranju javne slike - u zamjenu za pravo objavljivanja fotografija sa svojih privatnih zabava. Fotografije umjetnika na pozadini njihovih vlastitih kreacija u blistavim dizajnerskim interijerima, gdje se okupljaju bogati i slavni, nalik su gledanju kroz ključanicu, a čitatelji glosa pohlepno gutaju takve informacije (čak je i galerija Tate angažirala izdavača Vogue izdavati vlastiti časopis tzv Tate članovi).