La galerie Tretiakov a accueilli une exposition intitulée Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque vaticane. L'heure de son passage est du 19/02/2016 au 19/02/2017. Qu'est-ce qu'une pinacothèque, quelle est sa signification pour les habitants de la Russie, peut être trouvé dans l'article.

Sens du mot

Pinakothek est un terme issu de la fusion de deux mots grecs. La première partie du terme signifie "tableau", c'est-à-dire "image", et la seconde - "magasin". Il est facile de deviner ce qu'est une pinacothèque. Dans la Grèce antique, c'était le nom de la pièce dans laquelle étaient conservées les images pittoresques. Peu à peu, le sens du terme a quelque peu changé.

Qu'est-ce que la Pinacothèque d'hier et d'aujourd'hui

Il y avait un bâtiment dans l'aile gauche dont ils gardaient des peintures apportées à la déesse Athéna en cadeau. Ils étaient logés dans plusieurs salles à six colonnes. La collection se composait de diverses œuvres peintes. Il a été mis à disposition pour être visionné par leurs citoyens d'Athènes. Le premier catalogue, qui a commencé la systématisation du référentiel, a été créé par Polémon d'Ilion au IIIe - IIe siècle av. e. Il y avait des pinacothèques à Heraion (temple d'Héra).

Les citoyens de la Rome antique utilisaient le terme pour désigner une salle dans laquelle des œuvres d'art étaient conservées.

À la Renaissance, le terme était utilisé pour désigner des collections de peintures ouvertes au public.

Qu'est-ce que la Pinacothèque aujourd'hui ? Le terme fait référence aux galeries d'art. Un bon exemple est l'une des pinacothèques les plus célèbres au monde.

Pinacothèque du Vatican

La collection de peintures du Vatican est apparue il y a quelques centaines d'années. Son fondateur est considéré comme le pape Pie VI. Quelques décennies plus tard, en 1797, la plupart des tableaux sont envoyés à Paris. L'ordre a été donné par Napoléon. En 1815, la collection était revenue au Vatican. La décision de restituer les objets de valeur a été prise lors du Congrès de Vienne, tenu après les guerres napoléoniennes.

Les peintures n'avaient pas d'emplacement permanent. Ils ont été transférés d'une salle à l'autre jusqu'à ce qu'ils soient placés dans une aile du Palais du Belvédère. Le public n'a pu voir la Pinacothèque qu'en 1908.

Vingt-quatre ans plus tard, un bâtiment spécial a été érigé pour la collection. Le pape Pie onzième est devenu le client de la construction et L. Beltrami en était l'architecte.

La collection se compose d'environ 460 peintures, réparties dans dix-huit salles du ordre chronologique. Il contient des œuvres sur des thèmes religieux. C'est surtout l'œuvre de maîtres italiens.

Exemples de salles :

• La première salle présente les œuvres des écoles médiévales de maîtres tels que Nicolò Giovanni.
• La huitième salle contient des œuvres de Raphaël Santi, dont des tapisseries réalisées d'après ses croquis.
• La dixième salle est représentée par l'école de Raphaël et de peinture vénitienne.
• La douzième salle est constituée de peintures baroques : œuvres de Nicolas Poussin, Caravage, Guido Reni.
• La salle du XVIIIe contient des icônes et des mosaïques du XVe au XVIe siècles.

Vous pouvez visiter la Pinacothèque en achetant un seul billet pour entrer dans la Chapelle Sixtine et le coût en 2016 était de seize euros.

Depuis novembre 2016, la Pinacothèque vaticane a ouvert ses portes dans la galerie Tretiakov. Qu'est-ce qui est représenté dans la collection apportée et quelle est sa signification pour les résidents et les invités de Moscou ?

Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque vaticane dans la galerie Tretiakov

L'exposition (Vatican Pinakothek) se compose de quarante peintures. Ce sont les œuvres de Giovanni Bellini, du Caravage, de Raphaël et d'autres maîtres des XIIe au XVIIIe siècles. Elle se poursuivra jusqu'au 19 février 2017.

Les billets pour la Pinacothèque du Vatican coûteront cinq cents roubles par personne. La séance de visite de l'exposition dure trente minutes. Vous pouvez acheter des billets à tout moment sur le site Web personnel de la galerie Tretiakov.

Selon le commissaire de l'exposition, Arkady Ippolitov, l'exposition est une sorte d'explication de l'idée de "Moscou - la troisième Rome". La Pinacothèque concentre l'État depuis sept siècles. L'institution de la papauté, selon lui, est le lien entre la civilisation européenne et le monde antique.

L'exposition commence par la plus ancienne icône de Rome, "le Christ bénissant", qui remonte au XIIe siècle. Il a été écrit sous l'influence de Byzance. L'icône garde les souvenirs d'une seule église, montrant une seule racine à partir de laquelle l'art de l'Italie et de la Russie s'est développé.

Gentile de Fabriano. "Scènes de la vie de Saint-Nicolas le Merveilleux : Saint-Nicolas apaise la tempête et sauve le navire", ca. 1425

photo © Musées du Vatican / Une photo © Musées du Vatican

Musées du Vatican

non seulement pour la première fois ils présentent les trésors de leur collection en Russie, mais aussi pour la première fois ils les emmènent à l'étranger en si grande quantité. Quarante-deux tableaux de la collection de la Pinacothèque représentent près d'un dixième de l'ensemble de la collection, soit environ cinq cents toiles.

Décrire une œuvre d'art est une tâche ingrate, vouée à l'échec d'avance, car il est impossible de verbaliser cette connexion subtile qui s'établit entre vous lorsque vous vous retrouvez seul. Et peu importe le nombre de personnes présentes, car à ce moment-là, il ne parle qu'à vous.

La langue des chefs-d'œuvre de la Pinacothèque vaticane est la musique. La conscience suggère utilement des associations : polyphonie médiévale, madrigal de la Renaissance, concerto grosso baroque. En fait, ces images sonnent différemment. Leur musique est la musique du silence : lignes, couleurs, gestes et regards subtils.

Nul besoin d'être critique d'art pour comprendre - ou plutôt ressentir - l'œuvre d'un génie. L'image, malgré toute son harmonie, ne reste qu'une empreinte, si quelque chose de plus n'y est pas investi. Chacun de ces tableaux a une âme, toutes ces toiles sont vivantes.

"Le Christ bénissant", l'oeuvre la plus rare de l'école romaine du XIIème siècle. On y devine des caractéristiques douloureusement familières des icônes byzantines, qui sont devenues un modèle pour les anciens peintres d'icônes russes. Rome Éterna. Rome première, deuxième, troisième... Éternelle. "Christ Blessing" ouvre une exposition à Galerie Tretiakov, vous croisez immédiatement son regard, franchissant à peine le seuil du hall. Il est ici tout seul - silencieux, calme et autonome. Et derrière lui se trouve tout un monde, enfermé dans l'espace d'une petite pièce, dans laquelle saint François d'Assise (Margaritone d'Arezzo, XIIIe siècle), pacifiant la tempête Nicolas le Merveilleux (Gentile da Fabriano, XVe siècle), des anges jouant des luths cérémonieusement passer devant vous (Melozzo da Forli, XVe siècle).

Pietro Vannucci, surnommé Pérugin. "Saint Placis", 1495-1498 "Sainte Justine", 1495-1498

Voici la prédelle "Les Miracles de Saint Vincenzo Ferrer" - l'œuvre d'Ercole de Roberti, un artiste de l'école de Ferrare, l'une des plus importantes de l'Italie de la Renaissance. "Les limites s'appelaient racontant une certaine histoire, les peintures qui se trouvaient au bas de l'autel,- explique le commissaire de l'exposition Arkady Ippolitov. - Bien que la peinture appartienne au pinceau de l'artiste ferrarais, de nombreuses allusions à Rome y sont cryptées, qui, entre autres, s'expriment dans le traitement des postures des statues antiques dans les figures centrales. Il est également remarquable en ce qu'il se lit comme une sorte de défilé des modèles les plus extravagants de la fin du XVe siècle - avec le duché de Bourgogne, Ferrare était un pionnier de l'époque..

Dans la deuxième salle - toiles Haute Renaissance(XVIe siècle) et l'époque baroque (XVIIe siècle). Leur musique est différente : passionnée, affirmée, stimulante. Malgré les intrigues religieuses, ces peintures semblent parfois être théomachistes - en tout cas, leurs créateurs parlent avec Lui sur un pied d'égalité.

Voici la "Vision de Sainte Hélène" du vénitien Paolo Veronese. Un triomphe de couleurs et de vêtements magnifiques et un intérieur riche. L'héroïne de l'image est la mère de l'empereur Constantin qui, selon la Chronographie de Théophane, a reçu l'ordre dans un rêve d'aller à Jérusalem "pour trouver la croix vivifiante du Seigneur". Avec elle, le spectateur se retrouve ici à la frontière fragile du rêve et de la réalité, divin et terrestre, spirituel et matériel.

Et à côté se trouvent deux prédelles de Raphaël : "Foi" et "Miséricorde" de 1507. Assez petites, elles ressemblent à des pages de livres. Sur chacun d'eux - une femme entourée de deux anges. Des personnages de Raphaël immédiatement reconnaissables avec des contours doux des visages et une grâce raffinée des poses. Malgré leur taille modeste, ces tableaux créent autour d'eux une atmosphère particulière, un espace de dialogue intime avec tous ceux qui y pénètrent.

Au XVIIe siècle, la Rome papale atteignit sa plus haute puissance et richesse, c'est à cette époque que la collection pittoresque du Vatican fut considérablement reconstituée avec les œuvres de contemporains exceptionnels, de sorte que l'histoire artistique de ce siècle est représentée dans la collection papale la plus pleinement. (Au fait, la salle correspondante de la Pinacothèque était presque nue, comme l'a dit la directrice adjointe des musées du Vatican Barbara Yatta - la plupart des peintures exposition permanente a déménagé à Moscou pendant trois mois.)

"La Mise au tombeau" du Caravage, l'un de ses principaux chefs-d'œuvre, qui a marqué toute l'histoire ultérieure de la peinture, de Rubens à Cézanne. Il a peint ce tableau vers 1603-1604 pour l'église de Santa Maria in Valicella à Rome, dans le statut le plus célèbre et le plus scandaleux artiste italien de son temps, dont les travaux provoquaient invariablement des débats houleux. Chaque élément d'un immense tableau de trois mètres sur deux est pensé dans les moindres détails, son effet dramatique incroyablement fort est en grande partie dû au fait que le corps du Christ semble percer la toile. Il est juste devant vous, il suffit de tendre la main pour sentir sa chair aux muscles encore forts, mais déjà dépourvus de vie.

Une troisième salle séparée est réservée à une série de peintures des Bolonais artiste XVIIIème siècle Donato Creti "Observations astronomiques". Dans des figures légèrement maniérées, sur fond de paysages nocturnes, on sent à la fois l'espièglerie du rococo et l'esprit des temps nouveaux, les Lumières. Le pouvoir du pape s'affaiblit progressivement, très bientôt l'histoire des États pontificaux, qui occupaient la majeure partie de la péninsule des Apennins, prendra fin. L'univers deviendra une cause efficiente, non résultat final intention divine. Celui qui a pris l'histoire en main commencera à chercher l'essence des choses sur terre avec une énergie redoublée, mais chacun lèvera aussi les yeux vers le ciel, face à des questions et des contradictions insolubles.

Aux archives. Exposition de la Pinacothèque du Vatican à Moscou.
Partie 2 sur 4 : d'Ercole de Roberti à Véronèse. Caravage. Poussin.

Tous les travaux [*] exposition "Roma Aeterna. Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque vaticane. Bellini, Raphaël, Caravage. Continuation

[*] 35 ou 42 pièces - selon la façon dont vous comptez.

L'exposition présente des œuvres de 6 siècles - du XIIe au XVIIIe siècle.

La photographie à l'exposition était strictement interdite.

Ercole de Roberti (vers 1450, Ferrare - 1496, Ferrare). Miracles de saint Vincenzo Ferrer : Guérison d'une femme en travail - Résurrection d'un juif riche - Guérison d'un boiteux - Sauvetage d'un enfant d'une maison en feu - Résurrection d'un enfant tué par une mère folle. 1473. Prédelle. Bois, détrempe. 30 x 215 cm.

"Au XVe siècle, Ferrare a prospéré sous les ducs d'Este, devenant un centre culturel influent de l'Italie de la Renaissance. Ercole de Roberti est l'un des artistes les plus originaux de l'école de Ferrare. Sa prédelle est considérée comme la prédelle la plus sophistiquée de la Renaissance. Il est dédié aux actes de l'Espagnol Saint Vincenzo Ferrer et plein de l'esprit mystérieux et séduisant de Ferrare.

3.


Ercole de Roberti. Prédelle polyptyque Griffoni. Fragment.

"Acquisition. Avant le démantèlement au XVIIIe siècle dans l'église de San Petronio, Bologne; à partir de 1839 - dans la Pinacothèque du Vatican Inv. 40286.

Cette prédelle, dédiée aux actes de saint Vincenzo Ferrer, faisait partie du retable créé pour la chapelle Floriano Griffoni dans le temple principal de Bologne - la cathédrale de San Petronio. L'autel, connu sous le nom de polyptyque Griffoni, démantelé au XVIIIe siècle, reste le témoignage le plus clair du travail conjoint d'Ercole de Roberti et de son professeur Francesco del Cossa et montre comment l'artiste novice a réussi non seulement à affirmer son indépendance, mais, selon à Vasari, surpasse même l'enseignant. L'aspect général de l'autel a été reconstruit par Roberto Longhi (1934), plus tard la fidélité de sa reconstruction a été confirmée par un dessin accidentel du XVIIIe siècle, réalisé par Stefano Orlandi avant le démantèlement du polyptyque.

4.

Une des reconstitutions possibles montrant la disposition des différentes parties du polyptyque Griffoni. A propos de quelle reconstruction Dans la question dans le catalogue - ne sait pas / Polittico Griffoni : une des reconstructions proposées indiquant la position relative des différents panneaux. Le numérique appliqué à la réunification d'un retable dispersé.

Au centre du polyptyque était placée l'image principale de saint Vincenzo Ferrer [cette image de Vincenzo Ferrer par Francesco del Cossa se trouve sur le site de la National Gallery de Londres : Saint Vincent Ferrer, probablement vers 1473-1475, Francesco del Cossa - env. gorbutovitch], frère dominicain espagnol, canonisé en 1455. De chaque côté - grandes peintures: deux saints debout, et au registre supérieur - deux images à mi-corps de saints et médaillons avec des scènes de la Crucifixion (au centre) et de l'Annonciation (sur les côtés). Les travaux sur le retable ont dû être terminés peu de temps après que le sculpteur sur bois Agostino de Marchi ait été payé pour fabriquer les cadres, c'est-à-dire après le 19 juillet 1473. L'œuvre est entrée dans la collection du Vatican sous le nom de Benozzo Gozzoli, et la prédelle a été récemment reconnue comme l'œuvre d'Ercole de Roberti, bien que Vasari en ait indiqué la paternité.

5.

Fragment. Sur Internet, vous pouvez trouver des images de la plus haute qualité. Peut-être que quelque part sur les pages personnelles des réseaux sociaux, il y a quelque chose, mais je n'ai pas trouvé / Predella (détail). Panneaux du polyptyque Griffoni par Ercole de" Roberti. Polyptyque : 1472-1473. Tempera sur panneau, hauteur de détail 28 cm. Pinacothèque, Vatican. Wga.hu.

Cossa a écrit les images centrales, mais il a entièrement confié la prédelle à Ercole. Comme il était de coutume dans les ateliers de l'époque du Quattrocento, Cossa n'a fait qu'esquisser composition globale, s'appuyant sinon entièrement sur Ercole. Ce dernier, apparemment, a commencé à peindre la prédelle de gauche à droite, en suivant les contours du professeur, au fur et à mesure qu'il avançait, en travaillant les figures plus en détail. La manière d'Ercole est proche de celle de son professeur, et certaines scènes semblent même être des citations directes des fresques de Cossa du Palazzo Schifanoia à Ferrare : en particulier, l'enfant mangeant des biscuits dans la scène "La résurrection d'un juif riche" se trouve dans.

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Ercole de' Roberti, I miracoli di San Vincenzo Ferrer (particulier). Predella della Pala Griffoni, 1473. Musei Vaticani, Città del Vaticano. passant par

Dans son utilisation de l'architecture classique, Ercole suit également l'intention de son professeur plutôt que son penchant pour la représentation des ruines.

Le style d'Ercole apparaît dans une scène dramatique avec une femme hurlante et des ouvriers essayant d'éteindre le feu. Cet épisode est emprunté au Palazzo Schifanoia. Dans l'une des scènes de la prédelle, Ercole déploie une narration complexe sur un fond perspectiviquement correctement construit, bien que fantastique, avec vues architecturales et ruines. Il n'y a pas de frontières claires entre les différents épisodes de la prédelle, et l'ensemble de la composition ressemble plus à une peinture narrative caractéristique d'une cassone (coffre de mariage) ou d'une spaliera (panneau mural décoratif) qu'à une prédelle.

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Ce n'est pas Ercole de Roberti, c'est une copie de 1929. Fragment d'une copie de la prédelle du polyptyque de Griffoni, conservée au London galerie nationale. A Londres, la prédelle originale passe sous le nom de Francesco del Cossa plutôt que d'Ercole de Roberti / Scènes de la vie de Saint Vincent Ferrer. Date de fabrication 1929. D'après Francesco del Cossa (Carrine Palmieri et Rosa Falcone). Crédit d'acquisition : Présenté par le Pape Pie XI, 1930. 30,5 x 215 cm. La National Gallery, Londres. Ce tableau est une copie du panneau de prédelle d'un retable à l'origine dans la chapelle Griffoni de l'église de S. Petronio, Bologne. Le panneau central du XVe siècle de Francesco del Cossa représente "Saint Vincent Ferrer", devenu frère dominicain en 1367 et célèbre comme prédicateur et missionnaire. Les panneaux latéraux, maintenant dans la Brera, Milan, montrent Saint Pierre et Saint Jean Baptiste. Le design est unifié à travers l'architecture et le paysage rocheux. Le panneau original de la prédelle (Rome, Musées du Vatican) est également attribué à Ercole de" Roberti.

L'iconographie sophistiquée, pas encore entièrement déchiffrée, suggère que l'artiste a dû suivre les conseils de savants humanistes, tels que Giovanni Garzoni de Bologne, auteur de la vie de saint Vincenzo Ferrer, dont le culte s'est répandu dans tout le nord de l'Italie et était particulièrement fort dans Bologne. Dans la première scène à gauche, une femme supplie saint Vincenzo de soulager ses douleurs d'accouchement.

8.

Vient ensuite La Résurrection du Juif Riche.

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Fragment d'une copie de la prédelle du polyptyque de Griffoni, conservée à la National Gallery de Londres. 1929 / La National Gallery, Londres.

Cette scène est suivie d'un épisode avec un homme assis, dont la jambe saignante Saint Vincenzo guérit du ciel. Après cela, il y a une image d'un feu éteint à temps grâce à l'intervention du saint.

Les dernières scènes racontent l'histoire d'une mère qui, dans un accès de folie, a tué son fils unique. Son mari apporte la dépouille du garçon à la tombe de Saint Vincenzo, où l'enfant revient miraculeusement à la vie.

Les scènes sont remplies de personnages habillés à la dernière mode, et puisque Saint Vincenzo était célèbre pour avoir converti et baptisé un grand nombre de personnes de différents pays, elles présentent également des personnes habillées de manière exotique. La vue de la foule rappelle Paolo Uccello et Piero della Francesca.

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passant par

Predella Ercole est l'une des plus sophistiquées de l'art de la Renaissance. L'artiste montre son érudition en faisant référence à Art ancien. Parmi eux figurent le bronze "Garçon arrachant un éclat" (Musées du Capitole, Rome), le prototype d'un homme assis avec une jambe blessée, et les Dioscures du Quirinal de Rome, qui rappellent des hommes combattant le feu dans une scène d'incendie. Ercole est plus expressif que son professeur.

Il se sent dans son élément natal à une échelle miniature, mais son amour du détail n'enlève rien à la monumentalité globale de la composition. L'artiste a pris l'expérience d'Andrea Mantegna de manière créative, en utilisant ses angles vifs, comme on peut le voir dans l'image du cheval au bord inférieur du cadre. La prédelle est peinte de couleurs vives et avec cette fine précision que les ferrarais appréciaient tant dans la peinture hollandaise et à Cosme Tura. Bien que les critiques aient constamment noté l'atmosphère dramatique agitée du travail d'Ercole, la véritable marque de fabrique de son style est la lumière brun doré qui inonde ses peintures et leur donne cette tension métaphysique qui anticipe les "piazzi" de Giorgio de Chirico, un autre "irrationnel" artiste qui aimait tant la Ferrare mélancolique. "

Entrée du catalogue des Musées du Vatican :
Autore: Ercole de "Roberti (Ferrara 1450 ca. - 1496) - già attr. a Benozzo Gozzoli (Firenze 1420 - Pistoia 1497) e a Francesco del Cossa
Description/Titolo : Prédelle : Miracoli di San Vincenzo Ferrer : Il Santo guarisce una storpia ; Resuscita una ricca ebrea; Salva un bimbo in una casa incendiata ; Resuscita un bimbo ucciso dalla madre impazzita ; Guarisce un ferito ad una gamba (già "Miracoli di San Giacinto" de B. Gozzoli)
Datation: 1473
Matière : tempera su tavola
Taille: cm 30 x 215
Acquisition périodique : 1908
Type d'acquisition : Ingresso nella Pinacoteca di Pio X
Provenienza: dalla pala d "altare della Cappella Griffoni eseguita da Francesco del Cossa per la Chiesa di San Petronio a Bologna, smembrata nel sec. XVI; dal 1732 al 1782 ca. in casa Aldovrandi; venduta nel 1839 da Feliciano Brizzi al Governo Pontificio ed esposta nella Pinacoteca di Gregorio XVI (MORONI G., 1847); nel 1857 ca., nella Pinacoteca di Pio IX
Collocation: Edificio della Pinacothèque
Pinacothèque Vaticane
Sala V

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Melozzo degli Ambrosi, detto Melozzo da Forlì, (Forlì 1438 - 1494) Un angelo che suona il liuto, 1480 ca. Frammento di affresco staccato, cm 93,5 x 117 Inv. 40269.14.10. Musei Vaticani. . Image Wikipédia : 4296 x 5323

Melozzo degli Ambrosi, surnommé Melozzo da Forli (1438, Forli - 1494, Forli). 1480. Anges musicaux - trois fragments de fresques, transférés sur cadorite.

Melozzo de Forli. Ange jouant du luth. 1480. 117,5 x 93,5 cm.

« Dès le début du XIVe siècle, époque de la captivité des papes à Avignon, Rome tomba dans une décadence qui dura jusqu'au milieu du XVe siècle. Le déclin de Rome se reflète également dans sa vie artistique : la faiblesse de l'école romaine de peinture contraint les papes à se tourner vers des artistes d'autres villes.

Melozzo da Forli, natif petite ville Forlì dans la province d'Émilie-Romagne, a été invité à Rome par le pape Sixte IV. Il a créé de nombreuses fresques dans les églises romanes, de sorte que Melozzo peut être considéré comme le fondateur de l'école romaine, qui a prospéré aux XVIe-XVIIe siècles. Trois anges musicaux présentés à l'exposition sont des fragments de sa peinture du dôme de l'église des Santi Apostoli, une immense composition à plusieurs figures "Ascension du Christ".

13.

Melozzo de Forli. Angèle, 1475-1477. passant par

Melozzo degli Ambrosi, surnommé Melozzo da Forli. Ange jouant du luth. 1480. 108,5 x 77,5 cm.

« La fresque « Ascension du Christ » a été perçue par les contemporains comme un triomphe du pouvoir papal qui a relancé Rome. L'orchestre divin des anges symbolisait la beauté surnaturelle du paradis, et le concept abstrait de "musique du ciel" est associé aux constructions philosophiques du modèle du monde, dont parlaient les pythagoriciens et les platoniciens. Melozzo, en tant qu'artiste de la Renaissance, combine les traditions anciennes et chrétiennes dans son travail. Ses anges, glorifiant le Seigneur selon les paroles de la Bible: «Qu'ils louent son nom avec des visages, sur un tympan et une harpe, qu'ils chantent pour lui, car le Seigneur favorise son peuple, glorifie les humbles par le salut», sont idéales, comme les statues antiques, et en même temps vitales - elles ressemblent à de jeunes pages à la cour des souverains de la Renaissance.

14.

passant par. Original (4201 x 5276)

Melozzo degli Ambrosi, surnommé Melozzo da Forli. Ange jouant de la viole. 1480.

« Peu d'œuvres de Melozzo nous sont parvenues, la plupart de ses fresques ont été détruites lors de la restructuration, mais d'après ce qu'il en reste, on peut juger de l'ampleur de son talent. "L'Ascension du Christ" est exceptionnelle, la fresque se démarque de toutes les peintures contemporaines. L'intrigue représentant le triomphe du Sauveur montant sur le trône céleste entouré de forces célestes, favorite de l'art byzantin, a été empruntée par l'Europe occidentale, s'est magnifiquement épanouie à l'époque romane, s'est poursuivie au gothique, mais n'a plus réussi au Quattrocento. Melozzo, se tournant vers des échantillons médiévaux, leur inspira nouvelle vie et réintroduit le thème de l'Ascension dans la liste des thèmes les plus actuels des beaux-arts, anticipant ainsi Michel-Ange, Raphaël, le Corrège et les peintures murales des dômes des églises baroques.

15.


Pietro Vannucci, detto il Perugino, (Città della Pieve 1450 ca. - Fontignano 1523) S. Flavia; S. Placido, 1496 - 99 Tempera grassa su tavola Invv. 40319, 40320, 40321 -2.1. Musei Vaticani.

Pietro Vannucci, surnommé le Pérugin (1448, Citta della Pieve - 1523, Fontignano). Saint Placis. 1495-1498. Prédelle. Bois, détrempe à l'huile. 35,5 x 30 cm.

"Natif de l'Ombrie, Pietro Perugino, au tournant des XVe et XVIe siècles, est devenu l'un des artistes les plus influents d'Italie, et, ayant de grands ateliers à Florence et à Pérouse, pleins d'étudiants, il, aussi prolifique qu'il était talentueux, remplit les églises de la Toscane et de l'Ombrie de plusieurs de ses tendres madones et saints pieux. La peinture est un bel exemple de son style mature.

Deux saints de Placida sont connus : un martyr qui a été tué avec sa sœur Flavia sous le règne de l'empereur Dioclétien au 4ème siècle, et un disciple de saint Benoît qui a vécu au 6ème siècle. Le Pérugin, combinant les deux légendes, a présenté le saint en soutane, mais avec une branche de palmier, symbolisant le martyre, un attribut du frère Flavia.

16.


Pietro Vannucci, detto il Perugino, (Citta della Pieve 1450 ca. - Fontignano 1523). S. Flavia; S. Placido, 1496 à 1499. Tempera grassa su tavola Invv. 40319, 40320, 40321 -2.1. Musei Vaticani.

Pietro Vannucci, surnommé Pérugin. Sainte Justine. 1495-1498. Prédelle. Bois, détrempe à l'huile. 33,5 x 26 cm.

"Ce tableau, comme Saint Placis, faisait partie du grand autel de l'Ascension du Christ, créé pour le monastère de San Pietro à Pérouse entre 1495 et 1500. En raison d'une confusion avec Sainte Plakida, on croyait jusqu'à récemment que Sainte Flavia était représentée, mais il a maintenant été prouvé qu'il s'agit de Sainte Justine, la patronne de la communauté bénédictine du monastère de San Pietro - la couronne sur sa tête est la sienne , princesse de naissance, attribut traditionnel.

17.

"Sainte Justine" est de la même qualité que "Saint Placis", mais pour l'histoire de l'art, ces deux peintures sont également importantes car elles faisaient partie de l'autel "Ascension du Christ", qui a été créé juste au moment où dans l'atelier le Pérugin est apparu très jeune Raphaël.

18.


Raffaello Sanzio, (Urbino 1483 - Rome 1520). Speranza - Carità - Fede, Predella Baglioni, 1507. Tempera grassa su tavola, cm 18 x 44 ciascun pannello Invv. 40330, 40331, 40332 - Fédé. Musei Vaticani.

Raphaël Santi (1483, Urbino - 1520, Rome). Foi et Miséricorde. 1507. Prédelle. Bois (peuplier), huile. Les deux mesurent 18 x 44 cm.

Raphaël. Foi

« Peut-être n'y a-t-il pas d'artiste plus influent dans l'histoire de l'art que Raphaël. Pendant trois siècles et demi, son nom a été synonyme de perfection absolue dans l'art.

Les premières critiques ont été entendues en milieu XIXe siècle, puis le nombre de ses critiques s'est accru, les manifestes de l'art nouveau ont renversé son autorité, mais le déni est une sorte de reconnaissance. Ce n'est pas un hasard si les œuvres de Raphaël sont placées au centre de la salle dédiée à la Haute Renaissance et au Baroque.

19.

Version de la reconstitution du retable de Baglioni / Raphaël, La Déposition, 1507 / Pala Baglioni. via, via

Ce sont deux des trois petites grisailles qui formaient la prédelle du retable de l'église de San Francesco al Prato à Pérouse, connu sous le nom de retable des Baglioni, au centre duquel se trouvait la "Mise au cercueil", aujourd'hui conservée au Galerie Borghèse.

20.


Raphaël Sanzio. Fede, Predella Baglioni, 1507. Musei Vaticani.

"La foi", la partie latérale de la prédelle, apparaît comme une figure féminine avec un calice à la main, les putti dans les niches latérales contiennent des tablettes avec les monogrammes du nom de Jésus.

21.


Raffaello Sanzio, (Urbino 1483 - Rome 1520). Carità, Predella Baglioni, 1507. Tempera grassa su tavola, cm 18 x 44. ciascun pannello Invv. 40330, 40331, 40332 Speranza. Musei Vaticani.

Raphaël. Miséricorde

"L'autel, dont "Foi" et "Miséricorde" faisaient partie, a été commandé par Atalanta Baglioni pour la chapelle funéraire dans laquelle reposait le corps de son jeune fils, brutalement assassiné dans les conflits intestins de deux familles péruviennes. Raphaël a reçu l'ordre de créer un retable au milieu de 1506. Ce fut la première grande œuvre indépendante, car auparavant il n'avait pas reçu de commandes d'autels. L'autel "Mise au tombeau" a été très apprécié, mais la nouveauté de la petite prédelle a également été notée.

22.


Raphaël Sanzio. Carita, Predella Baglioni, 1507. Musei Vaticani.

Au XVe siècle, la prédelle racontait des histoires, ce qui était la norme acceptée, Raphaël remplaça l'histoire par des allégories. "Mercy", représentée comme une mère embrassant des bébés, était au centre, encadrée par "Faith" et "Hope". Putto sur la droite tient un chaudron avec du feu sur ses épaules - un ancien associé à jeux olympiques un symbole de paix, et la gauche, éparpillant l'argent, appelle à la générosité.

23.

Antonio de Corrège (1490-1534). Le Christ en gloire (partie d'un triptyque). Vers 1526-1530. 105 × 98 cm. Pinacothèque Vaticane. passant par. Encadré au spectacle

Antonio Allegri, surnommé Correggio (1489, Correggio - 1534, Correggio). Christ dans la gloire. Entre 1525 et 1530. Pinnacle - dessus d'autel. Toile, huile. 105 x 98 cm.

«La renommée d'Antonio Correggio de son vivant se limitait à Parme, où se concentraient ses principales œuvres, mais après sa mort, il devint l'un des peintres italiens les plus vénérés. Ce tableau, estimé au XVIIIe et dans la première moitié du XIXe siècle, a été déclaré copie au XXe siècle et mis en réserve.

24.

Trittico della Misericordia

Ce n'est qu'en 2011 qu'il a été restauré, et en même temps il a été établi que la toile du XVIe siècle, et sur la figure et le visage du Christ, de nombreuses corrections d'auteur sont visibles, qui n'existent pas en copies. La paternité du Corrège a été reconnue comme incontestable et la peinture a occupé une place de choix dans l'exposition de Pi-nakoteka. Il est intéressant de comparer « Le Christ en gloire » avec l'icône qui ouvre l'exposition - l'image du Corrège poursuit le développement du type iconographique antique venu de Byzance.

25.

Paolo Caliari, detto il Veronese, (Vérone 1528 - Venise 1588) Visione di S. Elena, 1580 ca. Olio su tela, cm 166 x 134 Inv. 40532.

Paolo Cagliari, surnommé Paolo Véronèse (1528-1588). Vision de Sainte-Hélène. Vers 1575-1580. Toile, huile.

« La peinture de Paolo Veronese est luxueuse dans le style vénitien. Représenté est Sainte Hélène, mère de Constantin, le premier empereur romain chrétien. Selon la légende, un ange est apparu à Elena, l'incitant à se rendre à Jérusalem à la recherche de la croix de Jésus. Traditionnellement, la sainte était représentée conduisant les ouvriers creusant la croix ou tenant la croix trouvée dans ses mains. Véronèse, d'autre part, a représenté Elena endormie, et un ange tenant une croix, appelé à montrer le chemin de la Terre Sainte, lui a été montré dans une vision. L'âge de la représentation contredit le texte canonique des biographies: Sainte Hélène, lorsqu'elle est allée à Jérusalem, avait de nombreuses années et l'héroïne Véronèse est jeune. Une interprétation libre de la légende a donné lieu à l'hypothèse que l'élégante vénitienne sur la photo, dont l'image est presque un portrait, est l'épouse de Véronèse, qui s'appelait aussi Elena.

Michelangelo Merisi, surnommé Caravage (1571-1610). Position dans le cercueil. Vers 1603-1604. Toile, huile. 300 x 203 cm.

La vedette principale de l'exposition est le tableau "La mise au tombeau" du Caravage. En 2011, le travail était déjà à Moscou lors de l'exposition "" au Musée national des beaux-arts. COMME. Pouchkine. Dans le cadre de l'exposition à la galerie Tretiakov, pour une raison quelconque, on ne s'en souvient pas beaucoup.

Description de la peinture de l'article pour l'exposition au Musée Pouchkine:« Le Caravage atteint sa plus haute maturité créative en 1606, lorsqu'il peint plusieurs peintures monumentales pour les églises romaines les plus célèbres, dont la cathédrale Saint-Pierre. L'une des œuvres les plus célèbres de cette époque est l'œuvre «La mise au tombeau» (1606, Musées du Vatican, Pinacothèque), qui étonne par la véracité dans le transfert des sentiments et la puissante intensité dramatique. Comme il ressort des documents, pour comprendre le tableau, il est extrêmement important de rappeler le rôle actif de l'ordre des Oratoriens, auquel appartenait la cathédrale ; ils ont établi des règles strictes concernant la décoration des chapelles et l'iconographie des parcelles. La lumière tire les personnages des ténèbres obscures, révèle leurs traits et leurs sentiments: la mère âgée du Christ, la pécheresse convertie Marie-Madeleine, Marie Cléopova, le "disciple bien-aimé" Jean et Nicodème. Un groupe de personnages formant une sorte de composition sculpturale, et le spectateur se révèle être un participant à la scène grâce à l'angle de vue (d'en bas, depuis la pierre) et le regard de Nicodème, à l'image duquel les chercheurs voient un portrait du client, Pietro Vittriche. La répartition de la lumière dans l'image est strictement pensée, grâce à laquelle Caravaggio parvient à diriger l'œil du spectateur. L'image combine des éléments et des personnages de deux intrigues - "La mise au tombeau" (dans laquelle, selon les évangiles, Joseph d'Arimathie, Madeleine et Marie de Cléopova étaient présents) et "Lamentation" (dans laquelle la Mère de Dieu et saint Jean l'évangéliste sont généralement représentés). Une telle combinaison est dictée par le programme iconographique de l'église, qui correspondait au plan de Filippo Neri lui-même, le fondateur de l'ordre des Oratoriens. Caravaggio ajoute un élément qui porte une grande charge émotionnelle dans la composition - une dalle de pierre colossale sur laquelle se tiennent les héros. C'est une pierre qui ferme l'entrée de la grotte funéraire et, en même temps, une pierre d'onction, sur laquelle le corps du Sauveur a été déposé pour être oint d'encens et de langes, où les larmes de la Mère et les gouttes du sang du Fils est tombé. La plaque fait directement référence au Christ en tant que pierre angulaire qui unit l'Ancien et le Nouveau Testament, la pierre sur laquelle est fondée l'Église, comprise comme le « corps du Christ » et symboliquement représentée ici par le corps du Sauveur.

27.


Caravage. La position dans le cercueil, fragment. Vers 1603-1604. Pinacothèque du Vatican

Description du tableau dans le livret de la Galerie nationale Tretiakov :« Le principal chef-d'œuvre de l'exposition est la Mise au tombeau du Caravage. Cette image ouvre un nouveau siècle. Une iconographie inhabituelle est associée à des appels à la purification de l'Église catholique et à un retour à la simplicité du christianisme ancien, issu de nombreuses figures de la Contre-Réforme, mais le travail, comme cela arrive souvent, s'est avéré beaucoup plus important que tout calcul idéologique. Elle était perçue de la même manière que les œuvres de l'avant-garde étaient perçues au début du XXe siècle. "The Entombment" avec sa tragédie ouverte et le pouvoir de la simplicité s'est rebellé contre le bon goût institutionnalisé. Lorsque le tableau a été ouvert, beaucoup ont été indignés, mais beaucoup, y compris des artistes et des collectionneurs, parmi lesquels des aristocrates et des cardinaux, ont accueilli le nouvel art.

28.

Nicolas Poussin, (Les Andelys 1594 - Roma 1665) Martirio di S. Erasmo, 1628 - 1629. Olio su tela, cm 320 x 186 Inv. 40394. Musées du Vatican.

Nicolas Poussin (1594-1665). Martyre de Saint Erasme. 1628-1629.

« Poussin a reçu une commande pour le retable « Le Martyre de saint Erasme » en 1628, et c'était sa première commande romaine pour l'exécution d'un grand travail pour l'église. Le tableau était destiné à une chapelle de la basilique Saint-Pierre, qui venait d'être inaugurée après l'achèvement des travaux, et la commande était très prestigieuse. L'image représente le martyre d'Erasme, originaire d'Antioche, devenu évêque de la ville de Formia dans le Latium près de Rome, qui a été exécuté en lui coupant le ventre et en tirant l'intérieur à l'aide d'une porte. Un prêtre en toge blanche désigne Hercule, qu'Érasme a refusé d'adorer. Le naturalisme terrible est quelque peu atténué par le classiciste Poussin, mais l'image fait toujours une impression presque choquante.

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Nicolas Poussin. Martirio di S. Erasmo, 1628-1629. Musei Vaticani.

Poussin de son vivant était considéré comme un antagoniste du Caravage, mais Le Martyre de saint Erasme, exposé dans la même salle que La Mise au tombeau, n'entre pas dans une dispute avec lui, mais dans un dialogue interne complexe.

Sources:

Livret-brochure « Roma Aeterna. Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque vaticane. Bellini, Raphaël, Caravage. 25 novembre 2016 - 19 février 2017
Catalogue : Roma Aeterna. Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque vaticane. Bellini, Raphaël, Caravage / Etat. Galerie Tretiakov. - M., 2016. - 240 p. : malade. ISBN 978-5-89580-152-9
Etc.
Article sur le site du Musée Pouchkine à propos de l'exposition "Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) des collections d'Italie et du Vatican", 26/11/2011 - 19/02/2012

En outre:

Toutes les oeuvres de l'exposition:

1): de l'icône du XIIe siècle "Christ bénissant" à "Lamentation du Christ" de Giovanni Bellini. Salle 1.
2) : d'Ercole de Roberti à Véronèse. Caravage. Poussin. Halles 1 et 2.
3): XVIIIe siècle, Observations astronomiques, Donato Creti. Salle 3.
4): XVII et XVIII siècles - les peintures restantes. Salle 2.

Des œuvres de Raphaël, Caravage, Bellini et d'autres titans de l'art mondial ont été apportées à Moscou depuis la Pinacothèque du Vatican.

Exposition « Roma Aeterna. Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque vaticane, inaugurée en - iconique pour histoire moderne musée. Dans une telle composition et un tel volume, l'art, méthodiquement recueilli par les papes, n'a jamais été envoyé en tournée.

La plus ancienne exposition

"Christ bénissant", XIIe siècle.
Musées du Vatican.

L'exposition s'ouvre sur une icône du XIIe siècle, peinte par un maître romain inconnu. "Christ Blessing" est un rappel unique de l'unité de l'Église chrétienne, qui aidera à tracer les parallèles entre l'art européen et l'art russe ancien. Le Jésus italien du XIIe siècle ressemble beaucoup à l'image populaire des icônes russes - le Sauveur Tout-Puissant.

Le chef-d'œuvre de l'exposition

Michelangelo Merisi, surnommé le Caravage. "La position dans le cercueil." Vers 1602-1602. Toile, huile. Musées du Vatican.

Au début du XVIIe siècle, cette toile fait une petite révolution. Une composition atypique, tragique et simple à la fois détruit les stéréotypes qui s'étaient alors développés dans la peinture (tout comme Black Square les a piétinés au début du XXe siècle). Grâce aux efforts des réformateurs, le catholicisme n'a pas connu des temps meilleurs- beaucoup ont vu le salut de l'église dans un retour à la simplicité et à la vitalité chrétiennes antiques. Le Caravage était l'un d'entre eux.

La peinture la plus poétique

Paolo Cagliari, surnommé Paolo Veronese. Vision de Sainte-Hélène. Vers 1575-1580. Toile, huile. Musées du Vatican.

Il est peu probable que quelqu'un passe devant la peinture à grande échelle du célèbre Véronèse. Devant nous se trouve Sainte-Hélène, la mère du premier empereur chrétien romain Constantin. Un ange apparut à l'héroïne et la poussa à se rendre à Jérusalem à la recherche de cette même croix. Habituellement, la sainte était représentée avec une croix déjà trouvée dans sa main, mais Véronèse a décidé de la peindre endormie - directement pendant la vision. Mais ce n'est pas le seul canon violé par l'Italien. Selon la légende, Elena a vu un ange à un âge avancé, et sur la toile on voit une jeune beauté vénitienne. Véronèse n'a pas réfléchi longtemps à qui prendre le modèle et a opté pour sa propre femme. La sainte endormie du portrait répète l'apparition de la femme de l'artiste qui, par une heureuse coïncidence, s'appelait aussi Elena.

Une exposition à l'histoire atypique

Donato Créti. "Observations astronomiques". 1711 Huile sur toile. Musées du Vatican.

Le travail, sous lequel ils ont pris toute la salle, est intéressant à la fois dans son intrigue et dans son histoire. Devant nous se trouve une sorte de bande dessinée spatiale du XVIIIe siècle : l'artiste Donato Creti a écrit une série d'« Observations astronomiques » représentant toutes les planètes connues à cette époque. système solaire. Au Siècle des Lumières, les récits scientifiques commencent à concurrencer les récits bibliques. Mais la chose la plus intéressante est que les «Observations astronomiques» ont été écrites sur ordre du comte Luigi Ferdinando Marsili et étaient destinées à être un cadeau à Clément XI. L'aristocrate espérait donc convaincre le pape de donner de l'argent pour la construction d'un observatoire à Bologne. C'est bien que les papas aient pris des pots-de-vin avec l'art - maintenant nous avons quelque chose à regarder.

Un chef-d'œuvre que tout le monde ne remarquera pas

Gentile de Fabriano. « Saint Nicolas calme la tempête et sauve le navire », vers 1425. Tempera sur bois. Musées du Vatican.

Gentile da Fabriano est un peu perdu dans l'ombre de voisins éminents comme Raphaël et Caravage. Pendant ce temps, sa petite toile au titre pesant "Saint-Nicolas calme la tempête et sauve le navire" est très intéressante: il y avait une place dessus à la fois pour le saint biblique, qui, comme Superman, vole et sauve les marins malchanceux, et la sirène païenne. Et la femme poisson ? Dans le symbolisme médiéval, les sirènes personnifient le pouvoir démoniaque - elle a donc provoqué une tempête, que Saint-Nicolas "pacifie".