Natalie Dessay (เกิด Nathalie Dessaix) เป็นนักร้องโอเปร่าชาวฝรั่งเศสชื่อ coloratura soprano หนึ่งในนักร้องชั้นนำในยุคของเรา ในตอนเริ่มต้นอาชีพเธอเป็นที่รู้จักจากเสียงที่สูงมากและโปร่งใสของเธอ ตอนนี้เธอร้องเพลงในระดับที่ต่ำกว่า เป็นที่ชื่นชอบของผู้ชมสำหรับข้อมูลที่น่าทึ่งและอารมณ์ขันที่มีชีวิตชีวา Nathalie Dessay เกิดเมื่อวันที่ 19 เมษายน 2508 ที่ลียงและเติบโตในบอร์กโดซ์ ขณะที่ยังเรียนอยู่ เธอละเว้นตัวอักษร "h" จากชื่อของเธอ เพื่อเป็นเกียรติแก่นักแสดงสาว นาตาลี วูด และต่อมาได้ทำให้การสะกดนามสกุลของเธอง่ายขึ้น ในวัยหนุ่มของเธอ Dessay ใฝ่ฝันที่จะเป็นนักบัลเล่ต์หรือนักแสดงและเรียนบทเรียน ทักษะการแสดงแต่แล้ววันหนึ่ง เธอได้เล่นร่วมกับเพื่อนนักเรียนในละครที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักของศตวรรษที่ 18 เธอต้องร้องเพลง เธอแสดงเพลงของ Pamina จาก The Magic Flute ทุกคนต่างประหลาดใจ เธอได้รับคำแนะนำให้เปลี่ยนความสนใจไปที่ดนตรี นาตาลีเข้าสู่โรงเรียนสอนดนตรีแห่งรัฐในบอร์กโดซ์ สำเร็จการศึกษาเป็นเวลาห้าปีในเวลาเพียงหนึ่งปี และสำเร็จการศึกษาด้วยเกียรตินิยมอันดับหนึ่งในปี 1985 หลังจากเรียนที่เรือนกระจก เธอทำงานกับวงดุริยางค์แห่งชาติของ Capitole of Toulouse ในปี 1989 เธอได้อันดับสองในการแข่งขัน New Voices ซึ่งจัดโดย France-Telecom ซึ่งอนุญาตให้เธอเรียนเป็นเวลาหนึ่งปีที่ Paris Opera School of Lyric Arts และแสดงที่นั่นในฐานะ Eliza ในภาพยนตร์เรื่อง The Shepherd King ของ Mozart ในฤดูใบไม้ผลิของปี 1992 เธอร้องเพลงสั้นของ Olympia จากภาพยนตร์เรื่อง Tales of Hoffmann ของ Offenbach ที่ Bastille Opera คู่หูของเธอคือ José van Dam ผู้อำนวยการสร้างผิดหวังกับนักวิจารณ์และผู้ชม แต่นักร้องหนุ่มได้รับการปรบมือให้ยืนและสังเกตเห็น บทบาทนี้จะกลายเป็นจุดสังเกตสำหรับเธอจนถึงปี 2544 เธอจะเล่นโอลิมเปียในแปดโปรดักชั่นที่แตกต่างกันรวมถึงในระหว่างการเปิดตัวของเธอที่ลาสกาลา ในปี 1993 Natalie Dessay ชนะการแข่งขัน International Mozart Competition ซึ่งจัดโดย Vienna Opera และยังคงศึกษาและแสดงที่ Vienna Opera ที่นี่เธอร้องเพลงในบทบาทของผมบลอนด์จาก Mozart's Abduction from the Seraglio ซึ่งกลายเป็นบทบาทที่โด่งดังและแสดงบ่อยที่สุดอีกบทบาทหนึ่งของเธอ ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2536 นาตาลีได้รับการเสนอให้เปลี่ยน Cheryl Studer ไปแล้ว บทบาทที่มีชื่อเสียงโอลิมเปียที่โรงอุปรากรเวียนนา การแสดงของเธอได้รับการยอมรับจากผู้ชมในกรุงเวียนนาและได้รับการยกย่องจาก Placido Domingo ในปีเดียวกับที่เธอแสดงบทบาทนี้ที่ Lyon Opera อาชีพระหว่างประเทศของ Natalie Dessay เริ่มต้นด้วยการแสดงที่โรงอุปรากรเวียนนา ในปี 1990 การรับรู้ของเธอเติบโตขึ้นอย่างต่อเนื่องและบทบาทของละครก็เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง เธอได้รับข้อเสนอมากมาย เธอได้แสดงที่โรงอุปรากรชั้นนำทั้งหมดในโลก - Metropolitan Opera, La Scala, Bavarian Opera, Covent Garden, โรงอุปรากรเวียนนาและอื่น ๆ คุณสมบัติที่โดดเด่นนักแสดงหญิง Dessay ว่าเธอเชื่อว่านักร้องโอเปร่าควรประกอบด้วย 70% ของโรงละครและ 30% ของดนตรีและพยายามไม่เพียง แต่จะร้องเพลงในบทบาทของเธอเท่านั้น แต่ยังต้องเล่นอย่างมากดังนั้นตัวละครแต่ละตัวของเธอจึงถูกค้นพบใหม่ไม่เคย คล้ายกับคนอื่น ๆ ในฤดูกาล 2544/2545 Dessay เริ่มประสบปัญหาด้านเสียงและต้องยกเลิกการแสดงและการแสดงเดี่ยวของเธอ เธอออกจากเวทีไปและในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2545 มีการผ่าตัดเอาติ่งเนื้อที่สายเสียงออก เมื่อเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2546 เธอกลับมาพร้อมกับคอนเสิร์ตเดี่ยวที่ปารีส และยังคงทำงานด้านอาชีพต่อไปอย่างแข็งขัน ในฤดูกาล 2547/2548 นาตาลี เดสเซย์ต้องเข้ารับการผ่าตัดครั้งที่สอง การปรากฏตัวต่อหน้าสาธารณชนครั้งใหม่เกิดขึ้นในเดือนพฤษภาคม 2548 ที่เมืองมอนทรีออล การกลับมาของ Natalie Dessay มาพร้อมกับการปรับแนวใหม่ในบทเพลงของเธอ เธอหลีกเลี่ยงบทบาทที่ "เบา" โดยไม่มีความลึก (เช่น Gilda ใน "Rigoletto") หรือบทบาทที่เธอไม่ต้องการเล่นอีกต่อไป (Queen of the Night หรือ Olympia) เพื่อสนับสนุนตัวละครที่ "น่าเศร้า" มากขึ้น ตำแหน่งนี้ในตอนแรกทำให้เกิดความขัดแย้งอย่างร้ายแรงกับกรรมการและเพื่อนร่วมงานบางคน วันนี้ Natalie Dessay อยู่ที่จุดสูงสุดในอาชีพการงานของเธอและเป็นนักร้องเสียงโซปราโนชั้นนำในปัจจุบัน อาศัยและดำเนินการส่วนใหญ่ในสหรัฐอเมริกา แต่ทัวร์ในยุโรปอย่างต่อเนื่อง แฟนชาวรัสเซียสามารถพบเธอในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 2010 และในมอสโกในปี 2011 ในช่วงต้นปี 2011 เธอร้องเพลง (เป็นครั้งแรก) ในบทบาทของคลีโอพัตราในการแสดงของ Julius Caesar ของ Handel ที่ Opéra Garnier กลับไปที่ Metropolitan Opera ด้วยประเพณีของเธอ " Lucia di Lammermoor" แล้วกลับมายุโรปอีกครั้งกับเวอร์ชันคอนเสิร์ต "Pelléas et Mélisande" ในปารีสและลอนดอน และคอนเสิร์ตในมอสโกว แผนทันทีของนักร้องรวมถึงหลายโครงการ: "La Traviata" ในกรุงเวียนนาในปี 2011 และที่ Metropolitan Opera ในปี 2012 คลีโอพัตราใน "Julius Caesar" ที่ Metropolitan Opera ในปี 2013 "Manon" ที่ Paris Opera และ La Scala ในปี 2012 Marie ("ลูกสาวของกรมทหาร") ในปารีสในปี 2013 และ Elvira at the Met ในปี 2014 Natalie Dessay แต่งงานกับ Laurent Naoury เบส-บาริโทนและมีลูกสองคน บนเวทีโอเปร่าพวกเขาสามารถเห็นได้น้อยมากซึ่งแตกต่างจากดาราคู่ Alanya-Georgiou ความจริงก็คือสำหรับบาริโทน - โซปราโนมีเพลงน้อยกว่าสำหรับนักร้องอายุ - โซปราโน เพื่อเห็นแก่สามีของเธอ Dessey รับเอาศาสนาของเขา - ศาสนายิว
พอลลีน วิอาร์ดอต, ชื่อเต็ม Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) เป็นนักร้องชั้นนำชาวฝรั่งเศส ชื่อเมซโซ-โซปราโน ศตวรรษที่ 19 ครูสอนร้องเพลงและนักแต่งเพลงที่มีเชื้อสายสเปน Pauline Viardot เกิดเมื่อวันที่ 18 กรกฎาคม พ.ศ. 2364 ที่ปารีส ลูกสาวและลูกศิษย์ของนักร้องและครูชาวสเปน มานูเอล การ์เซีย น้องสาวของมาเรีย มาลิบราน เมื่อตอนเป็นเด็ก เธอศึกษาศิลปะการเล่นเปียโนกับ Franz Liszt และกำลังจะเป็นนักเปียโน แต่ความสามารถด้านการร้องอันน่าทึ่งของเธอเป็นตัวกำหนดอาชีพของเธอ เธอแสดงในโรงภาพยนตร์หลายแห่งในยุโรปและได้แสดงคอนเสิร์ตมากมาย เธอมีชื่อเสียงในบทบาทของ Fidesz ("ศาสดา" โดย Meyerbeer), Orpheus ("Orpheus and Eurydice" โดย Gluck), Rosina ("The Barber of Seville" โดย Rossini) ผู้เขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ และละครตลกในบทของ Ivan Turgenev เพื่อนสนิทของเธอ ร่วมกับสามีของเธอซึ่งแปลงานของทูร์เกเนฟเป็นภาษาฝรั่งเศส เธอได้ส่งเสริมความสำเร็จของวัฒนธรรมรัสเซีย นามสกุลของเธอเขียนในรูปแบบต่างๆ ด้วยนามสกุลเดิมของเธอ การ์เซีย เธอได้รับชื่อเสียงและความอื้อฉาว หลังจากแต่งงาน เธอใช้นามสกุลสองนามสกุล การ์เซีย-วิอาร์โดต์ มาระยะหนึ่งแล้ว และเมื่อถึงจุดหนึ่ง เธอก็ละทิ้งนามสกุลเดิมและเรียกตัวเองว่า "เอ็มเม่ เวียร์ด็อต" ในปี ค.ศ. 1837 เปาลีน การ์เซีย วัย 16 ปีได้แสดงคอนเสิร์ตครั้งแรกที่บรัสเซลส์ และในปี พ.ศ. 2382 เธอได้เดบิวต์ในชื่อเดสเดโมนาในโรงละครโอเตลโลของรอสซินีในลอนดอน ซึ่งถือเป็นไฮไลท์ของฤดูกาล แม้จะมีข้อบกพร่องอยู่บ้าง แต่เสียงของหญิงสาวก็ผสมผสานเทคนิคอันยอดเยี่ยมเข้ากับความหลงใหลอันน่าทึ่ง ในปี ค.ศ. 1840 เปาลีนแต่งงานกับหลุยส์ วีอาร์โดต์ นักแต่งเพลงและผู้อำนวยการโรงละครอิตาเลียนในปารีส ด้วยอายุมากกว่าภรรยาของเขา 21 ปี สามีของเธอจึงเริ่มประกอบอาชีพของเธอ ในปี 1844 ในเมืองหลวงของจักรวรรดิรัสเซีย เมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เธอแสดงบนเวทีเดียวกันกับ Antonio Tamburini และ Giovanni Battista Rubini Viardot มีผู้ชื่นชมมากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Ivan Sergeevich Turgenev นักเขียนชาวรัสเซียตกหลุมรักนักร้องในปี 1843 หลังจากได้ยินการแสดงของเธอใน The Barber of Seville ในปี ค.ศ. 1845 เขาออกจากรัสเซียเพื่อติดตาม Pauline และในที่สุดก็เกือบจะเป็นสมาชิกของครอบครัว Viardot ผู้เขียนปฏิบัติต่อลูกทั้งสี่ของ Pauline ราวกับว่าพวกเขาเป็นลูกของเขาเองและรักเธอไปจนตาย ในทางกลับกัน เธอเป็นนักวิจารณ์งานของเขา และตำแหน่งของเธอในโลกและความเชื่อมโยงเป็นตัวแทนของนักเขียนในแง่ที่ดีที่สุด ลักษณะที่แท้จริงของความสัมพันธ์ยังคงเป็นประเด็นถกเถียง นอกจากนี้ Pauline Viardot ยังได้สื่อสารกับผู้ยิ่งใหญ่คนอื่นๆ รวมถึง Charles Gounod และ Hector Berlioz Viardot มีชื่อเสียงในด้านความสามารถในการร้องและความสามารถที่น่าทึ่งของเธอ Viardot เป็นแรงบันดาลใจให้นักแต่งเพลงเช่น Frederic Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saens และ Giacomo Meyerbeer ผู้เขียนโอเปร่า The Prophet ซึ่งเธอกลายเป็นนักแสดงคนแรกในบทบาทของ Fidesz เธอไม่เคยคิดว่าตัวเองเป็นนักแต่งเพลง แต่จริง ๆ แล้วเธอแต่งเพลงสามชุดและยังช่วยแต่งเพลงสำหรับบทบาทที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะสำหรับเธอ ต่อมาหลังจากออกจากเวที เธอเขียนโอเปร่าชื่อ Le dernier scier Viardot สามารถใช้ภาษาสเปน ฝรั่งเศส อิตาลี อังกฤษ เยอรมัน และรัสเซียได้อย่างคล่องแคล่ว และใช้เทคนิคระดับชาติต่างๆ ในการทำงานของเธอ ด้วยความสามารถของเธอ เธอได้แสดงในห้องแสดงคอนเสิร์ตที่ดีที่สุดในยุโรป รวมทั้ง Opera Theatre of St. Petersburg (ในปี 1843-1846) ความนิยมของ Viardot นั้นยิ่งใหญ่มากจน George Sand ทำให้เธอเป็นแบบอย่างของตัวเอกของนวนิยาย Consuelo Viardot ร้องเพลงเมซโซ-โซปราโนใน Tuba Mirum (เพลง Requiem ของ Mozart) ที่งานศพของโชแปงเมื่อวันที่ 30 ตุลาคม ค.ศ. 1849 เธอรับบทนำใน Orpheus และ Eurydice ของ Gluck ในปี 1863 Pauline Viardot-Garcia ออกจากเวที ออกจากฝรั่งเศสกับครอบครัวของเธอ (สามีของเธอเป็นฝ่ายตรงข้ามของระบอบการปกครองของนโปเลียนที่ 3) และตั้งรกรากอยู่ในบาเดน-บาเดิน หลังจากการล่มสลายของนโปเลียนที่ 3 ครอบครัว Viardot กลับไปฝรั่งเศส ซึ่ง Pauline สอนที่ Paris Conservatoire จนกระทั่งสามีของเธอเสียชีวิตในปี 1883 และยังเก็บร้านทำดนตรีไว้ที่ Boulevard Saint-Germain ในบรรดานักเรียนและนักเรียนของ Pauline Viardot ได้แก่ Desiree Artaud-Padilla, Sophie Röhr-Brainin, Bailodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant และอื่น ๆ ที่มีชื่อเสียง นักร้องชาวรัสเซียหลายคนผ่านโรงเรียนสอนร้องเพลงที่ยอดเยี่ยมร่วมกับเธอ รวมถึง F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg 18 พฤษภาคม 1910 Pauline Viardot เสียชีวิต รายล้อมไปด้วยญาติสนิทสนม เธอถูกฝังอยู่ในสุสานมงต์มาตร์ในปารีส กวีชาวรัสเซีย Alexei Nikolaevich Pleshcheev อุทิศบทกวี "นักร้อง" (Viardo Garcia) ให้เธอ: ไม่! ฉันจะไม่ลืมเธอ เสียงที่ไพเราะ อย่างที่ฉันจะไม่ลืมน้ำตาแห่งความรักอันหวานชื่นครั้งแรก! เมื่อฉันฟังคุณ ความเจ็บปวดในอกของฉันก็อ่อนลง และอีกครั้ง ฉันพร้อมที่จะเชื่อและรัก! ฉันจะไม่ลืมเธอ... นักบวชหญิงผู้เป็นแรงบันดาลใจ ปกคลุมไปด้วยพวงหรีดใบไม้ เธอปรากฏแก่ฉัน... และร้องเพลงศักดิ์สิทธิ์ และแววตาของเธอก็ลุกโชนด้วยไฟศักดิ์สิทธิ์... เห็นเดสเดโมนา เมื่อเธอโน้มตัวเหนือพิณสีทอง เพลงหนึ่งร้องเกี่ยวกับต้นหลิว... และเสียงครวญครางก็ถูกขัดจังหวะด้วยเพลงเก่าที่ล้นทะลักออกมา เธอเข้าใจลึกซึ้งเพียงใด ศึกษาพระองค์ผู้ทรงรู้จักผู้คนและความลับในใจของพวกเขา และหากมีผู้ยิ่งใหญ่ขึ้นมาจากหลุมศพ พระองค์จะทรงสวมมงกุฎบนหน้าผากของนาง บางครั้งโรซินาอายุน้อยก็ปรากฏตัวขึ้น และหลงใหลในค่ำคืนที่บ้านเกิดของเธอ... และเมื่อได้ยินเสียงมหัศจรรย์ของเธอ ฉันก็ต่อสู้ด้วยจิตวิญญาณของฉันไปยังดินแดนอันอุดมสมบูรณ์นั้น หลุมฝังศพของท้องฟ้าส่องแสงสีฟ้านิรันดร์ที่นกไนติงเกลนกหวีดบนกิ่งของต้นมะเดื่อและเงาของไซเปรสสั่นบนผิวน้ำ! อกของข้าพเจ้าเปี่ยมด้วยความสุขอันศักดิ์สิทธิ์ ความปิติอันบริสุทธิ์ สูงขึ้น และความสงสัยอันวิตกกังวลก็หายไป และวิญญาณของข้าพเจ้าก็สงบและสว่าง ในฐานะเพื่อนหลังจากวันที่ต้องจากกันอย่างเจ็บปวด ฉันพร้อมที่จะโอบกอดโลกทั้งใบ... โอ้! ฉันจะไม่ลืมเธอ เสียงที่ไพเราะ อย่างที่ฉันจะไม่ลืมน้ำตาแห่งความรักอันหวานชื่นครั้งแรก!<1846>
Angela Gheorghiu (โรมาเนีย Angela Gheorghiu) เป็นนักร้องโอเปร่าชาวโรมาเนีย นักร้องเสียงโซปราโน หนึ่งในนักร้องโอเปร่าที่โด่งดังที่สุดในยุคของเรา Angela Georgiou (Burlacu) เกิดเมื่อวันที่ 7 กันยายน 2508 ในเมืองเล็ก ๆ ของ Ajud ประเทศโรมาเนีย จาก ปฐมวัย เห็นได้ชัดว่าเธอจะกลายเป็นนักร้อง โชคชะตาของเธอคือดนตรี เธอเรียนที่โรงเรียนดนตรีแห่งหนึ่งในบูคาเรสต์และสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยดนตรีแห่งชาติบูคาเรสต์ การแสดงโอเปร่าระดับมืออาชีพของเธอเกิดขึ้นในปี 1990 ในตำแหน่ง Mimi ในภาพยนตร์ La bohème ของ Puccini ในเมือง Cluj และในปีเดียวกันนั้น เธอได้รับรางวัลการแข่งขันร้องเพลงระดับนานาชาติของ Hans Gabor Belvedere ในกรุงเวียนนา นามสกุล Georgiou ยังคงอยู่กับเธอจากสามีคนแรกของเธอ Angela Georgiou เปิดตัวในระดับนานาชาติในปี 1992 ที่ Royal Opera House, Covent Garden ใน La Boheme ในปีเดียวกันนั้น เธอได้เดบิวต์ที่ New York Metropolitan Opera และ Vienna State Opera ในปี 1994 ที่ Royal Opera House, Covent Garden เธอร้องเพลง Violetta ใน La Traviata เป็นครั้งแรก ในขณะนี้ "การเกิดของดารา" เกิดขึ้น Angela Georgiou เริ่มประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องในโรงละครโอเปร่าและ ห้องแสดงคอนเสิร์ตทั่วโลก: ในนิวยอร์ก ลอนดอน ปารีส ซาลซ์บูร์ก เบอร์ลิน โตเกียว โรม โซล เวนิส เอเธนส์ มอนติคาร์โล ชิคาโก ฟิลาเดลเฟีย เซาเปาโล ลอสแองเจลิส ลิสบอน วาเลนเซีย ปาแลร์โม อัมสเตอร์ดัม กัวลา ลัมเปอร์, ซูริก, เวียนนา, ซาลซ์บูร์ก, มาดริด, บาร์เซโลนา, ปราก, มอนทรีออล, มอสโก, ไทเป, ซานฮวน, ลูบลิยานา ในปี 1994 เธอได้พบกับอายุ Roberto Alagna ซึ่งเธอแต่งงานในปี 1996 พิธีแต่งงานจัดขึ้นที่ Metropolitan Opera ในนิวยอร์ก คู่รัก Alanya-Georgiou เป็นสหภาพครอบครัวที่สร้างสรรค์ที่สุดบนเวทีโอเปร่ามาเป็นเวลานานแล้วตอนนี้พวกเขาหย่าร้างกัน เซ็นสัญญาบันทึกพิเศษครั้งแรกของเธอในปี 1995 กับ Decca หลังจากนั้นเธอออกอัลบั้มหลายอัลบั้มต่อปี ตอนนี้เธอมีอัลบั้มประมาณ 50 อัลบั้ม ทั้งการแสดงโอเปร่าและคอนเสิร์ตเดี่ยว ซีดีทั้งหมดของเธอได้รับเสียงชื่นชมจากนักวิจารณ์และได้รับรางวัลระดับนานาชาติมากมาย รวมถึงรางวัลนิตยสาร Gramophone, รางวัล German Echo Prize, French Diapason d’Or และ Choc du Monde de la Musique และอื่นๆ อีกมากมาย สองครั้งในปี 2544 และ 2553 รางวัล "Classical BRIT" ของอังกฤษได้เลือก "นักร้องหญิงยอดเยี่ยมแห่งปี" ของเธอ บทบาทของ Angela Georgiou นั้นกว้างมาก เธอชอบโอเปร่าของ Verdi และ Puccini โดยเฉพาะ ละครอิตาลีซึ่งบางทีอาจเป็นเพราะความคล้ายคลึงกันของภาษาโรมาเนียและอิตาลี เธอทำได้ยอดเยี่ยม นักวิจารณ์บางคนสังเกตว่าโอเปร่าฝรั่งเศส เยอรมัน รัสเซียและอังกฤษมีการแสดงที่อ่อนกว่า บทบาทที่สำคัญที่สุดของ Angela Gheorghiu: Bellini "Sleepwalker" - Amina Bizet "Carmen" - Micaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucretti "Lovely Borgia Doniz " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo and Juliet" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "The Swallow" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Louise Verdi "Simon Boccanegra" - มาเรีย Angela Gheorghiu ยังคงแสดงอย่างแข็งขันและตั้งอยู่ที่ด้านบนสุดของโอเปร่าโอลิมปัส การนัดหมายในอนาคตรวมถึงคอนเสิร์ตต่างๆ ในยุโรป อเมริกาและเอเชีย, Tosca และ Faust ที่ Royal Opera House, Covent Garden
Cecilia Bartoli เป็นนักร้องโอเปร่าชาวอิตาลี coloratura mezzo-soprano หนึ่งในนักร้องโอเปร่าชั้นนำและประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ในยุคของเรา Cecilia Bartoli เกิดเมื่อวันที่ 4 มิถุนายน พ.ศ. 2509 ที่กรุงโรม พ่อแม่ของ Bartoli คือ Silvana Bazzoni และ Pietro Angelo Bartoli นักร้องมืออาชีพ พนักงานของ Rome Opera ครูคนแรกและหลักของ Cecilia ในการร้องคือแม่ของเธอ ตอนอายุเก้าขวบ Cecilia ปรากฏตัวครั้งแรกใน "เวทีใหญ่" - เธอปรากฏตัวในฉากมวลชนที่ Rome Opera ในรูปแบบของเด็กเลี้ยงแกะในการผลิต "Tosca" เมื่อตอนเป็นเด็กนักร้องในอนาคตชอบเต้นรำและเล่นฟลาเมงโก แต่พ่อแม่ของเธอไม่เห็นอาชีพการเต้นของเธอและไม่มีความสุขกับงานอดิเรกของลูกสาวพวกเขายืนยันว่าเธอศึกษาด้านดนตรีต่อไป ฟลาเมงโกทำให้บาร์โตลีรู้สึกผ่อนคลายและหลงใหลในการแสดงบนเวที และความรักที่เธอมีต่อการเต้นรำนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องมาจนถึงทุกวันนี้ เมื่ออายุได้ 17 ปี Bartoli เข้าไปในเรือนกระจก Santa Cecilia ในปี 1985 เธอได้แสดงในรายการโทรทัศน์ New Talents: เธอร้องเพลง "Barcarolle" จากเพลง "Tales of Hoffmann" ของ Offenbach เพลงของ Rosina จาก "The Barber of Seville" และแม้แต่คู่กับเสียงบาริโทน Leo Nucci และถึงแม้ว่าเธอจะได้อันดับสอง แต่การแสดงของเธอก็ได้รับความสนใจจากบรรดาผู้ชื่นชอบโอเปร่า ในไม่ช้า Bartoli ก็แสดงในคอนเสิร์ตที่จัดโดย Paris Opera เพื่อรำลึกถึง Maria Callas หลังจากคอนเสิร์ตนี้ "เฮฟวี่เวท" สามคนในโลกของดนตรีคลาสสิกดึงความสนใจมาที่เธอ - Herbert von Karajan, Daniel Barenboim และ Nikolaus Arnoncourt การแสดงโอเปร่าระดับมืออาชีพของเขาเกิดขึ้นในปี 1987 ที่ Arena di Verona ในปีต่อมา เธอร้องเพลงในบทบาทของโรซินาในภาพยนตร์ของรอสซินีเรื่อง The Barber of Seville ที่โรงอุปรากรโคโลญ และบทบาทของเชรูบิโนประกบนิโคลัส ฮาร์นอนคอร์ตในภาพยนตร์เรื่อง The Marriage of Figaro ของโมสาร์ทในซูริก ประเทศสวิตเซอร์แลนด์ Herbert von Karajan เชิญเธอให้เข้าร่วมในเทศกาล Salzburg และแสดงพิธีมิสซาของ J.S. Bach ใน B minor กับเขา แต่การจากไปของ Maestro ทำให้แผนการของเธอไม่สำเร็จ ในปี 1990 Bartoli เปิดตัวของเธอที่ Bastille Opera ด้วยบทบาทของ Cherubino ที่ Hamburg State Opera ในชื่อ Idamante ใน Idomeneo ของ Mozart และในสหรัฐอเมริกาที่งานเทศกาล Mostly Mozart ในนิวยอร์กและได้ลงนามในสัญญาพิเศษกับ DECCA ในปี 1991 เธอเปิดตัวที่ La Scala ในฐานะเพจ Isolier ในภาพยนตร์ La Comte Ori ของ Rossini และตั้งแต่นั้นมา ตอนอายุ 25 เธอก็ได้สร้างชื่อเสียงให้เป็นหนึ่งในนักแสดงชั้นนำของโลกของ Mozart และ Rossini ตั้งแต่นั้นมา อาชีพการงานของเธอได้พัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว โดยแสดงรายชื่อโรงละครที่ดีที่สุดในโลก รอบปฐมทัศน์ คอนเสิร์ตเดี่ยว วาทยกร บันทึกเสียง เทศกาล และรางวัล Chechili Bartoli สามารถเติบโตเป็นหนังสือได้ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2548 Cecilia Bartoli ได้ให้ความสำคัญกับดนตรีบาโรกและคลาสสิกในยุคแรกโดยนักประพันธ์เพลงเช่น Gluck, Vivaldi, Haydn และ Salieri และอีกไม่นานมานี้เกี่ยวกับดนตรีในยุคโรแมนติกและ bel canto ของอิตาลี ปัจจุบันเธออาศัยอยู่กับครอบครัวของเธอในมอนติคาร์โลและทำงานที่โรงละครโอเปร่าซูริก Cecilia Bartoli เป็นแขกประจำในรัสเซียตั้งแต่ปี 2544 เธอได้ไปเยือนประเทศของเราหลายครั้งและทัวร์ครั้งสุดท้ายเกิดขึ้นในเดือนกันยายน 2554 นักวิจารณ์บางคนสังเกตเห็นว่า Cecilia Bartoli ถือเป็นหนึ่งในนักร้องเสียงแนวเมซโซโซปราโนที่ดีที่สุดในยุคของเราเพียงเพราะว่าด้วยเสียงประเภทนี้ (ต่างจากนักร้องเสียงโซปราโน) เธอมีคู่แข่งน้อยมาก แต่การแสดงของเธอมีแฟนๆ เต็มห้องโถง และแผ่นขายเป็นล้าน ของสำเนา. . สำหรับบริการในด้านดนตรี Cecilia Bartoli ได้รับรางวัลระดับรัฐและสาธารณะมากมาย รวมถึง French Orders of Merit and Arts and Letters และตำแหน่งอัศวินอิตาลี และเธอยังเป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์ของ Royal Academy of Music ในลอนดอน ฯลฯ เธอเป็นเจ้าของรางวัลแกรมมี่ห้ารางวัลซึ่งรางวัลสุดท้ายได้รับรางวัลในปี 2554 ในการเสนอชื่อ "Best Classical Vocal Performance" จากอัลบั้ม "Sacrifice" (Sacrificium)
Galina Pavlovna Vishnevskaya (25 ตุลาคม 2469 - 11 ธันวาคม 2555) - นักร้องโอเปร่าชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ (โซปราโนบทกวีละคร) ศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต ผู้บัญชาการกองทหารเกียรติยศแห่งฝรั่งเศส แพทย์กิตติมศักดิ์ของมหาวิทยาลัยหลายแห่ง Galina Pavlovna Vishnevskaya เกิดเมื่อวันที่ 25 ตุลาคม 2469 ในเลนินกราด (ปัจจุบันคือเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) แต่ใช้เวลาส่วนใหญ่ในวัยเด็กของเธอในครอนสตัดท์ เธอประสบการปิดล้อมของเลนินกราด ตอนอายุสิบหกเธอรับใช้ในหน่วยป้องกันภัยทางอากาศ กิจกรรมสร้างสรรค์ของเธอเริ่มต้นในปี 2487 ในฐานะศิลปินเดี่ยวของโรงละครเลนินกราดโอเปร่าและอาชีพของเธอบนเวทีใหญ่เริ่มขึ้นในวัยห้าสิบ ในการแต่งงานครั้งแรกของเธอ เธอแต่งงานกับกะลาสีเรือ Georgy Vishnevsky ซึ่งเธอหย่าร้างในอีกสองเดือนต่อมา แต่ยังคงนามสกุลของเขาไว้ ในการแต่งงานครั้งที่สอง - กับผู้อำนวยการโรงละครโอเปร่า Mark Ilyich Rubin ในปี 1955 สี่วันหลังจากที่พวกเขาพบกัน เธอก็แต่งงานเป็นครั้งที่สามกับนักเชลโลชื่อดัง M.L. Rostropovich ในวงดนตรีที่ (M.L. Rostropovich - เป็นนักเปียโนคนแรกและต่อมาในฐานะวาทยกร) แสดงในสถานที่จัดคอนเสิร์ตที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก จากปีพ. ศ. 2494 ถึง พ.ศ. 2495 หลังจากออกจากโรงละครโอเปร่า Vishnevskaya เรียนร้องเพลงจาก V.N. Garina ผสมผสานคลาสร้องคลาสสิกกับการแสดงในฐานะนักร้องเพลงป็อป ในปี 1952 เธอเข้าร่วมการแข่งขันสำหรับกลุ่มผู้ฝึกหัดของโรงละคร Bolshoi ได้รับการยอมรับแม้จะไม่มีการศึกษาในเรือนกระจกและในไม่ช้า (ตามการแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่างของ BA Pokrovsky) กลายเป็น "ไพ่ตายในสำรับของ โรงละครบอลชอย" ศิลปินเดี่ยวชั้นนำของโรงอุปรากรหลักของประเทศ ในช่วง 22 ปีที่ทำงานในงานศิลปะของเธอที่โรงละครบอลชอย (ตั้งแต่ปี 1952 ถึง 1974) Galina Vishnevskaya ได้สร้างภาพผู้หญิงที่ลืมไม่ลงมากมาย (มากกว่าสามสิบ!) ในผลงานชิ้นเอกของโอเปร่ารัสเซียและยุโรปตะวันตก หลังจากเปิดตัวอย่างยอดเยี่ยมในฐานะ Tatiana ในโอเปร่า Eugene Onegin เธอได้แสดงในโรงละครในส่วนของ Aida และ Violetta (Aida และ La Traviata โดย Verdi), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san โดย Puccini), Natasha Rostova (“ สงครามและสันติภาพ” โดย Prokofiev), Katharina (“ The Taming of the Shrew” โดย Shebalin นักแสดงคนแรก, 2500), Lisa (“ The Queen of Spades” โดย Tchaikovsky), Kupava (“ The Snow Maiden” โดย Rimsky- Korsakov), Martha (“ The Tsar's Bride” โดย Rimsky-Korsakov) Korsakov) และอื่น ๆ อีกมากมาย Vishnevskaya มีส่วนร่วมในการผลิตครั้งแรกบนเวทีรัสเซียของ Prokofiev's opera The Gambler (1974, Polina's part), Poulenc's mono-opera The Human Voice (1965) ในปี 1966 เธอได้แสดงใน บทบาทนำ ในภาพยนตร์โอเปร่า "Katerina Izmailova" โดย D.D. โชสตาโควิช (กำกับโดย มิคาอิล ชาปิโร) เธอเป็นนักแสดงคนแรกในผลงานประพันธ์มากมายที่ D.D. Shostakovich, B. Britten และนักประพันธ์เพลงร่วมสมัยที่โดดเด่นคนอื่นๆ ภายใต้ความประทับใจในการฟังบันทึกของเธอ บทกวี "Woman's Voice" ของ Anna Akhmatova ถูกเขียนขึ้น ในช่วงยุคโซเวียต Galina Vishnevskaya ร่วมกับสามีของเธอ นักเล่นเชลโลและผู้ควบคุมวง Mstislav Rostropovich ได้ให้การสนับสนุนที่ประเมินค่าไม่ได้แก่นักเขียนชาวรัสเซียที่โดดเด่นและนักเคลื่อนไหวด้านสิทธิมนุษยชน Alexander Solzhenitsyn และนี่กลายเป็นเหตุผลหนึ่งที่ทำให้ได้รับความสนใจและแรงกดดันอย่างต่อเนื่องจาก บริการลับของสหภาพโซเวียต ในปี 1974 Galina Vishnevskaya และ Mstislav Rostropovich ออกจากสหภาพโซเวียตและในปี 1978 ถูกลิดรอนสิทธิการเป็นพลเมือง ตำแหน่งกิตติมศักดิ์ และรางวัลของรัฐบาล แต่ในปี 1990 พระราชกฤษฎีกาของรัฐสภาของสภาสูงสุดถูกยกเลิก Galina Pavlovna กลับไปรัสเซียชื่อกิตติมศักดิ์ของศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียตและคำสั่งของเลนินกลับมาหาเธอเธอกลายเป็นศาสตราจารย์กิตติมศักดิ์ที่มอสโก เรือนกระจก. ในต่างประเทศ Rostropovich และ Vishnevskaya อาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกา จากนั้นในฝรั่งเศสและบริเตนใหญ่ Galina Vishnevskaya ร้องเพลงในเวทีสำคัญๆ ทั้งหมดของโลก (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Munich Opera ฯลฯ) แสดงร่วมกับปรมาจารย์ด้านวัฒนธรรมดนตรีและการแสดงละครระดับโลกที่โดดเด่นที่สุด เธอแสดงบทบาทของ Marina ในการบันทึกโอเปร่า Boris Godunov (ผู้ควบคุมวง Herbert von Karajan, ศิลปินเดี่ยว Gyaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov) ในปี 1989 เธอร้องเพลงส่วนเดียวกันในภาพยนตร์ชื่อเดียวกัน (ผู้กำกับ A. Zhulavsky , ผู้ควบคุมวง M. Rostropovich). ในบรรดาบันทึกที่ทำขึ้นในช่วงเวลาของการถูกบังคับให้อพยพคือเวอร์ชันสมบูรณ์ของโอเปร่า "สงครามและสันติภาพ" ของ S. Prokofiev ห้าแผ่นที่มีความรักโดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin และ P. ไชคอฟสกี ทั้งชีวิตและผลงานของ Galina Vishnevskaya มุ่งเป้าไปที่ความต่อเนื่องและการเชิดชูประเพณีโอเปร่ารัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด หลังจากการเริ่มต้นของเปเรสทรอยก้า ในปี 1990 Galina Vishnevskaya และ Mstislav Rostropovich ได้รับการฟื้นฟูเป็นพลเมือง ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 G. Vishnevskaya กลับไปรัสเซียและกลายเป็นศาสตราจารย์กิตติมศักดิ์ที่ Moscow Conservatory เธออธิบายชีวิตของเธอในหนังสือ "Galina" (ตีพิมพ์เป็นภาษาอังกฤษในปี 1984 ในภาษารัสเซีย - 1991) Galina Vishnevskaya เป็นแพทย์กิตติมศักดิ์ของมหาวิทยาลัยหลายแห่ง เธอทำงานกับเยาวชนที่มีความคิดสร้างสรรค์มาหลายปี โดยเปิดสอนหลักสูตรปริญญาโททั่วโลก และทำหน้าที่เป็นกรรมการตัดสินของการแข่งขันระดับนานาชาติที่สำคัญ ในปี 2545 ศูนย์ร้องเพลงโอเปร่า Galina Vishnevskaya เปิดขึ้นในมอสโกซึ่งเป็นการสร้างสรรค์ที่นักร้องผู้ยิ่งใหญ่ใฝ่ฝันมานาน ที่ศูนย์แห่งนี้ เธอถ่ายทอดประสบการณ์ที่สั่งสมและความรู้เฉพาะตัวแก่นักร้องรุ่นเยาว์ที่มีความสามารถ เพื่อที่พวกเขาจะได้เป็นตัวแทนโรงเรียนโอเปร่าของรัสเซียในเวทีระดับนานาชาติได้อย่างเพียงพอ มุมมองของมิชชันนารีในผลงานของ Galina Vishnevskaya ถูกเน้นโดยสื่อมวลชนของรัฐบาลกลางและระดับภูมิภาคที่ใหญ่ที่สุด หัวหน้าโรงละครและองค์กรคอนเสิร์ต และประชาชนทั่วไป Galina Vishnevskaya ได้รับรางวัลอันทรงเกียรติระดับโลกสำหรับผลงานอันทรงคุณค่าของเธอในด้านศิลปะดนตรีโลก รางวัลมากมายจากรัฐบาลของประเทศต่างๆ: เหรียญ "For the Defense of Leningrad" (1943), Order of Lenin (1971), Diamond เหรียญแห่งเมืองปารีส (2520), เครื่องอิสริยาภรณ์แห่งปิตุภูมิ" III degree (1996), II degree (2006) Galina Vishnevskaya - เจ้าหน้าที่ระดับสูงของวรรณคดีและศิลปะ (ฝรั่งเศส, 1982), Cavalier of the Order of the Legion of Honor (ฝรั่งเศส. 1983), พลเมืองกิตติมศักดิ์ของเมือง Kronstadt (1996)
Maria Nikolaevna Kuznetsova เป็นนักร้องโอเปร่าชาวรัสเซีย (โซปราโน) และนักเต้นซึ่งเป็นหนึ่งในนักร้องที่โด่งดังที่สุดของรัสเซียก่อนปฏิวัติ ศิลปินเดี่ยวชั้นนำของโรงละคร Mariinsky ผู้เข้าร่วมรายการ Russian Seasons ของ Sergei Diaghilev เธอทำงานร่วมกับ N.A. Rimsky-Korsakov, Richard Strauss, Jules Massenet ร้องเพลงควบคู่กับ Fyodor Chaliapin และ Leonid Sobinov หลังจากออกจากรัสเซียหลังปี พ.ศ. 2460 เธอยังคงประสบความสำเร็จในต่างประเทศ Maria Nikolaevna Kuznetsova เกิดในปี 1880 ที่โอเดสซา มาเรียเติบโตขึ้นมาในบรรยากาศที่สร้างสรรค์และเฉลียวฉลาด พ่อของเธอคือ Nikolai Kuznetsov เป็นศิลปิน และแม่ของเธอมาจากครอบครัว Mechnikov ลุงของ Maria เป็นนักชีววิทยาผู้ได้รับรางวัลโนเบล Ilya Mechnikov และนักสังคมวิทยา Lev Mechnikov Pyotr Ilyich Tchaikovsky ไปเยี่ยมบ้านของ Kuznetsovs ซึ่งดึงความสนใจไปที่ความสามารถของนักร้องในอนาคตและแต่งเพลงสำหรับเด็กให้เธอตั้งแต่วัยเด็ก Maria ใฝ่ฝันที่จะเป็นนักแสดง พ่อแม่ของเธอส่งเธอไปที่โรงยิมในสวิตเซอร์แลนด์ กลับไปรัสเซีย เธอเรียนบัลเล่ต์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แต่ปฏิเสธที่จะเต้นและเริ่มเรียนร้องเพลงกับครูชาวอิตาลี Marty และต่อมากับบาริโทนและคู่หูบนเวทีของเธอ I.V. Tartakov ทุกคนสังเกตเห็นนักร้องเสียงโซปราโนที่ไพเราะบริสุทธิ์ของเธอ ความสามารถที่โดดเด่นในฐานะนักแสดงและ ความงามของผู้หญิง. Igor Fyodorovich Stravinsky อธิบายว่าเธอเป็น "... นักร้องเสียงโซปราโนที่น่าทึ่งที่สามารถมองเห็นและฟังด้วยความอยากอาหารเช่นเดียวกัน" ในปี 1904 Maria Kuznetsova ได้เปิดตัวบนเวทีของ St. Petersburg Conservatory ในชื่อ Tatyana ใน Eugene Onegin ของ Tchaikovsky และบนเวทีของ Mariinsky Theatre ในปี 1905 ในชื่อ Marguerite ใน Gounod's Faust Kuznetsova ศิลปินเดี่ยวของโรงละคร Mariinsky ได้พักช่วงสั้นๆ จนถึงการปฏิวัติในปี 1917 ในปี ค.ศ. 1905 แผ่นเสียงสองแผ่นพร้อมการบันทึกการแสดงของเธอได้รับการปล่อยตัวในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และโดยรวมแล้ว เธอได้บันทึกเสียงไว้ 36 แผ่นระหว่างอาชีพการงานสร้างสรรค์ของเธอ ครั้งหนึ่งในปี 1905 ไม่นานหลังจากการเปิดตัวของ Kuznetsova ที่ Mariinsky ในระหว่างการแสดงของเธอในโรงละคร เกิดการทะเลาะวิวาทระหว่างนักเรียนและเจ้าหน้าที่ สถานการณ์ในประเทศกำลังปฏิวัติ และความตื่นตระหนกเริ่มขึ้นในโรงละคร Maria Kuznetsova ขัดจังหวะเพลงของ Elsa จาก "Lohengrin" โดย R. Wagner และร้องเพลงรัสเซียอย่างสงบ "God Save the Tsar" ออดถูกบังคับให้หยุดการทะเลาะวิวาทและผู้ชมก็สงบลง การแสดงยังคงดำเนินต่อไป สามีคนแรกของ Maria Kuznetsova คือ Albert Albertovich Benois จากราชวงศ์ที่มีชื่อเสียงของสถาปนิกชาวรัสเซีย ศิลปิน นักประวัติศาสตร์ Benois ในช่วงเริ่มต้นอาชีพการงานของเธอ มาเรียเป็นที่รู้จักภายใต้ชื่อสองสกุล Kuznetsova-Benoit ในการแต่งงานครั้งที่สองของเธอ Maria Kuznetsova แต่งงานกับผู้ผลิต Bogdanov ในครั้งที่สาม - กับนายธนาคารและนักอุตสาหกรรม Alfred Massenet หลานชาย นักแต่งเพลงชื่อดัง จูลส์ แมสเซเน็ต. ตลอดอาชีพการงานของเธอ Kuznetsova-Benois ได้เข้าร่วมการแสดงโอเปร่าในยุโรปหลายเรื่อง รวมถึงบางส่วนของ Fevronia ใน Rimsky-Korsakov เรื่อง "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" และ Cleopatra จากโอเปร่าที่มีชื่อเดียวกันโดย J. Massenet ซึ่งผู้แต่งเขียนเพื่อเธอโดยเฉพาะ และบนเวทีรัสเซียเธอได้นำเสนอบทบาทของ Vogdolina เป็นครั้งแรกใน "Gold of the Rhine" ของ R. Wagner, Cio-Cio-san ใน "Madama Butterfly" โดย G. Puccini และคนอื่น ๆ อีกมากมาย เธอได้ไปเที่ยวเมืองต่างๆ ในรัสเซีย ฝรั่งเศส บริเตนใหญ่ เยอรมนี อิตาลี สหรัฐอเมริกา และประเทศอื่นๆ กับ Mariinsky Opera Company ในบรรดาบทบาทที่ดีที่สุดของเธอ: Antonida ("Life for the Tsar" โดย M. Glinka), Lyudmila ("Ruslan and Lyudmila" โดย M. Glinka), Olga ("Mermaid" โดย A. Dargomyzhsky), Masha ("Dubrovsky" โดย E . Napravnik), Oksana ("Cherevichki" โดย P. Tchaikovsky), Tatyana ("Eugene Onegin" โดย P. Tchaikovsky), Kupava ("The Snow Maiden" โดย N. Rimsky-Korsakov), Juliet ("Romeo and Juliet" โดย Ch. Gounod), Carmen ("Carmen" Zh Bizet), Manon Lesko ("Manon" โดย J. Massenet), Violetta ("La Traviata" โดย G. Verdi), Elsa ("Lohengrin" โดย R. Wagner) ฯลฯ . ในปี 1914 Kuznetsova ออกจากโรงละคร Mariinsky ชั่วคราวและร่วมกับ "บัลเล่ต์รัสเซีย" โดย Sergei Diaghilev เธอแสดงในปารีสและลอนดอนในฐานะนักบัลเล่ต์และยังสนับสนุนการแสดงของพวกเขาบางส่วน เธอเต้นรำในบัลเล่ต์ "The Legend of Joseph" โดย Richard Strauss บัลเล่ต์ถูกเตรียมโดยดาราในยุคนั้น - นักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง Richard Strauss ผู้กำกับ Sergei Diaghilev นักออกแบบท่าเต้น Mikhail Fokin เครื่องแต่งกายและทิวทัศน์ Lev Bakst นักเต้นนำ Leonid Myasin . มันเป็นบทบาทที่สำคัญและเป็น บริษัท ที่ดี แต่ตั้งแต่เริ่มต้นการผลิตประสบปัญหาบางอย่าง: ไม่มีเวลามากสำหรับการซ้อม Strauss อยู่ในอารมณ์ไม่ดีเนื่องจากแขกรับเชิญนักเต้นบัลเลต์ Ida Rubinstein และ Lydia Sokolova ปฏิเสธที่จะเข้าร่วม Strauss ด้วย ไม่ชอบทำงานกับนักดนตรีชาวฝรั่งเศสและทะเลาะกับวงดนตรีอย่างต่อเนื่องและ Diaghilev ยังคงกังวลเกี่ยวกับการจากไปของนักเต้น Vaslav Nijinsky จากคณะ แม้จะมีปัญหาเบื้องหลัง แต่บัลเล่ต์ก็ประสบความสำเร็จในการเดบิวต์ในลอนดอนและปารีส นอกเหนือจากการลองบัลเล่ต์แล้ว Kuznetsova ยังแสดงโอเปร่าหลายครั้งรวมถึงการผลิตของเจ้าชายอิกอร์ของ Borodin ในลอนดอน หลังจากการปฏิวัติในปี 1918 Maria Kuznetsova ออกจากรัสเซียในฐานะนักแสดง เธอทำมันได้อย่างสวยงามอย่างมาก - แต่งกายเหมือนเด็กผู้ชายในห้องโดยสาร เธอซ่อนตัวอยู่ที่ชั้นล่างของเรือที่มุ่งหน้าไปยังสวีเดน เธอกลายเป็นนักร้องโอเปร่าที่โรงอุปรากรสตอกโฮล์ม จากนั้นในโคเปนเฮเกน และต่อมาที่โรงอุปรากร Royal Opera House, Covent Garden ในลอนดอน ตลอดเวลานี้เธอมาปารีสอย่างต่อเนื่องและในปี 2464 ในที่สุดเธอก็ตั้งรกรากในปารีสซึ่งกลายเป็นบ้านหลังที่สองของเธอที่สร้างสรรค์ ในปี ค.ศ. 1920 Kuznetsova ได้จัดคอนเสิร์ตส่วนตัวซึ่งเธอร้องเพลงรัสเซีย ฝรั่งเศส สเปนและยิปซี ละครรักและโอเปร่า ในคอนเสิร์ตเหล่านี้ เธอมักจะเต้นระบำพื้นบ้านสเปนและฟลาเมงโก คอนเสิร์ตของเธอบางส่วนเป็นการกุศลเพื่อช่วยเหลือผู้อพยพชาวรัสเซียที่ยากจน เธอกลายเป็นดาราของโอเปร่าปารีสได้รับการยอมรับในร้านเสริมสวยของเธอถือเป็นเกียรติอย่างยิ่ง “สีสันของสังคม” บรรดารัฐมนตรีและนักอุตสาหกรรมรวมตัวกันในห้องเฉลียงของเธอ นอกจากการแสดงคอนเสิร์ตส่วนตัวแล้ว เธอเคยทำงานเป็นศิลปินเดี่ยวในโรงอุปรากรหลายแห่งในยุโรป รวมทั้งที่ Covent Garden และ Paris Opera และ Opéra Comique ในปี 1927 Maria Kuznetsova ร่วมกับ Prince Alexei Tsereteli และ baritone Mikhail Karakash ได้จัดตั้ง บริษัท Russian Opera ส่วนตัวในปารีสซึ่งพวกเขาเชิญนักร้องโอเปร่าชาวรัสเซียหลายคนที่ออกจากรัสเซีย โรงอุปรากรรัสเซียจัดแสดง Sadko, The Tale of Tsar Saltan, The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia, Sorochinsky Fair และโอเปร่าและบัลเล่ต์อื่นๆ โดยนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซีย และแสดงในลอนดอน ปารีส บาร์เซโลนา มาดริด มิลาน และ ในบัวโนสไอเรสอันห่างไกล "Russian Opera" ดำเนินไปจนถึงปีพ. ศ. 2476 หลังจากนั้น Maria Kuznetsova เริ่มแสดงน้อยลง Maria Kuznetsova เสียชีวิตเมื่อวันที่ 25 เมษายน พ.ศ. 2509 ที่กรุงปารีสประเทศฝรั่งเศส
Annette Dasch เป็นนักร้องโอเปร่าและนักร้องเสียงโซปราโนชาวเยอรมัน หนึ่งในนักร้องโอเปร่าชาวเยอรมันร่วมสมัยชั้นนำ Annette Dasch เกิดเมื่อวันที่ 24 มีนาคม พ.ศ. 2519 ที่กรุงเบอร์ลิน พ่อแม่ พ่อ ผู้พิพากษา และแม่ของแอนเน็ตต์เรียนแพทย์ รักดนตรี และปลูกฝังความรักนี้ให้กับลูกทั้งสี่ของพวกเขา ที่บ้านตามธรรมเนียมแล้ว สมาชิกทุกคนในครอบครัวเล่นดนตรีและร้องเพลงด้วยกัน เมื่อโตเต็มที่ เด็กทุกคนก็กลายเป็นนักดนตรีมืออาชีพ: ลูกสาวคนโต - นักเปียโนคอนเสิร์ต น้องชาย - หนึ่ง - นักร้อง เบส-บาริโทน สมาชิกของป๊อปคลาสสิก กลุ่ม "Adoro" คนที่สอง - ครูสอนดนตรี . ตั้งแต่วัยเด็ก Annette ได้แสดงเป็นนักร้องนำของโรงเรียนและใฝ่ฝันที่จะเป็นนักร้องร็อค เธอยังเป็นลูกเสือที่กระตือรือร้นและยังคงชอบเดินป่าและปีนเขา ในปี พ.ศ. 2539 แอนเน็ตต์ย้ายไปมิวนิกเพื่อศึกษาการร้องเพลงเชิงวิชาการที่โรงเรียนดนตรีและโรงละครแห่งมิวนิก ในปี 1998/99 เธอยังเข้าเรียนหลักสูตรดนตรีและการละครที่มหาวิทยาลัยดนตรีและโรงละครในเมืองกราซ (ออสเตรีย) ความสำเร็จระดับนานาชาติมาในปี 2000 เมื่อเธอชนะการแข่งขันร้องเพลงระดับนานาชาติที่สำคัญสามรายการ ได้แก่ การแข่งขัน Maria Callas ในบาร์เซโลนา การแข่งขันแต่งเพลง Schumann ในซฟิคเคา และการแข่งขันในเจนีวา ตั้งแต่นั้นมา เธอได้แสดงบนเวทีโอเปร่าที่ดีที่สุดในเยอรมนีและทั่วโลก - ที่บาวาเรีย, เบอร์ลิน, โรงละครโอเปร่าแห่งเดรสเดน, โรงอุปรากรแห่งปารีส และ Champs Elysees, La Scala, Covent Garden, Tokyo Opera, Metropolitan Opera และอื่นๆ อีกมากมาย . ในปี 2549, 2550, 2551 เธอแสดงที่ Salzburg Festival ในปี 2010, 2011 ที่ Wagner Festival ในเมือง Bayorot บทบาทของ Annette Dasch มีความหลากหลายมาก รวมถึงบทบาทของ Armida ("Armida", Haydn), Gretel ("Hansel and Gretel", Humperdinck), Goose Girls ("Royal Children", Humperdinck), Fiordiligi ("Everybody ทำอย่างนั้น" , Mozart), Elvira ("Don Giovanni", Mozart), Elvira ("Idomeneo", Mozart), Countess ("การแต่งงานของ Figaro", Mozart), Pamina ("The Magic Flute", Mozart), Anthony ("Hoffmann's Tales", Offenbach), Liu ("Turandot", Puccini), Rosalind ("The Bat", Strauss), Freya ("Gold of the Rhine", Wagner), Elsa ("Lohengrin", Wagner) และ อื่นๆ Annette Dasch ไม่ได้เป็นเพียงนักร้องโอเปร่าเท่านั้น ละครของเธอประกอบด้วยเพลงของ Beethoven, Britten, Haydn, Gluck, Handel, Schumann, Mahler, Mendelssohn และอื่นๆ นักร้องจัดคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายของเธอในเมืองใหญ่ ๆ ในยุโรปทั้งหมด (เช่นในเบอร์ลิน, บาร์เซโลนา, เวียนนา, ปารีส, ลอนดอน, ปาร์มา, ฟลอเรนซ์, อัมสเตอร์ดัม, บรัสเซลส์) เธอแสดงที่เทศกาล Schubertiade ใน Schwarzenberg เทศกาลดนตรียุคแรกใน อินส์บรุคและน็องต์ ตลอดจนเทศกาลอันทรงเกียรติอื่นๆ ตั้งแต่ปี 2008 Annette Dasch ได้เป็นเจ้าภาพจัดรายการเพลงเพื่อความบันเทิงทางโทรทัศน์ยอดนิยมของเธอ "Dash Salon" ซึ่งมีชื่อเป็นภาษาเยอรมันที่สอดคล้องกับคำว่า "laundry" (Waschsalon) ฤดูกาล 2011/2012 Annete Dasch เปิดทัวร์ยุโรปพร้อมการแสดงเดี่ยว การแสดงโอเปร่าที่กำลังจะมีขึ้น ได้แก่ บทบาทของ Elvira จาก Don Giovanni ที่ Metropolitan Opera ในฤดูใบไม้ผลิปี 2012 จากนั้นบทบาทของ Madame Pompadour ในกรุงเวียนนา การทัวร์กับ Vienna Opera ในญี่ปุ่นด้วย บทบาทในเรื่อง The Merry Widow " อีกงานหนึ่งที่งาน Bayorot Festival
Salomeya Amvrosievna Krushelnitskaya เป็นนักร้องโอเปร่าชาวยูเครน (โซปราโน) ที่มีชื่อเสียง แม้แต่ในช่วงชีวิตของเธอ Salomea Krushelnitskaya ก็ได้รับการยอมรับว่าเป็นนักร้องที่โดดเด่นที่สุดในโลก เธอมีเสียงที่โดดเด่นในแง่ของความแข็งแกร่งและความงามที่หลากหลาย (ประมาณสามอ็อกเทฟที่มีการลงทะเบียนระดับกลางฟรี) ความทรงจำทางดนตรี (เธอสามารถเรียนรู้ส่วนโอเปร่าในสองหรือสามวัน) และความสามารถที่น่าทึ่งที่สดใส ละครของนักร้องรวมกว่า 60 ส่วนที่แตกต่างกัน ในบรรดารางวัลและความโดดเด่นมากมายของเธอ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ชื่อของ "Wagner prima donna of the 20th century" นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Giacomo Puccini นำเสนอนักร้องด้วยภาพเหมือนของเขาพร้อมคำจารึก "ผีเสื้อที่สวยงามและมีเสน่ห์" Salomeya Krushelnytska เกิดเมื่อวันที่ 23 กันยายน พ.ศ. 2415 ในหมู่บ้าน Belyavintsy ซึ่งปัจจุบันเป็นเขต Buchatsky ของภูมิภาค Ternopil ในครอบครัวของนักบวช มาจากตระกูลยูเครนผู้สูงศักดิ์และเก่าแก่ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2416 ครอบครัวย้ายหลายครั้งในปี พ.ศ. 2421 พวกเขาย้ายไปที่หมู่บ้านเบลายาใกล้เมืองเทอร์โนปิลจากที่ที่พวกเขาไม่เคยจากไป เธอเริ่มร้องเพลงตั้งแต่อายุยังน้อย เมื่อเป็นเด็ก Salome รู้จักเพลงพื้นบ้านมากมายซึ่งเธอเรียนรู้โดยตรงจากชาวนา เธอได้รับพื้นฐานการฝึกดนตรีที่โรงยิม Ternopil ซึ่งเธอทำข้อสอบในฐานะนักเรียนภายนอก ที่นี่เธอใกล้ชิดกับวงการดนตรีของนักเรียนมัธยมปลาย ซึ่ง Denis Sichinsky ซึ่งต่อมาเป็นนักแต่งเพลงชื่อดัง นักดนตรีมืออาชีพคนแรกในยูเครนตะวันตก ก็เป็นสมาชิกเช่นกัน ในปี 1883 ที่คอนเสิร์ต Shevchenko ใน Ternopil การแสดงสาธารณะครั้งแรกของ Salome เกิดขึ้นเธอร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของสังคมสนทนารัสเซีย ใน Ternopil Salomea Krushelnytska คุ้นเคยกับโรงละครเป็นครั้งแรก ที่นี่เป็นครั้งคราวโรงละคร Lvov ของสังคมสนทนารัสเซียแสดง ในปี พ.ศ. 2434 Salome ได้เข้าสู่ Lviv Conservatory ที่เรือนกระจก ครูของเธอเคยเป็นศาสตราจารย์ที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นในลวิฟ Valery Vysotsky ซึ่งนำดาราจักรทั้งดาราจักรของนักร้องยูเครนและโปแลนด์ผู้โด่งดังขึ้นมา ขณะเรียนอยู่ที่เรือนกระจก การแสดงเดี่ยวครั้งแรกของเธอเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 13 เมษายน พ.ศ. 2435 นักร้องได้แสดงส่วนหลักใน oratorio "Messiah" ของ G. F. Handel การแสดงโอเปร่าครั้งแรกของ Salome Krushelnytska เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 15 เมษายน พ.ศ. 2436 เธอได้แสดงบทบาทของ Leonora ในการแสดงของนักแต่งเพลงชาวอิตาลี G. Donizetti เรื่อง "Favorite" บนเวที Lviv City Theatre ในปี 1893 Krushelnytska สำเร็จการศึกษาจาก Lvov Conservatory ในประกาศนียบัตรจบการศึกษาของ Salome เขียนว่า: "ประกาศนียบัตรนี้ได้รับโดย Panna Salomea Krushelnitskaya เพื่อเป็นหลักฐานในการศึกษาศิลปะที่ได้รับจากความขยันหมั่นเพียรที่เป็นแบบอย่างและ ความสำเร็จที่ไม่ธรรมดา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแข่งขันสาธารณะเมื่อวันที่ 24 มิถุนายน พ.ศ. 2436 ซึ่งเธอได้รับรางวัลเหรียญเงิน "แม้ในขณะที่เรียนอยู่ที่เรือนกระจก Salomea Krushelnytska ได้รับข้อเสนอจาก Lviv Opera House แต่เธอตัดสินใจที่จะศึกษาต่อการตัดสินใจของเธอ ได้รับอิทธิพลจากนักร้องชื่อดังชาวอิตาลี Gemma Bellinchoni ซึ่งในขณะนั้นกำลังเดินทางท่องเที่ยวใน Lvov ในฤดูใบไม้ร่วงปี 1893 Salome ไปเรียนที่อิตาลีซึ่งศาสตราจารย์ Fausta Crespi กลายเป็นครูของเธอ ในระหว่างการศึกษาการแสดงคอนเสิร์ตใน ซึ่งเธอร้องเพลงโอเปร่า arias เป็นโรงเรียนที่ดีสำหรับ Salome ในช่วงครึ่งหลังของปี 1890 การแสดงอันเป็นชัยชนะของเธอบนเวทีโรงละครทั่วโลกเริ่มต้นขึ้น: อิตาลี, สเปน, ฝรั่งเศส, โปรตุเกส, รัสเซีย, โปแลนด์, ออสเตรีย, อียิปต์, อาร์เจนตินา, ชิลีในโอเปร่า Aida, Il trovatore โดย D. Verdi, Faust โดย C. Gounod, “ Terrible Yard” โดย S. Monyushko, "African" โดย D. Meyerbeer, "Manon Lescaut" และ "Cio-Cio-San" โดย G. Puccini, "Carmen" โดย J. Bizet, "Electra" โดย R. Strauss, "Eugene Onegin" และ " The Queen of Spades” โดย P.I. Tchaikovsky และคนอื่นๆ 17 ก.พ. ในปี 1904 Giacomo Puccini ได้นำเสนอโอเปร่าเรื่องใหม่ Madama Butterfly ที่ La Scala ในมิลาน นักแต่งเพลงไม่เคยแน่ใจว่าจะประสบความสำเร็จมาก่อน... แต่ผู้ชมโห่ร้องโอเปร่าอย่างขุ่นเคือง เกจิที่โด่งดังรู้สึกท้อแท้ เพื่อนๆ ชักชวนให้ปุชชีนีปรับปรุงงานของเขา และเชิญซาโลเม ครูเชลนิตสกายามาที่ส่วนหลัก เมื่อวันที่ 29 พฤษภาคม ที่โรงละครแกรนด์เธียเตอร์ในเบรเซีย การแสดงรอบปฐมทัศน์ของ Madama Butterfly ที่ได้รับการปรับปรุงได้เกิดขึ้นแล้ว ซึ่งครั้งนี้ถือเป็นชัยชนะ ผู้ชมเรียกนักแสดงและนักแต่งเพลงขึ้นเวทีเจ็ดครั้ง หลังจากการแสดง รู้สึกซาบซึ้งและซาบซึ้ง ปุชชีนีส่งรูปเหมือนของเขา Krushelnitskaya พร้อมข้อความจารึก: "สู่ผีเสื้อที่สวยงามและมีเสน่ห์ที่สุด" ในปี 1910 S. Krushelnitskaya แต่งงานกับนายกเทศมนตรีเมือง Viareggio (อิตาลี) และทนายความ Cesare Riccioni ซึ่งเป็นนักเลงดนตรีและขุนนางที่ขยันขันแข็ง พวกเขาแต่งงานกันในวัดแห่งหนึ่งของบัวโนสไอเรส หลังจากการแต่งงาน Cesare และ Salome ตั้งรกรากใน Viareggio ที่นี่ Salome ซื้อบ้านพักตากอากาศซึ่งเธอเรียกว่า "Salome" และยังคงทัวร์ต่อไป ในปี 1920 Krushelnitskaya ออกจากเวทีโอเปร่าที่จุดสุดยอดแห่งชื่อเสียงของเธอโดยแสดงเป็นครั้งสุดท้ายที่โรงละคร Naples ในโอเปร่าที่เธอโปรดปราน Lorelei และ Lohengrin เธออุทิศชีวิตต่อไปให้กับกิจกรรมแชมเบอร์คอนเสิร์ต การแสดงเพลงใน 8 ภาษา เธอได้ไปเที่ยวยุโรปและอเมริกา ตลอดหลายปีที่ผ่านมาจนถึงปี 1923 เธอมาที่บ้านเกิดของเธออย่างต่อเนื่องและแสดงในลวอฟ เทอร์โนปิล และเมืองอื่นๆ ของแคว้นกาลิเซีย เธอมีความสัมพันธ์ที่แน่นแฟ้นในมิตรภาพกับคนจำนวนมากในยูเครนตะวันตก สถานที่พิเศษในกิจกรรมสร้างสรรค์ของนักร้องถูกครอบครองโดยคอนเสิร์ตที่อุทิศให้กับความทรงจำของ T. Shevchenko และ I. Ya. Frank ในปี 1929 คอนเสิร์ตทัวร์ครั้งสุดท้ายของ S. Krushelnitskaya เกิดขึ้นที่กรุงโรม ในปี 1938 Cesare Riccioni สามีของ Krushelnitskaya เสียชีวิต ในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2482 นักร้องได้ไปเยือนแคว้นกาลิเซียและเนื่องจากการระบาดของสงครามโลกครั้งที่สองไม่สามารถกลับไปอิตาลีได้ ในระหว่างการยึดครองเมืองลวิฟของเยอรมัน S. Krushelnytska ยากจนมาก ดังนั้นเธอจึงให้บทเรียนเสียงแบบตัวต่อตัว ในช่วงหลังสงคราม S. Krushelnytska เริ่มทำงานที่ Lviv State Conservatory ซึ่งตั้งชื่อตาม N.V. Lysenko อย่างไรก็ตาม อาชีพครูของเธอเพิ่งเริ่มต้น เกือบสิ้นสุด ในระหว่างการ "ทำความสะอาดบุคลากรจากองค์ประกอบชาตินิยม" เธอถูกกล่าวหาว่าไม่มีประกาศนียบัตรเรือนกระจก ต่อมาพบประกาศนียบัตรในกองทุนของพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์เมือง การใช้ชีวิตและการสอนในสหภาพโซเวียต Salomeya Amvrosievna แม้จะมีการอุทธรณ์มากมาย แต่ก็ไม่สามารถได้รับสัญชาติโซเวียตเป็นเวลานานและยังคงเป็นเรื่องของอิตาลี ในที่สุดหลังจากเขียนแถลงการณ์เกี่ยวกับการโอนวิลล่าอิตาลีของเธอและทรัพย์สินทั้งหมดไปยังรัฐโซเวียต Krushelnitskaya กลายเป็นพลเมืองของสหภาพโซเวียต วิลล่าถูกขายทันทีโดยชดเชยให้เจ้าของเพียงส่วนน้อยของมูลค่า ในปี 1951 Salome Krushelnitskaya ได้รับรางวัลศิลปินผู้มีเกียรติของยูเครน SSR และในเดือนตุลาคมปี 1952 หนึ่งเดือนก่อนที่เธอจะเสียชีวิต Krushelnitskaya ได้รับตำแหน่งศาสตราจารย์ วันที่ 16 พฤศจิกายน พ.ศ. 2495 หัวใจนักร้องผู้ยิ่งใหญ่หยุดเต้น เธอถูกฝังใน Lviv ที่สุสาน Lychakiv ถัดจากหลุมศพของ Ivan Franko เพื่อนและที่ปรึกษาของเธอ ในปี 1993 ถนนสายหนึ่งได้รับการตั้งชื่อตาม S. Krushelnytska ในเมืองลวิฟ ซึ่งเธออาศัยอยู่ในช่วงหลายปีสุดท้ายของชีวิต พิพิธภัณฑ์อนุสรณ์ Salomea Krushelnytska เปิดในอพาร์ตเมนต์ของนักร้อง วันนี้ชื่อของ S. Krushelnytska ดำเนินการโดย Lviv Opera House, Lviv Musical โรงเรียนมัธยมวิทยาลัยดนตรี Ternopil (ที่ตีพิมพ์หนังสือพิมพ์ "Salomeya") โรงเรียนอายุ 8 ปีในหมู่บ้าน Belaya ถนนใน Kyiv, Lvov, Ternopil, Buchach (ดู Salomeya Krushelnytska Street) ใน Mirror Hall ของ Lviv Opera and Ballet Theatre มีอนุสาวรีย์สำริดของ Salome Krushelnytska งานศิลปะ ดนตรีและภาพยนต์มากมายอุทิศให้กับชีวิตและผลงานของ Salomea Krushelnytska ในปี 1982 ที่ A. Dovzhenko Film Studio กำกับโดย O. Fialko ภาพยนตร์ประวัติศาสตร์และชีวประวัติ "The Return of the Butterfly" (อิงจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดย V. Vrublevskaya) อุทิศให้กับชีวิตและการทำงาน ของ Salomea Krushelnitskaya ถูกยิง ภาพนี้อิงจากเรื่องจริงของชีวิตนักร้องและสร้างขึ้นเพื่อเป็นความทรงจำของเธอ ชิ้นส่วนของ Salome ดำเนินการโดย Gisela Zipola บทบาทของ Salome ในภาพยนตร์เรื่องนี้เล่นโดย Elena Safonova นอกจากนี้ยังมีการสร้างสารคดีโดยเฉพาะ "Salome Krushelnitskaya" (ผู้กำกับ I. Mudrak, Lvov, "Most", 1994) "Two Lives of Salome" (ผู้กำกับ A. Frolov, Kyiv, "Contact", 1997), วงจร "Names" (2004) ภาพยนตร์สารคดี "Solo-mea" จากวงจร "Game of Fate" (ผู้กำกับ V. Obraz, VIATEL studio, 2008) 18 มีนาคม 2549 บนเวทีของโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งชาติลวิฟซึ่งตั้งชื่อตามเอส. Krushelnitskaya เป็นเจ้าภาพรอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์ "Return of the Butterfly" ของ Miroslav Skorik โดยอิงจากข้อเท็จจริงจากชีวิตของ Salomea Krushelnitskaya บัลเลต์ใช้ดนตรีของจาโกโม ปุชชินี ในปี 1995 รอบปฐมทัศน์ของละคร "Salome Krushelnitskaya" (ผู้เขียน B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) เกิดขึ้นในภูมิภาค Ternopil โรงละคร(ปัจจุบันเป็นโรงละครวิชาการ) ตั้งแต่ปี 1987 การแข่งขัน Salomea Krushelnytska ได้จัดขึ้นที่ Ternopil ทุก ๆ ปี Lviv จะเป็นเจ้าภาพการแข่งขันระดับนานาชาติที่ตั้งชื่อตาม Krushelnytska; เทศกาลศิลปะโอเปร่าได้กลายเป็นประเพณี
Lyubov Yurievna Kazarnovskaya - นักร้องโอเปร่าโซเวียตและรัสเซีย, โซปราโน วิทยาศาสตรดุษฎีบัณฑิต ศาสตราจารย์. Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya เกิดเมื่อวันที่ 18 พฤษภาคม 1956 ในมอสโกแม่ Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - นักปรัชญาครูภาษาและวรรณคดีรัสเซียพ่อ Kazarnovsky Yuri Ignatievich - สำรองทั่วไปพี่สาว - Bokadorova Natalya Yuryevna - นักปรัชญาศาสตราจารย์ภาษาฝรั่งเศส และวรรณกรรม Lyuba ร้องเพลงเสมอหลังเลิกเรียนเธอกล้าสมัครเข้า Gnessin Institute - คณะนักแสดงละครเพลงแม้ว่าเธอกำลังเตรียมที่จะเป็นนักเรียนที่คณะภาษาต่างประเทศ ปีที่ผ่านมาทำให้ Lyuba เป็นนักแสดงได้มาก แต่การพบกับ Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradova ครูที่ยอดเยี่ยมนักร้องนักดนตรีคลอ Chaliapin นักเรียนของ Stanislavsky นั้นแตกหัก นอกเหนือจากบทเรียนร้องเพลงอันล้ำค่าแล้ว Nadezhda Matveevna หญิงม่ายของนักวิจารณ์วรรณกรรม Pushkin นักวิชาการ VV Vinogradov เปิดเผยให้ Lyuba รู้ถึงพลังและความงามของคลาสสิกรัสเซีย สอนให้เธอเข้าใจความสามัคคีของดนตรีและคำพูดที่ซ่อนอยู่ในนั้น การพบกับ Nadezhda Matveevna ในที่สุดก็กำหนดชะตากรรมของนักร้องหนุ่ม ในปีพ.ศ. 2524 เมื่ออายุได้ 21 ปี ขณะที่ยังเป็นนักเรียนอยู่ที่มอสโก Conservatory Lyubov Kazarnovskaya ได้เปิดตัวในฐานะ Tatyana (Eugene Onegin โดย Tchaikovsky) บนเวทีของโรงละครดนตรี Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko ผู้สมควรได้รับรางวัลการแข่งขัน All-Union ซึ่งตั้งชื่อตาม Glinka (รางวัล II) ตั้งแต่นั้นมา Lyubov Kazarnovskaya ก็เป็นศูนย์กลางของชีวิตดนตรีของรัสเซีย ในปี 1982 เธอสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนสอนดนตรีแห่งรัฐมอสโก ในปี 1985 - การศึกษาระดับบัณฑิตศึกษาในชั้นเรียนของรองศาสตราจารย์ Shumilova Elena Ivanovna 2524-2529 - ศิลปินเดี่ยวของโรงละครวิชาการดนตรีที่ตั้งชื่อตาม Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko ในละครของ "Eugene Onegin" โดย Tchaikovsky, "Iolanta", "May Night" โดย Rimsky-Korsakov, "Pagliacci" โดย Leoncavallo, "La Boheme" โดย ปุชชินี. 1984 - ตามคำเชิญของ Svetlanov เธอแสดงส่วนหนึ่งของ Fevronia ในการผลิตใหม่ของ The Tale of the Invisible City of Kitezh ของ Rimsky-Korsakov และในปี 1985 - ส่วนของ Tatiana (Eugene Onegin โดย Tchaikovsky) และ Nedda (Pagliacci) โดย Leoncavallo) ที่โรงละคร State Academic ของรัสเซีย พ.ศ. 2527 - การแข่งขันกรังปรีซ์เยาวชนของ UNESCO (บราติสลาวา) ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขัน Mirjam Hellin (เฮลซิงกิ) - รางวัล III และประกาศนียบัตรกิตติมศักดิ์สำหรับการแสดงเพลงอิตาลี - ส่วนตัวจากประธานการแข่งขันและ Birgit Nilsson นักร้องโอเปร่าชาวสวีเดนในตำนาน 2529 - ผู้สมควรได้รับรางวัล Lenin Komsomol Prize 2529-2532 - ศิลปินเดี่ยวชั้นนำของ State Academic Theatre Kirov: Leonora (“Force of Destiny” โดย Verdi), Margarita (“Faust” โดย Gounod), Donna Anna และ Donna Elvira (“Don Giovanni” โดย Mozart), Leonora (“Trovatore” โดย Verdi), Violetta (“Traviatte” โดย Verdi), Tatiana ( “Eugene Onegin” โดย Tchaikovsky), Lisa (“The Queen of Spades” โดย Tchaikovsky), Soprano (“ Requiem” โดย Verdi) ความร่วมมืออย่างใกล้ชิดกับตัวนำเช่น Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev ชัยชนะครั้งแรกในต่างประเทศ - ที่โรงละคร Covent Garden (ลอนดอน) ในส่วนของ Tatiana ในโอเปร่าของ Tchaikovsky "Eugene Onegin" (1988) 1989 - "มาเอสโตรแห่งโลก" Herbert von Karajan เชิญนักร้องหนุ่มมาที่เทศกาล "ของเขา" - เทศกาลฤดูร้อนในซาลซ์บูร์ก ในเดือนสิงหาคม 1989 - เปิดตัวอย่างมีชัยในซาลซ์บูร์ก ("บังสุกุล" โดย Verdi, ผู้ควบคุมวง Ricardo Muti) โลกดนตรีทั้งโลกตั้งข้อสังเกตและชื่นชมการแสดงของนักร้องเสียงโซปราโนรุ่นเยาว์จากรัสเซีย การแสดงอันน่าตื่นตานี้เป็นจุดเริ่มต้นของอาชีพการงานที่ทำให้เวียนหัว ซึ่งต่อมาพาเธอไปที่โรงอุปรากรเช่น Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera หุ้นส่วนของเธอคือปาวารอตติ, โดมิงโก, การ์เรราส, อาไรซา, นุชชี่, คาปูชิลี, คอสซอตโต, ฟอน สตาด, บัลต์ซา กันยายน 1989 - เข้าร่วมงานกาล่าคอนเสิร์ตระดับโลกบนเวทีของโรงละคร Bolshoi แห่งรัสเซียเพื่อสนับสนุนผู้ประสบภัยแผ่นดินไหวในอาร์เมเนียร่วมกับ Kraus, Bergonzi, Prei, Arkhipova ตุลาคม 1989 - เข้าร่วมทัวร์โรงละครโอเปร่ามิลาน "La Scala" ในมอสโก ( "บังสุกุล") ของ G. Verdi 1991 - ซาลซ์บูร์ก 1992-1998 - ความร่วมมืออย่างใกล้ชิดกับ Metropolitan Opera 1994-1997 - ความร่วมมืออย่างใกล้ชิดกับ Mariinsky Theatre และ Valery Gergiev ในปี 1996 Lyubov Kazarnovskaya เปิดตัวอย่างประสบความสำเร็จบนเวทีของโรงละคร La Scala ใน The Gambler ของ Prokofiev และในเดือนกุมภาพันธ์ 1997 เธอร้องเพลง Salome อย่างประสบความสำเร็จที่โรงละคร Santa Cecilia ในกรุงโรม ศิลปินโอเปร่าชั้นนำในยุคของเราทำงานร่วมกับเธอ - ผู้ควบคุมวงเช่น Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, ผู้กำกับ - Zefirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew ... “ La Kazarnovskaya” ตามที่สื่อมวลชนอิตาลีเรียกกันว่ามีมากกว่าห้าสิบฝ่ายในละคร เธอถูกเรียกว่า Salome ที่ดีที่สุดในยุคของเราซึ่งเป็นนักแสดงโอเปร่าที่ดีที่สุดโดย Verdi และ verists ไม่ต้องพูดถึง Tatiana จาก Eugene Onegin ซึ่งเป็นบัตรโทรศัพท์ของเธอ ความสำเร็จโดยเฉพาะอย่างยิ่งทำให้เธอแสดงบทบาทหลักในโอเปร่า "Salome" โดย Richard Strauss, "Eugene Onegin" โดย Tchaikovsky, "Manon Lescaut" และ "Tosca" โดย Puccini, "Force of Destiny" และ "La Traviata" โดย Verdi 1997 - Lyubov Kazarnovskaya สร้างองค์กรของเธอเองในรัสเซีย - มูลนิธิ Lyubov Kazarnovskaya เพื่อสนับสนุนศิลปะการแสดงโอเปร่าในรัสเซีย: เธอเชิญผู้เชี่ยวชาญชั้นนำด้านศิลปะการร้องเพลงมาที่รัสเซียสำหรับคอนเสิร์ตและชั้นเรียนปริญญาโทเช่น Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , โฆเซ่ คูรา และคนอื่นๆ จัดตั้งทุนช่วยเหลือนักร้องรุ่นเยาว์ชาวรัสเซีย * 1998-2000 - ความร่วมมืออย่างใกล้ชิดกับโรงละครบอลชอยแห่งรัสเซีย 2000 - นักร้องอุปถัมภ์โรงละครโอเปร่าเด็กแห่งเดียวในโลกที่ตั้งชื่อตาม Lyubov Kazarnovskaya (Dubna) ด้วยโรงละครแห่งนี้ Lyubov Kazarnovskaya วางแผน โครงการที่น่าสนใจ ในรัสเซียและต่างประเทศ 2000 - หัวหน้าสภาประสานงานสร้างสรรค์ของศูนย์วัฒนธรรม "Union of Cities" ดำเนินงานด้านวัฒนธรรมและการศึกษาขนาดใหญ่ในเมืองและภูมิภาคของรัสเซีย 12/25/2000 - รอบปฐมทัศน์อีกครั้งเกิดขึ้นในห้องแสดงคอนเสิร์ต "รัสเซีย" - การแสดงโอเปร่าที่ยอดเยี่ยม "Faces of Love" ถ่ายทอดสดไปทั่วโลก การแสดงดนตรีสามชั่วโมงซึ่งนำเสนอเป็นครั้งแรกในโลกโดยนักร้องโอเปร่าชั้นนำ กลายเป็นงานในปีสุดท้ายของศตวรรษที่ผ่านมา และกระตุ้นการตอบรับอย่างกระตือรือร้นในรัสเซียและต่างประเทศ 2002 - Lyubov Kazarnovskaya อยู่ในศูนย์กลางของกิจกรรมทางสังคมที่กระตือรือร้นได้รับเลือกเป็นประธานคณะกรรมาธิการเพื่อความร่วมมือด้านวัฒนธรรมและมนุษยธรรมของเทศบาลแห่งสหพันธรัฐรัสเซียเป็นประธานคณะกรรมการสมาคมการศึกษาดนตรีรัสเซีย Lyubov Kazarnovskaya ได้รับประกาศนียบัตรจากศูนย์อันทรงเกียรติในเคมบริดจ์ (อังกฤษ) ให้เป็นหนึ่งในนักดนตรีที่โดดเด่นที่สุด 2,000 คนของศตวรรษที่ 20 ชีวิตที่สร้างสรรค์ของ Lyubov Kazarnovskaya คือชุดของชัยชนะ การค้นพบ ความสำเร็จที่เร่งรีบและไม่อาจหยุดยั้งได้ ซึ่งสัมพันธ์กับฉายา "แรก" ที่เหมาะสมหลายประการ: *กรังปรีซ์ในการแข่งขันร้องของยูเนสโก *Kazarnovskaya เป็นนักร้องเสียงโซปราโนชาวรัสเซียคนแรกที่ Herbert von Karajan เชิญไปยังเมืองซาลซ์บูร์ก *นักร้องชาวรัสเซียเพียงคนเดียวที่แสดงบทของโมสาร์ทในบ้านเกิดของนักแต่งเพลงในซาลซ์บูร์กในวันเกิดครบรอบ 200 ปีของเขา *นักร้องรัสเซียคนแรกและยังคงเป็นคนเดียวที่แสดงบทบาทที่ยากที่สุดของ Salome (Salome โดย Richard Strauss) ในการแสดงโอเปร่าที่ใหญ่ที่สุดในโลกและประสบความสำเร็จอย่างมาก L. Kazarnovskaya ถือเป็น Salome ที่ดีที่สุดในยุคของเรา *นักร้องคนแรกที่บันทึก (ในซีดี) ความรักของไชคอฟสกีทั้งหมด 103 เรื่อง *ด้วยแผ่นดิสก์เหล่านี้และคอนเสิร์ตมากมายของเธอในศูนย์กลางดนตรีทั้งหมดของโลก Lyubov Kazarnovskaya เปิดโอกาสให้นักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียได้สร้างสรรค์ผลงานทางดนตรีแก่สาธารณชนชาวตะวันตก *นักร้องโอเปร่าคนแรกที่มีความสามารถระดับนานาชาติที่แสดงการแสดงที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนในแง่ของช่วงของเธอ - โอเปร่า, โอเปร่า, โรแมนติก, ชานสัน ... * นักร้องคนแรกและคนเดียวที่แสดงสองบทบาทในเย็นวันหนึ่ง (ในโอเปร่า "Manon Lescaut" โดย Puccini) ในบทละคร "Portrait of Manon บนเวทีของโรงละคร Bolshoi แห่งรัสเซีย เมื่อเร็ว ๆ นี้ Lyubov Kazarnovskaya นอกเหนือจากกิจกรรมระหว่างประเทศของเธอแล้วยังอุทิศเวลาและพลังงานจำนวนมากเพื่อพัฒนาชีวิตดนตรีในภูมิภาครัสเซีย ไม่ต้องสงสัยเลย เธอเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดในชีวิตการร้องและดนตรีของรัสเซีย และสื่อที่อุทิศให้กับเธอนั้นไม่เคยมีมาก่อนในด้านประเภทและปริมาณ ละครของเธอประกอบด้วยโอเปร่ามากกว่า 50 ส่วนและละครขนาดใหญ่ แชมเบอร์มิวสิค. บทบาทที่เธอโปรดปราน ได้แก่ Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("Force of Destiny"), Amelia ("Masquerade Ball") การเลือกโปรแกรมสำหรับการแสดงเดี่ยวในตอนเย็น Kazarnovskaya หลีกเลี่ยงการเลือกชิ้นงานที่ชนะรางวัลและน่าสนใจที่แตกต่างกันออกไป โดยเลือกวงจรดั้งเดิมที่แสดงถึงผลงานของผู้เขียนหลายคน เอกลักษณ์ของนักร้อง ความสว่างของการตีความ ความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนของสไตล์ แนวทางของแต่ละบุคคลในการรวมเอาภาพที่ซับซ้อนที่สุดในผลงานในยุคต่างๆ เข้าด้วยกัน ทำให้การแสดงของเธอเป็นเหตุการณ์จริง ชีวิตวัฒนธรรม. การบันทึกเสียงและวิดีโอจำนวนมากเน้นถึงความสามารถด้านเสียงร้องที่มหาศาล สไตล์ที่สูง และความสามารถทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของนักร้องที่เก่งกาจคนนี้ ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างแข็งขันในการแสดงระดับที่แท้จริงของวัฒนธรรมรัสเซียไปทั่วโลก บริษัท อเมริกัน VAI (Video Artists International) ได้เปิดตัวชุดวิดีโอเทปโดยมีส่วนร่วมของนักร้องรัสเซียรวมถึง "นักร้องผู้ยิ่งใหญ่แห่งรัสเซีย 1901-1999" (สองตลับ), "ยิปซีเลิฟ" (บันทึกวิดีโอคอนเสิร์ตของ Lyubov Kazarnovskaya ใน ห้องโถงใหญ่ของเรือนกระจกมอสโก) รายชื่อจานเสียงของ Lyubov Kazarnovskaya รวมถึงการบันทึกโดย DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia ปัจจุบัน Lyubov Kazarnovskaya กำลังเตรียมรายการใหม่สำหรับคอนเสิร์ตเดี่ยว ส่วนโอเปร่าใหม่ (Carmen, Isolde, Lady Macbeth) กำลังวางแผนทัวร์ต่างประเทศมากมายและในรัสเซีย และกำลังแสดงในภาพยนตร์ แต่งงานกับ Robert Roscik ตั้งแต่ปี 1989 ในปี 1993 Andrey ลูกชายของพวกเขาเกิด คำพูดไม่กี่คำเหล่านี้เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของการตอบสนองอย่างกระตือรือร้นที่มาพร้อมกับการแสดงของ Lyubov Kazarnovskaya: "เสียงของเธอลึกซึ้งและเย้ายวนเย้ายวน ... ฉากที่ประทับใจและดำเนินการอย่างสวยงามของจดหมายของ Tatyana และการพบกันครั้งสุดท้ายของเธอกับ Onegin ทำให้ไม่ต้องสงสัยเลยเกี่ยวกับระดับสูงสุด ความสามารถของนักร้อง ("เมโทรโพลิแทนโอเปร่า", " นิวยอร์กไทม์ส") "โซปราโนที่ทรงพลัง ลึก ควบคุมอย่างดีเยี่ยม แสดงออกตลอดช่วง... ระยะและความสว่างที่น่าประทับใจโดยเฉพาะ ลักษณะเสียงร้อง"(Lincoln Center, คอนเสิร์ตเดี่ยว, "New York Times") "เสียงของ Kazarnovskaya จดจ่ออยู่ลึกลงไปตรงกลางทะเบียนและสว่างในส่วนบน ... เธอคือ Desdemona ที่เปล่งประกาย" (ฝรั่งเศส, "Le Monde de la Musique" ) "... Lyuba Kazarnovskaya ดึงดูดผู้ชมด้วยนักร้องเสียงโซปราโนที่เย้ายวนและน่าอัศจรรย์ของเธอในทุกที่" ("Munchner Merkur") "นักร้องชาวรัสเซียเปล่งประกายมากในบทบาทของ Salome - น้ำแข็งเริ่มละลายบนท้องถนนเมื่อ Lyuba Kazarnovskaya ร้องเพลงฉากสุดท้ายของ "Salome"..." ("Cincinnati Enquirer" ) ข้อมูลและภาพถ่ายจากเว็บไซต์อย่างเป็นทางการ: http://www.kazarnovskaya.com เว็บไซต์ใหม่เกี่ยวกับดอกไม้ที่สวยงาม โลกแห่งไอริส การเพาะปลูก การดูแล การปลูกถ่าย ของไอริส
Ekaterina Shcherbachenko - นักร้องโอเปร่าชาวรัสเซีย (โซปราโน) ศิลปินเดี่ยวของโรงละครบอลชอย Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nee Telegina) เกิดเมื่อวันที่ 31 มกราคม พ.ศ. 2520 ที่เมือง Ryazan ในปี 1996 เธอสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยดนตรี Ryazan G. และ A. Pirogov หลังจากได้รับ "นักร้องประสานเสียง" แบบพิเศษ ในปี 2548 เธอสำเร็จการศึกษาจากมอสโกสเตตไชคอฟสกี Conservatory PI Tchaikovsky (ครู - ศาสตราจารย์ Marina Alekseeva) และศึกษาต่อในระดับสูงกว่าปริญญาตรีที่นั่น ในสตูดิโอโอเปร่าของเรือนกระจก เธอร้องเพลงส่วนของ Tatiana ในโอเปร่า "Eugene Onegin" โดย P. Tchaikovsky และส่วนหนึ่งของ Mimi ในโอเปร่า "La Boheme" โดย G. Puccini ในปี 2548 เธอเป็นศิลปินเดี่ยวฝึกหัดของ Opera Company of the Moscow Academic Musical Theatre เคเอส Stanislavsky และ V.I. Nemirovich-Danchenko ในโรงละครแห่งนี้ เธอแสดงส่วนต่างๆ ของ Lidochka ในละคร "Moscow, Cheryomushki" โดย D. Shostakovich และเป็นส่วนหนึ่งของ Fiordiligi ในโอเปร่า "All Women Do This" โดย W. A. Mozart ในปี 2548 ที่ Bolshoi เธอร้องเพลง Natasha Rostova ในรอบปฐมทัศน์ของสงครามและสันติภาพของ S. Prokofiev (ฉบับที่สอง) หลังจากนั้นเธอได้รับคำเชิญให้ไปที่โรงละคร Bolshoi ในฐานะสมาชิกถาวรของคณะโอเปร่า ละครของเธอที่โรงละครบอลชอยรวมถึงบทบาทต่อไปนี้: Natasha Rostova ("สงครามและสันติภาพ" โดย S. Prokofiev) Tatyana ("Eugene Onegin" โดย P. Tchaikovsky) Liu ("Turandot" โดย G. Puccini) Mimi ("La Boheme โดย G. Puccini) Mikaela ("Carmen" โดย G. Bizet) Iolanta ("Iolanthe" โดย P. Tchaikovsky) ในปี 2547 เธอแสดงบท Lidochka ในละคร "Moscow, Cheryomushki" ที่ Lyon Opera (ตัวนำ Alexander Lazarev ). ในปี 2550 ที่เดนมาร์ก เธอได้เข้าร่วมในการแสดง Cantata "The Bells" ของ Rachmaninov กับ Danish National Radio Symphony Orchestra (ผู้ควบคุมวง Alexander Vedernikov) ในปี 2008 เธอร้องเพลงของ Tatiana ที่ Cagliari Opera House (อิตาลี, ผู้ควบคุมวง Mikhail Yurovsky, ผู้กำกับ Moshe Leiser, Patrice Corrier, จัดแสดงโดยโรงละคร Mariinsky) ในปี 2546 เธอได้รับประกาศนียบัตรจากการแข่งขันระดับนานาชาติ "New Voices" ใน Gütersloh (ประเทศเยอรมนี) ในปี 2548 เธอได้รับรางวัลที่ 3 ในการแข่งขันโอเปร่านานาชาติชิซูโอกะ (ประเทศญี่ปุ่น) ในปี พ.ศ. 2549 - รางวัลที่ 3 ของการแข่งขันร้องเพลงระดับนานาชาติ ได้รับการตั้งชื่อตาม Francisco Viñas ในบาร์เซโลนา (สเปน) ซึ่งเธอยังได้รับรางวัลพิเศษในฐานะ "นักแสดงดนตรีรัสเซียยอดเยี่ยม", รางวัล "Friends of the Opera Sabadell" และรางวัลจาก Musical Association of Catania (Sicily) ในปี 2009 เธอชนะการแข่งขัน BBC Singer of the World ที่เมืองคาร์ดิฟฟ์ และยังได้รับรางวัล Triumph Youth Grant Award อีกด้วย
Inva Mula เป็นนักร้องโอเปร่าและนักร้องเสียงโซปราโนชาวแอลเบเนีย ครอบครองสถานที่สำคัญใน โอเปร่าเวิลด์ อย่างไรก็ตาม นอกเวทีโอเปร่า เธอเป็นที่รู้จักกันดีในการแสดงเพลงอาเรียในภาพยนตร์เรื่อง The Fifth Element Inva Mula เกิดเมื่อวันที่ 27 มิถุนายน 2506 ในเมืองติรานา ประเทศแอลเบเนีย พ่อของเธอ Avni Mula เป็นนักร้องและนักแต่งเพลงชาวแอลเบเนียที่มีชื่อเสียง ชื่อลูกสาวของเธอ - Inva คือการอ่านชื่อพ่อของเธอแบบย้อนกลับ เธอเรียนร้องเพลงและเปียโนในบ้านเกิดของเธอ ครั้งแรกที่โรงเรียนดนตรี จากนั้นไปที่เรือนกระจกภายใต้การแนะนำของ Nina Mula แม่ของเธอ ในปี 1987 Inva ชนะการแข่งขัน "Singer of Albania" ในเมืองติรานาในปี 1988 ที่การแข่งขัน George Enescu International Competition ในบูคาเรสต์ การแสดงครั้งแรกบนเวทีโอเปร่าเกิดขึ้นในปี 1990 ที่โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ในติรานา โดยรับบทเป็นไลลาในภาพยนตร์เรื่อง "The Pearl Seekers" โดย เจ. บิเซต ในไม่ช้า Inva Mula ออกจากแอลเบเนียและได้งานเป็นนักร้องในคณะนักร้องประสานเสียงของ Paris National Opera (Bastille Opera และ Opera Garnier) ในปี 1992 Inva Mula ได้รับรางวัลชนะเลิศจากการแข่งขันผีเสื้อในบาร์เซโลนา ความสำเร็จหลักหลังจากที่เธอได้รับชื่อเสียงคือรางวัลจากการแข่งขัน Placido Domingo Operalia ครั้งแรกที่ปารีสในปี 1993 งานกาล่าคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายของการแข่งขันนี้จัดขึ้นที่ Opera Garnier แผ่นดิสก์ได้รับการปล่อยตัวและ Placido Domingo เทเนอร์กับผู้ชนะการแข่งขันรวมถึง Inva Mula ทำซ้ำรายการนี้ที่ Bastille Opera เช่นเดียวกับในบรัสเซลส์มิวนิกและออสโล . ทัวร์นี้ดึงดูดความสนใจของเธอและนักร้องก็เริ่มได้รับเชิญให้ไปแสดงที่โรงอุปรากรต่างๆ ทั่วโลก บทบาทของ Inva Mula นั้นกว้างพอสมควร เธอร้องเพลง Gilda ของ Verdi ใน "Rigoletto", Nanette ใน "Falstaff" และ Violetta ใน "La Traviata" บทบาทอื่นๆ ของเธอ ได้แก่ Michaela ใน Carmen, Antonia ใน The Tales of Hoffmann, Musetta and Mimi in La bohème, Rosina ใน The Barber of Seville, Nedda ใน Pagliacci, Magda และ Lisette ใน The Swallow และอื่นๆ อีกมากมาย อาชีพของ Inva Mula ประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่อง เธอแสดงเป็นประจำในโรงอุปรากรยุโรปและระดับโลก รวมถึง La Scala ในมิลาน, โรงละครแห่งรัฐเวียนนา, Arena di Verona, Lyric Opera of Chicago, Metropolitan Opera, Los Angeles Opera เช่นเดียวกับ โรงภาพยนตร์ในโตเกียว, บาร์เซโลนา, โตรอนโต , บิลเบาและอื่น ๆ Inva Mula เลือกปารีสเป็นบ้านของเธอ และตอนนี้ถือว่าเป็นนักร้องชาวฝรั่งเศสมากกว่าชาวแอลเบเนีย เธอแสดงอย่างต่อเนื่องในโรงภาพยนตร์ฝรั่งเศสในตูลูส, มาร์เซย์, ลียงและแน่นอนในปารีส ในปี 2009/10 Inva Mula เปิดฤดูกาล Paris Opera ที่Opéra Bastille ซึ่งนำแสดงโดย Mireille ที่ไม่ค่อยได้แสดงของ Charles Gounod Inva Mula ได้ออกอัลบั้มหลายอัลบั้ม รวมถึงรายการโทรทัศน์และวิดีโอบันทึกการแสดงของเธอในรูปแบบดีวีดี รวมถึงโอเปร่า La bohème, Falstaff และ Rigoletto การบันทึกโอเปร่า The Swallow กับผู้ควบคุมวง Antonio Pappano และ London Symphony Orchestra ในปี 1997 ได้รับรางวัล Gramophone Award สาขา "Best Recording of the Year" จนถึงกลางทศวรรษ 1990 Inva Mula แต่งงานกับนักร้องและนักแต่งเพลงชาวแอลเบเนีย Pirro Tchako และในตอนต้นของอาชีพเธอใช้นามสกุลของสามีหรือนามสกุลสอง Mula-Tchako หลังจากการหย่าร้างเธอเริ่มใช้เพียงชื่อจริงของเธอ - Inva มูล. Inva Mula นอกฉากโอเปร่า สร้างชื่อให้ตัวเองด้วยการพากย์เสียงเป็น Diva Plavalaguna (เอเลี่ยนตัวสูงผิวสีฟ้าที่มีหนวดแปดตัว) ในภาพยนตร์แฟนตาซีของ Jean-Luc Besson เรื่อง The Fifth Element ที่นำแสดงโดย Bruce Willis และ Milla Jovovich นักร้องแสดงเพลง "โอ้ท้องฟ้าแจ่มใส! .. เสียงหวาน" (Oh, giusto cielo! .. Il dolce suono) จากโอเปร่า "Lucia di Lammermoor" โดย Gaetano Donizetti และเพลง "Diva's Dance" ซึ่งส่วนใหญ่ เป็นไปได้ว่าเสียงจะถูกประมวลผลทางอิเล็กทรอนิกส์เพื่อให้ได้ความสูงที่มนุษย์เป็นไปไม่ได้ แม้ว่าผู้สร้างภาพยนตร์จะอ้างว่าตรงกันข้าม ผู้กำกับ Luc Besson อยากให้เสียงของนักร้องคนโปรด Maria Callas ถูกใช้ในภาพยนตร์ แต่คุณภาพของเสียงที่บันทึกได้ไม่ดีพอที่จะนำไปใช้ในเพลงประกอบภาพยนตร์ และ Inva Mula ก็ถูกนำตัวมาพากย์เสียง .
Yulia Novikova เป็นนักร้องโอเปร่าและนักร้องเสียงโซปราโนชาวรัสเซีย Yulia Novikova เกิดที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 2526 เธอเริ่มเล่นดนตรีเมื่ออายุ 4 ขวบ เธอจบการศึกษาด้วยเกียรตินิยมจากโรงเรียนดนตรี (เปียโนและฟลุต) เป็นเวลาเก้าปีที่เธอเป็นสมาชิกและศิลปินเดี่ยวของ Children's Choir of Television and Radio of St. Petersburg ภายใต้การดูแลของ S.F. กริบคอฟ. ในปี 2549 เธอสำเร็จการศึกษาด้วยเกียรตินิยมจาก St. Petersburg State Conservatory บน. Rimsky-Korsakov ในชั้นเรียนแกนนำ (ครู O.D. Kondina) ในระหว่างที่เธอศึกษาที่เรือนกระจก เธอได้แสดงที่โรงละครโอเปร่าในบทบาทของซูซาน ("การแต่งงานของฟิกาโร"), เซอร์ปินา ("สาวใช้"), มาร์ธา ("เจ้าสาวของซาร์") และวิโอเลตตา ("ลา ทราเวียตา") . Yulia Novikova เปิดตัวอย่างมืออาชีพในปี 2549 ที่โรงละคร Mariinsky ในชื่อ Flora ในภาพยนตร์โอเปร่าของ B. Britten เรื่อง The Turn of the Screw (ผู้ควบคุมวง V. A. Gergiev และ P. A. Smelkov) จูเลียได้รับสัญญาถาวรฉบับแรกของเธอที่โรงละครดอร์ทมุนด์เมื่อเธอยังเป็นนักเรียนที่เรือนกระจก ในปี 2549-2551 Yuliya แสดงบทของ Olympia (The Tales of Hoffmann), Rosina (The Barber of Seville), Queen of Shemakha (The Golden Cockerel) และ Gilda (Rigoletto) ที่โรงละครดอร์ทมุนด์รวมถึงส่วนหนึ่งของราชินีแห่ง คืน (The Magic Flute) ในแฟรงค์เฟิร์ตโอเปร่า ในฤดูกาล 2008-2009 จูเลียกลับมาพร้อมกับส่วนหนึ่งของราชินีแห่งราตรีที่โรงละครโอเปร่าแฟรงค์เฟิร์ต และได้แสดงบทนี้ในเมืองบอนน์ด้วย นอกจากนี้ในฤดูกาลนี้ ออสการ์ ("Un ballo in maschera"), Medoro ("Furious Orlando" โดย Vivaldi), Blondchen ("การลักพาตัวจาก Seraglio") ได้แสดงที่ Bonn Opera, Gilda - ในLübeck, Olympia - ที่ Komisch โอเปร่า (เบอร์ลิน) ฤดูกาล 2552-2553 เริ่มต้นด้วยการแสดงที่ประสบความสำเร็จในฐานะ Gilda ในการผลิตรอบปฐมทัศน์ของ Rigoletto ที่ Berlin Comische Opera ตามมาด้วย Queen of the Night at the Hamburg และ Vienna State Operas ที่ Berlin Staatsoper, Gilda และ Adina ("Love Potion") ที่ Bonn Opera, Zerbinetta ("Ariadne auf Naxos") ที่ Strasbourg Opera, Olympia ที่ Komisch Opera และ Rosina ที่ Stuttgart เมื่อวันที่ 4 และ 5 กันยายน 2010 จูเลียแสดงบทของ Gilda ในการถ่ายทอดสดทางโทรทัศน์เรื่อง "Rigoletto" จาก Mantua ถึง 138 ประเทศ (โปรดิวเซอร์ A. Andermann, ผู้ควบคุมวง Z. Meta, ผู้กำกับ M. Belocchio, Rigoletto P. Domingo เป็นต้น .) ในฤดูกาล 2553-2554 Yuliya จะแสดงร่วมกับ Amina (Sleepwalker) ใน Bonn, Norina (Don Pasquale) ใน Washington, Gilda ที่ Komisch Opera Berlin, Olympia ที่ Frankfurt Opera และ Oscar, Queen of the Night, Zerbinetta และ Adina ที่โรงละครแห่งรัฐเวียนนา Yulia Novikova ก็ปรากฏตัวในคอนเสิร์ตเช่นกัน จูเลียได้แสดงร่วมกับ Duisburg Philharmonic Orchestra (นำแสดงโดย J. ดาร์ลิงตัน) ร่วมกับ Deutsche Radio Philharmonie (ผบ. Ch. Poppen) และในบอร์โดซ์ แนนซี่ ปารีส (ชองส์เอลิเซ่) คาร์เนกีฮอลล์ (นิวยอร์ก) คอนเสิร์ตเดี่ยวจัดขึ้นที่ Grachten Festival ในอัมสเตอร์ดัมและเทศกาล Muziekdriedaagse ในกรุงเฮก งานกาล่าคอนเสิร์ตที่ Budapest Opera แผนที่ใกล้ที่สุด ได้แก่ คอนเสิร์ตกับ Bern Chamber Orchestra และคอนเสิร์ตปีใหม่ในกรุงเวียนนา Yulia Novikova - ผู้ชนะและผู้ได้รับรางวัลระดับนานาชาติหลายคน การแข่งขันดนตรี: - Operalia (บูดาเปสต์, 2009) - รางวัลที่หนึ่งและรางวัลผู้ชม; - เปิดตัวเพลง (Landau, 2008) - ผู้ชนะ, ผู้ชนะรางวัล Emmerich Resin Prize; - New Voices (Gütersloh, 2007) - รางวัลตัวเลือกผู้ชม; - การแข่งขันระดับนานาชาติในเจนีวา (2007) - รางวัลตัวเลือกผู้ชม; - การแข่งขันระดับนานาชาติ วิลเฮล์ม สเตนฮัมมาร์ (Norrköpping, 2006) - รางวัลที่สามและรางวัลสำหรับ ประสิทธิภาพที่ดีที่สุดเพลงสวีเดนร่วมสมัย ข้อมูลจากเว็บไซต์อย่างเป็นทางการของนักร้อง Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/
Samara Academic Opera and Ballet Theatre เป็นโรงละครดนตรีในเมือง Samara ประเทศรัสเซีย โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์วิชาการ Samara เป็นโรงละครดนตรีที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งของรัสเซีย การเปิดโรงละครเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 1 มิถุนายน พ.ศ. 2474 โดยมีบอริส Godunov โอเปร่าของ Mussorgsky นักดนตรีชาวรัสเซียที่โดดเด่นยืนอยู่ที่ต้นกำเนิดของมัน - นักเรียนของ Taneyev และ Rimsky-Korsakov ผู้ควบคุมวงและนักแต่งเพลง Anton Eikhenvald ผู้ควบคุมวงโรงละคร Bolshoi Ariy Pazovsky ผู้ควบคุมวงชาวรัสเซียชื่อดัง Isidor Zak ผู้อำนวยการโรงละคร Bolshoi Iosif Lapitsky ผู้เชี่ยวชาญเช่นผู้ควบคุมวง Savely Bergolts, Lev Ossovsky, ผู้กำกับ Boris Ryabikin, นักร้อง Alexander Dolsky, ศิลปินประชาชนของยูเครน SSR Nikolai Poludyonny, ศิลปินชาวรัสเซีย Viktor Chernomortsev, ศิลปินประชาชนของ RSFSR, ศิลปินเดี่ยวในอนาคตของโรงละคร Bolshoi Natalia Shpiller, Larisa Boreiko ป้อนชื่อของพวกเขาในประวัติศาสตร์ของโรงละครและอื่น ๆ อีกมากมาย คณะบัลเล่ต์นำโดย Evgenia Lopukhova ศิลปินเดี่ยวของ Mariinsky Theatre ผู้มีส่วนร่วมในฤดูกาล Diaghilev ในตำนานในปารีส เธอเปิดชุดนักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเป็นผู้นำบัลเล่ต์ Samara ในหลาย ๆ ปี ปรมาจารย์บัลเล่ต์ของโรงละคร Samara เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่มีความสามารถ นักเรียนของ Agrippina Vaganova Natalya Danilova นักบัลเล่ต์ในตำนานแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Alla Shelest ศิลปินเดี่ยวของโรงละคร Mariinsky Igor Chernyshev ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต Nikita Dolgushin โรงละครกำลังได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว ผลงานการผลิตในช่วงทศวรรษที่ 1930 มีการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์คลาสสิก: โอเปร่าโดย Tchaikovsky, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, บัลเล่ต์โดย Tchaikovsky, Minkus, Adana โรงละครยังให้ความสนใจอย่างมากกับละครสมัยใหม่ตามข้อกำหนดของเวลา ในช่วงก่อนสงคราม โอเปร่า The Steppe โดย A. Eikhenwald, Tanya โดย Kreitner, The Taming of the Shrew โดย Shebalin และคนอื่นๆ จัดแสดงเป็นครั้งแรกในประเทศ ในโปสเตอร์มีหนังสือหลายสิบเรื่อง ตั้งแต่หนังสือคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 (“Medea” โดย Cherubini, “The Secret Marriage” โดย Cimarosa) และอีกเล็กน้อย ผลงานที่ทำคีตกวีชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ("Servilia" โดย Rimsky-Korsakov "The Enchantress" โดย Tchaikovsky, "The Elka" โดย Rebikov) จนถึงเปรี้ยวจี๊ดของยุโรปในศตวรรษที่ 20 (“The Dwarf” โดย von Zemlinsky, “The Wedding” โดย Stravinsky, “Arlekino” โดย Busoni) หน้าพิเศษในชีวิตของโรงละครคือการสร้างร่วมกับนักเขียนในประเทศสมัยใหม่ คีตกวีชาวรัสเซียยอดเยี่ยม Sergei Slonimsky และ Andrei Eshpay, Tikhon Khrennikov และ Andrei Petrov มอบความไว้วางใจให้ผลงานของพวกเขาสู่เวทีของเรา การแสดงโอเปร่า Visions of Ivan the Terrible ของ Slonimsky ที่ฉายรอบปฐมทัศน์ของโลก ซึ่งแสดงโดยนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 Mstislav Rostropovich ร่วมกับผู้กำกับการแสดงยอดเยี่ยม Robert Stuua และศิลปิน Georgy Aleksi-Meskhishvili เป็นงานสำคัญที่อยู่ไกลเกินกว่าชีวิตทางวัฒนธรรมของ Samara ในช่วงเริ่มต้นของมหาสงครามแห่งความรักชาติ สถานการณ์ทางวัฒนธรรมในเมืองก็เปลี่ยนไปอย่างมาก ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2484 โรงละคร State Bolshoi แห่งสหภาพโซเวียตได้อพยพไปยัง Kuibyshev/Samara ("ทุนสำรอง") ความคิดริเริ่มทางศิลปะส่งผ่านไปยังผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของฉากโอเปร่าและบัลเล่ต์ของสหภาพโซเวียต สำหรับปี พ.ศ. 2484 - 2486 โรงละครบอลชอยแสดงโอเปร่าและบัลเลต์ 14 ชิ้นในซามารา นักร้องชื่อดังระดับโลก Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reizen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, นักบัลเล่ต์ Olga Lepeshinskaya แสดงบนเวที Samara, Samosud, Fire, Melik-Pashayev จนถึงฤดูร้อนปี 2486 กลุ่มโรงละครบอลชอยอาศัยและทำงานใน Kuibyshev ด้วยความกตัญญูสำหรับความช่วยเหลือจากชาวบ้านในช่วงเวลาที่ยากลำบากนี้ ศิลปินมาที่แม่น้ำโวลก้ามากกว่าหนึ่งครั้งหลังสงครามพร้อมกับผลงานใหม่ของพวกเขา เช่นเดียวกับละครประวัติศาสตร์ในช่วงสงคราม ในปี 2548 ในการฉลองครบรอบ 60 ปีแห่งชัยชนะในมหาสงครามแห่งความรักชาติ พนักงานของโรงละครบอลชอยแห่งรัสเซียได้ให้ผู้ชมซามาราได้พบกับงานศิลปะของพวกเขาครั้งใหม่ การแสดงทัวร์และคอนเสิร์ต (บัลเล่ต์ "The Bright Stream" ของ Shostakovich, โอเปร่า Mussorgsky "Boris Godunov", Victory Symphony อันยิ่งใหญ่ - Seventh Symphony ของ Shostakovich คอนเสิร์ตของวงดนตรีทองเหลืองและศิลปินเดี่ยวโอเปร่า) ประสบความสำเร็จอย่างมีชัย ตามที่ระบุไว้ ผู้บริหารสูงสุดโรงละคร Bolshoi แห่งรัสเซีย A. Iksanov“ สำหรับทีมงานทั้งหมดของโรงละคร Bolshoi ทัวร์นี้เป็นอีกโอกาสหนึ่งในการแสดงความขอบคุณอย่างสุดซึ้งต่อผู้คนใน Samara สำหรับความจริงที่ว่าในช่วงสงครามที่ยากลำบากที่สุดโรงละคร Bolshoi พบบ้านหลังที่สองที่นี่ ” จุดสุดยอดของชีวิตดนตรีของ Samara ในศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์อย่างแท้จริงคือการแสดงซิมโฟนีที่เจ็ด ("เลนินกราด") ของ Dmitri Shostakovich บนเวที Samara Opera House ผลงานอันยิ่งใหญ่สะท้อนให้เห็นถึงเหตุการณ์โศกนาฏกรรมในยามสงครามที่ถ่ายทอดความยิ่งใหญ่ของความสามารถของทหารโซเวียตได้เสร็จสิ้นโดยนักแต่งเพลงในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2484 ขณะอพยพไปยัง Samara และดำเนินการโดย Bolshoi Theatre Orchestra ภายใต้การดูแลของ Samuil Samosud เมื่อวันที่ 5 มีนาคม , พ.ศ. 2485 โรงละครมีชีวิตที่เข้มข้น การฟื้นฟูกำลังเสร็จสมบูรณ์ ชื่อใหม่ปรากฏขึ้นบนโปสเตอร์ นักร้องและนักเต้นชนะการแข่งขันระดับนานาชาติและระดับรัสเซียอันทรงเกียรติ กองกำลังสร้างสรรค์ใหม่กำลังหลั่งไหลเข้ามาในคณะ ทีมงานโรงละครภาคภูมิใจในความเข้มข้นของบุคคลที่มีความสามารถและมีความคิดสร้างสรรค์ที่สดใส ศิลปินผู้มีเกียรติของรัสเซีย Mikhail Gubsky และ Vasily Svyatkin เป็นศิลปินเดี่ยวไม่เพียงแต่ที่โรงละคร Samara แต่ยังอยู่ที่โรงละคร Bolshoi แห่งรัสเซียและโรงละครโอเปร่ามอสโกโนวายาอีกด้วย Anatoly Nevdakh มีส่วนร่วมในการแสดงของโรงละคร Bolshoi Andrey Antonov ประสบความสำเร็จในการแสดงบนเวทีของโรงละครรัสเซียและต่างประเทศ ระดับของคณะโอเปร่าได้รับการพิสูจน์ด้วยการปรากฏตัวของนักร้อง "ชื่อ" จำนวนมาก: ศิลปิน 5 คน, ศิลปินที่มีเกียรติ 8 คน, ผู้ได้รับรางวัล 10 คนจากการแข่งขันระดับนานาชาติและรัสเซียทั้งหมด มีคนหนุ่มสาวที่มีความสามารถมากมายในคณะ ซึ่งศิลปินรุ่นก่อนเต็มใจแบ่งปันความลับของความเชี่ยวชาญ ตั้งแต่ปี 2008 คณะบัลเล่ต์ของโรงละครได้ยกระดับมาตรฐานขึ้นอย่างมาก ทีมโรงละครนำโดยศิลปินผู้มีเกียรติแห่งรัสเซีย Kirill Shmorgoner ซึ่งเป็นผู้ให้เกียรติคณะบัลเล่ต์ของโรงละคร Perm มาเป็นเวลานาน K. Shmorgoner เชิญนักเรียนกลุ่มใหญ่ของเขามาที่โรงละครซึ่งสำเร็จการศึกษาจากสถาบันการศึกษาที่ดีที่สุดแห่งหนึ่งในประเทศ - โรงเรียน Perm Choreographic School นักเต้นบัลเลต์รุ่นเยาว์ Ekaterina Pervushina และ Viktor Malygin ได้รับรางวัลการแข่งขันระดับนานาชาติของ Arabesque อันทรงเกียรติ นักเต้น Samara ทั้งกลุ่มประสบความสำเร็จในการแสดงที่ เทศกาลรัสเซียทั้งหมดเกมส์เดลฟิค. ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา โรงละครได้จัดรอบปฐมทัศน์หลายครั้งซึ่งได้รับการตอบรับอย่างดีจากผู้ชม: โอเปร่า Mozart และ Salieri โดย Rimsky-Korsakov, The Moor โดย Stravinsky, The Maid โดย Pergolesi, Eugene Onegin โดย Tchaikovsky, Rigoletto โดย Verdi, Madama Butterfly" โดย Puccini, ท่าเต้น "The Wedding" โดย Stravinsky, บัลเล่ต์ของ Hertel "Vain Precaution" โรงละครให้ความร่วมมืออย่างแข็งขันในการผลิตเหล่านี้กับผู้เชี่ยวชาญของมอสโกจากโรงละครบอลชอย, โรงละครโอเปร่า Novaya และโรงละครอื่น ๆ ในรัสเซีย การแสดงละครเพลงสำหรับเด็กได้รับความสนใจเป็นอย่างมาก ศิลปินโอเปร่าและบัลเล่ต์ยังแสดงบนเวทีคอนเสิร์ตอีกด้วย เส้นทางท่องเที่ยวของโรงละคร ได้แก่ บัลแกเรีย เยอรมนี อิตาลี สเปน จีน เมืองรัสเซีย การฝึกเดินทางอย่างเข้มข้นของโรงละครทำให้สามารถทำความคุ้นเคยกับผลงานล่าสุดและผู้อยู่อาศัยในภูมิภาค Samara หน้าที่สดใสในชีวิตของโรงละครคือเทศกาลต่างๆ รวมถึงเทศกาลบัลเล่ต์คลาสสิก Alla Shelest, เทศกาล Basses ระดับนานาชาติแห่งศตวรรษที่ 21, Five Evenings in Togliatti และเทศกาล Samara Spring Opera ต้องขอบคุณการริเริ่มเทศกาลของโรงละคร ผู้ชม Samara สามารถทำความคุ้นเคยกับศิลปะของปรมาจารย์โอเปร่าและบัลเล่ต์ที่ใหญ่ที่สุดในประเทศและต่างประเทศหลายสิบคน แผนการสร้างสรรค์ของโรงละครรวมถึงการผลิตโอเปร่า "Prince Igor", บัลเล่ต์ "Don Quixote", "The Sleeping Beauty" ภายในวันครบรอบ 80 ปี โรงละครมีแผนจะแสดงโอเปร่า Boris Godunov ของ Mussorgsky ซึ่งจะกลับมาสู่จุดเริ่มต้นที่เวทีใหม่ในการพัฒนาประวัติศาสตร์ อาคารสีเทาขนาดใหญ่ตั้งตระหง่านบนจัตุรัสกลางเมือง - ตามที่นักวิจารณ์ศิลปะกล่าวว่า "อนุสาวรีย์อันยิ่งใหญ่แห่งยุคปลาย" สไตล์ pilonade "ที่เพิ่มความคลาสสิกที่โหดร้าย" "ตัวอย่างที่ชัดเจนของสถาปัตยกรรมในยุค 30" ผู้เขียนโครงการคือสถาปนิก Leningrad N.A. Trotsky และ N.D. Katseleneggbogen ผู้ชนะการแข่งขันเพื่อสร้าง Palace of Culture ในปี 1935 โรงละครตั้งอยู่ในส่วนกลางของอาคาร ในปีกซ้ายบางครั้งมีห้องสมุดระดับภูมิภาคในปีกขวา - โรงเรียนกีฬาและพิพิธภัณฑ์ศิลปะ ในปีพ.ศ. 2549 ได้มีการบูรณะอาคารขึ้นใหม่ ซึ่งกำหนดให้มีการขับไล่โรงเรียนกีฬาและพิพิธภัณฑ์ออกไป ในปีพ.ศ. 2553 ซึ่งเป็นช่วงครบรอบปีที่โรงละคร ได้มีการบูรณะปฏิสังขรณ์แล้วเสร็จ ที่มา: เว็บไซต์ทางการของ Samara Opera and Ballet Theatre
Bastille Opera (opera de la Bastille) เป็นโรงอุปรากรสมัยใหม่ในกรุงปารีส ประเทศฝรั่งเศส สร้างขึ้นในปี 1989 ร่วมกับ Opéra Garnier พวกเขาก่อตั้งองค์กรการค้าสาธารณะ "State Paris Opera" เป็นโรงอุปรากรที่ใหญ่ที่สุดในยุโรปโดยมีห้องโถงใหญ่จำนวน 2703 ที่นั่ง ข้อเสนอให้สร้างโรงอุปรากรแห่งใหม่ในปารีสนอกเหนือจากที่มีอยู่แล้วได้รับการเสนอชื่อในช่วงต้นปี พ.ศ. 2511 โดยกลุ่มความคิดริเริ่มนำโดย นักแต่งเพลง Pierre Boulez, นักออกแบบท่าเต้น Maurice Béjart และผู้กำกับ Jean Vilar ในปี 1982 ประธานาธิบดี Francois Mitterrand ตัดสินใจสร้างโอเปร่าใหม่ในปารีส "ทันสมัยและเป็นที่นิยม" โดยนำดนตรีคลาสสิกไปสู่มวลชน ซึ่งOpéra Garnier ไม่สามารถรับมือได้อีกต่อไป ในปีพ.ศ. 2526 มีการจัดการแข่งขันระดับนานาชาติซึ่งมีการส่งโครงการ 756 โครงการจากสถาปนิกมากกว่า 1,700 คน ผู้ชนะการแข่งขันคือสถาปนิกที่รู้จักกันน้อยจากอุรุกวัยและอาศัยอยู่ในแคนาดา Carlos Ott ในการสร้างโรงอุปรากรแห่งใหม่ มีการเลือกสถานที่ใกล้กับปลาซเดอลาบาสตีย์ ซึ่งเป็นที่ตั้งของสถานีรถไฟที่ไม่ได้ใช้งานซึ่งให้บริการในเมืองตั้งแต่ปี พ.ศ. 2402 ถึง พ.ศ. 2512 ซึ่งจัดแสดงนิทรรศการหลายครั้งในช่วงที่มีการรื้อถอน การรื้อสถานี Bastille เริ่มขึ้นในปี 1984 การเปิดโรงละครครั้งใหญ่เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 13 กรกฎาคม 1989 ซึ่งเป็นวันครบรอบ 200 ปีของการบุกโจมตี Bastille ต่อหน้าประมุขของรัฐอื่นๆ โรงละคร Bastille เปิดตัวด้วยการแสดงที่กำกับโดย "The Night Before Morning" ของ Bob Wilson และงานกาล่าคอนเสิร์ตที่มี Teresa Bergansa, Plácido Domingo, Barbara Hendricks และดาราโอเปร่าคนอื่นๆ อย่างไรก็ตาม โรงละครเริ่มทำงานเป็นประจำในวันที่ 17 มีนาคม 1990 โดยผลิตละคร Les Troyens ของ Hector Berlioz อาคารโรงละครส่วนใหญ่ทำจากกระจกสีเทา-น้ำเงิน และมีความสวยงามเป็นพิเศษในตอนกลางคืนเมื่อแสงส่องจากภายใน ห้องโถงใหญ่มีรูปทรงสี่เหลี่ยมผืนผ้า แทนที่จะเป็นรูปเกือกม้าตามแบบฉบับของโรงอุปรากร และผู้ชมจะนั่งอยู่หน้าเวที โรงละครแห่งใหม่มี ระบบที่ซับซ้อนแพลตฟอร์มมือถือที่มีการควบคุมอัตโนมัติ - เก้าฉากสามารถพร้อมได้ในเวลาเดียวกัน หากจำเป็น พวกเขาสามารถเปลี่ยนแปลงได้อย่างรวดเร็วและสลับจากการแสดงหนึ่งเป็นอีกรายการหนึ่งในระหว่างวัน สลับการแสดง ภายในโรงละครมีสี่ห้องโถง: ห้องโถงขนาดใหญ่ 2,703 ที่นั่ง อัฒจันทร์ 450 ที่นั่ง ห้องโถงสตูดิโอ 237 ที่นั่ง และห้องโถง Gounod สำหรับการซ้อมวงออเคสตรา คำติชมและข้อบกพร่อง: ก่อนเริ่มการก่อสร้าง โครงการนี้ทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์และเรื่องอื้อฉาวมากมาย บางคนพบว่าอาคารมีขนาดใหญ่และเทอะทะเกินไป ซึ่งไม่สอดคล้องกับสถาปัตยกรรมโดยรอบ และเรียกอาคารนี้ว่า "ยักษ์ใหญ่" ปีแรกของการดำเนินงานโรงละครมาพร้อมกับความล้มเหลวบ่อยครั้งของการควบคุมกลไกเวทีอัตโนมัติหลังจากนั้นพวกเขาก็ถูกดีบั๊ก ห้องโถงใหญ่เกินไปและที่นั่งอยู่ห่างจากเวที บันไดยาวเกินไป เสียง "เย็น" เนื่องจากการเสื่อมสภาพอย่างรวดเร็วของส่วนหน้าของอาคารตั้งแต่ปีพ. ศ. 2539 การเคลือบด้านนอกเริ่มหลุดออกจากมันซึ่งเป็นอันตรายต่อผู้สัญจรไปมาและโรงละครถูกบังคับให้คลุมด้วยตาข่ายป้องกันเป็นเวลานาน รัฐเริ่มฟ้องร้องผู้รับเหมาโดยกล่าวหาว่าพวกเขาทำงานต่ำกว่ามาตรฐาน รัฐชนะกระบวนการนี้ในปี 2550 เท่านั้น และเริ่มปรับปรุงส่วนหุ้มอาคารที่ทรุดโทรม
The Metropolitan Opera เป็นโรงละครดนตรีที่ Lincoln Center ในนิวยอร์ก นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา โรงอุปรากรที่ใหญ่ที่สุดในโลก มักเรียกสั้น ๆ ว่า "The Met" โรงละครอยู่ในเวทีโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของโรงละครคือ James Levine ซีอีโอ - ปีเตอร์ เกลบ์ สร้างขึ้นโดยค่าใช้จ่ายของ Metropolitan Opera House Company เงินอุดหนุนจากบริษัทที่ร่ำรวยบุคคล Metropolitan Opera เปิดตัวด้วยการแสดงของ Faust ของ Charles Gounod เมื่อวันที่ 22 ตุลาคม พ.ศ. 2426 โดยมีนักร้องเสียงโซปราโนชาวสวีเดน Christina Nilsson เป็นนักแสดงนำ โรงละครเปิดเจ็ดเดือนต่อปี: ตั้งแต่เดือนกันยายนถึงเมษายน มีการแสดงโอเปร่าประมาณ 27 เรื่องต่อฤดูกาล มีการแสดงทุกวัน รวมทั้งหมดประมาณ 220 การแสดง ตั้งแต่เดือนพฤษภาคมถึงมิถุนายน โรงละครจะมีทัวร์ นอกจากนี้ ในเดือนกรกฎาคม โรงละครยังให้การแสดงฟรีในสวนสาธารณะของนิวยอร์ก ซึ่งรวบรวมผู้ชมจำนวนมาก มีการถ่ายทอดสดทางวิทยุและโทรทัศน์เป็นประจำ วงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงของโรงละครทำงานอย่างถาวร ศิลปินเดี่ยวและผู้ควบคุมวงได้รับเชิญภายใต้สัญญาสำหรับฤดูกาลหรือการแสดงบางอย่าง โอเปร่าจะดำเนินการตามธรรมเนียมในภาษาดั้งเดิม พื้นฐานของละครคือความคลาสสิกระดับโลก รวมถึงนักประพันธ์ชาวรัสเซีย Metropolitan Opera แห่งแรกซึ่งออกแบบโดย J. Cleveland Cudi ตั้งอยู่บนบรอดเวย์ ระหว่างถนนสายที่ 39 ถึง 40 ในปีพ.ศ. 2509 โรงละครได้ย้ายไปที่ลินคอล์นเซ็นเตอร์แห่งใหม่ในแมนฮัตตันและมีเวทีหลักหนึ่งเวทีและอีกสามเวที หอประชุมหลักมีความจุ 3,800 ที่นั่ง และถึงแม้จะขนาดก็ขึ้นชื่อเรื่องเสียงที่ยอดเยี่ยม
Teatro San Carlo (Real Teatro di San Carlo) เป็นโรงอุปรากรในเนเปิลส์ ประเทศอิตาลี หนึ่งในโรงอุปรากรที่เก่าแก่ที่สุดในโลก หนึ่งในโรงอุปรากรที่ใหญ่ที่สุดในโลก เป็นมรดกโลกขององค์การยูเนสโก โรงละครซานคาร์โลสร้างขึ้นตามคำสั่งของกษัตริย์เนเปิลส์ที่ 7 (ในสเปนชาร์ลส์ที่ 3) จากสาขาสเปนของราชวงศ์บูร์บงที่ต้องการจัดหาโรงละครแห่งใหม่และใหญ่ขึ้นให้กับเนเปิลส์แทนโรงละครซานบาร์โตโลมีโอที่ล้าสมัยที่สร้างขึ้นในปี 1621. ซานคาร์โลถูกสร้างขึ้นโดยสถาปนิก Giovanni Antonio Medrano และ Angelo Carasale และเปิดตัวเมื่อวันที่ 4 พฤศจิกายน 1737 (แก่กว่า La Scala ในมิลาน 41 ปีและแก่กว่า La Fenice ในเมืองเวนิส 51 ปี) การตกแต่งภายในของโรงละครแห่งใหม่เป็นสีน้ำเงินและสีทอง (สีประจำราชวงศ์บูร์บง) และชื่นชมสถาปัตยกรรมของโรงละคร หอประชุมมีห้าชั้นและกล่องราชวงศ์ขนาดใหญ่ โอเปร่าแรกที่จัดแสดงในซานคาร์โลคือ Achilles auf Skyros ของ Domenico Sarro ซึ่งอิงจากบทละครของกวีและนักเขียนบทละครชื่อดัง Pietro Metastasio เมื่อวันที่ 12 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2359 โรงละครซานคาร์โลถูกทำลายด้วยไฟ อย่างไรก็ตามภายในเก้าเดือนได้สร้างใหม่อย่างรวดเร็วตามโครงการของสถาปนิก Antonio Nicolini และน้อยกว่าหนึ่งปีต่อมาในวันที่ 12 มกราคม พ.ศ. 2360 การเปิดซานคาร์โลใหม่เกิดขึ้นพร้อมกับการแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า Johann Simon Mayr "Partenope's Dream" พิธีเปิดมีท่านที่มีชื่อเสียง นักเขียนชาวฝรั่งเศสสเตนดาลผู้แสดงความประทับใจในโรงละคร: "ไม่มีอะไรในยุโรปเทียบได้กับโรงละครแห่งนี้ ไม่มีอะไรสามารถให้ความคิดแม้แต่น้อยว่ามันคืออะไร ... มันทำให้ตาพร่า มันทำให้จิตวิญญาณมีความสุข ... " ในประวัติศาสตร์ โรงละครซานคาร์โลพลาดเพียงหนึ่งฤดูกาลเต็มของปี 1874/75 การซ่อมแซมและการสร้างใหม่ทั้งหมดที่เหลือซึ่งวางแผนไว้หรือไม่ได้วางแผน เช่นในปี 1816 เนื่องจากไฟไหม้หรือในปี 1943 ระหว่างสงครามโลกครั้งที่สอง เมื่อโรงละครประสบเหตุระเบิด หรือในปี พ.ศ. 2512 เมื่อส่วนหนึ่งของซุ้มพังเพราะฟ้าผ่า พวกเขาก็ถูกยึดอย่างรวดเร็วและโรงละครก็ไม่พลาดทุกฤดูกาล ขั้นตอนสำคัญในการสร้างโรงละครขึ้นใหม่คือในปี พ.ศ. 2387 เมื่อการตกแต่งภายในเปลี่ยนไปและสีแดงและสีทองกลายเป็นสีหลักในปี พ.ศ. 2433 เมื่อวงดนตรีออร์เคสตราถูกนำไปใช้งานและต่อมาเมื่อโรงละครถูกไฟฟ้าและใหม่ ปีกติดอยู่กับอาคาร ในประวัติศาสตร์ล่าสุด โรงละครได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง งานล่าสุดดำเนินการในปี 2550 และ 2551 ในระหว่างการบูรณะครั้งล่าสุด ที่นั่งทั้งหมดถูกแทนที่ทั้งหมด ติดตั้งระบบปรับอากาศ และการตกแต่งนูนปิดทองทั้งหมด จำนวนที่นั่งคือ 3285 ในศตวรรษที่ 17 และ 18 โรงเรียนโอเปร่าของนักประพันธ์เพลง Neopolitan ประสบความสำเร็จอย่างมากทั่วยุโรปทั้งในด้านโอเปร่าบัฟฟาและในละครโอเปร่า ตัวแทนของโรงเรียนแห่งนี้ ได้แก่ นักแต่งเพลง Francesco Feo (1691-1761), Nicola Porpora (1686-1768), Tommaso Traetta (1727-1779), Niccolò Piccinni (1728-1800), Leonardo da Vinci (อื่นๆ) (1690-1730) ), Pasquale Anfossi (1727-1797), Francesco Durante (1684-1755), Niccolo Iomelli (1714-1774), Domenico Cimarosa (1749-1801), Giovanni Paisiello (1741-1816), Nicolo Zingarelli (1752-1837), Giuseppe Gazzaniga (1743-1818) และอื่น ๆ อีกมากมาย เนเปิลส์เป็นหนึ่งในเมืองหลวงของดนตรียุโรปและบางส่วน นักแต่งเพลงต่างประเทศมาโดยเฉพาะเพื่อให้งานรอบปฐมทัศน์ของพวกเขาในซานคาร์โลในหมู่พวกเขา Johann Adolf Hasse (ซึ่งต่อมายังคงอยู่ใน Naples), Joseph Haydn, Johann Christian Bach, Christoph Willibald Gluck ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1815 ถึง พ.ศ. 2365 โจอัคคิโน รอสซินีเป็นผู้อำนวยการด้านดนตรีและศิลป์ของโรงอุปรากรหลวง รวมทั้งซานคาร์โล ที่นี่เขาจัดรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าสิบเรื่องของเขา: "Elizabeth, Queen of England" (1815), "The Newspaper", "Othello" (1816), "Armida", (2360) "Moses in Egypt", "Ricciardo and Zoraida" (1818), "Hermione", "Bianca and Faliero", "Eduard and Christina", "Lady of the Lake" (1819), "Mohammed II" (1820) และ "Zelmira" (1822) ในเมืองเนเปิลส์ Rossini ได้พบกับภรรยาในอนาคตของเขา Isabella Colbran นักร้องที่โรงละคร San Carlo ดาราจักรทั้งดาราจักรของนักร้องชื่อดังทำงาน (หรือแสดงเป็นประจำ) ในโรงละคร ในหมู่พวกเขาคือ Manuel Garcia ซึ่งเป็นนักร้องและอาจารย์ที่มีชื่อเสียง เขาเป็นบิดาของนักร้องเสียงโซปราโนในตำนานสองคนในสมัยของเขา - Maria Malibran และ Pauline Viardot นักร้องชื่อดังคนอื่นๆ ได้แก่ คลอรินดา คอร์ราดี, มาเรีย มาลิบราน, จิวดิตตา พาสต้า, จิโอวานนี บัตติสตา รูบินี และนักดนตรีชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่สองคน - อดอล์ฟ นูร์รี และกิลเบิร์ต ดูเพร หลังจาก Rossini Gaetano Donizetti ดาราโอเปร่าชาวอิตาลีอีกคนหนึ่งกลายเป็นผู้กำกับศิลป์ของโรงอุปรากรของราชวงศ์ โดนิเซ็ตติยังคงอยู่ในตำแหน่งนี้ระหว่างปี ค.ศ. 1822 ถึง ค.ศ. 1838 และเขียนโอเปร่าสิบหกเรื่อง รวมถึง "Mary Stuart" (1834), "Roberto Devereux" (1837), "Polyeuct" (1838) และ "Lucia di Lammermoor" (1835) ที่มีชื่อเสียง Vincenzo Belini จัดฉายรอบปฐมทัศน์ของ "Bianca and Fernando" ในซานคาร์โล Giuseppe Verdi นำเสนอที่นี่ "Alzira" (1845) และ "Louise Miller" (1849) รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าที่สาม "Gustav III" ของเขาถูกห้ามโดยเซ็นเซอร์ (และ ไม่เคยออกมาในรูปแบบเดิม ต่อมาได้มีการนำเสนอฉบับปรับปรุงในกรุงโรมภายใต้ชื่อ "Masquerade Ball") ในศตวรรษที่ 20 คีตกวีและวาทยกร เช่น Giacomo Puccini, Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea ทำงานและแสดงโอเปร่าในโรงละคร
Teatro Massimo (อิตาลี: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) เป็นโรงอุปรากรในปาแลร์โม ประเทศอิตาลี โรงละครตั้งชื่อตาม King Victor Emmanuel II แปลจากภาษาอิตาลี Massimo หมายถึงที่ใหญ่ที่สุดและยิ่งใหญ่ที่สุด - คอมเพล็กซ์สถาปัตยกรรมของโรงละครที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาอาคารของโรงละครโอเปร่าในอิตาลีและใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในยุโรป ในเมืองปาแลร์โม เมืองใหญ่อันดับสองทางตอนใต้ของอิตาลี มีคนพูดถึงความต้องการโรงอุปรากรในเมืองนี้มานานแล้ว ในปีพ.ศ. 2407 นายกเทศมนตรีเมืองปาแลร์โม อันโตนิโอ รูดินี ประกาศการแข่งขันระดับนานาชาติสำหรับการก่อสร้างโรงอุปรากรใหญ่ ซึ่งควรจะทำให้รูปลักษณ์ของเมืองสวยงามและยกระดับภาพลักษณ์ของเมืองในแง่ของความเป็นเอกภาพระดับชาติล่าสุดของอิตาลี ในปี 1968 Giovanni Battista Filippo Basile สถาปนิกชื่อดังในซิซิลีได้รับเลือกจากการแข่งขัน สำหรับโรงละครแห่งใหม่ได้มีการกำหนดสถานที่ซึ่งเป็นที่ตั้งของโบสถ์และอารามของ San Giuliano แม้ว่าจะมีการประท้วงของแม่ชีฟรานซิสกันก็ตาม ตามตำนานเล่าว่า "แม่ชีผู้เป็นใหญ่" ยังคงเดินเตร่ไปตามห้องโถงของโรงละคร และบรรดาผู้ที่ไม่เชื่อในพระนางก็มักจะสะดุดก้าวเดียว ("ขั้นตอนของภิกษุณี") ที่ทางเข้าโรงละคร การก่อสร้างเริ่มต้นด้วยพิธีวางศิลาฤกษ์ก้อนแรกในวันที่ 12 มกราคม พ.ศ. 2418 แต่คืบหน้าไปอย่างช้าๆ เนื่องจากขาดเงินทุนและเรื่องอื้อฉาวอย่างต่อเนื่อง ในปีพ.ศ. 2425 ได้หยุดนิ่งเป็นเวลาแปดปีและกลับมาดำเนินการใหม่ในปี พ.ศ. 2433 เท่านั้น ในปี 1891 สถาปนิก Giovanni Basile เสียชีวิตก่อนที่จะเปิดโครงการของเขา Ernesto Basile ลูกชายของเขายังคงทำงานต่อไป เมื่อวันที่ 16 พฤษภาคม พ.ศ. 2440 22 ปีหลังจากเริ่มการก่อสร้าง โรงละครได้เปิดประตูต้อนรับผู้ชื่นชอบโอเปร่า โอเปร่าแรกที่จัดแสดงบนเวทีคือ Falstaff ของ Giuseppe Verdi ที่กำกับโดย Leopoldo Mugnone Giovani Basile ได้รับแรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรมซิซิลีโบราณ ดังนั้นโรงละครจึงสร้างขึ้นในสไตล์นีโอคลาสสิกที่เรียบง่ายพร้อมองค์ประกอบของวัดกรีกโบราณ บันไดขนาดใหญ่ที่ทอดไปสู่โรงละคร ประดับประดาด้วยสิงโตทองสัมฤทธิ์แบกรูปปั้นผู้หญิงไว้บนหลัง - "โอเปร่า" และ "โศกนาฏกรรม" เชิงเปรียบเทียบ ตัวอาคารประดับด้วยโดมครึ่งวงกลมขนาดใหญ่ Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni ทำงานเกี่ยวกับการตกแต่งภายในของโรงละครซึ่งได้รับการออกแบบในสไตล์เรเนสซองตอนปลาย โถงรับแขกที่กว้างขวางนำไปสู่หอประชุม ตัวอาคารเป็นรูปทรงเกือกม้า ซึ่งเคยเป็น 7 ชั้นและได้รับการออกแบบสำหรับผู้ชมมากกว่า 3,000 คน ปัจจุบันมีกล่องห้าชั้นและแกลเลอรีที่สามารถรองรับได้ 1381 ที่นั่ง ฤดูกาลแรกประสบความสำเร็จอย่างมาก ขอบคุณนักธุรกิจและวุฒิสมาชิกที่ใหญ่ที่สุด Ignazio Florio ผู้สนับสนุนโรงละครและพยายามทำให้ปาแลร์โมเป็นเมืองหลวงของโอเปร่าเมืองดึงดูดแขกจำนวนมากรวมถึงหัวหน้าที่สวมมงกุฎที่มาเยี่ยมชมโรงละครอย่างต่อเนื่อง วาทยกรและนักร้องชั้นนำได้แสดงที่โรงละคร เริ่มจาก Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi และอื่นๆ อีกมากมาย ในปีพ.ศ. 2517 โรงละคร Massimo ถูกปิดเพื่อบูรณะอย่างสมบูรณ์ แต่เนื่องจากเรื่องอื้อฉาวเรื่องการทุจริตและความไม่มั่นคงทางการเมือง การบูรณะจึงล่าช้าไป 23 ปี เมื่อวันที่ 12 พฤษภาคม 1997 สี่วันก่อนครบรอบหนึ่งร้อยปี โรงละครได้เปิดขึ้นอีกครั้งด้วยการแสดง Second Symphony โดย G. Mahler แต่การบูรณะยังไม่เสร็จสมบูรณ์ และการแสดงโอเปร่าครั้งแรกจัดขึ้นในปี 1998 - "Aida" โดย Verdi และเปิดการแสดงโอเปร่าตามปกติในปี 2542
Perm Academic Opera and Ballet Theatre ตั้งชื่อตาม P.I. ไชคอฟสกีเป็นหนึ่งใน โรงละครที่เก่าแก่ที่สุดรัสเซีย. โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ Perm ยังคงเป็นศูนย์กลางดนตรีที่ใหญ่ที่สุดของประเทศมาเป็นเวลากว่าหนึ่งศตวรรษของประวัติศาสตร์อย่างสม่ำเสมอ ซึ่งเป็นเจ้าภาพจัดงานสำคัญต่างๆ ที่สร้างสรรค์ ในโรงละครซึ่งมักถูกเรียกว่าบ้านไชคอฟสกี ผลงานบนเวทีทั้งหมดของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ได้จัดแสดงไว้ ใน "กองทุนทองคำ" ของละคร งานคลาสสิค โบโรดิน, มุสซอร์กสกี, ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ โรงละครกลับมาสู่ผู้ชมและผืนผ้าใบดนตรีที่ถูกลืมอย่างไม่สมควร เป็นครั้งแรกในรัสเซียที่โรงละครโอเปร่า "Foam of Days" โดย E. Denisov, "Cleopatra" โดย J. Massenet, "Lolita" โดย R. Shchedrin ตามนวนิยายของ V. Nabokov, "Alcina ” โดย GF ฮันเดล "Orpheus" โดย C. Monteverdi "Christ" โดย A. Rubinstein บัลเลต์แห่งที่สามเมกกะหลังมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเรียกว่าดัดซึ่งถัดจากคณะบัลเล่ต์วิชาการมีโรงเรียนออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียง นับตั้งแต่ยุค 70 Perm Ballet ได้รับความสนใจอย่างล้นหลามจากผู้ชมจำนวนมาก ความสามัคคีของรูปแบบการแสดงของศิลปินเดี่ยวและคณะบัลเล่ต์เป็นคุณลักษณะของกลุ่ม Perm Ballet อาจเป็นคณะเดียวในสหพันธรัฐรัสเซียที่ประกอบด้วยบัณฑิตจากโรงเรียนเดียว เป็นเวลากว่าทศวรรษแล้วที่เวทีอูราลเป็น "แท่นปล่อย" สำหรับศิลปินหลายคนที่รู้จักกันไกลเกินขอบเขตของรัสเซีย ชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของ "ดาราชั้นนำ" มากมายในเมืองหลวงและโรงละครสำคัญอื่น ๆ ของประเทศและโลกเริ่มต้นขึ้นในโรงละครระดับการใช้งาน ชื่อของนักเต้นชื่อดังระดับโลก - Galina Ragozina-Panova, Lyubov Kunakova, Nadezhda Pavlova, Olga Chenchikova, Marat Daukaev, Yuri Petukhov, Galina Shlyapina, Svetlana Smirnova - ยกย่องดินแดน Perm การมีส่วนร่วมของนักร้องโอเปร่าและนักเต้นบัลเลต์ในเทศกาลระดับนานาชาติทำให้โรงละคร Perm มีชื่อเสียง Perm Opera and Ballet Theatre เป็นผู้ริเริ่มและผู้จัดงานการแข่งขันบัลเล่ต์ Arabesque Open Russian Ballet และ Diaghilev Seasons: เทศกาลศิลปะนานาชาติ Perm-Petersburg-Paris การแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์ของโรงละคร Perm ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงและได้รับรางวัล "หน้ากากทองคำ" ของเทศกาลละครแห่งชาติรัสเซียทั้งหมด ศิลปินเดี่ยวชั้นนำของ Perm Theatre ได้ไปเยือนทวีปต่างๆ ของโลกด้วยการแสดงและรายการคอนเสิร์ต ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2516 คณะดัดแปรอย่างเต็มกำลังได้ออกทัวร์ออสเตรีย อิตาลี ยูโกสลาเวีย บัลแกเรีย เชโกสโลวะเกีย เยอรมนี โปแลนด์ เบลเยียม เนเธอร์แลนด์ ออสเตรเลียและนิวซีแลนด์ ญี่ปุ่น และเกาหลีใต้ อังกฤษ ไอร์แลนด์ ฮอลแลนด์ สเปน ประเทศจีนสหรัฐอเมริกา ในฝรั่งเศสและคิวบา กัมพูชาและแคนาดา ไทยและอียิปต์ นิการากัว อินเดีย และสหรัฐอเมริกา ไม่ว่าศิลปินจะเล่นอยู่ที่ใด พวกเขาได้รับเสียงชื่นชมจากนักวิจารณ์และได้พบเพื่อนและแฟนๆ ที่ภักดี Perm Academic Opera and Ballet Theatre สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 19 ตามความคิดริเริ่มของสาธารณชนในภูมิภาค Kama โดยมีส่วนร่วมของวงการดนตรีสมัครเล่นของเมืองซึ่งรวมถึงตระกูล Diaghilev ที่มีชื่อเสียง วันที่ก่อตั้งโรงละครอย่างเป็นทางการคือ 24 พฤศจิกายน พ.ศ. 2413 การแสดงครั้งแรกคือโอเปร่า "A Life for the Tsar" โดย M. Glinka “ในระดับการใช้งาน โรงละครในฐานะสถาบันมีมาช้านานแล้ว ตอนแรกมีอาคารโรงละครไม้อยู่บนถนน Obvinskaya แต่มันถูกไฟไหม้ในปี 2406 หลังจากนั้นมีการสร้างโรงละครไม้และรื้อถอนในภายหลัง ... เป็นครั้งแรกที่ชาวเมือง Perm ได้เห็นคณะที่ดีและยิ่งไปกว่านั้นโอเปร่าในฤดูหนาวปี 2422/80 ในโรงละครหินที่ยังไม่เสร็จ คณะนี้ดูแลโดยผู้ประกอบการที่รู้จักกันในเวลาต่อมาคือ ป. เมดเวเดฟ... ในปี พ.ศ. 2439 ยุคสมัยทั้งหมดเริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์ของโรงละครระดับการใช้งาน เขาอยู่ภายใต้การดูแลโดยตรงของเขาโดยสระของ duma ของเมืองซึ่งตัดสินใจทำธุรกิจการแสดงละครด้วยค่าใช้จ่ายของเมือง สำหรับการจัดการโดยตรงของโรงละครนั้นได้เลือกผู้อำนวยการเมืองซึ่งดูแลศิลปินที่เชิญ มีการตัดสินใจที่จะสนับสนุนคณะโอเปร่าโดยเสียค่าใช้จ่ายของเมือง VS Verkholantsev เรียงความประวัติศาสตร์และสถิติโดยย่อ "เมืองดัด อดีตและปัจจุบัน" 2456 เปิดฤดูกาล "เทศบาล" ครั้งแรก... ด้วยการผลิต "ไอด้า" โดยรวมแล้ว ผู้กำกับใช้เวลาหกฤดูกาล โดยหนึ่งเป็นละคร หนึ่งเป็นโอเปร่าและละคร ที่เหลือเป็นโอเปร่า พวกเขาเริ่มในเดือนกันยายนและสิ้นสุดก่อนเข้าพรรษา มีการแสดงมากกว่าหนึ่งร้อยครั้งในระหว่างฤดูกาล ละครประจำปีมีผลงานมากกว่าสามสิบชิ้น คลาสสิกของรัสเซียจัดแสดงเป็นหลัก - "Eugene Onegin", "The Queen of Spades", "Mazepa" โดย P. Tchaikovsky, "Prince Igor" โดย A. Borodin, "Boris Godunov" โดย M. Mussorgsky, "The Demon" โดย A . รูบินสไตน์ นอกจากนี้ ยังมีแขกรับเชิญหายากเช่น "The Enemy Force" โดย A. Serov, "May Night" โดย N. Rimsky-Korsakov, "The Stone Guest" โดย A. Dargomyzhsky และคนอื่นๆ ตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ 19 Perm เริ่มคุ้นเคยกับศิลปะการออกแบบท่าเต้น เมื่อวันที่ 5 พฤศจิกายน พ.ศ. 2439 มีการแสดงบัลเล่ต์ขนาดเล็กโดย Zannenfeld "The Camp of the Hungarian Gypsies" ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2440 The Magic Flute โดย R. Drigo จากนั้น The Doll Fairy โดย I. Bayer ได้เห็นแสงแห่งเวที Perm... การดำรงอยู่ของโรงละครในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 นั้นไม่สม่ำเสมอ แต่โอเปร่า ดำเนินชีวิตต่อไป ผู้ประกอบการสนับสนุนความสนใจของผู้ชมในโอเปร่าและระดับการแสดงโดยอาศัยนักร้องรอบปฐมทัศน์ A. Nezhdanova, P. Petrova-Zvantseva, N. Figner, M. Maksakov, L. Sobinov และนักร้องยอดเยี่ยมคนอื่น ๆ แสดงใน Perm ในฤดูกาลต่างๆ เมื่อวันที่ 20 สิงหาคม พ.ศ. 2464 การแสดงละครครั้งแรกหลังจากสงครามกลางเมืองเปิดขึ้น ในโปสเตอร์ - "Demon", "Faust", "Aida", "Eugene Onegin", "Boris Godunov", "Rigoletto", "The Barber of Seville" ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 ระดับการใช้งานได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของศิลปะการแสดงโอเปร่า ที่ซึ่งนักร้องที่โดดเด่นและวาทยกรที่มีความสามารถมาโดยสมัครใจ ดังนั้นในฤดูกาล 1925/26 Permians ชื่นชม Carmen F. Mukhtarova ที่เลียนแบบไม่ได้และฤดูกาลหน้า - Lensky I. Kozlovsky ตลอดฤดูใบไม้ผลิปี 2472 เอส. เลเมเชฟเป็นพนักงานของโรงละคร ในปีพ.ศ. 2468 ได้มีการก่อตั้งสตูดิโอโรงละครแห่งแรกในเมือง Perm ซึ่งเริ่มฝึกนักเต้นบัลเลต์ ตลอดจนการละคร คณะนักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา เมื่อวันที่ 2 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2469 บัลเล่ต์ "Giselle" ของ A. Adam จัดแสดงโดยสตูดิโอ เมื่อวันที่ 20 ตุลาคม พ.ศ. 2474 รอบปฐมทัศน์ของ Swan Lake เกิดขึ้น (นักออกแบบท่าเต้น O. Chaplygin) ในช่วงก่อนสงคราม คณะบัลเล่ต์นำโดยนักออกแบบท่าเต้นจากกระแสและโรงเรียนที่แตกต่างกัน Perm balletomanes จำได้เป็นเวลานาน N. Goncharova, R. Minaeva, B. Korshunova, A. Bronsky, A. Ezersky และนักเต้นคนอื่น ๆ ในการแสดงในปีนั้น ในช่วงสงครามปี โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์เลนินกราดอพยพไปยังระดับการใช้งานที่แสดงบนเวทีของโรงละคร คิรอฟ. คณะระดับการใช้งานไม่หยุดทำงานในเมืองต่างๆ ของภูมิภาค ... ทำไมอดีตโรงละคร Mariinsky ถึงจบลงที่ระดับการใช้งานแล้ว Molotov? ... แนวคิดนี้เป็นของหัวหน้าผู้ควบคุมวง A. Pazovsky ซึ่งก้าวแรกสู่ศิลปะอันยิ่งใหญ่ที่นี่ ... เจ้าหน้าที่ท้องถิ่นปฏิบัติตามข้อเสนอนี้ด้วยความเข้าใจ Leningraders ทำงานที่นี่เป็นเวลาสามฤดูหนาวและสองฤดูร้อน - เป็นเวลานานสำหรับประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรีของเมือง... โรงเรียนของ Mariinsky Ballet ที่มีชื่อเสียงระดับโลกจบลงที่ Perm ซึ่งต่อมามีส่วนทำให้เกิดการก่อตั้งโรงเรียนออกแบบท่าเต้นระดับการใช้งาน .. ตามวัสดุของหนังสือโดย M. Stepanov, Y. Silin " 125 ปี Perm Academic Opera and Ballet โรงละคร. พี.ไอ. ไชคอฟสกี” ในปี 2538 ในปีพ.ศ. 2474 โรงละครระดับการใช้งานได้รับการตั้งชื่อว่า ในช่วงหลังสงคราม หลักการสร้างสรรค์หลักของโรงละครระดับการใช้งานซึ่งถูกกำหนดโดยยุคก่อนประวัติศาสตร์ทั้งหมด เริ่มยืนยันตัวเอง หลักการพื้นฐานประการหนึ่งคือการต่ออายุละครด้วยค่าใช้จ่ายในการทำงานที่ไม่ค่อยได้แสดงบนเวที การฟื้นคืนชีพของผู้ที่ไม่คุ้นเคยถูกลืมด้วยเหตุผลหลายประการที่ไม่ได้รับการยอมรับจากเวทีรัสเซียนั้นเป็นเรื่องปกติสำหรับทุกช่วงเวลาของชีวิตของโรงละคร โรงละคร Perm เปิดให้สาธารณชนเข้าชมผลงานอันยิ่งใหญ่ของ S. Prokofiev: ในฤดูกาล 1981-82 แสดงโอเปร่า "สงครามและสันติภาพ" เวอร์ชันสองคืนของผู้แต่งของ S. Prokofiev และเป็นครั้งแรกในสหภาพโซเวียตที่ให้การแสดงละครเวที "Fiery Angel" (1984) การเปิดฉากโอเปร่า "สงครามและสันติภาพ" จำนวนมากขึ้นทำให้โอเปร่าแห่งชาติรักชาติใหญ่ขึ้นการแสดงละครของทั้งหมดมีความกลมกลืนและมีเหตุผลมากขึ้นตัวละครของตัวละครหลักบางตัวมีหลายแง่มุมมากขึ้น การผลิตนี้ลงไปในประวัติศาสตร์ และได้รับรางวัล State Prize of the Russian Federation M.I. กลินกา หลักการอีกประการหนึ่งของชีวิตสร้างสรรค์ของโรงละครคือผลงานของนักประพันธ์เพลงร่วมสมัย ใน Perm พวกเขาได้รับตั๋วสำหรับชีวิตของโอเปร่า "Masquerade" โดย D. Tolstoy และ "The Sisters" โดย D. Kabalevsky บัลเล่ต์ "Stone Flower" โดย A. Fridlinder, "Bela" และ "Grushenka" โดย B . Mashkov "ฝั่งแห่งความสุข" โดย A. Spadavecchia หลักการสร้างสรรค์ที่น่าสนใจที่สุดของโรงละครคือความพยายามที่จะควบคุมมรดกโอเปร่าและบัลเลต์ทั้งหมดของ P.I. ไชคอฟสกี ชาวแคว้นกามา ในปี พ.ศ. 2517 โรงละครวิชาการระดับดัด ตั้งชื่อตาม พี.ไอ. ไชคอฟสกีเชิญศิลปินเดี่ยวที่เก่งที่สุดจากโรงภาพยนตร์หลายแห่งในประเทศและผู้ชมทั้งหมดของเขามาที่เทศกาลโอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งแรกของไชคอฟสกี วันหยุดนี้ทำซ้ำได้สำเร็จในปี 2526 และ 2531 โรงละครดัดได้กลายเป็นบ้านไชคอฟสกีที่แท้จริง "ยุคทอง" ของ Perm Ballet ซึ่งบริจาคอย่างไม่เห็นแก่ตัวโดย N. Boyarchikov (หัวหน้านักออกแบบท่าเต้นของโรงละคร นักเรียนของนักออกแบบท่าเต้นชื่อดังชาวรัสเซีย F. Lopukhov และ B. Fenster) ให้กับผู้ชมละครในยุค 70 ได้กลายเป็นตำนานที่น่าตื่นเต้นสำหรับคนรุ่นต่อ ๆ ไป . ผลงานของเขามีความหลากหลายในภาษาภาพ เช่น "The Wonderful Mandarin" โดย B. Bartok, "Three Cards", "Romeo and Juliet", "Tsar Boris" โดย S. Prokofiev, "Orpheus and Eurydice" โดย A. Zhurbin N. Pavlova, O. Chenchikova, G. Shlyapina, M. Daukaev, L. Fominykh, R. Kuzmicheva, Yu. Petukhov, G. Sudakov, L. Shipulina, K. Shmorgoner, O. Levenkov, V. Dubrovin ในปี พ.ศ. 2508 โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ระดับการใช้งานได้รับการตั้งชื่อตาม P.I. ไชคอฟสกีและในปี 1969 - สถานะของโรงละคร "วิชาการ" หลักการสร้างสรรค์ที่เกิดขึ้นในปีหลังสงครามกำหนดกลยุทธ์ทางศิลปะของโรงละครในช่วงปี 1990 ที่ยากลำบาก ในโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ Perm โอเปร่าที่หายากสำหรับเวทีรัสเซียได้ฟัง: Lucia di Lammermoor ของ Donizetti ซึ่งไม่ได้จัดฉากมาหลายทศวรรษแล้ว V.-A. Mozart, The Flying Dutchman โดย R. Wagner, โอเปร่า Kashchei the Deathless ของ N. Rimsky-Korsakov ซึ่งแทบไม่เกิดขึ้นในประเทศ ในปี 1996 G. Isahakyan เป็นหัวหน้าผู้อำนวยการโรงละครได้แสดงการแสดงดั้งเดิมเรื่อง "Three Faces of Love" ซึ่งรวมถึงละครโอเปร่าเรื่องเดียว "Master Pedro's Raek" โดย M. de Falla "Breasts of Tiresias" โดย F. Poulenc และ "Maddalena" โอเปร่าเรื่องแรกของ S Prokofiev อายุยี่สิบปี ซึ่งภาษาที่ใช้แสดงบนเวทีเป็นตัวกำหนดภาพลักษณ์ "โอเปร่า" สมัยใหม่ของ Perm ในระดับการใช้งานเป็นครั้งแรก โอเปร่าของ Alexander Tchaikovsky เรื่อง The Three Prozorov Sisters โดย A.P. Chekhov และบัลเล่ต์การแสดงเดี่ยวของเขา The Queen of Spades การถอดความเพลงของ P. Tchaikovsky ได้เห็นไฟแก็ซ การผลิตร่วมกับนักออกแบบท่าเต้น ผู้กำกับ และศิลปินชาวอเมริกันจากเยอรมนี สเปน สวิตเซอร์แลนด์ และประเทศและทวีปอื่น ๆ ได้กลายเป็นประเพณีที่ดี "Peer Gynt" โดย E. Grieg จัดแสดงโดย Ben Stevenson นักออกแบบท่าเต้นชาวอเมริกัน "Concerto Baroque" โดย J.S. Bach เป็นของขวัญจากมูลนิธิ G. Balanchine การผลิตอุปรากร Salome ของรัสเซีย-สเปนโดย R. Strauss ได้กลายเป็นงานสำคัญที่งาน International Festival ในกรุงมาดริดในฤดูใบไม้ร่วงปี 1995 โอเปร่ารัสเซีย The Golden Cockerel โดย N. Rimsky-Korsakov จัดแสดงโดยผู้กำกับชาวสวิส D. Kagi และศิลปินชาวเยอรมัน S. Pasterkamp สู่วันครบรอบ 200 ปี A.S. Pushkin โปรแกรมพิเศษ "Opera Pushkiniana" ถูกจัดทำขึ้น กลุ่มกรรมการที่ทำงานเกี่ยวกับ "Pushkiniana Opera" ได้รับรางวัล State Prize of Russia ในสาขาวรรณกรรมและศิลปะในปี 2542 เป็นส่วนหนึ่งของโอเปร่า "Diaghilev Seasons-2005" ตามเนื้อเรื่องของ "Little Tragedies" โดย A.S. Pushkin (The Miserly Knight, The Stone Guest, Mozart and Salieri, ระหว่างภัยพิบัติ) และ Boris Godunov ซึ่งประกอบขึ้นเป็นวัฏจักรนี้ ดำเนินไปตลอดทั้งวันโดยไม่หยุดพัก ในปี 1990 มีการจัดการแข่งขันบัลเล่ต์ Open Arabesque Ballet ครั้งแรก ผู้กำกับศิลป์ ได้แก่ Vladimir Vasiliev และ Ekaterina Maksimova เป็นเวลา 20 ปี ทุกๆ สองปี นักเต้นจากทั่วทุกมุมโลกมารวมตัวกันที่ Perm เพื่อเข้าร่วมการแข่งขันบัลเล่ต์ นักร้องรุ่นเยาว์จากทั่วโลกเข้าร่วมการแข่งขันระดับนานาชาติครั้งแรกสำหรับนักร้องโอเปร่ารุ่นเยาว์ซึ่งจัดขึ้นที่ระดับการใช้งานในปี 2536 หนึ่งในสมาชิกของคณะลูกขุนของการแข่งขันคือ O. Borodina และ D. Hvorostovsky ผู้ได้รับรางวัลที่หนึ่ง การแข่งขัน All-Russianนักร้องโอเปร่ารุ่นเยาว์ จัดขึ้นที่ Perm ในปี 1987 ระดับชาติ รางวัลละคร"หน้ากากทองคำ" สำหรับบทบาทหญิงและชายที่ดีที่สุดในปี 2539 ได้รับรางวัลจาก Tatyana Kuindzhi และ Anzor Shomakhia - นักแสดงที่มีบทบาทสำคัญในการผลิต Perm ของโอเปร่า Don Pasquale ของ G. Donizetti ในปี 1998 รางวัลอันทรงเกียรตินี้ได้รับรางวัลจากบทละครเรื่อง The Queen of Spades วันนี้โรงละครนำโดย: ผู้กำกับศิลป์ - ผู้ถือ Order of Friendship ผู้ได้รับรางวัลโรงละครแห่งชาติ "Golden Mask" Teodor Currentzis หัวหน้าผู้ควบคุมวง - ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งรัสเซีย ศิลปินประชาชนแห่งสาธารณรัฐ Bashkortostan Valery Platonov หัวหน้าแขก ผู้ควบคุมวง - ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งรัสเซียผู้ได้รับรางวัล State Prize of the Republic Belarus, ผู้ชนะรางวัลโรงละครแห่งชาติ "Golden Mask" Alexander Anisimov หัวหน้านักออกแบบท่าเต้น - Alexei Miroshnichenko หัวหน้านักร้องประสานเสียง - Dmitry Batin ศิลปินหลัก - เอเลน่า โซโลวีวา นักออกแบบเวทีที่มีชื่อเสียงของรัสเซียและทั่วโลกร่วมมือกับโรงละคร - Y. Ustinov, I. Akimova, V. Okunev, Y. Kharikov, A. Kozhenkova, E. Heydebrecht, Y. Cooper และอื่น ๆ อีกมากมาย "กองทุนทอง" ของละครของโรงละครเหมือนเมื่อก่อนเป็นคลาสสิกการผลิตได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่องไม่ใช่พิพิธภัณฑ์ แต่เป็นศิลปะสมัยใหม่ ละครคลาสสิกของรัสเซียแสดงโดยโอเปร่าของ A. Borodin "Prince Igor", "The Tsar's Bride" ของ N. Rimsky-Korsakov, "The Snow Maiden" โอเปร่ายอดนิยมโดย G. Verdi, V.A. โมสาร์ท, อาร์. เลออนกาวัลโล. ในความร่วมมือกับมูลนิธิ George Balanchine โครงการระยะยาวรัสเซีย - อเมริกัน "ท่าเต้นของ George Balanchine บนเวทีระดับการใช้งาน" ยังคงดำเนินต่อไป ผู้ชมระดับการใช้งานยังคุ้นเคยกับการออกแบบท่าเต้นของ Jerome Robbins นักออกแบบท่าเต้นชาวอเมริกันที่โดดเด่นในวัยหนุ่มของเขาอีกด้วย ภายใต้กรอบของโครงการวัฒนธรรมรัสเซีย - อเมริกัน "การออกแบบท่าเต้นของ George Balanchine บนเวทีระดับการใช้งาน" บัลเลต์เดี่ยว "La Sonnambula" โดย V. Rieti, "Donizetti Variations" (2001), "Ballet Imperial" สู่เพลงของ เปียโนคอนแชร์โต้ตัวที่สองโดย P. Tchaikovsky ถูกจัดแสดง (2002) คอนแชร์โต้บาโรกกับดนตรีคอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินสองตัวและวงออเคสตราเครื่องสายโดย I.S. Bach และ "Serenade" กับเพลง "Serenade for String Orchestra" โดย P. Tchaikovsky "Ballet Imperial" ในปี 2004 กลายเป็นผู้ชนะในเทศกาล "Golden Mask" ในฐานะการแสดงบัลเล่ต์ที่ดีที่สุด ในปี 2548 ได้มีการดำเนินโครงการพิเศษ "Swan Lake ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก" ร่วมกับบริษัท Stardust ของเนเธอร์แลนด์ ในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษ โรงละครได้ยืนยันอำนาจของตนมากขึ้นเรื่อยๆ ในฐานะผู้บุกเบิก สานต่อและเสริมสร้างประเพณีของ "ห้องปฏิบัติการโอเปร่าสมัยใหม่" ในปี 2544 มีการแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า "คลีโอพัตรา" ของ J. Massenet ซึ่งไม่เคยมีการแสดงในรัสเซียและแทบจะไม่มีใครรู้จักในโลก ในปี 2547 เป็นครั้งแรกในรัสเซียที่การแสดงโอเปร่ามายากล "Alcina" โดย GF Handel ซึ่งจัดแสดงเป็นครั้งแรกในรัสเซีย ประสบการณ์ครั้งแรกของการแสดงโอเปร่าเก่าในโรงละคร Perm ได้เปิดแง่มุมใหม่ของศิลปินเดี่ยวโอเปร่าที่ยอดเยี่ยม . ในปี 2550 ในวันครบรอบ 400 ปีของ Orpheus โอเปร่าของ C. Monteverdi โอเปร่านี้จัดแสดงบนเวทีระดับการใช้งาน นักวิจารณ์ของมอสโก Dmitry Morozov กล่าวว่า "Georgy Isahakyan ได้แสดงผลงานที่ดีที่สุดของเขาและทำให้เกิดความก้าวหน้าทางศิลปะอย่างแท้จริง Orpheus ไม่ได้เป็นเพียงผลงานชิ้นเอกของ Monteverdi ครั้งแรกในรัสเซีย แต่ยังเป็นความสำเร็จครั้งแรกของโรงละครของเราในด้านโอเปร่าเก่า ... "Orpheus" กลายเป็นการแสดงดนตรีที่กลมกลืนกันมากที่สุดและดีที่สุดแห่งปีอย่างแน่นอน เป็นส่วนหนึ่งของเทศกาล Diaghilev Seasons 2007 เป็นครั้งแรกในโลก โอเปร่าโดย N. Sidelnikov "Chertogon" ซึ่งกระตุ้นความสนใจอย่างมากในหมู่แขกผู้มาร่วมงาน นักดนตรีมืออาชีพ และนักวิจารณ์ เหตุการณ์สำคัญในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาคือการแสดงในมอสโกตามคำเชิญของโรงละครแห่งชาติของการแสดง "โลลิต้า" และ "คลีโอพัตรา" การแสดงบนเวทีที่มีชื่อเสียงของโรงละคร Mariinsky พร้อมโปรแกรมบัลเล่ต์ของ J. Balanchine ในปี พ.ศ. 2547 คณะอุปรากรได้แสดงในงานเทศกาล ศิลปะร่วมสมัย"SACRO ART" ใน Lokkum พร้อมการแสดงรอบปฐมทัศน์โลกของโอเปร่า "The Bestiary" โดย A. Shchetinsky การแสดงยังถูกนำเสนอที่โรงละครแห่งชาติในมอสโกและที่เทศกาลละครในยาโรสลาฟล์ ในฤดูใบไม้ผลิของปี 2549 และ 2550 การแสดงของ Perm Theatre - "Carmen" โดย J. Bizet "The Nightingale" โดย I. Stravinsky "Cinderella หรือ Tale of Cinderella" โดย J. Massenet และ "... ด้วยชื่อนางเงือกน้อย" โดย A. Dvorak - ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิง Golden Mask อีกครั้ง การแสดงทัวร์ของคณะในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้รับการตอบรับเป็นอย่างดี การมีส่วนร่วมของศิลปินระดับการใช้งานในเทศกาล Stars of the White Nights บนเวทีของโรงละคร Mariinsky ในเทศกาลดนตรี Baltic Seasons ในคาลินินกราด, พาโนรามาของโรงอุปรากรรัสเซียใน Omsk, Crescendo ในเมืองหลวง, บนเวทีของโรงละคร Bolshoi ของรัสเซียเพิ่มความรุ่งโรจน์ของโรงละครระดับการใช้งาน ในเดือนมกราคม 2008 การทัวร์ Perm Opera ในอเมริกาประสบความสำเร็จอย่างมากบนเวทีของ Carnegie Hall ที่มีชื่อเสียง ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเปิดให้ฟังเสียงของวงออร์เคสตราที่ดำเนินการโดย P. I. Tchaikovsky ตอนนี้โรงละคร Perm ซึ่งตั้งชื่อตาม PI Tchaikovsky ได้นำเสนอคอนเสิร์ต "Tchaikovsky เป็นที่รู้จักและไม่รู้จัก" พร้อมเพลงและฉากจากโอเปร่าดังกล่าวโดยนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่เช่น "The Queen of Spades", "Cherevichki", "Maid of Orleans", "Eugene Onegin", "Iolanta", "Oprichnik", "Ondine", "แม่มด", "Mazepa" การแสดงของคณะ Perm ได้รับการต้อนรับอย่างอบอุ่นจากผู้ชมที่เรียกร้องในนิวยอร์ก และได้รับการตอบรับอย่างกว้างขวางจากสื่อมวลชนของอเมริกา ตามเนื้อผ้า Perm เป็นเจ้าภาพการแข่งขัน Arabesque Open ของนักเต้นบัลเลต์รัสเซีย นำโดย Vladimir Vasiliev และ Ekaterina Maksimova ในปี 2546 ภายใต้การอุปถัมภ์ของ UNESCO เทศกาลนานาชาติครั้งแรก "Diaghilev's Seasons: "Perm - Petersburg - Paris" ได้จัดขึ้น หนึ่งในเทศกาลแรกในรัสเซียที่รวมศิลปะประเภทต่างๆ ภายใต้สัญลักษณ์แห่งความคิดสร้างสรรค์และแรงบันดาลใจ รอบปฐมทัศน์แรกของฤดูกาลที่ 137 เป็นละครทางจิตวิญญาณของ A. Rubinstein "Christ" (ผบ. Georgy Isahakyan) ซึ่งจัดแสดงเป็นครั้งแรกบนเวทีรัสเซีย ในเดือนกุมภาพันธ์ 2552 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า "Othello" ที่กำกับโดย V. Petrov ซึ่งเปิดตัวในฐานะผู้กำกับละครเพลง รอบปฐมทัศน์ของรัสเซียและโลกของโอเปร่า One Day in the Life of Ivan Denisovich ซึ่งต้องขอบคุณ ความร่วมมือเชิงสร้างสรรค์ G. Isahakyan และนักแต่งเพลง A. Tchaikovsky และความปรารถนาดีของ A. I. Solzhenitsyn ถูกจัดขึ้นโดยเป็นส่วนหนึ่งของเทศกาล IV Diaghilev Seasons การผลิตนี้เปิดกว้างสำหรับศิลปะโอเปร่าในธีม "ค่าย" ซึ่งแทบไม่เคยมีใครแตะต้องมาก่อน เมื่อปลายเดือนมีนาคม รอบปฐมทัศน์ของบัลเลต์เดี่ยวสมัยใหม่สองรายการเกิดขึ้น: Medea (นักออกแบบท่าเต้น Y. Possokhov) และ Ring (นักออกแบบท่าเต้น A. Miroshnichenko) โดยเฉพาะสำหรับฤดูกาลของ Diaghilev บัลเลต์ในท่าเต้นคลาสสิกโดย M. Fokine หนึ่งในนักออกแบบท่าเต้นในตำนานของ Russian Seasons ของ Diaghilev ได้รับการฟื้นฟู: การเต้นรำ Polovtsian และบัลเล่ต์จิ๋ว The Vision of the Rose การแสดงเหล่านี้นำเสนอโดยศิลปินระดับ Perm ที่โรงละคร Bolshoi ในการเฉลิมฉลองครบรอบ 100 ปี Russian Seasons ของ Diaghilev ซึ่งจัดขึ้นเมื่อวันที่ 30 พฤษภาคม Perm Opera and Ballet Theatre มีส่วนร่วมในเทศกาลละครแห่งชาติ "Golden Mask-2009" พร้อมการแสดงบัลเล่ต์ "Corsair" (การออกแบบท่าเต้นโดย Marius Petipa อัปเดตโดยผู้กำกับจาก St. Petersburg V. Medvedev) และโอเปร่า "Orpheus" ( ผู้กำกับ G. Isahakyan) ซึ่งฉายรอบปฐมทัศน์ในเดือนพฤศจิกายน 2550 "Orpheus" ได้รับรางวัล Golden Masks สองรางวัล: สำหรับผู้กำกับที่ดีที่สุด (ผู้กำกับฉาก G. Isahakyan) และสำหรับการออกแบบฉากที่ดีที่สุด (ผู้ออกแบบฉาก Ernst Heydebrecht) อีกหนึ่งปีต่อมา โรงละครได้เข้าร่วมในเทศกาลด้วยการแสดงบัลเล่ต์ Medea (นักออกแบบท่าเต้น Yuri Posokhov) และโอเปร่า One Day in the Life of Ivan Denisovich (กำกับโดย Georgy Isahakyan) หลังได้รับรางวัล "Golden Mask" ในการเสนอชื่อ "งานที่ดีที่สุดของตัวนำ" รางวัลนี้มอบให้กับหัวหน้าผู้ควบคุมวงของโรงละคร Valery Platonov ที่มา: เว็บไซต์อย่างเป็นทางการของ Tetra
โรงละครโอเปร่าและบัลเลต์วิชาการแห่งชาติโดเนตสค์ เอบี Solovyanenko เป็นโรงอุปรากรในโดเนตสค์ ประเทศยูเครน มันถูกสร้างขึ้นในปี 1932 ในเมือง Lugansk บนพื้นฐานของ Mobile Opera House ของฝั่งขวาของยูเครน ในเอกสารของคณะกรรมการการศึกษาของประชาชนของประเทศยูเครนตั้งแต่วันที่ 15 มีนาคม พ.ศ. 2475 ได้มีการเสนอให้โอน Mobile Opera ไปยังการกำจัด Donetsk Theatre Trust เพื่อให้บริการถาวรแก่ประชากร Donbass เมื่อวันที่ 1 กันยายน พ.ศ. 2475 โอเปร่า "Prince Igor" โดย A. Borodin เปิดฤดูกาลการแสดงครั้งแรก ผู้กำกับศิลป์และผู้อำนวยการโรงละครคือศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสาธารณรัฐ Nikolai Nikolaevich Bogolyubov ผู้อำนวยการเพลงและหัวหน้าผู้ควบคุมโรงละคร เป็นศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสาธารณรัฐ Alexander Gavrilovich Erofeev โรงละครทำงาน: ผู้ควบคุมวง Max Cooper, ผู้กำกับ Alexander Zdikhovsky, นักออกแบบท่าเต้น Mark Zeitlin, ศิลปิน - Oles Vlasyuk, Eduard Lyakhovich ในละครของโรงละครในปี 2478: "The Queen of Spades" , "Eugene Onegin" โดย P. Tchaikovsky, "Carmen" โดย J. Bizet, "Faust" Sh Gounod, "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" โดย G. Verdi, "Madama Butterfly" โดย G. Puccini, "Pagliacci" โดย R. Leoncavallo "ช่างตัดผมแห่งเซบียา" โดย G. Rossini "The Cossack Beyond the Danube" โดย S. Gulak- Artemovsky "Tales of Hoffmann" โดย J. Offenbach; บัลเล่ต์: "Raymonda", " Red Poppy" โดย R. Glier, "Ferenji" โดย B. Yanovsky โรงละครประกอบด้วยศิลปินนักร้องประสานเสียง 40 คน นักเต้นบัลเล่ต์ 45 คน ศิลปินวงออร์เคสตรา 45 คน ศิลปินเดี่ยว 3 คน โดยรวมแล้วโรงละครมีพนักงาน 225 คน ในปี พ.ศ. 2483 ได้มีการกำหนดกลุ่มผู้เชี่ยวชาญที่มีพรสวรรค์ในการแสดงโอเปร่า: ผู้ควบคุมวง E.M. Shekhtman, A.F. โควาลสกี้; ผู้กำกับเอเอ Zdikhovsky ศิลปิน E.I. Lyakhovich, P.I. ซโลเชฟสกี้. นักแสดงคนแรกที่สร้างชื่อเสียงให้กับโรงละคร ได้แก่ Yuri Sabinin, Nadezhda Lototskaya, Alexander Martynenko, Pavel Nikitenko, Tamara Sobetskaya, Tamara Podolskaya และคนอื่น ๆ ในปี 1936 การก่อสร้างโรงละครเริ่มขึ้นในโดเนตสค์ Ludwig Ivanovich Kotovsky ได้รับการแต่งตั้งเป็นหัวหน้าสถาปนิกของการก่อสร้าง Solomon Davidovich Krol ได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้าวิศวกร เมื่อวันที่ 12 เมษายน พ.ศ. 2484 โรงละครดนตรีโดเนตสค์เปิดฤดูกาลในอาคารโรงละครแห่งใหม่ซึ่งออกแบบโดยสถาปนิก Ludwig Ivanovich Kotovsky โดยมีการเปิดตัว M.I. Glinka "Ivan Susanin" (ผู้กำกับเวที: ผู้กำกับ IM Lapitsky, YS Presman, ผู้ควบคุมวง AF Kovalsky, ศิลปิน EI Lyakhovich) วันนี้อาคารโรงละครเป็นอนุสาวรีย์ทางสถาปัตยกรรม Yosif Lapitsky ผู้กำกับและผู้กำกับศิลป์คนแรกของโรงละครโอเปร่าที่โดดเด่น ผู้กำกับผู้ติดตามระบบ Stanislavsky ในโรงละครดนตรี ศิลปินผู้มีเกียรติของ RSFSR ศิลปินกลุ่มแรกมาถึงโรงละครโดเนตสค์จากมอสโกเลนินกราด Kyiv Lugansk และ Vinnitsa วงออเคสตรารวมถึงนักดนตรีที่ดีที่สุดของ Lugansk และ Vinnitsa Opera and Ballet Theatres, Stalin Regional Philharmonic ตั้งแต่วันแรกของการจัดทีม งานได้ดำเนินการกับผู้ชม: เยี่ยมชมการแสดง, การสนทนา, คอนเสิร์ต มีการแสดงโอเปร่าและการแสดงบัลเล่ต์ใหม่ๆ ละครของปี 1941 ได้แก่: ละครโอเปร่าของ C. Gounod เฟาสท์ ฉายรอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 4 พฤษภาคม พ.ศ. 2484 โอเปร่า Pagliacci ของอาร์. Leoncavallo เปิดตัวในวันที่ 22 พฤษภาคม โอเปร่าของ G. Rossini เรื่อง The Barber of Seville เปิดตัวในเดือนมิถุนายน เมื่อวันที่ 7 สิงหาคม พ.ศ. 2484 รอบปฐมทัศน์ของการแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก "Laurencia" โดย A. Crane เกิดขึ้น Nina Goncharova ภายหลังศิลปินผู้มีเกียรติของประเทศยูเครนได้เต้นรำในส่วนของ Laurencia ในช่วง Great Patriotic War พนักงานโรงละครถูกอพยพไปที่ สาธารณรัฐคีร์กีซ (หมู่บ้าน Sazanovka) และในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2485 ย้ายไปที่เมือง Przhevalsk ซึ่งเขายังคงทำงานเพื่อสร้างการแสดงใหม่และจัดกิจกรรมคอนเสิร์ตในหน่วยทหารและโรงพยาบาล ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2487 โรงละครกลับมาจากการอพยพ และในเดือนกันยายน พ.ศ. 2487 โรงละครได้เปิดตัวโอเปร่า Prince Igor ของ A. Borodin "Prince Igor " ในโรงละครโอเปร่าจัดแสดงโดยนักออกแบบท่าเต้นของโรงละคร Bolshoi ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสาธารณรัฐ Kasyan Goleizovsky โรงละครกลายเป็นศูนย์กลางของ วัฒนธรรมดนตรีของภูมิภาคโดเนตสค์, เวทีสำหรับศิลปะยูเครนและต่างประเทศ, คลาสสิกและสมัยใหม่, โอเปร่าและบัลเล่ต์, โอเปร่าคลาสสิก, การแสดงดนตรีสำหรับเด็ก ในปีพ. ศ. 2489 มีการจัดสตูดิโอออกแบบท่าเต้นที่โรงละครซึ่งนำโดย avila Claudia Vasina (ศิลปินเดี่ยวของ National Opera of Ukraine) ต้องขอบคุณสตูดิโอแห่งนี้ คณะละครโดเนตสค์จึงเต็มไปด้วยศิลปินรุ่นเยาว์ซึ่งมีส่วนช่วยในการแสดงบัลเล่ต์ คณะบัลเล่ต์ของโรงละครประสบความสำเร็จอย่างมากภายใต้การนำของหัวหน้านักออกแบบท่าเต้นของโรงละคร A.P. เกอร์แมน. ในปี 1947 การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้น - บัลเล่ต์ของ B. Asafiev "The Fountain of Bakhchisaray" ซึ่งอยู่ในละครของโรงละครเป็นเวลา 38 ปีและ "Lileya" โดย K. Dankevich ในปี 1948 การแสดงบัลเล่ต์ "Swan Lake" ของ P. Tchaikovsky รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้น ในเดือนกันยายนปี 1947 โรงละครดนตรีรัสเซียโดเนตสค์ได้รับการเปลี่ยนชื่อเป็นโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์รัสเซียแห่งรัฐสตาลิน ในปีพ. ศ. 2504 ได้เปลี่ยนชื่อเป็นโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์รัสเซียแห่งรัฐโดเนตสค์ โรงละคร ในแวดวงสร้างสรรค์ในอดีตสหภาพโซเวียตโรงละครโดเนตสค์ถูกเรียกว่า "ห้องปฏิบัติการโอเปร่าสมัยใหม่" บุญที่ยิ่งใหญ่ในเรื่องนี้คือหัวหน้าผู้อำนวยการโรงละครศิลปินประชาชนของประเทศยูเครน Oleksandr Zdikhovsky ซึ่งในช่วงหลายปีที่ทำงานของเขา ที่โรงละครมีการแสดงโอเปร่าและดนตรีมากกว่า 70 รายการ เป็นครั้งแรกในยูเครนที่โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์โดเนตสค์แสดงโอเปร่า: "หมั้นในอาราม", "Semyon Kotko" โดย S. Prokofiev, "Don Giovanni" โดย WA Mozart "Andre Chenier" โดย W. Giordano, "Yaroslav the Wise ” Y. Meitus และคนอื่น ๆ โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์โดเนตสค์เป็นหนึ่งในสถานที่แรกในยูเครนที่หันไปหาผลงานของนักประพันธ์เพลงยูเครนสมัยใหม่แสดงละคร "Sorochinsky Fair" , "Oksana" ตามบทกวีของ T. Shevchenko, "Slip", "Handy" Homolyaks, "Marusya Boguslavka" โดย A. Sveshnikov, "The Fox Song" โดย N. Skorulskaya, "Nezradzhena Love" โดย L. Kolodub, "Katerina" โดย N. Arkas, "Lileya" โดย K. Dankevich, "Zaporozhets Beyond the Danube" โดย S. Gulak- Artemovsky, "Natalka Poltavka" โดย N. Lysenko บนเวทีของโรงละครโดเนตสค์การแสดงโดยนักแต่งเพลงของ สาธารณรัฐแห่งชาติถูกจัดฉาก: "Shuralle" โดย F. Yarullin, "Keto and Kote" โดย V. Dumbadze, "Spartak" โดย A. Khachaturian, "A Thousand and One Nights" F. Amirova และคนอื่น ๆ ความรุ่งโรจน์และความภาคภูมิใจของ โรงละครในปีต่าง ๆ เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง: Y. Sabinin, E. Gorchakova, T. Podolskaya, A. Kolobov, A. Galenkin, Yu. Gulyaev, A. Korobeichenko, N Momot, V. Zemlyansky, G. Kalikin, R. Kolesnik, M. Vedeneva, A. Boytsov, ผู้กำกับ - A. Zdikhovsky, ศิลปิน - V Moskovchenko, B. Kupenko, V. Spevyakin; ผู้ควบคุมวง - T. Mikitka และบนเวทีของโรงละครโดเนตสค์ในปีต่าง ๆ เต้นรำและร้องเพลงผู้ทรงคุณวุฒิและอาจารย์บนเวทีในฐานะศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต Ivan Kozlovsky, Sergey Lemeshev, Maria Bieshu, Olga Lepeshinskaya, Marina Semenova, K. Shulzhenko , A. Solovyanenko และอีกหลายคน อื่น ๆ. 2 พฤศจิกายน 2520 โรงละครได้รับรางวัล "วิชาการ" ในปี 1992 โรงเรียนสอนทักษะการออกแบบท่าเต้นของ Vadim Pisarev ก่อตั้งขึ้นที่โรงละคร ตามพระราชกฤษฎีกาของคณะรัฐมนตรีของยูเครนลงวันที่ 9 ธันวาคม 2542 โรงละครได้รับการตั้งชื่อตาม A. B. Solovyanenko ตั้งแต่ปี 1993 โรงละครได้เป็นเจ้าภาพจัดงานเทศกาลระดับนานาชาติ "Stars of the World Ballet" ผู้ก่อตั้งและผู้กำกับศิลป์คือ Vadim Pisarev ศิลปินประชาชนยูเครน ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขันบัลเล่ต์ระดับนานาชาติในมอสโก เฮลซิงกิ ปารีส และแจ็คสัน ตอนนี้ Vadim Pisarev เป็นผู้กำกับศิลป์ของโรงละครและมุ่งเน้นไปที่ประเพณีและการผลิตบัลเล่ต์คลาสสิก ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นักเต้นที่แข็งแกร่งที่สุดประมาณ 300 คนจาก 25 ประเทศทั่วโลกได้เข้าร่วมในเทศกาลนี้ ในเดือนพฤศจิกายน 2552 เทศกาลนานาชาติ XVI "Stars of the World Ballet" เกิดขึ้น ในปีพ. ศ. 2552 โรงละครได้เป็นเจ้าภาพจัดงานเทศกาลบัลเล่ต์เด็กนานาชาติ "Grand Pa" ครั้งที่ VI ซึ่งเป็นน้องคนสุดท้องและเป็นคนเดียวในยูเครน สร้างขึ้นจากความพยายามของผู้บริหารโรงละคร "ปู่" มีประวัติและแฟน ๆ ของตัวเองอยู่แล้ว นักเรียนจากโรงเรียนออกแบบท่าเต้นต่างๆ จากยูเครน ประเทศทั้งในและต่างประเทศใกล้และไกลเข้าร่วมในเทศกาลนี้ ทุกวันนี้ คณะบัลเล่ต์ของโรงละครได้ว่าจ้างผู้เชี่ยวชาญที่เป็นที่ยอมรับและคนหนุ่มสาวที่มีพรสวรรค์ซึ่งได้รับการยอมรับจากการแข่งขันบัลเล่ต์ระดับนานาชาติ ผู้สอนที่มีความสามารถและมีประสบการณ์ทำงานร่วมกับกลุ่มศิลปิน: หัวหน้านักออกแบบท่าเต้นของโรงละคร, ศิลปินประชาชนยูเครน E. Khasyanova, ศิลปินประชาชนยูเครน G. Kirillina, ศิลปินผู้มีเกียรติของประเทศยูเครน E. Ogurtsova กับโอเปร่าและ ศิลปะบัลเล่ต์โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์โดเนตสค์คุ้นเคยกับผู้ชมในหลายเมืองและสาธารณรัฐของอดีตสหภาพโซเวียต เช่นเดียวกับในต่างประเทศ: เยอรมนี โปแลนด์ เชโกสโลวะเกีย บัลแกเรีย ยูโกสลาเวีย สวีเดน ออสเตรีย นอร์เวย์ คณะบัลเล่ต์ของโรงละครได้รับเชิญให้ไปทัวร์สหรัฐอเมริกา อังกฤษ ญี่ปุ่น จีน เกาหลี; คณะโอเปร่า, วงดุริยางค์ซิมโฟนีและคณะนักร้องประสานเสียง - สู่อิตาลี, สเปน, สวิตเซอร์แลนด์ คณะนักร้องประสานเสียงของโรงละครภายใต้การดูแลของหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงของโรงละคร ศิลปินประชาชนยูเครน Lyudmila Streltsova นอกเหนือจากการเข้าร่วมทัวร์โรงละครแล้วยังได้ทัวร์คอนเสิร์ตขนาดใหญ่หลายครั้งรวมถึงผลงานเพลงประสานเสียงระดับโลกในสเปน, สวิตเซอร์แลนด์, เบลเยียม, ฝรั่งเศส ฯลฯ วันนี้คณะนักร้องประสานเสียงได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งเดียว ที่ดีที่สุดในยูเครน ละครของโรงละครรวมถึงการแสดงที่ไม่ได้อยู่ในโรงละครโอเปร่าแห่งอื่นในยูเครน: "Bogdan Khmelnitsky" โดย K. Dankevich, "Falstaff", "Love Potion" โดย G. Donizetti ในปี 2552 โรงละครได้รับสถานะเป็น "แห่งชาติ" อาคารโรงละคร โรงละครที่สร้างขึ้นตามโครงการของสถาปนิก L. Kotovsky ผู้ซึ่งพยายามที่จะบรรลุรูปแบบที่เคร่งขรึมการแสดงออกที่น่าเชื่อและการแก้ปัญหาการวางแผนใหม่การนำเทคนิคของเรเนซองส์มาใช้ใหม่สร้างขึ้นจากความยิ่งใหญ่ที่สงบและกลมกลืน สัดส่วนของปริมาตรอาคารโรงละครประดับด้วยรูปปั้นนูนต่ำและประติมากรรมสามมิติที่เน้นและทำให้สถาปัตยกรรมหลักสมบูรณ์ อาคารโรงละครได้รับการออกแบบสำหรับการแสดงละครหลังจากตัดสินใจสร้างโรงละครดนตรีแล้วมีการปรับเปลี่ยนจำนวนหนึ่ง ได้ตัดสินใจวางแผนในระหว่างขั้นตอนการก่อสร้าง สถาปัตยกรรมของโรงละครได้รับการออกแบบในสไตล์คลาสสิก ซุ้มหลักที่มีชานหันหน้าไปทางจัตุรัสโรงละคร ความสูงของซุ้มคือหนึ่งร้อย rony พื้นที่ประมาณ 30 เมตร อาคารตั้งอยู่ตามแนวแกนของ Teatralny Avenue ระหว่าง Artem Street และ Pushkin Boulevard จัตุรัสและบันไดช่วยให้เข้าถึงโรงละครได้สะดวกจากสามด้าน หอประชุม ห้องโถง เพดานและผนังของโรงละครได้รับการตกแต่งอย่างหรูหราด้วยปูนปั้นและการปิดทองด้วยแสงที่สอดคล้องกัน รูปปั้นครึ่งตัวของนักประพันธ์เพลง นักเขียน และแจกันตกแต่งถูกติดตั้งในช่องแยกต่างหากในห้องโถง หอประชุมได้รับการออกแบบให้เป็นห้องโถงสำหรับ 650 ที่นั่ง และชั้นลอยสำหรับ 320 ที่นั่ง พร้อมระเบียงขนาดเล็ก เหนือชั้นลอยและระเบียงของหอประชุมมีรูปปั้นครึ่งตัวของนักประพันธ์เพลงและกวีที่มีชื่อเสียงอยู่ในซอก รูปแบบการจัดแถวที่นั่งในแผงลอยและบนชั้นลอยทำให้ทัศนวิสัยดี ตรงกลางเพดานห้องโถงมีโคมระย้าคริสตัลขนาดใหญ่ โรงละครมีเวทียานยนต์ พื้นที่เวทีหลัก 560 ตร.ม. ม. ในปี 2532-2537. โรงละครอยู่ระหว่างการสร้างใหม่และยกเครื่องคัดเลือก
[อิตาลีเป็นประเทศแห่งดนตรีคลาสสิก ดินแดนที่ทำให้โลกมีนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่เช่น ปากานินี รอสซินี แวร์ดี ปุชชีนี และวิวาลดี ประเทศอิตาลี ยังเป็นแรงบันดาลใจให้ชาวต่างชาติจำนวนมาก - ริชาร์ด วากเนอร์คนเดียวกันได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับ "ปาร์ซิฟาล" ของเขาระหว่างที่เขาอยู่ที่ราเวลโล (ราเวลโล) ซึ่งนำเมืองนี้มา ที่ซึ่งเทศกาลที่มีชื่อเสียง (เทศกาลฟาโมโซ) มีชื่อเสียงระดับนานาชาติในปัจจุบัน
เพื่อแสดงความเคารพต่อความหลงใหลในดนตรีคลาสสิกที่นำทั้งแขกชาวอิตาลีและแขกต่างชาติมาพบกัน ทุกๆ ปี โรงละครของอิตาลีจะเตรียมฤดูกาลแสดงดนตรี โปสเตอร์ที่เต็มไปด้วยการแสดงต่างๆ ฤดูกาลดนตรีเปิดตั้งแต่เดือนพฤศจิกายนถึงธันวาคมและเป็น เหตุการณ์สำคัญประเพณีดนตรีอิตาลีและสากล
ใน Verona เมืองบนที่ราบ Padana อัฒจันทร์ที่มีชื่อเสียง Arena di Verona เป็นเจ้าภาพจัดงานเทศกาลโอเปร่าที่รู้จักกันทั่วโลกเนื่องจากความงามของสถานที่แห่งนี้ช่วยเพิ่มความน่าทึ่งของการแสดงบนเวที แต่มีหลายสถานที่ที่มีการแสดงโอเปร่าในอิตาลี
โรงละคร Teatro La scala แห่งแรกและมีชื่อเสียงที่สุดคือเมืองมิลานอย่างไม่ต้องสงสัย ซึ่งมีการเปิดฤดูกาลประจำปีเป็นงานที่มีรายละเอียดสูงซึ่งมีตัวละครที่มีชื่อเสียงในด้านการเมือง วัฒนธรรม และความบันเทิง โรงละครแห่งนี้รู้จักกันในนาม "La Scala" หรือที่รู้จักในชื่อ "Temple of the Opera" โรงละครแห่งนี้เป็นหนึ่งในโรงละครที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก 
สร้างขึ้นตามคำสั่งของสมเด็จพระราชินีมาเรีย เทเรซาแห่งออสเตรีย หลังเกิดเพลิงไหม้ที่ทำลายโรงละคร Reggio Ducale ในมิลานในปี พ.ศ. 2319 ฤดูกาลของ La Scala เป็นหนึ่งในกิจกรรมที่สำคัญที่สุดในชีวิตทางวัฒนธรรมของมิลาน 
รายการนี้สลับการแสดงโอเปร่าและบัลเลต์ ตลอดจนชื่อนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีและชาวต่างประเทศ
ความหลากหลายเดียวกันนี้ใช้กับวัดดนตรีที่มีชื่อเสียงอีกแห่ง - โรงละคร La Fenice (la Fenice) ซึ่งเป็นโรงละครโอเปร่าหลักในเวนิส ซึ่งสร้างขึ้นบนจัตุรัส Campo San Fantin ในย่าน San Marco ถูกไฟไหม้ซ้ำแล้วซ้ำเล่าและฟื้นคืนชีพอย่างน่าอัศจรรย์ในแต่ละครั้ง (การบูรณะครั้งล่าสุดเสร็จสมบูรณ์ในปี 2546) โรงละครแห่งนี้กลายเป็นบ้านของโรงอุปรากรใหญ่และเทศกาลดนตรีร่วมสมัยนานาชาติ โรงละคร La Fenice ยังเป็นสถานที่จัดคอนเสิร์ตปีใหม่ตามประเพณีประจำปีอีกด้วย เทศกาลละครมักจะขึ้นอยู่กับประเพณี แต่ด้วยการมองที่นวัตกรรม แต่ละฤดูกาลของโรงละครมีความสมบูรณ์และน่าสนใจ โดยเส้นสายของโรงละครจะเชื่อมโยงงานละครคลาสสิกและสมัยใหม่เข้าด้วยกัน
ขณะอยู่ในตูริน (โตริโน) คงจะดีหากจะไม่พลาดโอกาสที่จะเยี่ยมชม Teatro Regio ซึ่งสร้างขึ้นตามคำสั่งของ Vittorio Amedeo II แห่งซาวอย ซึ่งมีส่วนหน้าอาคารดั้งเดิมซึ่งสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18 พร้อมๆ กับที่พักอาศัยอื่นๆ ของ ดยุกแห่งซาวอย ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของมรดกของยูเนสโก (Patrimonio Unesco) โรงละครโอเปร่าและบัลเลต์ของโรงละครแห่งนี้เริ่มต้นในเดือนตุลาคมและสิ้นสุดในเดือนมิถุนายน และรวมถึงงานแสดงดนตรีอื่น ๆ อีกนับสิบรายการ รวมทั้งการแสดงซิมโฟนีและการร้องประสานเสียง การแสดงดนตรีแชมเบอร์มิวสิกในยามเย็น การแสดงที่ Teatro Piccolo Regio (Piccolo Regio) ) มีไว้สำหรับผู้ชมใหม่และการดูครอบครัวตลอดจนงานต่างๆ เช่น เทศกาล MITO Musical กันยายน (MITO Settembre musica) 
โรมยังมอบประสบการณ์ที่สวยงามมากมายให้กับผู้ชื่นชอบโอเปร่าและบัลเล่ต์ ศูนย์กลางที่สำคัญที่สุดของดนตรีคลาสสิกคือโรงละครโอเปราโรม (Teatro dell "Opera) หรือที่รู้จักในชื่อโรงละคร Costanzi (Teatro Costanzi) ตามชื่อผู้สร้าง Domenico Costanzi
Pietro Mascagni เป็นแขกรับเชิญประจำของโรงละครแห่งนี้ รวมทั้งเป็นผู้กำกับศิลป์ของฤดูกาล 1909-1910 จะเป็นประโยชน์สำหรับผู้รักบัลเล่ต์ที่จะรู้ว่าในวันที่ 9 เมษายน พ.ศ. 2460 การแสดงบัลเล่ต์รอบปฐมทัศน์ของอิตาลีเรื่อง The Firebird โดย Igor Stravinsky ดำเนินการโดยศิลปินของคณะบัลเลต์รัสเซีย Sergei Diaghilev เกิดขึ้นที่นี่ 
บทละครประจำฤดูกาลของโรงละครแห่งนี้มีการแสดงโอเปร่าจำนวนมาก นักประพันธ์เพลงชาวต่างประเทศและชาวอิตาลีหลายชื่อ และนักบัลเล่ต์ให้ความสนใจเป็นอย่างมาก
และหากฤดูหนาวของโรงอุปรากรโรมันจัดขึ้นในอาคารเก่าในจัตุรัสเบนิอามิโน กิลลี นับตั้งแต่ปี 1937 แหล่งโบราณคดีที่สวยงามตระการตาของ Terme di Caracalla ก็เป็นสถานที่สำหรับฤดูร้อนกลางแจ้ง การแสดงโอเปร่าบนเวทีนี้เป็นความสำเร็จอย่างใหญ่หลวงต่อสาธารณชน โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับนักท่องเที่ยว ซึ่งหลายปีที่ผ่านมามีโอกาสชื่นชมการผสมผสานของสถานที่ที่ยอดเยี่ยมแห่งนี้กับการแสดงโอเปร่า 
เนลลา รีเจียนเซ คัมปาเนีย, il teatro che la fa da padrone nel campo della lirica è sicuramente il ซานคาร์โลดิ นาโปลี. ราคา 1737 da Re Carlo di Borbone per dare alla città di Napoli un nuovo teatro che rappresentasse il potere regio, nell'ambito del rinnovamento urbanistico di Napoli, il San Carlo prese il posto del piccolo Teatro San Bartolomeo Il progetto fu affidato all "architetto Giovanni Antonio Medrano, Colonnello del Reale Esercito, และ Angelo Carasale, già direttore del San Bartolomeo. 
ดี
โรงละครที่สำคัญที่สุดในภูมิภาค Campania คือโรงละคร San Carlo ในเนเปิลส์ มันถูกสร้างขึ้นในปี 1737 ตามคำสั่งของกษัตริย์ชาร์ลส์แห่งราชวงศ์บูร์บงเพื่อให้เมืองนี้มีโรงละครแห่งใหม่ซึ่งเป็นตัวแทนของอำนาจของราชวงศ์ ในกระบวนการปรับปรุงเนเปิลส์ให้ทันสมัยโรงละครซานคาร์โลเข้ามาแทนที่โรงละครเล็ก ๆ แห่งซานบาร์โตโลมีโอและการสร้างโครงการได้รับมอบหมายให้เป็นสถาปนิกพันเอกแห่งกองทัพบก Giovanni Antonio Medrano และอดีตผู้อำนวยการ San โรงละคร Bartolomeo, Angelo Carazale สิบปีหลังจากที่โรงละครถูกสร้างขึ้น ในคืนวันที่ 13 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2359 อาคารก็ถูกไฟไหม้ซึ่งเหลือเพียงผนังรอบปริมณฑลของอาคารและส่วนต่อขยายเล็กน้อยไม่เสียหาย สิ่งที่เราเห็นในวันนี้คือการสร้างใหม่พร้อมการพัฒนาขื้นใหม่ในภายหลัง
โรงละครที่สวยงามแห่งนี้ยินดีต้อนรับผู้ชื่นชอบโอเปร่าด้วยโปรแกรมที่เข้มข้นเสมอ ซึ่งมักจะเป็นการเดินทางสู่ประเพณีโอเปร่าของเนเปิลส์และการกลับมาของบทเพลงไพเราะคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ รวมถึงผู้ที่อ่านผ่านปริซึมของการรับรู้ใหม่ และด้วยการมีส่วนร่วมของ คนดังระดับโลก ทุกฤดูกาลบนเวทีของโรงละครโอเปร่าที่เก่าแก่ที่สุดของยุโรป จะมีการเปิดตัวที่สดใสและผลตอบแทนที่ยอดเยี่ยม 
ผู้เขียนเรียงความคือ L. A. Solovtsova, O. T. Leontieva
บ้านเกิดของโอเปร่าคืออิตาลี ถูกเรียกให้มีชีวิตตามอุดมคติแห่งยุคสมัย ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีแนวนี้เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 ในความเป็นเอกภาพของกวี ดนตรี และละครเวที กลุ่มกวีและนักดนตรีชาวฟลอเรนซ์ผู้รู้แจ้งกำลังมองหาวิธีที่จะรื้อฟื้นโรงละครโบราณ เพื่อสร้างศิลปะสังเคราะห์ที่สามารถแสดงความรู้สึกของมนุษย์ได้อย่างแท้จริง ชาวฟลอเรนซ์ประกาศความครอบงำของกวีนิพนธ์เหนือดนตรี ปฏิเสธการประสานเสียงในยุคกลาง พวกเขาเสนอรูปแบบการท่องพ้องเสียงแบบใหม่ อ้างอิงจากส B. Asafiev ศิษยาภิบาลของชาวฟลอเรนซ์เป็น "โพรพิลาชนิดหนึ่ง" สำหรับโอเปร่า
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XVII โอเปร่าค่อยๆ กลายเป็นแนวเพลง โดยได้แนวทางใหม่ในการพัฒนา: ก้าวข้ามวงแคบของกวีและนักดนตรีชาวฟลอเรนซ์ ได้เข้ามาติดต่อกับผู้ชมจำนวนมากใน Mantua ในกรุงโรม จากนั้นในเวนิส ซึ่งในช่วงทศวรรษที่ 30 . ศตวรรษที่ 17 เปิดโรงละครโอเปร่าถาวรแห่งแรกของโลก การแสดงในห้องต่างๆ ของชาวฟลอเรนซ์ทำให้การแสดงละครฟุ่มเฟือย ในเวลาเดียวกัน ดนตรีเริ่มมีความสำคัญเหนือข้อความ - รูปแบบการประกาศค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วย cantilena
ความสำเร็จสูงสุดของโอเปร่าอิตาลีในศตวรรษที่ 17 เป็นผลงานของนักประพันธ์เพลงสองคน ได้แก่ Claudio Monteverdi (1567-1643) และ Alessandro Scarlatti (1660-1725)
Monteverdi ทำงานใน Mantua และในเวนิสซึ่งเขาสร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขา เขาเป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่คนแรกที่รวบรวมตัวละครที่แข็งแกร่งและความหลงใหลในการแสดงละคร เขาเพิ่มคุณค่าให้กับโอเปร่าด้วยวิธีการทางดนตรีและการแสดงออกใหม่ ๆ มากมาย บทสวดไพเราะรวมกับ cantilena; ท่วงทำนอง ความกลมกลืน และการเขียนแบบออร์เคสตราที่อยู่ภายใต้การออกแบบอันน่าทึ่ง ก่อนยุคของเขา Monteverdi เดินตามเส้นทางในการสร้างละครเพลงที่เหมือนจริง
ในการแสดงของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีคนต่อมา เนื้อหาอันน่าทึ่งค่อยๆ จางหายไปในเบื้องหลัง ในขณะเดียวกัน บทบาทของนักร้องเพลงโอเปร่าก็เพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ
พัฒนาการของโอเปร่าอิตาลีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 และ 18 เกี่ยวข้องกับความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการร้อง งานของ A. Scarlatti ได้วางรากฐานสำหรับโรงเรียน Neapolitan ที่มีชื่อเสียง ซึ่งในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17 และ 18 ยึดครองตำแหน่งที่โดดเด่นซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นของโรงเรียนเวเนเชียน ได้นำประสบการณ์ของชาวฟลอเรนซ์ โรมัน และ ผู้เชี่ยวชาญชาวเวนิสชาวเนเปิลส์ใช้ความสำเร็จที่สร้างสรรค์ของพวกเขา
ในเนเปิลส์ ประเภทของอุปรากรอิตาลีในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้น โดยที่ดนตรีมีอิทธิพลเหนือข้อความ ซึ่งกำหนดประเภทของรูปแบบเสียงร้องและศิลปะการร้องเพลงก็มีดอกบานสะพรั่ง นักร้องชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงโด่งดังไปทั่วโลกไม่เพียงเพราะเสียงที่ไพเราะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทักษะการร้องสูงสุดที่เรียกว่า bel canto อย่างไรก็ตาม ในช่วงศตวรรษที่ 18 ศิลปะของ bel canto ค่อยๆ เข้ามามีบทบาทภายนอกและมีความสามารถมากขึ้น นักร้องชาวอิตาลีที่ดีที่สุดมีพรสวรรค์ในการด้นสด บรรเลงเพลง พวกเขาเปลี่ยนพวกเขาและ cadenzas ชั่วคราว นักร้องที่มีความสามารถน้อยกว่าพยายามที่จะเลียนแบบผู้เชี่ยวชาญที่มีชื่อเสียงของ bel canto นักร้องที่มีความสามารถน้อยกว่ามักจะข้ามขอบเขตของการแสดงที่มีเหตุผลทางศิลปะในการแสดงของพวกเขา
เสน่ห์ของนักร้องที่มีเทคนิคอัจฉริยะก็มีอิทธิพลต่องานของนักประพันธ์เพลงเช่นกัน โดยยอมให้เข้ากับรสนิยมของสาธารณชนและนิสัยของนักร้อง คีตกวีมักจะโอเวอร์โหลดอาเรียสด้วยการปรุงแต่งที่เปี่ยมด้วยคุณธรรม เมื่อได้มาซึ่งความเฉลียวฉลาดจากภายนอก ดนตรีค่อยๆ สูญเสียความหมายทางอารมณ์ที่ทำเครื่องหมายงานของ A. Scarlatti และผู้ติดตามที่ใกล้ชิดที่สุดของเขา นักร้องอัจฉริยะได้อันดับหนึ่งในโอเปร่า โดยผลักผู้แต่งและนักเขียนบทไปอยู่เบื้องหลัง ในการแต่งโอเปร่า อย่างแรกเลย จำเป็นต้องจัดเตรียม "ตัวเลขที่น่าทึ่ง" สำหรับการแสดงที่ชื่นชอบของผู้ชม
คีตกวีของโรงเรียนเนเปิลส์แม้ในสมัยรุ่งเรืองก็ไม่ค่อยสนใจในการเขียนบทละคร ประเภทของโอเปร่าที่เรียกว่า "จริงจัง" (opera seria) ที่เกิดขึ้นในเนเปิลส์ส่วนใหญ่เป็นการสลับเพลงและบทประพันธ์ ตระการตา บทบาทสำคัญไม่ได้เล่น; คณะนักร้องประสานเสียงเกือบจะขาดหายไป สถานที่หลักถูกครอบครองโดย arias และ duets ที่แสดงความรู้สึกของตัวละคร ในการบรรยาย เหตุการณ์ หลักสูตรของละคร ส่วนใหญ่ระบุ เมื่อพลังของนักร้องอัจฉริยะเพิ่มขึ้น ความสนใจในเนื้อหาอันน่าทึ่งก็ลดลงเรื่อยๆ รสนิยมของผู้อุปถัมภ์ของโรงละครในศาลมีผลกระทบทางลบอย่างมากต่อการพัฒนาละครโอเปร่า โครงเรื่องของโอเปร่าบทมักทำให้เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ไร้ความหมาย
ธีมวีรชนอภิบาล โครงเรื่องจากเทพนิยายและยุคกลางเป็นเพียงผืนผ้าใบเท่านั้น ซึ่งก่อให้เกิดอาเรียสอัจฉริยะอันยอดเยี่ยม ความเฉยเมยของทั้งนักแสดงและผู้ฟังที่มีต่อความเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันโวหารของดนตรีสามารถตัดสินได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าในปี ค.ศ. 1920 ศตวรรษที่ 18 ประเภทของโอเปร่าแพร่กระจาย ซึ่งการกระทำทั้งหมดเป็นของคีตกวีที่แตกต่างกัน โอเปร่าดังกล่าวเรียกว่า pasticcio ("pâté")
ซ้ำแล้วซ้ำเล่าตลอดศตวรรษที่ 18 ทั้งกวีและนักประพันธ์ต่างก็พยายามเสริมความแข็งแกร่งให้กับละครโอเปร่าที่ "จริงจัง" บุญมากเป็นของกวี A. Zeno และ Pietro Metastasio แต่พวกเขาไม่ได้เอาชนะแผนผังในการสร้างการแสดงโอเปร่า: เช่นเดียวกับรุ่นก่อน Zeno และ Metastasio ไม่ได้ดำเนินการตามข้อกำหนดของการแสดงละคร แต่มาจากคำสั่งที่กำหนดไว้ในการกระจายเพลงอาเรียและบทอ่านตามการกระทำ ละครเพลงของโอเปร่ายังคงเหมือนเดิม โดยเฉพาะอย่างยิ่ง บทบรรยายในลักษณะของความเชื่อมโยงอย่างเป็นทางการระหว่างจำนวนเสียงร้อง ในระหว่างการแสดงบท ผู้ฟังมักจะพูดเสียงดังหรือออกจากห้องโถงเพื่อรับประทานอาหารและเล่นไพ่
สิ่งที่กล่าวมานี้ไม่ได้หมายความว่า “ในหมู่นักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีไม่มีศิลปินที่คิดจริงจัง ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในยุคของการตรัสรู้ของอิตาลี ความปรารถนาที่จะยกระดับศิลปะของโอเปร่าที่ "จริงจัง" รุนแรงขึ้น แต่ไม่มีนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีคนใดกล้าที่จะย้ายออกจากโครงสร้างที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปของ Opera seria เพื่อละทิ้งความมีคุณธรรมอันไร้ความหมายของอาเรียส
พร้อมกับโอเปร่าที่ "จริงจัง" โอเปร่าการ์ตูน (โอเปร่าบัฟฟา) เกิดขึ้นในลำไส้ของโรงเรียนเนเปิลตันเดียวกัน หลังจากที่ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางตั้งแต่ก้าวแรก มันจึงแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทั่วเมืองต่างๆ ของยุโรป แทนที่โอเปร่าที่ "จริงจัง" แม้กระทั่งจากขั้นตอนของโรงละครในศาล
ด้วยต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 18 โอเปร่าการ์ตูนของอิตาลีเติบโตขึ้นจากฉากตลกและสลับฉากที่สลับกันระหว่างโอเปร่าเวนิสและเนเปิลส์ในสมัยนั้น แหล่งที่มาอื่นคือภาษาถิ่น (อิงจากภาษาถิ่น) คอเมดี้ มักจะแสดงด้วยเพลงที่ไม่ซับซ้อน ละครตลกสร้างตัวเองขึ้นในช่วงของ Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736); ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษ งานของ Giovanni Paisiello (1740-1816) และ Domenico Chimorosa (1749-1801) บรรลุวุฒิภาวะแบบคลาสสิก ตามปณิธานของประชาธิปไตย อุปรากรบัฟฟาเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่อต้านศิลปะการแสดงโอเปร่าที่ "จริงจัง" ซึ่งแยกตัวออกจากชีวิต เกิดขึ้นเพื่อตอบสนองต่อความต้องการของสุนทรียศาสตร์รูปแบบใหม่ ซึ่งเรียกร้องความเชื่อมโยงที่เป็นรูปธรรมกับความทันสมัยจากศิลปะ
การแสดงละครตลกของอิตาลีแสดงการผจญภัยที่สนุกสนานบนเวทีจากชีวิตของโคตร; ความชั่วร้ายเยาะเย้ยและมักล้อเลียนประเภทของโอเปร่า "ร้ายแรง" สำหรับความน่าสมเพชของโอเปร่าซีเรีย อาเรียและบทประพันธ์ที่สูญเสียความหมาย ควายอุปรากรเปรียบเทียบธีมตลกในชีวิตประจำวัน ท่วงทำนองเรียบง่ายและในชีวิตประจำวัน จังหวะการเต้นที่มีชีวิตชีวา ไดนามิกตระการตาที่เต็มไปด้วยแอ็คชั่นได้รับความสำคัญอย่างมากในละครตลก
ระหว่างทาง ควายโอเปร่ามีวิวัฒนาการ; องค์ประกอบแต่ละอย่างของโอเปร่า "จริงจัง" แทรกซึมเข้าไปในการ์ตูน และในทางกลับกัน แต่แนวเพลงเหล่านี้ยังคงแยกจากกันต่อไปแม้ในศตวรรษที่ 19
ในช่วงเริ่มต้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติที่ปลุกปั่นให้อิตาลีทั้งหมด (ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19) วรรณกรรมแนวโรแมนติกกลายเป็นการแสดงออกทางสุนทรียะของความคิดที่ก้าวหน้า ความโรแมนติกครั้งแรกของชาวอิตาลีผู้เข้าร่วมในขบวนการปฏิวัติของกวี Carbonari ถือเป็นงานหลักของศิลปะและวรรณคดีเพื่อการบริการของประชาชน พวกเขาต่อสู้เพื่อพัฒนาวัฒนธรรมของชาติ เรียกร้องให้ศึกษาชีวิตของผู้คน ความคิด แรงบันดาลใจ ประวัติศาสตร์และศิลปะ
ปลุกจิตสำนึกในชาติของชาวอิตาลี เรียกร้องให้ประเทศสามัคคีและล้มล้างแอกของผู้เป็นทาส
ขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติยังสะท้อนให้เห็นในศิลปะของโอเปร่าโดยหายใจเข้าสู่จิตวิญญาณของชีวิตสมัยใหม่ ทิศทางใหม่ในโอเปร่าเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลที่ก้าวหน้าของวรรณกรรมแนวโรแมนติกของอิตาลี นักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีได้ปฏิเสธแผนการในตำนานดั้งเดิมโดยหันไปหามนุษย์สู่โลกฝ่ายวิญญาณของเขา
ผลงานของโจอัคคิโน รอสซินี (พ.ศ. 2335-2411) เป็นเหมือนการเชื่อมโยงในการพัฒนาอุปรากรอิตาลี เสร็จสิ้นขั้นตอนก่อนหน้า และวางรากฐานสำหรับโรงเรียนแห่งชาติใหม่ ในการ์ตูนโอเปร่าของผู้แต่ง (ที่ดีที่สุดคือ The Barber of Seville) ด้วยเนื้อหาที่เจาะจงและชัดเจน โอเปร่าควายจึงถึงจุดสูงสุด
Rossini ยังเพิ่มคุณค่าให้กับวงการอุปรากรที่ "จริงจัง" ซึ่งในขณะนั้นกำลังผ่านวิกฤตทางอุดมการณ์และดราม่าอย่างลึกซึ้ง จริงอยู่ที่งานของเขามีอนุสัญญามากมายที่ละเมิดธรรมชาติของการพัฒนาที่น่าทึ่ง พอจะพูดได้ว่า Rossini ถ่ายโอนเศษเพลงจากโอเปร่าหนึ่งไปยังอีกเพลงหนึ่งได้อย่างง่ายดาย อย่างไรก็ตามในประเภทของโอเปร่า "จริงจัง" เขาได้สร้างผลงานที่โดดเด่นจำนวนหนึ่ง
Rossini หันไปใช้ธีมฮีโร่ที่ตอบสนองความต้องการในยุคของเรา คณะนักร้องประสานเสียงอันทรงพลังฟังในโอเปร่าของเขา วงดนตรีที่มีพลวัตและได้รับการพัฒนาปรากฏขึ้น และวงออเคสตราก็มีสีสันและแสดงออกอย่างน่าทึ่ง William Tell ของ Rossini วางรากฐานสำหรับประเภทใหม่ของโอเปร่าโรแมนติกที่กล้าหาญและประวัติศาสตร์
ผลงานของ Rossini ที่เก่งกาจและรุ่นน้องและผู้ติดตามของเขา - Vincenzo Bellini (1801-1835) และ Gaetano Donizetti (1797-1848) - เป็นความสำเร็จที่ดีที่สุดของศิลปะโอเปร่าอิตาลีในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 นักประพันธ์เพลงเหล่านี้ได้ปรับปรุงภาษาดนตรีของอุปรากรอิตาลี ให้อิ่มตัวด้วยท่วงทำนองอันไพเราะ ใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้าน พวกเขาสามารถสร้างท่วงทำนองที่ดึงเอาส่วนที่ดีที่สุดของพรสวรรค์ของนักร้องออกมา ชื่อของ Rossini, Bellini และ Donizetti เกี่ยวข้องกับกิจกรรมการแสดงของนักร้องที่ยอดเยี่ยมเช่น G. Pasta, G. Rubini, M. Malibran, A. Tamburini, L. Lablache, G. Grisi ผู้ยืนยันความรุ่งโรจน์ของโอเปร่าอิตาลี ในเวทียุโรปทั้งหมด
ความมั่งคั่งของโอเปร่าอิตาลีมีอายุสั้น หลังจากสร้าง William Tell (1829) Rossini ไม่ได้เขียนโอเปร่าอีกต่อไป ในช่วงกลางยุค 30 หนุ่มเบลลินีเสียชีวิต ในตอนต้นของยุค 40 งานของโดนิเซ็ตติที่ป่วยหนักก็ตกต่ำ โรงอุปรากรแห่งชาติประสบวิกฤติร้ายแรงอีกครั้ง ฉากอิตาลีเต็มไปด้วยโอเปร่าธรรมดาที่แต่งโดยรอสซินี เบลลินี และโดนิเซ็ตติมากมาย ในงานซึ่งส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นอย่างเร่งรีบในฤดูกาลหน้าและถูกลืมไปทันทีมีการให้ความสนใจเพียงเล็กน้อยกับประเด็นเรื่องเนื้อหาเชิงอุดมการณ์และปัญหาการละคร ท่วงทำนองของโอเปร่ามีเอฟเฟกต์มากมายที่ไม่ได้เกิดจากธรรมชาติของภาพ และบางครั้งก็ขัดแย้งกับเนื้อหาด้วย นักแต่งเพลงยังคงเขียนบทต่อไปตามลายฉลุที่ยอมรับ ตัวเลขทางดนตรีในโอเปร่าเป็นไปตามรูปแบบปกติ ไม่ได้เชื่อมโยงกันด้วยการกระทำ
การสร้างบทละครโอเปร่าที่เต็มเปี่ยมถูกขัดขวางโดยกิจวัตรที่แพร่หลายในโรงอุปรากร แม้ว่าบทนี้จะถูกเขียนขึ้นโดยกวีที่เก่งที่สุดในยุคนั้น เช่น เฟลิซ โรมานีผู้โด่งดัง เมื่อผู้ประพันธ์หันไปใช้วรรณกรรมคลาสสิกระดับโลก พวกเขาวางโครงเรื่องในรูปแบบมาตรฐาน ซึ่งทำให้ยากไร้อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้
Giuseppe Verdi (1813-1901) ผู้ริเริ่มที่กล้าหาญ กระตือรือร้น เชื่อมั่นและสม่ำเสมอในหลักการที่เป็นจริงของวรรณคดีอิตาลีในยุคของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติได้นำโอเปร่าอิตาลีออกจากวิกฤตการณ์ทางอุดมการณ์และละคร
หากผู้ก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติคือ Rossini แสดงว่างานของ Verdi ถึงจุดสูงสุด อิตาลีไม่มีนักแต่งเพลงที่เทียบได้กับแวร์ดีในแง่ของคุณค่าและพลังแห่งพรสวรรค์ ไม่ว่าจะในช่วงชีวิตของแวร์ดีหรือหลังจากที่เขาเสียชีวิต โอเปร่าที่กล้าหาญครั้งแรกของนักแต่งเพลงซึ่งปรากฏในปี 1940 เกิดขึ้นจากการปฏิวัติที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วเมื่อกองกำลังทางวัฒนธรรมทั้งหมดของประเทศเข้าร่วมขบวนการปลดปล่อย Verdi เป็นประชาธิปไตยและผู้รักชาติอย่างแข็งขันสร้างงานศิลปะที่มีอุดมการณ์สูงและในขณะเดียวกันก็เข้าถึงได้สำหรับคนทั่วไป บุญสูงสุดของนักดนตรีคือตั้งแต่ก้าวแรกที่สร้างสรรค์ อาศัยประเพณีของโอเปร่าแห่งชาติและปกป้องเอกลักษณ์ของชาติ เขาเดินตามเส้นทางแห่งนวัตกรรม เส้นทางแห่งการค้นหาความจริงอันน่าทึ่งอย่างไม่เหน็ดเหนื่อย
ในฐานะศิลปินที่เฉลียวฉลาดและเกิดมาเป็นนักเขียนบทละคร เขาตระหนักว่ากิจวัตรที่เป็นทางการและความเฉยเมยต่อเนื้อหาการละครได้นำโอเปร่าอิตาลีไปสู่จุดจบ โดยตระหนักว่าข้อบกพร่องหลักของโอเปร่าอิตาลีมีรากฐานมาจากแผนผังของการก่อสร้าง เขาจึงต่อสู้ดิ้นรนอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยเพื่อสร้างบทละครที่เต็มเปี่ยมและดูแลงานของนักเขียนบทอย่างแข็งขัน
Verdi พยายามอย่างต่อเนื่องเพื่อให้ตัวละครมีชีวิตชีวาและสถานการณ์ที่น่าทึ่ง เขากำลังมองหารูปแบบใหม่ที่น่าทึ่งและเป็นความจริง เขาพยายามใช้วิธีการแสดงออกทั้งหมดในโอเปร่าเพื่อระบุแนวคิดหลัก
หลังจากผ่านความหลงใหลใน "แนวโรแมนติกที่รุนแรง" ของ Hugo และความโรแมนติกของสเปนที่ใกล้ชิดกับเขา Verdi ในผลงานในภายหลังของเขา - ใน "Aida", "Othello" และ "Falstaff" - ประสบความสำเร็จในการหลอมรวมของการกระทำ คำพูด และดนตรี มาเพื่อสร้างละครเพลงที่สมจริงอย่างแท้จริง
ในยุค 70-80 ของศตวรรษที่ผ่านมาในโอเปร่าอิตาลีซึ่งกำลังผ่านช่วงเวลาของการค้นหาและการต่อสู้เพื่อทิศทาง เสาสองเสาที่อยู่รอบ ๆ กองกำลังดนตรีคือชื่อของ Verdi และ Wagner ความหลงใหลในความโรแมนติกของชาวเยอรมัน - โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Wagner - ความปรารถนาที่จะเลียนแบบพวกเขาถือเป็นส่วนสำคัญของเยาวชนอิตาลี งานอดิเรกนี้ซึ่งมักจะถูกลดทอนให้เป็นแค่การเลียนแบบธรรมดา ๆ มีด้านบวกและด้านลบ
การศึกษาของ เพลงเยอรมันปลุกเร้านักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีให้สนใจในความกลมกลืน การประสานเสียง และวงออเคสตราเพิ่มขึ้น แต่ในขณะเดียวกัน พวกเขาก็เดินไปในทางที่ผิด กวาดล้างประเพณีโอเปร่าของอิตาลี ทิ้งมรดกทางโอเปร่าคลาสสิกไป พวกเขาปฏิบัติต่องานของ Verdi ด้วยความรังเกียจ ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของแนวโน้มนี้คือ Arrigo Boito (1852-1918) ซึ่งโอเปร่า Mephistopheles ประสบความสำเร็จอย่างมากในขณะนั้น
ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษ Wagnerism ซึ่งแพร่กระจายไปทั่วอิตาลี ถูกคัดค้านโดยทิศทางโอเปร่าใหม่ - verism (จากคำว่า "vero" - จริง จริง) รากฐานสำหรับการเกิดขึ้นของโอเปร่า Verism นั้นจัดทำขึ้นโดยการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรมของยุค 80 ซึ่งมีชื่อเดียวกัน
โอเปร่า veristic แรก - Rustic Honor (1890) ของ Pietro Mascagni - เขียนขึ้นจากเนื้อเรื่องสั้นโดย Giovanni Verga Pagliacci ของ Ruggero Leoncavallo (1892) ได้รับความนิยมอย่างมากจาก Rural Honor และหลังจากนั้น Pagliacci โดย Ruggiero Leoncavallo (1892) ก็ประสบความสำเร็จอย่างมากกับผู้ชมที่เบื่อหน่ายสัญลักษณ์ที่คลุมเครือในแผนโอเปร่าของผู้ลอกเลียนแบบชาวอิตาลีของ Wagner
ความเชื่อที่สร้างสรรค์ของ verism คือความจริงของชีวิต บทประพันธ์นำธีมของโอเปร่ามาจากชีวิตประจำวัน ฮีโร่ของพวกเขาไม่ใช่บุคลิกที่โดดเด่น แต่เป็นคนธรรมดาสามัญที่มีละครที่ใกล้ชิด ในที่นี้ Verismo ของอิตาลีอยู่ใกล้กับบทกวีภาษาฝรั่งเศส ภาษาไพเราะของบทเพลงอิตาลีได้รับอิทธิพลจากท่วงทำนองที่ละเอียดอ่อนของ Gounod, Thomas, Massenet ผลงานที่เหมือนจริงของ Bizet และ Verdi ได้รับความรักเป็นพิเศษจากผู้ประพันธ์ Verists ให้ความสำคัญกับ "Carmen" ของ Bizet มากเท่ากับโอเปร่าของ Verdi ซึ่งพวกเขารับรู้ถึงอารมณ์ดนตรีที่เน้นย้ำและความคมชัดของสถานการณ์ที่น่าทึ่ง มันเป็นคุณสมบัติเหล่านี้ของงานของพวกเขารวมถึงท่วงทำนองที่เข้าถึงได้ง่ายซึ่ง veristas ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง อย่างไรก็ตาม การตีความโครงเรื่องในโอเปร่ามักมีลักษณะที่ประโลมโลก ด้วยความปรารถนาที่จะแสดงชีวิตประจำวันโดย "ปราศจากการปรุงแต่ง" บทประพันธ์จึงมักมาแทนที่การสร้างภาพแห่งความเป็นจริงที่เหมือนจริงด้วย "การถ่ายภาพ" มัน และสิ่งนี้นำไปสู่การขัดเกลาของตัวละคร บางครั้งก็เป็นการแสดงให้เห็นอย่างผิวเผินของดนตรี ไปสู่ลัทธินิยมนิยม
ส่วนใหญ่งานที่โดดเด่นที่สุดในหมู่นักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 20 อยู่ติดกับ verismo Giacomo Puccini (1858-1924) ซึ่งไม่หนีจากอิทธิพลของแนวโรแมนติกของเยอรมันในโอเปร่ายุคแรกของเขา ตามแรงบันดาลใจหลักในการสร้างสรรค์และลักษณะเฉพาะของสไตล์ของปุชชีนี ปุชชีนีคือผู้ประพันธ์ ถึงแม้ว่างานของเขาจะมากกว่าความเป็นจริงก็ตาม ปุชชีนีมีความสามารถและหลากหลายที่สุดในบรรดานักแต่งเพลงของเทรนด์นี้
ความจริงของปุชชีนีแสดงให้เห็นในทัศนคติของเขาต่อพล็อตเรื่องโอเปร่าเป็นหลัก ในชีวิตธรรมดาที่ไร้ซึ่งความเคลือบแคลง ปุชชีนีพบเนื้อหาสำหรับละครที่เคลื่อนไหวอย่างลึกซึ้ง สุนทรพจน์ทางดนตรีของเขาเป็นความจริงทางอารมณ์เสมอ ด้วยความสมบูรณ์และความสดของภาษาดนตรี นักแต่งเพลงจึงโดดเด่นในหมู่ผู้ร่วมสมัยของเขา - บทเพลง และแม้ว่าปุชชีนีจะไม่สามารถทำงานของเขาให้สูงส่งถึงระดับที่เหมือนจริงของแวร์ดีได้ แต่ด้วยความฉับไวทางอารมณ์ของผลกระทบของดนตรี ความชัดเจนของท่วงทำนอง ความแข็งแกร่งและความสว่างของความสามารถอันน่าทึ่งของเขา เขาเป็นทายาทโดยตรง ของแวร์ดีและศิลปินชาวอิตาลีอย่างแท้จริง
มรดกที่ดีที่สุดของโอเปร่าคลาสสิกของอิตาลีคือผลงานของ Rossini, Bellini, Donizetti, Puccini และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Verdi ผลงานของคีตกวีเหล่านี้รวมอยู่ในละครเพลงของโรงละครดนตรีส่วนใหญ่ พวกเขาจะได้ยินอย่างสม่ำเสมอในคอนเสิร์ตและทางวิทยุ
โอเปร่าคลาสสิกของอิตาลีซึ่งมีเนื้อหาเกี่ยวกับอุดมการณ์ที่ก้าวหน้า พร้อมด้วยขนบธรรมเนียมประจำชาติที่เข้มแข็ง พร้อมด้วย "เสียงร้อง" ที่แท้จริง ถือเป็นสถานที่แห่งเกียรติยศในคลังของวัฒนธรรมดนตรีโลก
นอกจากนี้ในศตวรรษที่ XX นักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีแสดงออกถึงความสดใสในรูปแบบของดนตรีบรรเลง อย่างไรก็ตามโอเปร่าในอิตาลีสมัยใหม่ยังไม่ลืม Franco Alfano (1877-1954) เป็นผู้แต่งโอเปร่าสิบเรื่องซึ่งโอเปร่า Resurrection จัดขึ้นที่ Turin ในปี 1904 ตามนวนิยายของ L. Tolstoy ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ ในตอนต้นของศตวรรษที่ XX แสดงในประเภทโอเปร่าโดย Ottorino Respighi (1879-1936) ซึ่งเป็นตัวแทนของอิมเพรสชั่นนิสม์ของอิตาลีซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Rimsky-Korsakov โอเปร่าเรื่องแรกของเขาคือ Rey Enzio (1905) และ Semirama (1910) ซึ่งจัดแสดงในโบโลญญา ในปี 1927 โอเปร่าของเขา The Sunken Bell ซึ่งสร้างจากละครชื่อเดียวกันโดย Gerhard Hauptmann ได้แสดงบนเวทีของโรงละครฮัมบูร์ก ในช่วงท้ายของงาน Respighi ได้พัฒนาไปสู่ neoclassicism ผลที่ตามมาคือการดัดแปลงโดยเสรีของโอเปร่า "Orfeo" ของ C. Monteverdi (1935) ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการฟื้นฟูและการค้นพบผลงานโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่คนนี้
ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีสมัยใหม่รุ่นเก่าที่ทำงานในประเภทโอเปร่าคือ Ildebrando Pizzetti (1880-1968) รูปแบบการแต่งของเขาเกิดขึ้นในการศึกษาประเพณีคลาสสิกและก่อนคลาสสิก ศิลปะแห่งชาติ. Pizzetti แต่งโอเปร่าสำหรับโรงละคร La Scala ที่มีชื่อเสียงในมิลานอย่างต่อเนื่อง ในรอบปฐมทัศน์ของพวกเขาหลายคน Arturo Toscanini ที่มีชื่อเสียงได้ดำเนินการ อย่างแรกคือ Phaedra ตามบทละครของ Gabriel d'Annunzio (1915) ในปี 1928 โอเปร่า Fra Gherardo ประสบความสำเร็จในการจัดฉากตามพงศาวดารประวัติศาสตร์ของ Parma ในศตวรรษที่ 13 Pizzetti ผู้แต่งโอเปร่าสิบห้าชิ้นไม่สามารถ เรียกว่าเป็นผู้ริเริ่มในโรงละครดนตรี แต่ผลงานของเขามักจะประสบความสำเร็จเพียงพอที่จะคงอยู่ในละครต่อไปเป็นเวลานาน ในช่วงหลายปีหลังสงครามโลกครั้งที่สอง นักแต่งเพลงที่เคารพนับถือยังคงทำงานอย่างหนักเพื่อโรงละคร โอเปร่า Pizzetti ใหม่ปรากฏขึ้นเป็นประจำ: ในปี 1947 - "Gold" ในปี 1949 - "Bath of the Loupe" ในปี 1950 - "Iphigenia" ในปี 1952 - "Cagliostro" งานเหล่านี้ยังคงคุณลักษณะบางอย่างของ Verismo ของอิตาลีตอนปลายรวมกับอิทธิพลของ Debussy (กลั่นกรอง และบทสวดอันไพเราะของเพลง "Pelléas and Mélisande") ในปีต่อๆ มา ปรมาจารย์ชาวอิตาลีผู้เฒ่าไม่สูญเสียอำนาจหน้าที่ในโรงละครโอเปร่า เป็นที่น่าสังเกตว่า 3 โอเปร่าสุดท้ายของเขาที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด และได้รับการยอมรับนอกอิตาลี: นี่คือลูกสาวของ Yorio กับข้อความของ G. d "Annunzio (1954) โพสต์ ถ่ายทำในเนเปิลส์โดยผู้กำกับชื่อดัง Roberto Rossellini, Murder in the Cathedral (1958) และ Clytemnestra (1964) Murder in the Cathedral เป็นโอเปร่าที่สาธารณชนชาวอังกฤษให้ความสนใจเป็นพิเศษ โดยอิงจากข้อความกลอนของบทละครยอดนิยมของกวีชาวอังกฤษร่วมสมัยและนักเขียนบทละคร ที. เอส. เอเลียต ละครเรื่องนี้เล่าถึงชีวิตและการสิ้นพระชนม์ของอาร์คบิชอปแห่งแคนเทอร์เบอรี โธมัส เบ็คเก็ต อดีตนายกรัฐมนตรีของกษัตริย์เฮนรี่ที่ 2 แห่งอังกฤษ แรงจูงใจสองประการก่อให้เกิดความขัดแย้งทางอุดมการณ์อย่างลึกซึ้งในงานนี้: การลอบสังหารเบ็คเก็ตทางการเมืองซึ่งถูกทำให้ชอบธรรมโดย "ความจำเป็นทางประวัติศาสตร์" - "ในนามของอำนาจอันสมบูรณ์ของพระมหากษัตริย์" - และการพลีชีพโดยสมัครใจโดยวีรบุรุษ นักเขียนบทละครในบทละครของเขาเล็งเห็นถึงโครงสร้างทางดนตรีที่เป็นไปได้ล่วงหน้า เดิมเขาผสมผสานรูปแบบการบูชาคาทอลิกและโศกนาฏกรรมกรีกโบราณเข้ากับคณะนักร้องประสานเสียงบรรยาย
ในแง่ของความสามารถในการสร้างสรรค์และบทบาทในโรงละครดนตรี มีเพียง Gian Francesco Malipiero (1882-1973) เท่านั้นที่สามารถวางไว้ข้าง Pizzetti เช่นเดียวกับนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีหลายคนในศตวรรษที่ 20 เขาหลงใหลในการเขียนอิมเพรสชั่นนิสม์ ซึ่งส่งผลต่อ ความเอาใจใส่เป็นพิเศษสู่ความสดใสของวงออเคสตรา แต่แล้วในยุค 20 นักแต่งเพลงคนนี้หันไปศึกษาอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับปรมาจารย์ด้านบาโรกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีอย่างลึกซึ้งและกลายเป็นผู้ติดตามของ neoclassicism ที่แพร่หลาย หลังจากอุทิศเวลาและความพยายามอย่างมากในการแก้ไขและฟื้นฟูงานของ Claudio Monteverdi และ Antonio Vivaldi แล้ว Malipiero เองก็ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งในการสร้างสไตล์ของเขาก็คือท่วงทำนองไดอาโทนิกของเพลงลูกทุ่งเก่าและบทสวดเกรกอเรียน
มาลิปิเอโรแต่งเพลงและละครอย่างน้อยสามสิบชิ้น ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2461 ถึง พ.ศ. 2465 นักแต่งเพลงได้ทำงานในโอเปร่าไตรภาคเรื่อง Orfeida และ Goldoniana ในปี 1932 เขาเสร็จสิ้นไตรภาคที่สามภายใต้ชื่อ The Venetian Mystery โอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดเรื่องหนึ่งของมาลิปิเอโรคือ The Story of the Changed Son (1933) ซึ่งสร้างจากบทละครของ Luigi Pirandello ให้เราสังเกตโอเปร่าเรื่อง The Fun of Callot (1942) ที่อิงจากเรื่องราวของ E. T. A. Hoffmann เรื่อง The Princess of Brambilla และ Don Giovanni (1964) จากเรื่อง The Stone Guest ของ Pushkin
การทบทวนงานโอเปร่าของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลียุคใหม่ในรุ่นเก่าจะไม่สมบูรณ์หากไม่มีชื่อ Alfredo Casella (1883-1947) แม้ว่าสาขาดนตรีบรรเลงที่ไม่เกี่ยวข้องกับคำว่าดึงดูดอาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้มากกว่าโอเปร่า ในประเภทโอเปร่า เขาแต่งสามงาน: The Serpent Woman (1931) จากบทละครของ C. Gozzi (การแสดงโอเปร่าควายโบราณของอิตาลี) โอเปร่าห้องหนึ่งเรื่อง The Story of Orpheus (แสดงในปี 1932) และละครลึกลับเรื่องเดียวเรื่อง Desert of Temptation ” (1937) ซึ่งจัดทำขึ้นตามคำสั่งของรัฐในรูปแบบ "อนุสาวรีย์-พิธีการ" ปลอมและเล่าเกี่ยวกับภารกิจ "วัฒนธรรมและความคิดสร้างสรรค์" ของกองทัพอิตาลีที่ยึดครองเอธิโอเปีย ภายใต้เงื่อนไขของเผด็จการฟาสซิสต์ ความพยายามในการสร้างสรรค์ของแม้แต่นักประพันธ์เพลงที่มีพรสวรรค์ที่สุดก็มักจะถูกจำกัดและบิดเบี้ยวโดยข้อเรียกร้องของ "ชาติพันธุ์วรรณนา", "ประวัติศาสตร์" และการตีความอย่างผิด ๆ เกี่ยวกับสัญชาติและความเกี่ยวข้องทางการเมือง ความต้องการเหล่านี้ในบรรยากาศของการแยกตัวออกจากจังหวัดมีลักษณะเป็นแบบคลาสสิกหลอกของ "ยุค Mussolinian" ซึ่งเรียกตัวเองว่า "ยุคทอง" ของศิลปะอย่างโอ้อวด
ลุยจิ ดัลลาปิกโคลา (1904-1975) ยังคงเป็นศัตรูหลักของลัทธิฟาสซิสต์และนโยบายในงานศิลปะ ซึ่งผลงานของเขาได้รับการยอมรับเป็นอย่างดีในช่วงหลังสงคราม ในวัยหนุ่มของเขา ดัลลาปิกโคลาใกล้เคียงกับทิศทางนีโอคลาสสิกที่พบได้ทั่วไปในอิตาลี แต่อยู่ในช่วงปลายยุค 30 แล้ว เพลงของเขาเผยให้เห็นลักษณะของการแสดงออก ความนิยมของ Dallapikkola ในช่วงหลังสงครามได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากการแสดงโอเปร่าแบบหนึ่งองก์สองการแสดงในหลายประเทศในฐานะการแสดงทางโทรทัศน์ สิ่งเหล่านี้คือ “Night Flight” (1940) ที่สร้างจากเรื่องราวโดย A. de Saint-Exupery และ “Prisoner” (1949) จากนวนิยายเรื่อง “Torture by Hope” โดย V. de Lisle-Adan ดัลลาปิกโคลาเป็นสัญลักษณ์ที่ชัดเจนของแนวคิดเรื่องการต่อต้านอิตาลีในศิลปะดนตรี ในโอเปร่าของเขา The Prisoner การกระทำดังกล่าวถูกย้ายไปสเปนในศตวรรษที่ 16 นักสู้เพื่อเสรีภาพนิรนาม Flanders อ่อนระอาในเรือนจำของสเปน เขาถูกทรมานด้วยคำสัญญาที่ผิด ๆ เกี่ยวกับเสรีภาพ ข่าวลือที่ยั่วยุเกี่ยวกับเหตุการณ์ในบ้านเกิดของเขา และในที่สุด เขาถูกนำไปประหารชีวิต ผู้ฟังไม่ต้องสงสัยเลยว่าแก่นของโอเปร่าคือการก่อการร้ายและการต่อต้านแบบฟาสซิสต์ การต่อสู้กับเผด็จการทางการเมืองที่รุกล้ำเสรีภาพของบุคคลและประชาชน
ดนตรีของดัลลาปิกคอลมีความหมายลึกซึ้ง แม้ว่าความซับซ้อนของภาษาดนตรีของเขาจะขัดขวางการรับรู้การเรียบเรียงของเขาในบางครั้ง
ในยุค 50 และ 60 โรงอุปรากรอิตาลีจัดแสดงผลงานของนักประพันธ์เพลงบางคนที่เคยมีชื่อเสียงด้านดนตรีในภาพยนตร์ เหล่านี้คือ Nino Rota (1911-1979) และส่วนใหญ่ Renzo Rossellini (1908-1982) น้องชายของผู้กำกับภาพยนตร์ชื่อดัง ความพยายามของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้เป็นความพยายามที่จะทำให้เป็นประชาธิปไตยและทำให้โอเปร่าอิตาลีร่วมสมัยเป็นจริง Rossellini ในโอเปร่าของเขา War (1956), Whirlwind (1958), Octopus (1958), View from the Bridge (1961) เลือกหัวข้อที่ทันสมัยอย่างมีสติและพยายามทำให้ภาษาดนตรีง่ายขึ้น นำดนตรีของเขาเข้าใกล้คติชนวิทยาและแนวเพลงยอดนิยมมากขึ้น
ความพยายามที่เด็ดขาดยิ่งกว่าในการต่ออายุโรงละครดนตรีของอิตาลีคือการไม่ยอมรับโอเปร่าของ Luigi Nono (1924-1990) ซึ่งตั้งแต่ปีพ. ศ. 2504 ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางนอกอิตาลี ด้วยงานนี้ นักแต่งเพลงตั้งใจที่จะรื้อฟื้นประเพณีของโรงละครโฆษณาชวนเชื่อทางการเมืองและการโฆษณาชวนเชื่อของ Brecht โปรแกรมเชิงอุดมการณ์และสุนทรียศาสตร์ของ Nono จำเป็นต้องมีการแก้ปัญหาที่ซับซ้อนหลายประการ และเหนือสิ่งอื่นใด นักแต่งเพลงต้องผสมผสานข้อกำหนดของความสามารถในการเข้าถึง ความชัดเจนของงานด้วยวิธีการจัดองค์ประกอบทางเทคนิคแบบใหม่ที่ทันสมัย โนโนะเป็นหนึ่งในตัวแทนไม่กี่คนของ "เปรี้ยวจี๊ด" หลังสงครามที่ยอมรับหลักลัทธิมาร์กซิสต์เกี่ยวกับบทบาทของศิลปะในสังคมและตระหนักถึงความจำเป็นในการสร้างงานศิลปะเพื่อประชาชนศิลปะที่เข้าใจได้ ผู้ฟังในวงกว้าง ดังนั้นในโอเปร่าของเขา โนโนะจึงใส่ใจในความเรียบง่ายและความไพเราะ แนะนำผลัดกันไพเราะที่ได้รับความนิยม จังหวะการเต้นที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว และใช้คณะนักร้องประสานเสียงเพื่อความคมชัดและกำหนดทิศทางของผลกระทบ คณะนักร้องประสานเสียงที่บันทึกไว้ล่วงหน้าในเทปจะออกอากาศผ่านลำโพงจำนวนมาก เสียง "สเตอริโอ" อันทรงพลังของพวกเขาควรทำให้เกิดความคิดเกี่ยวกับเพลงที่ยิ่งใหญ่ของถนนและสี่เหลี่ยมของดนตรีกลางแจ้ง บทของโอเปร่าที่เขียนขึ้นโดยนักแต่งเพลงเองนั้นมีความกระชับและมีแผนผังมาก ทำให้สามารถเปลี่ยนแปลงสถานการณ์ของโครงเรื่องแต่ละอย่างได้เพื่อประโยชน์ของเนื้อหาที่เกี่ยวข้องมากที่สุด ข้อความประกอบด้วยการตัดต่อกวีนิพนธ์ที่แตกต่างกันโดยผู้เขียนที่แตกต่างกัน คำปราศรัย คำขวัญ ซึ่งจากมุมมองของนักแต่งเพลง ได้แสดงออกถึงจิตวิญญาณแห่งยุคสมัยอย่างชัดเจน โอเปร่าเวอร์ชันแรกเรียกว่า "การไม่ยอมรับ 1960" และมีการประท้วงต่อต้านสงครามในแอลจีเรีย ฉากต่อมา โอเปร่านี้เต็มไปด้วยคำขวัญเฉพาะอื่น ๆ ใบเสนอราคาจากเอกสารเฉพาะทางการเมืองของวันปัจจุบัน โอเปร่าเริ่มต้นการเดินทางบนเวทียุโรปด้วยเรื่องอื้อฉาวทางการเมืองที่เทศกาลเวนิสในปี 2504 สาเหตุของเรื่องอื้อฉาวคือแก่นของเรื่อง - การต่อต้านความรุนแรง, การดื้อดึง, การโฆษณาชวนเชื่อของแนวคิดเรื่องการเปลี่ยนแปลงสังคมนิยมของสังคม งานนี้จัดแสดงในโรงภาพยนตร์ในยุโรปหลายแห่ง แม้จะค่อนข้าง "ทดลอง" ซึ่งเป็นลักษณะการทดลอง ตอนนี้มีอยู่ในเวอร์ชันใหม่ภายใต้หัวข้อ "การไม่ยอมรับ 1970" แก้ไขโดยเทคนิคการกำกับใหม่ รายละเอียดโครงเรื่องใหม่ แต่ผู้แต่งยังคงค้นหาต่อไปในทิศทางนี้ พยายามสังเคราะห์เทคนิคที่น่าทึ่งของโรงละครการเมืองสมัยใหม่ให้สมบูรณ์ที่สุดด้วยวิธีการทางดนตรีและการแสดงออกแบบใหม่
โรงละครอิตาลี
หลังจากที่คอเมดีเดลอาร์เตก่อตั้งขึ้นในอิตาลี เป็นเวลา 200 ปีแล้วที่ชาวอิตาลีไม่ได้มีส่วนสำคัญต่อวัฒนธรรมโลก อิตาลีในช่วงเวลานี้อ่อนแอลงอย่างมากจากการต่อสู้ทางการเมืองภายใน
ในยุโรป โบราณสถานอิตาลีเป็นที่รู้จัก ที่นั่น พร้อมกับโบราณวัตถุของโรมัน มีงานศิลปะที่สร้างขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่ไม่มีวัฒนธรรมเพิ่มขึ้นในอิตาลีอีกต่อไปชาวอิตาเลียนมักแสดงให้เห็นถึงความสำเร็จของบรรพบุรุษของพวกเขา
ในช่วงเวลานี้ เวนิสเป็นเมืองที่น่าดึงดูดที่สุดในอิตาลี ในช่วงเวลาที่รัฐถูกแบ่งแยกระหว่างมหาอำนาจจากต่างประเทศหลายแห่ง เวนิสยังคงเป็นเมืองเอกราชซึ่งมีการปกครองแบบสาธารณรัฐ แน่นอนว่าไม่มีรายได้จากการค้าต่างประเทศก่อนหน้านี้แล้ว แต่ชาวเวนิสไม่ปล่อยให้อิตาลีหรือยุโรปลืมเรื่องการดำรงอยู่ของพวกเขา
เมืองนี้ได้กลายเป็นศูนย์กลางของความบันเทิง เวนิส คาร์นิวัลกินเวลานานหกเดือน ด้วยเหตุนี้ โรงละครหลายแห่งและเวิร์กช็อปหลายแห่งสำหรับการผลิตหน้ากากจึงทำงานในเมือง คนที่มาที่เมืองนี้ต้องการเห็นอิตาลีในสมัยก่อน
ความตลกขบขันของหน้ากากกลายเป็นอะไรที่มากกว่าการแสดงของพิพิธภัณฑ์เพราะนักแสดงยังคงทักษะของพวกเขา แต่เล่นโดยปราศจากความกระตือรือร้นของสาธารณชนในอดีต ภาพของหน้ากากตลกไม่สอดคล้องกับชีวิตจริงและไม่มีแนวคิดสมัยใหม่
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 การเปลี่ยนแปลงเริ่มก่อตัวขึ้นในชีวิตทางสังคมและการเมืองของอิตาลี การปฏิรูปของชนชั้นนายทุนบางอย่างเกิดขึ้น หลังจากการขยายตัวของการค้า เศรษฐกิจและวัฒนธรรมก็ค่อยๆ เริ่มเพิ่มขึ้น อุดมการณ์การตรัสรู้เริ่มได้รับตำแหน่งที่ค่อนข้างแข็งแกร่งซึ่งแทรกซึมเข้าไปในทุกด้านของชีวิตฝ่ายวิญญาณ
โรงละครอิตาลีจำเป็นต้องสร้างวรรณกรรมตลกเรื่องมารยาท ด้วยความช่วยเหลือ นักการศึกษาสามารถปกป้องมุมมองของพวกเขาเกี่ยวกับชีวิต ในขณะที่ยังคงความสดใสของสีที่ประชาชนชาวอิตาลีคุ้นเคย การผลิตละคร. แต่มันไม่ง่ายอย่างนั้น
จากที่กล่าวไปก่อนหน้านี้ เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่านักแสดงตลกเรื่องหน้ากากเป็นการแสดงด้นสดและไม่รู้ว่าจะจดจำข้อความวรรณกรรมที่เขียนไว้ล่วงหน้าอย่างไร นอกจากนี้นักแสดงแต่ละคนก็เล่นหน้ากากเหมือนกันมาทั้งชีวิตและไม่รู้ว่าจะสร้างภาพอื่นได้อย่างไร ในภาพยนตร์ตลกเรื่องหน้ากาก ตัวละครต่างพูดภาษาถิ่น และความตลกขบขันของมารยาทถือว่าเป็นภาษาวรรณกรรม อย่างที่ทุกคนเชื่อกันว่าเป็นวิถีแห่งการผสมผสานทางวัฒนธรรมของชาติและรัฐ
โกลโดนี
การปฏิรูปครั้งแรกของโรงละครอิตาลีดำเนินการโดย Carlo Goldoni (ค.ศ. 1707-1793) ( ข้าว. 54). เขาเกิดมาในครอบครัวที่ฉลาดซึ่งทุกคนชื่นชอบโรงละครมานานแล้ว เมื่ออายุได้ 11 ขวบเขาได้แต่งบทละครครั้งแรกและเมื่ออายุได้ 12 ขวบเขาก็ปรากฏตัวบนเวทีเป็นครั้งแรก ดังที่ Goldoni กล่าวไว้ เมื่ออายุได้ 15 ปี เขาเริ่มมีความคิดว่าจำเป็นต้องมีการปฏิรูปในโรงละคร เขาเริ่มคิดเรื่องนี้หลังจากอ่านเรื่อง Mandragora ตลกของ Machiavelli
ข้าว. 54. คาร์โล โกลโดนี
คาร์โลเองไม่สามารถดำเนินการปฏิรูปดังกล่าวได้เพราะพ่อแม่ของเขาต้องการให้เขาเป็นหมอก่อนแล้วจึงส่งเขาไปที่มหาวิทยาลัยซึ่งเขาศึกษาด้านกฎหมาย เมื่ออายุ 24 ปี Goldoni จบการศึกษาจากการศึกษาของเขา และอีกสามปีต่อมา ทำงานเป็นทนายความ เขาเริ่มเขียนบทละครให้กับคณะของ Giuseppe Imera ซึ่งทำงานที่โรงละคร San Samuele ในเมืองเวนิสอย่างต่อเนื่อง สิ่งนี้ดำเนินต่อไปตั้งแต่ปี ค.ศ. 1734 ถึง ค.ศ. 1743 อีกห้าปีข้างหน้าไร้ผลในแง่ของวรรณกรรม กล่าวคือ คาร์โลแทบไม่เขียนอะไรเลย ในช่วงเวลานี้เขาพยายามหางานเป็นทนายความนั่นคือเขาได้รับการฝึกฝนอย่างมากในปิซา
ในเวลาเดียวกัน ผู้ส่งสารจากผู้ประกอบการ Giloramo Medebak มาหาเขาพร้อมกับข้อเสนองาน และโกลโดนีก็ไม่สามารถต้านทานสิ่งล่อใจได้ เขาสรุปข้อตกลงกับ Medebak ตามที่เขาต้องเขียนบทละคร 8 เรื่องต่อปีสำหรับโรงละครเวนิสแห่ง Sant'Angelo เป็นเวลาห้าปี
Goldoni จัดการกับงานนี้ นอกจากนี้ เมื่อโรงละครมีฤดูกาลที่ยากลำบาก เขาเขียนบทตลก 16 เรื่องเพื่อแก้ไขสถานการณ์ที่ยากลำบากของเขา! หลังจากนั้นเขาขอให้ Medebak ขึ้นเงินเดือน แต่ผู้ประกอบการขี้เหนียวปฏิเสธนักเขียนบทละคร ด้วยเหตุนี้หลังจากสิ้นสุดสัญญา Goldoni ไปที่โรงละครของ San Luca ซึ่งเขาทำงานตั้งแต่ 1753 ถึง 1762
Goldoni ตัดสินใจที่จะดำเนินการปฏิรูปการแสดงละครอย่างรวดเร็วและเด็ดขาด ถึงเวลานี้เขามีประสบการณ์ที่น่าทึ่งอยู่แล้ว อย่างไรก็ตาม เขาดำเนินการเปลี่ยนแปลงอย่างระมัดระวังและรอบคอบ
ในการเริ่มต้น เขาได้สร้างบทละครที่มีเพียงบทบาทเดียวเท่านั้นที่เขียนขึ้นอย่างครบถ้วน เป็นเรื่องตลก "ฆราวาสหรือโมโมโล จิตวิญญาณของสังคม" การผลิตได้ดำเนินการในปี ค.ศ. 1738 หลังจากนั้นในปี ค.ศ. 1743 Goldoni ได้แสดงบทละครซึ่งบทบาททั้งหมดเขียนไว้แล้ว แต่นี่เป็นเพียงจุดเริ่มต้นของการปฏิรูปเท่านั้น เนื่องจากไม่มีนักแสดงคนไหนที่สามารถแสดงบทบาทที่เขียนไว้ล่วงหน้า นักแสดงรุ่นใหม่ทั้งรุ่นจึงต้องได้รับการฝึกฝนใหม่หรือสอนซ้ำโดยนักเขียนบทละคร สำหรับโกลโดนี นี่ไม่ใช่เรื่องใหญ่ เพราะเขาเป็นครูสอนละครที่ยอดเยี่ยมและเป็นคนที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย เขารับมือกับงานที่กำหนดด้วยตัวเองแม้ว่าจะใช้เวลาหลายปีก็ตาม
นักเขียนบทละครชาวอิตาลีดำเนินตามแผนการปฏิรูปที่เขาวางแผนไว้ ในปี ค.ศ. 1750 ละครเรื่อง "Comic Theatre" ได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งเป็นพล็อตเรื่องที่เป็นมุมมองของผู้เขียนเกี่ยวกับละครและการแสดงละคร โกลโดนีบอกในเรียงความของเขาว่าในการเปลี่ยนแปลงที่เขาคิดขึ้นนั้น เราต้องทำอย่างสม่ำเสมอแต่ต้องระมัดระวัง เมื่อมีอิทธิพลต่อนักแสดงและผู้ชม ควรคำนึงถึงรสนิยมและความปรารถนาของพวกเขาด้วย
ใน ชีวิตจริงนักเขียนบทละครทำเช่นเดียวกัน บทละครแรกของเขาใช้หน้ากากเก่า ๆ ตัวละครพูดเป็นภาษาถิ่น จากนั้นมาสก์ก็ค่อยๆ หายไปหรือเปลี่ยนไปเกือบหมด ถ้าด้นสดยังคงอยู่ที่ไหนสักแห่งก็จะถูกแทนที่ด้วยข้อความที่เขียน ตลกค่อย ๆ แปลจากภาษาถิ่นเป็นภาษาวรรณกรรม นอกจากนวัตกรรมเหล่านี้แล้ว เทคนิคการแสดงก็เริ่มเปลี่ยนไปด้วย
ระบบของ Goldoni ไม่ได้เรียกร้องให้มีการปฏิเสธประเพณีการแสดงตลกของหน้ากากโดยสิ้นเชิง ระบบนี้เสนอให้พัฒนาขนบประเพณีเก่า พัฒนาอย่างรวดเร็ว แต่ไม่ใช่ในทุกด้าน นักเขียนบทละครฟื้นขึ้นมาและเริ่มใช้ทุกอย่างที่เหมือนจริงที่มีอยู่ในหนังตลกเรื่องหน้ากาก จากประเภทนี้ เขาได้เรียนรู้ทักษะการวางอุบายและความเฉียบแหลมของสถานการณ์ แต่ในขณะเดียวกัน ทุกสิ่งทุกอย่างที่มหัศจรรย์และตลกก็ไม่สนใจเขาเลย
Goldoni ในภาพยนตร์ตลกของเขากำลังจะพรรณนาและวิพากษ์วิจารณ์ประเพณีที่มีอยู่นั่นคือเขาต้องการให้งานของเขากลายเป็นโรงเรียนสอนศีลธรรม ในเรื่องนี้ เขาเรียกผลงานสร้างสรรค์ของเขาว่า "คอเมดี้แห่งสิ่งแวดล้อม" หรือ "คอเมดี้รวม" แทนที่จะเรียกพวกเขาว่าเรื่องตลกที่มีมารยาท คำศัพท์เฉพาะดังกล่าวสะท้อนให้เห็นในโรงภาพยนตร์ของ Goldoni เป็นอย่างมาก
นักเขียนบทละครไม่ชอบบทละครที่มีการย้ายการกระทำจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่ง เขาเป็นแฟนตัวยงของโมลิแยร์ อย่างไรก็ตาม Goldoni เชื่อว่าความกลมกลืนของการผลิตไม่ควรกลายเป็นความแคบ บางครั้งเขาสร้างฉากบนเวทีที่ซับซ้อนและซับซ้อนมาก
นี่คือคำอธิบายของฉากในภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Coffee Room" ซึ่งแสดงในปี 1750 มีอยู่ในวรรณคดี: "เวทีเป็นถนนกว้างในเวนิส ด้านหลังมีร้านค้าสามร้าน ตรงกลางเป็นร้านกาแฟ ด้านขวาเป็นร้านทำผม ด้านซ้ายมือเป็นร้านพนัน เหนือร้านค้า - ห้องของร้านชั้นล่าง มีหน้าต่างมองออกไปที่ถนน ทางด้านขวาใกล้กับผู้ชม (ฝั่งตรงข้าม) บ้านของนักเต้น ด้านซ้ายมือคือโรงแรม
ในสภาพแวดล้อมเช่นนี้ การแสดงละครที่สมบูรณ์และน่าดึงดูดใจเกิดขึ้น ผู้คนเข้าและออก ทะเลาะกัน ปรองดอง ฯลฯ ในคอเมดี้ดังกล่าว Goldoni เชื่อว่าไม่ควรมีตัวละครหลักไม่มีใครควรได้รับการตั้งค่า งานของนักเขียนบทละครแตกต่างออกไป: เขาต้องแสดงสถานการณ์จริงของเวลานั้น
นักเขียนบทละครแสดงฉากชีวิตในเมืองอย่างกระตือรือร้นในผลงานของเขา ดึงชีวิตประจำวันของผู้คนในชนชั้นต่างๆ หลังจากเล่นครั้งแรก เขาปฏิบัติตามหลักการของคอเมดีอย่างเคร่งครัดในงานเช่น "Coffee Room", "New Apartment", "Kyojinsky Skirmish", "Fan" และอื่นๆ อีกมากมาย บทละคร "การต่อสู้ของเคียวจิน" อยู่ในตำแหน่งพิเศษเพราะไม่มีใครแสดงชีวิตของสังคมชั้นต่ำเช่นนี้ มันเป็นเรื่องตลกที่ตลกมากเกี่ยวกับชีวิตของชาวประมง
Goldoni ยังมีงานที่เขาทรยศต่อหลักการของเขา แล้วพระเอกก็ปรากฏตัวขึ้นในหนังตลกที่เฉียบแหลมจนเขาบดบังทุกคนรอบตัว ตัวอย่างเช่นในภาพยนตร์ตลกเรื่องแรกของเขาเรื่อง "The Servant of Two Masters" ซึ่งเขียนในปี ค.ศ. 1749 นักเขียนบทละครได้สร้างภาพลักษณ์ที่ยอดเยี่ยมของ Truffaldino ซึ่งมีความเป็นไปได้มากมายในการ์ตูน ตัวละครตัวนี้เป็นตัวละครตัวแรกบนเส้นทางที่เพิ่มความซับซ้อนของภาพของตลกเดลอาร์ท ในรูปของ Truffaldino นั้น Goldoni ได้รวม Zani ไว้ 2 ตัว - อันธพาลที่ฉลาดและคนโง่ที่เอาแต่ใจ ตัวละครของฮีโร่ตัวนี้เต็มไปด้วยความขัดแย้ง
การผสมผสานของสิ่งตรงกันข้ามดังกล่าวในเวลาต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการแสดงภาพที่ตรงไปตรงมามากขึ้นของความแตกต่างภายใน เต็มไปด้วยความประหลาดใจ และในขณะเดียวกัน ตัวละครที่สอดคล้องกันในละครตลกของ Goldoni ที่โตแล้วในแนวทางของตัวเอง ตัวละครที่ดีที่สุดคือมิแรนโดลินาในภาพยนตร์ตลกเรื่อง The Hostess (1753) นี่คือเด็กผู้หญิงธรรมดาๆ ที่เป็นผู้นำที่กล้าหาญ มีความสามารถ โดยไม่ต้องเล่นเกมคำนวณกับเคานต์แห่งอัลบาฟิออริต้า ซึ่งมีชื่อที่สามารถซื้อได้ มาร์ควิสแห่งฟอร์ลิโปโปลีและเชอวาเลียร์ ริปาฟราตตา หลังจากชนะเกมนี้ Mirandolina แต่งงานกับคนรับใช้ Fabrizio ซึ่งเป็นคนในแวดวงของเขา บทบาทนี้เป็นหนึ่งในละครตลกที่มีชื่อเสียงและโด่งดังไปทั่วโลก
นักวิจารณ์ละครถือว่า Goldoni เป็นนักวิจารณ์ศีลธรรมที่ช่างสังเกตและเป็นกลางที่สุด เขาไม่เหมือนใครสามารถสังเกตเห็นทุกสิ่งที่ตลกไม่คู่ควรและโง่เขลาในบุคคลที่อยู่ในสังคมชั้นใด แต่ถึงกระนั้น จุดประสงค์หลักของการเยาะเย้ยของเขาก็คือขุนนาง และการเยาะเย้ยนี้ไม่ได้หมายความว่ามีอัธยาศัยดี
กิจกรรมของ Goldoni ไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักการศึกษาชาวอิตาลีคนอื่นๆ ด้วย การโฆษณาชวนเชื่อเกี่ยวกับความเท่าเทียมกันด้านอสังหาริมทรัพย์ การต่อสู้กับวิถีชีวิตแบบเก่า การเทศนาเรื่องความสมเหตุสมผล พบว่ามีการตอบสนองที่มีชีวิตชีวานอกอิตาลี ความสำคัญของวัฒนธรรมอิตาลีได้เพิ่มขึ้นอีกครั้ง
ในปี ค.ศ. 1766 วอลแตร์เขียนว่า “ยี่สิบปีที่แล้วพวกเขาไปอิตาลีเพื่อดูรูปปั้นโบราณและฟัง เพลงใหม่. ตอนนี้คุณสามารถไปที่นั่นเพื่อดูคนที่คิดและเกลียดชังอคติและความคลั่งไคล้
ประเภทของการแสดงตลกที่สร้างโดย Carlo Goldoni พิสูจน์แล้วว่ามีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 สิ่งนี้อธิบายการยอมรับทั่วยุโรปว่างานของ Goldoni ได้รับในช่วงชีวิตของเขา แต่ในบ้านเกิดของเขา เขาสร้างศัตรูที่ค่อนข้างจริงจัง พวกเขาแข่งขันกับเขา พวกเขาเขียนเรื่องล้อเลียนและจุลสารเกี่ยวกับเขา แน่นอนว่า Goldoni ไม่สนใจการโจมตีดังกล่าว แต่เนื่องจากเขาเป็นนักแสดงตลกคนแรกในอิตาลี เขาไม่สามารถนึกถึงความสนใจเหล่านี้ได้
อย่างไรก็ตาม ในปี ค.ศ. 1761 ตำแหน่งที่ดูเหมือนไม่สั่นคลอนของเขาสั่นเล็กน้อย การผลิตละครเทพนิยาย (fiaba) โดย Carlo Gozzi เรื่อง "The Love for Three Oranges" ประสบความสำเร็จอย่างมาก โกลโดนีมองว่านี่เป็นการทรยศต่อสาธารณชนชาวเวนิส เขาเห็นด้วยกับข้อเสนอที่จะเข้ามาแทนที่นักเขียนบทละครของ Theatre of the Italian Comedy ในปารีสและในปี 1762 ก็ออกจากเวนิสไปตลอดกาล
แต่ในไม่ช้านักเขียนบทละครก็ต้องมีส่วนร่วมกับโรงละครแห่งนี้เช่นกัน เหตุผลก็คือว่าฝ่ายจัดการละครเรียกร้องบทตลกเดลอาร์เตจากเขา กล่าวอีกนัยหนึ่ง เขาต้องสนับสนุนประเภทที่เขาต่อสู้ในบ้านเกิดของเขา Goldoni ไม่สามารถยอมรับสถานการณ์นี้ได้และเริ่มมองหาอาชีพอื่น
ครั้งหนึ่งเขาสอนภาษาอิตาลี ลูกศิษย์ของเขารวมถึงเจ้าหญิง ธิดาของหลุยส์ที่ 15 ซึ่งทำให้เขาได้รับเงินบำนาญ การสอนภาษาแม่แก่ผู้อื่น Goldoni เรียนภาษาฝรั่งเศสได้อย่างสมบูรณ์แบบ
ในปี ค.ศ. 1771 ในการเฉลิมฉลองเนื่องในโอกาสงานแต่งงานของ Dauphin ในอนาคต King Louis XVI ละครตลกของ Goldoni เรื่อง The Grumpy Benefactor ซึ่งเขียนเป็นภาษาฝรั่งเศสได้จัดแสดงที่ Comédie Française พวกเขาได้รับเธออย่างยอดเยี่ยม แต่นี่เป็นความสำเร็จในการแสดงละครครั้งสุดท้ายของ Goldoni
ใน 1,787 เขาเขียนและตีพิมพ์บันทึกความทรงจำสามเล่มของเขา. งานนี้ยังคงเป็นแหล่งข้อมูลที่มีค่ามากเกี่ยวกับอิตาลีและฝรั่งเศส โรงละครของ XVIIIศตวรรษ.
ในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส Goldoni ถูกลิดรอนจากเงินบำนาญของเขา ต่อจากนั้น อนุสัญญาได้ตัดสินใจคืนเงินบำนาญตามรายงานของ Marie Joseph Chenier นักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศส แต่โกลโดนีไม่รู้เรื่องนี้ เนื่องจากเขาเสียชีวิตเมื่อวันก่อน
คาร์โล กอซซี (1720-1806) ( ข้าว. 55) เริ่มการแข่งขันกับ Goldoni ด้วยการละเล่นที่เขาเขียนด้วย กลุ่มวรรณกรรมภายใต้ชื่อ "Granellesca Academy" ชื่อตัวตลกนี้แปลว่า
ข้าว. 55. คาร์โล กอซซี
Gozzi ต่อต้านการปฏิรูปการแสดงละครของ Goldoni อย่างเด็ดขาดเพราะเขาเห็นการโจมตี (และไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผล) ในมุมมองที่มีอยู่เกี่ยวกับศิลปะและรากฐานของโลกสมัยใหม่ Gozzi ทุ่มเทสุดใจเพื่อวิถีชีวิตแบบศักดินาเก่า เพื่อให้แต่ละชั้นของสังคมเข้ามาแทนที่โดยชอบธรรม ในเรื่องนี้ตลกพื้นบ้านของ Goldoni ดูเหมือนจะไม่เป็นที่ยอมรับอย่างสมบูรณ์โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเขาอธิบายชนชั้นล่างของสังคมในตัวพวกเขา
Gozzi ไม่เพียง แต่เป็นฝ่ายตรงข้ามของลัทธิการตรัสรู้แห่งเหตุผลเท่านั้น อารมณ์ในมุมมองและการกระทำของเขามีบทบาทมากกว่าจิตใจที่เยือกเย็นและมีสติสัมปชัญญะ
Gozzi เกิดในขุนนางเก่าซึ่งครั้งหนึ่งเคยรวยมาก แต่แล้วครอบครัวก็ยากจน โดยธรรมชาติแล้วเขาอาศัยอยู่ในอดีต เขาเกลียดฝรั่งเศสและฝรั่งเศสเพราะเป็นหัวหน้าของการตรัสรู้ ในเวลาเดียวกัน เขาเกลียดชังเพื่อนร่วมชาติของเขาที่ไม่ต้องการที่จะใช้ชีวิตแบบเก่า
ตัวเขาเองไม่เคยเดินตามแฟชั่นใด ๆ - ทั้งในความคิดหรือในการใช้ชีวิตหรือในเสื้อผ้า เขารักเมืองบ้านเกิดของเขา - เวนิส - เพราะดูเหมือนว่าเขาจะมีวิญญาณแห่งอดีตอาศัยอยู่ในนั้น คำพูดเหล่านี้ไม่ใช่วลีที่ว่างเปล่าสำหรับเขา เพราะเขาเชื่อมั่นในการมีอยู่ของอีกโลกหนึ่ง และในวัยชราของเขาได้กล่าวถึงปัญหาทั้งหมดของเขาว่ามันเป็นวิญญาณที่แก้แค้นเขา - คนที่จำได้ และบอกความลับแก่ผู้อื่น
สมาชิกของ "Granelles Academy" ได้ออกใบปลิวล้อเลียนซึ่งพวกเขามีความเฉลียวฉลาดเป็นเลิศ แต่กิจกรรมประเภทนี้ก็หยุดสร้างความพึงพอใจให้กับ Gozzi ในไม่ช้า ในช่วงต้นปี พ.ศ. 2304 เขาได้รับโอกาสให้พูดกับคู่แข่งในฐานะนักเขียนบทละคร และกอซซี่ก็ไม่พลาดโอกาสนี้
งานของเขา "The Love for Three Oranges" เล่นโดยคณะ Antonio Sacchi ได้สำเร็จ การล้อเลียนถูกย้ายไปที่เวที และโกลโดนีก็ถูกเนรเทศบนเวทีเวเนเชียน ซึ่งดูเหมือนเขาจะเอาชนะไปตลอดกาล แต่ความสำคัญของการแสดงนี้มีมากกว่ากรอบของการโต้เถียงทางวรรณกรรมธรรมดาๆ
โดยพื้นฐานแล้ว Gozzi เป็นคนถอยหลังเข้าคลอง นั่นคือเหตุผลที่เขาปกป้องอดีตอย่างกระตือรือร้น แต่เขามีพรสวรรค์ที่ยิ่งใหญ่และมีความรักในโรงละครอย่างจริงใจ หลังจากเขียน fiaba เรื่องแรก (เทพนิยายการแสดงละคร) เขาได้วางรากฐานสำหรับทิศทางใหม่และค่อนข้างมีผลในงานศิลปะ
ในปี ค.ศ. 1772 นักเขียนบทละครได้ตีพิมพ์ผลงานของเขาโดยมีคำนำที่กว้างขวางมาก ในนั้นเขาเขียนว่า: “เว้นแต่โรงหนังจะปิดในอิตาลี การแสดงตลกจะไม่หายไปและหน้ากากของมันจะไม่ถูกทำลาย ฉันเห็นความภาคภูมิใจของอิตาลีในละครตลกแบบด้นสด และมองว่าเป็นความบันเทิงที่แตกต่างจากบทละครที่เขียนและตั้งใจอย่างมาก
แน่นอนว่า Gozzi ถูกต้องในบางแง่มุม ท้ายที่สุดแล้วประเพณีของตลกเดลอาร์ทกลับกลายเป็นว่ามีผลและเหนียวแน่นมาก บทละครของ Gozzi ไม่ใช่ตัวอย่างตลกดั้งเดิมของ dell'arte เขามีส่วนทำให้ไม่ซบเซา แต่เพื่อการพัฒนาประเภทนี้ นักเขียนบทละครปรารถนาที่จะชำระความตลกขบขันของหน้ากากจากนวัตกรรมที่เสนอโดย Goldoni และทำให้โรงละครเป็น "สถานที่แห่งความบันเทิงไร้เดียงสา" อีกครั้ง แต่เขาไม่ประสบความสำเร็จ ในทางกลับกัน Gozzi ได้สร้างประเภทการแสดงละครใหม่ที่เกี่ยวข้องกับความขบขันของหน้ากาก แต่แตกต่างไปจากนี้มากเพราะหนังตลกไม่ได้ด้นสด แต่เขียนขึ้น จากนี้ไป ตัวละครที่แตกต่างกันมากซ่อนตัวอยู่ใต้หน้ากาก บางครั้งก็ไม่มีหน้ากากเลยในเบื้องหน้า Gozzi ต้องการล้างโรงละครแห่งเทรนด์ความงามใหม่ ๆ แต่พวกเขาก็หยั่งรากลึกมากจนเขาทำได้เพียงพยายามทำให้พวกเขาได้เปรียบ
นักเขียนบทละครเกลียดผู้รู้แจ้งมากจนไม่อยากเสียเวลากับพวกเขาและเข้าใจความคิดของพวกเขา ดูเหมือนว่าเขากำลังปกป้องอุดมคติที่ดีที่สุดของมนุษยชาติจากผู้รู้แจ้ง: เกียรติ, ความซื่อสัตย์, ความกตัญญู, ความไม่สนใจ, มิตรภาพ, ความรัก, ความเสียสละ แต่โดยรวมแล้วพวกเขาไม่มีข้อขัดแย้ง ในงานหลายชิ้นของ Gozzi มีการเรียกร้องความซื่อสัตย์ต่อประเพณีของศีลธรรมพื้นบ้าน นั่นคือ ในแง่นี้ คาร์โลทำสิ่งเดียวกันกับศัตรูของเขา ผู้รู้แจ้ง ตัวอย่างนี้คือนิทานเรื่อง "The Stag King" ซึ่งเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2305 Andiana ซึ่งกษัตริย์เดราโมเลือกเป็นภรรยาของเขา ไม่หยุดรักเขาแม้ว่าวิญญาณของเขาจะกลับชาติมาเกิดในร่างของขอทาน งานนี้เขียนขึ้นเพื่อสง่าราศีของจิตวิญญาณที่สูงส่งและความรักที่ทุ่มเทและไม่เห็นแก่ตัว
บทละครบางเรื่อง โดยไม่คำนึงถึงเจตจำนงของผู้แต่ง ไม่ได้อ่านตามที่เขาอยากให้เป็นเลย ตัวอย่างเช่น ในเทพนิยาย "นกสีเขียว" Gozzi โจมตีผู้รู้แจ้งมาก แต่การโจมตีของเขาไม่บรรลุเป้าหมายเพราะไม่มีผู้รู้แจ้งคนใดที่มีความผิดในการเทศนาความเห็นแก่ตัวและความอกตัญญูซึ่งเขากล่าวหาพวกเขา แต่ในทางกลับกัน เขามีเรื่องราวที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับเด็กที่เนรคุณ นิสัยเสีย ซึ่งหลังจากผ่านความยากลำบากมามากมาย ได้เรียนรู้ความเห็นอกเห็นใจ ความกตัญญู และความซื่อสัตย์
Gozzi ต้องการวิพากษ์วิจารณ์ประเพณีของมนุษย์และเป็นเท็จตามที่ดูเหมือนกับเขาคำสอนของเวลานั้นจากเวที และถ้าเขาไม่สามารถทำอะไรกับคำสอนได้ เขาก็ประสบความสำเร็จในการวิพากษ์วิจารณ์ประเพณี ในเทพนิยายของเขา เขาได้กล่าวถึงชนชั้นนายทุนที่มีเป้าหมายดีและมุ่งร้ายอยู่บ้าง ตัวอย่างเช่น ผู้ผลิตไส้กรอก Truffaldino จากเทพนิยาย "The Green Bird" เขาเรียกคนขยัน คนคืบคลาน และช่างพูดที่คลั่งไคล้
เมื่อแสดงบทละคร นักเขียนบทละครใช้เอฟเฟกต์การจัดฉากมากมาย ต่อจากนั้น เขาเริ่มถือว่าความสำเร็จของบทละครของเขามาจากความมีคุณธรรม ความหลงใหล และการแสดงที่จริงจัง และมันก็ค่อนข้างยุติธรรม บางครั้งเขาเขียนคำอุปมาทั้งเล่ม บางครั้งเขาถูกจับโดยตรรกะของภาพ บางครั้งเขาใช้เวทมนตร์ บางครั้งเขาชอบแรงจูงใจที่แท้จริงมากกว่า สิ่งหนึ่งที่เขาไม่เปลี่ยนแปลงคือจินตนาการที่ไม่สิ้นสุดของเขา มันแสดงออกในตัวเขาในรูปแบบต่างๆ แต่มักปรากฏอยู่ในเทพนิยายทั้งหมดของเขา
ในแง่ของจินตนาการ การแสดงละครของ Gozzi กลายเป็นส่วนเสริมที่ยอดเยี่ยมของบทละครที่มีความสำคัญ ชาญฉลาด แต่แห้งแล้งมากของคู่แข่งของเขา จินตนาการนี้เฟื่องฟูบนเวทีของโรงละครซานซามูเอลในเมืองเวนิส ซึ่งมีการแสดงละครครั้งแรกของ Gozzi
ที่บ้าน ความล้มเหลวของ Gozzi ประสบความสำเร็จอย่างมาก แต่ไม่ได้จัดแสดงนอกอิตาลี หลังจากเขียนนิทานสิบเรื่องใน 5 ปีนักเขียนบทละครก็เลิกแนวนี้ หลังจากนั้นเขาเขียนต่อไปอีกหลายปี แต่เขาไม่มีแรงบันดาลใจแบบเดิมอีกต่อไป ในปี ค.ศ. 1782 คณะ Sacchi เลิกกันและ Gozzi ออกจากโรงละครอย่างสมบูรณ์ Gozzi เสียชีวิตเมื่ออายุ 86 ปี ทุกคนถูกทอดทิ้งและลืมเลือน
ในไม่ช้าบทละครของ Goldoni ก็เอาชนะเวทีเวนิสได้อีกครั้ง ผลงานของ Gozzi นำชิลเลอร์กลับมามีชีวิตอีกครั้งและกลุ่มโรแมนติกหลายคนที่ถือว่าเขาเป็นบรรพบุรุษของพวกเขา ในงานของเขามีข้อกำหนดเบื้องต้นทั้งหมดสำหรับแนวโน้มความโรแมนติกซึ่งในเวลานั้นเริ่มแพร่กระจายไปทั่วยุโรป
จากหนังสือประวัติศาสตร์โรงละครยอดนิยม ผู้เขียน Galperina Galina Anatolievnaโรงละครอิตาลี หลังจากที่ละครตลก dell'arte ก่อตั้งขึ้นในอิตาลี เป็นเวลา 200 ปีที่ชาวอิตาลีไม่ได้มีส่วนสำคัญต่อวัฒนธรรมโลก อิตาลีในช่วงเวลานี้อ่อนแอลงอย่างมากจากการต่อสู้ทางการเมืองภายใน ในยุโรป สมัยโบราณ
จากหนังสือ Daily Life of the Eastern Harem ผู้เขียน Kaziev Shapi Magomedovichโรงละครอิตาลี แม้ว่าหลังจากสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง อิตาลีเป็นหนึ่งในผู้ชนะ อย่างไรก็ตาม เหตุการณ์เหล่านี้ทำให้ความขัดแย้งภายในที่มีอยู่ในประเทศแย่ลงไปอีก วิกฤตเศรษฐกิจ เงินเฟ้อ การว่างงาน ความตกต่ำของภาคเกษตรทำให้เกิดการพัฒนา
จากหนังสือ Cinema of Italy neorealism ผู้เขียน Bohemsky Georgy Dmitrievichโรงละครเมื่อพร้อมกับแนวโน้มของยุโรป, ตุรกีก็เช่นกัน ศิลปะการละครสตรีแห่งฮาเร็มใช้ความสามารถทั้งหมดเพื่อโน้มน้าวให้สุลต่านจำเป็นต้องเปิดโรงละครของตนเองใน seraglio เห็นได้ชัดว่าสุลต่านเองไม่ได้ต่อต้านความบันเทิงใหม่ตั้งแต่
จากหนังสือ Everyday Life in California ในช่วงตื่นทอง โดย Crete Lilianจูเซปเป้ เดอ ซานติส สำหรับภูมิทัศน์อิตาลี ความหมายของภูมิทัศน์ที่ใช้เป็นหลัก หมายถึงการแสดงออกภายในที่ตัวละครจะต้องมีชีวิตอยู่ราวกับมีร่องรอยอิทธิพลของเขาเหมือนกับกับจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ของเราเมื่อพวกเขาต้องการโดยเฉพาะ
จากหนังสือเพลงในภาษาของเสียง เส้นทางสู่ความเข้าใจใหม่ของดนตรี ผู้เขียน Arnoncourt Nikolaus จากหนังสือเชเชน ผู้เขียน Nunuev S.-Kh. ม.สไตล์อิตาลีและสไตล์ฝรั่งเศส ในศตวรรษที่ 17 และ 18 ดนตรียังไม่เป็นศิลปะระดับสากลที่เข้าใจกันโดยทั่วไปซึ่ง - ขอบคุณ รถไฟ, เครื่องบิน วิทยุ และโทรทัศน์ - ปรารถนาและสามารถเป็นได้ทุกวันนี้ ในภูมิภาคต่างๆ อย่างแน่นอน
จากหนังสือ อเล็กซานเดอร์ IIIและเวลาของเขา ผู้เขียน โทลมาเชฟ Evgeny Petrovich จากหนังสือ Daily Life of Moscow Sovereigns ในศตวรรษที่ 17 ผู้เขียน Chernaya Lyudmila Alekseevna จากหนังสืออัจฉริยะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา [รวบรวมบทความ] ผู้เขียน ชีวประวัติและความทรงจำ ทีมผู้เขียน --โรงละคร โรงละครศาลแห่งแรกที่มีอยู่ในปี 1672-1676 ถูกกำหนดโดยซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชเองและโคตรของเขาว่าเป็น "ความสนุก" และ "ความเย็น" แบบใหม่ในภาพและความคล้ายคลึงของโรงละครของราชวงศ์ยุโรป โรงละครที่ราชสำนักไม่ปรากฏขึ้นทันที รัสเซีย
จากหนังสือ ประเพณีพื้นบ้านจีน ผู้เขียน Martyanova Ludmila Mikhailovnaโรงละคร มันคงเป็นเรื่องโง่เขลาที่จะเริ่มต้นจากวันที่ก่อตั้ง กำเนิด ค้นพบรูปแบบศิลปะนี้ หรือค่อนข้างจะเป็นหนึ่งในแง่มุมของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โรงละครถือกำเนิดขึ้นพร้อมกับโลกนี้ อย่างน้อยก็กับโลกที่เรารู้จักตอนนี้ ดังนั้นจึงเป็นไปได้
จากหนังสือ รัสเซีย อิตาลี ผู้เขียน Nechaev Sergey Yurievichโรงละคร ควรกล่าวถึงว่าโศกนาฏกรรมในขั้นต้นเป็นวิธีการชำระจิตวิญญาณให้บริสุทธิ์โอกาสในการบรรลุอาการระบายปลดปล่อยบุคคลจากความหลงใหลและความกลัว แต่ในโศกนาฏกรรม ไม่เพียงแต่จะมีผู้คนที่มีความรู้สึกเห็นแก่ตัวและเห็นแก่ตัวเท่านั้น แต่ยังมี
จากหนังสือ ปีศาจละคร ผู้เขียน Evreinov Nikolai Nikolaevich จากหนังสือที่ชอบ หนุ่มรัสเซีย ผู้เขียน เกอร์เชนซอน มิคาอิล โอซิโปวิช"ลา สกาลา"(อิตาล โรงละคร Teatro alla Scala หรือ La Scala ) เป็นโรงอุปรากรในมิลาน อาคารโรงละครได้รับการออกแบบโดยสถาปนิก Giuseppe Piermarini ในปี ค.ศ. 1776-1778 บนเว็บไซต์ของโบสถ์ Santa Maria della Scala ซึ่งเป็นที่มาของชื่อโรงละคร ในทางกลับกันคริสตจักรได้รับชื่อในปี 1381 ไม่ได้มาจาก "บันได" (สกาลา) แต่จากผู้อุปถัมภ์ - ตัวแทนของครอบครัวผู้ปกครองของเวโรนาโดยใช้ชื่อสกาลา (สกาลิเกอร์) - เบียทริซเดลลาสกาลา (เรจิน่า) เดลลา สกาลา) โรงละครเปิดเมื่อวันที่ 3 สิงหาคม พ.ศ. 2321 โดยมีการแสดงโอเปร่าของ Antonio Salieri ที่ได้รับการยอมรับในยุโรป
ในปีพ.ศ. 2544 อาคารโรงละคร La Scala ถูกปิดชั่วคราวเพื่อบูรณะ ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับการผลิตทั้งหมดได้ย้ายไปที่อาคารโรงละคร Arcimboldi ที่สร้างขึ้นเป็นพิเศษเพื่อการนี้ ตั้งแต่ปีพ.ศ. 2547 การผลิตได้กลับมาดำเนินการอีกครั้งในอาคารเก่า และ Arcimboldi เป็นโรงละครอิสระที่ดำเนินงานร่วมกับ La Scala
2.
3.
4.
5.
6.
โรงละคร "Busseto" ตั้งชื่อตาม G. Verdi
บุสเซโต(อิตาล บุสเซโต,เอมิล.-รอม. รถเมล์, ท้องถิ่น บัสเซ) เป็นภูมิภาคในอิตาลี ในภูมิภาคเอมีเลีย-โรมัญญา ภายใต้ศูนย์กลางการบริหารของปาร์มา
เมืองที่เชื่อมโยงกับชีวิตของนักประพันธ์โอเปร่า Giuseppe Verdi อย่างแยกไม่ออก
จูเซปเป้ ฟอร์ตูนิโน ฟรานเชสโก้ แวร์ดี(อิตาล จูเซปเป้ ฟอร์ตูนิโน ฟรานเชสโก้ แวร์ดี, 10 ตุลาคม พ.ศ. 2356 Roncole ใกล้เมือง Busseto ประเทศอิตาลี - 27 มกราคม พ.ศ. 2444 มิลาน) เป็นนักแต่งเพลงชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งผลงานนี้เป็นหนึ่งในความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโอเปร่าระดับโลกและสุดยอดของการพัฒนาโอเปร่าอิตาลีใน ศตวรรษที่ 19.
นักแต่งเพลงสร้างละคร 26 เรื่องและบังสุกุลหนึ่งคน โอเปร่าที่ดีที่สุดของนักแต่งเพลง: Un ballo in maschera, Rigoletto, Il trovatore, La traviata จุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์คือโอเปร่าล่าสุด: Aida, Othello
8.
Teatro Giuseppe Verdi เป็นโรงละครขนาดเล็ก 300 ที่นั่งที่สร้างขึ้นโดยเทศบาลโดยได้รับการสนับสนุนจาก Verdi แต่ไม่ได้รับการอนุมัติ โรงละครจูเซปเป้ แวร์ดี(โรงละครจูเซปเป้ แวร์ดี)เป็นโรงอุปรากรขนาดเล็ก ตั้งอยู่ที่ปีก Rocca Dei Marchesi Pallavicino ของ Piazza Giuseppe Verdi ใน Busseto ประเทศอิตาลี
โรงละครเปิดเมื่อวันที่ 15 สิงหาคม พ.ศ. 2411 เด่นในรอบปฐมทัศน์ สีเขียว, ผู้ชายทุกคนสวมเนคไทสีเขียว, ผู้หญิงสวมชุดสีเขียว โอเปร่า Verdi สองรายการถูกนำเสนอในเย็นวันนั้น: “ ริโกเล็ตโต"และ " มาสเคอเรดบอล». Verdi ไม่ได้เข้าร่วมแม้ว่าเขาจะอาศัยอยู่ห่างออกไปเพียงสองไมล์ในหมู่บ้าน Sant'Agata ใน Villanova sull'Arda
แม้ว่าแวร์ดีจะต่อต้านการสร้างโรงละคร (อาจ "แพงเกินไปและไม่มีประโยชน์ในอนาคต" เขากล่าว) และขึ้นชื่อว่าไม่เคยก้าวเข้าไปเลย เขาบริจาคเงิน 10,000 ลีร์เพื่อสร้างและบำรุงรักษาโรงละคร
ในปี 1913 Arturo Toscanini ได้จัดงานเฉลิมฉลองเนื่องในโอกาสครบรอบ 100 ปีวันเกิดของ Giuseppe Verdi และจัดงานระดมทุนเพื่อสร้างอนุสาวรีย์ให้กับนักแต่งเพลง รูปปั้นครึ่งตัวของ Verdi โดย Giovanni Dupre ถูกติดตั้งไว้ที่จัตุรัสด้านหน้า โรงละคร
โรงละครได้รับการบูรณะในปี 1990 มีการแสดงโอเปร่าเป็นประจำ
9. อนุสาวรีย์ Giuseppe Verdi
.
โรงละครหลวงแห่งซานคาร์โล, เนเปิลส์ (เนเปิลส์, ซานคาร์โล)
Opera House ในเนเปิลส์ ตั้งอยู่ติดกับใจกลาง Piazza del Plebiscita ถัดจากพระบรมมหาราชวัง เป็นโรงอุปรากรที่เก่าแก่ที่สุดในยุโรป
โรงละครแห่งนี้ได้รับมอบหมายจากกษัตริย์บูร์บงแห่งฝรั่งเศส กษัตริย์ชาร์ลส์ที่ 7 แห่งเนเปิลส์ ซึ่งออกแบบโดยจิโอวานนี อันโตนิโอ เมดราโน สถาปนิกด้านการทหาร และแองเจโล คาราเซล อดีตผู้อำนวยการโรงละครซาน บาร์โตโลมีโอ ค่าก่อสร้าง 75,000 ducats ออกแบบมาสำหรับ 1379 ที่นั่ง
โรงละครแห่งใหม่สร้างความพึงพอใจให้กับผู้ร่วมสมัยด้วยสถาปัตยกรรม หอประชุมตกแต่งด้วยปูนปั้นสีทองและเก้าอี้กำมะหยี่สีน้ำเงิน (สีน้ำเงินและสีทองเป็นสีประจำราชวงศ์บูร์บง)
11.
12.
โรงละครหลวงแห่งปาร์มา
(โรงละครเรจิโอ).
โรงละครที่ชื่นชอบของ G. Verdi และนักไวโอลิน Nicolo Paganini
ปาร์มาเป็นที่รู้จักในด้านประเพณีดนตรีมาโดยตลอด และความภาคภูมิใจที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของพวกเขาคือโรงละครโอเปร่า (Teatro Regio)
เปิดทำการเมื่อ พ.ศ. 2372 นักแสดงคนแรกคือ Zaira Bellini โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นในสไตล์นีโอคลาสสิกที่สวยงาม
14.
15.
โรงละครฟาร์เนเซในปาร์มา (ปาร์มา, ฟาร์เนเซ)
โรงละครฟาร์เนสในปาร์มา สร้างขึ้นในสไตล์บาร็อคในปี 1618 โดยสถาปนิก Aleotti Giovanni Battista โรงละครเกือบถูกทำลายระหว่างการโจมตีทางอากาศของฝ่ายสัมพันธมิตรในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง (1944) ได้รับการบูรณะและเปิดใหม่อีกครั้งในปี พ.ศ. 2505
บางคนอ้างว่าเป็นโรงละครถาวรแห่งแรก (เช่น โรงละครที่ผู้ชมชมการแสดงละครแบบหนึ่งองก์ ซึ่งเรียกว่า "การแสดงละครโค้ง")
17.
โรงอุปรากร Caio Melisso ใน Spoleto (สโปเลโต, Caio Melisso)
สถานที่หลักสำหรับการแสดงโอเปร่าในช่วงเทศกาลฤดูร้อนประจำปี Dei Due Mondi
โรงละครได้รับการเปลี่ยนแปลงและการเปลี่ยนแปลงมากมายตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 โรงละคร Teatro di Piazza del Duomo,ยังเป็นที่รู้จักกันในนาม เตอาโตรเดลลาโรซา,สร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1667 ปรับปรุงให้ทันสมัยในปี ค.ศ. 1749 และเปิดใหม่อีกครั้งในปี ค.ศ. 1749 นูโอโว เตอาโตร ดิ สโปเลโตหลังปี ค.ศ. 1817 และการก่อสร้างโรงอุปรากรหลังใหม่ อาคารนี้ไม่เป็นที่ต้องการจนกระทั่งกลางศตวรรษที่ 19 800 ที่นั่ง โรงละครนูโอโวได้รับการฟื้นฟูระหว่างปี พ.ศ. 2397 และ พ.ศ. 2407 ผ่านการบริจาคโดยสมัครใจ
โรงละครเก่าได้รับการอนุรักษ์และสร้างขึ้นใหม่อีกครั้งด้วยการออกแบบและเลย์เอาต์ใหม่ เปลี่ยนชื่อเป็น โรงละคร Teatro Cayo Melissoได้เปิดประตูอีกครั้งในปี พ.ศ. 2423
เทศกาลโอเปร่าครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 5 มิถุนายน 2501 ชิ้นส่วนของโอเปร่าของ G. Verdi " Macbeth” และโอเปร่าอื่น ๆ ที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักทั่วไปสำหรับเทศกาลนี้
19.
โรงละคร "Olympico", Vicenza (Vicenza, Olimpico)
Olimpico เป็นโรงละครในร่มแห่งแรกของโลกที่ตกแต่งภายในด้วยอิฐ ไม้และปูนปั้น
ออกแบบโดยสถาปนิก Andrea Palladio ระหว่างปี 1580-1585
Teatro Olimpico ตั้งอยู่ใน Piazza Matiotti ในเมือง Vicenza เมืองนี้ตั้งอยู่ระหว่างมิลานและเวนิสทางตะวันออกเฉียงเหนือของอิตาลี รวมอยู่ในมรดกโลกขององค์การยูเนสโก
โรงละครซึ่งมีที่นั่งทั้งหมด 400 ที่นั่ง เป็นเจ้าภาพ เทศกาลดนตรีและโรงละคร เช่น ดนตรีประจำสัปดาห์ที่ Teatro Olimpico, The Sounds of Olympus, เทศกาล Homage to Palladio, András Schiff และ Friends และการแสดงคลาสสิกหลายชุด .
21.