นักดนตรีในโบสถ์ ประวัติโดยย่อของวงออเคสตรา ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงเบโธเฟน

พื้นหลัง
ประเภทและรูปแบบวงดนตรี
โบสถ์มันไฮม์
นักดนตรีในศาล

พื้นหลัง

ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนต่างรู้จักผลกระทบของเสียงเครื่องดนตรีที่มีต่ออารมณ์ของมนุษย์ การเล่นพิณ พิณ พิณ ชิทารา เขมันชะ หรือ ขลุ่ยอ้อ ที่ไพเราะแต่ไพเราะ ทำให้เกิดความรู้สึกปีติ ความรัก หรือความสงบ และเสียง ของเขาสัตว์ (เช่น โชฟาร์ฮีบรู ) หรือท่อโลหะมีส่วนทำให้เกิดความรู้สึกเคร่งขรึมและเคร่งศาสนา กลองและเครื่องเพอร์คัชชันอื่นๆ ที่เพิ่มเข้าไปในแตรและทรัมเป็ต ช่วยรับมือกับความกลัว ปลุกความก้าวร้าวและความเข้มแข็ง เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่าการเล่นร่วมกันของเครื่องดนตรีที่คล้ายคลึงกันหลายอย่างไม่เพียงแต่ช่วยเพิ่มความสว่างของเสียงเท่านั้นแต่ยัง ผลกระทบทางจิตใจกับผู้ฟัง - เอฟเฟกต์เดียวกันกับที่เกิดขึ้นเมื่อผู้คนจำนวนมากร้องเพลงเดียวกันพร้อมกัน ดังนั้น ไม่ว่าผู้คนจะตั้งรกราก สมาคมนักดนตรีก็ค่อยๆ เริ่มปรากฏขึ้น พร้อมกับการต่อสู้หรืองานพิธีในที่สาธารณะด้วยการเล่นของพวกเขา: พิธีกรรมในวัด การแต่งงาน การฝังศพ พิธีราชาภิเษก ขบวนพาเหรดทางทหาร ความสนุกสนานในวัง

การอ้างอิงถึงสมาคมดังกล่าวเป็นลายลักษณ์อักษรครั้งแรกสามารถพบได้ใน Pentateuch of Moses และในสดุดีของดาวิด: ในตอนต้นของสดุดีบางบทมีการอุทธรณ์ไปยังหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงพร้อมคำอธิบายว่าควรใช้เครื่องดนตรีใดประกอบ นี่หรือข้อความนั้น มีกลุ่มนักดนตรีในเมโสโปเตเมียและในหมู่ฟาโรห์อียิปต์ใน จีนโบราณและอินเดีย กรีซ และโรม ในประเพณีการแสดงโศกนาฏกรรมของกรีกโบราณ มีเวทีพิเศษที่นักดนตรีนั่งเล่น พร้อมกับการแสดงของนักแสดงและนักเต้นด้วยการเล่นเครื่องดนตรี "วงออเคสตรา" ที่ยกระดับแพลตฟอร์มดังกล่าว ดังนั้นสิทธิบัตรสำหรับการประดิษฐ์คำว่า "วงออเคสตรา" ยังคงอยู่กับชาวกรีกโบราณ แม้ว่าที่จริงแล้วออเคสตรามีอยู่ก่อนหน้านี้มาก

ปูนเปียกจากวิลล่าโรมันใน Boscoreal 50-40s BC อีพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

ใน วัฒนธรรมยุโรปตะวันตกสมาคมนักดนตรีในฐานะวงออเคสตราไม่ได้เริ่มเรียกทันที ตอนแรกในยุคกลางและในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเรียกว่าโบสถ์ ชื่อนี้เกี่ยวข้องกับของสถานที่เฉพาะที่มีการแสดงดนตรี โบสถ์ดังกล่าวอยู่ที่โบสถ์หลังแรกแล้วจึงขึ้นศาล และยังมีโบสถ์ประจำหมู่บ้านซึ่งประกอบด้วยนักดนตรีสมัครเล่น โบสถ์เหล่านี้เป็นปรากฏการณ์มวลชน และถึงแม้ว่าระดับของนักแสดงในหมู่บ้านและเครื่องดนตรีของพวกเขาไม่สามารถเทียบได้กับศาลมืออาชีพและโบสถ์ในวัด แต่ก็ไม่ควรประมาทอิทธิพลของประเพณีของหมู่บ้านและดนตรีบรรเลงพื้นบ้านในเมืองต่อนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมและวัฒนธรรมดนตรียุโรปโดยทั่วไป ดนตรีของ Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti ได้รับการปฏิสนธิตามประเพณีการทำดนตรีพื้นบ้าน

เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมโบราณ ในยุโรปไม่มีการแบ่งกลุ่มเริ่มต้นเป็นเสียงร้องและดนตรีบรรเลง เริ่มต้นด้วย ยุคกลางตอนต้นคริสตจักรคริสเตียนปกครองเหนือทุกสิ่ง และดนตรีบรรเลงในคริสตจักรได้พัฒนาเป็นเพลงประกอบ การสนับสนุนพระวจนะของพระกิตติคุณ ซึ่งมักจะครอบงำ - ท้ายที่สุด "ในตอนแรกคือพระวจนะ" ดังนั้นโบสถ์ยุคแรกจึงเป็นทั้งคนที่ร้องเพลงและคนที่มากับนักร้อง

เมื่อถึงจุดหนึ่ง คำว่า "วงออเคสตรา" ก็ปรากฏขึ้น แม้ว่าจะไม่ได้ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ตัวอย่างเช่น ในเยอรมนี คำนี้ตั้งขึ้นช้ากว่าประเทศโรมานซ์มาก. ในอิตาลี วงออเคสตรามักจะหมายถึงเครื่องดนตรีมากกว่าส่วนแกนนำของดนตรี คำว่าออเคสตรายืมมาจากประเพณีกรีกโดยตรง ออร์เคสตราอิตาลีเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พร้อมกับการถือกำเนิดของประเภทโอเปร่า และเนื่องจากความนิยมที่ไม่ธรรมดาของประเภทนี้ คำนี้จึงพิชิตโลกทั้งใบอย่างรวดเร็ว ดังนั้นจึงปลอดภัยที่จะบอกว่าดนตรีออร์เคสตราร่วมสมัยมีสองแหล่ง: วัดและโรงละคร

มวลคริสต์มาส ภาพจำลองจากหนังสือ Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry โดยพี่น้อง Limburg ศตวรรษที่ 15นางสาว. 65/1284, ท. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

และในเยอรมนีเป็นเวลานานพวกเขาใช้ชื่อ "โบสถ์" แห่งการฟื้นฟูยุคกลาง จนถึงศตวรรษที่ 20 ออร์เคสตราของศาลเยอรมันจำนวนมากถูกเรียกว่าโบสถ์ วงออเคสตราที่เก่าแก่ที่สุดแห่งหนึ่งในโลกในปัจจุบันคือโบสถ์น้อยแห่งรัฐแซกซอน (และในอดีตคือแซกซอนคอร์ต) ในเมืองเดรสเดน มีประวัติความเป็นมายาวนานกว่า 400 ปี เธอปรากฏตัวที่ศาลของผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาวแซ็กซอนซึ่งชื่นชมความสวยงามเสมอและอยู่เหนือเพื่อนบ้านในแง่นี้ ยังคงมีโบสถ์น้อยแห่งรัฐเบอร์ลินและไวมาร์ เช่นเดียวกับโบสถ์น้อย Meiningen Court ที่มีชื่อเสียง ซึ่ง Richard Strauss เริ่มเป็นหัวหน้าวงดนตรี (ปัจจุบันเป็นผู้ควบคุมวง) อย่างไรก็ตาม นักดนตรีมักจะใช้คำว่า "kapellmeister" ในภาษาเยอรมัน ซึ่งเทียบเท่ากับคำว่า "conductor" ในภาษาเยอรมัน แต่บ่อยครั้งที่มีความหมายในแง่ลบ ไม่ใช่ศิลปิน) และในสมัยนั้นคำนี้ออกเสียงด้วยความเคารพในฐานะชื่อของอาชีพที่ซับซ้อน: "หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงหรือวงออเคสตราซึ่งแต่งเพลงด้วย" จริงอยู่ ในวงออเคสตราบางวงในเยอรมนี คำนี้ได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นการกำหนดตำแหน่ง ตัวอย่างเช่น ในวงออร์เคสตราไลพ์ซิก เกวันด์เฮาส์ หัวหน้าผู้ควบคุมวงยังคงถูกเรียกว่าเกวันด์เฮาส์ คาเปลไมสเตอร์

ศตวรรษที่ XVII-XVIII: วงออเคสตราเป็นเครื่องราชอิสริยาภรณ์

Louis XIV ใน Royal Ballet of the Night โดย Jean Baptiste Lully ร่างโดย Henri de Gisset 1653ในการผลิต พระราชาเล่นบทบาทของพระอาทิตย์ขึ้น วิกิมีเดียคอมมอนส์

วงออเคสตรายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและวงออร์เคสตราสไตล์บาโรกในเวลาต่อมา ส่วนใหญ่เป็นวงในศาลหรือของคณะสงฆ์ จุดประสงค์ของพวกเขาคือไปร่วมนมัสการหรือเพื่อเอาใจและให้ความบันเทิงกับผู้มีอำนาจ อย่างไรก็ตาม ผู้ปกครองศักดินาหลายคนมีความรู้สึกด้านสุนทรียภาพที่ค่อนข้างพัฒนา และนอกจากนี้ พวกเขาชอบที่จะอวดให้คนอื่นเห็น ใครบางคนอวดกองทัพ บางคนมีสถาปัตยกรรมที่แปลกประหลาด บางคนจัดสวน และมีคนดูแลโรงละครในราชสำนักหรือวงออเคสตรา

ยกตัวอย่างเช่น พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ของฝรั่งเศส มีออร์เคสตราสองวง ได้แก่ Ensemble of the Royal Stables ซึ่งประกอบด้วยเครื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชัน และที่เรียกกันว่า "24 Violins of the King" นำโดย Jean Baptiste Lully นักแต่งเพลงชื่อดัง ที่ได้ร่วมงานกับ Moliere และได้จารึกประวัติศาสตร์ในฐานะผู้สร้างอุปรากรฝรั่งเศสและวาทยกรมืออาชีพคนแรก ต่อมา พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 แห่งอังกฤษ (พระราชโอรสในชาร์ลส์ที่ 1 ที่ถูกประหารชีวิต) เสด็จกลับมาจากฝรั่งเศสในช่วงการฟื้นฟูสถาบันพระมหากษัตริย์ในปี ค.ศ. 1660 ได้สร้าง "ไวโอลินของกษัตริย์ 24 พระองค์" ขึ้นในโบสถ์น้อยหลวงตามแบบฉบับของฝรั่งเศส โบสถ์หลวงมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 และถึงจุดสูงสุดในรัชสมัยของเอลิซาเบธที่ 1 ออร์แกนของศาลคือวิลเลียม เบิร์ดและโธมัส ทัลลิส และที่ราชสำนักของชาร์ลส์ที่ 2 เฮนรี เพอร์เซลล์นักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษผู้เก่งกาจรับหน้าที่เป็นนักร้องประสานเสียงในเวสต์มินสเตอร์แอบบีย์และในโบสถ์น้อยรอยัล ในศตวรรษที่ 16-17 ในอังกฤษ มีอีกชื่อหนึ่งที่เจาะจงสำหรับวงออเคสตรา ซึ่งมักจะใช้ชื่อว่า "มเหสี" ในยุคบาโรกต่อมา คำว่า "มเหสี" เลิกใช้แล้ว และแนวคิดของแชมเบอร์คือเพลง "ห้อง" ปรากฏขึ้นแทน

ชุดนักรบจาก Royal Ballet of the Night ร่างโดย Henri de Gisset 1653วิกิมีเดียคอมมอนส์

รูปแบบของความบันเทิงแบบบาโรกมีความหรูหรามากขึ้นเรื่อยๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 และไม่สามารถจัดการด้วยเครื่องมือจำนวนน้อยๆ ได้อีกต่อไป ลูกค้าต้องการ "ใหญ่กว่าและแพงกว่า" แม้ว่าแน่นอนทุกอย่างขึ้นอยู่กับความเอื้ออาทรของ "ผู้มีพระคุณ" หาก Bach ถูกบังคับให้เขียนจดหมายถึงเจ้านายของเขา ชักชวนให้พวกเขาจัดสรรไวโอลินอย่างน้อยสองหรือสามตัวต่อส่วนที่เป็นเครื่องดนตรี จากนั้นที่ Handel ก็มีโอโบอิสต์ 24 คน นักบาส 12 คน นักเป่าแตร 9 คนเข้ามามีส่วนร่วมในการแสดงครั้งแรกของ "ดนตรีประกอบดอกไม้ไฟหลวง" เป่าแตร 9 คน และผู้เล่นทิมปานี 3 คน (เช่น นักดนตรี 57 คน กำหนด 13 ส่วน) และในการแสดง "พระเมสสิยาห์" ของฮันเดลในลอนดอนในปี พ.ศ. 2327 มีผู้เข้าร่วม 525 คน (แม้ว่างานนี้จะมากกว่า ปลายยุคเมื่อผู้ประพันธ์เพลงไม่มีชีวิตอยู่อีกต่อไป) นักเขียนแนวบาโรกส่วนใหญ่เขียนโอเปร่า และวงดุริยางค์โอเปร่าเป็นห้องทดลองที่สร้างสรรค์สำหรับนักประพันธ์มาโดยตลอด ซึ่งเป็นสถานที่สำหรับการทดลองทุกประเภท รวมถึงเครื่องมือที่ไม่ธรรมดาด้วย ตัวอย่างเช่น ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 มอนเตเวร์ดีได้แนะนำส่วนทรอมโบนให้กับวงออเคสตราของโอเปร่า Orfeo ซึ่งเป็นหนึ่งในโอเปร่าแรกๆ ในประวัติศาสตร์ เพื่อพรรณนาถึงความโกรธเกรี้ยวที่ชั่วร้าย

ตั้งแต่เวลาของ Florentine Camerata (ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17) วงออเคสตราทุกวงมีส่วนของเบสคอนติเนนโต ซึ่งเล่นโดยนักดนตรีทั้งกลุ่มและบันทึกเป็นหนึ่งบรรทัดในโน๊ตเบส ตัวเลขใต้เส้นเสียงเบสแสดงถึงลำดับฮาร์โมนิกบางอย่าง และนักแสดงต้องปรับแต่งพื้นผิวและการตกแต่งทางดนตรีทั้งหมด กล่าวคือ สร้างขึ้นใหม่ทุกครั้งที่แสดง ใช่ และองค์ประกอบก็แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับเครื่องมือที่ใช้ในโบสถ์แห่งหนึ่ง การมีอยู่ของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดเพียงเครื่องเดียวเป็นสิ่งจำเป็น ส่วนใหญ่มักจะเป็น ฮาร์ปซิคอร์ด ในดนตรีของคริสตจักร เครื่องดนตรีดังกล่าวมักเป็นออร์แกน ธนูสายหนึ่ง - เชลโล, วิโอลาดากัมบาหรือวิโอโลน (บรรพบุรุษของดับเบิลเบสสมัยใหม่); พิณที่ดึงสายหรือทฤษฎีออร์โบหนึ่งอัน แต่มันเกิดขึ้นที่กลุ่มเบสโซคอนติเนนโตหกหรือเจ็ดคนเล่นพร้อมกัน รวมทั้งฮาร์ปซิคอร์ดหลายตัว (เพอร์เซลล์และราโมมีสามหรือสี่ตัว) ในศตวรรษที่ 19 คีย์บอร์ดและเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาได้หายไปจากวงออเคสตรา แต่ปรากฏขึ้นอีกครั้งในศตวรรษที่ 20 และตั้งแต่ทศวรรษ 1960 วงดุริยางค์ซิมโฟนีมันเป็นไปได้ที่จะใช้เครื่องมือเกือบทุกชนิดที่มีอยู่ในโลก - เกือบจะมีความยืดหยุ่นแบบบาโรกในแนวทางเครื่องมือวัด ดังนั้นเราจึงสามารถพิจารณาได้ว่าบาโรกให้กำเนิดวงออเคสตราสมัยใหม่

เครื่องมือวัด โครงสร้าง สัญกรณ์

ภาพย่อจากคำอธิบายเรื่อง Apocalypse of Beat of Lieban ในรายการอารามของ San Millan de la Cogoglia 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón และ San Millán de la Cogolla

คำว่า "วงออเคสตรา" สำหรับผู้ฟังสมัยใหม่มักเกี่ยวข้องกับข้อความที่ตัดตอนมาจากเพลงของ Beethoven, Tchaikovsky หรือ Shostakovich; ด้วยเสียงที่ใหญ่โตมโหฬารและในขณะเดียวกันก็ทำให้เสียงเรียบขึ้น ซึ่งฝังอยู่ในความทรงจำของเราตั้งแต่ฟังออร์เคสตราสมัยใหม่ ทั้งแบบสดและในการบันทึกเสียง แต่วงออเคสตราไม่ได้ฟังแบบนั้นเสมอไป ท่ามกลางความแตกต่างมากมายระหว่างออเคสตราโบราณกับออร์เคสตราสมัยใหม่ สิ่งสำคัญคือเครื่องดนตรีที่นักดนตรีใช้ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เครื่องดนตรีทั้งหมดฟังดูเงียบกว่าเครื่องดนตรีสมัยใหม่มาก เนื่องจากห้องที่เล่นเพลง (โดยทั่วไป) มีขนาดเล็กกว่าห้องแสดงคอนเสิร์ตสมัยใหม่มาก และไม่มีเขาโรงงาน ไม่มีกังหันนิวเคลียร์ ไม่มีเครื่องยนต์สันดาปภายใน ไม่มีเครื่องบินเหนือเสียง เสียงทั่วไปของชีวิตมนุษย์เงียบกว่าทุกวันนี้หลายเท่า ความดังยังคงวัดจากปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ: เสียงคำรามของสัตว์ป่า, ฟ้าร้องในช่วงพายุฝนฟ้าคะนอง, เสียงน้ำตก, เสียงแตกของต้นไม้ล้มหรือเสียงดังกึกก้องของน้ำตก, และเสียงคำรามของฝูงชนในจัตุรัสกลางเมืองในงานเทศกาล วัน. ดังนั้นดนตรีจึงสามารถแข่งขันในความสว่างได้เฉพาะกับธรรมชาติเท่านั้น

สายที่ใช้ร้อยเครื่องสายทำจากเอ็นวัว (โลหะในปัจจุบัน) คันธนูมีขนาดเล็กกว่า เบากว่า และมีรูปร่างแตกต่างกันเล็กน้อย ด้วยเหตุนี้ เสียงของสายอักขระจึง "อุ่นขึ้น" แต่ "นุ่มนวล" น้อยกว่าในปัจจุบัน ทำด้วยไม้ เครื่องมือลมไม่มีวาล์วที่ทันสมัยและอุปกรณ์ทางเทคนิคอื่น ๆ ที่ให้คุณเล่นได้อย่างมั่นใจและแม่นยำยิ่งขึ้น ลมไม้ในสมัยนั้นฟังดูเป็นเอกเทศมากขึ้นในแง่ของเสียงต่ำ บางครั้งก็ฟังดูไม่เข้าท่า (ทั้งหมดขึ้นอยู่กับทักษะของนักแสดง) และเงียบกว่าลมสมัยใหม่หลายเท่า เครื่องมือลมทองเหลืองล้วนเป็นธรรมชาติโดยสิ้นเชิง กล่าวคือ สามารถผลิตได้เฉพาะเสียงที่มีมาตราส่วนตามธรรมชาติ ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเพียงพอสำหรับการประโคมสั้นๆ เท่านั้น แต่ไม่สามารถขยายท่วงทำนองได้ หนังสัตว์เหยียดเหนือกลองและกลองทิมปานี (แนวทางปฏิบัตินี้ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน แม้ว่าเครื่องเพอร์คัชชันที่มีเยื่อพลาสติกจะปรากฎมานานแล้วก็ตาม)

ลำดับของวงออเคสตราโดยทั่วไปจะต่ำกว่าวันนี้ - โดยเฉลี่ยครึ่งเสียง และบางครั้งก็เป็นทั้งเสียง แต่ถึงกระนั้นที่นี่ก็ไม่มีกฎเกณฑ์เดียว: ระบบโทนเสียงสำหรับอ็อกเทฟแรก (ตามที่ออเคสตราได้รับการปรับตามธรรมเนียม) ที่ศาลของ Louis XIV คือ 392 ในระดับเฮิรตซ์ ที่คอร์ทของ Charles II พวกเขาปรับ A จาก 400 เป็น 408 เฮิรตซ์ ในเวลาเดียวกัน อวัยวะในวัดก็มักจะปรับโทนเสียงให้สูงกว่าฮาร์ปซิคอร์ดที่ยืนอยู่ในห้องพระราชวัง (บางทีอาจเป็นเพราะความร้อน เนื่องจากเครื่องสายจะปรับขึ้นจากความร้อนแห้ง และในทางกลับกัน ลดลงจาก เย็น เครื่องมือลมมักจะมีแนวโน้มย้อนกลับ) ดังนั้นในช่วงเวลาของ Bach มีสองระบบหลัก: kammer-ton ที่เรียกว่า ("tuning fork" ที่ทันสมัย - คำที่มาจากมัน) นั่นคือ "ระบบห้อง" และ orgel-ton นั่นคือ , "ระบบอวัยวะ" (หรือที่รู้จักว่า "เสียงประสาน") และการปรับจูนห้องสำหรับ A อยู่ที่ 415 เฮิรตซ์ ในขณะที่การปรับแต่งอวัยวะนั้นสูงขึ้นเสมอและบางครั้งก็สูงถึง 465 เฮิรตซ์ และถ้าเราเปรียบเทียบกับการปรับจูนคอนเสิร์ตสมัยใหม่ (440 เฮิรตซ์) อันแรกจะต่ำกว่าครึ่งโทนและอันที่สองจะสูงกว่าแบบสมัยใหม่ครึ่งหนึ่ง ดังนั้นในบทประพันธ์ของ Bach บางบทที่เขียนขึ้นสำหรับระบบออร์แกน ผู้เขียนจึงเขียนส่วนต่างๆ ของเครื่องมือลมทันทีโดยเปลี่ยนตำแหน่ง นั่นคือ สูงกว่าส่วนของคณะนักร้องประสานเสียงและเบสโซคอนติเนนโตครึ่งขั้น นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าเครื่องลมซึ่งส่วนใหญ่ใช้ในดนตรีแชมเบอร์ในศาลไม่ได้รับการปรับให้เข้ากับการปรับออร์แกนที่สูงขึ้น (ฟลุตและโอโบอาจต่ำกว่า camertone เล็กน้อยดังนั้นจึงมีอันที่สามด้วย - คาเมโทนต่ำ). โทน). และถ้าวันนี้คุณพยายามเล่นแคนทาทาจากโน้ตโดยไม่รู้เรื่องนี้ คุณก็จะได้เสียงขรมที่ผู้แต่งไม่ได้ตั้งใจ

สถานการณ์ที่มีรูปแบบ "ลอยตัว" นี้ยังคงอยู่ในโลกจนถึงสงครามโลกครั้งที่สอง กล่าวคือ ไม่เพียงแต่ใน ประเทศต่างๆแต่ในเมืองต่างๆ ของประเทศเดียวกัน ระบบอาจแตกต่างกันอย่างมาก ในปี พ.ศ. 2402 รัฐบาลฝรั่งเศสได้พยายามครั้งแรกที่จะสร้างมาตรฐานการจูนโดยการออกกฎหมายอนุมัติการปรับจูน A - 435 เฮิรตซ์ แต่ในประเทศอื่นๆ การจูนยังคงแตกต่างกันอย่างมาก และเฉพาะในปี พ.ศ. 2498 องค์การระหว่างประเทศเพื่อการมาตรฐานได้นำกฎหมายว่าด้วยการปรับจูนคอนเสิร์ตที่ 440 เฮิรตซ์ ซึ่งยังคงมีผลบังคับใช้ในปัจจุบัน

ไฮน์ริช อิกนาซ บีเบอร์ แกะสลักจาก 1681วิกิมีเดียคอมมอนส์

นักเขียนสไตล์บาโรกและคลาสสิกยังได้ดำเนินการอื่น ๆ ในด้านการปรับแต่งที่เกี่ยวข้องกับดนตรีสำหรับ เครื่องสาย. เรากำลังพูดถึงเทคนิคที่เรียกว่า "scordatura" นั่นคือ "การปรับสาย" ในเวลาเดียวกัน สายบางสาย เช่น ไวโอลินหรือวิโอลา ถูกปรับให้เป็นช่วงที่ต่างไปจากเดิมสำหรับเครื่องดนตรี ด้วยเหตุนี้ นักแต่งเพลงจึงมีโอกาสได้ใช้สตริงเปิดจำนวนมากขึ้น ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับคีย์ขององค์ประกอบ แต่ scordatura นี้มักจะไม่ได้บันทึกในเสียงจริง แต่เป็นการเคลื่อนย้าย ดังนั้นหากไม่มีการเตรียมเครื่องมือเบื้องต้น (และนักแสดง) องค์ประกอบดังกล่าวจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะดำเนินการอย่างถูกต้อง ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงของ scordatura คือวงจรของไวโอลิน sonatas Rosary (Mysteries) ของ Heinrich Ignaz Bieber (1676)

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและในยุคแรกของบาโรก ช่วงของโหมดต่างๆ และต่อมาคีย์ซึ่งผู้แต่งสามารถแต่งได้นั้นถูกจำกัดด้วยกำแพงธรรมชาติ ชื่อของบาเรียนี้คือเครื่องหมายจุลภาคปีทาโกรัส นักวิทยาศาสตร์ชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่ Pythagoras เป็นคนแรกที่แนะนำเครื่องมือปรับแต่งตามระดับห้าบริสุทธิ์ ซึ่งเป็นหนึ่งในช่วงแรกของมาตราส่วนธรรมชาติ แต่ปรากฏว่าถ้าคุณจูนเครื่องสายในลักษณะนี้ หลังจากผ่านวงกลมหนึ่งในห้า (สี่อ็อกเทฟ) ไปแล้ว โน้ต C-sharp จะฟังดูสูงขึ้นมากในภาษาซี และตั้งแต่สมัยโบราณ นักดนตรีและนักวิทยาศาสตร์ได้พยายามค้นหาระบบการปรับแต่งเครื่องดนตรีในอุดมคติ ซึ่งสามารถเอาชนะข้อบกพร่องตามธรรมชาติของมาตราส่วนตามธรรมชาติ ซึ่งก็คือความไม่สม่ำเสมอของมัน ซึ่งจะทำให้สามารถใช้โทนสีทั้งหมดได้อย่างเท่าเทียมกัน

แต่ละยุคมีระบบระเบียบของตัวเอง และแต่ละระบบก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ซึ่งฟังดูไม่เข้าหูเรา คุ้นเคยกับเสียงเปียโนสมัยใหม่ ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมดได้รับการปรับแต่งในระดับที่เหมือนกัน โดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น 12 เซมิโทนที่เท่ากันอย่างสมบูรณ์แบบ การปรับแต่งที่สม่ำเสมอนั้นเป็นการประนีประนอมที่ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณสมัยใหม่ ซึ่งทำให้สามารถแก้ปัญหาเครื่องหมายจุลภาคพีทาโกรัสได้ครั้งแล้วครั้งเล่า แต่ได้เสียสละความงามตามธรรมชาติของเสียงของหนึ่งในสามและห้าที่บริสุทธิ์ นั่นคือไม่มีช่วงเวลาใด (ยกเว้นอ็อกเทฟ) ที่เล่นโดยเปียโนสมัยใหม่ที่สอดคล้องกับมาตราส่วนตามธรรมชาติ และในระบบการจูนเสียงทั้งหมดที่มีอยู่ตั้งแต่ยุคกลางตอนปลายนั้น ช่วงเวลาอันบริสุทธิ์จำนวนหนึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ เนื่องจากการที่ปุ่มทั้งหมดได้รับเสียงที่ชัดเจนเป็นเอกเทศ แม้กระทั่งหลังจากการประดิษฐ์อารมณ์ที่ดี (ดู Clavier ที่มีอารมณ์ดีของ Bach) ซึ่งทำให้สามารถใช้กุญแจทั้งหมดบนฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนได้ ตัวกุญแจเองก็ยังคงมีสีประจำตัว ดังนั้นการเกิดขึ้นของทฤษฎีผลกระทบซึ่งเป็นพื้นฐานของดนตรีบาโรกตามที่วิธีการแสดงออกทางดนตรีทั้งหมด - ท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, จังหวะ, จังหวะ, เนื้อสัมผัสและการเลือกโทนเสียง - เชื่อมโยงกับสภาวะทางอารมณ์ที่เฉพาะเจาะจงอย่างแยกไม่ออก นอกจากนี้ โทนสีเดียวกันอาจขึ้นอยู่กับสีที่ใช้ใน ช่วงเวลานี้สิ่งปลูกสร้างให้ฟังดูเป็นอภิบาล ไร้เดียงสาหรือเย้ายวน โศกเศร้าอย่างเคร่งขรึมหรือน่ากลัวอย่างปีศาจ

สำหรับนักแต่งเพลง การเลือกคีย์หนึ่งคีย์หรือคีย์อื่นๆ เชื่อมโยงกับอารมณ์ความรู้สึกบางชุดอย่างแยกไม่ออก จนกระทั่งถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ยิ่งไปกว่านั้น หากสำหรับ Haydn D major ฟังดูเหมือน "ขอบคุณพระเจ้า ความเข้มแข็ง" สำหรับ Beethoven ดูเหมือนว่า "ความเจ็บปวด ความปวดร้าว หรือการเดินขบวน" Haydn เชื่อมโยง E major กับ "ความคิดถึงความตาย" และสำหรับ Mozart มันหมายถึง "เคร่งขรึม เหนือกว่า" (คำเหล่านี้ทั้งหมดเป็นคำพูดจากผู้แต่งเอง) ดังนั้นท่ามกลางคุณธรรมบังคับของนักดนตรีที่แสดงดนตรียุคแรกคือระบบหลายมิติของความรู้ทางดนตรีและวัฒนธรรมทั่วไปที่ช่วยให้เรารับรู้โครงสร้างทางอารมณ์และ "รหัส" ขององค์ประกอบต่าง ๆ โดยผู้เขียนหลายคนและในขณะเดียวกันความสามารถในการนำไปใช้ในทางเทคนิค นี้ในเกม

นอกจากนี้ยังมีปัญหากับสัญกรณ์: นักแต่งเพลงของศตวรรษที่ 17-18 ตั้งใจบันทึกข้อมูลเพียงบางส่วนที่เกี่ยวข้องกับผลงานที่จะเกิดขึ้น การใช้ถ้อยคำ ความแตกต่าง ความชัดแจ้ง และการตกแต่งที่วิจิตรบรรจงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - เป็นส่วนสำคัญของสุนทรียศาสตร์แบบบาโรก - ทั้งหมดนี้ถูกปล่อยให้เป็นทางเลือกของนักดนตรีอย่างอิสระ ซึ่งกลายเป็นผู้ร่วมสร้างของนักแต่งเพลง ไม่ใช่แค่ผู้ทำตามความประสงค์ของเขาเท่านั้น ดังนั้นการแสดงที่เชี่ยวชาญอย่างแท้จริงของดนตรีบาโรกและดนตรีคลาสสิกยุคแรกในเครื่องดนตรีโบราณจึงเป็นงานที่ยากไม่น้อย (ถ้าไม่มาก) มากไปกว่าการควบคุมดนตรีในยุคต่อมาด้วยเครื่องดนตรีสมัยใหม่อย่างมีคุณธรรม เมื่อกว่า 60 ปีที่แล้วผู้ชื่นชอบการเล่นเครื่องดนตรีโบราณเป็นคนแรก ("ผู้ตรวจสอบความถูกต้อง") ปรากฏตัวขึ้น พวกเขามักพบกับความเกลียดชังในหมู่เพื่อนร่วมงาน ส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากความเฉื่อยของนักดนตรีในโรงเรียนดั้งเดิม และส่วนหนึ่งเป็นเพราะทักษะที่ไม่เพียงพอของผู้บุกเบิกความถูกต้องทางดนตรีด้วยตัวเขาเอง ในแวดวงดนตรี มีทัศนคติที่ประชดประชันประชดประชันต่อพวกเขา ต่อพวกขี้แพ้ที่หาประโยชน์ให้ตัวเองไม่ได้ดีไปกว่าการอวดอ้างความเศร้าโศกบน "ไม้แห้ง" (ลมไม้) หรือ "เศษเหล็กขึ้นสนิม" (ลมทองเหลือง) และทัศนคตินี้ (น่าเสียดายอย่างแน่นอน) ยังคงมีอยู่จนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้ จนกระทั่งเห็นได้ชัดว่าระดับการเล่นเครื่องดนตรีโบราณได้เติบโตขึ้นอย่างมากในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา ซึ่งอย่างน้อยที่สุดในสาขาบาโรกและคลาสสิกยุคแรกๆ ผู้รับรองความถูกต้องก็แซงหน้าและแซงหน้าไปนานแล้ว ออเคสตราสมัยใหม่ที่น่าเบื่อหน่ายและน่าเบื่อหน่ายมากขึ้น

ประเภทและรูปแบบวงดนตรี

ชิ้นส่วนของรูปเหมือนของ Pierre Moucheron กับครอบครัวของเขา ไม่ทราบผู้เขียน 1563 Rijksmuseum อัมสเตอร์ดัม

เช่นเดียวกับคำว่า "วงออเคสตรา" ไม่ได้หมายถึงสิ่งที่เราหมายถึงในทุกวันนี้เสมอไป ดังนั้นคำว่า "ซิมโฟนี" และ "คอนเสิร์ต" เดิมจึงมีความหมายแตกต่างกันเล็กน้อย และค่อยๆ เข้าใจความหมายที่ทันสมัยขึ้นเรื่อยๆ เมื่อเวลาผ่านไป

คอนเสิร์ต

คำว่า "คอนเสิร์ต" มีที่มาที่เป็นไปได้หลายประการ นิรุกติศาสตร์สมัยใหม่มีแนวโน้มที่จะแปลว่า "บรรลุข้อตกลง" จากคอนแชร์ตาร์อิตาลีหรือ "ร้องเพลงสรรเสริญ" จากภาษาละติน concinere, concino คำแปลที่เป็นไปได้อีกอย่างหนึ่งคือ "การโต้แย้ง การแข่งขัน" จากคอนแชร์ตาร์ละติน: นักแสดงเดี่ยว (ศิลปินเดี่ยวหรือกลุ่มศิลปินเดี่ยว) แข่งขันในดนตรีกับทีม (วงออเคสตรา) ในช่วงต้นยุคบาโรก งานร้อง-เครื่องดนตรีมักถูกเรียกว่าคอนแชร์โต้ ต่อมากลายเป็นที่รู้จักในนาม cantata - จากภาษาละติน canto, cantare ("to sing") เมื่อเวลาผ่านไป คอนแชร์โตกลายเป็นประเภทบรรเลงที่บรรเลงอย่างหมดจด (แม้ว่าในบรรดาผลงานของศตวรรษที่ 20 คอนแชร์โต้ก็กลายเป็นประเภทที่หาได้ยากเช่นกัน เช่น คอนแชร์โต้สำหรับเสียงและวงออเคสตราโดยไรน์โฮลด์ กลีแยร์) ยุคบาโรกทำให้เกิดความแตกต่างระหว่างคอนแชร์โตเดี่ยว (เครื่องดนตรีหนึ่งชิ้นและวงออเคสตราประกอบ) และ "คอนแชร์โตขนาดใหญ่" (คอนแชร์โตกรอสโซ) ซึ่งเพลงถูกถ่ายทอดระหว่างศิลปินเดี่ยวกลุ่มเล็ก (คอนแชร์ติโน) และกลุ่มที่มีเครื่องดนตรีมากกว่า (ริปิเอโน) นั่นคือ "การบรรจุ", "การเติม") นักดนตรีของกลุ่มริเปียโนถูกเรียกว่าริเปียนนิสต์ มันคือพวก ripienists ที่กลายเป็นบรรพบุรุษของผู้เล่นออร์เคสตราสมัยใหม่ ริปิเอโนมีส่วนเกี่ยวข้องกับเครื่องสายเท่านั้นและเบสโซคอนติเนนโต และศิลปินเดี่ยวอาจแตกต่างกันมาก: ไวโอลิน, เชลโล, โอโบ, ผู้บันทึก, บาสซูน, วิโอลาดามัวร์, ลูท, แมนโดลิน ฯลฯ

คอนแชร์โตกรอสโซมีสองประเภท: คอนแชร์โต้ ดา เชียซา ("คอนเสิร์ตของโบสถ์") และคอนแชร์โต ดา คาเมรา ("คอนเสิร์ตแชมเบอร์") ทั้งสองเข้ามาใช้ส่วนใหญ่ต้องขอบคุณ Arcangelo Corelli ผู้แต่ง 12 คอนแชร์โต (1714) วัฏจักรนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อฮันเดล ซึ่งทำให้เรามีคอนแชร์โตกรอสโซสองรอบ ซึ่งถือเป็นผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้ คอนแชร์โต Brandenburg ของ Bach ยังมีลักษณะที่ชัดเจนของคอนแชร์โตกรอสโซ

ความรุ่งเรืองของคอนแชร์โตเดี่ยวสไตล์บาโรกเกี่ยวข้องกับชื่อของอันโตนิโอ วีวัลดี ซึ่งแต่งคอนแชร์โตมากกว่า 500 รายการสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ ควบคู่ไปกับเครื่องสายและเบสโซคอนติเนนโตในชีวิตของเขา (แม้ว่าเขาจะเขียนโอเปร่ามากกว่า 40 ชิ้น โบสถ์จำนวนมาก เพลงประสานเสียงและบรรเลงซิมโฟนี) ตามกฎแล้วการแสดงเป็นสามส่วนโดยมีจังหวะสลับกัน: เร็ว - ช้า - เร็ว; โครงสร้างนี้กลายเป็นส่วนสำคัญในตัวอย่างหลังของคอนแชร์โต้บรรเลง จนถึงต้นศตวรรษที่ 21 การสร้างที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Vivaldi คือวัฏจักร "The Seasons" (1725) สำหรับไวโอลินและวงออร์เคสตราเครื่องสาย ซึ่งแต่ละคอนแชร์โตนำหน้าด้วยบทกวี (บางทีอาจเขียนโดย Vivaldi เอง) บทกวีบรรยายถึงอารมณ์และเหตุการณ์สำคัญในฤดูกาลใดฤดูกาลหนึ่ง ซึ่งรวมเข้ากับตัวเพลงเอง คอนแชร์โตทั้งสี่นี้ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของคอนแชร์โต 12 รายการที่มีชื่อเรียกว่า Contest of Harmony and Invention ปัจจุบันถือว่าเป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ของรายการเพลง

ประเพณีนี้ยังคงดำเนินต่อไปและพัฒนาโดยฮันเดลและบาค นอกจากนี้ ฮันเดลยังแต่งคอนแชร์โต 16 ออร์แกน และบาค นอกเหนือจากคอนแชร์โตดั้งเดิมสำหรับไวโอลินหนึ่งและสองตัวในขณะนั้นแล้ว ยังเขียนคอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นเครื่องดนตรีของกลุ่มเบสโซคอนติเนนโต . ดังนั้นบาคจึงถือได้ว่าเป็นบรรพบุรุษของคอนแชร์โตเปียโนสมัยใหม่

ซิมโฟนี

ซิมโฟนีในภาษากรีกหมายถึง "ความสอดคล้อง", "เสียงร่วม" ในประเพณีกรีกโบราณและยุคกลาง ซิมโฟนีถูกเรียกว่าความไพเราะ (ในภาษาดนตรีในปัจจุบัน - ความสอดคล้อง) และในสมัยนี้ เครื่องดนตรีต่างๆ เริ่มถูกเรียกว่าซิมโฟนี เช่น ขลุ่ย พิณล้อ พิณหรือ บริสุทธิ์. และเฉพาะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVI-XVII คำว่า "ซิมโฟนี" เริ่มถูกใช้เป็นชื่อขององค์ประกอบสำหรับเสียงและเครื่องดนตรี ตัวอย่างแรกสุดของซิมโฟนีดังกล่าว ได้แก่ Musical Symphonies โดย Lodovico Grossi da Viadana (1610), Sacred Symphonies โดย Giovanni Gabrieli (1615) และ Sacred Symphonies (op. 6, 1629 และ op. 10, 1649) โดย Heinrich Schütz โดยทั่วไป ในระหว่างยุคบาโรก การประพันธ์ที่หลากหลาย ทั้งด้านสงฆ์และฆราวาส ถูกเรียกว่าซิมโฟนี ซิมโฟนีส่วนใหญ่มักเป็นส่วนหนึ่งของวัฏจักรที่ใหญ่กว่า ด้วยการถือกำเนิดของประเภทของโอเปร่าอิตาลี ("โอเปร่าที่จริงจัง") ซึ่งเกี่ยวข้องกับชื่อ Scarlatti เป็นหลัก บทนำของโอเปร่าหรือที่เรียกว่าทาบทามเรียกว่าซิมโฟนีซึ่งมักจะอยู่ในสามส่วน: เร็ว - ช้าเร็ว. นั่นคือ "ซิมโฟนี" และ "ทาบทาม" เป็นเวลานานที่มีความหมายเดียวกัน อย่างไรก็ตาม ในอุปรากรอิตาลี ประเพณีการเรียกทาบทามว่าซิมโฟนีรอดมาได้จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 (ดูโอเปร่ายุคแรกๆ ของแวร์ดี เช่น เนบูคัดเนสซาร์)

นับตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา แฟชั่นสำหรับการแสดงซิมโฟนีที่มีหลายภาคส่วนได้เกิดขึ้นทั่วยุโรป พวกเขามีบทบาทสำคัญในชีวิตสาธารณะและในการบริการของคริสตจักร อย่างไรก็ตามแหล่งกำเนิดและการแสดงซิมโฟนีหลักคือที่ดินของขุนนาง ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 (เวลาของการปรากฏตัวของซิมโฟนีไฮด์ครั้งแรก) มีศูนย์กลางหลักสามแห่งสำหรับการแสดงซิมโฟนีในยุโรป - มิลาน, เวียนนาและมานไฮม์ ต้องขอบคุณกิจกรรมของศูนย์ทั้งสามแห่งนี้ แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Mannheim Court Chapel และนักประพันธ์เพลง เช่นเดียวกับผลงานของ Joseph Haydn ที่ทำให้แนวเพลงซิมโฟนีบานสะพรั่งเป็นครั้งแรกในยุโรปในขณะนั้น

โบสถ์มันไฮม์

Jan Stamitzวิกิมีเดียคอมมอนส์

โบสถ์ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้ผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาร์ลส์ที่ 3 ฟิลิปในไฮเดลเบิร์กและหลังจากปี ค.ศ. 1720 ยังคงมีอยู่ในมันไฮม์ถือได้ว่าเป็นต้นแบบแรกของวงออเคสตราสมัยใหม่ แม้กระทั่งก่อนจะย้ายไปมานไฮม์ โบสถ์ก็มีจำนวนมากกว่าที่อื่นในอาณาเขตโดยรอบ ในมานไฮม์ มันเติบโตขึ้นอีกมาก และเนื่องจากการมีส่วนร่วมของนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ที่สุดในเวลานั้น คุณภาพของการแสดงก็ดีขึ้นอย่างมากเช่นกัน ตั้งแต่ปี 1741 คณะนักร้องประสานเสียงนำโดย Jan Stamitz นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวเช็ก นับจากนี้เป็นต้นมาเราได้พูดคุยเกี่ยวกับการสร้างโรงเรียนมานไฮม์ วงออเคสตราประกอบด้วยเครื่องสาย 30 เครื่อง, เครื่องเป่าลมคู่: ขลุ่ยสองขลุ่ย, โอโบสองตัว, คลาริเน็ตสองอัน (จากนั้นยังคงเป็นแขกรับเชิญที่หายากในวงออเคสตรา), บาสซูนสองตัว, แตรสองถึงสี่แตร, ทรัมเป็ตสองตัวและกลองทิมปานี - เป็นองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่สำหรับเวลานั้น ตัวอย่างเช่นในโบสถ์ของ Prince Esterhazy ซึ่ง Haydn ทำหน้าที่เป็นหัวหน้าวงดนตรีมาเกือบ 30 ปีในช่วงเริ่มต้นกิจกรรมของเขาจำนวนนักดนตรีไม่เกิน 13-16 คนที่ Count Morzin ซึ่ง Haydn รับใช้เมื่อหลายปีก่อน Esterhazy และเขียนซิมโฟนีแรกของเขามีนักดนตรีมากขึ้น น้อยกว่า - ที่นั่นตัดสินโดยคะแนนของ Haydn ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่มีแม้แต่ขลุ่ย ในช่วงปลายทศวรรษ 1760 โบสถ์ Esterhazy ได้ขยายไปถึงนักดนตรี 16-18 คน และในช่วงกลางทศวรรษ 1780 ก็ได้บรรลุถึง จำนวนสูงสุด- นักดนตรี 24 คน และในมานไฮม์มีคนเล่นเครื่องสายเพียง 30 คน

แต่คุณธรรมหลักของผู้เชี่ยวชาญ Mannheim ไม่ใช่ปริมาณ แต่เป็นคุณภาพที่เหลือเชื่อและความสอดคล้องกันของประสิทธิภาพโดยรวมในขณะนั้น Jan Stamitz และหลังจากเขานักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ที่เขียนเพลงสำหรับวงออเคสตรานี้ พบว่ามีเอฟเฟกต์ที่ซับซ้อนมากขึ้นเรื่อย ๆ จนถึงขณะนี้ไม่เคยได้ยินมาก่อนซึ่งมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของโบสถ์ Mannheim: เสียงที่เพิ่มขึ้นร่วมกัน (เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ) การจางหายไปของเสียง (diminuendo) การหยุดชะงักร่วมอย่างกะทันหันของเกม (หยุดชั่วคราวทั่วไป) เช่นเดียวกับบุคคลดนตรีประเภทต่างๆเช่น: จรวด Mannheim (การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของทำนองตามเสียงของคอร์ดที่สลาย) นก Mannheim (เลียนแบบของนกร้องเจี๊ยก ๆ ในทางเดินเดี่ยว) หรือจุดสุดยอดของ Mannheim (การเตรียมพร้อมสำหรับการเพิ่มขึ้นและจากนั้นในช่วงเวลาที่เด็ดขาดคือการหยุดเล่นเครื่องลมทั้งหมดและการเล่นที่กระฉับกระเฉงของสายบางสาย) ผลกระทบหลายอย่างเหล่านี้พบชีวิตที่สองในผลงานของ Mozart และ Beethoven รุ่นน้องของ Mannheim และบางส่วนยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน

นอกจากนี้ สตามิทซ์และเพื่อนร่วมงานของเขาค่อยๆ ค้นพบรูปแบบในอุดมคติของซิมโฟนีสี่ส่วน ซึ่งได้มาจากต้นแบบแบบบาโรกของโซนาตาของโบสถ์และแชมเบอร์โซนาตา ตลอดจนการทาบทามโอเปร่าของอิตาลี ไฮเดนมาถึงวัฏจักรสี่ส่วนเดียวกันอันเป็นผลมาจากการทดลองหลายปีของเขา โมสาร์ทวัยเยาว์มาเยือนเมืองมานน์ไฮม์ในปี 1777 และประทับใจอย่างมากกับดนตรีและวงออเคสตราที่เขาได้ยินที่นั่น กับ Christian Cannabih ซึ่งเป็นผู้นำวงออเคสตราหลังจากการตายของ Stamitz โมสาร์ทมีมิตรภาพส่วนตัวตั้งแต่มาเยือนมันไฮม์

นักดนตรีในศาล

ตำแหน่งของนักดนตรีในศาลที่ได้รับเงินเดือนนั้นมีประโยชน์มากในเวลานั้น แต่แน่นอนว่าจำเป็นอย่างมาก พวกเขาทำงานหนักมากและต้องเติมเต็มความปรารถนาทางดนตรีของอาจารย์ของพวกเขา พวกเขาสามารถรับได้ตอนสามหรือสี่โมงเช้าและบอกว่าเจ้าของต้องการดนตรีเพื่อความบันเทิง - เพื่อฟังเพลงบางประเภท นักดนตรีที่ยากจนต้องเข้าไปในห้องโถง ตั้งตะเกียงและเล่น บ่อยครั้งที่นักดนตรีทำงานเจ็ดวันต่อสัปดาห์ - แน่นอนว่าไม่มีแนวคิดเช่นอัตราการผลิตหรือวันทำงาน 8 ชั่วโมงสำหรับพวกเขา (ตามมาตรฐานสมัยใหม่นักดนตรีวงดนตรีไม่สามารถทำงานเกิน 6 ชั่วโมงต่อวัน ในการซ้อมคอนเสิร์ตหรือการแสดงละคร) เราต้องเล่นทั้งวัน เลยเล่นทั้งวัน อย่างไรก็ตาม เจ้าของ คนรักดนตรีบ่อยครั้งที่พวกเขาเข้าใจว่านักดนตรีไม่สามารถเล่นได้โดยไม่ต้องหยุดพักเป็นเวลาหลายชั่วโมง - เขาต้องการทั้งอาหารและการพักผ่อน

รายละเอียดของภาพวาดโดย Nicola Maria Rossi 1732ภาพ Bridgeman/Fotodom

โบสถ์ Haydn และ Prince Esterhazy

ในตำนานเล่าว่า Haydn ได้เขียนเพลง Farewell Symphony อันโด่งดัง ดังนั้นเขาจึงบอกใบ้ถึง Esterhazy อาจารย์ของเขาเกี่ยวกับการพักผ่อนที่สัญญาไว้แต่ถูกลืม ในตอนจบ นักดนตรีทุกคนลุกขึ้นยืน ดับเทียนแล้วเดินออกไป - คำใบ้นั้นค่อนข้างเข้าใจได้ และเจ้าของก็เข้าใจพวกเขาและปล่อยให้พวกเขาไปเที่ยว - ซึ่งพูดถึงเขาเป็นคนที่มีความเข้าใจลึกซึ้งและมีอารมณ์ขัน แม้ว่าจะเป็นนิยาย แต่ก็สื่อถึงจิตวิญญาณของยุคนั้นได้อย่างน่าทึ่ง - ในบางครั้ง การบอกใบ้ถึงความผิดพลาดของทางการอาจทำให้ผู้แต่งต้องเสียค่าใช้จ่ายค่อนข้างมาก

เนื่องจากผู้อุปถัมภ์ของ Haydn เป็นคนที่ค่อนข้างมีการศึกษาและอ่อนไหวต่อดนตรี เขาจึงสามารถวางใจได้ว่าการทดลองใดๆ ของเขา ไม่ว่าจะเป็นการแสดงซิมโฟนีในการเคลื่อนไหวหกหรือเจ็ดครั้ง หรือความซับซ้อนของโทนเสียงที่น่าเหลือเชื่อในตอนที่เรียกว่าพัฒนาการก็ตาม จะไม่เป็นเช่นนั้น ได้รับการประณาม ดูเหมือนตรงกันข้าม ยิ่งรูปแบบซับซ้อนและผิดปกติมากเท่าไร พวกเขาก็ยิ่งชอบมากขึ้นเท่านั้น
อย่างไรก็ตาม Haydn กลายเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนแรกที่ปลดปล่อยตัวเองจากความรู้สึกสบาย ๆ ที่ดูเหมือนสบาย ๆ แต่โดยทั่วไปแล้วการดำรงอยู่ของข้าราชบริพารโดยทั่วไป เมื่อ Nikolaus Esterházy เสียชีวิต ทายาทของเขาได้ยุบวงออเคสตรา แม้ว่าเขาจะยังคงดำรงตำแหน่งของ Haydn และเงินเดือน (ลดลง) ของหัวหน้าวงดนตรี ดังนั้น Haydn จึงได้รับการลาโดยไม่ตั้งใจและใช้ประโยชน์จากคำเชิญของผู้แสดง Johann Peter Salomon ไปลอนดอนเมื่ออายุค่อนข้างมาก ที่นั่นเขาได้สร้างรูปแบบวงดนตรีใหม่ขึ้นมา เพลงของเขาแข็งแกร่งและเรียบง่ายขึ้น การทดลองถูกยกเลิก เนื่องมาจากความจำเป็นในเชิงพาณิชย์ เขาพบว่าคนทั่วไปในอังกฤษมีการศึกษาน้อยกว่าผู้ฟังที่เก่งกาจในคฤหาสน์เอสเตอร์ฮาซีมาก สำหรับเธอ คุณต้องเขียนให้สั้นลง ชัดเจนขึ้น และกระชับมากขึ้น แม้ว่าซิมโฟนีแต่ละซิมโฟนีที่เขียนโดยเอสเตอร์ฮาซี่จะมีลักษณะเฉพาะ แต่ซิมโฟนีในลอนดอนก็มีประเภทเดียวกัน ทั้งหมดถูกเขียนขึ้นในสี่ส่วนเท่านั้น (ในขณะนั้นเป็นรูปแบบซิมโฟนีที่พบบ่อยที่สุดซึ่งนักประพันธ์เพลงของโรงเรียน Mannheim และ Mozart ใช้อย่างเต็มที่แล้ว): โซนาตาอัลเลโกรบังคับในส่วนแรก ส่วนที่สองช้ามากหรือน้อย minuet และตอนจบที่รวดเร็ว ประเภทของวงออเคสตราและรูปแบบดนตรี ตลอดจนประเภทของการพัฒนาทางเทคนิคของธีมที่ใช้ในซิมโฟนีสุดท้ายของ Haydn ได้กลายเป็นแบบอย่างของเบโธเฟนไปแล้ว

ปลายศตวรรษที่ 18 - 19: โรงเรียนเวียนนาและเบโธเฟน

ภายในโรงละคร an der Wien ในกรุงเวียนนา แกะสลัก. ศตวรรษที่ 19รูปภาพ Bigeman / Fotodom

มันจึงเกิดขึ้นที่ Haydn อยู่ได้นานกว่า Mozart ซึ่งอายุน้อยกว่าเขา 24 ปี และได้พบกับจุดเริ่มต้นของอาชีพของ Beethoven Haydn ทำงานเกือบทั้งชีวิตในฮังการีในปัจจุบัน และในช่วงสุดท้ายของชีวิตเขาประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามในลอนดอน Mozart มาจาก Salzburg และ Beethoven เป็น Fleming ที่เกิดใน Bonn แต่เส้นทางสร้างสรรค์ของทั้งสามยักษ์ใหญ่ด้านดนตรีเชื่อมโยงกับเมืองซึ่งในรัชสมัยของจักรพรรดินีมาเรียเทเรซ่าและจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 ลูกชายของเธอก็เข้ารับตำแหน่ง ทุนดนตรีสันติภาพกับเวียนนา ดังนั้น ผลงานของ Haydn, Mozart และ Beethoven จึงถูกจารึกไว้ในประวัติศาสตร์ว่าเป็น "Viennese classic style" จริงอยู่ ควรสังเกตว่าผู้เขียนเองไม่ได้คิดว่าตัวเองเป็น "คลาสสิก" และเบโธเฟนถือว่าตัวเองเป็นนักปฏิวัติผู้บุกเบิกและแม้แต่ผู้ทำลายประเพณี แนวความคิดของ "สไตล์คลาสสิก" อย่างแท้จริงคือการประดิษฐ์ขึ้นในเวลาต่อมามาก ( กลาง XIXศตวรรษ). คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้คือความสามัคคีที่กลมกลืนกันของรูปแบบและเนื้อหา ความสมดุลของเสียงในกรณีที่ไม่มีความตะกละแบบบาโรกและความกลมกลืนของสถาปัตยกรรมดนตรีในสมัยโบราณ

ซิมโฟนีลอนดอนของ Haydn, ซิมโฟนีสุดท้ายของ Mozart และซิมโฟนีทั้งหมดของ Beethoven ถือเป็นความสำเร็จสูงสุดของรูปแบบคลาสสิกแบบเวียนนาในด้านดนตรีออเคสตรา ในช่วงปลายซิมโฟนีของ Haydn และ Mozart ศัพท์ดนตรีและไวยากรณ์ของรูปแบบคลาสสิกได้รับการจัดตั้งขึ้นในที่สุดเช่นเดียวกับองค์ประกอบของวงออเคสตราซึ่งตกผลึกอยู่แล้วในโรงเรียน Mannheim และยังถือว่าเป็นคลาสสิก: กลุ่มสตริง (แบ่งออกเป็น ไวโอลินตัวแรกและตัวที่สอง วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส) เครื่องเป่าไม้แบบคู่ โดยปกติแล้วจะเป็นสองขลุ่ย โอโบสองตัว บาสซูนสองตัว อย่างไรก็ตาม เริ่มจาก ผลงานล่าสุด Mozart คลาริเน็ตก็เข้าสู่วงออเคสตราอย่างแน่นหนาและเป็นที่ยอมรับ ความหลงใหลในคลาริเน็ตของ Mozart ส่วนใหญ่มีส่วนทำให้การจำหน่ายเครื่องดนตรีนี้แพร่หลายโดยเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มลมของวงออเคสตรา โมสาร์ทได้ยินเสียงคลาริเน็ตในปี ค.ศ. 1778 ในมานไฮม์ในการแสดงซิมโฟนีของสตามิทซ์และเขียนจดหมายถึงพ่อของเขาอย่างชื่นชมว่า "โอ้ ถ้าเรามีคลาริเน็ต!" - ความหมายโดย "เรา" โบสถ์ Salzburg Court ซึ่งเปิดตัวในปี 1804 เท่านั้น อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่าในปี ค.ศ. 1769 มีการใช้คลาริเน็ตเป็นประจำในวงดนตรีของเจ้าชาย-อัครสังฆราช

เขามักจะใส่เขาสองอันเข้าไปในเครื่องเป่าลมไม้ที่กล่าวถึงแล้ว และบางครั้งก็มีแตรและกลองทิมปานีสองตัว ซึ่งเป็นเพลงไพเราะจากกองทัพ แต่เครื่องมือเหล่านี้ถูกใช้ในซิมโฟนีเท่านั้น คีย์ซึ่งอนุญาตให้ใช้ท่อธรรมชาติ ซึ่งมีอยู่ในการปรับจูนเพียงไม่กี่ครั้ง โดยปกติแล้วใน D หรือ C major แตรบางครั้งยังใช้ในซิมโฟนีที่เขียนในจีเมเจอร์ แต่ไม่เคยเล่นกลอง ตัวอย่างของซิมโฟนีที่มีแตร แต่ไม่มี timpani คือ Symphony No. 32 ของ Mozart ส่วน timpani ถูกเพิ่มเข้าไปในคะแนนในภายหลังโดยบุคคลที่ไม่ปรากฏชื่อและถือว่าไม่ถูกต้อง สันนิษฐานได้ว่าความไม่ชอบของผู้เขียนในศตวรรษที่ 18 สำหรับ G major ที่เกี่ยวข้องกับ timpani นั้นอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าสำหรับ Baroque timpani (ไม่ได้ปรับด้วยคันเหยียบที่ทันสมัยสะดวก แต่ด้วยสกรูปรับความตึงแบบแมนนวล) ดนตรีเป็น ตามธรรมเนียมเขียน ประกอบด้วยโน้ตเพียง 2 ตัว คือ ยาชูกำลัง (ระดับ 1 - โทนเสียง) และแบบเด่น (โทนเสียงที่ 5) ซึ่งถูกเรียกให้รองรับท่อนที่เล่นโน้ตเหล่านี้ แต่โน้ตหลักของคีย์ G เมเจอร์ ในอ็อกเทฟบนของ timpani นั้นฟังดูแหลมเกินไปและในส่วนล่าง - อู้อี้เกินไป ดังนั้น timpani ใน G major จึงหลีกเลี่ยงเนื่องจากความไม่ลงรอยกัน

เครื่องดนตรีอื่นๆ ทั้งหมดถือว่าใช้ได้เฉพาะในโอเปร่าและบัลเลต์เท่านั้น และบางเครื่องก็ฟังแม้ในโบสถ์ (เช่น ทรอมโบนและแตรเบสในบังสุกุล ทรอมโบน แตรเบส และปิกโคโลใน The Magic Flute เพลงเพอร์คัชชัน "Janissary" ใน "The Abduction from seraglio" หรือ mandolin ใน "Don Giovanni" ของ Mozart, เขาเบสและพิณในบัลเล่ต์ของ Beethoven "The Works of Prometheus")

คอนติเนนโตของ Basso ค่อยๆ เลิกใช้ ตอนแรกหายไปจากดนตรีออร์เคสตรา แต่ยังคงอยู่ในโอเปร่าเพื่อประกอบบทสวดเป็นระยะเวลาหนึ่ง (ดู The Marriage of Figaro, All Women Do It และ Don Giovanni ของ Mozart แต่ภายหลัง - เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ศตวรรษในละครตลกบางเรื่องโดย Rossini และ Donizetti)

หาก Haydn ก้าวเข้าสู่ประวัติศาสตร์ในฐานะนักประดิษฐ์ดนตรีไพเราะที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Mozart ก็ทดลองกับวงออเคสตราในโอเปร่าของเขามากกว่าในซิมโฟนีของเขา หลังมีความเข้มงวดมากขึ้นอย่างหาที่เปรียบมิได้ในการปฏิบัติตามบรรทัดฐานของเวลานั้น แม้ว่าจะมีข้อยกเว้น: ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนีปรากหรือปารีสไม่มี minuet นั่นคือพวกเขาประกอบด้วยเพียงสามส่วน มีแม้แต่ซิมโฟนีการเคลื่อนไหวครั้งเดียวหมายเลข 32 ใน G major (อย่างไรก็ตามมันถูกสร้างขึ้นจากแบบจำลองของการทาบทามของอิตาลีในสามส่วนเร็ว - ช้า - เร็วนั่นคือมันสอดคล้องกับบรรทัดฐานที่เก่ากว่าก่อนไฮดเนียน) . แต่ในทางกลับกัน ซิมโฟนีนี้มีส่วนเกี่ยวข้องมากถึงสี่เขา (เช่นเดียวกับในซิมโฟนีหมายเลข 25 ใน G minor เช่นเดียวกับในโอเปร่า Idomeneo) คลาริเน็ตถูกนำมาใช้ใน Symphony No. 39 (ความรักของ Mozart สำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้ได้รับการกล่าวถึงแล้ว) แต่ไม่มีโอโบแบบดั้งเดิม และซิมโฟนีหมายเลข 40 ยังมีอยู่ในสองเวอร์ชัน - มีและไม่มีคลาริเน็ต

ในแง่ของพารามิเตอร์ที่เป็นทางการ Mozart เคลื่อนไหวในซิมโฟนีส่วนใหญ่ของเขาตามแผนของ Mannheim และ Haydnian - แน่นอนทำให้ลึกซึ้งและปรับแต่งพวกเขาด้วยพลังของอัจฉริยะของเขา แต่ไม่มีการเปลี่ยนแปลงสิ่งใดที่จำเป็นในระดับของโครงสร้างหรือองค์ประกอบ อย่างไรก็ตาม ใน ปีที่แล้วชีวิตของ Mozart เริ่มศึกษาอย่างละเอียดและลึกซึ้งถึงผลงานของนักพูดโพลีโฟนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต - Handel และ Bach ด้วยเหตุนี้ เท็กซ์เจอร์ของเพลงของเขาจึงถูกเสริมแต่งด้วยเทคนิคโพลีโฟนิกหลากหลายรูปแบบมากขึ้นเรื่อยๆ ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการผสมผสานระหว่างโกดังแบบโฮโมโฟนิกตามแบบฉบับของซิมโฟนีแห่งปลายศตวรรษที่ 18 กับความทรงจำประเภท Bach คือซิมโฟนีลำดับที่ 41 ครั้งสุดท้ายของโมสาร์ท "ดาวพฤหัสบดี" มันเริ่มต้นการฟื้นตัวของพหุเสียงเป็นวิธีการพัฒนาที่สำคัญที่สุดในประเภทไพเราะ จริงอยู่ Mozart ยังเดินตามทางที่คนอื่นพ่ายแพ้ต่อหน้าเขา: ตอนจบของสองซิมโฟนีโดย Michael Haydn หมายเลข 39 (1788) และ 41 (1789) แน่นอน รู้จักกับโมสาร์ทถูกเขียนในรูปแบบความทรงจำเช่นกัน

ภาพเหมือนของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน โจเซฟ คาร์ล สไตเลอร์ 1820วิกิมีเดียคอมมอนส์

บทบาทของเบโธเฟนในการพัฒนาวงออเคสตรานั้นพิเศษ ดนตรีของเขาเป็นการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างสองยุคสมัย: คลาสสิกและโรแมนติก หากใน First Symphony (1800) Beethoven เป็นนักเรียนที่ซื่อสัตย์และเป็นผู้ติดตามของ Haydn และในบัลเล่ต์ The Creations of Prometheus (1801) เขาเป็นผู้สืบทอดประเพณีของ Gluck จากนั้นในสาม วีรสตรีซิมโฟนี(1804) มีการคิดใหม่ครั้งสุดท้ายและไม่อาจเพิกถอนได้เกี่ยวกับประเพณีไฮดเนี่ยน-โมสาร์เทียนในคีย์ที่ทันสมัยกว่า The Second Symphony (1802) ภายนอกยังคงตามแบบคลาสสิก แต่ก็มีนวัตกรรมมากมาย และสิ่งสำคัญคือการแทนที่ minuet แบบดั้งเดิมด้วย scherzo ชาวนาที่หยาบคาย ("joke" ในภาษาอิตาลี) ตั้งแต่นั้นมา ไมนูเอตก็ไม่พบในซิมโฟนีของเบโธเฟนอีกต่อไป ยกเว้นการใช้คำว่า "minuet" ที่ชวนให้นึกถึงความหลังอย่างแดกดันในชื่อเรื่องของการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของ Eighth Symphony - "ในจังหวะของ minuet" (โดย เวลาที่ Eighth แต่งขึ้น - 1812 - minuets เลิกใช้ไปทุกที่แล้ว และ Beethoven ที่นี่ใช้การอ้างอิงถึงประเภทนี้อย่างชัดเจนว่าเป็นสัญญาณของ "อดีตอันแสนหวาน แต่ไกล") แต่ยังมีความหลากหลายของความแตกต่างแบบไดนามิกและการถ่ายโอนธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกไปยังเชลโลและเบสสองครั้งในขณะที่ไวโอลินมีบทบาทที่ผิดปกติสำหรับพวกเขาในฐานะผู้บรรเลงและการแยกหน้าที่ของเชลโลและดับเบิลบ่อยครั้ง เบส (ซึ่งก็คือการปลดปล่อยดับเบิลเบสให้เป็นเสียงที่เป็นอิสระ) และการขยายเสียง การพัฒนาโคดาในส่วนที่รุนแรง (ในทางปฏิบัติจะกลายเป็นการพัฒนาขั้นที่สอง) ล้วนแต่เป็นร่องรอยของรูปแบบใหม่ ซึ่งพบว่ามีการพัฒนาที่น่าทึ่งในภายภาคหน้า ซิมโฟนีที่สาม

ในเวลาเดียวกัน ซิมโฟนีที่สองเป็นจุดเริ่มต้นของซิมโฟนีที่ตามมาเกือบทั้งหมดของเบโธเฟน โดยเฉพาะอย่างยิ่งซิมโฟนีที่สามและหก เช่นเดียวกับซิมโฟนีที่เก้า ในบทนำของส่วนแรกของบทที่สอง มีลวดลาย D-minor สองหยดที่คล้ายกับธีมหลักของส่วนแรกของส่วนที่เก้า และส่วนที่เชื่อมโยงของตอนสุดท้ายของวินาทีนั้นเกือบจะเป็นภาพร่างของ “Ode to Joy” จากตอนจบของเก้าคนเดียวกัน แม้จะใช้เครื่องมือเหมือนกันก็ตาม

ซิมโฟนีที่สามเป็นซิมโฟนีที่ยาวที่สุดและซับซ้อนที่สุดที่เขียนขึ้น ทั้งในแง่ของภาษาดนตรีและการศึกษาเนื้อหาที่เข้มข้นที่สุด ประกอบด้วยไดนามิกคอนทราสต์ที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนในสมัยนั้น (จากเปียโนสามตัวถึงสามฟอร์เต!) และไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนแม้จะเปรียบเทียบกับโมสาร์ทก็ตาม ทำงานเกี่ยวกับ "การเปลี่ยนแปลงระดับเซลล์" ของแรงจูงใจดั้งเดิม ซึ่งไม่ได้มีอยู่เฉพาะในแต่ละการเคลื่อนไหว แต่อย่างที่มันเป็น แทรกซึมตลอดทั้งวัฏจักรสี่ส่วน ทำให้เกิดความรู้สึกของการเล่าเรื่องเดียวและแบ่งแยกไม่ได้ Heroic Symphony ไม่ใช่ลำดับที่กลมกลืนกันของส่วนที่ตัดกันของวัฏจักรบรรเลง แต่เป็นแนวเพลงใหม่ทั้งหมด อันที่จริง นวนิยายซิมโฟนีเรื่องแรกในประวัติศาสตร์ดนตรี!

การใช้วงออเคสตราของเบโธเฟนไม่ได้เป็นเพียงผู้เชี่ยวชาญเท่านั้น แต่ยังผลักดันให้นักบรรเลงเครื่องดนตรีไปถึงขีดจำกัด และมักจะก้าวข้ามขีดจำกัดทางเทคนิคที่เป็นไปได้ของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น วลีที่โด่งดังของเบโธเฟนที่ส่งถึง Ignaz Schuppanzig นักไวโอลินและผู้นำของ Count Lichnowsky Quartet นักแสดงคนแรกของวง Beethoven หลายคน เพื่อตอบสนองต่อคำวิจารณ์ของเขาเกี่ยวกับ "ความเป็นไปไม่ได้" ของข้อความของ Beethoven บทหนึ่ง แสดงให้เห็นถึงทัศนคติของนักประพันธ์ที่มีต่อปัญหาทางเทคนิคอย่างน่าทึ่ง ในเพลง: "ฉันสนใจไวโอลินที่โชคร้ายของเขาอย่างไรเมื่อพระวิญญาณพูดกับฉัน!" แนวคิดทางดนตรีต้องมาก่อนเสมอ และหลังจากนั้นก็ควรมีวิธีที่จะนำไปใช้ได้ แต่ในขณะเดียวกัน เบโธเฟนก็ตระหนักดีถึงความเป็นไปได้ของวงออเคสตราในยุคของเขา อย่างไรก็ตาม ความคิดเห็นอย่างกว้างขวางเกี่ยวกับผลเชิงลบของอาการหูหนวกของเบโธเฟน ซึ่งถูกกล่าวหาว่าสะท้อนให้เห็นในการประพันธ์เพลงในภายหลังของเขา และด้วยเหตุนี้จึงให้เหตุผลว่าการบุกรุกในคะแนนของเขาในภายหลังในรูปแบบของการรีทัชต่างๆ เป็นเพียงตำนานเท่านั้น เพียงพอที่จะฟังการแสดงที่ดีของซิมโฟนีหรือควอเตตตอนปลายด้วยเครื่องดนตรีของแท้เพื่อให้แน่ใจว่าไม่มีข้อบกพร่อง แต่มีทัศนคติในอุดมคติสูงและไม่ประนีประนอมต่องานศิลปะของพวกเขาโดยอิงจากความรู้โดยละเอียดเกี่ยวกับเครื่องมือในสมัยนั้น และความสามารถของพวกเขา ถ้าเบโธเฟนมีวงออเคสตราสมัยใหม่ที่มีความสามารถทางเทคนิคสมัยใหม่อยู่ในมือ เขาก็คงจะเขียนในรูปแบบที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ในแง่ของเครื่องมือวัด ในสี่ซิมโฟนีแรกของเขา Beethoven ยังคงยึดมั่นในมาตรฐานของซิมโฟนีในภายหลังของ Haydn และ Mozart แม้ว่า Heroic Symphony จะใช้เขาสามเขาแทนเขาสองคนหรือสี่เขาที่หายาก แต่ตามประเพณี นั่นคือเบโธเฟนตั้งคำถามถึงหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ของการปฏิบัติตามประเพณีใด ๆ เขาต้องการเสียงแตรที่สามในวงออเคสตรา - และเขาก็แนะนำมัน

และแล้วใน Fifth Symphony (1808) เบโธเฟนได้แนะนำเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ทหาร (หรือการแสดงละคร) ในตอนจบ - ปิกโคโลฟลุต contrabassoon และทรอมโบน ปีก่อน Beethoven นักแต่งเพลงชาวสวีเดน Joachim Nicholas Eggert ใช้ทรอมโบนใน Symphony ของเขาใน E-flat major (1807) และในทั้งสามส่วนและไม่ใช่แค่ในตอนจบเหมือนที่ Beethoven ทำ ดังนั้นในกรณีของทรอมโบน ฝ่ามือไม่ได้มีไว้สำหรับนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ แต่สำหรับเพื่อนร่วมงานที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าของเขา

ซิมโฟนีที่หก (อภิบาล) เป็นโปรแกรมรอบแรกในประวัติศาสตร์ของซิมโฟนี ซึ่งไม่เพียงแต่ซิมโฟนีเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแต่ละส่วนด้วย นำหน้าด้วยคำอธิบายของโปรแกรมภายในบางประเภท - คำอธิบายของความรู้สึกของ ชาวเมืองตกสู่ธรรมชาติ อันที่จริง คำอธิบายเกี่ยวกับธรรมชาติในดนตรีไม่ใช่เรื่องใหม่ตั้งแต่สมัยบาโรก แต่แตกต่างจาก The Seasons ของ Vivaldi และตัวอย่างเพลงแนวบาโรกอื่น ๆ ของโปรแกรม Beethoven ไม่ได้จัดการกับการเขียนเสียงที่จบในตัวเอง The Sixth Symphony ในคำพูดของเขาเองคือ ซิมโฟนีอภิบาลเป็นเพลงเดียวในผลงานของเบโธเฟนที่มีการละเมิดวงจรซิมโฟนิกสี่ส่วน: ขบวนการที่สี่ตามมาโดยไม่หยุดชะงัก ในรูปแบบอิสระ มีชื่อว่าพายุฝนฟ้าคะนอง และหลังจากนั้น ตอนจบก็ไม่มีการหยุดชะงักเช่นกัน ดังต่อไปนี้ ดังนั้นจึงมีห้าการเคลื่อนไหวในซิมโฟนีนี้

แนวทางของเบโธเฟนในการเรียบเรียงซิมโฟนีนี้น่าสนใจอย่างยิ่ง: ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกและครั้งที่สอง เขาใช้เฉพาะเครื่องสาย ลมไม้ และเขาสองเขาอย่างเคร่งครัด ใน scherzo แตรสองตัวเชื่อมต่อกับพวกเขา ในพายุฝนฟ้าคะนอง timpani, ปิกโคโลฟลุตและทรอมโบนสองอันเข้าร่วมและในตอนจบ timpani และ piccolo ก็เงียบลงอีกครั้งและทรัมเป็ตและทรอมโบนจะหยุดทำหน้าที่ประโคมแบบดั้งเดิม และรวมเข้ากับคณะนักร้องประสานเสียงลมทั่วไปของลัทธิเทววิทยา

จุดสุดยอดของการทดลองของเบโธเฟนในด้านการประสานเสียงคือซิมโฟนีที่เก้า: ในตอนจบ ไม่เพียงแต่ทรอมโบนที่กล่าวถึงแล้ว พิกโกโลฟลุตและคอนทราบาสซูนเท่านั้น แต่ยังใช้เครื่องเพอร์คัชชัน "ตุรกี" ทั้งชุด - กลองเบส ฉาบ และสามเหลี่ยม และที่สำคัญที่สุด - นักร้องประสานเสียงและศิลปินเดี่ยว! อย่างไรก็ตาม ทรอมโบนในตอนจบของเก้ามักใช้เป็นเครื่องขยายเสียงของส่วนประสานเสียงและนี่คือการอ้างอิงถึงประเพณีของคริสตจักรและดนตรี oratorio ฆราวาสโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการหักเหของ Haydnian-Mozartian (ดู " Creation of the World" หรือ "The Seasons" ของ Haydn, Mass before minor หรือ Mozart's Requiem) ซึ่งหมายความว่าซิมโฟนีนี้เป็นการผสมผสานของประเภทซิมโฟนีและ oratorio ทางจิตวิญญาณ ซึ่ง Schiller เขียนขึ้นบนบทกวีและข้อความฆราวาสเท่านั้น นวัตกรรมที่เป็นทางการที่สำคัญอีกประการหนึ่งของ Ninth Symphony คือการจัดเรียงใหม่ของการเคลื่อนไหวช้าและ scherzo Scherzo ตัวที่เก้าซึ่งอยู่ในอันดับที่สองไม่ได้เล่นบทบาทของความแตกต่างที่ร่าเริงซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของตอนจบอีกต่อไป แต่กลายเป็นความต่อเนื่อง "ทหาร" ที่รุนแรงและสมบูรณ์ของส่วนแรกที่น่าเศร้า และการเคลื่อนไหวครั้งที่สามที่ช้ากลายเป็นศูนย์กลางทางปรัชญาของซิมโฟนีซึ่งตกลงมาอย่างแม่นยำบนโซนของส่วนสีทอง - ครั้งแรก แต่ไม่เคยเป็นกรณีสุดท้ายในประวัติศาสตร์ของดนตรีไพเราะ

ด้วยซิมโฟนีที่เก้า (1824) เบโธเฟนกระโดดเข้าสู่ ยุคใหม่. สิ่งนี้เกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่ร้ายแรงที่สุด - ด้วยการเปลี่ยนผ่านขั้นสุดท้ายจากการตรัสรู้ไปสู่ยุคอุตสาหกรรมใหม่ เหตุการณ์แรกเกิดขึ้น 11 ปีก่อนสิ้นศตวรรษก่อนหน้า เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นโดยตัวแทนทั้งสามของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา เรากำลังพูดถึงการปฏิวัติฝรั่งเศสอย่างแน่นอน

มีคริสตจักรคาทอลิกที่ดำเนินการอยู่สามแห่งในมอสโก หนึ่งในนั้นตั้งอยู่ไม่ไกลจาก Garden Ring - บนถนน Malaya Gruzinskaya อันเงียบสงบ นี่คือโบสถ์พระนางมารีอาปฏิสนธินิรมล

และถึงแม้ว่าอาคารในตอนแรกจะดูเหมือนเป็นการรีเมคทั่วๆ ไป ทว่ามันถูกสร้างขึ้นเมื่อหนึ่งศตวรรษก่อน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 จำนวนผู้นับถือศาสนาคาทอลิก (ส่วนใหญ่เป็นชาวโปแลนด์) ในมอสโกเกินสามหมื่นคน ผู้เชื่อสามารถเพิ่มทองคำได้ประมาณ 300,000 รูเบิลสำหรับวัดใหม่ - จำนวนมากสำหรับเวลานั้น แต่ก็ไม่ได้หมายความว่าทางดาราศาสตร์
ถนน Malaya Gruzinskaya ได้รับเลือกให้สร้างโดยไม่ได้ตั้งใจ: เจ้าหน้าที่สั่งให้สร้างโบสถ์คาทอลิกให้ห่างจากใจกลางเมืองและห่างไกลจากโบสถ์ออร์โธดอกซ์ที่สำคัญ

สถาปนิกคือ Foma Iosifovich Bogdanovich-Dvorzhetsky อาจารย์ที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก ฉันอ่านว่ามหาวิหารเวสต์มินสเตอร์กอธิคในลอนดอนเป็นแบบอย่างสำหรับส่วนหน้าอาคารหลัก ในความคิดของฉัน ความคล้ายคลึงไม่ชัดเจนเกินไป

โดมหลายเหลี่ยมมุมที่แปลกตาซึ่งประดับยอดด้วยยอดแหลมสูงทำให้นึกถึงมหาวิหารมิลาน
การก่อสร้างดำเนินการมาเป็นเวลานาน - จาก พ.ศ. 2442 ถึง พ.ศ. 2454 อย่างไรก็ตาม เป็นไปไม่ได้ที่จะทำงานให้เสร็จตามแผนที่วางไว้ แม้กระทั่งช่วงเริ่มต้นของการปฏิวัติ ไม่มีการสร้างป้อมปราการบนอาคารหลัก การตกแต่งภายในเป็นแบบนักพรต แม้แต่พื้นก็ยังเป็นคอนกรีตธรรมดา

การปฏิวัติไม่ได้ละเว้นพระวิหาร ทรัพย์สินของโบสถ์เจียมเนื้อเจียมตัวถูกปล้นบางส่วน ถูกทำลายบางส่วน และตัวโบสถ์เองถูกทำลายจนจำไม่ได้ ทั้งภายในและภายนอก โบสถ์แห่งนี้กลายเป็นหอพัก โดยสร้างกำแพงและเพดานเพิ่มเติม โดยเปลี่ยนทางเดินกลางอันกว้างขวางสามแห่งให้กลายเป็นบ้านนกสี่ชั้นของมนุษย์
คริสตจักรยังได้รับความเดือดร้อนจากการทิ้งระเบิดของมหาสงครามแห่งความรักชาติ อย่างไรก็ตาม เขาได้รับความเดือดร้อนมากขึ้นจากเจ้าของใหม่ของเขา: ในช่วงปลายยุค 40 ยอดแหลมหลักถูกรื้อถอนและในปี 1956 มีไฟแรงที่นี่ซึ่งทำให้โดมพังทลาย หลังจากนั้น หอพักได้รับการตั้งถิ่นฐานใหม่ และอาคารที่ชำรุดทรุดโทรมได้มอบให้แก่สถาบันวิจัยโครงการ Mosspetspromproject
พิธีศักดิ์สิทธิ์ครั้งแรกหลังจากพักหกสิบปีได้จัดขึ้นที่นี่ในเดือนพฤษภาคม 1991 แต่พิธีมิสซาไม่ได้อยู่ภายใน แต่บนขั้นบันไดของโบสถ์ที่ได้รับบาดเจ็บ
จากนั้นการต่อสู้เพื่อคืนพระวิหารก็เริ่มขึ้น มันดำเนินการตามกฎทั้งหมดของประเภทในประเทศ: ด้วยการนั่งยอง, ตำรวจปราบจลาจล, การเจรจากับเจ้าหน้าที่ ในท้ายที่สุด นักบวช (อย่างเป็นทางการ ตำบลสมโภชพระนางมารีอาปฏิสนธินิรมลได้รับการบูรณะในเดือนเมษายน พ.ศ. 2534) ได้เอาชนะ Mosspetspromproekt การบูรณะวัดก็เริ่มขึ้น การออกแบบทั่วไปและการสนับสนุนของผู้เขียนงานบูรณะดำเนินการโดยบริษัทก่อสร้างของโปแลนด์ เมื่อวันที่ 12 ธันวาคม พ.ศ. 2542 คริสตจักรได้รับการถวายโดยผู้รับมรดกชาวโรมัน

พื้นที่ภายในแบ่งออกเป็นสามส่วนตามยาว ด้านข้างมีขนาดเท่ากันและด้านตรงกลางกว้างขึ้นและสูงขึ้น ปีกนกมีความกว้างและความสูงเท่ากับพระที่นั่งกลาง มีดหมอของวัดไม่มีกระดูกซี่โครง ช่วงของห้องนิรภัยจะถูกส่งไปยังเสาขนาดใหญ่ภายในห้าคู่และส่วนค้ำยันภายนอกแบบขั้นบันได ซึ่งเป็นแบบฉบับสำหรับโบสถ์แบบโกธิก ภายในสว่างด้วยช่องหน้าต่างบานใหญ่พร้อมโครงไม้และคอนกรีตเสริมเหล็ก

คริสตจักรมีระบบเสียงที่ยอดเยี่ยม คอนเสิร์ตออร์แกนที่ยอดเยี่ยมมักจัดขึ้นที่นี่

บรรยากาศของโบสถ์ช่วยเสริมความมหัศจรรย์ของดนตรีเท่านั้น เสียงของอวัยวะที่นี่ดึงดูดใจยิ่งกว่าเสียงใน ห้องคอนเสิร์ตพวกเขา. พี.ไอ. ไชคอฟสกี.

ผู้ที่เป็น: นักดนตรีในวงอินดี้ร็อก

ใครกลายเป็น: แท่นบูชาในโบสถ์ออร์โธดอกซ์

ฉันเกิดที่วลาดีวอสตอคในครอบครัวธรรมดา พ่อของฉันเป็นทหาร แม่ของฉันเป็นครูสอนภาษารัสเซียและวรรณคดี ในช่วงต้นทศวรรษ 90 เราเดินทางไปทั่วรัสเซียบ่อยครั้งเพราะงานรับใช้ของพ่อ และเมื่อฉันอายุ 14 ปี เราก็ไปสิ้นสุดที่มอสโคว์

ฉันไม่ได้ไปโรงเรียนดนตรีและไม่ได้ตั้งใจจะเชื่อมโยงชีวิตของฉันกับดนตรี ตอนเด็กๆ ฉันฟังสิ่งที่พี่ชายของฉันชอบ เขาแก่กว่าฉัน 12 ปี และตอนฉันเป็นเด็กเขาก็ฟัง สีม่วงเข้มและจูบ ฉันไม่เข้าใจเพลงนี้เลย ช็อตแรกของฉันคือเมทัลลิกา เพื่อนของฉันชอบวงนี้ และฉันก็พยายามเขียนอัลบั้มแรกของพวกเขาใหม่จากซีดีเป็นเทปให้เขา ฉันอายุ 12 ปี ฉันเปิดอัลบั้มนี้และตระหนักว่าฉันจากไปแล้ว ฉันจำความรู้สึกนี้ได้: ฉันไม่เคยได้ยินอะไรที่เจ๋งกว่านี้มาก่อน

แล้วก็มีกรณีดังกล่าว ในเวลานั้น โครงการแลกเปลี่ยนระหว่างประเทศได้รับความนิยม และเมื่อฉันอายุ 16 ปี ฉันไปอเมริกาในโครงการดังกล่าว ทุกเช้ามีรถโรงเรียนสีเหลืองมาให้ฉัน มีการติดตั้งสถานีวิทยุซึ่งวัยรุ่นถามหา ฉันได้ยินสิ่งที่น่าสนใจมากมายแล้ว แต่อยู่มาวันหนึ่งมีเพลงหนึ่งดังขึ้นที่ทำให้ฉันสั่น เป็นอะไรที่เหลือเชื่อมาก ทั้งรถบัสก็ร้องเพลง นี่ไม่ใช่กรณีกับสิ่งอื่นใด ฉันถาม: "พวกนี่กำลังเล่นอะไรอยู่" มีคนบอกฉันว่า: "นี่คือเรดิโอเฮด"

มีตำนานดังกล่าวเกี่ยวกับพระพุทธเจ้า หรือมากกว่านั้น เกี่ยวกับพระกุมารศากยมุนี เขาเป็นเจ้าชาย เขาอาศัยอยู่ในวัง พ่อของเขาปกป้องเขาจากทุกสิ่งที่น่าเศร้า เขาไม่เห็นคนชราหรือคนป่วย ครั้งหนึ่งขณะเดินเขาบังเอิญได้ยินเพลงคร่ำครวญถึงคนตาย เธอตีเขา เขาตระหนักว่ามีบางอย่างหายไปในชีวิตของเขาและเริ่มค้นหาเส้นทางของเขา ฉันจำได้ว่า "Street Spirit" ของเรดิโอเฮดฟังค่อนข้างเหมือนกันในชีวิตของฉัน: มันเปลี่ยนทุกอย่าง

ก่อนหน้านั้น ฉันดีดกีตาร์บ้าง แต่แล้วฉันก็เริ่มเรียน tablature สไตล์ดนตรีและเขียนบางส่วนของคุณเอง ฉันโชคดีมาก - พ่อแม่ของฉันฟังความปรารถนาของฉันและสนับสนุนความโน้มเอียงของฉันเสมอ สำหรับวันเกิดปีที่สิบเจ็ด มีการนำเสนอเครื่องบันทึกเสียงแบบสี่แทร็ค - ที่จริงแล้วนี่คือสตูดิโอบันทึกเสียงแบบพกพาที่บ้าน เขาเขียนบนเทปเท่านั้น แต่ยัง - สี่แทร็ก ฉันเริ่มบันทึกอัลบั้มที่บ้าน - หนึ่ง เมื่อฉันกลับจากอเมริกาไปโรงเรียน ฉันเห็นว่าเพื่อนร่วมชั้นของฉันเปลี่ยนไปมาก พวกเขาเริ่มดื่ม สูบบุหรี่ และนอนด้วยกัน และฉันถูกเลี้ยงดูมาอย่างแตกต่าง มันผลักไสฉันออกไป ดังนั้นฉันจึงกลายเป็นเด็กสันโดษที่อยู่บ้านและอัดเพลง

ตอนแรกมันเป็นแค่กีต้าร์ จากนั้นฉันก็อยากเรียนเปียโน แล้วก็ได้ซินธิไซเซอร์ ง่ายที่สุด แต่มีจังหวะที่แตกต่างกันนับร้อยที่บันทึกไว้ล่วงหน้า ฉันเริ่มบันทึกจังหวะนี้ในแทร็กที่แยกจากกัน นั่นคือซินธิไซเซอร์กลายเป็นกลองของฉัน และการเล่นเปียโนไม่ได้ไปจริง ๆ แม้ว่าฉันจะเรียนบทเรียน เรียน solfeggio ตั้งแต่นั้นมา ดนตรีก็ถูกใช้เพื่อจุดประสงค์อื่นในดนตรี ฉันยังรับผิดชอบเสียงแปลกๆ และอุปกรณ์ต่างๆ ในกลุ่มด้วย ฉันได้ตัวอย่างที่หายาก แล้วฉันก็เล่นกีตาร์ ร้องเพลง บันทึกเสียงทั้งหมดที่บ้าน ฉันจำได้ว่าเพลงเกี่ยวกับความหมายของชีวิต

จากนั้นฉันก็เข้า MGIMO ที่คณะนิติศาสตร์ เพื่อนร่วมชั้นของฉันพบว่าฉันแต่งเพลง พวกเขาขอให้ฉันนำเทปคาสเซ็ทมาด้วย มันเป็นคำใบ้แรกของความนิยม - พวกเขาฟัง พวกเขาชอบมัน อีกสองสามปีผ่านไปในโหมดเดียวกัน: เขาเรียน, นั่งที่บ้าน, เขียนอะไรบางอย่าง แต่มีบางอย่างเกิดขึ้นในปีที่สี่ ฉันกลับมาจากอังกฤษจากการฝึกซ้อม - ฉันทำงานให้กับบริษัทดีๆ มาหลายเดือนแล้ว แต่ในที่สุดฉันก็รู้ว่าฉันไม่ต้องการที่จะเชื่อมโยงชีวิตของฉันกับสิ่งนี้ ฉันตระหนักว่าฉันต้องการทำดนตรี ฉันต้องการผู้ชม และฉันก็หยิบกีตาร์โปร่งและไปที่อุโมงค์ใต้ดิน มันเป็นกุมภาพันธ์ หนาว แต่ฉันไม่สนใจ

ตอนแรกฉันยืนอยู่ใน "ท่อ" ที่ Alexander Garden จากนั้นย้ายไปที่ "Okhotny Ryad" ผมจำได้ว่าหลายคนรวมตัวกัน ฉันมีความสุข. เขาไว้ผมยาวซึ่งทำให้แผนกทหารลำบากใจมาก ผู้ปกครองจับหัว - เกิดอะไรขึ้นกับลูกชายของพวกเขา? ข้างหน้ามีอาชีพที่ยอดเยี่ยม แต่เขาไม่เข้าใจว่าเขาหายไปไหน

Photo: แฟ้มเอกสารส่วนตัวของ Philippe Premjak

ที่นั่นฉันได้พบกับผู้ชายที่ต้องการสร้างกลุ่มด้วย ฐานซ้อมครั้งแรกและแม้แต่การแสดงในคลับก็ปรากฏขึ้นในชีวิตของฉัน เราแจกใบปลิวให้เพื่อน ๆ มาฟังเรา มันเยี่ยมมาก มีความกล้า มันกินเวลาประมาณหกเดือน แล้วความทะเยอทะยานก็ปรากฏขึ้น ไม่ใช่แค่เล่นเพลงง่ายๆ แต่เพื่อทำสิ่งใหม่ การค้นหาอย่างสร้างสรรค์เริ่มต้นขึ้น การฝึกซ้อมที่ไม่รู้จบ มันไม่สนุกอีกต่อไปแล้วและผู้คนก็หายไปทีละคน ฉันเองก็เหนื่อยกับทุกสิ่ง และกลับสู่โหมดก่อนหน้า ฉันนั่งอยู่ที่บ้านคนเดียว เขียนเพลง

ฉันจึงเรียนจบจากวิทยาลัย ฉันไม่ต้องการทำงานพิเศษของฉัน แต่พ่อแม่ของฉันเหมาะกับฉันสองสามครั้ง มันไม่ได้จบลงด้วยอะไร ฉันจำกรณีดังกล่าวได้ มีผู้ชายคนหนึ่งในสถาบันที่ฉันทนไม่ได้ ดังนั้นฉันจึงมาทำงานใหม่ พวกเขาพาฉันไปที่ห้องที่ฉันนั่ง พวกเขาเปิดประตู: "นี่คือคู่หูของคุณ" - และมีผู้ชายคนนี้ ฉันพยักหน้าและพูดว่า "ฉันจะไปที่นั่น" และเขาก็ออกไปเปิดเครื่องเล่น - แล้ววิ่งจากที่นั่น

พ่อแม่ของฉันเป็นสีทอง พวกเขาดูทั้งหมดนี้แล้วพูดว่า: "ถ้าอย่างนั้น ไปเรียนดนตรีเถอะ" และฉันก็เข้าสถาบันวัฒนธรรมที่คณะนักร้องประสานเสียง การเรียนที่นั่นไม่ดีเลย การศึกษาของฉันเป็นวิชาการ สักพักฉันก็ย้ายไปสถาบันศิลปะร่วมสมัย ผมมีแนวเพลงแจ๊ส ป็อป ที่คุ้นเคยมากกว่าอยู่แล้ว มันคือปี 2004 และนั่นคือตอนที่ทุกอย่างเริ่มต้น เพราะเราได้พบกับ Maxim Fedorov ซึ่งเป็นนักร้องนำของ Everything Is Made in China

ตอนนั้นเรารู้จักกันมาหลายปีแล้ว เจอกันในที่ต่างๆ พูดคุยกันอย่างสนุกสนาน - เรามีทัศนคติที่คล้ายคลึงกันในด้านดนตรี แล้วชีวิตก็พาเรามาพบกันอีกครั้ง แม็กซ์มีความกระตือรือร้นและต้องการเริ่มต้นวงดนตรีจริงๆ ถึงอย่างนั้นฉันก็ผิดหวังกับความคิดนี้ แต่ฉันชอบมันและฉันก็พูดว่า: มาลองกันเถอะ เกือบจะในทันทีมือกลอง Lesha ก็ปรากฏตัวขึ้น มันเกิดขึ้นที่ทุกอย่างเพิ่มขึ้นด้วยตัวเอง ฉันจำได้ว่าเราสามคนเจอกันครั้งแรกในวันที่ 8 เมษายน และวันที่ 9 เป็นวันเกิดของฉัน ซึ่งเราฉลองกันในฐานะเพื่อนกันไปแล้ว

ความแตกต่างจากประสบการณ์ครั้งก่อนของฉันนั้นยิ่งใหญ่มาก นักดนตรีทุกคนที่ฉันเคยเล่นด้วยนั้นเฉื่อยชามาก ฉันนำเพลงมา - พวกเขาแยกมันออก และที่นี่เราแต่ละคนมีส่วนร่วมอย่างเท่าเทียมกันในกระบวนการนี้

ไม่มีชื่อมานานแล้วเพราะไม่ได้แสดงที่ไหน แล้วคนรู้จักของเราคนหนึ่งซึ่งกำลังศึกษาเพื่อเป็นผู้กำกับ ต้องการเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่องนี้ เธอชอบสิ่งที่เรากำลังทำอยู่ แต่เราไม่มีบันทึกใดๆ และเธอให้เงินเราเพื่อสมัคร โพสต์นี้เปลี่ยนแปลงทุกอย่าง เพื่อนของแม็กซ์จากต้นสังกัดคอนเสิร์ต ฟังเธอจบแล้ว ดีใจสุดๆ และบอกว่าจะโชว์ให้พวกเราดู เราตระหนักว่าเราต้องการชื่อ Max และ Lesha ไปที่ Gorbushka ด้วยเหตุผลบางประการ และเมื่อเราคุยกันว่าจะเรียกอะไรดี เพลงใหม่, Lesha กล่าวว่า: "เรียกมันว่า "ทุกอย่างผลิตในจีน" เราถาม: "ทำไม" เขาพูดว่า: “ใช่ ทุกอย่างใน Gorbushka เป็นภาษาจีนโดยทั่วไป” เราชอบมัน และเมื่อมีคำถามเร่งด่วนเกี่ยวกับชื่อวง นั่นเป็นคำถามเดียวที่ทั้งสามเห็นด้วย

Photo: แฟ้มเอกสารส่วนตัวของ Philippe Premjak

อีกหนึ่งสัปดาห์ต่อมา ด้วยชื่อนี้ เพลงห้าเพลงของเราได้ตี Funky Souls ซึ่งเป็นฟอรัมยอดนิยมที่คุณสามารถดาวน์โหลดเพลงได้ (ตอนนั้นยังไม่มีทอร์เรนต์) และทันใดนั้น ผู้คนก็เริ่มโพสต์ข้อความของเราในไดอารี่ของพวกเขาอย่างหนาแน่นบน LiveJournal ไม่ใช่ว่าเราตื่นมามีชื่อเสียง แต่เป็นอะไรที่ใกล้เคียงกัน

ในเวลาเดียวกัน เรามีคอนเสิร์ตครั้งแรกที่สโมสร Podmoskovye ฉันเคยชินกับความจริงที่ว่ามีเพียงเพื่อนที่มาคอนเสิร์ต และทันใดนั้น เราก็เห็นคนแปลกหน้ามากมายที่มาฟังเรา มันเป็นที่น่าตื่นตาตื่นใจ.

สิ่งที่หยิบขึ้นมาอย่างรวดเร็ว มีกิ๊กคลับอีกสองสามรายการ เมื่อเราเล่นกับคนอื่นมากขึ้น วงดัง. เราเป็นคนแรกในการแสดงและฉันรู้สึกประทับใจกับจำนวนคนที่อยู่ในห้องโถง - ประมาณ 500 คน เราเล่น แผนกต้อนรับยอดเยี่ยมมาก และทันใดนั้นคนเหล่านี้ก็เริ่มแยกย้ายกันไปพวกเขาไม่ได้อยู่กลุ่มที่สองนั่นคือพวกเขามาเพื่อเราโดยเฉพาะ

จากนั้นเราก็ตระหนักว่ามีบางอย่างต้องทำ แม็กซ์แนะนำให้บันทึกอัลบั้มในต่างประเทศเพราะเราไม่ชอบวิธีการบันทึกของเรา เราเพิ่งไปร้านอินเทอร์เน็ตและเขียนจดหมายถึงสตูดิโอต่างประเทศทุกแห่งที่เรารู้จัก และทุกคนก็ตอบเรา แม้แต่คนที่เจ๋งที่สุด เพราะทุกคนต้องการเงิน เป็นผลให้เรายืมเงินและลงทะเบียนในแคนาดาในโตรอนโต เรานำเสนออัลบั้มที่สโมสร Sixteen Tons และไม่สามารถรองรับทุกคนได้ ความสำเร็จดังก้องสำหรับเรา ฉันจำได้ว่าฉันพิมพ์ชื่อของเราใน Yandex และ 10 หน้าแรกก็เกี่ยวกับเราเท่านั้น เกี่ยวกับคอนเสิร์ตนี้เท่านั้น

เราพรวดพราดเข้ามาในชีวิตนี้ เราเริ่มร่วมมือกับผู้ชายที่ทำวิดีโออาร์ตสำหรับการแสดงและคลิปให้เรา พวกเขาบันทึกอัลบั้มที่สอง และหนึ่งในเพลงในสามวันแรกมียอดวิวบนอินเทอร์เน็ต 1 แสนครั้ง ซึ่งเป็นจำนวนที่เหลือเชื่อสำหรับช่วงเวลานั้น

มีการเดินทางไปรัสเซียคอนเสิร์ต การที่เราบันทึกในต่างประเทศทำให้เราได้แสดงในเทศกาลต่างประเทศด้วย เราเล่นบนเวทีเดียวกันกับวงดนตรีที่เราไม่อยากเชื่อ มีเทศกาลหนึ่งที่ The Chemical Brothers เล่นต่อหน้าเราและหลังจากนั้น - Interpol

เป็นเวลาประมาณสิบปีแล้วที่การทำงานเป็นกลุ่มเป็นอาชีพหลักของฉัน พ่อแม่สนับสนุนไปคอนเสิร์ต เราไม่ได้มีรายได้มาก แต่ตอนนั้นฉันไม่มีครอบครัว แค่นี้ก็เพียงพอแล้ว

ในชีวิตของฉันไม่มีจุดเปลี่ยนที่เฉียบแหลม เป็นช่วงเวลาที่จู่ๆ ฉันก็กลายเป็นผู้เชื่อและตัดสินใจเลิกเล่นดนตรี ทุกอย่างเกิดขึ้นทีละน้อย เราเริ่มไปวัดกับแม็กซ์ เป็นครั้งแรกที่เราถูกพาตัวไปที่นั่นเมื่อประมาณหกปีที่แล้วโดยผู้ชายคนเดียวกับที่ทำคลิปให้เรา พ่อของเขาไปที่วิหารของ Sophia the Wisdom of God ใน Srednye Sadovniki ตั้งอยู่ด้านหน้าเครมลิน หอระฆังบนเขื่อน Sofiyskaya ซึ่งมองเห็นได้หลังสะพาน Bolshoy Kamenny พ่อของเขาเท่มาก เราทุกคนต่างก็คุยกัน เขาโทรหาเราและเราไปกับทั้งกลุ่ม

ในวันนั้น เยาวชนบางคนที่ต้องการสื่อสารกับพระสงฆ์ควรจะมาที่วัด เขาได้รับคำเตือนเกี่ยวกับเรื่องนี้ และเขาก็พาเราไปหาพวกเขา เขาเข้ามาใกล้ พูดอย่างสุภาพ แล้วจู่ๆ ก็ถามขึ้นว่า “คุณไม่อยากสารภาพหรือ?” เราพูดว่า: "เราต้องการอาจจะ" เขา : "อืม เตรียมตัวให้พร้อม ฉันจะรอ" เราก้าวออกไปและนั่งลง ใกล้เคียงวางหนังสือดังกล่าว - หนังสือสวดมนต์มีรายชื่อของบาปที่พบบ่อยที่สุด ฉันก็เลยสั่ง และพวกนั้นก็เขียนลงไป เราทุกคนมาสารภาพกับกระดาษแผ่นเดียวกัน กระดาษคาร์บอน ตลกๆ

คำสารภาพนี้สร้างความประทับใจให้ฉันอย่างมาก นักบวชเอาใจใส่และเป็นมิตรกับฉันมาก ไม่ใช่ว่าฉันเริ่มไปวัดเป็นประจำหลังจากนั้น แต่แล้ววันหนึ่ง ฉันมีงานสำคัญ ฉันต้องการคุยกับนักบวชคนนี้ ฉันไปงานเลี้ยงน้ำชาประจำสัปดาห์กับเด็กหนุ่มคนนั้น มันดีมากที่นั่น แม็กซ์กับฉันเริ่มไปงานเลี้ยงน้ำชาเหล่านี้และค่อยๆ ไปโบสถ์

รูปถ่าย: Alexey Zotov

ในเวลาเดียวกัน เราเล่นดนตรีและแสดงพร้อมกัน สำหรับเรา ไม่เคยมีอะไรที่เข้ากันไม่ได้ ไม่มีความขัดแย้งระหว่างดนตรีกับศรัทธา ในทางตรงกันข้าม ไม่สามารถสัมผัสสิ่งใดสิ่งหนึ่งได้ด้วยมือ แต่รับรู้ได้ด้วยหูหรือหัวใจเท่านั้น

ทุกอย่างจึงดำเนินไปพร้อม ๆ กัน ฉันไปที่วัดและเริ่มสังเกตว่ามีงานมากมายที่ไม่มีใครทำ นี่เป็นปัญหาใหญ่ในคริสตจักรของเรา สำหรับคนที่อยู่ห่างไกลจากสิ่งนี้และเห็นบริการเฉพาะทางทีวี ดูเหมือนว่าคริสตจักรออร์โธดอกซ์รัสเซียจะเป็นองค์กรขนาดใหญ่ อันที่จริง สิ่งนี้ใช้ได้กับวัดกลางเพียงไม่กี่แห่งเท่านั้น วัดอื่น ๆ ทั้งหมดประสบปัญหาขาดแคลนคนและเงิน ใครสักคนที่จะทำงานบ้าน เมื่อฉันเห็นสิ่งนั้น ฉันคิดว่า "นี่คืองานและฉันทำได้ แล้วทำไมจะไม่ทำล่ะ" และเขาเริ่มไม่เพียงแค่ไปรับใช้เท่านั้น แต่ยังช่วยเท่าที่เขาจะทำได้

การเปลี่ยนแปลงภายในเริ่มเกิดขึ้นทีละน้อย เด็กผู้หญิงจากองค์กรที่เลี้ยงคนเร่ร่อนบนลานสามสถานีมาที่งานเลี้ยงน้ำชาของเรา ทุกคนพูดดี แต่ไม่มีใครเสนอให้ช่วย ฉันสงสัยในตัวเองฉันเพิ่งถามเธอครั้งเดียวว่ามีอะไรบ้างและอย่างไร วันรุ่งขึ้นเธอโทรหาฉัน: "คุณมีรถ! คนขับรถของเราป่วย คุณช่วยเอากระป๋องซุปมาได้ไหม” แน่นอนว่ามันเป็นสิ่งล่อใจ ฉันนำกระป๋องเหล่านี้จากอาราม Danilovsky ไปที่สถานีและเห็นคนจำนวนมาก - หิวโหย เย็นชา ผู้ที่มีความสุขกับซุปนี้มาก ฉันไม่เคยมีประสบการณ์นี้ในชีวิตของฉัน ฉันขนรถถังเหล่านี้ออกและรู้สึกว่าจำเป็น และฉันไม่ได้ต้องการอะไรจากมัน เพราะสิ่งนี้เองที่ช่วยเพิ่มอารมณ์ เติมเต็มฉันจากภายใน

และความรู้สึกเติมเต็มนั้นไม่เคยทิ้งฉันไป และเพื่อที่จะเขียนเพลง คุณยังต้องหิวโหยและในด้านจิตวิญญาณด้วย เมื่อคุณเติมเต็มชีวิตด้วยความหมายที่หนักแน่นเช่นนั้น ความจำเป็นในการแสดงออกก็จะน้อยลง แรงบันดาลใจจากคนที่มีความคิดสร้างสรรค์มักถูกนำมาจากความสงสารตัวเอง ฉันรู้จักนักดนตรีคนหนึ่งที่พูดว่า: “ฉันชอบหลังจบปาร์ตี้ เมื่อคนบ้าๆ ทุกคนตื่นขึ้น หยิบกีตาร์แล้วเริ่มเขียนเพลง คุณรู้สึกอ่อนแอ” ตอนนี้ฉันกลัวที่จะคิดว่ามันเป็นไปได้ที่จะรู้สึกแบบนี้ เมื่อคุณเห็นคนที่แย่กว่ามากตลอดเวลา ความสงสารตัวเองก็จะหายไป ดังที่ซีดานเคยกล่าวไว้ว่า: “ฉันกังวลมานานแล้วว่าฉันไม่มีรองเท้าผ้าใบเท่ๆ จนกระทั่งฉันเห็นชายคนหนึ่งที่ไม่มีขา”

ฉันจำได้เมื่อฉันหยุดเขียนเพลงในที่สุด จากนั้นอัลบั้มของหนึ่งในนักแสดงที่มีชื่อเสียงมากของเราก็ถูกปล่อยออกมา ซึ่งรวบรวมห้องโถงใดก็ได้ในหนึ่งวัน ดังนั้นฉันจึงขับรถไปที่สถานีในรถ ทานซุปและฟังอัลบั้มนี้ และฉันได้ยินว่าคน ๆ หนึ่งเพียงแค่คร่ำครวญเพลงทั้งหมด - สะอื้นและสะอื้นสะอื้นและสะอื้น ฉันหมกมุ่นอยู่กับความรู้สึกนี้ ฉันถึงกับเห็นอกเห็นใจ และมันก็เป็นฤดูหนาวที่หนาวเหน็บ ฉันมาถึง ขนถ่ายรถถังแล้วเห็น: ผู้คนที่ร่าเริงกำลังยืนอยู่! พวกเขาล้อเลียนกันและหัวเราะ สกปรก มอมแมม แต่พวกเขามีจิตใจที่ดี ตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิง นี่คือคนที่หาเงินได้เยอะ และนี่คือคนที่ไม่มีอะไรเลย และหลังจากนั้น ฉันก็วางกีตาร์ลง ฉันรู้ว่ามันจะเป็นการโกหกที่ฉันจะเขียนต่อ

การเล่นในวงดนตรีนั้นยอดเยี่ยมมาก ฉันชอบเวลานี้มาก แต่พวกเขายังคงพัฒนาต่อไปและฉันก็หยุด และในไม่ช้าพวกเขาก็เริ่มทำเพลงที่ฉันไม่เข้าใจเลย ฉันมาซ้อมและทำตามที่บอก เราทุกคนรู้สึกถึงมัน และในเดือนตุลาคมปีที่แล้ว เราตัดสินใจว่าจะไปพักร้อนกันเป็นกลุ่ม ฉันห่างเหินจากดนตรี และพวกผู้ชายก็ทำกิจกรรมของตัวเอง

ตั้งแต่นั้นมา ฉันก็ทำงานเต็มเวลาในโบสถ์อย่างที่พวกเขาพูด นักบวชจากเขื่อน Sofiyskaya ถูกย้ายไปโบสถ์ใหม่บนจัตุรัส Preobrazhenskaya และฉันก็ไปกับเขา อย่างที่ฉันพูดไป มีคนน้อยมากในคริสตจักรที่รับงานใดๆ วัดดูโอ่อ่ามาก หลายร้อยคนมาใช้บริการได้ และมีนักบวชเพียงคนเดียวที่รับใช้ที่นั่น ที่รับบัพติศมา สารภาพบาป สวมมงกุฏ และงานศพ ดังนั้นแท่นบูชาจึงมีความจำเป็นอย่างยิ่ง มีสี่คนในคริสตจักรของเรา

แท่นบูชาเป็นเหมือนน้ำมันในเครื่องยนต์ ระบบหมุนเวียนโลหิตของวัด ช่วยให้มั่นใจได้ถึงการบริการที่ต่อเนื่องและรวดเร็ว - เพื่อเตรียมทุกอย่างในแท่นบูชาเพื่อจุดไฟในเวลาให้เทียน คุณสามารถทำได้โดยไม่ต้องใช้เซิร์ฟเวอร์แท่นบูชา แต่บริการจะยาวขึ้นสองเท่า มีความจำเป็นต้องทำความสะอาดหลังการบริการตรวจสอบให้แน่ใจว่ามีวัสดุสิ้นเปลืองทั้งหมด รายการสิ่งที่ต้องทำประจำวันประกอบด้วยสิบห้ารายการ ฉันอยู่ที่โบสถ์ตั้งแต่หกโมงเช้า ฉันกลับถึงบ้านประมาณบ่ายโมง ออกจากงานอีกครั้งตอนสี่โมงเย็นและกลับตอนสิบโมง

รูปถ่าย: Alexey Zotov

นอกจากความช่วยเหลือด้านเศรษฐกิจแล้ว ฉันยังทำงานเกี่ยวกับเยาวชนอีกด้วย แม้แต่ตอนที่ฉันไปงานเลี้ยงน้ำชาของเยาวชน ฉันก็ซื้อกล้องดีๆ สักตัว ถ่ายรูปไปที่สแตนด์ จากนั้นก็เริ่มกลุ่มบน Facebook และ Instagram สิ่งนี้ได้พลิกกลับอย่างไม่คาดคิด ปัญหาอีกประการหนึ่งของคริสตจักรของเราคือการไม่เปิดเผยชื่อในวัด ผู้คนสามารถยืนเคียงข้างกันในพิธีวันอาทิตย์เป็นเวลาหลายปีและไม่รู้จักชื่อเพื่อนบ้านด้วยซ้ำ หากเกิดอะไรขึ้นพวกเขาจะไม่สามารถช่วยเหลือซึ่งกันและกันได้ ครั้งหนึ่งข้าพเจ้าประทับใจมากกับวลีที่ว่าไม่ควรแยกย้ายกันไปทีละคนหลังพิธีสวด ฉันเริ่มคิดว่าจะทำอย่างไรกับมัน ที่นั่นบนเขื่อน Sofiyskaya ไม่มีร้านกาแฟอยู่ใกล้ ๆ ไม่มีอะไร - และหลังจากพิธีสวดผู้คนก็วิ่งกลับบ้านทันทีเพราะคุณไม่สามารถพูดคุยในขณะท้องว่างได้ และเมื่อฉันเกิดความคิดที่จะวางโต๊ะขนาดใหญ่ที่ทางออกจากโบสถ์ มีชา กาแฟ พาย - พวกบริษัทเยาวชนของเราซื้อสิ่งที่พวกเขาทำได้ ผู้คนเริ่มออกจากบริการ - และนี่คือ ตอนแรกพวกเขาอายแล้วค่อยคุยกันคุยกันว่าพายชิ้นไหนอร่อยกว่ากัน เราเริ่มทำสิ่งนี้เป็นประจำ ส่งผลให้ทั้งตำบลได้รู้จักกัน บริการใหญ่ครั้งแรกหลังจากนั้นคือช่วงคริสต์มาส และเป็นครั้งแรกที่ฉันเห็นผู้คนแสดงความยินดี กอด แลกของขวัญ ฝูงชนที่สนุกสนานเป็นกันเองมากมายเหมือนในภาพยนตร์ และดูเหมือนว่าพายบางชนิด ฉันไม่ได้มีหน้าที่พาคนไปวัด ฉันไม่ใช่มิชชันนารี แต่ถ้าเขามา ฉันคิดว่าฉันควรช่วยสร้างสภาพแวดล้อมที่เป็นมิตรกับเขา บ่อยครั้งคนคนหนึ่งมาที่โบสถ์เพื่อไม่เรียนรู้เรื่องศรัทธา แต่เพราะเขารู้สึกแย่ และที่สำคัญคือเขาไม่เห็นหน้ามืดมัวแต่เป็นมิตรรอบตัวไม่กลัวที่จะขอความช่วยเหลือ

หลายคนถามว่านี่คือการจ้างงานอย่างเป็นทางการหรือไม่ ใช่ ในวัดของฉันมีห้องทำงานซึ่งมีเขียนไว้ว่า - เด็กชายแท่นบูชา และเงินเดือนก็จ่ายไป แม้จะเล็กน้อยก็ตาม คริสตจักรสามารถรับเงินได้ที่ไหน? ศีลศักดิ์สิทธิ์ทั้งหมดนั้นฟรี เทียนก็เช่นกัน - นี่คือตำแหน่งตามหลักการของอธิการบดีของเราที่ไม่ควรมีรายการราคา แต่คุณต้องจ่ายค่าไฟ ค่าความร้อน และเปลี่ยนหลอดไฟ ซึ่งมีอยู่ 700 ดวง วัดอาศัยอยู่เฉพาะในการบริจาคโดยสมัครใจเท่านั้น

ระหว่างวัน พอมีเวลาว่างก็ทำงานพาร์ทไทม์ รับฟรีแลนซ์ - SMM แปลภาษา แน่นอน มีเงินไม่พอ - ฉันมีลูกสองคนแล้ว ภรรยาและพ่อแม่ของฉันสนับสนุนฉันแม้ว่าครอบครัวจะมีอคติ - พี่ชายของฉันอาศัยอยู่ในลอนดอนเขาเป็นคนดีมาก ผู้ชายที่ประสบความสำเร็จ,ทำเงินได้ดี ปรากฎว่าผมจบจากมหาวิทยาลัยที่มีชื่อเสียง แล้วเรียนดนตรี แล้วก็ไปวัด พี่ชายพูดติดตลกว่า “คราวหน้าคุณจะไปเรียนคณะละครสัตว์เพื่อเป็นตัวตลกไหม”

แต่ครอบครัวของฉันยอมรับทางเลือกของฉัน พวกเขาเห็นว่าฉันยังคงเหมือนเดิม ฉันไปกางเกงยีนส์ตัวเดิม ฉันไปคอนเสิร์ตร็อค ฉันไม่ได้กีดกันตัวเองจากทุกคน ฉันไม่ได้กลายเป็นคนเศร้าหมองที่หลงไหลในศาสนา ตรงกันข้าม ฉันมีความสุขขึ้น ซึ่งหมายความว่าคนรอบข้างดีขึ้น

ฉันจะไม่ปิดบัง บางครั้งฉันก็คิดว่าบางทีฉันอาจจะไม่ได้เดินบนเส้นทางอาชีพหลังเรียนจบอย่างเปล่าประโยชน์ เมื่อคุณมีลูกสองคน การเงินก็มีความสำคัญ ถ้าฉันได้แสดงให้ฉันเห็นในอนาคตเมื่อ 15 ปีที่แล้ว ฉันคงจะตกใจมาก แต่สิ่งสำคัญคือความรู้สึกจากภายในเป็นอย่างไร ฉันมีความเชื่อมั่นอย่างแรงกล้าว่าทุกอย่างจะดี - เพราะทุกอย่างเรียบร้อยดีแล้ว

และถึงแม้ว่าอาคารในตอนแรกจะดูเหมือนเป็นการรีเมคทั่วๆ ไป ทว่ามันถูกสร้างขึ้นเมื่อหนึ่งศตวรรษก่อน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 จำนวนผู้นับถือศาสนาคาทอลิก (ส่วนใหญ่เป็นชาวโปแลนด์) ในมอสโกเกินสามหมื่นคน ผู้เชื่อสามารถเพิ่มทองคำได้ประมาณ 300,000 รูเบิลสำหรับวัดใหม่ - เป็นจำนวนมากในเวลานั้น แต่ก็ไม่ได้หมายความว่าทางดาราศาสตร์
ถนน Malaya Gruzinskaya ได้รับเลือกให้สร้างโดยไม่ได้ตั้งใจ: เจ้าหน้าที่สั่งให้สร้างโบสถ์คาทอลิกให้ห่างจากใจกลางเมืองและห่างไกลจากโบสถ์ออร์โธดอกซ์ที่สำคัญ

โดมหลายเหลี่ยมมุมที่แปลกตาซึ่งประดับยอดด้วยยอดแหลมสูงทำให้นึกถึงมหาวิหารมิลาน

การก่อสร้างดำเนินการมาเป็นเวลานาน - จาก พ.ศ. 2442 ถึง พ.ศ. 2454 อย่างไรก็ตาม เป็นไปไม่ได้ที่จะทำงานให้เสร็จตามแผนที่วางไว้ แม้กระทั่งช่วงเริ่มต้นของการปฏิวัติ ไม่มีการสร้างป้อมปราการบนอาคารหลัก การตกแต่งภายในเป็นแบบนักพรต แม้แต่พื้นก็ยังเป็นคอนกรีตธรรมดา

จากนั้นการต่อสู้เพื่อคืนพระวิหารก็เริ่มขึ้น มันดำเนินการตามกฎทั้งหมดของประเภทในประเทศ: ด้วยการนั่งยอง, ตำรวจปราบจลาจล, การเจรจากับเจ้าหน้าที่ ในท้ายที่สุด นักบวช (อย่างเป็นทางการ ตำบลสมโภชพระนางมารีอาปฏิสนธินิรมลได้รับการบูรณะในเดือนเมษายน พ.ศ. 2534) ได้เอาชนะ Mosspetspromproekt การบูรณะวัดก็เริ่มขึ้น การออกแบบทั่วไปและการสนับสนุนของผู้เขียนงานบูรณะดำเนินการโดยบริษัทก่อสร้างของโปแลนด์ เมื่อวันที่ 12 ธันวาคม พ.ศ. 2542 คริสตจักรได้รับการถวายโดยผู้รับมรดกชาวโรมัน

บรรยากาศของโบสถ์ช่วยเสริมความมหัศจรรย์ของดนตรีเท่านั้น เสียงออร์แกนที่นี่ดึงดูดใจมากกว่าในคอนเสิร์ตด้วยซ้ำ พี.ไอ. ไชคอฟสกี.

จิตวิญญาณ
06.06.2012
Irina Anninskaya

ในวันเสาร์ที่ 26 พฤษภาคมคอนเสิร์ตออร์แกนเปิดตัวของนักเรียน Berdyansk Children's โรงเรียนดนตรี.

นักดนตรีรุ่นเยาว์อายุเพียง 10-12 ปี: Diana Smirnova, Lilya Logvinenko (ไวโอลิน), Sergey Pivovarov และ Kirill Eliseev - รวบรวมผู้ชมเกือบเต็ม คอนเสิร์ตกลายเป็นการเฉลิมฉลองทางดนตรีที่ยอดเยี่ยมทั้งสำหรับผู้ชมที่มาโบสถ์และสำหรับศิลปินตัวน้อยด้วย พวกเขาแสดง งานคลาสสิคความซับซ้อนและอารมณ์ที่แตกต่างกัน ไฮไลท์ของคอนเสิร์ตคือเสียงร้องของครูสอนดนตรี Inna Prokofieva ผู้ริเริ่มกิจกรรมนี้ ครูของโรงเรียนดนตรีเด็ก Viktoria Zagudayeva ชื่นชมยินดีกับความสำเร็จไม่น้อยไปกว่าลูกศิษย์ของเธอเพราะเล่นเครื่องดนตรีที่ฉลาดและยิ่งใหญ่อย่างที่เธอพูดเหมือนอวัยวะและสอนเด็ก ๆ ว่าจะทำอย่างไร มันเป็นความฝันเก่าของครู

ความคิดนี้มาถึงฉันตอนที่เพิ่งสร้างวัด และฉันพบว่าจะมีอวัยวะอยู่ที่นี่ - วิกตอเรีย อเล็กซานดรอฟนากล่าว - ฉันกำลังสอน วรรณกรรมดนตรีในโรงเรียนดนตรี วิชานี้เกี่ยวข้องกับความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีต่างๆ รวมทั้งออร์แกน ดังนั้น ฉันแน่ใจว่าวันหนึ่งฉันจะพานักเรียนไปโบสถ์ เมื่อได้พบกับอธิการของโบสถ์ Zdzisław Zajonc วิกตอเรียได้แบ่งปันความฝันของเธอกับเขาและนักบวชก็ยินดีที่จะไปพบเธอไม่เพียง แต่เชิญเด็ก ๆ ไปที่โบสถ์ แต่ยังจัดคอนเสิร์ตออร์แกนพิเศษสำหรับนักเรียนโรงเรียนดนตรี ดำเนินการโดย Jerzy Kukli ปรมาจารย์อวัยวะที่มีชื่อเสียงระดับโลก จากนั้นก็มีคอนเสิร์ตอีก 2 ครั้ง หลังจากที่เด็กๆ ต้องการทำความรู้จักกับเครื่องดนตรีที่น่าทึ่งมากขึ้น พวกเขาปีนขึ้นไปบนคณะนักร้องประสานเสียงและมีโอกาสได้สัมผัสกุญแจของออร์แกนเป็นครั้งแรกในชีวิต ในเวลาเพียงหนึ่งเดือน Victoria Zagudaeva พร้อมกับลูกศิษย์ของเธอเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีอันน่าทึ่งนี้ และคอนเสิร์ตครั้งแรกที่ผ่านมาแสดงให้เห็นว่าเวลาไม่ได้สูญเปล่าไปเปล่า ๆ ความสำเร็จเป็นแรงบันดาลใจให้เด็ก ๆ และผู้ที่มาที่คอนเสิร์ตในฐานะผู้ชม Viktoria Zagudaeva แน่ใจว่าจะแสดงความปรารถนาที่จะเรียนรู้ที่จะเล่นออร์แกนด้วยเช่นกัน ครูวางแผนที่จะจัดคอนเสิร์ตออร์แกนสำหรับเด็กและเยาวชน เด็กนักเรียนและนักเรียนเพื่อแนะนำพลเมือง Berdyansk ให้รู้จักกับโลกมหัศจรรย์ของดนตรีออร์แกนและแนะนำให้พวกเขารู้จักกับดนตรีคลาสสิก

นอกจากนี้ - Victoria Alexandrovna ยอมรับ - ฉันต้องการจัดระเบียบคณะนักร้องประสานเสียงที่โบสถ์ บางทีคณะนักร้องประสานเสียงอาจเป็นคำที่ดังสำหรับผู้เริ่มต้น คณะนักร้องประสานเสียง คุณพ่อ Zdzislaw Zajonc ผู้ซึ่งขอบคุณศิลปินรุ่นเยาว์และครูของพวกเขาอย่างอบอุ่น ยอมรับว่าเขาฝันว่าวันหนึ่งคณะนักร้องประสานเสียงที่สร้างขึ้นใหม่จะร้องเพลงร่วมกับคณะนักร้องประสานเสียงเด็กจากเมือง Poniatow บ้านเกิดของเขาในโปแลนด์

พอร์ทัลของผู้หญิง Flero