Frolowa Walentyna

Sankt Petersburg, Rosja

Licencjat 2 lata studiów

Twórczość Bernarda Shawa, problemy spektaklu „Pigmalion”

Bernard Shaw wdarł się do życia publicznego Anglii w latach 80. XIX wieku jako wybitna postać publiczna, mówca i publicysta. Był to czas szybkiego wzrostu angielskiego ruchu robotniczego. Postanowił jednak poświęcić swoje życie pisaniu. Jeśli publicysta Shaw szczerze próbował walczyć o nowe społeczeństwo, to pisarz i krytyk teatralny Shaw prowadził walkę o nowy dramat.

Angielski teatr drugiej połowy XIX wieku wypełniony był nieznaczącymi, „dobrze zrobionymi” spektaklami, w których sentymentalna linia miłosna zwykle prowadziła do szczęśliwego zakończenia, a jakikolwiek społeczny donos był po prostu nie do pomyślenia. Shaw rozpoczął swoją walkę o nowy dramat od promowania twórczości norweskiego pisarza Ibsena. Zorganizował cykl wykładów na temat najbardziej postępowych pisarzy epoki - Lwa Tołstoja, Turgieniewa, Zoli. W 1892 roku ukazała się pierwsza sztuka Shawa, Dom wdowca, która, choć nie powiodła się, wywołała wiele hałasu.

W ciągu ośmiu lat (od 1892 do 1899) powstały trzy genialne cykle dramatyczne: Dramaty nieprzyjemne, Dramaty przyjemne i Dramaty dla purytanów. Dziesięć sztuk, zróżnicowanych gatunkowo i tematycznie, przesiąknęło sarkastycznym gniewem na burżuazyjnych faryzeuszy, pragnieniem zdemaskowania „cnotliwych” filarów społeczeństwa i rodziny. Połączyła ich też nowatorska metoda dramatopisarza - jego uporczywe i śmiałe odwoływanie się do paradoksu, do nieustannego wywracania się na lewą stronę utartych prawd, do przemyślanej i ostrej dyskusji. Głównym celem tych sztuk B. Shawa jest ośmieszenie i potępienie angielskiego społeczeństwa i światowego wojującego imperializmu we wszystkich jego przejawach.

Spektakle Bernarda Shawa spełniają najważniejszy wymóg teatru progresywnego: teatr powinien dążyć do „przedstawienia natury człowieka jako” podatnego na zmiany i zależnego od klasy. Spektakl był zainteresowany związkiem między charakterem człowieka a jego pozycją społeczną. Świadczy o tym zwłaszcza fakt, że głównym tematem spektaklu „Pigmalion” uczynił radykalną przebudowę charakteru. Po ogromnym sukcesie tej sztuki historia Elizy, którą profesor fonetyki Higgins przemienił z dziewczyny ulicy w panią towarzystwa, jest dziś znana nawet bardziej niż mit grecki. Pigmalion to legendarny król Cypru, który zakochał się w rzeźbie stworzonej przez siebie dziewczyny. Jasne jest, że intencją Shawa było nazwanie sztuki imieniem mitycznego króla, co ma przypominać, że Eliza Doolittle została stworzona przez Alfreda Higginsa w taki sam sposób, jak Galateę stworzył Pigmalion. Człowiek jest stworzony przez człowieka - taka jest lekcja tej sztuki Shawa.

Pierwszym problemem, który Shaw rozwiązuje w sztuce, było pytanie „czy osoba jest zmienną istotą”. W sztuce dziewczyna ze wschodniego Londynu, posiadająca wszystkie cechy charakteru ulicy, przemienia się w kobietę o cechach charakteru damy z wyższych sfer. Aby pokazać, jak radykalnie można się zmienić, Shaw zdecydował się przejść z jednej skrajności w drugą. Jeśli taka zmiana w człowieku jest możliwa w krótkim czasie, to widz musi zrozumieć, że każda inna zmiana w człowieku jest również możliwa.

Drugim ważnym pytaniem sztuki jest to, co daje poprawną wymowę? Czy wystarczy nauczyć się poprawnie mówić, aby zmienić pozycję społeczną? Oto, co myśli o tym protagonista, profesor Higgins: „Gdybyście wiedzieli, jak ciekawe jest wziąć człowieka i nauczywszy go mówić inaczej niż do tej pory, uczynić go zupełnie innym, nowym stworzeniem. W końcu oznacza to zniszczenie otchłani, która oddziela klasę od klasy i duszę od duszy.

Jak wielokrotnie podkreśla dramat, dialekt wschodniego Londynu jest nie do pogodzenia z byciem damą, tak jak język damy nie może być z byciem prostą dziewczyną z kwiatów ze wschodniego Londynu. Kiedy Eliza zapomniała o języku swojego starego świata, droga powrotna była dla niej zamknięta. Tym samym jej zerwanie z przeszłością było ostateczne.

Bernard Shaw poświęcił wiele uwagi problemom języka. Spektakl miał ponadto jeszcze jedno poważne zadanie: Shaw chciał zwrócić uwagę Anglików na fonetykę. Walczył o stworzenie nowego alfabetu, który byłby bardziej zgodny z dźwiękami języka angielskiego niż obecny i który mógłby ułatwić obcokrajowcom naukę tego języka. W Pigmalionie Shaw połączył dwa tematy, które były dla niego równie ekscytujące: problem nierówności społecznych i problem klasycznego języka angielskiego.

Jedna z tez spektaklu głosi, że o charakterze człowieka decyduje całokształt relacji osobowościowych, a relacje językowe są tylko jego częścią. W spektaklu tezę tę konkretyzuje fakt, że Eliza oprócz lekcji języka poznaje również zasady zachowania. W związku z tym Higgins wyjaśnia jej nie tylko, jak mówić językiem damy, ale także np. jak posługiwać się chusteczką do nosa.

Jeśli Eliza nie umie posługiwać się chusteczką i niechętnie kąpie się, to dla każdego widza powinno być jasne, że zmiana jej istoty wymaga również zmiany jej codziennego zachowania. Forma i treść wypowiedzi, sposób osądzania i myślenia, nawykowe działania i typowe reakcje ludzi są dostosowane do warunków ich otoczenia. Subiektywny byt i obiektywny świat korespondują ze sobą i wzajemnie się przenikają.

Dla autorki ważne było pokazanie, że wszystkie cechy Elizy, które ujawnia jako dama, można już znaleźć w dziewczynie-kwiacie jako zdolności naturalne, lub że cechy dziewczyny-kwiatów można następnie na nowo odkryć w kobiecie.

Tezę o występowaniu naturalnych zdolności i ich znaczeniu dla kreacji postaci najdobitniej pokazuje przykład pary Higgins-Pickering. Obaj są dżentelmenami z pozycji społecznej, ale Pickering jest również dżentelmenem z temperamentu, podczas gdy Higgins ma skłonność do niegrzeczności. Te różnice i podobieństwa obu bohaterów są stale widoczne w ich zachowaniu wobec Elizy. Jeśli Higgins od samego początku traktuje ją niegrzecznie, niegrzecznie, bezceremonialnie, to Pickering przeciwnie, jest urodzonym dżentelmenem i zawsze wykazuje takt i wyjątkową uprzejmość w kontaktach z Elizą. Ponieważ żadne okoliczności nie wyjaśniają tych różnic w zachowaniu, widz musi założyć, że być może nadal istnieje coś w rodzaju wrodzonej tendencji do niegrzecznego lub delikatnego zachowania. Aby zapobiec fałszywemu wnioskowi, że niegrzeczne zachowanie Higginsa wobec Elizy wynika wyłącznie z różnic społecznych między nim a nią, Shaw sprawia, że ​​Higgins zachowuje się zauważalnie szorstko i niegrzecznie również wśród swoich rówieśników. Jednak pomimo całej swojej wrodzonej skłonności do bezceremonialnego mówienia prawdy, Higgins nie dopuszcza takiej nieuprzejmości w społeczeństwie, jaką można zaobserwować w jego traktowaniu Elizy. Kiedy jego rozmówczyni, pani Einsford Hill, w swoim ograniczonym umyśle, uważa, że ​​byłoby lepiej, gdyby „ludzie mogli być szczerzy i mówić to, co myślą”, Higgins protestuje, wykrzykując „Nie daj Boże!”. i zarzut, że „byłoby nieprzyzwoite”.

Charakter człowieka determinowany jest nie bezpośrednio przez otoczenie, ale poprzez relacje i powiązania międzyludzkie. Człowiek jest istotą wrażliwą, receptywną, a nie pasywnym przedmiotem, któremu można nadać dowolny kształt. Wagę, jaką Shaw przywiązuje do tej kwestii, potwierdza umieszczenie jej w centrum dramatycznej akcji.

Na początku Elise jest dla Higginsa kawałkiem ziemi, który można zawinąć w gazetę i wyrzucić do kosza na śmieci. Umyta i ubrana Eliza staje się nie osobą, ale ciekawym obiektem eksperymentalnym, na którym można przeprowadzić eksperyment naukowy. W krótkim czasie Higgins zrobił z Elizy hrabinę, więc wygrał swój zakład, co kosztowało go wiele wysiłku. Fakt, że w tym eksperymencie uczestniczy sama Eliza, dociera do jego świadomości – podobnie jak do świadomości Pickeringa – aż do wybuchu otwartego konfliktu, który stanowi punkt kulminacyjny spektaklu. Ku swemu zdziwieniu Higgins doszedł do wniosku, że między nim a Pickeringiem z jednej strony, a Elizą z drugiej, powstał ludzki związek, który nie ma nic wspólnego ze stosunkiem naukowców do ich obiektów.

Widz rozumie, że Eliza stała się damą nie dlatego, że nauczono ją ubierać się i mówić jak dama, ale dlatego, że nawiązała międzyludzkie relacje z damami i panami pośród nich.

„Kobieta różni się od kwiaciarki nie tym, jak się nosi, ale tym, jak jest traktowana”. Te słowa należą do Elizy. Jej zdaniem, zasługa za przekształcenie jej w damę należy do Pickeringa, a nie Higginsa. Higgins tylko ją szkolił, uczył poprawnej mowy itp. Są to umiejętności, które można łatwo nabyć bez pomocy z zewnątrz. Uprzejmy adres Pickeringa spowodował tę wewnętrzną zmianę, która odróżnia dziewczynę z kwiatami od damy.

Wyjaśnienie zakończenia Pigmaliona jest oczywiste: nie chodzi o przekształcenie mieszkańców slumsów w panie i panów, ale o przekształcenie ich w nowy rodzaj pań i panów, których poczucie własnej wartości opiera się na ich własnej pracy. Eliza w pogoni za pracą i niezależnością jest ucieleśnieniem nowego ideału damy, która nie ma nic wspólnego ze starym ideałem damy z arystokratycznego społeczeństwa. Nie została hrabiną, jak wielokrotnie powtarzał Higgins, ale stała się kobietą, której siła i energia są podziwiane.

Sztuka „Pigmalion” została napisana latami. W tej sztuce Shaw wykorzystał mit Pigmaliona, przenosząc go w scenerię współczesnego Londynu. Jeśli wskrzeszona Galatea była ucieleśnieniem pokory i miłości, to Galatea Shaw wznieca bunt przeciwko swojemu stwórcy. Bezpośrednim zadaniem Shawa, co starał się podkreślić we wstępie, jest promowanie językoznawstwa, a przede wszystkim fonetyki. Ale to tylko jedna strona ciekawej, wieloaspektowej gry. Jest to jednocześnie spektakl o wielkim, społecznym, demokratycznym brzmieniu – spektakl o naturalnej równości ludzi i ich nierówności klasowej, o talencie ludzi od ludu. To także psychologiczny dramat o miłości, która z wielu powodów niemal przeradza się w nienawiść. I wreszcie jest to humanistyczna sztuka, pokazująca, jak ostrożnie i ostrożnie trzeba podejść do żywego człowieka, jak straszny i nie do przyjęcia jest zimny eksperyment na człowieku. Urok i oryginalność Elizy Doolittle czujemy już w pierwszych aktach, kiedy wciąż mówi śmiesznym, ulicznym żargonem. Tylko wymowa oddziela dziewczynę z kwiatów ulicznych od księżnej, ale Eliza nie będzie księżną. Galatea powstaje przeciwko swojemu stwórcy z całą siłą obrażonej i oburzonej duszy. Shaw zdołał w swojej sztuce zwrócić uwagę na kwestię społecznej nierówności ludzi. Wykształcona Eliza pozostaje tak samo biedna, jak wtedy, gdy była handlarzem kwiatami. Dodano tylko tragiczną świadomość ich ubóstwa i bezgranicznej nierówności między ludźmi.

„Pigmalion” to kpina z fanów „błękitnej krwi”… każda z moich sztuk była kamieniem, który rzuciłem w okna wiktoriańskiego dobrobytu ”, sam autor mówił o swojej sztuce. Ale już. Wiele lat po jego śmierci, dla ludzkości staje się jasne, kogo miała i straciła w osobie Shawa. Staje się jasne, że takich ludzi jak on nie można w ogóle zgubić – zostają z nami na zawsze.

Historia powstania: Dzieło powstało w 1912 roku. (1913) XX wiek. - era modernizmu. W tym okresie Wielka Brytania straciła pozycję najpotężniejszego mocarstwa na świecie. Ale społeczeństwo stało się bardziej sprawiedliwe i pomimo dwóch wojen światowych i Wielkiego Kryzysu średni poziom życia wzrósł dramatycznie. Nastąpiła I wojna światowa, która pozbawiła Anglię prawie miliona mieszkańców i pozostawiła ogromne długi. Kryzys gospodarczy pogorszył pozycję Anglii. W XX wieku. Pogorszyła się sytuacja społeczna, gospodarcza i polityczna kraju.

Rodzaj: Dramat

Gatunek muzyczny: Komedia

Cechy gatunku: komedia edukacyjna, komedia romantyczna, komedia społeczna, komedia mitologiczna („neomitologizm”)

Źródła historii: Literacki (mit Pigmaleona; "Przygody Peregrine Pickle" T. Smletta"), Autobiograficzny (stosunek autora do idei politycznych i nierówności społecznych). Krajowe (lokalizacja londyńska w XX wieku)

Główny temat: temat nierówności społecznych

Temat: temat miłości, temat przyjaźni, problemy klasycznej angielszczyzny, temat podłości

Intrygować:

Ekspozycja (Deszczowy dzień. Pani z córką siedzą pod baldachimem. Freddy, jej syn, szuka taksówki. Nie znajdując nic, wraca i natyka się na dziewczynę z kwiatami, która upuszcza kwiaty i krzyczy na niego. zeszyt coś pisze, kwiaciarka coś myśli, pisze na nią donos i płacze).

Krawat (Spotkanie profesora Higginsa i pułkownika Pickeringa. Kwiaciarka dręczy ich, prosząc, by kupili od niej kwiaty. Przybycie kwiaciarki Elizy Doolittle do domu profesora, jej prośba o poprawę wymowy)

Rozwój akcji (zakład profesora Higginsa i pułkownika Pickeringa. Odwiedziny ojca Elizy Doolittle)

Climax (Odwrócenie życia Elizy Doolittle. Eliza staje się damą towarzystwa. Uczestnictwo w imprezach towarzyskich. Kłótnia Elizy z profesorem. Ucieczka Elizy. Smutek Higginsa i Pickeringa).

Rozwiązanie (Zmiana w życiu i ojciec Elizy Doolittle. Ślub Elizy z Freddiem. Pojednanie dziewczyny z Higginsem i Pickering.)

Analiza struktury kompozycyjnej:

a) Konflikt:

· Podstawowy(między bohaterami „obecnego” stulecia i „przeszłego” wieku)

· Bok(między Elizą Doolittle a Henrym Higginsem; między panią Higgins a Henrym Higginsem; między Alfredem Doolittle a Elizą Doolittle; między Elizą Doolittle a Freddiem)

b) System obrazu: Kontrastujący bohaterowie: Bohaterowie „teraźniejszości” i „przeszłych” wieków.

c) Obrazy:

Eliza Doolittle: Kwiaciarka, córka Alfreda Doolittle. Atrakcyjny, ale nie mający świeckiego wychowania (a raczej wychowania ulicznego), około osiemnastu – dwudziestu lat. Ma na sobie czarny słomkowy kapelusz, mocno zniszczony za życia londyńskim kurzem i sadzą i ledwo oswojony z pędzlem. Jej włosy są koloru myszy, którego nie ma w naturze. Czerwonawo-czarny płaszcz, wąski w talii, ledwie sięgający kolan; pod spodem widoczna brązowa spódnica i płócienny fartuch. Wydaje się, że buty również znały lepsze czasy. Bez wątpienia jest czysta na swój sposób, ale obok pań zdecydowanie wygląda jak bałagan. Jej rysy nie są złe, ale stan skóry pozostawia wiele do życzenia; dodatkowo widać, że potrzebuje usług dentysty. Wizerunek Elizy Doolittle powstał dla aktorki Patricka Campbell i został ukończony podczas próby w londyńskim His Majesty's Theatre (1914).

Bohaterka dosłownie „wpada” do spektaklu: wulgarna, brudna, z dziką, nieartykułowaną mową, czasem nie pozbawioną oryginalności (np. słynne „Uu-aaaa-y!” czy „Kto ukradł kapelusz, zabił ciotkę ”). Henry Higgins postanawia – na zakład z pułkownikiem Pickeringiem – zrobić z niej „prawdziwą damę”. Podczas eksperymentu Eliza Doolittle przechodzi szereg przemian.

Po pierwsze, gdy zostaje „obmyta do takiego piękna”, że jej własny ojciec nie jest w stanie rozpoznać. Po drugie, kiedy ona, urocza, z wyrafinowaną mową i manierami, wygrywa zakład Hittinsa. I trzeci - kiedy odkrywa swoje nowe, jeszcze nie osiadłe, kruche, ale żywe "ja". Znajdując właściwą mowę, ona, podobnie jak bohaterki swojego ukochanego Ibsen Show, przede wszystkim odnajduje siebie - nie tylko „dobre maniery”, ale inny sposób „bycia”. I, co bardzo ważne, „być” niezależnie, niezależnie od woli swojego nauczyciela – rzeźbiarza Higtinsa. To bohaterka typowego paradoksu Chauvian. Ona, jako bohaterka starożytnej opowieści o Pigmalionie i Galatei, powinna była zakochać się w Hittinsie i dążyć do małżeństwa z nim. Ale Shaw nie mógł stworzyć takiej bohaterki. Jego Eliza Doolittle jest oczywiście przywiązana do Higginsa, ale natura tego uczucia nie jest dla niej do końca oczywista, w każdym razie konotacja erotyczna nie przeważa. Dla bohaterki o wiele ważniejsza i ciekawsza jest jej własna osoba. Dramat Elizy Doolittle. w tym, że w pewnym sensie nie jest „przed wcieleniem” swojego „twórcy”, który obudził w niej naturalny talent - nie tylko muzykalność, umiejętności aktorskie, cudowne ucho, ale także jasną, potężną osobowość. To Higgins obudził i nie podniósł Galatei, a to za sprawą Elizy Doolittle. - córka jej ojca, genialnego mówcy i filozofa, dżentelmena padlinożernego Alfreda Doolittle'a.

Oczywiście Eliza Doolittle nie może już wrócić do dawnego siebie. A on nie chce. Jej zamieszanie jest zrozumiałe: już chce żyć samodzielnie, ale jeszcze nie wie, jak. Namiętna, subtelna natura, w przeciwieństwie do Higginsa, otwarta na innych ludzi, potrafiąca odróżnić i docenić ich duchowe właściwości, Eliza Doolittle po ludzku wygrywa „spór” ze swoim Pigmalionem. Bohaterka spektaklu zostaje wezwana do zerwania ze stereotypem podporządkowania się tradycyjnemu wyobrażeniu „dobrze wykonanej sztuki”: zamiast marzyć o kwiecie pomarańczy i marszu Mendelssohna, snuje plany samodzielnego życia.

Henry Higgins: Profesor fonetyki. Mężczyzna około pięćdziesiątki, z siwymi włosami i smardzami na twarzy, niskiego wzrostu. Higgins był z czegoś niezadowolony, zły i na pierwszy rzut oka wydawał się źle wychowany. Początkowo traktował Elizę gorzej niż służącą. Ale zawsze był pułkownik Pickering, który próbował uspokoić Higginsa. Profesor Higgins i jego stary przyjaciel Pickering postawili na możliwość, że człowiek, który mówi dialektami i przekleństwami, opanuje doskonałą angielską wymowę za pomocą trzymiesięcznego kursu fonetyki. Higgins przyjął wyzwanie i starał się nie zawstydzać się przed przyjacielem. Dla niego była to kwestia honoru, więc zażądał, aby Eliza była gotowa do nauki fonetyki prawie przez całą dobę. Jego niestrudzona energia osłabiała małą dziewczynkę z kwiatami i jednocześnie przyciągała. Dla profesora Higginsa Eliza była tylko studentką, ale jednocześnie pozostała kobietą, do której on oczywiście się przywiązał. Początkowo Eliza marzyła o pójściu do pracy w bardziej prestiżowym sklepie, ale po przyjęciu księcia była zdezorientowana. Higgins był zainteresowany tylko zakładem i zostawia Elizę na pastwę losu. Taka była natura tego starego kawalera. Bernard Shaw nie zamyka finału. Wszystko może się zmienić, ale nie w jego grze, ale w umysłach publiczności. Profesor Higgins nie żałował dziewczyny, ale wysiłku włożonego w nią. Proponuje, że odbierze dla niej męża, gdyby tylko miała gdzie się porozumieć w przyszłości. Nie chce widzieć miłości ucznia do swojego nauczyciela. Przestraszony utratą wolności Higgins nie powstrzymuje magicznej damy. Nie przychodzi mu do głowy, że ludzie z niższych warstw też mają duszę.

Przyjęcia:

10. Wniosek dotyczący pojęcia semantycznego: potępienie zdrady i podłości, gloryfikowanie miłości, przyjaźni, potępienie nierówności ludzi, gloryfikowanie nowego ideału damy.

„Pigmalion” to kpina z fanów „błękitnej krwi” – ​​o swojej sztuce mówił sam autor. Dla Shaw ważne było pokazanie, że wszystkie cechy Elizy, które ujawnia jako dama, można już znaleźć w dziewczynie-kwiacie jako naturalne zdolności, lub że cechy dziewczyny-kwiatów można następnie ponownie odkryć w kobiecie.

Charakter człowieka determinowany jest nie bezpośrednio przez otoczenie, ale poprzez interpersonalne, zabarwione emocjonalnie relacje i powiązania, przez które przechodzi w warunkach swojego otoczenia. Człowiek jest istotą wrażliwą, receptywną, a nie pasywnym przedmiotem, któremu można nadać dowolny kształt, jak kawałek wosku. do centrum dramatycznej akcji.

„Pomijając językoznawstwo, należy przede wszystkim zauważyć, że Pigmalion był pogodną, ​​błyskotliwą komedią, której ostatni akt zawierał element prawdziwego dramatu: dziewczynka z kwiatami dobrze spisała się jako szlachetna dama i jest już nie jest potrzebna - wystarczy wrócić na ulicę lub wyjść za mąż za jednego z trzech bohaterów." Widz rozumie, że Eliza stała się damą nie dlatego, że nauczono ją ubierać się i mówić jak dama, ale dlatego, że nawiązała międzyludzkie relacje z damami i panami pośród nich. Podczas gdy cała sztuka w niezliczonych szczegółach sugeruje, że różnica między damą a kwiaciarką tkwi w ich zachowaniu, w tekście jest coś zupełnie przeciwnego: „Kobieta różni się od kwiaciarki nie tym, jak się nosi, ale tym, jak się nosi, jest leczony”. Te słowa należą do Elizy. Jej zdaniem, zasługa za przekształcenie jej w damę należy do Pickeringa, a nie Higginsa. Higgins tylko ją szkolił, uczył poprawnej mowy itp. Są to umiejętności, które można łatwo nabyć bez pomocy z zewnątrz. Uprzejmy adres Pickeringa spowodował tę wewnętrzną zmianę, która odróżnia dziewczynę z kwiatami od damy. Instruktywność spektaklu tkwi w syntezie - czynnikiem decydującym o istocie człowieka jest jego stosunek społeczny do innych ludzi. Postawa społeczna obejmuje dwie strony: zachowanie i apel. Eliza z kwiaciarki staje się damą dzięki temu, że wraz z jej zachowaniem zmieniło się również traktowanie, jakie odczuwała w otaczającym ją świecie.

Interpretacja zakończenia Pigmaliona jest oczywista. Nie ma to charakteru antropologicznego, jak poprzednie tezy, ale porządku etycznego i estetycznego: pożądana jest nie przemiana mieszkańców slumsów w damy i dżentelmenów, jak przemiana Doolittle’a, ale ich przemiana w nowego typ pań i panów, których poczucie własnej wartości opiera się na własnej pracy. Eliza w pogoni za pracą i niezależnością jest ucieleśnieniem nowego ideału damy, który w istocie nie ma nic wspólnego ze starym ideałem damy arystokratycznego społeczeństwa. Nie została hrabiną, jak wielokrotnie powtarzał Higgins, ale stała się kobietą, której siła i energia są podziwiane. Znamienne, że nawet Higgins nie może odmówić jej atrakcyjności - rozczarowanie i wrogość szybko zamieniają się w coś przeciwnego. Wydaje się nawet, że zapomniał o pierwotnym pragnieniu innego rezultatu i chęci uczynienia z Elizy hrabiny.

Pismo

Doświadczenie pokazuje, że pierwotne postrzeganie zabawy przez uczniów odbywa się dość łatwo, bez komplikacji. Czego nie można powiedzieć o wtórnej, pogłębionej percepcji, która powinna być wynikiem analizy pracy przez studentów. W tym przypadku daje o sobie znać niekonwencjonalny, paradoksalny charakter twórczości Shawa w ogóle, a sztuki „Pigmalion” w szczególności. Ta sztuka jest pod wieloma względami uderzająca swoją niezwykłością, zagmatwana. Weźmy na przykład „zakończenie otwarte”, które wymaga od widza pewnego rodzaju „myślenia” o akcji dramatycznej – a zatem stawia w nim szereg pytań, zamiast udzielać na nie odpowiedzi. Oryginalność estetyczna dzieła znacznie komplikuje studium sztuki. Dlatego uważamy za stosowne poczynić kilka rozważań dotyczących organizacji procesu studiowania sztuki przez uczniów.

Jak już wspomniano, zwróćmy uwagę nauczyciela na niektóre z jego kluczowych punktów, których wyjaśnienie pomogłoby uczniom zrozumieć stanowisko autora, koncepcję pracy. Tytuł sztuki. Pigmalion jest znanym bohaterem starożytnego greckiego mitu w kulturze światowej. Sednem tego mitu jest opowieść o rzeźbiarzu. Na poziomie domowym uważa się, że rzeźbiarz Pigmalion namiętnie zakochał się w stworzonej przez siebie rzeźbie, to uczucie tchnęło w nią życie. Jednak z biegiem czasu treść mitu w pewnym stopniu straciła swoje pierwotne znaczenie, które w starożytności było zupełnie inne!

Oto jak R. Graves opowiada historię Pigmaliona i Galatei: „Pigmalion, syn Bela, zakochał się w Afrodycie, a ponieważ nigdy nie dzieliła z nim łóżka, stworzył jej posąg z kości słoniowej, położył ją go w łóżku i zaczął modlić się do bogini o litość nad nim. Wchodząc do posągu, Afrodyta ożywiła go imieniem Galatea, która urodziła mu Pafos i Metarma. Pafos, dziedzic Pigmaliona, był ojcem Kinira, który założył cypryjskie miasto Pafos i zbudował w nim słynną świątynię Afrodyty. Po zapoznaniu się z mitem łatwo zauważyć, że podstawy mitologiczne zostały zinterpretowane przez Bernarda Shawa w bardzo oryginalny sposób - nawet jak na początek XX wieku. Jeśli mit dotyczy miłości człowieka (choć króla, ale człowieka!) Do bogini, o miłości, która zawsze może być odbierana jako wyzwanie dla wszechświata, który niszczy porządek ludzkiego życia, to u Shawa w zabawie spotykamy ekscentrycznego profesora i uliczną kwiaciarnię, nawet niezbyt „boską”.

A relacja tych bohaterów jest tak daleka od czułych uczuć (przynajmniej na początku spektaklu), że użycie w tytule imienia Pigmaliona można uznać za kpinę. Ponadto, w porównaniu z historią mitologiczną, relacja między współczesnym dramatopisarzem Pigmalionem a Galateą (swoją drogą i „kto jest kim” w duecie Eliza Doolittle – Henry Higgins?) jest tak zagmatwana i zaskakująca, że ​​mimowolnie pojawia się pytanie : czy był wybór nazwy dla historii?, o czym opowiada sztuka, kolejny paradoks „wielkiego paradoksalisty” Bernarda Shawa?

Takie chłopięce pragnienie udowodnienia szanowanemu pułkownikowi Pickeringowi swojej „wszechmocy”, kompletnej, na granicy jawnej arogancji, ignorowania interesów „materiału eksperymentalnego”, gruboskórności graniczącej z bezdusznością w stosunku do Elizy w dniu jej triumf, rodzaj „intelektualnych targów”, kończących zabawę, to etapy relacji „Pigmaliona” z jego „Galateą”. Uparta chęć wspinania się po drabinie społecznej, szalone targowanie się o czesne, przemiana w wątpliwe umysłowo „arcydzieło” o nienagannym wyglądzie i wymowie, rzucanie butami w tego, który wyciągnął ją z bagna, ucieczkę z domu Higginsa i hipotetyczny powrót do niej z zakupionymi rękawiczkami i krawatem – taką drogę pokonuje na naszych oczach stworzony spektakl „Galatea”, zdobywając tym samym rzekome prawo do szczęścia… Już same relacje bohaterów w całym spektaklu wskazują, że jej tytuł został celowo wybrany przez autora „z przeciwnej strony”.

Ten kontrast między potocznym znaczeniem, które świadomość współczesnego pisarza nałożyła na antyczny mit, a rzeczywistością w relacji między głównymi bohaterami, jest jednym ze źródeł powstawania nowego, „intelektualnego” dramatu. Zderzenie nie tylko uczuć, ale uczuć nacechowanych intelektualnie (wszak za doświadczeniami każdego z głównych bohaterów kryją się pewne idee) nadaje dramatycznemu konfliktowi Pigmaliona szczególnego znaczenia. Jednocześnie zapewnia mu fundamentalną „otwartość”, z góry przesądza o niemożliwości jego rozwiązania, bo gdy konflikt jest rzekomo wyczerpany uczuciowo, „ujawnia się” widzowi jego drugi, intelektualny plan, i występek odwrotnie.

Można wnioskować, że to właśnie w tytule Shaw „szyfruje” główne cechy stworzonego przez siebie „dramatu intelektualnego”, wskazuje na jego zasadniczą odmienność od dramatu tradycyjnego. Nieszablonowość spektaklu przejawia się przede wszystkim w cechach gatunkowych utworu. Autor określa ją jako „powieść w pięciu aktach” lub „wiersz w pięciu aktach”. A Shaw tworzy paradoksalne „skojarzenie” rzekomo niezgodnego! Przecież według wszystkich kanonów gatunkowych powieść może oczywiście składać się z pięciu, ale czy powinny to być części? Skoro mówimy o „działaniach”, to musi to być coś z dzieł dramatycznych? Autor świadomie stworzył więc rodzaj „hybrydy” epopei i dramatu. Kompozycja Shawa ma być inscenizowana, ale zgodnie z kanonami eposu nie ma w tej „powieści” listy postaci (poznajemy je dopiero, gdy pojawiają się na scenie).

W odniesieniu do „wiersza” „liryczne zabarwienie” akcji dramatycznej nie budzi wątpliwości, zatem w rzekomo „dramacie intelektualnym” podłoże emocjonalne jest zupełnie oczywiste. Rodzaj „historii miłosnej” Romea i Julii na początku XX wieku – taka jest historia opisana przez Bernarda Shawa… Mamy więc dzieło dramatyczne, w którym świadomie wpływają na tradycyjne kanony sztuki dramatycznej . W tym dramatycznym dziele są didaskali, ale zobaczmy, jak czasem wyglądają. Na początku II aktu uwaga zajmuje całą stronę!

Opisuje nie tylko laboratorium profesora Higginsa, ale także… jego stan umysłu spowodowany pewnymi wydarzeniami życiowymi, jego zachowanie… Liczne uwagi „wyjaśniają” szczegółowo intonacje, gesty, mimikę, ruchy ciała towarzyszące repliki postaci. Wszystko to stwarza wrażenie, że czytelnik faktycznie czyta powieść, ale widz w trakcie spektaklu nie może tego wszystkiego zobaczyć - jak tekst! W takich warunkach autor „powieści w pięciu aktach” praktycznie pozbawia reżysera możliwości zmiany czegoś w zaproponowanym mu do interpretacji scenicznej utworze, tak starannie przewidziany jest ruch sceniczny.

Z czasem taką dramaturgię będziemy nazywać „reżyserską”. Odtworzenie na scenie spektakli o takim planie zmusi reżyserów do wyboru: czy sumiennie postępują zgodnie z „instrukcjami autora” w postaci niezliczonych inscenizacji, ograniczając tym samym zakres własnych poszukiwań twórczych, czy też będą potrzebować znacząco „oddalić się” od intencji autora, tworząc w istocie własną sceniczną wersję „powieści-wiersza”. Wyzwać dramaturga? Choć może „wielki paradoksalista” na to liczył? Tak więc, studiując dzieło, nauczyciel musi koniecznie brać pod uwagę fakt, że tekst „Pigmaliona” jest rodzajem syntezy podstaw epickich, lirycznych i dramatycznych. Związek wszystkich trzech gatunków literackich! Jest to konieczne także dlatego, że w szkole z reguły studiuje się tekst utworu dramatycznego. Ogólnie rzecz biorąc, badanie spektaklu opartego na pracy w szkole jest zasadniczo niemożliwe, ponieważ przedstawienie istnieje tylko tak długo, jak trwa.

Dlatego też istotne są w tym przypadku problemy „wizerunku autora” i „bohatera lirycznego”, które są bardzo istotne w pracy z dziełami epickimi. Szczególne znaczenie ma zrozumienie przez uczniów oceny autora tego, co jest przedstawione, co wyraża się w uwagach. Porównanie obrazów - głównego bohatera profesora Henry'ego Higginsa i jednego, naszym zdaniem, głównych bohaterów - padlinożercy Alfreda Doolittle'a, ojca Elizy. Wierzymy, że każdy z bohaterów można uznać za „Pigmalion” w związku z jego rolą w procesie „tworzenia” osobowości Elizy Doolittle.

Pismo

Zasadniczą nowością dla scharakteryzowania wizerunku bohaterki jest jej pojawienie się w czwartym akcie sztuki. Tutaj - po raz pierwszy! - uwaga jest wyostrzona nie na jej wyglądzie, nie na zachowaniu, ale na jej wewnętrznym świecie, przeżyciach emocjonalnych. Oto jak widzimy Elizę: „Elise otwiera drzwi i oświetlona światłem z przedpokoju pojawia się w drogiej biżuterii i luksusowych strojach wieczorowych… Podchodzi do kominka i zapala światło. Widać, że jest zmęczona: blada, pełna tragedii cera ostro kontrastuje z ciemnymi oczami i włosami. Zdejmuje płaszcz, składa go razem z rękawiczkami i wiatrakiem na fortepianie - i cicho siada na ławce. Nie ma wątpliwości, że jest to rzeczywiście jakościowo nowy „wygląd” bohaterki. Zanim widz pojawia się przede wszystkim zmęczona młoda dziewczyna, a ta osoba przeżywa, jak można się domyślić, głęboki duchowy dramat. Jeśli nie tragedia. Tragedia i smutek - to właśnie określa jej stan umysłu, a uwaga to podkreśla.

A dalsze wydarzenia, rozmowy i zachowania Higginsa i Pickeringa, ich lekceważący stosunek do Elizy ujawniają genezę tych uczuć, tej tragedii. Scenografie, które pokazują reakcję Elizy na rozmowę Higginsa i Pickeringa, tworzą również nowy wizerunek bohaterki spektaklu. Oto jak reaguje na obraźliwe dla niej wypowiedzi: „Elise patrzy na niego ponuro – nagle zrywa się i wychodzi z pokoju”; „Eliza już się wzdryga, jednak mężczyźni nawet nie zwracają na nią uwagi. Znowu przejmuje nad sobą kontrolę…”; Piękno Elizy nabiera złowrogiego aspektu. Jak widać, milczy, ale ta cisza kryje w sobie głębokie uczucia. Poczucie własnej wartości, szacunek do samego siebie sprawia, że ​​Elisa nie mówi wszystkiego, na co zasługuje, „szanowanym” rozmówcom i to właśnie przekazują uwagi. Jednocześnie takie zachowanie to zachowanie osoby, której wcześniej nie widzieliśmy. Odtąd na obraz Elizy łączy się zewnętrzna doskonałość i godność ludzka, takt, człowieczeństwo.

Wierzymy, że właśnie to pojawienie się Elizy, jej długotrwałe wymowne milczenie, przygotowuje percepcję jej kolejnej rozmowy z Higginsem: widz rozumie i czuje, że nie jest już tylko „arcydziełem” pedagogicznych umiejętności profesora i wyrafinowanie krawca, ale żywa osoba z głębokimi przeżyciami emocjonalnymi, do tego osoba ekstremalnie upokorzona. Ponieważ z czasem okazuje się, że odmawia się jej prawa do bycia żywą osobą, przypisuje się jej rolę bezdusznej lalki, która powinna robić tylko to, co chce widzieć Higgins. „Wygląd” Elizy w akcie 5 ponownie wyraźnie kontrastuje ze sposobem, w jaki ją zostawiliśmy po zaciekłej rozgrywce z Higginsem: „Wchodzi Elise, dumna i stateczna, jej twarz promienieje uprzejmością. Dominuje jak nigdy dotąd i zachowuje się zaskakująco swobodnie. W rękach trzyma mały kosz do pracy. Widać, że czuje się tutaj jak w domu.”

Nigdy nie widzieliśmy w sztuce takiej Elizy, takiej bohaterki nigdy nie było! I nie chodzi tylko o to, że zachowuje się „zaskakująco swobodnie”. Chociaż to dużo, bo do tej pory to „nadmierna wrażliwość” była cechą charakterystyczną bohaterki. Najważniejsze, że w końcu Eliza znalazła spokój i szacunek do siebie. Teraz jej zewnętrzne piękno jest w pełnej harmonii z naturalnością i łatwością zachowania, wewnętrzną kulturą. Teraz ani Higgins, ani nikt inny nie będzie w stanie manipulować tą osobą za pomocą słów lub jakichkolwiek „sygnałów”. Odkąd dokonała wyboru, odtąd ta osoba jest samowystarczalna. Odtąd tylko ona sama będzie decydować, co robić i jak się zachować w każdym przypadku. Kolejne „pojawienie się” bohaterki w spektaklu dopełnia – pod względem kompozycyjnym – moralnej przemiany wizerunku Elizy Doolittle. Pewien paradoks (styl Shawa!) tej przemiany polega na tym, że jej bohaterka w ostatnim akcie spektaklu reprezentuje tę samą „harmonię formy i treści” – z punktu widzenia całościowego obrazu artystycznego – jak w pierwszy! Ale jeśli chodzi o osobowość bohaterki, ta integralność jest na jakościowo innym poziomie. Tym razem przed widzem i czytelnikiem nie stoi „garść zgniłych marchewek”, ale osoba samowystarczalna, oryginalna osobowość, która nigdy nie pozwoli się nikomu „zmiażdżyć”. Sekwencja „pojawów” Elizy Doolittle odtwarza główne etapy rozwoju moralnego bohaterki, wyznacza główne etapy zdobywania jej prawdziwej samooceny, świadomości siebie jako osoby.

Byliśmy więc w ten sposób przekonani, że wykorzystanie elementów analizy kompozycyjnej w procesie pracy nad wizerunkiem-postacią znacznie ułatwia holistyczne zrozumienie przez uczniów. Elementy analizy kompozycyjnej warto wykorzystać także wtedy, gdy próbujemy rozgryźć intencję dramatopisarza jako całości. Płótno artystyczne „Pigmaliona” umożliwia zastosowanie techniki, którą umownie nazywaliśmy „odwrotnym wyglądem bohaterów”. Jej istota polega na tym, że autor w „Pigmalionie” konsekwentnie buduje logikę pojawienia się na scenie każdego obrazu zgodnie z ogólnym planem dzieła.

W związku z tym „rozplątanie” tej logiki ujawnia uczniom ogólną intencję autora. Rozważmy to na przykładzie sekwencji występów w sztuce Elizy i jej ojca na początku i na końcu utworu. Najpierw poznajemy Elizę, a później Alfreda Doolittle. W obrazach córki i ojca jest wiele wspólnego: oboje są biedni, znajdują się na niższych szczeblach społecznej drabiny hierarchicznej. Jednocześnie łączy ich również fakt, że każda z postaci jest jasną i oryginalną osobowością. Jest oczywiście znacząca różnica: Eliza stara się uciec od biedy, zająć godne miejsce w życiu, podczas gdy jego ojciec jest całkowicie zadowolony ze swojego obecnego stanu. Sekwencja pojawiania się „córki – ojca” nie tylko reprezentuje tu każdą z postaci, ale także pozwala lepiej zrozumieć postać Elizy – poprzez poznanie jej jedynego krewnego, z pierwotnym środowiskiem, które ukształtowało dziewczynę. Ale w akcie piątym zmienia się kolejność pojawiania się bohaterów: najpierw pojawia się ojciec na swoim nowym wizerunku, potem córka.

Również w nowym wyglądzie… Dlaczego tak jest? Przypomnijmy, że obecny Alfred Doolittle jest „imponująco ubranym” mężczyzną w najnowszym stylu, osobą zabezpieczoną finansowo, która ma teraz trzy tysiące funtów rocznego zysku! Zewnętrzny kontrast między tym dżentelmenem a dawnym padlinożercą nie może nie uderzyć, ale… W rzeczywistości, jak się później dowiemy, nie nastąpiły żadne zmiany personalne… Alfred Doolittle, który teraz ma dużo pieniędzy, i Alfred Doolittle, który niedawno umiejętnie oszukał Higginsa pięć funtów, to ten sam człowiek! Bogactwo, dobrobyt nie mogą uczynić człowieka lepszym, nie mogą zmienić jego istoty na lepsze. Można to zrobić tylko poprzez wychowanie, ciągłą pracę nad samodoskonaleniem – dlatego po ojcu pojawia się córka, która tak naprawdę stała się inna.

Chociaż swoje zdziwienie z powodu rodzinnej reinkarnacji pokazuje tym samym nieopisanym okropnym dźwiękiem, który jest również w pierwszym akcie! W rzeczywistości, jak już zauważyliśmy powyżej, mamy przed sobą inną, jakościowo lepszą osobę. Za pomocą techniki „odwróconego wyglądu bohaterów” Shaw ucieleśnia w swojej pracy wiodącą ideę Fabiana, która głosi, że tylko edukacja może zmienić człowieka na lepsze, ulepszyć go, czyniąc krok w kierunku sprawiedliwego i doskonałego społeczeństwa.

Tak więc wykorzystanie elementów analizy kompozycyjnej podczas badania dzieł sztuki może pomóc nauczycielowi w efektywniejszej pracy zarówno nad rozumieniem obrazów-postaci, jak i nad przetwarzaniem dzieła jako całości. O cechach wykorzystania elementów analizy kompozycyjnej w pracy z konkretnym tekstem decydują jego cechy gatunkowe, indywidualność twórcza autora oraz specyfika wieku i rozwoju literackiego.

Pigmalion to sztuka Bernarda Shawa. Autor nazwał to „powieść w pięciu aktach”. Istnieje kilka możliwości przetłumaczenia gatunku „Pigmalion” na język rosyjski - na przykład „powieść fantasy w pięciu aktach” lub „powieść sentymentalna w pięciu aktach”. Jak większość dramatycznych dzieł Shawa, które niezmiennie zbliżały teatr do publicystyki, „Pigmalion” ma krótką przedmowę zatytułowaną „Profesor fonetyki” oraz obszerne posłowie opowiadające o dalszych losach głównej bohaterki – londyńskiej kwiaciarni Elizy Doolittle. Sztuka powstała w latach 1912-1913, po raz pierwszy wystawiona 16 października 1913 w Wiedniu. Angielska premiera odbyła się w His Majesty's Theatre w Londynie 11 kwietnia 1914 roku i objęła 118 przedstawień. Sam spektakl pełnił rolę reżysera, rolę Elizy Doolittle napisał on specjalnie dla Stelli Patrick Campbell, profesora fonetyki Higginsa zagrał Herbert Beerbom Tree.

Bernard Shaw, pracując nad spektaklem „Pigmalion”, kierował się starożytnym mitem rzeźbiarza Pigmaliona, który wyrzeźbił posąg Galatei. Zszokowany pięknem własnego dzieła artysta błaga Afrodytę, aby ożywiła marmurową figurę. Galatea zdobywa duszę, staje się piękną kobietą, szczęśliwą żoną Pigmaliona. Shaw jest jednak bardzo daleki od posłusznego powtarzania obrazów i sytuacji starożytnego mitu, wręcz przeciwnie, są one paradoksalnie przetworzone w jego sztuce. Galatea-Eliza, według dramatopisarza XX wieku, nigdy nie zostanie żoną Pigmaliona-Higginsa. Szczęśliwe zakończenie jest niemożliwe. Realizując pierwszy spektakl, Shaw kategorycznie zabronił aktorom przedstawiania wzajemnej miłości Elizy. oraz Higginsa. Interesowało go coś zupełnie innego - tragiczna niemożność wykształconej, utalentowanej, bogatej duchowo kobiety, pozbawionej kapitału, odpowiedniego ułożenia sobie życia w społeczeństwie kapitalistycznym. Eliza Kopciuszek nic nie kosztowała opanowanie nowoczesnej angielszczyzny, manier i zachowania świeckich dam, aby na każdym przyjęciu uchodzić za księżną lub księżniczkę. Ale jej przyszły los pozostaje nieprzewidywalny. Bernard Shaw kilkakrotnie przerabiał zakończenie Pigmaliona: po pierwsze, Eliza zdecydowanie opuściła Higginsa, aby nigdy więcej do niego nie wrócić; potem, w posłowiu, Shaw zasugerował, że mogłaby poślubić towarzyskiego Freddiego Aysford-Heale i, przy materialnym wsparciu Higginsa i jego przyjaciela Pickeringa, otworzyć kwiaciarnię. W końcu powstał szkic innego zakończenia: Eliza ponownie zamieszkała w domu Higginsa, ale nie jako żona lub kochanka, ale wyłącznie w przyjacielskich, biznesowych zasadach.

Ideologiczne podstawy spektaklu „Pigmalion” są głęboko ludzkie. Spektakl wierzy w niewyczerpany zapas sił twórczych drzemiących w ludziach od ludzi. Ubóstwo może oszpecić wygląd człowieka, zniszczyć jego indywidualność. Ale w sprzyjających okolicznościach wszystko, co najlepsze, budzi się szybko. Tak więc ojcem Elizy jest padlinożerca Alfred Doolittle, groteskowo napisany przez Shawa, nagle bogaty, z błyskotliwością i manierami pierwszorzędnego mówcy, wygłaszający wykłady dla znakomitej publiczności.

Podczas pisania Pigmaliona Shaw szczególnie interesował się fonetyką. Uważał, że idealnie poprawna mowa angielska, wolna od cockneyowskiego wulgaryzmu i pretensjonalnej frazeologii arystokratycznych salonów, jest w stanie zmienić sposób myślenia człowieka, wzmocnić jego wolę i rozwinąć prawidłowe wyobrażenie o rzeczywistości. Następnie w testamencie przekazał dużą sumę pieniędzy na kompilację nowego alfabetu angielskiego, przyczyniając się do zniszczenia granicy między pisaniem a wymową słów.

Nieustannie eksperymentując z charakteryzacją cech gatunkowych swoich sztuk, wymyślając najbardziej nieoczekiwane definicje, B. Shaw w większości pozostał tym, kim był przede wszystkim z powołania - komikiem. A Pigmalion to jedna z jego najlepszych komedii. Tu dialogi bohaterów są pełne aforyzmów, ostre komediowe epizody zastępują się nawzajem, paradoksalnie rozwijają się relacje bohaterów. Spektakl „Pigmalion” z zaskakującą łatwością przechodził najbardziej nieoczekiwane metamorfozy, zamieniając się w dzieła innych rodzajów sztuki. Jej historia sceniczna jest niezwykle bogata i różnorodna.

Pigmalion jest grany w Rosji od 1915 roku. Wśród pierwszych reżyserów byli V.E. Meyerholda. Najlepszymi wykonawcami roli Elizy w Rosji byli D.V. Zerkalova (Moskiewski Teatr Mały) i A.B. Freindlich (Teatr Leningradzki im. Lensovieta).

Pierwsza filmowa adaptacja Pigmaliona powstała w Anglii w 1938 roku (reż. Gabriel Pascal; Wendy Hiller jako Eliza i Leslie Howard jako Higgins). W 1956 dramat Shawa stał się podstawą musicalu My Fair Lady (muzyka Fredericka Lowe'a, libretto Alana Jaya Lernera). Ten musical, który podbił sceny kin na całym świecie, został z kolei sfilmowany i stanął do rywalizacji z komedią Shawa. Rosyjski balet powrócił do pierwotnego źródła sztuki Shawa w telewizyjnej sztuce Galatea (E.S. Maksimova - Eliza Doolittle).

Opublikowane po ich śmierci listy od Shawa i Stelli Patrick Campbell skłoniły amerykańskiego aktora i dramaturga Jerome'a ​​Kielty do skomponowania sztuki Pretty Liar, której znaczna część była poświęcona przygotowaniu Pigmaliona, złożonej twórczej i ludzkiej relacji, jaka rozwinęła się między Shaw i Stella Patrick Campbell, kapryśna, kapryśna, w wieku 49 lat szaleńczo bała się zagrać młodą dziewczynę z ulicznych kwiatów, ale w końcu doskonale poradziła sobie z rolą, dokładnie i subtelnie odgadując intencje dramaturga. Po produkcji sztuki Kilty'ego rozpoczął się nowy „maraton” najsilniejszych aktorek świata: teraz zagrały nie tylko Elizę Doolittle, ale Stella Patrick Campbell, która zrozumiała istotę bohaterki spektaklu. Były to Francuzka Maria Cazares, Amerykanka Catherine Cornell, Niemka Elizabeth Bergner, rosyjskie aktorki Angelina Stepanova i Ljubow Orłowa. Rola Stelli Patrick Campbell, która gra rolę Elizy, zainspirowała wszystkie aktorki, a także aktorów, którzy grają Bernarda Shawa. W jednym z listów twórczą relację powstałą podczas tworzenia „Pigmalionu” między nim a Stellą Patrick Campbell nazwał „magiczną”. Prawdziwą „magią” było nowe życie „Pigmaliona” w „Pretty Liar”.

Napisana w przededniu I wojny światowej słynna komedia Shawa wywarła znaczący wpływ na całą europejską kulturę artystyczną XX wieku. Warto zauważyć, że każde nowe dzieło powstałe na podstawie sztuki Shawa, bez względu na rodzaj sztuki, do którego należy, miało charakter samodzielny, posiadało nowe cechy estetyczne. A jednocześnie istnieje między nimi silny, organiczny związek. Życie „Pigmaliona” w czasie jest wyjątkowe i na swój sposób niepowtarzalne.