Pablo Picasso. Amateur d'absinthe. 1901 Ermitage, Saint-Pétersbourg

"Absinthe lover" est stocké à Saint-Pétersbourg. Elle est bien connue dans le monde entier. C'est un chef-d'œuvre reconnu du jeune Picasso.

Mais il est difficile d'appeler l'intrigue de l'image originale. Et avant Picasso, de nombreux artistes aimaient le thème de la solitude et de la désolation. Représentant des gens avec un regard vers nulle part à une table dans un café.

Nous rencontrons de tels héros à et à.

À gauche : Edgar Degas. Absinthe. 1876 ​​Musée d'Orsay, Paris. À droite : Édouard Manet. Slivovitz. 1877 galerie nationale Washington

Et pour Picasso lui-même, le « Buveur d'absinthe » de l'Ermitage n'a rien d'original. Il a souvent représenté des femmes célibataires au-dessus d'un verre. Voici seulement deux d'entre eux.

A gauche : buveur d'absinthe. 1901 Musée d'artà Bâle. À droite : femme ivre et fatiguée. Musée des Beaux-Arts de 1902 à Berne

Alors, quel est le chef-d'œuvre de cette image particulière ?

Cela vaut la peine d'y regarder de plus près.

Détails du buveur d'absinthe

Devant nous se trouve une femme de plus de 40 ans. Elle est mince. L'allongement de son corps est souligné par un chignon de cheveux et des bras et des doigts disproportionnellement longs.

Picasso a volontairement déformé les figures des héros. Il n'était pas important pour lui de garder des proportions et encore plus de rendre une personne réaliste. À travers ces déformations, il dépeint leurs distorsions et leurs vices spirituels.

Le visage de la femme est également unique. Laid, avec des pommettes larges et des lèvres étroites, presque absentes. Les yeux sont rétrécis. Comme si une femme essayait de penser à quelque chose, mais la pensée lui échappait toujours.

Pablo Picasso. Buveur d'absinthe (fragment). 1901 Ermitage, Saint-Pétersbourg

Elle est déjà sous l'emprise de l'absinthe. Mais toujours en essayant de garder un look digne de confiance. Il tient son menton dans sa main. Elle enroula son autre main autour d'elle.

Mais l'orateur n'est pas seulement l'apparence de la femme. Mais aussi l'environnement.

La femme est assise près du mur. Comme être dans un espace très confiné. Cela renforce le sentiment d'immersion en soi. Sa solitude est également soulignée par une table propre, sur laquelle, à part un verre et un siphon, il n'y a rien. Même les nappes.

Juste un miroir derrière elle. Qui reflète une tache jaune floue. Qu'est-ce que c'est?

Cela se reflète dans ce qui se passe dans le café. Sous les yeux de l'héroïne dansent des couples joyeux.

Picasso lui-même nous en donne un indice. Parallèlement, il crée une version pastel du Buveur d'absinthe.

Pablo Picasso. Absinthe. 1901 Ermitage, Saint-Pétersbourg

Derrière ce "collègue de l'absinthe" se cache aussi une tache jaune. Mais on voit les silhouettes des danseurs.

Peut-être, dans la version de l'Ermitage, Picasso a-t-il décidé de laisser le jaune éloquent. Montrer que le plaisir et la communication ont déjà quitté la vie d'une femme.

Tracé hors du temps

Et il convient de prêter attention à quelques détails.

Picasso mélange intentionnellement toutes les lignes. Il crée une sensation de fumée de tabac et l'illusion d'intoxication d'une femme.

Et combien de lignes croisées sont dans l'image! Les mains de l'héroïne. Reflet dans le miroir. Lignes sombres sur le mur. Couvercle du siphon. Symboles de la vie barrée.

La palette de couleurs parle aussi. Une couleur bleue calme et une teinte rouge désagréable. Une femme oscille entre le bon sens et le monde hallucinant de l'absinthe. Bien sûr, le second gagnera. Plus tard.

En général, tous les détails de l'image soulignent l'état d'esprit de l'héroïne. Le plaisir éphémère d'un verre sur fond d'une vie pleine à craquer.

Nous comprenons immédiatement que dans cette vie, il n'y a pas d'êtres chers, vraiment des parents. Il n'y a pas de travail qui apporte de la joie.

Il n'y a que tristesse et solitude. Par conséquent, l'alcool est de plus en plus addictif. Aide à détruire la vie.

C'est le génie de ce tableau. Picasso a su montrer de façon très poignante un homme en train de détruire sa vie.

Peu importe son âge. Cette histoire est intemporelle. Cette photo ne concerne pas une femme en particulier. Et à propos de toutes les personnes ayant un destin similaire.

Lisez à propos d'un autre chef-d'œuvre du maître dans l'article

Parcelle

Dans la salle obscure du restaurant, au milieu de l'amusement et de la tromperie, il montre à Picasso un amateur d'absinthe. Immergée en elle-même, elle est complètement indifférente à ce qui se passe. Son corps, comme s'il était devenu un monolithe, qui se balance de façon mesurée au rythme des pensées et des images qui vont et viennent.

Buveur d'absinthe, 1901. (wikipedia.org)

L'absinthe posée sur la table est une sorte de portail vers le monde de l'oubli, où s'éloignent les angoisses de la journée, la maladie et la peur. L'alcool ne résout pas les difficultés - le matin, tous les mêmes problèmes retomberont sur la tête de la gueule de bois - mais il déconnecte l'héroïne de la réalité.

Buveur d'absinthe, 1901. (picassolive.ru)

Le monde que l'on voit sur la toile est à la fois l'intérieur d'un des nombreux cafés bon marché de l'île et l'espace de la fantaisie. Le spectateur perd contact avec la réalité, tout comme le buveur d'absinthe. En utilisant le cloisonisme - un style de peinture aplati - Picasso détourne notre attention vers le monde non matériel.

Contexte

La toile a été créée sous l'influence de Paul Gauguin, Henri Toulouse-Lautrec, Edouard Manet, Edgar Degas. En fait, tous les contemporains qui, au début du XXe siècle, avaient réussi à se déclarer, d'une manière ou d'une autre, ont été cités. Cela s'applique à la fois au style et à l'intrigue : le thème d'une personne seule qui est à la mer et qui cherche l'oubli, le soulagement de la douleur mentale dans un verre, était très populaire dans fin XIX siècle. Picasso lui-même a plusieurs interprétations de l'intrigue, qui copie presque Le buveur d'absinthe.

Edouard Manet "Le buveur d'absinthe", 1859. (wikipedia.org)

Edgar Degas "Absinthe", 1876. (wikipedia.org)

Paul Gauguin "Café à Arles", 1888. (wikipedia.org)

"Absinthe", 1901. (wikipedia.org)

Dans une certaine mesure, ce tableau est un portrait de l'âme de Picasso. Pauvreté, manque d'ordres, mort ami proche Casagemas, le désordre général est devenu une épreuve, surmontant laquelle le peintre, bien sûr, pouvait chercher l'oubli dans un verre de la même manière. Le thème de la solitude et du vide résonnera bientôt dans période bleue, pour sa divulgation, Picasso écrira aux représentants des classes inférieures de statut égal à lui - mendiants, artistes itinérants, prostituées, sans-abri.

Pablo Picasso "Arlequin et sa petite amie. Gymnastes errants, 1901. (wikipedia.org)

Pablo Picasso "Femme au chignon", 1901. (wikipedia.org)

A cette époque, l'artiste était si pauvre qu'il n'avait même pas de toile. Pour The Absinthe Drinker, il a pris un ancien travail, l'a barbouillé et utilisé verso. En conséquence, les couleurs sonnent ternes, étouffées - comme le désir de l'héroïne maîtrisé pendant un moment. Poussée, pincée, elle se serre de ses mains, si anormalement entrelacées.

Le destin de l'artiste

Pablo Picasso est né en 1881 à Malaga. Selon la légende, le bébé était si faible que la sage-femme pensait déjà qu'il était mort. Mais la fumée du cigare de son oncle, debout à proximité, réveilla l'enfant.

Le père de Picasso était un artiste et a décidé d'adonner son fils au même métier. Il a sûrement vite regretté son entreprise - l'enfant a montré des capacités si impressionnantes qu'au fil des ans, son père a complètement abandonné la peinture - il ne pouvait pas supporter la compétition.

Possédant un tempérament espagnol classique, Picasso n'a pas perdu de temps à maîtriser son tempérament. Tout mot de critique contre lui provoquait la colère. C'était la principale raison de l'éducation incomplète de Picasso et des conflits fréquents avec les gens.

De Malaga, il s'installe à Barcelone, où il est encore à l'étroit, puis à Paris. Ici, en 1901, la première exposition de Picasso a eu lieu. Évidemment, un échec - l'Espagnol de province n'a pas été pris au sérieux par les Parisiens exigeants. Pour un jeune homme narcissique et ambitieux, ce fiasco était une épreuve plus dure que la misère. Mais il l'a surmonté aussi.

Autoportrait, 1901−1902. (wikipedia.org)

A Paris, l'artiste vivait dans un quartier où il était dangereux d'apparaître seul et sans armes dans la rue. Mais de telles bagatelles ne faisaient que réchauffer l'atmosphère et donner à Picasso une soif de vivre. Dans ces années-là, il se permettait tout : les maîtresses changeaient les unes après les autres, les relations avec les hommes, l'alcool, les crises d'opium. La drogue n'a été arrêtée qu'après le suicide de l'artiste, qui s'est pendu à la misère. Picasso avait peur que, étant drogué, il risque de franchir la ligne et de succomber au désespoir.

Pour Picasso, il n'y avait pas de limite de genre. Il travaillait avec n'importe quel matériau qui pouvait aider à exprimer une idée. La même absinthe et ses amants, l'artiste a non seulement écrit, mais aussi sculpté. Picasso est aussi connu comme graphiste, designer, céramiste, costumier et décorateur, poète et dramaturge. En tant que personne dont la formation a eu lieu au tournant du siècle, il était un artiste polyvalent qui, d'une part, entendait éclipser ses prédécesseurs et, d'autre part, était plongé dans la recherche d'un nouveau langage visuel. Cela explique aussi la fréquence avec laquelle il changeait de style. Traditionnellement, il est d'usage de distinguer 11 périodes de l'œuvre de Picasso : ancienne, bleue, africaine, cubisme analytique, cubisme synthétique, classicisme, surréalisme, avant-guerre, après-guerre, tardive. D'une manière ou d'une autre, on a demandé à l'artiste laquelle des périodes lui était la plus proche. A cela, Picasso écarta les doigts et répondit : « Qu'en pensez-vous, lequel des doigts m'est le plus cher ? J'ai besoin d'eux tous !

Picasso était plein d'énergie. Il avait plusieurs épouses, d'innombrables maîtresses et amants, des enfants légitimes et illégitimes. Le peintre disait : "Malheureusement, ou peut-être heureusement, je regarde les choses à travers le prisme de l'amour." En vieillissant, il choisit des femmes plus jeunes en répétant : « Si je vis avec une jeune femme, ça m'aide à rester jeune.

Picasso est crédité de dizaines de milliers d'œuvres. Personne ne peut évaluer avec précision l'ampleur de son patrimoine artistique - les chiffres varient de 20 000 à 100 000 peintures.

Sources

1. Hermitage.ru
2. Newestmuseum.ru
3. Artchive.ru
4. Picassolive.com
5. Alexander Tairov - à propos des artistes // youtube.com

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Quels autres secrets le maître légendaire a-t-il cryptés dans ses œuvres ?

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1. Erreur dans Salvator Mundi (Sauveur du monde)

Si vous regardez attentivement l'image, vous pouvez voir que la sphère entre les mains de Jésus est transparente. Mais qui, si ce n'est Leonardo, qui a étudié l'optique de loin, aurait dû savoir que l'arrière-plan derrière la sphère de cristal ne peut pas être comme ça. Il devrait augmenter et devenir flou. Pour quelle raison Grand artiste fait une telle erreur, il n'est pas connu avec certitude.

2 faits surprenants sur la Cène

Qu'est-ce qui peut unir Judas et Jésus dans cette toile ? Il y a une parabole selon laquelle la personne assise pour les deux était la même personne. Malheureusement, qui c'était exactement, aucune information n'a atteint nos jours.

Cependant, selon la légende, da Vinci a trouvé son Jésus dans le chœur de l'église, où il a servi comme choriste. Plus tard, alors que la fresque était presque terminée et que le maître ne trouvait personne pour l'image de Judas, Léonard remarqua un homme très ivre dans un fossé avec des traces de vie sauvage sur le visage. Lorsque da Vinci a terminé l'image de Judas, le modèle a admis qu'il connaissait cette image et il y a 3 ans, il a posé pour l'artiste en tant que Jésus.

3. Un autre fait étonnant sur la Cène

Autre nuance intéressante de cette fresque. Une salière renversée se trouve à côté de Judas.. Fait intéressant, ce fait peut être un exemple clair de la croyance que le sel renversé est en difficulté. Après tout, la toile représente le moment où Jésus dit que l'un de ceux qui sont rassemblés le trahira.

Huile/Carton (1499)

Description

Pendant des décennies, le marquis de Hanet a tenté de convaincre la communauté muséale de la primauté du « Sauveur » qui ornait son hôtel particulier à Paris. Selon de Ganet, l'un des précédents propriétaires du tableau, le baron de Laranti, l'a acquis au XIXe siècle auprès d'un monastère de Nantes, où elle a légué pour transférer l'œuvre...

"Le Sauveur du monde" est un tableau de Léonard de Vinci longtemps considéré comme perdu. Son client s'appelle habituellement le roi de France, Louis XII. Plusieurs croquis sont conservés au château de Windsor. Une vingtaine d'ouvrages de Leonardesco sur ce sujet ont été conservés. Il est possible que l'un d'eux soit un original très endommagé de Léonard, terminé par quelqu'un de son atelier.

Pendant des décennies, le marquis de Hanet a tenté de convaincre la communauté muséale de la primauté du « Sauveur » qui ornait son hôtel particulier à Paris. Selon de Ganaet, l'un des anciens propriétaires du tableau, le baron de Laranti, l'a acquis au XIXe siècle auprès d'un monastère de Nantes, où la veuve de Louis XII a légué le transfert de l'œuvre.
En 1982, la peinture participe à une exposition des œuvres du maître dans sa ville natale de Vinci ; cette exposition a été organisée par Carlo Peretti, un spécialiste expérimenté de l'attribution Leonardescan. Malgré tous ses efforts, le marquis n'a pas réussi à prouver que le "Sauveur" parisien a été peint par Léonard. Dans la plupart des catalogues modernes, il est attribué à Francesco Melzi ou Marco d'Oggiono. En 1999, le tableau a été vendu chez Sotheby's pour 332 000 $.

On connaît également une gravure du milieu du XVIIe siècle, réalisée par Wenceslas Hollar, probablement commandée par la reine anglaise Henrietta Maria. Si la gravure est réalisée à partir de l'original de Léonard, on peut en conclure qu'à cette époque le tableau appartenait aux Stuarts. C'est peut-être cette œuvre qui est entrée dans la collection du duc de Buckingham en 1688. En tout cas, en 1763, ses descendants l'ont vendu aux enchères comme l'œuvre de Léonard, après quoi la trace du tableau a été perdue.

Fin 2011, la National Gallery de Londres a annoncé que la prochaine exposition des œuvres de Léonard, ainsi que ses œuvres authentiques de la période milanaise, apportées à Londres de toute l'Europe, seront également exposées "Le Sauveur du monde" de collection privéeà New York. En 1900, elle fut acquise comme œuvre de l'école de Milan par l'un des les personnes les plus riches Angleterre victorienne, baronnet Frederick Cook, propriétaire du luxueux palais de Montferrat à Sintra. Sa maison exposait des œuvres de Filippo Lippi, Fra Angelico, Hubert van Eyck, Diego Velázquez et Rembrandt.
Le « Sauveur du monde » de la collection Cook a été déformé par des entrées et des corrections ultérieures : à l'époque de la Contre-Réforme, la moustache et la barbiche traditionnelles ont été ajoutées au visage imberbe et étrangement féminin du Sauveur. Il était si difficile d'attribuer le tableau sous cette forme qu'en 1958 les héritiers de Cook purent le vendre chez Sotheby's pour seulement 45 livres.

En 2004, lors d'une vente aux enchères sans nom, l'œuvre a été achetée par Robert Simon, un expert des maîtres anciens, et un groupe de marchands d'art. Ensuite, l'œuvre a été envoyée pour restauration, au cours de laquelle il a été possible de l'effacer des archives. Les détails de la restauration n'ont pas été divulgués. Après cela, le "Sauveur" a passé l'examen dans plusieurs musées d'Europe et des États-Unis, et seule Londres, après consultation des plus grands experts, a accepté de reconnaître la paternité de Leonardo. L'attention est attirée sur le haut savoir-faire de l'orbe de verre et, pour ainsi dire, sur la main lumineuse du Christ, la légèreté aérienne des robes bleues, l'utilisation de sfumato, la similitude du dessin avec des croquis du château de Windsor et la pleine correspondance des pigments du "Sauveur" de New York et de la "Madonna in the Rocks" de Londres.
Bien que Carlo Peretti conteste l'attribution de ce tableau à Léonard, selon des estimations préliminaires, la valeur marchande du "Sauveur" new-yorkais pourrait déjà atteindre 200 millions de dollars.

"Le Sauveur du monde" (Salvator Mundi) remonte à l'an 1500 : on pense que ce dernier ouvrage artiste - une image de portrait du Sauveur, tenant de sa main gauche boule de cristal, et celui avec ses doigts droits croisés en signe de bénédiction, a été perdu pendant longtemps.

"Pendant de nombreuses années, jusqu'en 2005, le tableau a été considéré comme perdu", indique le communiqué de presse de Christie's. "La première mention documentaire de celui-ci se trouve dans l'inventaire de la collection du roi Charles I (1600-1649). On pense qu'il ornait les chambres de l'épouse du roi, Henrietta Maria de France dans le palais royal de Greenwich, puis a été hérité par Charles II." La prochaine fois, selon la description Maison de vente aux enchères, le tableau est mentionné en 1763 - puis il est mis aux enchères par Herbert Sheffield, le fils illégitime du duc de Buckingham.

La file d'attente pour le tableau de Léonard de Vinci "Le Sauveur du monde" avant la vente aux enchères à New York, novembre 2017

Julie Jacobson/AP

Puis "Le Sauveur du monde" apparaît en 1900, lors de son acquisition par Charles Robinson, mais comme une œuvre de Bernardino Luini, l'un des disciples de Léonard de Vinci. "En conséquence, "Le Sauveur du monde" reconstitue la collection de la famille Cook, située dans la Douty House de Richmond", poursuit Christie's. "En 1958, lorsque les informations sur la provenance royale et la paternité de Léonard ont été perdues, le tableau est passé sous le marteau lors de la vente aux enchères chez Sotheby's pour seulement 45 £, après quoi il est à nouveau oublié pendant près d'un demi-siècle."

En 2013, le tableau a été acheté pour 127,5 millions de dollars par le milliardaire russe Dmitry avec l'aide du marchand suisse Yves Buvier.

Il l'a à son tour acheté pour 80 millions de dollars lors d'une vente aux enchères privée à la maison d'enchères Sotheby's auprès de trois marchands d'art.L'un d'eux, selon lui, a découvert le tableau lors d'une vente aux enchères immobilière huit ans plus tôt et l'a acheté pour 10 millions de dollars (alors les experts supposaient encore qu'il s'agissait de l'œuvre d'un artiste de l'école de Léonard).

Maintenant, "Sauveur du monde" a été vendu à un acheteur inconnu pour 45 fois ce qu'un marchand d'art anonyme a payé au début des années 2000, avec le prix initial de la peinture, qui, selon la maison de Christie, était déjà de 100 millions de dollars.

L'enchère téléphonique avec six acheteurs inconnus a duré 20 minutes. A la fin, le public a éclaté en applaudissements. Le commissaire-priseur Jussi Pailkkanen a déclaré : « C'est l'apogée de ma carrière de commissaire-priseur. Il n'y aura plus jamais un tableau que je vendrai plus cher que celui-ci ce soir.

"Sauveur du monde" a vraiment battu le précédent record jamais établi par un ancien maître de la peinture. Auparavant, l'œuvre la plus chère de cette catégorie était considérée comme "Le Massacre des Innocents" de Rubens, adjugé en 2002 pour 76,7 millions de dollars aux enchères de Sotheby's.

Crime et Châtiment

Le prix n'a pas été affecté même par les circonstances douteuses associées à ce tableau et à son ancien propriétaire Dmitry Rybolovlev et au marchand d'art Yves Buvier. En 2013, lorsque trois marchands ont vendu un tableau par l'intermédiaire de Sotheby's pour 80 millions de dollars, les Suisses l'ont vendu à un homme d'affaires russe pour 47,5 millions de dollars supplémentaires quelques jours plus tard. Les vendeurs du tableau ont écrit à Sotheby's pour lui demander s'ils savaient que le tableau avait déjà un autre acheteur ? Peut-être que les représentants de la vente aux enchères ont même montré l'œuvre à Rybolovlev à l'avance ?

Les marchands d'art ont menacé de poursuivre s'ils étaient victimes de fraude et étaient payés moins pour une peinture qu'elle ne valait réellement.

Les représentants de la maison de vente aux enchères sont passés à l'action, envoyant d'abord cet appel au tribunal de district de Manhattan pour bloquer le procès : ils ont dit qu'ils ne savaient pas que Buvier était déjà d'accord avec le milliardaire, et qu'il attendait déjà le « Sauveur du monde ».

Le prince de Monaco Albert II et le propriétaire du club de football monégasque Dmitry Rybolovlev après le match à Monaco, 2014

Alexeï Danichev/RIA Novosti

En 2015, le propriétaire russe du club de football de Monaco a poursuivi le marchand d'art Yves Buvier, l'accusant de gonfler à plusieurs reprises les prix des œuvres qu'il vendait, dont le tableau de Léonard de Vinci : le milliardaire a payé au total 2 milliards de dollars pour 37 tableaux de maîtres célèbres.Buvier a tout nié, et Rybolovlev a commencé à se débarrasser des œuvres. En mars, il a vendu des œuvres de Magritte, Rodin, Gauguin et Picasso, qu'il a achetées à Buvier pour 174 millions de dollars et qui lui ont rapporté 43,7 millions de dollars.

Après que Rybolovlev ait poursuivi Buvier, il a été détenu à Monaco, après quoi il a été libéré sous caution de 10 millions d'euros.Après cela, le marchand d'art a déclaré que le système judiciaire monégasque avait agi dans l'intérêt de Rybolovlev. En effet, en septembre 2017, le ministre de la Justice monégasque Philippe Narmino a démissionné après qu'un journal français a publié un article prouvant que le milliardaire russe avait fait pression sur les pays. Buvier lui-même, afin de couvrir les frais de justice, a dû vendre une partie de l'entreprise liée au stockage d'objets d'art.

Auteur, auteur !

Les questions d'argent ne sont pas la seule chose qui confond à propos du "Sauveur du monde". Beaucoup dans l'industrie doutent généralement que la peinture soit de Léonard. Le critique new-yorkais Jerry Saltz a publié un éditorial dans Vulture le 14 novembre avant la vente aux enchères, remettant en question l'authenticité de Sauveur du monde.

Se demandant immédiatement ce que fait le tableau de Léonard aux enchères "Après-guerre et art moderne", il cite l'un des visiteurs : ""Le fait est que 90% de cette image a été créée au cours des 50 dernières années."

"Le tableau ressemble à une version fictive de l'original perdu, en plus, des fissures, la destruction de la couche de peinture, un arbre enflé, une barbe effacée et d'autres détails sont visibles sur les rayons X, ajustés pour rendre cette copie plus proche de l'original", a déclaré Jerry Saltz au portail Artguide.

La critique brouille la qualité de l'œuvre elle-même.

Il prétend que le grand artiste n'a jamais peint des portraits de personnes dans des termes aussi simples. postures statiques, et même frontalement ; qu'il existe 15 à 20 peintures de Léonard de Vinci dans le monde, et qu'aucune d'entre elles n'est un « portrait » du Sauveur ; que la règle de la "nombre d'or" utilisée dans l'image, à laquelle se réfère le service marketing de Christie's, est trop évidente pour l'artiste, qui était à l'apogée de sa renommée en 1500.

De plus, Saltz a été gêné par la campagne de marketing à grande échelle lancée par la maison de vente aux enchères avant la vente aux enchères -

un luxueux livret de 162 pages avec des citations de Dostoïevski, Freud et Léonard lui-même, des publicités montrant des spectateurs enthousiastes lors de la pré-vente aux enchères (parmi les spectateurs se trouvaient des célébrités, notamment, et).

Assurez-vous de regarder le clip prolongé de trois employés de l'entreprise faisant la promotion de la peinture auprès des clients de Hong Kong, la décrivant comme "le Saint Graal de notre entreprise, la Joconde masculine du dernier da Vinci, notre idée originale, un véritable blockbuster comparable à l'ouverture nouvelle planète plus précieux qu'une raffinerie de pétrole », écrit Jerry Saltz (cité du portail Artgid).

En plus du tableau de Léonard de Vinci, la Cène a été vendue aux enchères - elle est passée sous le marteau pour 60 millions de dollars.L'apparition des œuvres ensemble devait justifier le fait que l'ancien tableau de maître est vendu aux enchères d'art d'après-guerre et contemporain, qui rapporte traditionnellement à la maison le plus gros revenu. Cette fois, c'était 785 millions de dollars.