Modrý generál číta a píše Leonty Vasilievič Dubelt bol pred čítaním skvelým lovcom. Generálovi však netreba vyčítať nečitateľnosť chutí, takéto výčitky si nezaslúžil. Dokonca aj v relatívne mladom veku povedal vydavateľovi Otechestvennye Zapiski Kraevsky,

Na planéte nie je takmer nikto, kto by nepoznal meno Pablo Picasso. Zakladateľ kubizmu a umelec mnohých štýlov 20. storočia ovplyvnil výtvarné umenie nielen v Európe, ale na celom svete.

Umelec Pablo Picasso: detstvo a roky štúdia

Jeden z najbystrejších sa narodil v Malage, v dome na námestí Merced, v roku 1881, 25. októbra. Teraz je tu múzeum a fond pomenované po P. Picassovi. Podľa španielskej tradície pri krste dali rodičia chlapcovi pomerne dlhé meno, ktoré je striedaním mien svätých a najbližších a najuctievanejších príbuzných v rodine. V konečnom dôsledku je známy svojím prvým a posledným. Pablo sa rozhodol vziať priezvisko svojej matky, pretože jeho otec je príliš jednoduchý. Chlapcov talent a túžba po kreslení sa prejavovali už od raného detstva. Prvé a veľmi cenné lekcie mu dal jeho otec, ktorý bol tiež umelcom. Volal sa Jose Ruiz. Svoj prvý seriózny obraz namaľoval ako osemročný – „Picador“. Môžeme s istotou povedať, že s ňou začala práca Pabla Picassa. Otec budúceho umelca dostal v roku 1891 pracovnú ponuku ako učiteľ v La Coruña a čoskoro sa rodina presťahovala do severného Španielska. Na tom istom mieste študoval Pablo rok na miestnej umeleckej škole. Potom sa rodina presťahovala do jedného z najkrajších miest - Barcelony. Mladý Picasso mal vtedy 14 rokov a na štúdium na La Lonja (Škola výtvarných umení) bol príliš mladý. Otec však dokázal zabezpečiť, aby bol prijatý na prijímacie skúšky na základe výberového konania, s čím si poradil bravúrne. Po ďalších štyroch rokoch sa ho rodičia rozhodli zapísať na vtedy najlepšiu umeleckú školu pre pokročilých – „San Fernando“ v Madride. Štúdium na akadémii rýchlo omrzelo mladého talentu, v jeho klasických kánonoch a pravidlách bol stiesnený a dokonca aj nudný. Preto sa viac venoval múzeu Prado a štúdiu jeho zbierok a po roku sa vrátil do Barcelony. Skoré obdobie jeho tvorby zahŕňa obrazy namaľované v roku 1986: „Autoportrét“ od Picassa, „Prvé prijímanie“ (zobrazuje umelcovu sestru Lolu), „Portrét matky“ (na obrázku nižšie).

Počas svojho pobytu v Madride najprv vytvoril, kde študoval všetky múzeá a obrazy najväčších majstrov. Následne do tohto centra svetového umenia niekoľkokrát prišiel a v roku 1904 sa konečne presťahoval.

"Modré" obdobie

Toto časové obdobie možno vnímať tak, že práve v tomto čase sa v Picassovom diele začína objavovať jeho individualita, stále podliehajúca vonkajším vplyvom. Známy fakt: talent tvorivých pováh sa čo najjasnejšie prejavuje v ťažkých životných situáciách. Presne to sa stalo Pablovi Picassovi, ktorého diela dnes pozná celý svet. Vzlet bol podnietený a prišiel po dlhej depresii spôsobenej smrťou blízkeho priateľa Carlosa Casagemasa. V roku 1901 bolo na výstave organizovanej Vollardom prezentovaných 64 diel umelca, ale v tom čase boli ešte plné zmyselnosti a jasu, jasne cítiť vplyv impresionistov. „Modré“ obdobie jeho tvorby postupne vstúpilo do svojich zákonných práv, prejavovalo sa strnulými kontúrami postáv a stratou trojrozmernosti obrazu, vzďaľovaním sa od klasických zákonitostí umeleckej perspektívy. Paleta farieb na jeho plátnach je čoraz monotónnejšia, dôraz sa kladie na modrú. Za začiatok obdobia možno považovať „Portrét Jaimeho Sabartesa“ a Picassov autoportrét, napísaný v roku 1901.

Obrazy „modrého“ obdobia

Kľúčovými slovami v tomto období boli pre majstra také slová ako osamelosť, strach, vina, bolesť. V roku 1902 sa opäť vráti do Barcelony, ale už tam nebude môcť zostať. Napätá situácia v hlavnom meste Katalánska, chudoba na všetkých stranách a sociálna nespravodlivosť majú za následok ľudové nepokoje, ktoré postupne zachvátili nielen celé Španielsko, ale aj Európu. Pravdepodobne tento stav ovplyvnil umelca, ktorý tento rok pracuje plodne a mimoriadne tvrdo. V vlasti vznikajú majstrovské diela „modrého“ obdobia: „Dve sestry (dátum)“, „Starý Žid s chlapcom“, „Tragédia“ (foto plátna vyššie), „Život“, kde je obraz sa znova objaví zosnulý Casagemas. V roku 1901 bol namaľovaný aj obraz „Piják absintu“. Sleduje vplyv v tom čase obľúbenej vášne pre „zhubné“ postavy, charakteristické pre francúzske umenie. V mnohých obrazoch znie téma absintu. Dielo Picassa je okrem iného plné drámy. Zvlášť zreteľne upúta hypertrofovaná ruka ženy, ktorou sa akoby snažila brániť. V súčasnosti je v Ermitáži uložený Piják absinthu, ktorý sa tam dostal zo súkromnej a veľmi pôsobivej zbierky Picassových diel (51 diel) od S. I. Ščukina po revolúcii.

Hneď ako sa naskytne príležitosť ísť znova, rozhodne sa ju bez váhania využiť a na jar 1904 opúšťa Španielsko. Práve tam sa stretne s novými záujmami, vnemami a dojmami, ktoré povedú k novej etape jeho tvorby.

"Ružové" obdobie

V diele Picassa táto etapa trvala pomerne dlho - od roku 1904 (jeseň) do konca roku 1906 - a nebola úplne homogénna. Väčšina obrazov tohto obdobia sa vyznačuje svetlou farebnou škálou, vzhľadom okrových, perleťovo-sivých, červeno-ružových tónov. Charakteristický je výskyt a následná dominancia nových námetov pre tvorbu umelca – hercov, cirkusantov a akrobatov, športovcov. Samozrejme, drvivú väčšinu materiálu mu poskytol cirkus Medrano, ktorý sa v tých rokoch nachádzal na úpätí Montmartru. Svetlé divadelné prostredie, kostýmy, správanie, rôznorodosť postáv akoby vrátili P. Picassa do sveta, síce premenených, ale skutočných foriem a objemov, prirodzeného priestoru. Obrazy v jeho obrazoch sa opäť stali zmyselnými a naplnené životom, jasom, na rozdiel od postáv „modrého“ štádia tvorivosti.

Pablo Picasso: diela „ružového“ obdobia

Obrazy, ktoré znamenali začiatok nového obdobia, boli prvýkrát vystavené koncom zimy 1905 v Galérii Serurier – ide o „Sediaci akt“ a „Herec“. Jedným z uznávaných majstrovských diel „ružového“ obdobia je „Rodina komikov“ (na obrázku vyššie). Plátno má pôsobivé rozmery - na výšku a šírku viac ako dva metre. Postavy cirkusových umelcov sú zobrazené proti modrej oblohe, všeobecne sa uznáva, že harlekýn na pravej strane je sám Picasso. Všetky postavy sú statické a nie je medzi nimi žiadna vnútorná blízkosť, všetkých zväzovala vnútorná samota – téma celého „ružového“ obdobia. Okrem toho stoja za zmienku tieto diela Pabla Picassa: „Žena v košeli“, „Toaleta“, „Chlapec vedie koňa“, „Akrobati. Matka a syn“, „Dievča s kozou“. Všetky demonštrujú divákovi krásu a pokoj vzácny pre umelcove obrazy. Nový impulz pre kreativitu prišiel na konci roku 1906, keď Picasso cestoval po Španielsku a skončil v malej dedinke v Pyrenejach.

Africké obdobie tvorivosti

S archaickým africkým umením sa P. Picasso prvýkrát stretol na tematickej výstave múzea Trocadero. Imponovali mu pohanské idoly primitívnych foriem, exotické masky a figúrky, stelesňujúce veľkú silu prírody a dištancované od najmenších detailov. Umelcova ideológia sa zhodovala s týmto silným posolstvom a v dôsledku toho začal svoje postavy zjednodušovať, aby vyzerali ako kamenné idoly, monumentálne a ostré. Prvé dielo v smere tohto štýlu sa však objavilo už v roku 1906 - ide o portrét diela spisovateľa Pabla Picassa, ktorý obraz prepísal 80-krát a už úplne stratil vieru v možnosť stelesniť jej obraz. klasický štýl. Tento moment možno právom nazvať prechodným od nasledovania prírody k deformácii formy. Stačí sa pozrieť na také plátna ako „Nahá žena“, „Tanec so závojmi“, „Dryáda“, „Priateľstvo“, „Busta námorníka“, „Autoportrét“.

Ale možno najvýraznejším príkladom afrického štádia Picassovho diela je obraz „Avignonské dievčatá“ (na obrázku vyššie), na ktorom majster pracoval asi rok. Korunovala túto etapu umelcovej kariéry a do značnej miery určila osud umenia vôbec. Prvýkrát plátno uzrelo svetlo až tridsať rokov po svojom napísaní a stalo sa otvorenými dverami do sveta avantgardy. Bohémsky kruh Paríža sa doslova rozdelil na dva tábory: „za“ a „proti“. Obraz je momentálne v Múzeu moderného umenia v New Yorku.

Kubizmus v diele Picassa

Problém jedinečnosti a presnosti obrazu zostal v európskom výtvarnom umení na prvom mieste až do momentu, keď doň vpadol kubizmus. Impulz k jeho rozvoju mnohí považujú za otázku, ktorá vznikla medzi umelcami: „Prečo maľovať? Spoľahlivým obrazom toho, čo vidíte, sa mohol začiatkom 20. storočia naučiť takmer každý a fotografovanie bolo doslova v pätách, čo hrozilo, že úplne a úplne vytlačí všetko ostatné. Vizuálne obrázky sa stávajú nielen vierohodnými, ale aj prístupnými a ľahko replikovateľnými. Kubizmus Pabla Picassa v tomto prípade odráža individualitu tvorcu, odmieta hodnoverný obraz vonkajšieho sveta a otvára úplne nové možnosti, hranice vnímania.

K raným dielam patria: „Hrnec, sklo a kniha“, „Kúpanie“, „Kytica kvetov v sivom džbáne“, „Miska na chlieb a ovocie na stole“ atď. Plátna jasne ukazujú, ako sa umelcov štýl mení a získava čoraz viac abstraktné črty ku koncu obdobia (1918-1919). Napríklad "Harlekýn", "Traja hudobníci", "Zátišie s gitarou" (na obrázku vyššie). Spájanie divákov majstrovej tvorby s abstrakcionizmom Picassovi vôbec nevyhovovalo, dôležité bolo pre neho samotné emocionálne posolstvo obrazov, ich skrytý význam. Nakoniec štýl kubizmu, ktorý vytvoril, postupne prestal umelca inšpirovať a zaujímať, čím otvoril cestu novým trendom v kreativite.

klasické obdobie

Druhé desaťročie 20. storočia bolo pre Picassa dosť ťažké. Rok 1911 sa teda niesol v znamení príbehu s ukradnutými figurínami z Louvru, ktorý umelca nepostavil do najlepšieho svetla. V roku 1914 sa ukázalo, že ani po toľkých rokoch strávených v krajine nebol Picasso pripravený bojovať za Francúzsko v prvej svetovej vojne, čo ho rozviedlo s mnohými priateľmi. A nasledujúci rok zomrel jeho milovaný Marcel Humbert.

Na návrat realistickejšieho Pabla Picassa v jeho tvorbe, ktorého diela boli opäť plné čitateľnosti, figuratívnosti a umeleckej logiky, vplývali aj mnohé vonkajšie faktory. Vrátane výletu do Ríma, kde bol preniknutý starovekým umením, ako aj komunikácia s baletným súborom Diaghilev a zoznámenie sa s balerínou Olgou Khokhlovou, ktorá sa čoskoro stala druhou manželkou umelca. Za začiatok nového obdobia možno považovať jej portrét z roku 1917, ktorý mal istým spôsobom experimentálny charakter. Ruský balet Pabla Picassa inšpiroval nielen k vytvoreniu nových majstrovských diel, ale dal aj svojho milovaného a dlho očakávaného syna. Najznámejšie diela tohto obdobia: Olga Khokhlova (na obrázku vyššie), Pierrot, Zátišie s džbánom a jablkami, Spiaci roľníci, Matka a dieťa, Ženy bežiace po pláži, Tri grácie.

Surrealizmus

Delenie kreativity nie je nič iné ako túžba dať ju do regálov a vtesnať ju do určitého (štylistického, časového) rámca. Avšak pre prácu Pabla Picassa, ktorého zdobia najlepšie múzeá a galérie na svete, možno takýto prístup nazvať veľmi podmieneným. Ak budete postupovať podľa chronológie, potom obdobie, keď mal umelec blízko k surrealizmu, pripadá na roky 1925-1932. Nie je vôbec prekvapujúce, že múza navštevovala majstra štetca v každej fáze jeho tvorby, a keď sa O. Khokhlova chcela spoznať na jeho plátnach, priklonil sa k neoklasicizmu. Kreatívni ľudia sú však nestáli a čoskoro do života Picassa vstúpila mladá a veľmi krásna Maria Teresa Walterová, ktorá mala v čase ich zoznámenia iba 17 rokov. Bola predurčená na rolu milenky a umelkyňa v roku 1930 kúpil zámok v Normandii, ktorý sa stal jej domovom, a jeho dielňu. Maria Teresa bola vernou spoločníčkou, ktorá vytrvalo znášala tvorivé a láskyplné hádzanie tvorcu, udržiavala priateľskú korešpondenciu až do smrti Pabla Picassa. Diela surrealistického obdobia: „Tanec“, „Žena v kresle“ (na obrázku nižšie), „Kúpač“, „Akt na pláži“, „Sen“ atď.

Obdobie druhej svetovej vojny

Sympatie k Picassovi počas nepriateľských akcií v Španielsku v roku 1937 patrili republikánom. Keď talianske a nemecké lietadlá v tom istom roku zničili Guernicu, politické a kultúrne centrum Baskov, Pablo Picasso zobrazil mesto v ruinách na obrovskom rovnomennom plátne len za dva mesiace. Doslova sa ho zmocnila hrôza z hrozby, ktorá visela nad celou Európou a ktorá nemohla neovplyvniť jeho prácu. Emócie neboli vyjadrené priamo, ale stelesnené v tóne, jeho pochmúrnosti, horkosti a sarkazmu.

Keď vojny utíchli a svet sa dostal do relatívnej rovnováhy a obnovil všetko, čo bolo zničené, Picassova práca získala šťastnejšie a jasnejšie farby. Jeho plátna napísané v rokoch 1945-1955 majú príchuť Stredomoria, sú veľmi atmosférické a čiastočne idealistické. Zároveň začal pracovať s keramikou, vytvoril veľa dekoratívnych džbánov, jedál, tanierov, figurín (fotografia je uvedená vyššie). Diela, ktoré vznikli za posledných 15 rokov jeho života, sú štýlovo a kvalitatívne veľmi nevyrovnané.

Jeden z najväčších umelcov dvadsiateho storočia - Pablo Picasso - zomrel vo veku 91 rokov vo svojej vile vo Francúzsku. Pochovali ho neďaleko hradu Vovenart, ktorý mu patril.

„Modré obdobie“ je možno prvou etapou v diele Picassa, v súvislosti s ktorou možno hovoriť o individualite majstra, napriek stále znejúcim tónom vplyvov. Prvý kreatívny vzlet bol vyvolaný dlhou depresiou: vo februári 1901 sa Picasso v Madride dozvedel o smrti svojho blízkeho priateľa Carlosa Casagemasa. 5. mája 1901 umelec prišiel druhýkrát v živote do Paríža, kde mu všetko pripomínalo Casagemasa, s ktorým nedávno objavil francúzsku metropolu. Pablo sa usadil v izbe, kde Carlos strávil svoje posledné dni, začal si aféru s Germainom, kvôli ktorej kamarát spáchal samovraždu, komunikoval s rovnakým okruhom ľudí. Možno si predstaviť, do akého zložitého uzla sa preňho votkala horkosť straty, pocit viny, pocit blízkosti smrti... To všetko do značnej miery slúžilo ako „smetí“, z ktorého vyrástlo „modré obdobie“. Neskôr Picasso povedal: "Ponoril som sa do modrej, keď som si uvedomil, že Casagemas je mŕtvy."

V júni 1901, na prvej parížskej výstave Picassa, ktorú otvoril Vollard, však stále neexistuje žiadna „modrá“ špecifickosť: 64 prezentovaných diel je jasných, zmyselných a je v nich viditeľný vplyv impresionistov. „Modré obdobie“ prichádzalo postupne: v dielach sa objavovali dosť strnulé obrysy postáv, majster sa prestal usilovať o „trojrozmernosť“ obrazov a začal sa vzďaľovať od klasickej perspektívy. Postupne sa jeho paleta stáva čoraz menej rôznorodou, akcenty modrej znejú čoraz viac. Za začiatok skutočného „modrého obdobia“ sa považuje ten istý „Portrét Jaimeho Sabartesa“ z roku 1901. Sám Sabartes o tomto diele povedal: "Pri pohľade na seba na plátne som si uvedomil, čo presne inšpirovalo môjho priateľa - bolo to celé spektrum mojej osamelosti, videné zvonku."

Kľúčové slová pre toto obdobie Picassovho diela sú skutočne „osamelosť“, „bolesť“, „strach“, „vina“, príkladom toho je „Autoportrét“ majstra, vytvorený niekoľko dní pred odchodom do Barcelony. . V januári 1902 sa vráti do Španielska, ale nebude môcť zostať - španielsky okruh bol pre neho príliš malý, Paríž bol pre neho príliš lákavý, opäť odišiel do Francúzska a strávil tam niekoľko zúfalých mesiacov. Diela sa nepredávali, život bol veľmi ťažký.

Musel sa opäť vrátiť do Barcelony a zostať poslednýkrát na viac ako rok. Hlavné mesto Katalánska stretlo Picassa s vysokým napätím, zo všetkých strán ho obklopovala chudoba a nespravodlivosť. Spoločenský kvas, ktorý zachvátil Európu na prelome storočí, zachvátil aj Španielsko. Pravdepodobne to ovplyvnilo aj myšlienky a nálady umelca, ktorý vo svojej vlasti pracoval mimoriadne tvrdo a plodne. Vznikli tu také majstrovské diela „modrého obdobia“ ako „Rande (Dve sestry)“, „Tragédia“, „Starý Žid s chlapcom“. Obraz Casagemasa sa znovu objavuje v obraze „Život“: bol napísaný na vrchole diela „Posledné chvíle“, vystaveného na svetovej výstave v roku 1900 v Paríži a stal sa dôvodom prvej cesty Picassa a Casagemasa do hlavného mesta Francúzsko. V období nedostatku peňazí umelec viackrát maľoval obrazy, no v tomto prípade malo toto „barbarstvo“ možno nejaký symbolický význam – ako znak rozlúčky so starým umením a Carlosom, ktorý tiež navždy zostal v minulosti.

Na jar 1904 sa opäť naskytla príležitosť odísť do Paríža a Picasso neváhal. Práve v Paríži ho čakali nové senzácie, noví ľudia, záujmy a nové obdobie – „ružové“, ktoré sa začína na jeseň roku 1904.

„Ponoril som sa do modrej, keď som si uvedomil, že Casajemas je mŕtvy,“ priznal neskôr Picasso. "Obdobie od roku 1901 do roku 1904 v diele Picassa sa zvyčajne nazýva "modré" obdobie, pretože väčšina obrazov tejto doby je namaľovaná v studenej modrozelenej škále, čo zhoršuje náladu únavy a tragickej chudoby." To, čo sa neskôr nazývalo „modré“ obdobie, znásobili obrazy smutných výjavov, maľby plné hlbokej melanchólie. To všetko je na prvý pohľad nezlučiteľné s obrovskou vitalitou samotného umelca. Keď si však pamätáme na autoportréty mladého muža s obrovskými smutnými očami, chápeme, že obrazy „modrého“ obdobia sprostredkúvajú emócie, ktoré v tom čase umelca vlastnili. Osobná tragédia vyostrila jeho vnímanie života a smútku trpiacich a znevýhodnených ľudí.

Je to paradoxné, ale pravdivé: nespravodlivosť životného poriadku živo pociťujú nielen tí, ktorí od detstva prežívajú jarmo životných ťažkostí, ba čo je ešte horšie - nechuť k blízkym, ale aj celkom prosperujúci ľudia. Picasso je toho ukážkovým príkladom. Jeho matka Pabla zbožňovala a táto láska sa mu až do smrti stala nepreniknuteľnou zbrojou. Otec, ktorý sa neustále potýkal s finančnými ťažkosťami, vedel synovi pomôcť zo všetkých síl, hoci sa niekedy uberal úplne iným smerom, ako naznačoval don Jose. Milovaný a prosperujúci mladý muž sa nestal egocentrom, hoci k tomu prispela atmosféra dekadentnej kultúry, v ktorej sa v Barcelone sformoval. Naopak, s veľkou silou pociťoval spoločenský neporiadok, obrovskú priepasť medzi chudobnými a bohatými, nespravodlivosť štruktúry spoločnosti, jej neľudskosť – jedným slovom všetko, čo viedlo k revolúciám a vojnám 20. storočia. .

„Poďme sa obrátiť na jedno z ústredných diel Picassa tej doby - na obraz „Starý žobrák s chlapcom“, ktorý bol vyrobený v roku 1903 a teraz v Štátnom múzeu výtvarných umení. A.S. Puškin. Na plochom neutrálnom pozadí sú vyobrazené dve sediace postavy – zúbožený slepý starec a malý chlapec. Obrazy sú tu podávané v ostro kontrastnej opozícii: tvár starého muža, vráskavá, akoby vyrytá mocnou hrou šerosvitu, s hlbokými dutinami slepých očí, jeho kostnatá, neprirodzene hranatá postava, lámavé línie nôh a paže a na rozdiel od neho doširoka otvorené oči na nežnej, jemne modelovanej tvári chlapca, hladké, plynulé línie jeho šiat. Chlapec stojaci na prahu života a zúbožený starec, na ktorom sa už podpísala smrť - tieto extrémy spája v obraze akási tragická zhoda. Chlapcove oči sú doširoka otvorené, ale zdajú sa mu rovnako nevidiace ako strašné medzery v očných jamkách starého muža: je ponorený do rovnakej neradostnej meditácie. Fádna modrá farba ešte viac umocňuje náladu smútku a beznádeje, ktorá sa prejavuje v smutne koncentrovaných tvárach ľudí. Farba tu nie je farbou skutočných predmetov, ani farbou skutočného svetla zaplavujúceho priestor obrazu. S rovnakými nudnými, smrteľne studenými odtieňmi modrej Picasso sprostredkúva tváre ľudí, ich oblečenie a pozadie, na ktorom sú vyobrazení.

Obraz je živý, ale je v ňom veľa konvencií. Proporcie tela starého muža sú hypertrofované, nepohodlné držanie tela zdôrazňuje jeho zlomenosť. Tenkosť je neprirodzená. Chlapcove črty tváre sú príliš zjednodušené. „Umelec nám nehovorí nič o tom, kto sú títo ľudia, do akej krajiny alebo éry patria a prečo sedia na tejto modrej zemi takto schúlení. Napriek tomu obraz hovorí veľa: v kontrastnej opozícii starého muža a chlapca vidíme smutnú, pochmúrnu minulosť jedného a beznádejnú, nevyhnutne pochmúrnu budúcnosť druhého a tragickú prítomnosť oboch. . Z obrazu na nás hľadí svojimi smutnými očami veľmi smutná tvár chudoby a samoty. Vo svojich dielach vytvorených v tomto období sa Picasso vyhýba fragmentácii, detailom a všetkými možnými spôsobmi sa snaží zdôrazniť hlavnú myšlienku zobrazeného. Táto myšlienka zostáva spoločná pre veľkú väčšinu jeho raných spisov; rovnako ako v Starom žobrákovi s chlapcom spočíva v odhaľovaní neporiadku, trúchlivej osamelosti ľudí v tragickom svete chudoby.

Hoci on sám pochádzal z buržoázneho prostredia a jeho zvyky a spôsob myslenia boli buržoázne, jeho maľba nebola buržoázna.

V roku 1896 Picassov otec prenajal dielňu pre svojho syna Pabla Picassa Ruiza na Calle de la Plata, kde teraz mohol pracovať bez nátlaku a dozoru a robiť, čo sa mu páčilo. Nasledujúci rok ho rodičia poslali do Madridu.

Umelec, ktorý do značnej miery určil povahu západoeurópskeho a amerického umenia dvadsiateho storočia, bol Pablo Picasso, Španiel, ktorý prežil väčšinu svojho života vo Francúzsku.

V roku 1900 Picasso a jeho priateľ Casachemes odišli do Paríža. Usadili sa v ateliéri, ktorý nedávno uvoľnil ďalší katalánsky maliar Isidre Nonell. Práve tam, v Paríži, sa Pablo Picasso zoznámil s dielom impresionistov. Jeho život v tejto dobe je plný mnohých ťažkostí a samovražda jeho priateľa Casajemesa mala na mladého Picassa hlboký vplyv. Za týchto okolností začal začiatkom roku 1902 robiť diela v štýle, ktorý sa neskôr nazýval „modré obdobie“. Picasso tento štýl rozvíja po svojom návrate do Barcelony v rokoch 1903 – 1904. Hrdinami jeho obrazov „modrého“ a „ružového“ obdobia sú obyčajné ženy, akrobati, potulní cirkusoví herci, žobráci. Dokonca aj diela venované téme materstva sú presiaknuté nie šťastím a radosťou, ale úzkosťou a starosťou matky o osud dieťaťa.

modré obdobie.

Začiatok „modrého obdobia“ sa zvyčajne spája s umelcovým druhým výletom do Paríža. Na Vianoce 1901 sa skutočne vracia do Barcelony s dokončenými a načatými plátnami, namaľovanými úplne iným spôsobom, než akým pracoval doteraz.

V roku 1900 sa Picasso stretol s grafikou Theophila Steinlena. Zaujíma sa o farebnú agresivitu severských umelcov, no práve v tomto období výrazne obmedzil vlastný farebný materiál. Všetko sa dialo rýchlo, niekedy dokonca súčasne. Malebné diela, pastely či kresby sa neustále menili v štýle, vo výraze. Téma a charakter diel, ktoré delí niekoľko týždňov a niekedy aj dní, sa môžu radikálne líšiť. Picasso mal vynikajúcu vizuálnu pamäť a náchylnosť. Je skôr majstrom odtieňov ako farieb. Maľba pre umelca spočíva predovšetkým na grafickom základe.

Smútok je to, čo rodí umenie, presviedča teraz svojich priateľov. V jeho obrazoch vzniká modrý svet tichej osamelosti, spoločnosťou odmietaní ľudia – chorí, chudobní, zmrzačení, starí ľudia.

Picasso už v týchto rokoch bol náchylný na paradoxy a prekvapenia. Roky 1900-1901 sa v umelcovej tvorbe zvyčajne nazývajú „Lautren“ a „Steilen“, čím naznačuje priamu súvislosť s umením jeho parížskych súčasníkov. Ale po výlete do Paríža konečne prestane so svojimi záľubami. „Modré obdobie“ z hľadiska postoja, problémov, plasticity je už spojené so španielskou umeleckou tradíciou.

2 plátna pomáhajú pochopiť situáciu - „Absintový nápoj“ a „Dátum“. Stoja na samom prahu „modrého obdobia“, predvídajúc mnohé z jeho tematických aspektov a zároveň završujú celý pás Picassovho hľadania, jeho smerovania k vlastnej pravde.

Dá sa s istotou povedať, že už vo veku 15 rokov mal Picasso vynikajúce umelecké schopnosti v akademickom zmysle slova. A potom ho uchváti duch experimentovania pri hľadaní vlastnej cesty v zložitom prelínaní smerov a prúdov európskeho umenia na prelome 19. a 20. storočia. V týchto vyhľadávaniach sa prejavila jedna z pozoruhodných čŕt Picassovho talentu - schopnosť asimilovať, asimilovať rôzne trendy a trendy v umení. V "Date" a "The Absinthe Drinker" sú stále viditeľné primárne zdroje (parížska umelecká škola). Ale mladý Picasso už začína hovoriť vlastným hlasom. To, čo ho znepokojovalo a trápilo, si teraz vyžadovalo iné obrazové riešenia. Minulé prílohy boli vyčerpané.

S nebojácnosťou skutočného veľkého umelca sa 20-ročný Picasso obracia na „dno“ života. Navštevuje nemocnice, psychiatrické liečebne, útulky. Tu nachádza hrdinov svojich obrazov - žobrákov, mrzákov, nemajetných, týraných a vyhodených spoločnosťou. Umelec chcel svojimi plátnami vyjadriť nielen sentimentálny súcit s nimi. Modrý svet ticha, do ktorého ponára svoje postavy, nie je len symbolom utrpenia a bolesti, je aj svetom hrdej osamelosti, mravnej čistoty.

„Dve sestry“ boli jedným z prvých diel tohto obdobia. V „Sestrám“ a vôbec v dielach „modrého obdobia“ sa autor zameriava na určité tradície stredovekého umenia. Zaujal ho štýl gotiky, najmä gotická plastika so zduchovnenou expresivitou foriem. Picasso v tých rokoch objavil El Greco a Moralesi. V ich dielach nachádza psychologickú expresivitu, symboliku farby, ostré vyjadrenie foriem, vznešenú duchovnosť obrazov, v súlade s jeho vtedajšími náladami a hľadaním.

„Dve sestry“ sú po všetkých stránkach charakteristickým dielom „modrého obdobia“. V mnohostrannom obsahu „Sestry“ opäť zaznieva téma komunikácie medzi ľuďmi, priateľstvo dvoch bytostí ako záruka ochrany pred útrapami života, nevraživosť sveta.

Ďalším typickým obrazom Picassa z „modrého obdobia“ je „Starý Žid s chlapcom“. Spájajú sériu diel, kde žobráci, slepí, zmrzačení vystupujú ako hrdinovia. Zdá sa, že v nich umelec spochybňuje svet prosperujúcich a ľahostajných mešcov a filištínov. Picasso chcel vo svojich hrdinoch vidieť nositeľov určitých právd skrytých pred obyčajnými ľuďmi, prístupných len vnútornému oku, vnútornému životu človeka. Nečudo, že väčšina postáv na obrazoch „modrého obdobia“ pôsobí slepo, nemá vlastnú tvár. Žijú vo svojom vnútornom svete, ich tenké „gotické“ prsty sa neučia vonkajšie formy predmetov, ale ich vnútorný tajný význam.

V Madride, od februára 1901, Picasso prvýkrát začal vážne študovať nové umenie, ktoré potom začalo svoje víťazné ťaženie takmer po celej Európe. Niekoľko mesiacov strávených v Madride sa ukázalo ako určujúcich pre ďalší vývoj jeho života. Tento moment je poznačený aj čisto vonkajšou zmenou: kedysi podpisoval svoje kresby s P. Ruizom Picassom, no teraz je na jeho dielach vidieť len meno jeho matky.

Počas tohto obdobia Picasso pracuje plodne. Jeho výstavy sa konajú v Barcelone. 24. júna 1901 usporiadal prvú výstavu v Paríži, kde teraz žil. Tu naberá na obrátkach nový štýl, ktorý láme trend obmedzovania farieb na studené tóny. Paris tlačil Picassa k silnému oživeniu palety. Čoraz častejšie sa objavovali obrazy s kyticami kvetov a nahými modelkami. Ak v Madride umelec pracoval hlavne v modrej, teraz vedľa modrej a zelenej ležali čisté, často kontrastné farby. Na povrch si razil cestu nový štýl. Umelec niekedy načrtol široké farebné plochy modrou, fialovou a zelenou. Tento spôsob sa nazýval „obdobie okenných tabúľ“.

Začiatkom roku 1903 sa Picasso vrátil do Barcelony a venoval sa krajinám, takmer všetky v modrej farbe. Krajinomaľba bola vždy umelcom v určitej miere zanedbávaná. Picasso nie je natoľko romantický, aby videl prírodu ako zdroj nevyčerpateľnej inšpirácie. V skutočnosti ho zaujíma len človek a to, čo človeka priamo obklopuje alebo sa ho dotýka.

Modrú farbu teraz zjemňuje blízkosť okrovej a bledofialovej farby, ktorú spája spoločný ružový tón. Modré obdobie vstúpilo do novej, prechodnej fázy, do doby potulného divadla a cirkusových ľudí.