Le poste a été inspiré par le programme "Quoi, où, quand?". Permettez-moi de commencer par une énigme.
Il s'agit d'un tableau de Tivadar Kostka Chontvari appelé "Le vieux pêcheur". À première vue, il n'y a rien de particulièrement remarquable, comme le pensaient également les critiques d'art, mais une fois, il a été suggéré que Dieu et le diable y soient représentés. Le mystère est pourquoi une telle idée est née. Sous la coupe, il y aura une image plus grande, une biographie et un indice :)

Avez-vous deviné? Pas? Peut-être que les détails vous donneront une réponse?

Je vais tourmenter un peu plus avec une histoire sur l'artiste lui-même. Qui ne peut pas attendre, voler vers le bas pour une réponse.

autoportrait

Tivadar Kostka est né le 5 juillet 1853 dans le village de montagne de Kishseben, qui appartenait à l'Autriche (aujourd'hui Sabinov, Slovaquie) - un artiste hongrois autodidacte.

Son père Lasli Kostka était médecin et pharmacien. Tivadar et ses cinq frères ont grandi dans une atmosphère saturée de l'esprit de la pharmacologie. Le futur artiste savait depuis l'enfance qu'il deviendrait pharmacien. Mais avant d'en devenir un, il a changé de nombreuses professions - il a travaillé comme vendeur, a suivi des cours à la faculté de droit pendant un certain temps et n'a ensuite étudié que la pharmacologie.

Une fois, il avait déjà 28 ans, alors qu'il se trouvait dans une pharmacie, il a attrapé un crayon et a dessiné sur une ordonnance une scène simple qu'il a vue de la fenêtre - une charrette tirée par des buffles. Était-ce le début de la schizophrénie dont il a souffert plus tard, mais depuis lors, le rêve de devenir artiste l'a saisi.

Il se rend à Rome, puis à Paris, où il rencontre le célèbre artiste hongrois Mihai Munkácsy (qui, soit dit en passant, a également terminé sa vie dans un hôpital psychiatrique). Et puis il retourne dans son pays natal, et pendant quatorze ans, il travaille dans une pharmacie, essayant d'atteindre l'indépendance financière. Ayant accumulé un petit capital, il part étudier d'abord à Munich, puis à Paris.

L'étude ne lui apportait pas satisfaction. C'est pourquoi, en 1895, il part en voyage en Italie pour peindre des paysages. Il a également voyagé en Grèce, en Afrique du Nord et au Moyen-Orient.
En 1900, il changea son nom de famille Kostka en pseudonyme Chontvari.
Déjà en 1907 et 1910 des expositions personnelles ont eu lieu à Paris, mais elles ne lui ont pas valu de reconnaissance. Ses peintures n'ont pas été reconnues en Hongrie et l'auteur avait une réputation de fou.

En 1910, la période de création prend fin. Les attaques de la maladie devinrent de plus en plus sévères. Il dessine très rarement désormais, seulement des esquisses de ses visions surréalistes.
Ces dernières années, il a écrit des livres : le pamphlet « L'énergie et l'art, les erreurs d'un homme civilisé » et l'étude « Génie. Qui peut et qui ne peut pas être un génie.
De son vivant, l'artiste n'a vendu aucun de ses tableaux.
Le dernier grand tableau, Un voyage le long du rivage, a été peint à Naples en 1909.

Le 20 juin 1919, l'artiste Chontvari mourut, comme on dit, d'arthrite.
Des parents, consultés par des experts, ils les ont assurés de l'échec artistique complet de Tivadar en tant qu'artiste, et bientôt les peintures ont été mises aux enchères non pas comme des œuvres d'art, mais comme des morceaux de toile. Un collectionneur au hasard (au hasard est-ce ?) A acheté tous les tableaux en vrac pour une somme modique qui a satisfait des neveux myopes (ou encore trompés).

Eh bien, maintenant la réponse :) Prenez un miroir et placez-le au centre de l'image et vous verrez ces réponses :)
Dieu, avec une mer calme dans ton dos.

Et le diable aux passions furieuses.

Dans presque toutes les œuvres d'art importantes, il y a un mystère, un double fond ou une histoire secrète que vous souhaitez découvrir.

Musique sur les fesses

Hieronymus Bosch, Le Jardin des délices, 1500-1510.

Fragment d'un triptyque

Les disputes sur les significations et les significations cachées de l'œuvre la plus célèbre de l'artiste néerlandais ne se sont pas apaisées depuis son apparition. Sur l'aile droite du triptyque appelé "Musical Hell", des pécheurs sont représentés qui sont torturés dans le monde souterrain à l'aide d'instruments de musique. L'un d'eux a des notes imprimées sur ses fesses. Amelia Hamrick, étudiante à l'Oklahoma Christian University, qui a étudié la peinture, a transposé la notation du XVIe siècle dans une tournure moderne et a enregistré "une chanson de cul de l'enfer vieille de 500 ans".

La Joconde nue

La célèbre "Gioconda" existe en deux versions : la version nue s'appelle "Monna Vanna", elle a été peinte par l'artiste peu connu Salai, qui fut élève et modèle du grand Léonard de Vinci. De nombreux critiques d'art sont convaincus que c'est lui qui a servi de modèle aux peintures de Léonard "Jean-Baptiste" et "Bacchus". Il existe également des versions vêtues d'une robe de femme, Salai a servi d'image de la Joconde elle-même.

Vieux pêcheur

En 1902, l'artiste hongrois Tivadar Kostka Chontvari a peint le tableau "Old Fisherman". Il semblerait qu'il n'y ait rien d'inhabituel dans l'image, mais Tivadar y a mis un sous-texte, qui n'a jamais été révélé au cours de la vie de l'artiste.

Peu de gens ont pensé à mettre un miroir au milieu de l'image. Dans chaque personne, il peut y avoir à la fois Dieu (l'épaule droite du vieil homme est dupliquée) et le diable (l'épaule gauche du vieil homme est dupliquée).

Y avait-il une baleine ?

Hendrik van Antonissen "Scène sur le rivage".

Cela ressemblait à un paysage ordinaire. Des bateaux, des gens sur le rivage et la mer déserte. Et seule une étude aux rayons X a montré que les gens se sont rassemblés sur le rivage pour une raison - dans l'original, ils ont examiné la carcasse d'une baleine échouée sur le rivage.

Cependant, l'artiste a décidé que personne ne voudrait regarder une baleine morte et a repeint le tableau.

Deux "Petits déjeuners sur l'herbe"

Edouard Manet, Petit déjeuner sur l'herbe, 1863.

Claude Monet, Petit déjeuner sur l'herbe, 1865.

Les artistes Edouard Manet et Claude Monet sont parfois confondus - après tout, ils étaient tous les deux français, ont vécu en même temps et ont travaillé dans le style de l'impressionnisme. Même le nom de l'un des tableaux les plus célèbres de Manet, "Le petit déjeuner sur l'herbe", Monet a emprunté et écrit son "Petit déjeuner sur l'herbe".

Jumeaux à la Dernière Cène

Léonard de Vinci, La Cène, 1495-1498.

Lorsque Léonard de Vinci écrivit La Cène, il attachait une importance particulière à deux personnages : le Christ et Judas. Il cherchait des gardiens pour eux depuis très longtemps. Enfin, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Leonardo n'a pas réussi à trouver une gardienne pour Judas pendant trois ans. Mais un jour, il rencontra un ivrogne allongé dans le caniveau de la rue. C'était un jeune homme qui avait été vieilli par une forte consommation d'alcool. Leonardo l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à écrire Judas de lui. Lorsque l'ivrogne a repris ses esprits, il a dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. C'était il y a quelques années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a écrit Christ de lui.

"Night Watch" ou "Day Watch" ?

Rembrandt, Ronde de nuit, 1642.

L'un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt, "La performance de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenbürg", a été accroché dans différentes salles pendant environ deux cents ans et n'a été découvert par les historiens de l'art qu'au XIXe siècle. Comme les personnages semblaient se détacher sur un fond sombre, il s'appelait Night Watch, et sous ce nom, il entra dans le trésor de l'art mondial.

Et ce n'est que lors de la restauration, effectuée en 1947, qu'il s'est avéré que dans le hall, le tableau avait réussi à se recouvrir d'une couche de suie, ce qui déformait sa couleur. Après avoir effacé le tableau original, il a finalement été révélé que la scène présentée par Rembrandt se déroule en réalité pendant la journée. La position de l'ombre de la main gauche du capitaine Kok montre que la durée de l'action ne dépasse pas 14 heures.

bateau chaviré

Henri Matisse, "La barque", 1937.

Au New York Museum of Modern Art en 1961, le tableau d'Henri Matisse "The Boat" a été exposé. Ce n'est qu'après 47 jours que quelqu'un a remarqué que le tableau était suspendu à l'envers. La toile représente 10 lignes violettes et deux voiles bleues sur fond blanc. L'artiste a peint deux voiles pour une raison, la deuxième voile est le reflet de la première à la surface de l'eau.
Afin de ne pas vous tromper sur la façon dont l'image doit être accrochée, vous devez faire attention aux détails. La plus grande voile doit être en haut du tableau et le sommet de la voile du tableau doit être dirigé vers le coin supérieur droit.

Déception dans un autoportrait

Vincent van Gogh, Autoportrait à la pipe, 1889.

Il y a des légendes selon lesquelles Van Gogh aurait coupé sa propre oreille. Maintenant, la version la plus fiable est que l'oreille de van Gogh a été endommagée lors d'une petite bagarre avec la participation d'un autre artiste, Paul Gauguin.

L'autoportrait est intéressant car il reflète la réalité sous une forme déformée : l'artiste est représenté avec l'oreille droite bandée, car il utilisait un miroir pour travailler. En fait, l'oreille gauche a été endommagée.

ours extraterrestres

Ivan Shishkin, "Matin dans la pinède", 1889.

La célèbre peinture n'appartient pas seulement au pinceau de Shishkin. De nombreux artistes amis les uns avec les autres ont souvent eu recours à "l'aide d'un ami", et Ivan Ivanovitch, qui a peint des paysages toute sa vie, avait peur que toucher des ours ne se déroule pas comme il le souhaitait. Par conséquent, Shishkin s'est tourné vers un peintre animalier familier, Konstantin Savitsky.

Savitsky a peint peut-être les meilleurs ours de l'histoire de la peinture russe, et Tretiakov a ordonné que son nom soit lavé de la toile, car tout dans le tableau "de l'idée à l'exécution, tout parle de la manière de peindre, de la méthode créative propre à Chichkine.

Histoire innocente "gothique"

Grant Wood, "Gothique américain", 1930.

L'œuvre de Grant Wood est considérée comme l'une des plus étranges et des plus déprimantes de l'histoire de la peinture américaine. L'image avec un père et une fille sombres regorge de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et la rétrogradation des personnes représentées.
En fait, l'artiste n'avait pas l'intention de représenter des horreurs: lors d'un voyage dans l'Iowa, il remarqua une petite maison de style gothique et décida de représenter les personnes qui, à son avis, conviendraient parfaitement en tant qu'habitants. La sœur de Grant et son dentiste sont immortalisés sous la forme de personnages qui ont tant offensé les habitants de l'Iowa.

La revanche de Salvador Dali

Le tableau "Figure à la fenêtre" a été peint en 1925, alors que Dali avait 21 ans. Alors Gala n'était pas encore entré dans la vie de l'artiste, et sa sœur Ana Maria était sa muse. La relation entre frère et sœur s'est détériorée lorsqu'il a écrit sur l'un des tableaux « parfois je crache sur un portrait de ma propre mère, et ça me fait plaisir ». Ana Maria ne pouvait pas pardonner un tel choc.

Dans son livre de 1949 Salvador Dali à travers les yeux d'une sœur, elle écrit sur son frère sans aucun éloge. Le livre a rendu El Salvador furieux. Pendant encore dix ans après cela, il se souvenait d'elle avec colère à chaque occasion. Et ainsi, en 1954, l'image "Une jeune vierge se livrant au péché de sodomie à l'aide des cornes de sa propre chasteté" apparaît. La pose de la femme, ses boucles, le paysage à l'extérieur de la fenêtre et la palette de couleurs du tableau font clairement écho à la Figure à la fenêtre. Il existe une version selon laquelle c'est ainsi que Dali s'est vengé de sa sœur pour son livre.

Danaé à deux visages

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danaé, 1636-1647.

De nombreux secrets de l'une des peintures les plus célèbres de Rembrandt n'ont été révélés que dans les années 60 du XXe siècle, lorsque la toile a été éclairée aux rayons X. Par exemple, le tournage a montré que dans la première version, le visage de la princesse, qui est entrée dans une histoire d'amour avec Zeus, ressemblait au visage de Saskia, l'épouse du peintre, décédée en 1642. Dans la version finale du tableau, il a commencé à ressembler au visage de Gertier Dirks, la maîtresse de Rembrandt, avec qui l'artiste a vécu après la mort de sa femme.

La chambre jaune de Van Gogh

Vincent van Gogh, "Chambre à Arles", 1888 - 1889.

En mai 1888, Van Gogh acquiert un petit atelier à Arles, dans le sud de la France, où il fuit les artistes et critiques parisiens qui ne le comprennent pas. Dans l'une des quatre pièces, Vincent aménage une chambre. En octobre, tout est prêt, et il décide de peindre la Chambre de Van Gogh à Arles. Pour l'artiste, la couleur, le confort de la pièce étaient très importants : tout devait suggérer des pensées de détente. En même temps, l'image est soutenue dans des tons jaunes inquiétants.

Les chercheurs de la créativité de Van Gogh expliquent cela par le fait que l'artiste a pris de la digitale, un remède contre l'épilepsie, qui provoque de graves changements dans la perception des couleurs du patient: toute la réalité environnante est peinte dans des tons vert-jaune.

La perfection édentée

Léonard de Vinci, "Portrait de Mme Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

L'opinion généralement acceptée est que Mona Lisa est la perfection et son sourire est beau dans son mystère. Cependant, le critique d'art américain (et dentiste à temps partiel) Joseph Borkowski estime que, à en juger par l'expression de son visage, l'héroïne a perdu beaucoup de ses dents. En examinant des photographies agrandies du chef-d'œuvre, Borkowski a également trouvé des cicatrices autour de sa bouche. "Elle sourit tellement précisément à cause de ce qui lui est arrivé", estime l'expert. "Son expression faciale est typique des personnes qui ont perdu leurs dents de devant."

Majeur sur le contrôle du visage

Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.

Le public, qui a vu pour la première fois le tableau "Major's Matchmaking", a ri de bon cœur: l'artiste Fedotov l'a rempli de détails ironiques compréhensibles pour les téléspectateurs de l'époque. Par exemple, le major n'est manifestement pas familier avec les règles de l'étiquette noble : il est apparu sans les bouquets appropriés pour la mariée et sa mère. Et la mariée elle-même a été renvoyée par ses parents marchands dans une robe de bal du soir, bien qu'il fasse jour (toutes les lampes de la pièce étaient éteintes). La jeune fille a visiblement essayé une robe décolletée pour la première fois, est gênée et tente de s'enfuir dans sa chambre.

Pourquoi la liberté est nue

Ferdinand Victor Eugène Delacroix, Liberté aux barricades, 1830.

Selon l'historien de l'art Etienne Julie, Delacroix a peint le visage d'une femme du célèbre révolutionnaire parisien - la blanchisseuse Anna-Charlotte, qui s'est rendue aux barricades après la mort de son frère aux mains de soldats royaux et a tué neuf gardes. L'artiste l'a représentée torse nu. Selon son plan, c'est un symbole d'intrépidité et d'altruisme, ainsi que du triomphe de la démocratie : les seins nus montrent que Svoboda, comme un roturier, ne porte pas de corset.

carré non carré

Kazimir Malevitch, Place des suprématistes noirs, 1915.

En fait, le "Carré noir" n'est pas du tout noir et pas du tout carré : aucun des côtés du quadrilatère n'est parallèle à aucun de ses autres côtés, et aucun des côtés du cadre carré qui encadre l'image. Et la couleur sombre est le résultat du mélange de différentes couleurs, parmi lesquelles il n'y avait pas de noir. On pense que ce n'était pas la négligence de l'auteur, mais une position de principe, le désir de créer une forme dynamique et mobile.

Des spécialistes de la galerie Tretiakov ont découvert l'inscription de l'auteur sur un célèbre tableau de Malevitch. L'inscription se lit comme suit : "Bataille des nègres dans une grotte sombre". Cette phrase fait référence au nom de la peinture ludique du journaliste, écrivain et artiste français Alphonse Allais "Bataille des nègres dans une grotte sombre au milieu de la nuit", qui était un rectangle absolument noir.

Mélodrame de la Joconde autrichienne

Gustav Klimt, "Portrait d'Adèle Bloch-Bauer", 1907.

L'une des peintures les plus importantes de Klimt représente l'épouse du magnat du sucre autrichien Ferdinand Bloch-Bauer. Tout Vienne a discuté de la romance orageuse entre Adele et le célèbre artiste. Le mari blessé voulait se venger de ses amants, mais a choisi une voie très inhabituelle : il a décidé de commander un portrait d'Adele à Klimt et de l'obliger à faire des centaines de croquis jusqu'à ce que l'artiste commence à se détourner d'elle.

Bloch-Bauer voulait que le travail dure plusieurs années, et le modèle a pu voir comment les sentiments de Klimt s'estompent. Il a fait une offre généreuse à l'artiste, qu'il n'a pas pu refuser, et tout s'est déroulé selon le scénario du mari trompé: le travail a été achevé en 4 ans, les amants s'étaient longtemps refroidis l'un envers l'autre. Adele Bloch-Bauer n'a jamais découvert que son mari était au courant de sa relation avec Klimt.

Le tableau qui a redonné vie à Gauguin

Paul Gauguin, "D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?", 1897-1898.

La toile la plus célèbre de Gauguin a une particularité : elle se « lit » non pas de gauche à droite, mais de droite à gauche, comme les textes kabbalistiques auxquels s'intéressait l'artiste. C'est dans cet ordre que se déroule l'allégorie de la vie spirituelle et physique d'une personne : de la naissance de l'âme (un enfant endormi dans le coin inférieur droit) à l'inévitabilité de l'heure de la mort (un oiseau avec un lézard en ses griffes dans le coin inférieur gauche).

Le tableau a été peint par Gauguin à Tahiti, où l'artiste a fui la civilisation à plusieurs reprises. Mais cette fois, la vie sur l'île n'a pas fonctionné : la pauvreté totale l'a conduit à la dépression. Ayant terminé la toile, qui devait devenir son testament spirituel, Gauguin prit une boîte d'arsenic et partit mourir dans les montagnes. Cependant, il n'a pas calculé la dose et le suicide a échoué. Le lendemain matin, il a titubé jusqu'à sa hutte et s'est endormi, et quand il s'est réveillé, il a ressenti une soif de vie oubliée. Et en 1898, ses affaires montèrent en flèche et une période plus brillante commença dans son travail.

112 proverbes en une image

Pieter Brueghel l'Ancien, "Proverbes néerlandais", 1559

Pieter Brueghel l'Ancien a représenté une terre habitée par des images littérales des proverbes néerlandais de l'époque. Il y a environ 112 idiomes reconnaissables dans l'image peinte. Certains d'entre eux sont encore utilisés aujourd'hui, comme "nager à contre-courant", "se cogner la tête contre le mur", "armé jusqu'aux dents" et "les gros poissons mangent les petits".

D'autres proverbes reflètent la bêtise humaine.

Subjectivité de l'art

Paul Gauguin, Village breton sous la neige, 1894

Le tableau de Gauguin "Village breton sous la neige" a été vendu après la mort de l'auteur pour seulement sept francs et, de surcroît, sous le nom de "Chutes du Niagara". Le commissaire-priseur a accidentellement accroché le tableau à l'envers après avoir vu une chute d'eau.

image cachée

Pablo Picasso, La chambre bleue, 1901

En 2008, l'infrarouge a montré qu'une autre image était cachée sous la "Chambre bleue" - un portrait d'un homme vêtu d'un costume avec un papillon et posant sa tête sur sa main. « Dès que Picasso a une nouvelle idée, il prend le pinceau et l'incarne. Mais il n'a pas eu la possibilité d'acheter une nouvelle toile à chaque fois que la muse lui rendait visite », explique l'historienne de l'art Patricia Favero.

Femmes marocaines inaccessibles

Zinaida Serebryakova, Nue, 1928

Un jour, Zinaida Serebryakova a reçu une offre tentante - partir en voyage créatif pour représenter les figures nues de jeunes filles orientales. Mais il s'est avéré qu'il était tout simplement impossible de trouver des modèles dans ces endroits. Un interprète de Zinaida est venu à la rescousse - il lui a amené ses sœurs et sa femme. Personne avant et après cela n'a pu capturer les femmes orientales fermées nues.

Aperçu spontané

Valentin Serov, "Portrait de Nicolas II dans une veste", 1900

Pendant longtemps, Serov n'a pas pu peindre le portrait du roi. Lorsque l'artiste a complètement abandonné, il s'est excusé auprès de Nikolai. Nikolai était un peu contrarié, s'est assis à table, tendant les mains devant lui ... Et puis l'artiste a compris - le voici! Un simple militaire en veste d'officier aux yeux clairs et tristes. Ce portrait est considéré comme la meilleure représentation du dernier empereur.

Encore diable

© Fedor Reshetnikov

Le célèbre tableau "Again deuce" n'est que le deuxième volet de la trilogie artistique.

La première partie est "Arrivé pour les vacances". Évidemment une famille aisée, des vacances d'hiver, un excellent étudiant joyeux.

La deuxième partie est "Again the deuce". Une famille pauvre de la périphérie de la classe ouvrière, au plus fort de l'année scolaire, un étourdissant terne qui a encore attrapé un deux. Dans le coin supérieur gauche, vous pouvez voir la photo "Arrivé pour les vacances".

La troisième partie est "Réexamen". Maison rurale, été, tout le monde marche, un ignorant malveillant qui a échoué à l'examen annuel est obligé de s'asseoir entre quatre murs et de bachoter. Dans le coin supérieur gauche, vous pouvez voir l'image "Again deuce".

Comment naissent les chefs-d'œuvre

Joseph Turner, Pluie, vapeur et vitesse, 1844

En 1842, Mme Simon a voyagé en train en Angleterre. Soudain, une forte averse a commencé. Le vieil homme assis en face d'elle s'est levé, a ouvert la fenêtre, a sorti la tête et a regardé comme ça pendant environ dix minutes. Incapable de contenir sa curiosité, la femme ouvrit également la fenêtre et regarda devant elle. Un an plus tard, elle découvre le tableau « Rain, Steam and Speed ​​» lors d'une exposition à la Royal Academy of Arts et peut y reconnaître l'épisode même du train.

Leçon d'anatomie de Michel-Ange

Michel-Ange, La Création d'Adam, 1511

Quelques experts américains en neuroanatomie pensent que Michel-Ange a en fait laissé des illustrations anatomiques dans l'une de ses œuvres les plus célèbres. Ils croient qu'un énorme cerveau est représenté sur le côté droit de l'image. Étonnamment, même des composants complexes tels que le cervelet, les nerfs optiques et l'hypophyse peuvent être trouvés. Et le ruban vert accrocheur correspond parfaitement à l'emplacement de l'artère vertébrale.

La Cène de Van Gogh

Vincent van Gogh, Terrasse de café la nuit, 1888

Le chercheur Jared Baxter pense que la terrasse du café de Van Gogh la nuit contient une dédicace à La Cène de Léonard de Vinci. Au centre de l'image se trouve un serveur aux cheveux longs et vêtu d'une tunique blanche, rappelant les vêtements du Christ, et autour de lui exactement 12 visiteurs de café. Baxter attire également l'attention sur la croix, située directement derrière le dos du serveur en blanc.

L'image de la mémoire de Dali

Salvador Dali, La persistance de la mémoire, 1931

Ce n'est un secret pour personne que les pensées qui ont visité Dali lors de la création de ses chefs-d'œuvre étaient toujours sous la forme d'images très réalistes, que l'artiste a ensuite transférées sur la toile. Ainsi, selon l'auteur lui-même, le tableau «La persistance de la mémoire» a été peint à la suite d'associations nées à la vue de fromage fondu.

Qu'est-ce que Munch crie

Edvard Munch, "Le Cri", 1893.

Munch a parlé de l'idée de l'une des peintures les plus mystérieuses de la peinture mondiale: "Je marchais le long du chemin avec deux amis - le soleil se couchait - soudain le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé sur la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes au-dessus du fjord bleu-noir et de la ville - mes amis ont continué, et je me suis tenu, tremblant d'excitation, sentant le cri sans fin transpercer la nature. Mais quel genre de coucher de soleil pourrait effrayer autant l'artiste ?

Il existe une version selon laquelle l'idée de "Scream" est née par Munch en 1883, lorsqu'il y a eu plusieurs éruptions les plus fortes du volcan Krakatoa - si puissantes qu'elles ont changé la température de l'atmosphère terrestre d'un degré. Une quantité abondante de poussière et de cendres s'est répandue sur le globe, atteignant même la Norvège. Pendant plusieurs soirées d'affilée, les couchers de soleil donnaient l'impression que l'apocalypse était sur le point de se produire - l'un d'eux est devenu une source d'inspiration pour l'artiste.

Écrivain parmi le peuple

Alexandre Ivanov, "L'apparition du Christ au peuple", 1837-1857.

Des dizaines de modèles ont posé pour Alexander Ivanov pour sa photo principale. L'un d'eux n'est pas moins connu que l'artiste lui-même. En arrière-plan, parmi les voyageurs et les cavaliers romains qui n'ont pas encore entendu le sermon de Jean-Baptiste, on peut remarquer un personnage en tunique brune. Son Ivanov a écrit avec Nikolai Gogol. L'écrivain a communiqué étroitement avec l'artiste en Italie, en particulier sur les questions religieuses, et lui a donné des conseils dans le processus de peinture. Gogol croyait qu'Ivanov "était mort depuis longtemps pour le monde entier, sauf pour son travail".

La goutte de Michel-Ange

Raphaël Santi, L'école d'Athènes, 1511.

Créant la célèbre fresque "L'école d'Athènes", Raphaël a immortalisé ses amis et connaissances dans les images des anciens philosophes grecs. L'un d'eux était Michelangelo Buonarroti "dans le rôle" d'Héraclite. Pendant plusieurs siècles, la fresque a gardé les secrets de la vie personnelle de Michel-Ange, et des chercheurs modernes ont suggéré que le genou étrangement anguleux de l'artiste indique qu'il souffre d'une maladie articulaire.

C'est fort probable, compte tenu des particularités du mode de vie et des conditions de travail des artistes de la Renaissance et du bourreau de travail chronique de Michel-Ange.

Miroir des Arnolfini

Jan van Eyck, "Portrait des Arnolfini", 1434

Dans le miroir derrière les Arnolfinis, vous pouvez voir le reflet de deux autres personnes dans la pièce. Il s'agit très probablement de témoins présents à la conclusion du contrat. L'un d'eux est van Eyck, comme en témoigne l'inscription latine placée, contrairement à la tradition, au-dessus du miroir au centre de la composition : « Jan van Eyck était ici ». C'est ainsi que les contrats étaient généralement scellés.

Comment un défaut s'est transformé en talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportrait à l'âge de 63 ans, 1669.

La chercheuse Margaret Livingston a étudié tous les autoportraits de Rembrandt et a constaté que l'artiste souffrait de strabisme : dans les images, ses yeux regardent dans des directions différentes, ce qui n'est pas observé dans les portraits d'autres personnes par le maître. La maladie a conduit au fait que l'artiste pouvait mieux percevoir la réalité en deux dimensions que les personnes ayant une vision normale. Ce phénomène est appelé "cécité stéréo" - l'incapacité de voir le monde en 3D. Mais puisque le peintre doit travailler avec une image en deux dimensions, c'est précisément cette lacune de Rembrandt qui pourrait être l'une des explications de son talent phénoménal.

Vénus sans péché

Sandro Botticelli, La Naissance de Vénus, 1482-1486.

Avant l'avènement de La Naissance de Vénus, l'image d'un corps féminin nu en peinture ne symbolisait que l'idée du péché originel. Sandro Botticelli a été le premier peintre européen à ne rien trouver de pécheur en lui. De plus, les historiens de l'art sont convaincus que la déesse païenne de l'amour symbolise l'image chrétienne sur la fresque : son apparition est une allégorie de la renaissance de l'âme qui a subi le rite du baptême.

Joueur de luth ou joueur de luth ?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Le joueur de luth, 1596.

Longtemps, le tableau fut exposé à l'Ermitage sous le titre "Lute Player". Ce n'est qu'au début du XXe siècle que les historiens de l'art ont convenu que la toile représente encore un jeune homme (probablement, le Caravage a été posé par son ami l'artiste Mario Minniti) : sur les notes devant le musicien, un enregistrement de la partie de basse de le madrigal de Jacob Arcadelt "Tu sais que je t'aime" est visible. Une femme pourrait difficilement faire un tel choix - c'est juste dur pour la gorge. De plus, le luth, comme le violon tout au bord du tableau, était considéré comme un instrument masculin à l'époque du Caravage.

Amandiers en fleurs (Paysage en Italie), 1902

Tivadar Kostka Chontvari (hongrois Csontváry Kosztka Tivadar, 5 juillet 1853, Kishseben, Empire autrichien, aujourd'hui Sabinov, Slovaquie - 20 juin 1919, Budapest, Hongrie) est un artiste hongrois autodidacte. Son travail peut être attribué au post-impressionnisme et à l'expressionnisme.

En 1865, la famille Chontvari a déménagé dans le village de Sredne (aujourd'hui la région de Transcarpathie) et Tivadar a été envoyé étudier dans une école commerciale à Uzhgorod. Il a été pharmacien, comme son père. En 1881, il vit une intuition qui lui annonce le destin d'un grand peintre, « plus significatif que Raphaël lui-même ». En 1883, à Paris, il rencontre Mihaly Munkácsy, considéré comme le plus grand peintre hongrois. A voyagé en Dalmatie, en Italie, en Grèce, en Afrique du Nord et au Moyen-Orient. En 1900, il change son nom de famille Kostka en pseudonyme Chontvari.

Chontwari a commencé à peindre au milieu des années 1890. Il possède plus d'une centaine de tableaux. La plupart d'entre eux, stylistiquement proches de l'expressionnisme, ont été créés en 1903-1909. Dans ses peintures également, il y avait des caractéristiques de réalisme magique, de symbolisme, de surréalisme mythique, de post-impressionnisme.

Les toiles de Chontvari ont été exposées à Paris (1907, 1910) et dans d'autres villes européennes, mais n'ont pas été reconnues dans leur pays d'origine. En Hongrie, l'artiste avait la réputation d'être fou en raison de son comportement excentrique, de son style de vie ascétique et d'une tendance à tomber dans un ton prophétique lors de la communication. Ces dernières années, il a écrit des livres - la brochure "Énergie et art, les erreurs d'un homme civilisé" et l'étude "Génie. Qui peut et qui ne peut pas être un génie". De son vivant, l'artiste n'a vendu aucun de ses tableaux. Les principales œuvres de l'artiste sont rassemblées au musée de la ville de Pec.

autoportrait

Oiseau prédateur

vieille femme épluchant des pommes

Femme assise près de la fenêtre

Jeune artiste

Le soleil regarde Trau

Coucher de soleil sur le golfe de Naples

Amandiers en fleurs à Taurmina

Château de Stabia

Rendez-vous amoureux

Ville en bord de mer

Vue de la ville de Selmetsbanya

Percée Zrinji (Zrinji - commandant croate)

Centrale électrique de Yajice la nuit

Pompéi (Maison de Chirgugus avec le Vésuve)

Prier le Sauveur

Un effet miroir intéressant peut être observé sur l'exemple du tableau "Le Vieux Pêcheur". On sait que le visage d'une personne est asymétrique, c'est-à-dire que les parties droite et gauche ne coïncident pas l'une avec l'autre.
Il est difficile de dire si l'artiste voulait dire quelque chose du fait que les parties droite et gauche du visage du vieil homme représenté sur la photo sont si différentes, mais l'effet s'est avéré très intéressant.

vieux pêcheur

À gauche, un portrait composé du côté droit du visage et de son image miroir, à droite - du côté gauche et de son image miroir.

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Jusqu'à récemment, seuls quelques-uns qui s'intéressent à la peinture, en particulier à l'expressionnisme et au primitivisme, connaissaient le nom de l'artiste hongrois Tivadar Kostka Chontvary. À propos du peintre décédé dans la pauvreté il y a près de 100 ans, qui, de plus, était considéré comme fou (certains chercheurs de sa biographie pensent que Tivadar était atteint de schizophrénie), tout récemment, beaucoup ont commencé à parler.

Le fait est qu'un des employés du musée de la ville de Pec, examinant le tableau de Tivadar Chontvari "Le vieux pêcheur", a découvert que si vous divisez la toile en deux avec un miroir, vous obtenez deux images différentes ! Ce détail a intéressé non seulement de nombreux historiens de l'art, mais aussi des gens ordinaires. Ils ont commencé à parler du mysticisme secret de l'œuvre, l'attitude envers l'héritage créatif de l'autodidacte hongrois a été révisée. En Russie, l'intérêt pour ce fait s'est accru après la sortie du programme «Quoi? Où? Lorsque?" datée du 1er octobre 2011, au cours de laquelle le spectateur, avec une question sur le tableau "Le vieux pêcheur", a réussi à battre les connaisseurs.

Artiste non reconnu

Tivadar Kostka Chontvari est né en 1853 dans le petit village hongrois de Kishseben. Son père était médecin et pharmacien, s'intéressait à la science, était un farouche opposant à l'alcool et au tabac et préconisait avec véhémence leur interdiction. Tivadar a reçu son éducation primaire ici, mais après un incendie en 1866, il a déménagé chez les parents de sa mère à Uzhgorod. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, il a travaillé comme assistant d'un commerçant à Presov.

De son père, Laszlo, le jeune Tivadar Chontwari a hérité d'un intérêt pour la pharmacologie. En conséquence, il a reçu une formation pharmaceutique à l'Université de Budapest, puis a étudié le droit et a travaillé comme greffier pour l'adjoint au maire de la capitale. Durant ses études, il est respecté par les autres étudiants, est élu à la tête de l'organisation étudiante, participe aux grèves de 1879.

Tivadar débute sa carrière d'artiste en 1880. Un jour d'automne, alors qu'il travaille dans une pharmacie, il regarde par la fenêtre, prend machinalement un crayon, une ordonnance et se met à dessiner. Ce n'était pas quelque chose d'abstrait - une charrette qui passait était capturée sur papier. Le propriétaire de la pharmacie, voyant la photo, a fait l'éloge de Chontvari, affirmant que l'artiste n'était né qu'aujourd'hui. Plus tard, déjà à la fin de sa vie, Tivadar lui-même, dans son autobiographie, écrite à sa manière mystique et prophétique caractéristique, décrivant ce qui s'était passé, a déclaré qu'il avait eu une vision. C'est ce qui a incité Tivadar à son destin - devenir un grand peintre.

Depuis cette époque, Tivadar Kostka a commencé à voyager afin de se familiariser avec le travail des grands. Il a voyagé au Vatican et à Paris. Puis il est retourné en Hongrie, a ouvert sa propre pharmacie et s'est entièrement consacré au travail afin d'acquérir une indépendance financière et de faire ce pour quoi il était, selon lui, né. Tivadar peint son premier tableau en 1893. Un an plus tard, il se rend en Allemagne (Munich, Karlsruhe, Düsseldorf) et en France (Paris). Cependant, l'artiste nouvellement créé s'en lasse rapidement et, en 1895, il part en voyage en Italie, en Grèce, au Moyen-Orient et en Afrique pour peindre des paysages locaux. Au fil du temps, il a commencé à signer ses peintures non pas avec le nom Kostka, mais avec le pseudonyme Chontvari.

Tivadar Chontvari s'est engagé dans la peinture jusqu'en 1909. À cette époque, sa maladie a commencé à progresser (probablement la schizophrénie, qui s'accompagnait de mégalomanie), et des peintures rares sont devenues le reflet de visions surréalistes. L'artiste a également écrit plusieurs traités philosophiques allégoriques. Au cours de sa vie, Tivadar n'a jamais vendu aucune de ses peintures - les expositions à Paris n'étaient pas particulièrement populaires et il n'y en avait presque pas chez lui. Le peintre meurt en 1919, n'ayant jamais été reconnu pour son talent.

Dieu et le diable dans le tableau "Le vieux pêcheur"

Plus récemment, le sujet d'attention particulière des critiques d'art a été le tableau de Tivadar Kostka Chontvari "Le vieux pêcheur", écrit par lui en 1902. En reflétant alternativement les parties gauche et droite du tableau, deux images complètement différentes sont créées - Dieu dans un bateau avec en toile de fond un lac calme, ou le Diable sur un volcan et des eaux pluviales derrière.

Après la découverte de ce fait, la reconnaissance de l'auteur de l'image a été abordée différemment. Mais que voulait dire Tivadar Chontvari avec son travail ? Beaucoup soupçonnaient le lien entre le travail de l'artiste et le mysticisme et avec beaucoup de zèle ont commencé à étudier l'héritage du peintre hongrois.

La version la plus plausible de l'idée intégrée dans l'image est l'opinion sur la nature dualiste de la nature humaine, que Tivadar voulait transmettre. Une personne passe toute sa vie dans une lutte constante entre deux principes : masculin et féminin, bon et mauvais, intuitif et logique. Ce sont les ingrédients de la vie. Comme le dieu et le diable dans la peinture Chontwari, ils se complètent, sans l'un il n'y a pas d'autre.

Le "Vieux Pêcheur", en tant qu'incarnation d'une vie vécue et de la sagesse humaine, à l'aide d'une technique simple, montre comment le mal et le bien, le bien et le mal, dieu et démon s'harmonisent en chacun de nous. Et les équilibrer est la tâche de chacun.