38 Kiseleva Maria. Robber Musil: ciało i słowo jako sposób poznania bohaterów // Pytania literatury. 2009. Nr 3. S. 350.

39 Spenglera Oswalda. Zachód słońca w Europie. Eseje na temat morfologii historii świata. T. 1. Gestalt i rzeczywistość. M. : Myśl, 1993. S. 231.

40 Carl z Manheimu. Ideologia i utopia // Karl Manheim. Diagnoza naszych czasów. M.: Prawnik, 1994. S. 185.

41 Zamiatin Evg. Raj // Zamiatin E.I. Obawiam się. s. 53.

42 Wellsa Herberta. Nowoczesna utopia. s. 189.

* Zachowaliśmy to słowo tylko w formie poetyckiej metafory: skład chemiczny tej substancji jest nam nieznany.

43 Arendt Hanna. Ludzie w mrocznych czasach. M. : Moskiewska Szkoła Studiów Politycznych, 2003.S. 21.

44 Etymologia Szklowskiego jest wysoce wątpliwa. Jak wiecie, imię Mefistofeles jest możliwe po grecku. pochodzenie - „nienawiść do światła”, ode mnie - nie, phos - światło i philos - kochający; według innej wersji hebrajski. pochodzenie - od mefitza - rozprzestrzenianie (noszenie) i tofel - brud, grzech. Nie pojawia się w Biblii. Pojawił się najprawdopodobniej w renesansie.

45 Wiktor Szkłowski. Sufit Jewgienija Zamiatina // Relacja Shklovsky V. B. Hamburg: Artykuły, wspomnienia, eseje (1914-1933). M. : pisarz radziecki, 1990. S. 259.

46 Zamiatin Jewgienij. O lokajach // Zamiatin E.I. Obawiam się. S. 38.

47 Zamiatin E. I. H. G. Wells // Zamiatin E. I. Izbr. szturchać. : w 2 tomach T. 2. M .: Chudoż. lit., 1990, s. 306. W ostatnim wydaniu książka ta została przetłumaczona jako „Nowoczesna utopia”.

48 Dobroczyńca, którego bohater porównuje z Jehową, „strażnicy”, czyli pracownicy służb specjalnych, których narrator porównuje do aniołów stróżów. Sami wrogowie systemu przyjmują nazwę „Mephi”.

49 Stepun F. A. Religijne znaczenie rewolucji // Stepun F. A. Życie i twórczość. Wybrane pisma. M. : Astrel, 2009. S. 486.

50 Gieorgij Florowski. Metafizyczne przesłanki utopizmu // Georgy Florovsky. Z przeszłości myśli rosyjskiej. M.: Agraf, 1998. S. 273.

51 Frank S. L. Herezja utopizmu // Frank S. L. Poza prawicą i lewicą. Paryż: YMCA-Press, 1972. s. 86-87.

52 Zobacz mój artykuł na ten temat: Dostojewski, Nietzsche i kryzys chrześcijaństwa w Europie na przełomie XIX i XX wieku // Problemy filozofii. 2002. Nr 9. S. 54-67.

UKD 18.111.85:7.01

Natalia Aleksiejewna Terentyjewa

Czelabiński Państwowy Uniwersytet Pedagogiczny

BALET JAKO RODZAJ SZTUKI I ZJAWISKO KULTURY: PODSTAWOWE CECHY I PODEJŚCIA DO DEFINICJI

Artykuł ukazuje główne istotne cechy baletu jako zjawiska kulturowego, analizuje wiodące podejścia kulturowe niezbędne do ujawnienia istoty sztuki baletowej; określa się specyfikę kulturowego odczytania baletu jako systemu społeczno-kulturowego.

Słowa kluczowe: balet, sztuka baletowa, synteza sztuk, twórczość, inscenizacja, spektakl.

© Terentyeva N.A., 2011.

Balet, zarówno balet w ogóle, jak i konkretny spektakl baletowy, można nazwać fenomenem życia kulturalnego, który ma długą tradycję historyczną i kulturową istnienia, działając jako skuteczny fenomen kultury artystycznej społeczeństwa. Najmniej kontrowersyjna jest historyczna i kulturowa tradycja baletu, ucieleśniona w galaktyce legendarnych nazwisk wykonawców, tancerzy, pedagogów baletu, choreografów, kompozytorów, dyrygentów i artystów. Imperialny składnik baletu rosyjskiego przez długi czas uważał go za szczególną formę „misterium estetycznego”, urzekającego żywiołową teatralnością, umiejętnym połączeniem baśni i rzeczywistości, różnorodnością oryginalnych technik tanecznych, ekspresyjną i wyraźną pantomimą, geniusz akompaniamentu muzycznego, żywe rytmy akcji scenicznej.

Nieprzypadkowo kulturowe znaczenie baletu w Rosji jako swoistej marki, estetycznej „wizytówki” sztuki rosyjskiej (co potwierdza specjalny status Teatru Bolszoj; tradycyjna definicja baletu jako elementu narodowego duma). Słowo „balet” kojarzy nam się z teatrem – złote skrzynie, rzędy aksamitnych krzeseł, błyszczący żyrandol, orkiestra, ciężka zasłona, która otwierając się ukazuje nam piękny obraz królestwa magicznych wróżek , młodzi książęta i księżniczki, zaczarowane łabędzie, bohaterowie dobroci i zła, czasem przebiegli, czasem smutni, ale zawsze niezapomniani.

Traktując balet w tym artykule jako szczególne zjawisko kultury, należy zwrócić uwagę na szereg charakterystycznych cech, które decydują o jego specyfice. Sztuka baletu jest synkretyczna i uniwersalna: balet (tradycyjna, klasyczna forma) jest niemożliwy bez muzyki, bez wyrazu bez dekoracji, ubogi bez źródła literackiego. Uniwersalizm baletu najdobitniej przejawia się w jego ogólnej kulturowej obecności, łatwości przenikania nawet do tych kultur, które nie znały narodowych odpowiedników (oczywiście, gdy przełamane są w narodowej mentalności, światopoglądzie, tradycjach artystycznej ekspresji). Balet to sztuka syntetyczna lub „synteza sztuk”. W końcu balet łączy w sobie trzy fundamenty – taniec, muzykę i dramaturgię – oraz kilka sztuk „dodatkowych” (lub „pomocniczych”) – wizualnych, literackich itp. Jasne jest, że kino, sztuka teatralna i częściowo architektura są tym samym pozycja zwłaszcza niepraktyczna, ale religijna (budynki sakralne), która również łączy sam główny składnik - architekturę ze sztukami pięknymi, z rzeźbą, pośrednio - z muzyką (bo trudno sobie wyobrazić cerkiew "cichą", bez muzyka czy liturgia, a nawet w minutach ciszy – to jej cel, który nie pozwala o sobie zapomnieć, gdyż świątynia projektowana jest z uwzględnieniem wymagań akustyki, czyli wkomponowano w nią funkcję muzyczno-dźwiękową od Sam początek). Niemniej jednak balet ma w tym cyklu swoją istotę – centrum jego działania jest dramaturgia, a taniec i muzyka to języki, w których balet „mówi” ze swoją publicznością.

Spektakl baletowy ma komunikatywny charakter działania. Jest reprezentowany przez kilka aspektów: komunikację między tancerzami, którzy bezpośrednio wyrażają fabułę i treść baletu, system jego artystycznych obrazów; komunikacja między poszczególnymi środkami wyrazu (muzyka, tancerze itp.); komunikacja między artystami (w tym muzykami) a publicznością. Pierwsze dwa rodzaje komunikacji pozwalają na pojawienie się trzeciego typu - czyli znaczenia baletu jako spektaklu, czyli publicznego, komunikacyjnego działania, które przekazuje znaczenia.

Sztuka baletowa – sceniczna – publiczna – to dzieło, które interesuje nie tylko autora baletu (choreografa, kompozytora, librecistę, artystę, artystów), ale także

widzowie. Sztuka jest częścią kultury duchowej całej ludzkości, a balet jako sztuka jest wynikiem działalności całej ludzkości. Balet z reguły nie koncentruje się na wyrażaniu abstrakcyjnego rozumowania filozoficznego, ma na celu pokazanie najprostszych, a przez to najbardziej złożonych obrazów - obrazów zmysłowych, emocjonalnych przeżyć. Sztuka baletowa jest niezwykle popularna na całym świecie. Jest unikalny w skali narodowej dla każdego narodu, nie wymaga tłumaczenia na inne języki i jest zrozumiały dla wszystkich ludzi, bez względu na miejsce zamieszkania, kulturę, działalność i język wypowiedzi.

Można więc powiedzieć, że sztuka baletu jest w odbiorze demokratyczna, usuwa bariery narodowe (choć percepcja baletu narodowego innej kultury wymaga pewnego treningu lub znajomości tej kultury). Sztuka tańca w teatrze baletowym osiąga najwyższy rozwój. Łączy się tu z dramaturgią, odsłaniającymi postacie i relacje, z muzyką w jej najwyższych formach symfonicznych, ze sztukami pięknymi we współczesnych osiągnięciach. Syntetyczny charakter teatru baletowego łączy różne sztuki w jedną artystyczną całość.

Integralną cechą baletu jest jego spektakl (wszak nie jest przeznaczony głównie do kontemplacji medytacyjnej, jak obiekty sztuki czy architektury), który realizuje się poprzez swoją sceniczną obecność. Spektakularną stroną tańca jest także jego rysunek, czy też jego „zdobny wzór”. Stąd rodzi się potrzeba jej projektu wizualnego i kostiumu. Balet powstaje tam, gdzie spektakl budowany jest na bazie tańca, choreografia staje się fenomenem teatralnym. Taniec rozwija się w czasie i potrafi wyrażać stany, czyny, działania. Taniec, który niesie ze sobą skuteczną treść, nabiera dramaturgii. Dramaturgia tańca stanowi efektywny trzon baletu. Jedność scenariusza i muzyki determinuje dramaturgię baletu. Scenariusz (libretto) baletu to zazwyczaj krótka werbalna prezentacja pomysłów, fabuły, konfliktu, postaci przyszłego spektaklu. Częścią choreografii, obok tańca klasycznego, jest specjalny baletowy środek wyrazu – pantomima.

Duże znaczenie dla baletu ma fabuła, wyrażona poprzez specyficzną dramaturgię baletową. Dramaturgia baletu ma różne cechy zewnętrzne i wewnętrzne i zależy od idei baletu, fabuły, konfliktu, gatunku, stylu pracy. Nawet początkowo założona, pozbawiona fabuły podstawa baletu jest zawsze wykonywana sekwencyjnie i ma swoją wewnętrzną dynamikę.

Kolejna cecha baletu związana jest z jego literacką podstawą, tekstowością akcji. Naszym zdaniem ta cecha nadaje baletowi pewien element mitologiczny, werbalną i symboliczną podstawę akcji. Dramaturgia scenariuszowa łączy balet z literaturą, gdyż scenariusz baletu jest werbalnie ustaloną fabułą. Bardzo często scenariusz baletowy powstaje na podstawie dzieła literackiego lub epickiego źródła, mitu. Wielki JJ Nover, choreograf, reformator, teoretyk baletu, w swojej książce Listy o tańcu i baletach podkreślał znaczenie literatury w balecie. Zachowane we współczesnym repertuarze dzieła XIX wieku – balet „Le Corsaire” A. Adama, balet „Esmeralda” C. Pugniego kojarzą się z wybitnymi dziełami literatury romantycznej D. Byrona i V. Hugo. Słynne arcydzieła P. I. Czajkowskiego mają podłoże baśniowo-literackie („Śpiąca królewna” Ch. Perraulta, „Dziadek do orzechów” Hoffmanna).

Jednocześnie balet w dużej mierze opiera się na klasycznym słownym dziedzictwie kultury, na podstawowej warstwie kulturowej tekstu sakralnego (klasycy) - zapoznaniu się ze światem wielkiej literatury klasycznej. Fontanna Bachczysaraju B. Asafiewa (choreograf R. Zacharow), Romeo i Julia S. Prokofiewa (choreograf L. Ławrowski), Laurencia

A. Kreina (choreograf V. Chebukiani), „Taras Bulba” V. Solovyov-Sedogo (choreograf B. Fenster), „The Bronze Horseman” R. Glier (choreograf R. Zakharov), „Mirandolina”

V. Vasilenko (choreograf V. Vayonen), „Siedem piękności” K. Karavaeva (choreograf P. Gusiew), „Shurale” F. Yarulin (choreograf L. Yakobson), „Spartakus” A. Chaczaturiana (choreograf L. Yakobson) i wiele innych spektakli, w których na scenie uwidaczniają się obrazy wybitnych dzieł literackich.

Inną cechą baletu można określić jako kanoniczność (wyraźne przestrzeganie kanonu). „Językiem” spektaklu baletowego jako „testu” jest taniec klasyczny. Taniec klasyczny jest tańcem „wzorowym”, nie ma w nim miejsca na nic zbędnego, niepotrzebnego, bo jego system wykrystalizował się na przestrzeni wieków. Wszystkie części (pas) niosą ze sobą pewną treść, każde pas ma tylko swoje własne wyobrażenia, które można wzmocnić lub osłabić, uczynić forte lub piano, ale nie można ich zmienić na odwrotne. Niektóre ruchy mają charakter komiczny, inne liryczne.

Traktując balet jako zjawisko kulturowe, konieczne wydaje się odwołanie się do korelacji baletu z kategoriami „masa – elita”. Pogląd, że tylko specjalnie przeszkolony widz może postrzegać balet, jest błędny. Przygotowane - tak, oczywiście, ale przygotowane w jaki sposób? W końcu widz przygotowany na percepcję baletu niekoniecznie jest choreografem czy muzykiem; jest to osoba, z którą można rozmawiać nie w bezpośrednim tekście klasycznego dramatu, ale w obrazach wizualnych, pantomimie, mowie ciała. Zarówno muzyk, jak i tancerz, jeśli nie jest gotowy, aby postrzegać balet jako ciąg zastępujących się obrazów tanecznych i muzycznych, będą potrzebować libretta.

Zdolność postrzegania baletu jest pewnego rodzaju sprawdzianem emocjonalnej „dojrzałości” człowieka, jego zdolności postrzegania i rozumienia uczuć innych ludzi, wyrażonych nie w oklepanych słowach bohaterów telenoweli, ale w obrazie ruchu. Dlatego nie powstały prace poświęcone zagadnieniom aktualnym i prywatnym (balety D. Szostakowicza, F. Krasnego itp.), które starały się wyrazić w nich nie ideę ludzkich uczuć, ale ideologię społeczeństwa komunistycznego. klasyka baletu. Syntetyzujący charakter sztuki baletowej polega więc również na przeplataniu się masowo-elitarnego składnika kultury.

Wreszcie ważną kwestią pozostaje w sztuce baletowej dychotomia „narodowe – międzynarodowe”, czyli problem wprowadzania do baletu „innych kulturowych” elementów. W ten sposób rosyjska szkoła baletowa i tak rozwijała się w ramach ogólnoeuropejskich tradycji teatralnych, dramatycznych, muzycznych i choreograficznych. Jednak współczesny balet rosyjski (i światowy) demonstruje wprowadzenie do tego całej warstwy kultury narodowej - muzyki narodowej i ludowej, strojów, tradycji tanecznych itp. Nie oznacza to degradacji baletu, jego „włamania się” na klasykę i narodowym, ale żeby balet ten stał się fenomenem narodowo-powszechnym. Nie jest już połączeniem niektórych sztuk w jednej tradycji kulturowej, ale stał się globalnym fenomenem kulturowym, który przejawia się nawet w tych kulturach, które nie mogły samodzielnie zrodzić baletu.

Z punktu widzenia badania baletu jako fenomenu kulturowego można również wskazać szereg podejść kulturowych niezbędnych do ujawnienia istoty sztuki baletowej.

Zastosowanie strukturalno-funkcjonalnego podejścia do badania sztuki baletowej polega na przedstawieniu baletu jako instytucji życia artystycznego społeczeństwa, złożonej struktury interakcji między twórcami, dystrybutorami i konsumentami sztuki. Komponent funkcjonalny jest postrzegany w rozumieniu baletu jako zjawiska wielofunkcyjnego, które wpływa na różne sfery rzeczywistości społecznej.

Podejście systematyczne jest stosowane w badaniu baletu jako integralnego systemu syntezy sztuk, w którym wszystkie części są współzależne i nie są podsystemami zamkniętymi.

łodygi, ale są harmonijnie wplecione we wspólną całość nie przez proste sumowanie, ale przez równie zależny dodatek. Balet należy traktować albo jako sztukę szczególną, która choć „skomponowana” z metod tańca, muzyki, sztuki teatralnej, jest jedna i niepodzielna. Balet jawi się w tym przypadku z jednej strony jako dynamiczna jedność swoich części (muzyki, dramaturgii, choreografii, scenografii), z drugiej zaś jako podsystem pewnego metasystemu – jednej dziedziny sztuki, podsystem życia artystycznego.

Podejście semiotyczne pozwala traktować balet jako rodzaj tekstu, zwracając uwagę na jego symboliczno-semiotyczny komponent – ​​język choreograficzny. W ramach tego podejścia akcja baletowa jawi się jako akt komunikacji - przekazywania znaczeń za pomocą określonego układu choreograficznego znaków.

Podejście synergiczne polega na rozumieniu sztuki baletowej jako złożonego procesu rozwijania się, w którym niektóre podsystemy (rodzaje, gatunki, tematy) są wzmacniane, a inne wygaszone. Sztuka baletu jawi się jako system otwarty, zmieniający się w swych rozwoju obszarach względnego spokoju i narastającej pobudliwości (punkty rozwidlenia), jako zmiana stanów chaosu i porządku, entropii i jej przezwyciężania (co wyraźnie potwierdzają badania historyczne i dynamika kulturowa rozwoju baletu zachodnioeuropejskiego i rosyjskiego). Stosunek głównych składników baletu jako formy sztuki również wydawał się nierówny w różnych epokach: relacja między tańcem a dramaturgią nie zmieniła się zasadniczo w ciągu całego istnienia baletu, chociaż bardzo poważnie zmieniły się środki wyrazu, co przejawiło się, oczywiście w zewnętrznym dramacie akcji baletowej związek muzyki z tańcem.

Opierając się zatem na integracyjnej metodologii rozumienia baletu jako zjawiska kulturowego, możemy uwypuklić specyfikę jego interpretacji kulturowej, która naszym zdaniem wiąże się z funkcjonowaniem baletu jako społeczno-kulturowego systemu tworzenia, upowszechniania i percepcji wartości artystyczne, duchowe, zależne od kompleksu uwarunkowań kulturowych i historycznych oraz okoliczności, w jakich system istnieje.

Daria Olegovna Usanova

Czelabińska Państwowa Akademia Kultury i Sztuki

WIRTUALNA RZECZYWISTOŚĆ:

PROBLEMY WSPÓŁCZESNOŚCI W RETROSPEKCJI DZIEDZICTWA FILOZOFICZNEGO I KULTUROWEGO

Zagadnienia wirtualnej rzeczywistości przyciągają dziś coraz większą uwagę badaczy z różnych dyscyplin. Pojęcie rzeczywistości wirtualnej stało się tak popularne i modne, że trudno znaleźć sferę ludzkiej aktywności, w której nie można by jej wykorzystać. Wydaje się, że obok świata rzeczywistego pojawił się nowy świat wirtualny. W ramach proponowanego artykułu rozważana jest historia powstawania i rozwoju koncepcji „rzeczywistości wirtualnej”, zwrócono uwagę na podejścia współczesnych naukowców w interpretacji tego terminu.

Słowa kluczowe: wirtualność, rzeczywistość wirtualna, kultura wirtualna, postmodernizm, symulakrum, hiperrzeczywistość.

© Usanova D. O., 2011.

Instrukcja

Balet pojawił się najpierw we Włoszech, potem we Francji. Ciekawe, że zna nawet datę pierwszej francuskiej produkcji baletowej. 15 października 1581 r. królowie i dworzanie obejrzeli spektakl „Circe, czyli balet komediowy królowej”. Pomysł spektaklu należy do jednego z nadwornych skrzypków – Włocha Baltazariniego de Belgioso.

U zarania baletu opierał się na tańcach przyjętych na dworze królewskim. Po około stu latach rodzą się nowe gatunki: balet, opera baletowa i inne. Muzyka do takich przedstawień zaczyna być wyróżniana jako szczególny gatunek, a produkcja ma być jak najbardziej dramatyczna. Sto lat później balet staje się samodzielną formą sztuki. Znaczącą rolę odegrał w tym francuski choreograf Jean Georges Noverre, który przeprowadził szereg reform i postawił na ukazanie spektaklu poprzez ekspresyjne obrazy.

Balet zawsze był wyróżniany jako kategoria specjalna. Pierwsze przedstawienie w Rosji wystawiono 8 lutego 1673 r. Tego dnia car Aleksiej Michajłowicz był we wsi Preobrazhenskoye pod Moskwą i chciał się dobrze bawić. Według legendy balet tak mu się spodobał, że nakazał rozwój tego kierunku artystycznego.

Balet rosyjski jako szczególna część ogólnej sztuki baletowej zaczął kształtować się na początku XIX wieku. Francuski choreograf Charles-Louis Didelot zbliżył kroki taneczne do pantomimy i zwiększył znaczenie korpusu baletowego. To on uczynił taniec kobiecy centrum spektaklu. Balet rosyjski nie byłby znany na całym świecie, gdyby nie kompozytor P.I. Czajkowski. To on jest właścicielem muzyki, która stała się podstawą klasycznych baletów Dziadek do orzechów, Jezioro łabędzie, Śpiąca królewna i innych. Głęboka, uduchowiona muzyka umożliwiła tancerzom pełniejsze ujawnienie treści figuratywnych, wyrażenie uczuć i doświadczeń bohaterów za pomocą środków dramatycznych. Na scenie bohaterowie wzrastali, rozwijali się, walczyli ze sobą i ze sobą, zakochiwali się, zabijali. Balet przestał być tylko rodzajem tańca, a stał się prawdziwą sztuką, zrozumiałą dla widza.

Balet akademicki XIX wieku był przykuty ramami reguł, stereotypów i konwencji. Na początku XX wieku nie tylko w Rosji, ale także w innych krajach świata rozpoczęły się wzmożone poszukiwania nowych form. Pojawiła się secesja - alternatywa dla surowych form baletowych, a następnie swobodnego tańca. Uważa się, że Isadora Duncan wynalazła taniec swobodny. Była przekonana, że ​​taniec jest czymś naturalnym, częścią każdego człowieka i odzwierciedla język duszy. To Duncan jako pierwszy zszedł z baletek, porzucił niewygodne tutus na rzecz lekkich i latających szat. Taniec swobodny stał się ruchem globalnym, który posłużył jako impuls do kolejnej ewolucyjnej rundy baletu.

Historia baletu dla dzieci opowie, jak i gdzie pojawił się balet.

Kiedy pojawił się balet?

Termin „balet” pojawił się pod koniec XVI wieku (z włoskiego baletu – do tańca). Ale wtedy nie oznaczało to występu, a jedynie epizod taneczny, który oddaje określony nastrój.

Balet jako forma sztuki jest dość młoda. Taniec, który zdobi nasze życie, już się skończył 400 lat. Miejscem powstania baletu są północne Włochy, Ale stało się to w okresie renesansu. Miejscowi książęta uwielbiali wspaniałe uroczystości pałacowe i zatrudniali mistrzów tańca, którzy ćwiczyli ruchy taneczne i indywidualne postacie ze szlachetnymi ludźmi.

Uważa się, że tym, który wynalazł balet był włoski baletmistrz Baltazarini di Belgiojoso. Wystawił pierwszy spektakl baletowy pod nazwą The Queen's Comedy Ballet, który wystawiono we Francji w 1581 roku.

To we Francji zaczął się rozwijać balet. Za panowania Ludwika XIV występy baletu dworskiego osiągnęły szczególną świetność.

Krótka historia rosyjskiego baletu

W Rosji spektakl baletowy „Balet Orfeusza i Eurydyki” został wystawiony po raz pierwszy 8 lutego 1673 r. Stało się to w pałacu cara Aleksieja Michajłowicza. Powolne i ceremonialne tańce były wdzięcznymi pozami, ruchami i ukłonami, które przeplatały się z mową i śpiewem.

Dopiero ćwierć wieku później, wraz z reformami Piotra I, taniec i muzyka weszły w życie narodu rosyjskiego. W placówkach oświatowych dla szlachty przygotowano zajęcia do tańca. Na dworze królewskim zaczęli występować zagraniczni artyści operowi, muzycy i zespoły baletowe.

Pierwsza szkoła baletowa w Rosji została otwarta w 1731 roku. Nazywano go szlacheckim Korpusem Lądowym. Jest uważany za kolebkę rosyjskiego baletu. Ogromny wkład w rozwój szkoły baletowej wniósł francuski mistrz tańca Jean-Baptiste Lande. Jest założycielem rosyjskiego baletu. Lande otworzył również pierwszą szkołę tańca baletowego w Rosji. Dziś jest Akademią Baletu Rosyjskiego. A.Ya Vaganova.

Kolejny impuls do rozwoju baletu otrzymał za panowania carycy Elizawety Pietrownej. Po zaproszeniu choreografa z Francji Didelota do Rosji sztuka ta osiągnęła szczególny rozkwit - eleganckie inscenizacje, pozy i dekoracje zrobiły furorę.

Należy zauważyć, że Piotr Iljicz Czajkowski odegrał ważną rolę w rozwoju klasycznego baletu rosyjskiego. Jest autorem tak genialnych baletów jak „Jezioro łabędzie”, „Dziadek do orzechów” i „Śpiąca królewna”.

Mamy nadzieję, że z tego artykułu dowiedziałeś się, kiedy pojawił się balet.

Balet to sztuka uduchowionej plastyczności, myśl ucieleśniona w ruchu, życie ukazane za pomocą choreografii.

Historia baletu zaczyna się w okresie renesansu (XV-XVI w.) we Włoszech. Wyrosła z uroczystych przedstawień, jakie dla arystokratów wystawiali ich służący: muzycy i tancerze na dworze. W tym czasie balet był jak niedoświadczony osiemnastoletni młodzieniec: niezdarny, ale z ogniem w oczach. Rozwinął się niezwykle szybko. Jak ten sam młody człowiek, którego po raz pierwszy wpuszczono do warsztatu i wezwał praktykanta.
W tym czasie moda na balet była zupełnie inna: kostiumy odpowiadały czasowi, tutus i pointe po prostu nie istniały, a publiczność miała okazję uczestniczyć w nim do końca spektaklu.

Katarzyna Medycejska staje się znaczącą postacią w historii rozwoju baletu. Z Włoch sprowadza tę sztukę do Francji, aranżuje spektakle dla zaproszonych gości. Na przykład ambasadorowie z Polski mogli obejrzeć wspaniały spektakl Le Ballet des Polonais.
Uważa się, że arcydzieło Ballet Comique de la Reine było naprawdę bliskie nowoczesnemu baletowi, który trzymał publiczność w napięciu przez ponad pięć godzin. Został umieszczony w 1581 roku.

XVII wiek to nowy etap w rozwoju baletu. Oderwana od prostego tańca, przekształciła się w niezależną sztukę, którą z pasją wspierał Ludwik XIV. Dla niego Mazarin zamówił choreografa z Włoch, który wystawiał balety z udziałem króla.
W 1661 r. Louis utworzył Pierwszą Akademię Tańców, która nauczała baletu. Pierwszy choreograf Ludwika XIV, M. Lully, przejął stery pierwszej szkoły baletowej w swoje ręce. Pod jego kierownictwem Akademia Tańców poprawiła się i nadała ton całemu światu baletu. Zrobił wszystko, co możliwe, aby z młodego i niedoświadczonego młodzieńca z ogniem w oczach zmienić balet w dostojnego, przystojnego mężczyznę, znanego i szanowanego na całym świecie. W 1672 przy jego wsparciu powstała akademia tańca, do dziś znana na całym świecie jako Balet Opery Paryskiej. Nad terminologią tańca pracował inny nadworny choreograf Ludwika XIV, Pierre Beauchamp.
1681 był kolejnym znaczącym rokiem w historii baletu. Po raz pierwszy dziewczyny brały udział w produkcji Mr. Lully. 4 piękności wdarły się do świata tańca i utorowały drogę reszcie. Od tego pamiętnego momentu dziewczyny zaczęły angażować się w balet.

W XVIII wieku balet nadal podbijał serca miłośników dobrego tańca na całym świecie. Ogromna ilość spektakli, nowe formy wyrażania swojego "ja" na scenie, sława daleka od bycia w wąskich kręgach dworskich. Do Rosji dotarła także sztuka baletowa.
W 1783 roku Katarzyna II stworzyła Imperialny Teatr Opery i Baletu w Petersburgu i Teatr Bolszoj Kamenny w Moskwie, a w Petersburgu otwarto Cesarską Szkołę Baletową.
Im bliżej połowy stulecia, tym jaśniejsza stawała się sztuka baletowa. Europa była nim zafascynowana, większość wysoko postawionych osób interesowała się baletem. Wszędzie otwarte szkoły baletowe. Rozwinęła się również moda baletowa. Dziewczyny zdjęły maski, zmieniły się fasony ich ubrań. Teraz tancerki przebierają się w lekkie stroje, co pozwala im wykonywać wcześniej niemożliwe pasy.

Na początku XIX wieku aktywnie rozwijała się teoria baletu. W 1820 roku Carlo Blasis napisał „Podstawowy traktat o teorii i praktyce sztuki tańca”. Rozpoczyna się przejście od ilości do jakości, coraz większą uwagę przywiązuje się do detali.
A co najważniejsze, to, co początek XIX wieku wnosi do baletu, to taniec na wyciągnięcie ręki. Innowacja została dostrzeżona z hukiem i podchwycona przez większość choreografów.
Ogólnie rzecz biorąc, te sto lat wiele dało sztuce baletowej. Balet zamienił się w taniec niezwykle lekki i zwiewny, niczym letni wiatr, który rodzi się w promieniach wschodzącego słońca. Teoria i praktyka szły ręka w rękę: opublikowano wiele prac naukowych, które do dziś są wykorzystywane w nauczaniu baletu.

XX wiek minął pod znakiem baletu rosyjskiego. W Europie i Ameryce na początku wieku zainteresowanie baletem słabło, ale po przybyciu mistrzów z Rosji ponownie rozgorzała miłość do sztuki baletowej. Rosyjscy aktorzy organizowali długie trasy koncertowe, dając każdemu możliwość cieszenia się swoimi umiejętnościami.
Rewolucja 1917 roku nie mogła powstrzymać rozwoju baletu. Nawiasem mówiąc, znana nam baletowa tutu pojawiła się mniej więcej w tym samym czasie, a występy stały się głębsze.
W XX wieku balet to sztuka nie tylko dla arystokratów i rodów szlacheckich. Balet staje się własnością publiczności.

W naszych czasach balet pozostaje tą samą magiczną sztuką, w której za pomocą tańca mogą opowiedzieć o wszystkich ludzkich emocjach. Ciągle się rozwija i rośnie, zmieniając się wraz ze światem i nie tracąc na znaczeniu.

Balet to rodzaj sztuki, w której za pomocą choreografii ucieleśnia się ideę twórcy. Spektakl baletowy ma fabułę, temat, ideę, treść dramatyczną, libretto. Tylko w rzadkich przypadkach odbywają się balety bez fabuły. W pozostałej części, za pomocą środków choreograficznych, tancerze muszą przekazać uczucia bohaterów, fabułę, akcję.

Tancerz baletowy to aktor, który za pomocą tańca przekazuje relacje między bohaterami, ich komunikację między sobą, istotę tego, co dzieje się na scenie.

Od „Giselle” do „Spartakusa”. Balety trzeba zobaczyć.

„Gizelle”

Historia: premiera baletu odbyła się 28 czerwca 1841 w Paryżu. Rosyjska publiczność zobaczyła spektakl w murach Teatru Bolszoj dopiero dwa lata później. Od tego czasu Giselle przez długi czas nigdy nie opuściła rosyjskiej sceny. Tancerze pierwszej wielkości błyszczeli na obrazie głównej bohaterki: Pavlova, Spesivtseva, Ulanova, Bessmertnova, Maksimova i inni.

Fabuła: Historia pierwszej miłości i brutalnej zdrady. Przebrany za chłopa szlachcic Albert uwodzi niczego nie podejrzewającą wiejską dziewczynę. Ale oszustwo szybko zostaje ujawnione. Kiedy Giselle dowiaduje się, że jej kochanek ma już pannę młodą z wyższych sfer, szaleje i umiera.
W nocy Albert przychodzi na grób dziewczyny, gdzie prawie ginie z rąk jeepów – panny młodej, która zginęła przed ślubem. To Giselle ratuje młodego człowieka.

"Jezioro łabędzie"

Historia: balet do muzyki Piotra Iljicza Czajkowskiego nie od razu zakochał się w publiczności. Debiut zakończył się kompletną porażką. Publiczność doceniła „Jezioro łabędzie” dopiero po zredagowaniu oryginalnej choreografii przez choreografów Lwa Iwanowa i Mariusa Petipy. Nowa wersja spektaklu została pokazana publiczności w 1895 roku na scenie Teatru Maryjskiego. W czasach sowieckich to właśnie „Jezioro łabędzie” stało się znakiem rozpoznawczym kraju. Balet został pokazany wszystkim wysokiej rangi gościom, którzy odwiedzili Moskwę.

Fabuła: Produkcja oparta jest na legendzie o księżniczce Odetcie, która została zamieniona w łabędzia przez złego czarnoksiężnika Rothbarta. Ten, kto szczerze ją kocha i złoży przysięgę wierności, może ją uratować. Książę Zygfryd składa taką obietnicę, ale łamie ją podczas balu, gdy pojawia się na nim Odile, jak dwie krople wody podobne do Odety. Dla łabędzi oznacza to tylko jedno - nigdy nie będzie mogła wrócić do swojego poprzedniego życia.

"Romeo i Julia"

Historia: Muzykę do znanego na całym świecie baletu napisał Siergiej Prokofiew już w 1935 roku, ale samą produkcję widzowie obejrzeli trzy lata później i to nie w Moskwie czy Leningradzie, ale w Czechach, w Brnie. Tragedia Szekspira została pokazana w Związku Radzieckim dopiero w 1940 roku. Legendarna Ulanova błyszczała wtedy w tytułowej roli. Nawiasem mówiąc, tancerz (jak wielu innych) nie rozumiał muzyki mistrza. Po premierze wzniosła żartobliwy toast: „Nie ma na świecie smutniejszej historii niż muzyka Prokofiewa w balecie”.

Fabuła: balet całkowicie i całkowicie pokrywa się z interpretacją Szekspira – kochankowie z walczących rodzin biorą ślub w tajemnicy przed bliskimi, ale giną w tragicznym wypadku.

„Bajadera”

Historia: Bajadera to jeden z najsłynniejszych baletów rosyjskiej sceny imperialnej. Spektakl został po raz pierwszy zaprezentowany szerokiej publiczności w 1877 roku na scenie Teatru Bolszoj w Petersburgu. A w 1904 choreograf Aleksander Gorski przeniósł ją do stolicy. Z biegiem czasu „Bajadera” ulegała licznym przeróbkom, niezmieniona pozostała jedynie scena „Cienia” w wykonaniu korpusu baletowego. Słusznie uważana jest za prawdziwą ozdobę całego spektaklu i prawdziwe osiągnięcie choreografa Petipy.

Fabuła: Miłość wybucha między Solorem a bajaderą (tancerką) Nikiyą. Jednak dziewczyna lubi nie tylko swojego wybrańca, ale także Wielkiego Bramina, który otrzymawszy odmowę piękna, postanawia się na niej zemścić. Raja Dugmanta również pragnie śmierci bajadery, bo marzy o poślubieniu córki Solora. W wyniku spisku dziewczyna umiera od ukąszenia węża, którego wrogowie ukrywają w bukiecie.
Najmocniejszą częścią „Bajadery” jest scena „Cień”. Kiedy Solor zasypia, widzi niesamowity obraz: taniec cieni zmarłych dusz spływa długą linią wzdłuż wąwozu wśród Himalajów, wśród nich Nikiya, która go do siebie wzywa.

„Spartakus”

Historia: premiera baletu odbyła się 27 grudnia 1956 w Petersburgu, aw 1958 w Moskwie. Być może najsłynniejszymi wykonawcami głównych ról męskich w okresie sowieckim można nazwać Vladimir Vasiliev i Maris Liepa. Za podstawę scenariusza posłużyły różne materiały historyczne i beletrystyka.

Fabuła: W tym balecie linia miłosna schodzi na dalszy plan na tle konfrontacji dwóch głównych bohaterów Spartakusa i Krassusa.
Spartakus wznieca powstanie wśród gladiatorów, udaje mu się wygrać, ale Krassus nie chce się poddać i rozpoczyna nową kampanię przeciwko wrogowi. Tym razem szczęście jest po jego stronie. Spartakus walczy do końca, ale ginie w nierównej walce: większość jego sojuszników po prostu stchórzyła i odmówiła odparcia wroga.

Korzenie baletu rosyjskiego, jak każda forma sztuki, tkwią w tanecznym folklorze. Najprawdopodobniej były to tańce kultowe (wszelkiego rodzaju tańce okrągłe) i tańce w grze („Taniec”, „Kuma, gdzie byłeś” itp.). Balet rosyjski nie tylko zachował wszystkie kanony estetyczne, ale także stał się ustawodawcą w świecie baletu.

pochodzenie

Na Rusi Kijowskiej na przełomie VIII-IX w. zaczęli pojawiać się pierwsi tancerze, profesjonaliści w swojej dziedzinie - bufony... Po pewnym czasie, gdy Moskwa stała się stolicą, bufonami nie byli już koniecznie mężczyźni.

W XV-XVI wieku wesołe widowiska komediantów z twarzami zakrytymi maskami, tzw. „maszkary”, zdumiewały i zaskakiwały przyjezdnych obcokrajowców.

W XVII wieku historię baletu rosyjskiego naznaczyło otwarcie Teatru Kremlowskiego. Zgodnie z utrwaloną tradycją, każde przedstawienie w tym teatrze zawsze kończyło się międzysezonami (specjalne przedstawienia baletowe). Te tak zwane przystawki wykonywali mężczyźni ubrani w pompatyczne szaty. Aktorzy pokazali kilka elementów tańca towarzyskiego.

królewska zabawa

Za pierwsze pełnowymiarowe przedstawienie baletowe w Rosji uważa się przedstawienie wystawione 8 lutego 1673 r. To znaczące wydarzenie miało miejsce na dworze cara Aleksieja Michajłowicza i zostało nazwane „Baletem Orfeusza i Eurydyki”. Historia powstania baletu rosyjskiego opisuje go jako zmianę ceremonialnych póz, powolnych tańców, ukłonów i przejść. Między nimi aktorzy wypowiadali zapamiętane słowa lub śpiewali. Wszystko to było trochę jak prawdziwe przedstawienie teatralne. Była to tylko królewska rozrywka, kusząca swym zaciemnieniem.

Tymczasem I. Gregory, organizator teatru, zaprasza Nicola Lim do zorganizowania szkoleń z umiejętności teatralnych dla teatru królewskiego. Początkowo 10 dzieci szlacheckich filistrów, potem 20, pomyślnie ukończyło szkolenie i pokazało na dworze carskim spektakl baletowy „Orfeusz” w stylu francuskim.

Zadanie jest ustawione

Dopiero po ćwierćwieczu Piotr I, stawiając sobie za cel reformę życia kulturalnego Rosji, wprowadza muzykę i taniec w życie rosyjskiego społeczeństwa. Postanawia zaszczepić sztukę w elitarnych warstwach mieszkańców Petersburga. Aby to zrobić, Piotr I zamyka moskiewski teatr Aleksieja Michajłowicza i wydaje rewolucyjny dekret. Dekret o zgromadzeniach zobowiązał wszystkie instytucje państwowe do bezwarunkowego nauczania tańca towarzyskiego. Te reformy sprawiły, że pozycja mistrza tańca była nieosiągalna. To właśnie tym zespołom balet zawdzięcza pojawienie się w ruchach baletowych pochodzących z zagranicy, innowacjom w postaci elementów narodowych tańców słowiańskich.

Autor V. Krasovskaya („Historia baletu rosyjskiego” - L. Art, 1978) uważa, że ​​dzięki energii i imperatywnej naturze Piotra I w pałacu zaczęły odbywać się występy trup baletowych, muzyków i artystów operowych zaproszonych z zagranicy sale.

Na początku 1738 r. zorganizowano w kraju szkołę baletu, która w istocie stała się pierwszą. Historia baletu rosyjskiego krótko opowiada o tym okresie. Absolwenci szkoły pracowali w zespołach baletowych teatrów zagranicznych jako tzw. figuranci (aktorzy korpusu baletowego). I dopiero znacznie później zostali dopuszczeni do głównych partii.

Pierwsze szkolenie zawodowe

Historycy uważają Land Ballet za kolebkę współczesnego baletu, pracował tam słynny Jean-Baptiste Lange, który wraz ze swoimi uczniami wystawił trzy spektakle baletu dworskiego. Jak pokazuje historia rosyjskiego baletu, były to praktycznie pierwsze przedstawienia baletowe, które były zgodne ze wszystkimi prawami i przepisami Królewskiej Akademii Tańców w stolicy Francji.

Podchorążowie korpusu szlacheckiego wzięli udział w akademickim, lirycznym, na poły charakterystycznym, a zarazem komicznym przedstawieniu baletowym trupy Fessano z Włoch.

Elżbieta I, aby nie stracić wyszkolonych tancerzy baletowych, otwiera Własną Szkołę Tańca Jej Królewskiej Mości, w której pierwszym składem było 12 dzieci z plebsu.

A pod koniec 1742 roku cesarzowa podpisała dekret nakazujący utworzenie trupy baletowej rosyjskich tancerzy. To w nim pojawiły się pierwsze rosyjskie gwiazdy - profesjonalni tancerze baletowi: Aksinya Baskakova i Afanasy Toporkov.

Wyjście z impasu

Śmierć Baptiste Lande wprowadza zamęt w biznesie choreograficznym w kraju. Przedstawienia prowadzone przez Fessano stają się monotonnymi i nudnymi burleskami. Widzów nie pociągają takie występy.

Historia baletu rosyjskiego krótko opisuje ten okres. W tej chwili iw Europie pojawia się pytanie o reformę biznesu choreograficznego. Rousseau i Saint-Mar żądają od tancerzy baletowych pozbycia się pompatycznych strojów i masek z perukami. Diderot zdecydowanie zaleca zmianę fabuły przedstawień baletowych. Tymczasem John Weaver, nie czekając na ogólne zmiany, stawia na taneczny spektakl o przemyślanej fabule, a Georges Nover pisze legendarne Listy o tańcu.

Rosyjski balet nie jest daleko w tyle. Pojawienie się Hilferdinga jest tego dowodem. Ten niemiecki specjalista zabezpieczał inscenizacje choreograficzne fabularne w Petersburgu. W Paryżu spektakle baletu opowiadania pojawiły się dopiero 15 lat później. Hilferdingowi asystował Leopold Paradiso. Już w latach 50. XIX wieku tworzyli niezależne sztuki baletowe.

Początek spektakli dramatycznych

Pierwszy dramat w rosyjskim balecie należy do A.P. Sumarokova. Promował pochwalne spektakle taneczne, komponował literacką bazę do spektakli baletowych „Schronienie Cnót” i „Nowe Laury”.

Zaproszony przez cara choreograf Gasparo Angiolini intensyfikuje świetlistość nut słowiańskich pieśni ludowych, inscenizując spektakl baletowy „Zabawa o Boże Narodzenie”. Katarzyna II bardzo pochwaliła występ. W 1779 r. Komisja Ustawodawcza w całości zatwierdziła balet, do którego muzykę napisano na podstawie słowiańskiego folkloru.

Po tak ogromnym sukcesie Angilini przeniósł się do rozrywkowych produkcji teatralnych, które wyśmiewały aktualne tematy. Były to panegiryki, które zrobiły furorę: „Zwycięska Rosja” (chwalono klęskę armii tureckiej pod Cahul i Largą), „Nowi Argonauci” (chwalebna oda do floty Imperium Rosyjskiego) i „Rozumowanie o zwycięstwie” podniesiono kwestię konieczności szczepień przeciwko szalejącej ospie, co było przedmiotem troski wszystkich).

Nieco wcześniej wystawiono pierwszy heroiczny spektakl baletowy „Semira”. Od tego momentu choreografowie zaczęli przywiązywać dużą wagę do wyrazistości tańca baletowego. Tancerze bowiem mogą jednocześnie angażować się w zabawne przedstawienia operowe teatrów niepaństwowych oraz w pseudorosyjskie spektakle operowe, do których libretto skomponowała sama cesarzowa.

Do nowego roku 1778 w Petersburgu (jak dzieje rosyjskich przedstawień baletowych książki żywo opisują to wyjątkowe wydarzenie) na publiczność czekają już dwa teatry: reklamowy „Teatr Wolny” i dworski.

Pierwsze kolektywy forteczne

W drugiej połowie XVIII wieku opanowanie sztuki tańca stało się modne. A już na początku 1773 r. pod opieką Leopolda Paradisa w stolicy otwarto pierwsze centrum edukacyjne na bazie sierocińca, który później stał się pierwszym teatrem publicznym. W pierwszym zestawie było 60 dzieci. Y. Bakhrushin opowiada w swoich książkach o pierwszych spektaklach choreograficznych wystawianych przez słynnego Cosimo Maddoxa.

Historia baletu rosyjskiego, bardzo szczegółowo przez niego przestudiowana i opisana, w pełni ukazuje ten okres sztuki tanecznej. Medox wraz z grupą młodych tancerzy wyszkolonych w Rosji wystawił opery komiczne, produkcje choreograficzne poświęcone prawdziwym wydarzeniom (np. Zdobycie Oczakowa) i dywersje.

Na tym tle teatr forteczny zaczął się dynamicznie rozwijać. W ostatniej dekadzie XVIII wieku znane były już duże grupy aktorów pańszczyźnianych. Takie kolektywy mieli Zorich, Golovkina, Apraksin, Sheremetyev, Potiomkin i inni właściciele ziemscy.

W tym samym okresie nastąpił rozwój i inscenizacja techniki tańca kobiecego oraz projekt plastyczny sceny do spektaklu. Pojawiła się nowa tradycja określania miejsca akcji na scenie, malowania scenerii w realistycznym stylu, z wykorzystaniem gry półcienia i światła.

Obchody baletu rosyjskiego

Historia baletu rosyjskiego w XIX i XX wieku jest bogata i różnorodna. Na początku XIX wieku sztuka baletowa osiąga dojrzałość docenianą przez widza. Rosyjskie baleriny wnoszą do choreografii lekkość, szlachetność i wyrazistość. Bardzo trafnie zauważa to A. S. Puszkin, opisując piękno ruchów tanecznych swojej współczesnej, gwiazdy sceny baletowej Istominy: „lot duszy” (fraza stała się synonimem baletu). Jej mimika i perfekcja ruchów tanecznych budziły podziw. Większość widzów poszła na

Nie mniej piękne były Lihutina Anastasia, Ekaterina Teleshova, Danilova Maria.

Występy baletowe zyskują na popularności. Taniec baletowy jako sztuka staje się uprzywilejowany i przeznacza się na niego dotacje państwowe.

W latach 60. ubiegłego wieku kulturowe beau monde zostało objęte nowomodnym nurtem „realizmu”. Do rosyjskiego teatru zbliża się kryzys. W spektaklach choreograficznych wyrażało się to w prymitywizmie fabuły, która została dostosowana do pewnego tańca. Balerinki, które osiągnęły doskonałość, mogą tańczyć w realistycznych produkcjach.

Historia powstania rosyjskiego baletu wkracza w nową rundę. Odrodzenie rozpoczął Piotr Czajkowski, który jako pierwszy napisał muzykę do spektaklu choreograficznego. Po raz pierwszy w historii baletu muzyka stała się równie ważna jak taniec. A nawet znalazła się na równi z muzyką operową i kompozycjami symfonicznymi. Jeśli wcześniej muzyka Czajkowskiego została napisana do elementów tanecznych, teraz aktor baletowy starał się przekazać muzyczny nastrój i emocje z plastycznością, ruchem i wdziękiem, co pomogło widzowi rozwikłać fabułę, przepisaną przez kompozytora na nuty. Świat wciąż podziwia słynne „Jezioro Łabędzie”.

Choreograf A. Gorsky wprowadził do spektakli elementy nowoczesnej reżyserii, zaczął przywiązywać dużą wagę do artystycznej oprawy sceny, wierząc, że widz powinien być całkowicie pochłonięty tym, co dzieje się na scenie. Zabronił używania elementów pantomimy. M. Fokin radykalnie odwrócił bieg wydarzeń. Ożywił balet romantyczny i uczynił język ciała w tańcu zrozumiałym i zrozumiałym. Według Fokina każdy występ sceniczny powinien być wyjątkowy. Oznacza to, że akompaniament muzyczny, styl i wzór taneczny powinny być nieodłączne tylko dla określonego wykonania. Na początku XX wieku jego inscenizacje: Noce egipskie, Umierający łabędź, Sen nocy letniej, Acis i Galatea itp.

W 1908 r. P. zaprasza Fokine'a na stanowisko dyrektora naczelnego paryskich „Porów Rosyjskich”. Dzięki temu zaproszeniu Fokin zyskuje światową sławę. A rosyjscy tancerze baletowi zaczęli co roku triumfalnie występować w stolicy Francji. Historia baletu rosyjskiego gloryfikuje tancerzy trupy rosyjskiej, których imiona znane są całemu światu: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Wacław Niżyński i inni, a to w okresie schyłku baletu europejskiego!

Diagilew zaryzykował i wygrał. Zebrał grupę młodych i utalentowanych aktorów baletowych i dał im wolną rękę. Pozwolił mi działać poza znanymi ramami, które wyznaczyła słynna, ale już dość starsza Petipa.

Swoboda działania dała tancerzom możliwość odkrywania i wyrażania siebie. Oprócz tych rewolucyjnych innowacji Diagilew przyciągał do dekoracji swoich najsłynniejszych współczesnych artystów (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) i kompozytorów (C. Debissy, M. Ravel, I. Strawiński). Teraz każdy występ baletowy stał się arcydziełem.

Po rewolucji październikowej wielu tancerzy i choreografów opuściło zbuntowaną Rosję. Ale kręgosłup pozostał. Stopniowo rosyjski balet zbliża się do ludzi. Karty historii w okresie formacji widziały wiele...

Po połowie XX wieku nowe pokolenie tancerzy i choreografów przywróciło na scenę zapomniane miniatury taneczne, symfonie i balety jednoaktowe. Liczba studiów i teatrów zaczęła systematycznie rosnąć.

"Triumfant", baletnica, krytyk baletowy

Słynna rosyjska tancerka Vera Mikhailovna Krasovskaya urodziła się w Imperium Rosyjskim 11 września 1915 r. Po ukończeniu szkoły średniej wstąpiła i w 1933 roku pomyślnie ukończyła Leningradzką Szkołę Choreograficzną. Studiowała u słynnej Vaganova Agrippina. Od tego czasu do 1941 r. Krasowskaja służyła w teatrze. Kirow. Zajmuje się baletami repertuaru akademickiego.

W 1951 r. Vera Michajłowna ukończyła szkołę podyplomową Instytutu Teatralnego im. A.I. A. Ostrovsky, po wykształceniu podstawowym na Wydziale Wiedzy o Teatrze.

Szkoła profesjonalizmu, którą Krasowska otrzymała najpierw w klasie Agrypiny Waganowej, potem w przedstawieniach baletowych Teatru Maryjskiego, wraz z encyklopedyczną bazą wiedzy, arystokracją, tradycjami kulturowymi i niesamowitą znajomością języków (francuskiego i angielskiego), pozwoliło jej stać się błyskotliwą i jednoznacznie największym krytykiem sztuki baletowej.

W 1998 roku w teatralnym świecie rozeszła się dobra wiadomość. Vera Mikhailovna Krasovskaya otrzymała Nagrodę Triumfu. Historia baletu rosyjskiego, o której opowiadała w książkach (niektóre przetłumaczone na języki obce) i artykułach (ponad 300) jako historyk i krytyk sztuki, uczyniła Wierę Michajłowną laureatką bezpłatnej Nagrody Triumfu Rosji. Ta nagroda jest uznawana za doskonałość w sztuce i literaturze.

W 1999 roku zmarła Krasovskaya Vera Michajłowna.

Epilog

Historia rosyjskiego baletu z wdzięcznością zachowuje nazwiska mistrzów sztuki tanecznej, którzy wnieśli kolosalny wkład w powstanie rosyjskiej choreografii. Są to znani Sh. Didlo, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diagilev, M. Fomin i wielu innych. A talent rosyjskich artystów przyciągnął i dziś przyciąga ogromną liczbę widzów w różnych krajach świata.

Do dziś rosyjskie zespoły baletowe uważane są za najlepsze na świecie.